RENASCIMENTO
Arte – Profº Geder – 1ª Série Ensino Médio
• As fases do renascimento reúnem três momentos:
• Trecento (século XIV)
• Quattrocento (século XV)
• Cinquecento (século XVI)
– Fases relacionadas ao renascimento artístico e cultural que
começou na Itália no século XIV, mais precisamente na
cidade de Florença.
• Ainda que elas apresentem características em comum, por
exemplo, o humanismo e a inspiração na arte clássica, se
diferem em alguns aspectos.
Desenvolveu na Europa entre 1300 e 1650.
Nome: sugere um súbito reviver os ideais
greco-romanos.
Ocorreram muitos progressos e incontáveis
realizações nos campos da arte, literatura e
ciência.
Num sentido amplo possui um ideal da valorização
do homem e da natureza, em oposição ao divino e
ao sobrenatural (conceito impregnado na cultura
da Idade Média).
Características da pintura Renascentista:
- Perspectiva: Modo tridimensional de representação, no
desenho ou pintura, as diversas distâncias e proporções que
têm entre si os objetos vistos à distância, segundo os
princípios da matemática e da geometria.
- Uso do chiaroscuro (claro-escuro): pintar algumas áreas
iluminadas e outras na sombra. Esse jogo de contrastes
reforça a sugestão de volume dos corpos.
- Realismo: o artista renascentista não vê mais o homem
como simples observador do mundo que expressa a
grandeza de Deus, mas como a expressão mais grandiosa do
próprio Deus. E o mundo é pensado como uma realidade a
ser compreendida cientificamente, e não apenas admirada.
- Inicia-se o uso da tela, da tinta à óleo e da xilogravura.
- Tanto a pintura como a escultura, que antes apareciam
quase que exclusivamente como detalhes de obras
arquitetônicas, tornam-se manifestações independentes.
- Surgimento de artistas com um estilo pessoal, diferente dos
demais, já que o período é marcado pelo ideal de liberdade
e, consequentemente, pelo individualismo. O artista era
mais livre em relação ao rei e à Igreja. Era um criador
independente, que se expressava apenas contando com sua
capacidade de criação.
Características das esculturas Renascentista:
- Eram naturalistas;
- Rigor na anatomia;
- Serviu de estudos para futuros artistas (ex: Leonardo da Vinci)
- Paixões e sentimentos caracterizados nos seres humanos;
- Nus ou seminus.
Artistas
Giotto di Bondone (1266-1337)
Ligação entre Idade Média e Renascimento
É considerado o primeiro gênio do Renascimento italiano.
Sua arte modificou a maneira de conceber os temas religiosos e
superou a pintura bizantina, dando-lhe um caráter tridimensional e
humanizado.
Discípulo do grande mestre Cinni di Pepo
(também conhecido como Cimabue).
Foi também um artista que fez a ligação entre a
arte medieval e a renascentista.
Giotto
A Lamentação A fuga para o Egito
(1303/1306)
1,82 x 1,82 – Capela Arena, Pádua
Piero della Francesca (1410-1492)
A geometria do humano
A pintura não tem a função de representar um acontecimento;
As cenas servem como suporte para a apresentação de uma
composição geométrica.
Piero della Francesca
O Batismo de Cristo Ressureição
Tela 167 x 116 cm Mural (afresco) 225 x 200 cm
National Gallery, Londres Pinacoteca Comunale, Sansepolcro
Sandro Botticelli (1445-1510)
linhas que sugerem ritmo e não energia
As figuras humanas são belas porque manifestam a graça divina e ao
mesmo tempo melancólicas porque perderam esse dom de Deus;
Temas tirados da antiguidade grega ou das tradições cristãs;
Ritmo suave e gracioso para as figuras pintadas.
Sandro Botticelli
Primavera
Tela 203 x 314 cm
Galleria degli Uffizi, Florença
Sandro Botticelli
Nascimento de Vênus
Tela, 172,5 x 278,5 centímetros
Galleria degli Uffizi, Florença
Leonardo da Vinci (1452-1519)
conhecimento científico e beleza artística
Foi aprendiz de Verrocchio (escultor e pintor consagrado)
Dedicou-se ao estudo de perspectiva, óptica e proporções e
anatomia
Pintou pouco, um afresco (Santa Ceia) e cerca de
15 quadros
Dominou com sabedoria um jogo expressivo de
luz e sombra
Leonardo da Vinci
Última Ceia
Técnica mista, 460 x 880 cm
Convento de Santa Maria delle Grazie, Milão
Leonardo da Vinci
A Virgem das Rochas Mona Lisa (La Gioconda)
Tela 199 x 122 cm Tela 77 x 53 cm
Museu do Louvre, Paris Museu do Louvre, Paris
Leonardo da Vinci - Exemplo de mudança na representação (antes:
religiosidade, angústia de quem não a pratica.
