Uma obra de arte é muito mais do que apenas uma imagem de uma pessoa ou lugar que você reconhece.

Além do conteúdo de qualquer obra de arte, se nos dispusermos a olhar mais profundamente, podemos ver que
cada obra de arte é composta por cores e/ou valores, texturas, linhas, espaços, e
formas ou contornos.

Estes são os "Elementos da Arte": Cor, Linha, Forma, Volume, Textura e Espaço, eles
são os blocos de construção que usamos para criar arte. Nenhuma peça de arte é criada sem
eles, mesmo quando o artista não está ciente de que os está usando. Mas um artista criterioso
estão sempre cientes deles. Eles admiram a paisagem bem pintada, e então admiraram
a maneira como o artista colocou os elementos juntos para criar aquela paisagem.

"The Fishermen", 1981 by National Artist Ang Kiukok

A verdade é que todos nós já estamos familiarizados com esses elementos, quando olhamos para O
Pescadores, de Ang Kiukok, podemos identificar as formas que ele usa para criar pessoas e
objetos, podemos ver as diferentes cores que ela usa para trazer energia à peça, e o
valores diferentes que ele usa para cada uma dessas cores para criar sombras. Podemos traçar os
linhas fluindo que definem cada pessoa, e os espaços que são criados entre cada
pessoa e objetos. Podemos até identificar diferentes texturas criadas pela tinta para dar
superfícies diferentes têm uma “sensação” diferente para elas.

Vamos olhar mais informações sobre os Elementos de Arte individuais

[Link]
o O elemento mais básico, antigo e universal.
o Uma marca contínua que vai de um ponto a outro.
o O tom de uma linha dependeria se é grossa ou fina, ou clara e escura.
 Tipos de Linha

o Visível e claramente expresso, pode variar muito em peso e

caráter.

o Linha implícita: linhas pontilhadas e tracejadas, criadas ao posicionar uma série de pontos de forma que
que o olho tende a conectá-los automaticamente.

o Linha Psíquica: criada quando não há uma linha real, mas a disposição dos objetos
ou direção causa o olho do espectador a seguir.

Direções da Linha
Linha vertical - estrutura básica de todas as formas, poder e delaminação, resistência.
estabilidade, simplicidade e eficiência.
A linha horizontal - cria uma impressão de serenidade e
estabilidade perfeita. Descanso, calma, paz e sossego.
 Linha diagonal - ela mostra movimento e instabilidade.
Retrata a ação de movimento.

Linha serrilhada - mostra violência, ziguezague, confusão, e

conflito.

Linha curva - mostra uma mudança gradual de direção e fluidez.

Isso significa uma forma sutil.

Funções da Linha
1. Linhas podem ser usadas para designar relações espaciais.

Perspectiva ou Linha Perspectival – linhas implícitas em uma obra que criam o

ilusão de profundidade.

Ponto de Fuga – percebido como o ponto mais distante do espectador.

Clique no link para saber mais sobre linha de perspectiva:[Link]

guia-final-para-perspectiva-de-um-ponto/

2. O arranjo das linhas sugere:

Ordem – se as linhas são paralelas ou repetitivas
Desordem - se as linhas colidirem, apresentadas aleatoriamente, caóticas, e dão um
impressão de conflito.

3. Linhas são usadas para mostrar a forma das coisas e seu volume.

O tom (claro e escuro, grosso e fino) da linha ajuda a ressaltar a forma de um

objeto.
 Linhas são usadas para expressar emoções e a forma como um artista desenha a linha sugere emoções.

Isso é comumente usado em desenhos gestuais, onde estamos fazendo uso de linhas gestuais.

Linha de gesto – quando linhas se juntam para representar volume e superfície como
bem como expressar movimento e emoções.

