Upper Belvedere

A coleção Belvedere de Cranach a Lassnig

Artistas em sua época: como uma época molda sua arte? Como os artistas respondem às
convulsões e crises enquanto fazem parte do desenvolvimento social?
Esta apresentação da coleção vai além de uma história da arte puramente estilística
para focar nas interações entre arte e sociedade. Influenciada pelo ambiente
político e social, pelas migrações, pelas redes internacionais, e também pelas
condições económicas, a produção artística reflete a complexidade do seu tempo.
Cada seção da tela destaca autorretratos selecionados. Eles funcionam como um
leitmotiv, oferecendo uma visão sobre a mudança na imagem e na autoconcepção dos
artistas ao longo dos séculos, desde o anonimato e a dependência até a autonomia.
Os autorretratos acompanham o visitante nesta viagem cronológica pela mundialmente
famosa coleção do Belvedere – através de oitocentos anos de história da arte, desde
a Idade Média até a década de 1970.

O Tratado do Estado Austríaco restaurou a soberania estatal da República da Áustria

após o governo nazista, o fim da Segunda Guerra Mundial e o período de ocupação que
se seguiu. Em 15 de maio de 1955, o Tratado de Estado foi assinado no Belvedere
Superior pelos ministros das Relações Exteriores e altos comissários das quatro
potências aliadas União Soviética, Grã-Bretanha, EUA e França, bem como pelo
ministro das Relações Exteriores austríaco. As delegações chegaram pela manhã. Eles
foram recebidos no Marble Hall pelo Chanceler Raab, pelo Vice-Chanceler Schärf e
pelo Ministro das Relações Exteriores Figl. Inúmeras câmeras de todo o mundo foram
treinadas sobre os signatários e o tratado de trezentas páginas, encadernado em
couro verde. O ministro das Relações Exteriores russo Molotov foi o primeiro a
assinar; Leopold Fig foi o último, adicionando sua assinatura ao documento com
tinta verde. Por volta do meio-dia, os signatários saíram para a varanda do Upper
Belvedere e Fig apresentou o Tratado de Estado assinado e selado às multidões de
espera que explodiram em aplausos retumbantes.



Salão de mármore
O Marble Hall é a maior e mais magnífica sala do Upper Belvedere. Essencialmente,
mantém seu esplendor original hoje, como revela uma comparação com a visão de
Salomon Kleiner. O afresco do teto de Carlo Innocenzo Carlone glorifica os méritos
do Príncipe Eugene e sua família. Ele mostra o príncipe cercado por personificações
de suas virtudes, incluindo Justítia, ou Justiça, que está estendendo a mão para
ele. Acima, dois putti estão segurando um escudo estampado com a cruz da Casa de
Saboia. Então, como agora, pinturas de Ignaz Heinitz von Heinzenthal penduram sobre
as lareiras com representações de animais da menagerie do príncipe.



Franz Xavier Messerschmidt

Character Heads
Nos anos finais de sua vida, entre 1771 e 1783, o escultor Messerschmidt explorou
as emoções e estados humanos em um corpo de trabalho que compreende cerca de
sessenta bustos de retratos que são tão convincentes quanto misteriosos. À primeira
vista, suas "Cabeças de Personagens" são esculturas realistas. As expressões
faciais de algumas dessas cabeças masculinas de chumbo e alabastro nos parecem
estranhamente familiares. Ao trabalhar nesses objetos, a grande atenção de
Messerschmidt à sua própria reflexão provavelmente desempenhou um papel importante.
Alguns dos rostos, no entanto, são abertamente alterados e distorcidos ao ponto do
grotesco. A motivação do artista por trás da criação de representações tão incomuns
para este período nunca foi totalmente esclarecida. Mas uma coisa é certa: o
trabalho de Messerschmidt é único no período barroco tardio.










Ferdinand Waldmuller
Força Esgotada
Uma criança dorme pacificamente enquanto é negligenciada pela mãe que desmaiou de
exaustão. A pintura busca enfatizar as dificuldades enfrentadas pelas mulheres que
criavam crianças sozinhas no século 19 (mães solo).