Homem Vitruviano
Desenho
Expõe o traçado e as perfeitas
proporções do corpo humano.
A Virgem e o Menino com Santa Ana Também é um conceito da obra “Os dez
Óleo sobre madeira, 168 x 130 cm livros da Arquitetura”, do arquiteto
Museu do Louvre, Paris romano Marco Vitruvio Polião.
Michelangelo (1475-1564)
a genialidade a serviço da expressão da dignidade
humana
Foi aprendiz de Domenico Guirlandaio (consagrado pintor de
Florença)
Entre 1508 e 1512 pintou o teto da Capela
Sistina e entre 1537 e 1541 o altar.
Além de pintor era escultor
Michelangelo
Capela Sistina
1508 – 1512 – TETO
1537 – 1541 -
ALTAR
afresco
Vaticano
Michelangelo
Teto Capela Sistina
Michelangelo
Detalhe:
Capela Sistina
Michelangelo
Pietá
Mármore
Alt 174 cm, larg 195cm
Basilica São Pedro,
Vaticano
Michelangelo
David Moisés
Mármore, altura 434 centímetros 1515 Mármore, altura 235 cm
Galleria dell'Accademia, Florence San Pietro in Vincoli, Roma
Rafael Sanzio (1483-1520)
equilíbrio e simetria
É considerado o pintor que melhor desenvolveu na Renascença os
ideais clássicos de beleza: harmonia e regularidade de formas e de
cores
Tornou-se conhecido por pintar figuras de Maria
e Jesus
Em “A escola de Atenas” é admirável a sugestão
de profundidade e a beleza das arcadas e
estátuas
Equilíbrio e Simetria
Rafael Sanzio
Ressureição de Cristo A Madonna do Grão Duque
Óleo sobre madeira Óleo sobre madeira, 84 x 55 cm
52 cm × 44 cm Galleria Palatina (Palazzo Pitti),
Museu de Arte de São Paulo Florença
Rafael Sanzio
A Escola de Atenas / Afresco - largura na base 770 centímetros
Stanza della Segnatura, Palazzi Pontifici, Vaticano
Verrocchio (1435-1488)
escultor
Era ourives
Seguro na criação de volumes
Tinha como discípulo Leonardo da Vinci
Verrocchio
Cristo e Tomé
1476-1483
Bronze, altura 230 cm
Orsanmichele, Florence
BARROCO
Arte – Profº Geder – 1ª Série Ensino Médio
Barroco:
Termo de origem espanhola ‘Barrueco’,
aplicado para designar pérolas de forma
irregular.
O surgimento Arte Barroca deve-se a uma série
de mudanças econômicas, religiosas e sociais
ocorridas na Europa.
Origem: ROMA (1590 - 1720).
Proposta: Discutir as tensões religiosas da época
(Renascimento: idealismo/ Maneirismo:
artificialismo).
Com essa intenção, era uma arte nova,
impactante, capaz de arrebatar o observador ao
ver a obra. Esse “choque” valeu-se da
dramaticidade.
Igreja católica:
enfraqueceu – motivo: humanismo, Renascimento e Reforma
Protestante, em 1517.
O grande Império cristão começou a se fragmentar em diversas religiões,
pois a força da razão libertava o homem do autoritarismo.
Organizou Contrarreforma, desenhada no Concílio de Trento, em 1545:
tomou iniciativas importantes que visava reforçar e difundir sua doutrina
para todos, não só os letrados.
Foi então que se estabeleceu a Companhia de Jesus, ordem religiosa que
objetivava no trabalho dos padres jesuítas difundir a fé católica entre os
povos não-cristãos e edificar grandes igrejas.
É na construção e decoração dessas igrejas que nasce a arte barroca.
Arquitetos, escultores e pintores foram convocados para transformar
igrejas em verdadeiras exibições artísticas, cujo esplendor tinha o
propósito de converter ao catolicismo todas as pessoas.
A Contrarreforma encontra na arte barroca a maneira de
cativar os espíritos.