[Link]
o A intensidade da luz e da escuridão em uma superfície refletiva ou não transmissora de luz
ou médio.
o Em termos de desenho, quando usamos materiais de desenho 'monocromáticos', valor refere-se
aos diferentes matizes que podemos criar adicionando maior ou menor pressão com o
material dado, ou, adicionando mais camadas do material.
o Usando uma escala de valor acromática, mostra o valor do preto mais escuro ao branco
e todas as gradações de cinza entre eles.

Escala de Valor Acromático

Chiaroscuro, (do italiano chiaro, "luz," e scuro, "escuro"), técnica utilizada na

artes visuais para representar luz e sombra à medida que definem objetos tridimensionais
 Rembrandt: Cristo Curando os Enfermos (Gravura de Cem Guildas)
Cristo Curando os Doentes (Gravação de Cem Gulden), detalhe de uma gravura de Rembrandt mostrando o uso de
claro-escuro

[Link]
o O fenômeno que os humanos percebem visualmente.
o Tem o apelo estético mais elevado.
 Cor Significado
Preto Morte, desespero, escuridão, tristeza,
Azul Infinidade, Liberdade, Calma
Marrom Humildade
Verde Natureza, Frescor, Prosperidade, Esperança, Dinheiro

Laranja Doçura, alegria

Rosa Feminilidade, amor

Vermelho Bravery, Energy, Passion, War, Warm

Violeta Royalty, Dull
Branco Pureza, Clareza, Simplicidade, Virgindade, Paz
Amarelo Joyful, Life, Vibrant, Sunshine, Happiness

Propriedades da Cor

Matiz: Matiz é o nome da cor real. Então, por exemplo, Azul é um matiz.

Intensity: Intensity refers to the purity or brightness of a color. A High Intensity Blue is
a cor pura diretamente do tubo. Podemos diminuir a sua intensidade adicionando um pequeno
a quantidade do complemento daquela tonalidade específica. Então, se adicionarmos uma quantidade muito pequena
do laranja (o complemento do azul) para o azul, o azul ficará mais opaco. Nós teremos
criou um Azul de Baixa Intensidade
Valor: Valor refere-se a quão claro ou escuro uma cor é. Nós chamamos os valores mais escuros de Tons.
que criamos adicionando um pouco de preto à tonalidade. Chamamos os valores mais claros de matizes, que
são criados adicionando branco ao matiz. Assim, um Azul Escuro é um tom de azul, Azul Claro é
um tom de azul, estes são dois valores diferentes da tonalidade, azul.

Classificação das Cores

[Link] primárias - cores que não podem ser formadas a partir de misturas porque são puras
cores.

vermelho, azul e amarelo.

b. Cores secundárias - cores que se formam da combinação de duas cores primárias.

Exemplo:
Azul + Yellow = Verde
Vermelho + Azul = Violeta
Vermelho + Yellow = Laranja
3. Cores intermediárias - cores que se formam da mistura de uma cor primária e uma cor secundária.

Exemplo:
Amarelo + Green = Amarelo verde
Vermelho + Violet = Vermelho violeta

Vermelho + Orange = laranja avermelhado

4. Cores terciárias - resultam da combinação de duas cores secundárias.

Example:
Laranja + purple = russet
Laranja + green = citrão
Roxo + green = azeitonas

Cores Quentes: As cores quentes são Vermelho, Laranja e Amarelo. Essas cores podem transmitir uma
pintando uma sensação de calor físico, como no deserto ou perto de um fogo. Eles também podem ser
usado para retratar emoções intensas, como raiva ou amor.