Manhã de Corpus Christi

Borbulhando de antecipação, um grupo de crianças alegres se prepara para a
procissão de Corpus Christi.
Os finos vestidos brancos das meninas brilham intensamente à luz do sol. Um garoto
segurando uma vela ri e volta para o grupo. No entanto, as crianças em primeiro
plano parecem muito diferentes: descalças e mal vestidas, elas olham com espanto
para seus pares.
Embora se assemelhe a um instantâneo de um momento fugaz, este trabalho é uma cena
meticulosamente composta que também demonstra a abordagem distinta de Ferdinand
Georg Waldmüller à luz solar. O artista se dedicou ao estudo da natureza e
introduziu efeitos ousados de luz e sombra em suas pinturas.


Richard Gerstl
Self-Portrait Laughing
Independentemente dos grupos artísticos em Viena, ele desenvolve uma expressão
radicalmente moderna a partir de 1905 que parece estar à frente de seu tempo. O
grande amante da música deve ter encontrado inspiração nas obras de Edvard Munch.
No momento de sua morte precoce, com apenas 25 anos, o pintor deixa cerca de 80
obras, que só décadas depois se tornam conhecidas por um público mais amplo. Entre
eles estão inúmeras auto-retratações, nas quais Gerstl geralmente se mostra com uma
expressão séria. O riso que ele coloca no rosto neste retrato com pinceladas
selvagens também parece mais assustador do que resolvido.


Egon Schiele
The Embrace
Egon Schiele retratou os amantes como dois corpos intimamente - quase
desesperadamente - emaranhados. Isoladas em uma folha branca, as figuras se agarram
umas às outras enquanto o mundo ao redor se funde em um espaço abstrato. Em muitas
de suas obras, o artista se envolveu com a representação explícita, muitas vezes
erótica, do corpo humano. Mas aqui o foco dele não era a exibição provocativa de
nudez. Schiele abandonou poses exageradas e olhares penetrantes. Em vez disso, seu
Abraço fala de intimidade, proximidade e perda. Inspirado pelo exemplo do escultor
francês Auguste Rodin, Schiele viu o corpo.


Klimt
Gustav Klimt é conhecido como pintor de mulheres. Seus retratos encomendados
retratam principalmente membros da rica burguesia de Viena capturados em seus
papéis sociais. Dignos e confiantes, os sitters fixam os olhos em um espectador
imaginário. Por outro lado, as obras alegóricas de Klimt direcionam o olhar para
corpos sedutores e momentos íntimos. Muitos modelos nus posaram para ele no
processo de criação dessas imagens. No entanto, por volta de 1900, a vida das
mulheres estava lentamente começando a mudar. A busca por uma voz política
encontrou expressão no movimento pelos direitos das mulheres e na demanda pelo
sufrágio feminino. Essa autoconfiança recém-descoberta também se reflete nas obras
de artistas femininas da época que parecem demonstrar a maior liberdade das
mulheres.
Gustav Klimt não apenas moldou o gênero de retrato, mas também introduziu inovações
radicais na representação da paisagem e da natureza. O artista encontrou a maioria
de seus motivos de paisagem durante suas estadias anuais de verão no lago Attersee,
no Salzkammergut. Em um formato praticamente quadrado, muitas vezes sem céu ou
horizonte, ele direciona nosso olhar para uma seção confinada da paisagem.
Ocasionalmente, Klimt até usava um telescópio para ampliar essas passagens. Suas
paisagens não se desdoam à distância, mas enfatizam a superfície da imagem. Isso
aumenta o efeito de um padrão decorativo plano, ainda mais acentuado por uma
técnica de pintura que se inspirou no pontilismo. Klimt colocou suas pinceladas em
justaposição precisa.
O efeito geral levou o crítico de arte Ludwig Hevesi a descrever apropriadamente
essas imagens como "mosaicos pintados".

Palácio Krammer no Lago Attersee III



Portrai Of a Woman
A jovem vestindo um vestido de noite preto era uma amiga íntima da estilista Emilie
Flöge, companheira de toda a vida de Gustav Klimt. Para seu retrato, Klimt
selecionou um formato vertical que enfatiza a silhueta fina da figura. Sua pele de
porcelana e seu colar são renderizados com a mesma precisão delicada que a
tapeçaria na parede. O artista trabalhou nesse estilo altamente realista nos anos
por volta de 1890 de uma maneira que revela a influência da fotografia.