Imperadores e reis de toda Europa católica (Espanha, Itália e
França) respeitavam a igreja e encomendaram projetos de
arquitetura, pinturas e esculturas a fim de glorificar a grandeza
divina e reforçar sua posições políticas junto ao papado.
Em áreas protestantes, como a Holanda, a arte barroca foi feita
para atender às aspirações crescentes dos comerciantes e das
classes médias.
Ela se manifestou de forma distinta em cada
país, porém manteve algumas características
básicas:
- Emocional sobre o racional.
- Escolha de cenas no seu momento de maior
intensidade dramática.
- Violento contraste de luz a sombra
(chiasroscuro).
- Composição assimétrica, em diagonal.
- Temas religiosos, mitológicos e do cotidiano.
- Pintura com efeitos ilusionistas.
Artistas Barrocos
Caravaggio
a beleza além da aristocracia
Não se interessava pela beleza clássica (deuses da mitologia ou
membros da aristocracia).
Seus modelos eram vendedores, ciganos, gente do povo.
Utilização original da luz: não aparece como
reflexo da luz solar e sim de modo intencional
para direcionar a atenção do observador. Esse
jogo de luz chamamos de Tenebrismo.
Considerado o pintor da luz.
Caravaggio
inspiração de São Mateus
Óleo sobre tela
296 x 189 cm
Contarelli Capela, São Luís
dos Franceses, Roma
Caravaggio
A incredulidade de São Tomé
Óleo sobre tela, 107 x 146 cm
Caravaggio
Ceia em Emaús - Óleo sobre tela, 141 x 196 cm - National Gallery, Londres
Caravaggio
Davi com a Cabeça de Golias
Óleo sobre tela
125 x 101 cm
Galleria Borghese, Roma
Andrea Pozzo
a abertura para o céu
A pintura barroca também se desenvolveu nos tetos das igrejas e
palácios.
Finalidade decorativa, porém apresentava uma perspectiva
trabalhada de forma audaciosa.
Andrea Pozzo
Alegoria da Obra Missionária dos Jesuítas
Afresco
Sant'Ignazio, Roma
Rubens: um colorista vibrante
- Criar cenas que sugerem, a partir das linhas contorcidas dos
corpos e das pregas das roupas, um intenso movimento.
- Em seus quadros, é geralmente, no vestuário que se
localizam as cores quentes que
contrabalançam a luminosidade da
pele clara das figuras humanas.
- Trouxe energia, sensualidade e drama,
não só nas obras religiosas como
também temas históricos e mitológicos.
Rubens
Assunção da Virgem
Óleo no painel, 490 x 325 cm
Antuérpia
Rubens
A descida da cruz - Óleo sobre painel, 421 x 311 cm (painel central), 421 x 153 cm (asas)
Rubens
Cristo na cruz entre os dois ladrões
Óleo no painel, 429 x 311 cm
Velázquez
retrato da corte espanhola
Assim como Caravaggio, trabalhou a luz em contraste com a sombra.
Retratou a corte espanhola do século XVII.
Dedicava-se principalmente a retratos
humanos totalmente realistas e, como todas
as artes barrocas, repleto de expressividade,
detalhes e forte uso de luz e sombra.
Velázquez
O aguadeiro de Sevilha
1,08 x 80 cm
Londres
Velázquez
Cristo na Cruz
Óleo sobre tela
248 x 169 cm
Museo del Prado,Madrid
Velázquez
As Meninas ou família de Filipe IV
Óleo sobre tela
Museo del Prado, Madrid
Rembrandt
a gradação da claridade
Trabalha com precisão os efeitos da luz.
O que dirige a atenção não é o contraste entre
luz e sombra, mas os diversos graus de
claridade, os meios-tons, as penumbras que
envolvem áreas de luminosidade intensa.
Talvez seja o artista mais lembrado por seus
retratos, paisagens e temas religiosos.
Rembrandt
A aula de anatomia do Dr. Nicolaes Tulp
Óleo sobre tela
170 x 217 cm
Mauritshuis, em Haia
Rembrandt
O Retorno do
Filho Pródigo
Óleo sobre tela
262 x 206 cm
O Hermitage,
de São Petersburgo
Vermeer
a delicadeza da vida comum
Trabalha os tons em plena claridade.
Seus temas são vida das pessoas comuns da
Holanda.
Documentam os momentos simples da vida
cotidiana.