Cores Frias: Verde, Azul e Violeta são as cores frias. Elas podem ser usadas para transmitir um
sensação de temperaturas mais amenas, ou para representar as emoções mais calmas e internas (tais
como tristeza (não uma emoção menor, mas uma emoção lidada internamente, ao contrário da raiva)
que é geralmente direcionado mais para fora). Essas conexões emocionais com a cor são
bem enraizado em nós, como, “Ela está triste/está se sentindo pra baixo.”
Cores complementares - cores que são opostas entre si na roda de cores.
Quando usados juntos, o complemento de uma cor ajuda a destacá-la. Quando um pouco de uma cor...
o complemento é adicionado a ele, neutraliza um pouco a cor, reduzindo a intensidade de
a cor. Quando é adicionado demais, cria uma cor lamacenta ou neutra.
 Cores Análogas – Cores que estão ao lado de outra cor. Usando pelo menos duas, mas não mais.
do que três cores que compartilham uma cor comum. Essas cores são adjacentes entre si.
outra na roda de cores. Exemplo: Laranja, Vermelho e Violeta são todos análogos, pois eles
todos compartilham uma cor comum: Vermelho. Vermelho-violeta e Vermelho-laranja também se encaixariam nesta cor
conjunto.

[Link]
o Quando tocamos um objeto, sentimos 'algo' sobre a superfície;
áspero, liso, macio, peludo, irregular, estriado, etc. Essa qualidade é chamada de textura - o
característica de uma superfície.

Dois Tipos de Textura

1. Atual - esta é a textura que podemos sentir. Em peças tridimensionais, um artista

cria uma textura real que pode ser estendida e sentida na obra. Isso significa que eles
use ferramentas de argila ou ferramentas de escultura para criar uma textura real na superfície de seu
material, ou adicionam materiais que possuem textura à escultura.
 [Link] simulada que aparece
aos nossos olhos como texturizado, mas na verdade não é. Em um desenho, pintura ou outra forma de arte dois-
obra de arte dimensional, os artistas criam uma textura simulada que oferece ao espectador uma
sensação de como o objeto pode se sentir: duro, macio, áspero, liso, peludo, de couro, afiado, etc.
Essas texturas simuladas podem ser criadas através de séries de linhas ou camadas de valor.
 [Link]ÇO
o Um objeto que desenhamos tem uma forma, uma escultura que construímos tem uma forma,
mas o Espaço é toda a área ao redor dessas coisas. Está acima e abaixo, entre e
em torno dos assuntos da nossa arte, e é tão importante quanto.
o Elemento que permite que a obra de arte seja percebida como um todo.

Tipos de Espaço

1. Planar - Em desenhos e pinturas, o espaço é plano, de fato, pois não possui profundidade.
Somos forçados a criar a ilusão de profundidade.
2. Espaço real - Na escultura, o espaço é real, tem altura, profundidade e largura.
e nós nos referimos a isso como espaço real. É a nossa capacidade de nos mover através do espaço real que
cerca de uma escultura que torna a escultura um meio tão interessante quanto é.
3. Flexible space-In performances, the space is wide and must be dealt with certain
flexibilidade. É a habilidade do artista de se mover livremente em um certo espaço que o torna
ocupar toda a área.
Seja esculpidas ou pintadas, muitas vezes nos referimos a formas e figuras como sendo 'positivas'.
formas ou formas. O que significa que eles têm uma massa própria, ou pelo menos a ilusão de
essa massa. Nesses momentos, referimo-nos ao espaço ao redor dessas formas como sendo
espaço "negativo".
o Espaço Positivo - espaço ocupado por um objeto, o sujeito de trabalho planar, ou de
corpo em movimento.
o Espaço Negativo - o vazio entre o sujeito e ao redor do sujeito.

Which is positive? Which is negative?