Judith
A história bíblica da corajosa Judith tem sido frequentemente retratada na arte.
Judith, uma viúva casta, embebeda o comandante inimigo Holofernes com a ajuda
divina e depois o decapita para libertar seu povo.
Gustav Klimt interpreta a heroína do Antigo Testamento como uma mulher fatal
erótica. Somente em uma inspeção mais detalhada vemos a cabeça decapitada de
Holofernes.
Judith segura quase com ternura, como se estivesse tentando empurrá-lo para fora do
quadro. Na pintura de Klimt não há espaço para o agressor masculino. Ele
transformou a história bíblica sobre a resistência em um conflito político em uma
imagem da batalha dos sexos e do triunfo de Judith como um ícone perigosamente
tentador da feminilidade.


O Beijo (Der Kuss)

A obra mais famosa de Klimt. Mostra um casal, derretendo em um, na borda de um
prado de flores. Apenas o padrão diferente das vestes distingue seus corpos que
estão envoltos em uma auréola dourada cintilante. Klimt realmente usou folha de
ouro real, prata e platina em sua pintura.
Ele presumivelmente começou a trabalhar nele em 1907 e expôs a pintura no
Kunstschau em junho do ano seguinte sob o título “Lovers”. De sua exposição, o
Ministério da Arte o comprou para a Modern Gallery - agora o Belvedere - por um
preço que era alto mesmo naquela época. No outono de 1909, um catálogo deste museu
citou o trabalho pela primeira vez como “O Beijo”, o título pelo qual é
mundialmente famoso hoje.

Adão e Eva
Klimt raramente se envolveu com assuntos bíblicos durante sua carreira. Uma de suas
últimas obras, que permaneceu inacabada quando ele morreu, mostra os primeiros
humanos Adão e Eva. No entanto, ele não estava interessado na representação mais
tradicional da Queda, concentrando-se na figura de Eva como a mulher por
excelência. Adão fechou os olhos, embriagado de amor, enquanto inclina a cabeça e
se aninha ternamente contra Eva. Mas Eva está olhando diretamente para nós.
As anêmonas no chão são emblemas de fertilidade, enquanto na Grécia antiga a pele
de leopardo era um símbolo de desejo desenfreado.
Na interpretação de Klimt, portanto, é Eva e não a cobra que é a tentadora.


Noiva
Gustav Klimt pintou A Noiva no último ano e meio de sua vida. Quando Klimt morreu
em 6 de fevereiro de 1918 após um derrame, este trabalho colorido foi descoberto
inacabado no cavalete de seu estúdio. Isso demonstra claramente os métodos de
trabalho de Klimt. Em alguns lugares, o desenho preliminar esboçado ainda está
visível, enquanto alguns dos motivos parecem terminados. No centro da pintura, uma
jovem descansa a cabeça no ombro de um homem. Seus olhos estão fechados; seu corpo
está completamente envolto. Ao seu redor, mulheres nuas estão se contorcendo em
êxtase erótico.
Neste grande trabalho alegórico sobre a relação entre homem e mulher, Klimt explora
seu conceito de desejo masculino pela última vez.


Cotagge Garden with Sunflowers
Girassóis e dálias, malmequeres, ásteres e phlox. Neste trabalho, Klimt mais do que
faz jus à sua reputação como o "artista da floração eterna". Contra um pano de
fundo de verde verdejante, ele encheu o plano de imagens com um mar vibrante de
flores. Esta matriz exuberante e vívida desperta memórias de um dia radiante de
verão. Ele nos transporta para um mundo de sonhos além do espaço e do tempo, onde
flores e folhas nunca murcham. Uma característica típica das pinturas de paisagem
de Klimt é seu formato quadrado. Para encontrar a seção perfeita de uma cena, o
pintor usou um visor. "Este é um buraco cortado em um pedaço de papelão", explicou
ele em uma carta ao seu amante Mizzi Zimmermann.