Vermeer
Moça com Brinco de Pérola
Óleo sobre tela, 46,5 x 40 cm
Mauritshuis, em Haia
Vermeer
A leiteira
Óleo sobre tela, 45,5 x 41 cm
Rijksmuseum, Amsterdam
Bernini
Artista mais importante e completo (arquiteto, escultor, urbanista,
decorador e pintor).
Bernini
O Baldacchino
Davi Bronze
Mármore Basílica de São Pedro -
170cm Vaticano
O Êxtase de Santa Teresa
mármore
Cappella Cornaro, Santa
Maria della Vittoria, Roma
Bernini
O rapto de Proserpina Apollo e Daphne
1621-1622 1622-1625
Mármore. 295 cm de altura Mármore de Carrara, altura 243 cm
Galleria Borghese, Roma Galleria Borghese, Roma
IMPRESSIONISMO
Arte – Profº Geder – 1ª Série Ensino Médio
Século XIX
✔ Arte
▪ representação da realidade.
▪ um mundo real e concreto mostrando a realidade como
ela era.
GUSTAVE COUBERT ALMEIDA JÚNIOR
(França) (Brasil)
• Bonjour Monsieur Courbet 1854
• Caipira picando fumo 1893
Fotografia
Surge nos meados do século
XIX e toma conta da pintura
de retrato.
IMPRESSIONISMO
✔ TERMO “IMPRESSIONISTA” : cunhado como
um insulto.
✔ Impressionismo: Foi um movimento que
revolucionou a pintura e deu início às grandes
tendências de arte do século XX, trouxe uma
nova forma de ver o ato de pintar.
OS IMPRESSIONISTAS:
✔ observação luz solar nos objetos longo do dia –
variação de cores.
✔ Compartilhavam técnicas e procedimentos, não
chegaram a formar uma escola ou sistema.
Procedimentos Gerais dos Impressionistas
- captar o instante;
- criar imagens que dependessem da luz e seus efeitos;
- Tintas são aplicadas fresca à tela sem espera de
secagem;
- reinventaram a pintura com base nas leis da
percepção visual (uso de cores);
- uso de cores complementares nas sombras (azul e
violeta ao invés de marrom e preto nas sombras);
- não utilização da cor preta nas suas misturas;
- não faziam questão de mostrar detalhes (contornos
nítidos) nas obras, preferiam apresentar a impressão
causada pelos efeitos da luz do sol.
EXEMPLO: La Grenouillière
Renoir
EXPOSIÇÃO COLETIVA – PARIS
ABRIL DE 1874
Primeiro contato do
público com as obras Impressionistas.
• A crítica e o público reagiu muito mal ao novo
movimento - ainda estavam fiéis aos princípios
acadêmicos da pintura.
• Os quadros lhe pareciam crus e inacabados
diante da arte tradicional que estavam
habituados.
• Os críticos e caricaturistas viram nos
impressionistas um alvo ideal.
PINTORES EXPOSITORES
RENOIR DEGAS PISSARRO SISLEY
MORISOT CÉZANNE MONET
Obra: IMPRESSÃO, NASCER DO SOL - Monet
Óleo sobre tela,
48 x 63 cm
Musée
Marmottan
Monet, Paris
Claude MONET
Na obra, Impressão, Nascer do Sol:
- interesse pela luz e seus efeitos da
natureza.
- Pintou objetos influenciados pelas imagens que viu.
- Priorizou em sua arte a rapidez e espontaneidade
dos traços e não tinha contornos nítidos.
- Obras sem detalhes e sim a impressão causada pela
luz do sol no amanhecer.
- Cores complementares (laranja e azul) priorizadas.
- Reflexos com movimento nas águas.
- Influência arte japonesa.
Monet
Série:
Catedral de Rouen
Ponte sobre uma lagoa de lírios de água
1899 - Óleo s/ tela, 93 x 74 cm
Louis Leroy – jornalista atacou
sarcasticamente o quadro de Monet
“IMPRESSÃO, NASCER DO SOL”. Escreveu
um artigo no jornal satírico LE
CHARIVANI, intitulado “Exibição dos
Impressionistas”.
O nome vingou,
definindo o estilo.
Cézanne
Pissaro
Sisley
Morisot
Renoir
Rosa e Azul - 1881
Óleo sobre tela, 74 x 119 cm
O balanço - 1876
Museu de Arte, São Paulo
Óleo sobre tela, 92 x 73 cm
Pierre Auguste RENOIR
- o mais famoso e reconhecido pela crítica.
- retratava a alegria e vida parisiense do final
séc. XIX.