 Muitas vezes, os artistas trabalham com o espaço negativo para refinar sua capacidade de examinar a forma. Realmente
prestar atenção à forma do espaço nos permite notar coisas sobre uma forma que
caso contrário, normalmente não faríamos

[Link] E CONCEITO
Forma e formato são os termos que definem objetos no espaço.

o A forma tem duas dimensões; altura e largura. Para criar formas em uma página, nós
need to use other elements of art such as line, to define those shapes. The triangle,
illustrado à direita está uma forma simples 2-dimensional.

o As formas existem em três dimensões, com altura, largura e profundidade. As formas são coisas
que podemos experimentar no mundo real, como esculturas. Podemos alcançar e tocar
Eles. Formas podem ser colocadas juntas em um pedaço de papel ou tela para criar a ilusão
de ser tridimensionais, de ser uma forma, mas nunca se tornam verdadeiras formas.
A pirâmide à direita seria uma forma se a víssemos na vida real. Aqui está realmente
 apenas uma imagem de uma pirâmide, para que se torne um número de formas diferentes que criam o
ilusão de ter forma. Na vida real, a pirâmide é uma forma, em uma imagem é uma série de
formas triangulares.

Dois Tipos de Forma

o Forma Geométrica
. São círculos, retângulos, quadrados, triângulos e assim por diante - têm a clareza
bordas que se consegue ao usar ferramentas para criá-las.
. A maioria das formas geométricas é feita pelos humanos, embora os cristais também sejam
considerados geométricos apesar de serem feitos na natureza.
. São formas regulares e precisas.
o Forma Orgânica
. São formas com uma aparência natural e um aspecto fluido e curvado.
. Formas e contornos orgânicos são tipicamente irregulares ou assimétricos.
. Formas orgânicas estão associadas a coisas do mundo natural, como
plantas e animais.

Ao analisar esses elementos deliberadamente utilizados, o espectador é guiado para uma

compreensão mais profunda do trabalho.

Vamos agora olhar para as diferentes obras de arte e identificar o uso dos diferentes
elementos da arte.
A composição é talvez o aspecto mais negligenciado da criação artística. Também é um dos
aspectos mais importantes a serem acertados. Obviamente, há mais em criar um sucesso
obra de arte além da marcação e do domínio do meio. Nossa composição desempenha um
papel importante em como nossas obras são vistas e experienciadas pelo nosso público.

Composiçãoé a disposição dos elementos dentro do espaço pictórico (ou três-

espaço dimensional com uma escultura). O posicionamento e arranjo dos elementos
dentro de um trabalho afeta como um espectador interage com o que criamos.

PRINCÍPIOS DO DESIGN

Os princípios do design referem-se à maneira como os elementos da arte são dispostos em

uma obra de arte. Uma vez que os princípios da arte lidam principalmente com a organização de uma obra de
arte, eles influenciam principalmente a composição. Ao dominar os princípios da arte, podemos
melhorar nossas composições de desenho e pintura.

Balanço
O equilíbrio refere-se à distribuição geral do peso visual em uma composição. Um bem-
a composição equilibrada é agradável de se olhar.

Cada componente visual de uma obra de arte tem peso visual. Diferente do peso real,
o peso visual não é medido usando uma balança, mas deve ser observado em vez disso. Visual

o peso se equilibra em torno do eixo de uma obra de arte. O eixo pode ser vertical, no qual visual
os elementos se equilibram de ambos os lados do eixo. As obras de arte também podem se equilibrar em torno de um

eixo horizontal, no qual os elementos visuais se equilibram de cima para baixo.

Três Tipos de Equilíbrio

Equilíbrio Simétrico

A simetria é um tipo de equilíbrio formal em que duas metades de uma obra de arte se espelham.

outro. Esse tipo de equilíbrio é familiar e comum. O corpo humano é equilibrado

simetricamente assim como nosso planeta, nossos carros, roupas, móveis etc. A simetria impõe uma

forte senso de ordem e estabilidade tanto na composição quanto no assunto.

Equilíbrio Radial

O equilíbrio radial é simetria em várias direções. Elementos visuais são dispostos ao redor
um ponto central na composição. Frequentemente, os designs radialmente equilibrados são circulares. Outros

formas também se prestam ao equilíbrio radial - quadrados, hexágonos, octógonos, estrelas,

etc.

Na natureza, observamos mais facilmente o equilíbrio radial na forma de flores.

