Letteratura Anglosassone Professore: José Néstor Mevorás

Il Rinascimento

Il termine "Rinascimento" designa il periodo di rinnovamento artistico e intellettuale, che si sviluppò in Europa
tra il XIV e il XVI secolo. In realtà, va inteso come un insieme storico che comprende non solo le arti, ma
anche, la politica, la scienza, la religione. In sintesi, tutte le manifestazioni della vita dell'uomo. Il nome
"Rinascimento" corrisponde a una denominazione fatta tempo dopo ed è legato al desiderio di quest'epoca di
recuperare la cultura greco-romana dell'Antichità.

I cambiamenti sociali:
Come accade con tutti i periodi storici, i cambiamenti di questa fase non sono emersi dal nulla, ma
costituirono, soprattutto, la fine di un processo che era iniziato nel Basso Medioevo (da metà del secolo XIII
fino all'inizio del Rinascimento) e che era legato a uno spirito di libertà, associato al fiorire delle
città. Gli abitanti dei nuclei urbani medievali avevano lottato per ottenere certa indipendenza rispetto a
i signori feudali, specialmente, per quanto riguarda la supervisione dei loro mercati e la scelta dei loro magistrati. Così,
le città raggiunsero una capacità di azione politica indipendente.
Oltre all'organizzazione municipale, ci sono stati fattori economici che sono stati determinanti per questo processo
di trasformazione: il fallimento del regime feudale ha generato il decollo del capitalismo, con il conseguente arricchimento
del'artigianato e dell'attività commerciale. Questo ha permesso l'emergere di un nuovo agente sociale, il borghese, un uomo
distinto, allo stesso tempo, banchiere, commerciante e industriale. Questa crescente indipendenza produsse un cambiamento di mentalità: i
Gli uomini di quest'epoca erano padroni di un'esperienza diversa che permetteva loro di pensare a un nuovo rapporto con il mondo.
In questo modo, l'idea dell'individuo come centro dell'universo si stava facendo solida, concetto fondamentale del
pensiero rinascimentale.

La vita politica e la religione

In questo periodo, apparve un nuovo modello di Stato con il potere concentrato nelle grandi monarchie. Questo
generò l'apparizione di una nuova figura reale: il sovrano rinascimentale, capo assoluto del governo, distinto dal re della
época feudal, dependiente del apoyo y del sostén de la nobleza. En 1513, Nicolás Maquiavelo escribióEl Príncipe,obra en
la che creò l'idea dello statistico moderno, impensabile per la mentalità medievale.
Il pensiero religioso si è rinnovato. Come le idee del Rinascimento hanno permesso un maggiore sviluppo di
l'individualità, l'uomo iniziò a vivere in un modo diverso la sua relazione con la natura e con Dio. Così ebbe inizio
un processo di trasformazione religiosa che ha causato gravi crisi e conflitti. Il monaco agostiniano tedesco Martin Lutero
inició la Reforma, movimiento que rompió la unidad religiosa de Europa y que originó las iglesias protestantes,
indipendenti dal potere del Papa. Come reazione, i cattolici iniziarono, più tardi con la Controriforma, un
movimento destinato a combattere gli effetti della Riforma protestante. Il Rinascimento nella cultura Senza dubbio, uno dei
aspetti del rinnovamento rinascimentale che più è perdurato nella storia è quello legato alla cultura in qualsiasi di
le sue manifestazioni: le arti plastiche, la musica, la letteratura e la filosofia.
L'interesse per l'Antichità classica (da qui, il nome "Rinascimento", che si riferisce, appunto, alla gloria di
aquella etapa, que "renace") definió la temática de las artes plásticas renacentistas. La historia y los mitos de Grecia y de
Roma si stabilì come una delle fonti più importanti di motivi per i dipinti dell'epoca – insieme ai
temi religiosi e ritratti di famiglie.
Rispetto alle loro premesse estetiche, sia la pittura che la scultura e l'architettura perseguivano con interesse le
forme fornite, armoniose e ordinate. La rappresentazione naturalistica della figura umana costituì un'altra delle
ricerche del momento; nelle opere, è notevole la permanente presenza di immagini maschili e femminili in
varietà di espressioni, gesti e posture.
In Italia, specialmente a Firenze, lavorarono pittori come Raffaello Sanzio, Sandro Botticelli e Leonardo di.
Vinci; anche scultori, come Michelangelo Buonarroti e Benvenuto Cellini; e architetti, come Filippo Brunelleschi;
León Bautista Alberti e lo stesso Michelangelo. Le arti musicali hanno anche subito cambiamenti, i quali si
osservano nel grande sviluppo delle forme polifoniche.
D'altra parte, nella vita culturale di questo periodo, la figura del mecenate acquisì grande importanza, un individuo di
alta borghesia sotto la cui protezione economica lavoravano gli artisti. Anche se, molte volte, producevano su commissione,
pittori, scultori, musicisti e poeti hanno dedicato spontaneamente una grande quantità di opere ai loro protettori.