Dança no Moulin de la
Galette - 1876
Degas
A classe de dança
1873-1876
Óleo sobre tela, 88 x 75 cm
Musée d'Orsay, Paris
Edgar DEGAS
- valorizava o desenho e não focava em
paisagens; preferia ambientes internos com luz
artificial.
- conhecido pela pintura de bailarinas.
Henry Degas e sua sobrinha
Lucie, 1876
Édouard MANET (precursor do Impressionismo)
- obras semelhantes às clássicas, teve certas
rupturas com o Academicismo.
- Obra mais famosa: ALMOÇO NA RELVA
CUBISMO
Arte – Profº Geder – 1ª Série Ensino Médio
CUBISMO
✔ Historicamente – origem nas obras de Cézanne,(tratava as formas da natureza como
cones, esferas e cilindros).
✔ Georges Braque e Pablo Picasso tiveram interesse comum nos últimos trabalho de
Cézanne.
✔ Paris - primeiras duas décadas do século XX.
✔ Nome: CUBISMO - Louis Vauxcelles - expressão: excentricidade cúbica - a partir de 1911
o termo passou a ser utilizado.
- Georges Braque, pintou uma série de
paisagens que foi comentada sua forma de
representar: reduzir os elementos da pintura
(casa, pessoas o objetos de contornos
geométricos) a cubos.
Casas de L'Estaque (1908)
Georges Braque
Os Cubistas foram mais longe que Cézanne:
● representavam objetos com todas as suas partes num mesmo
plano;
● como abertos;
● todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador;
● enfatizar a bidimensionalidade;
● formas geométricas
● decomposição dos objetos - abandono da perspectiva (altura,
largura e profundidade).
O Cubismo evoluiu em duas grandes tendências
(momentos)
Cubismo Analítico
(analisar as formas do objeto partindo-os em fragmento e espalhando pela tela)
✔ Desestruturação da obra;
✔ Decompor a obra em partes;
✔ planos sucessivos e superpostos
✔ visão total da figura (todos os ângulos no mesmo instante através da
fragmentação).
✔ Fragmentação intensa o que torna impossível o reconhecimento das figuras;
✔ Cor: tons de preto, cinza e alguns tons de marrom e ocre.
O Português - Braque Guitarra – Pablo Picasso
Cubismo Sintético
✔ excessiva fragmentação dos objetos e a destruição de sua estrutura;
✔ figuras novamente reconhecíveis;
✔ também chamado “Colagem” - inserido letras, palavras, números, pedaços de
madeira, vidro, metal e até objetos inteiros nas pinturas;
✔ ultrapassar os limites das sensações visuais que a pintura sugere, despertando
também no observador as sensações táteis.
Guitarra – Braque Bandolim - Braque
CRIADORES DO CUBISMO:
GEORGES BRAQUE E PABLO PICASSO
Guernica é uma pequena cidade localizada no norte de Espanha. Foi
bombardeada pelos nazistas em 26 de abril de 1937, durante a Guerra Civil Espanhola.
GUERNICA (1937) - PABLO PICASSO
Outros artistas Cubistas
Juan Gris (1887-1927)
Contribuiu para o Cubismo Sintético
Juan Gris
Fernand Léger (1881-1955)
Como a forma de suas obras tendiam a ser tubulares, ele foi apelidado de “tubista”.
Fernand Léger
EXPRESSIONISMO
Arte – Profº Geder – 1ª Série Ensino Médio
EXPRESSIONISMO
Surgiu como uma reação ao positivismo associado ao Impressionismo e Naturalismo.
Proposta: uma arte pessoal e intuitiva, tendo como principal fator o sentimento
humano. Procurou tratar as emoções humanas e as angústias que atormentam os
homens e mulheres do início do século XX.
Origem: 1904 e 1905 - Dresden, Alemanha.
Grupo: Ernst Ludwing Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rttluff - DIE BRÜCKE (A
PONTE) - refletir a ansiedade juvenil desses artistas em atravessar para um novo
futuro, ao qual eles se propunham.
Nomes mais influentes:
Edvard Munch , Vincent Van Gogh, James Ensor.
EXPRESSIONISMO NO BRASIL
Fundamental para eclosão do Movimento Modernista Brasileiro em 1922.
Anita Malfatti
Estudou na Alemanha
Repúdio de Monteiro Lobato - exposição 1917
Simpatia de Mário de Andrade, Menotti del Picchia, Di Cavalcanti
Ponto de Partida Semana de Arte Moderna, 1922.