O equilíbrio radial é prevalente no design humano também; rodas de carro, cúpulas arquitetônicas,

relógios, tampas de bueiro, uma bússola, etc.

Equilíbrio Assimétrico

A assimetria é informal e parece menos organizada do que a simetria. As duas metades de um

obras de arte assimétricas equilibradas não parecem iguais, mas têm pesos visuais semelhantes.

O equilíbrio assimétrico é mais subjetivo do que tanto a simetria quanto a simetria radial.

A assimetria permite mais variedade em uma composição do que a equilibrada simetricamente

designs. Ele proporciona a mesma sensação "confortável" que a simetria sem usar como
elementos de cada lado de um eixo central.
Muitos artistas apreciam o equilíbrio assimétrico porque ele parece menos rígido e mais

mais realista do que o equilíbrio simétrico. Embora a simetria deixe claro o desejo do artista de

apresentar uma imagem visualmente equilibrada, o equilíbrio assimétrico não acontece por acaso,

mas em vez disso requer planejamento e intenção.

 PROPORÇÃO

Proporção é o princípio da arte que se refere ao tamanho relativo. Proporção trata principalmente de
a relação do tamanho de um elemento em comparação a outro. Ao desenhar ou
pintar realisticamente, a proporção é importante. Se as proporções estiverem incorretas, então o
a imagem resultante parecerá menos realista ou abstrata.
Proporção não se refere ao tamanho geral, mas sim à relação dos tamanhos de dois ou
mais assuntos ou elementos. Na arte, o tamanho de um elemento é referido como escala. Para
exemplo, uma bola de basquete e uma bola de beisebol são diferentes em escala, mas compartilham o mesmo em
proporção.
Alternativamente, os artistas podem usar a proporção para efeito. Ao manipular a proporção, o artista
pode fazer seu/sua assunto parecer forte, fraco, engraçado, misterioso, etc. Nós podemos
exagerar proporções para enfatizar um significado ou um elemento dentro da cena. Para
por exemplo, um artista de caricatura distorce proporções para criar uma imagem estilizada do
assunto.

MOVIMENTO

O movimento visual é o princípio da arte usado para criar a impressão de ação em uma obra.
da arte.

O movimento pode se aplicar a um único componente em uma composição ou a todo o conjunto.

a composição de uma só vez. O movimento visual depende do outro elemento e

princípios da arte. Ritmo, linha, cor, equilíbrio e espaço são todos exemplos de elementos
e princípios da arte que podem desempenhar um papel importante no desenvolvimento do movimento em uma obra de arte.

Criando movimento com ritmo

O ritmo está em toda parte. Linhas de janelas e colunas acrescentam ritmo à arquitetura.

Livros em uma prateleira e pisos de azulejos adicionam ritmo à vida diária. Cada um desses exemplos tem

algo que é repetido.

O elemento repetitivo é geralmente referido como um motivo. Para criar movimento através de
ritmo, uma obra de arte deve ter um motivo.

Se um motivo é variável em tamanho e espaçamento, então o ritmo é considerado irregular.

Um ritmo irregular parece natural. Árvores crescendo em uma floresta têm um ritmo irregular.
Cada árvore é única. Algumas são finas e algumas são largas, mas todas são árvores.

Se o motivo é idêntico em tamanho e espaçamento, diz-se que é regular. Irregular

o ritmo parece organizado e intencional. Os postes de luz ao longo de uma rua da cidade têm um padrão regular

ritmo - cada um igual ao próximo.

Um motivo atua como um guia através da composição. Nossos olhos se movem de um exemplo para outro.

o motivo para o próximo. A quantidade de espaço entre as manifestações do motivo define o

tempo ou velocidade com que nossos olhos se movem ao redor da composição.