Amlie Zuckerkandl
O retrato inacabado de Amalie Zuckerkandl demonstra o método de Gustav Klimt de
trabalhar com o rosto como seu ponto de partida. Corpo e roupas são indicados
apenas usando traços esboçados. A mesma foi assassinada como judeia pelos nazistas
no campo de extermínio de Belzec em 1942. Na década de 1920, Zuckerkandl vendeu seu
retrato para Ferdinand Bloch-Bauer. Ele devolveu a pintura à filha de Amalie,
Hermine, em 1940/41, que a vendeu para a negociante de arte Vita Künstler em 1942.
Künstler legeu o retrato ao Belvedere em 1988. As reivindicações de restituição dos
herdeiros das famílias Bloch-Bauer e Zuckerkandl foram concluídas em 2008 com uma
decisão da Suprema Corte Austríaca contra a restituição.


Fritza Riedler
Esposa de um rico engenheiro mecânico, senta-se em uma cadeira como se estivesse
entronizado. As características delicadas de seu rosto pálido formam um contraste
marcante com seu cabelo escuro. Não há uma cintilação de expressão em seu rosto,
nem a menor agitação para fornecer um vislumbre dos pensamentos internos. Gustav
Klimt combinou a representação naturalista de seu modelo com um fundo dissolvido em
ornamentação.

Mãe de Dois Filhos
A jovem mãe adormeceu exausta, embalando seus dois filhos pequenos em seus braços.
O grupo está envolto em uma pilha de cobertores escuros que os mantém aquecidos e
se funde com seu ambiente indefinido. Apenas seus rostos adormecidos parecem
brilhar na escuridão. O trio está em um quarto escuro, do lado de fora ou até mesmo
na rua? Os contemporâneos de Gustav Klimt os viam como uma família à margem da
sociedade. A escolha do assunto é incomum para o artista, pois ele não abordou a
pobreza em nenhuma outra obra de arte. E, no entanto, o tema atemporal da pintura
parece ser o terno amor materno.


Dama de Branco
Lady in White é uma das pinturas inacabadas encontradas no estúdio de Gustav Klimt
após sua morte. É um bom exemplo da abordagem do pintor em seu período tardio:
Klimt posicionou seu modelo desconhecido dentro da tela quadrada para formar uma
diagonal dividindo o espaço da imagem. Isso cria três seções na composição com a
figura no centro, um fundo claro à esquerda e uma superfície escura em um local
oposto. Embora o pincelado visível seja típico das pinturas tardias de Klimt, a
planicidade pronunciada da imagem é uma característica do Jugendstil vienense.


Elena Luksch-Makowsky
A adolescência foi um tema amplamente explorado na arte por volta de 1900.
Em Adolescentia, uma pintura mergulhada em simbolismo, Elena Luksch-Makowsky
capturou esse estado frágil no limiar entre a brincadeira infantil e o despertar do
interesse sexual: um pouco desajoso, mas confiante, no entanto, uma garota maior do
que a vida é mostrada em pé em um prado coberto de flores da primavera.
A alguma distância, homens jovens e pubescentes reagem visivelmente à sua presença.
Nascido em uma família de artistas em St. Petersburg, a pintora se mudou para Viena
com seu marido, o escultor Richard Luksch. Aqui, a artista trabalhou em várias
mídias, criando pinturas e desenhos para esculturas.


Hans Makart
Magdalena Plach
Magdalena Plach, esposa do negociante de arte vienense Georg Plach, é retratada
aqui de perfil de um ângulo bastante baixo. O rosto dela é delineado contra o fundo
como uma silhueta. O tecido luxuso de seu vestido branco adiciona volume à sua
figura e aumenta sua presença. O imperador Franz Joseph I convocou Hans Makart para
Viena em 1869. E foi esse retrato que ajudou a garantir o avanço do jovem artista
um ano depois. Mulheres da burguesia aspiracional ficaram particularmente
impressionadas; todos queriam um retrato de Makart.


Os 5 sentidos: audição e visão

Audição, Toque, Visão, Cheiro e Sabor: a coleção Belvedere contém a série completa
de pinturas de Hans Makart retratando os cinco sentidos. Fiel aos gostos da época,
o artista os representou com modelos femininos nus, retratando uma sequência de
visualizações de uma única rotação do corpo e incorporando alusões sutis aos
sentidos. A série foi encomendada pelo Barão Joseph Alexander von Helfert para seu
apartamento no prestigiado Estacionamento de Viena. Formatos estreitos foram
escolhidos para que as pinturas pudessem ser penduradas entre as janelas, embora
nunca tenham chegado ao destino pretendido.