Cândido Portinari
Série: Os retirantes - carga de dramaticidade, retrato do sertão.
Denunciar a desigualdade da sociedade brasileira e consequências desse
desequilíbrio.
Trabalhos com corpos humanos volumosos e pés enormes - relação íntima com a
terra.
Lasar Segall
Expressionismo deveria aspirar uma síntese que resolvesse o conflito entre o
materialismo e o desejo transcendental.
Cores fortes - expressando paixão e sofrimento humano.
Temas: mulatas, prostitutas, marinheiros, favelas e bananeiras..
O homem amarelo - Anita Malfatti
Criança morta - Candido Portinari
Mãe Preta - Lasar Segall
SURREALISMO
Arte – Profº Geder – 1ª Série Ensino Médio
“Automatismo Psíquico”
Técnica empregada pelos surrealistas que consiste em libertar
as amarras do inconsciente, deixando fluir o traço com tudo
que vier na mente, sem bloqueios ou julgamentos
SURREALISMO
O Dadaísmo e seu princípio do automatismo psíquico, propiciou o aparecimento do
SURREALISMO - França 1924.
André Breton – poeta e escritor liderou a criação desse movimento e escreveu seu primeiro
manifesto, em que associa a criação artística ao automatismo psíquico puro.
Dessa associação resulta que as obras criadas nada devem à razão, à moral ou a própria
preocupação estética.
Teve influência nas teorias psicológicas e estudos de sonhos de Sigmund Freud e ideias
políticas de Karl Marx.
Era uma livre associação de ideias, propunham um mundo privado da mente; deveria
produzir imagens surpreendentes, inesperada, absurdas e ilógicas - como os sonhos.
As obra de arte não é resultado de manifestações racionais e lógicas do consciente.
Obras Surrealistas: representam alguns aspectos da realidade (excesso de realismo) e
aparecem sempre associados a elementos inexistentes na natureza (criando conjuntos
irreais).
TENDÊNCIAS
SURREALISMO FIGURATIVO
Principais artistas:
Salvador DALI (1904-1989)
Marc CHAGALL (1887-1985)
René MAGRITTE (1898-1967)
SURREALISMO ABSTRATO
Principais artistas:
Joan MIRÓ (1893-1983)
Max ERNST (1891-1976)
Salvador DALÍ (1904-1989)
SURREALISMO FIGURATIVO
SALVADOR DALÍ
Metamorfose de Narciso
Mae West
SALVADOR DALÍ
A Tentação de Santo Antão
A persistência da memória
Marc CHAGALL (1887-1985)
SURREALISMO FIGURATIVO
Marc CHAGALL
Solidão
Eu e a Aldeia
René MAGRITTE (1898-1967)
SURREALISMO FIGURATIVO
René MAGRITTE
Golconda
O tempo ameaçador
Joan MIRÓ (1893-1983)
SURREALISMO ABSTRATO
Joan MIRÓ
O Carnaval do Arlequim
Personagens Invertidos
Max ERNST (1891-1976)
SURREALISMO ABSTRATO
Max ERNST
A Floresta Petrificada (1929)
Os bárbaros - 1937
LITERATURA
- Rejeição do romance e a poesia em estilos tradicionais (valores sociais da burguesia)
- Poesias e textos marcados pela livre associação de ideias, frases montadas com palavras
recortadas de revistas e jornais e muitas imagens e ideias do inconsciente.
Principais representantes:
Paul Éluard – “Capital da Dor” André Breton – “O Amor Louco”, “Nadja” e
“Os Vasos Comunicantes”.
CINEMA
- despreocupação total com o enredo e com a história do filme.
- Os ideais da burguesia são combatidos e os desejos não racionais afloram.
Filmes representativos: “Um Cão Andaluz” (1928) e “A Idade do Ouro (1930)” de Luís Buñuel
em parceria com Salvador Dalí.
SURREALISMO NO BRASIL
As ideias do surrealismo foram absorvidas na década de 1920 e 1930 pelo
movimento modernista no Brasil.
Podemos observar características surrealistas nas pinturas e esculturas.
CARTÃO POSTAL - Tarsila do Amaral
(influência do movimento no
trabalho)
EU VI O MUNDO, ELE COMEÇAVA NO RECIFE – Cícero Dias
MARIA MARTINS - MAIOR NOME DO SURREALISMO NO BRASIL
O IMPOSSíVEL