Olhe para as imagens abaixo. Abaixo está uma fotografia de Étienne-Jules Marey. Esta é uma

estudo de uma pessoa caminhando. O motivo é obviamente a pessoa. O ritmo do

a pessoa repetida gera uma sensação de movimento na composição. Note o
formas angulares interessantes entre cada posição congelada da figura.
No desenho acima, tecnicamente não há pessoa. As formas irregulares e angulares de
a foto é o sujeito. A progressão, repetição das formas gera movimento
na composição.

ÊNFASE
Ênfase é o princípio da arte que ajuda o público a entender a história de uma pintura.
juntos em suas próprias mentes.

Qualquer objeto ou área de ênfase é chamado de ponto focal. O ponto focal deve ser o
parte de uma obra de arte para a qual os olhos do espectador são primeiro atraídos. As obras de arte podem ter

vários pontos focais. O grau em que os pontos focais se destacam determina o

ordem em que o espectador os nota.

Ways to create emphasis

Contraste

Dê uma olhada na imagem dos tomates abaixo. O tomate verde está misturado ao vermelho.
tomates, mas não se perde no grupo. É claramente o ponto focal por causa de um
contraste forte de cor.

Três elementos da arte: cor, valor e

texturas são úteis para criar ênfase por meio do contraste. Usando textura em apenas um lugar

ou colocar um objeto leve em um ambiente escuro atrairá a atenção do

visualizador.

Isolamento
A isolação é uma maneira simples de garantir que o "personagem principal" de uma imagem seja notado.

Coloque um objeto de ênfase fora de um agrupamento e você forçará seu público a

esteja ciente disso.

Look at the drawing of coins below. The large pile of coins on the left may be worth
more than the single coin on the right, but the coin on the right seems more important
simplesmente porque está isolado do resto.

Localização

Usando um alvo como exemplo, a localização de um elemento composicional contribui para

nossos sentimentos sobre ênfase também. O centro de um alvo de dardos está no centro para
boa razão. Todas as coisas sendo iguais, um espectador olhará para o centro de uma composição

primeiro. Colocar objetos ou pessoas importantes perto do centro de uma tela aumentará o seu
ênfase.

Convergência
Linhas e arestas podem funcionar como flechas para indicar um ponto focal. Não apenas linhas óbvias.

trabalhar mas também linhas implícitas (linhas invisíveis). Por exemplo, a direção de uma pessoa

o olhar pode indicar ao público onde olhar a seguir.

Tente você mesmo. Da próxima vez que estiver do lado de fora com outras pessoas, apenas olhe fixamente para o céu por

um momento e outros começarão a seguir seu olhar com o deles.

No desenho abaixo, as características arquitetônicas apontam para, ou convergem, na pequena

figura na estrada. Além disso, a figura está localizada perto do centro da composição
para ajudar o público a encontrá-lo.

O Incomum

Uma maneira divertida de criar ênfase em uma composição é fazer com que um elemento se destaque.

porque é tão diferente – um objeto redondo entre formas angulares, uma fila de pessoas com
um virado para o lado errado. Pense nisso como a 'reviravolta' no final de um filme. Se você está
mudando o que o público espera para algo inesperado, então você criará um
ponto de ênfase marcante.

Olhe para a fila de pessoas na ilustração abaixo. Veja como a pessoa com a cabeça de
uma mosca simplesmente aparece e exige sua atenção.

VARIEDADE, HARMONIA E UNIDADE

Esses três princípios são melhor compreendidos como um grupo, já que estão relacionados. O primeiro

dois, harmonia e unidade. O terceiro é chamado de variedade.

HARMONIA

A harmonia é o princípio da arte que cria coesão ao enfatizar as semelhanças de

partes separadas, mas relacionadas.

Deve-se notar que harmonia não é o mesmo que unidade. No entanto, a harmonia.
aperfeiçoar a unidade em uma obra de arte. Especificamente, a harmonia utiliza os elementos da arte (cor,

linha, forma, valor, espaço, textura) como um veículo para criar um senso de união
entre partes de outra forma separadas.
Um conjunto de cores que se relacionam de acordo com um esquema específico cria harmonia.