Edvard Munch
Homens a Beira Mar
Verão de 1907. Munch viajou para Warnemünde, um resort no Mar Báltico, por um
período de conva-lescência. Ele alugou uma pequena casa de pesca não muito longe do
mar, onde descobriu um novo objeto. Pela primeira vez, o artista norueguês
concentrou sua atenção no corpo masculino nu. No ano seguinte, ele pintou dois
homens na praia em uma pose frontal, enquanto um terceiro mergulha nas ondas ao
fundo. Esta versão foi destinada a uma exposição no Kunstsalon Clematis em
Hamburgo, mas nunca saiu da adega da galeria: "As pessoas ainda não estão
acostumadas a ver homens nus", como o colecionador Gustav Schiefler escreveu a
Munch. Obras do pintor norueguês foram exibidas na Secessão de Viena em 1904.


Monet
O chefe (Der Koch)
A luz! As cores! Pinturas impressionistas parecem irradiar luz de dentro. De perto,
tudo o que vemos no início são pinceladas de tinta. Somente à distância certa o
chapéu e a jaqueta do chef, passagens iluminadas e sombras tomam forma. Como todos
os impressionistas, Claude Monet não estava interessado em retratar meticulosamente
objetos reais, mas sim na percepção fugaz de fenômenos ópticos. A babá é Paul
Antoine Graff. Ele era um chef muito elogiado e proprietário de um pequeno hotel em
Pourville, no norte da França, onde Monet ficou por várias semanas em 1882. Em
1903, esta pintura foi exibida na Secessão de Viena, onde foi comprada para este
museu.


Pescadores no Sena perto de Poissy



Van Gogh
A Planície de Auvers
Verão de 1907. Munch viajou para Warnemünde, um resort no Mar Báltico, por um
período de conva-lescência. Ele alugou uma pequena casa de pesca não muito longe do
mar, onde descobriu um novo objeto. Pela primeira vez, o artista norueguês
concentrou sua atenção no corpo masculino nu. No ano seguinte, ele pintou dois
homens na praia em uma pose frontal, enquanto um terceiro mergulha nas ondas ao
fundo. Esta versão foi destinada a uma exposição no Kunstsalon Clematis em
Hamburgo, mas nunca saiu da adega da galeria: "As pessoas ainda não estão
acostumadas a ver homens nus", como o colecionador Gustav Schiefler escreveu a
Munch. Obras do pintor norueguês foram exibidas na Secessão de Viena em 1904.


Ferdnand Khnopff
Meia figura de uma Ninfa
No trabalho do simbolista belga Fernand
Khnopff, muitas vezes encontramos figuras femininas e criaturas híbridas místicas,
mergulhadas em enigma e mistério. Aqui encontramos Vivien, uma encantadora mítica
da lenda do Rei Arthur. Ela roubou a concha mágica do mago Merlin e é mostrada
segurando-a triunfantemente nesta escultura. Com os olhos meio fechados, lábios
sedutoramente separados e uma crina de cabelo ruivo ondulado, a bela ninfa é uma
verdadeira mulher fatal. No fin-de-siècle Vienna, esse tipo de "tentadora
perigosa", que manipulava os homens com seus encantos eróticos e muitas vezes
causava sua queda, era um assunto popular tanto na arte quanto na literatura.

Anton Hanak
O último humano (Ecce Homo)
A eclosão da Primeira Guerra Mundial em 1914 marcou o início de uma intensa
exploração da miséria e do sofrimento humano no trabalho de Anton Hanak. O escultor
passou sete anos trabalhando nessa figura monumental, com o objetivo de expressar
os estados psicológicos, as crises individuais e também as feridas de uma geração
inteira. Sua escultura final retrata uma figura masculina nua, seus braços
estendidos como asas, sua parte superior do corpo inclinada ligeiramente para a
frente. O Último Humano é um Homem de Tristezas, sua pose, expressão facial e
gestos que lembram o Cristo crucificado.





Fritz Schwarz Waldegg

Confição


Mikolas Medek (Praga)

Fama do nascimento


Kiki Kogelnik (Viena, Austria)

Triângulo