Da mesma forma, uma textura uniforme de pinceladas na superfície de uma tela cria
harmonia.
Outra maneira de garantir harmonia é escolher componentes composicionais que são
semelhantes em forma e contorno. Por exemplo, uma composição que utiliza apenas curvas

as formas terão mais harmonia do que uma composição semelhante que inclua tanto curvas e
formas geométricas. As partes da imagem abaixo estão em harmonia porque cada contorno
é uma curva.

VARIEDADE

A variedade é o princípio da arte que acrescenta interesse a uma obra de arte. Toda harmonia e nenhuma variedade.

é entediante.

Quando um artista coloca diferentes elementos visuais um ao lado do outro, ele/ela está usando

variedade. Linhas retas ao lado de linhas curvas adicionam variedade. Formas orgânicas entre geométricas

formas acrescentam variedade. Cores brilhantes ao lado de cores opacas adicionam variedade.

Harmonia e variedade competem em uma composição. Muita harmonia é chata.

Enquanto muita variedade é desprovida de propósito e incompreensível.

Olhe para a imagem abaixo. Tanto a harmonia quanto a variedade são evidentes. Os quadrados laranja

e a grade azul que os rodeia está em harmonia com base na cor e na forma.
A forma redonda de quadrados distorcidos adiciona variedade. A bola quebra a monotonia de

quadrados e adiciona juros.

UNIDADE

A unidade é o princípio da arte que confere a uma obra a sensação de "unicidade".

harmonia são similares, mas a unidade é mais ampla. Existem inúmeras maneiras de criar unidade

na arte. Algumas dessas maneiras são particulares ao estilo de cada artista.

Unity is about separate parts working together. We can better understand unity by
pensando em um carro. O propósito de um carro é fornecer transporte. Quando as muitas partes
de um carro estão trabalhando juntos, ele se move. Nenhuma parte do carro, separada do todo, é

capaz de fornecer transporte. Quando o carro funciona como deveria, as peças são
trabalhando juntos em unidade.

Aqui estão alguns métodos comprovados que garantem uma composição unificada...
 Simplicidade
Repetição
Proximidade
Simplicidade – A simplicidade refere-se a reduzir intencionalmente a quantidade de variedade potencial.
Por exemplo, um desenho a lápis de grafite provavelmente exibirá alguma medida de unidade, dado o
falta de cor. Ao eliminar a cor, a imagem é mais simples do que poderia ser potencialmente.
se a cor fosse introduzida.
Olhe para a imagem abaixo. A simplicidade do tipo de linha e a falta de cor são
simplificações da referência original. Grande parte da informação visual foi
intencionalmente deixado de fora. O resultado é uma imagem unificada.
Repetição – A repetição dentro de uma composição garantirá uma sensação de unidade.
As tesselações são um exemplo óbvio de como a repetição unifica uma composição. A
tesselação é um arranjo de formas que se encaixam em um padrão repetido sem
lacunas.

A repetição também pode unificar uma série inteira de obras de arte, como um grupo de pinturas. Uma certa

forma, objeto ou textura que se repete entre um grupo de pinturas atua como um motivo,
ajudando cada pintura a sentir-se como parte de um todo maior.

Proximidade – Proximidade refere-se à proximidade de diferentes componentes em uma obra de arte.

Ao colocar as partes perto uma da outra, a mente é capaz de ver as partes como uma coisa, uma massa.

O espaço negativo é o espaço entre os elementos em uma obra de arte. Pode se referir ao
“espaços vazios” dentro de um desenho ou pintura. Quanto mais limitado o espaço negativo, mais

mais unificadas as áreas de uma composição podem parecer.

A tesselação abaixo depende tanto da repetição quanto da proximidade, resultando em um altamente

imagem unificada. Devido à completa falta de espaço negativo, as formas de pássaros repetidas

sinto como um padrão.