L'umanesimo
In molti aspetti, "Umanesimo" e "Rinascimento" sono considerati praticamente sinonimi. Ma anche se
entrambi perseguirono un ideale di umanità ispirato all'epoca classica, il concetto di Rinascimento ha un maggiore
alcance y designa todos los fenómenos del período histórico, mientras que Humanismo remite, sobre todo, a las letras, las
belle arti e la filosofia.
Gli umanisti erano, per la maggior parte, insegnanti e svilupparono un nuovo metodo di insegnamento: gli Studia
Umanità, che si concentravano, soprattutto, sul linguaggio. Consistevano in cinque discipline (Grammatica, Poetica,

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Retórica, Historia y Filosofía Moral), cuyo eje consistía en que la palabra es un elemento fundamental para el desarrollo
del ser umano. Per questo, per questi intellettuali erano rilevanti la lettura e la spiegazione della grammatica e della poetica di
i classici; cioè, lo studio concentrato e l'imitazione delle loro forme di scrivere e di comporre. Ma il loro
il lavoro non si trattava di una mera imitazione di quelle forme, ma di un aggiornamento dei modelli alle novità del suo
tempo.

Il panorama letterario in Italia

La letteratura non fu estranea alla trasformazione rinascimentale. L'apparizione della stampa a caratteri mobili permise
una diffusione, fino ad allora, inedita della cultura scritta. Oltre al fatto che un elevato percentuale della popolazione
continuava a essere analfabeta (una condizione che non si modificò per molto tempo), i libri ebbero un arrivo molto
maggior al pubblico colto di quanto avessero avuto fino a quel momento.
In Italia, in una fase molto più precoce rispetto al resto d'Europa, poeti - come Francesco Petrarca (1304-
Mostraron, nelle loro opere, elementi rappresentativi dello spirito del Rinascimento. In Spagna, bisognerà aspettare
fino alla fine del XV secolo o all'inizio del XVI per trovare manifestazioni letterarie genuinamente rinascimentali.

Dietro i modelli classici

Allo stesso modo dei pittori e scultori, anche i letterati del periodo manifestarono la loro ammirazione per gli autori
dall'Antichità. Così, recuperarono poeti fino a quel momento dimenticati -come Catullo, maestro della lirica antica- e
cominciarono a tradurli e a imitarli.
D'altra parte, questi intellettuali, profondamente umanisti, attribuivano un'importanza fondamentale alla parola.
In effetti, erano convinti che la poesia fosse in grado di ampliare lo spirito e elevare la mente. Senza dubbio, questa
La vocazione didattica della letteratura era erede anche di fonti classiche da cui Platone, Aristotele e Orazio (con il suo
formula "insegnare e deliziare") sono gli esponenti più notevoli. Da qui l'attività creativa godeva di alta
considerazione e che si intraprendessero progetti letterari di lungo respiro.
Durante il Rinascimento, si sviluppò una grande varietà di generi e forme letterarie: i poeti
sperimentarono sia la prosa che la poesia (in cui provarono forme strofiche e metriche molto diverse) e
esplorarono temi storici e fittizi. Il genere drammatico raggiunse un'evoluzione senza precedenti in quest'epoca,
anche se non tanto in Italia, quanto piuttosto in Francia, Inghilterra e Spagna.
Sebbene, durante il Medioevo, le lingue nazionali (romanze) avessero già trovato spazio nella
letteratura, durante il Rinascimento, il latino ha perso il posto di lingua obbligatoria della scrittura colta e le lingue
i vernacoli hanno acquisito il prestigio necessario per essere accettati nei testi letterari.
I postulati estetici del Rinascimento letterario sono correlati a quelli che sono stati indicati per le belle arti.
e per la musica. La chiarezza e la naturalità, l'armonia e l'equilibrio costituivano gli ideali a cui aspirava il poeta
di questi tempi; da qui la preferenza per l'uso di un linguaggio trasparente e sobrio. Tuttavia, l'esacerbazione della
l'individualità e l'esercizio dell'introspezione hanno originato, soprattutto nella lirica, l'espressione di concetti
profondamente elaborati e complessi. Tra gli scrittori italiani notevoli di questo momento, chi, senza dubbio, di più
l'influenza e la trascendenza ebbe Francesco Petrarca, con il suo culto della poesia lirica.

Il panorama letterario in Inghilterra e in Francia

Inghilterra, Sir Thomas Wyatt (1503-1542) fu il primo a introdurre le forme poetiche derivate dal
petrarchismo, anche se le adattò alle imposizioni della lingua inglese, che non permettevano l'adozione dell'endecasillabo
(verso di undici sillabe). Per questo, Sir Wyatt utilizzò decasillabi (versi di dieci sillabe). Tempo dopo, William
Shakespeare (1564-1616) sperimentò anche queste forme poetiche. Insieme a Christopher Marlowe (1564-1593),
Shakespeare è stato il più importante drammaturgo dello stile rinascimentale inglese, conosciuto con il nome di 'ciclo elisabettiano'.
Tuttavia, ci sono opere di Shakespeare le cui caratteristiche lo assimilano al periodo culturale che segue il Rinascimento: il
Barocco.
Per quanto riguarda l'attività poetica del Rinascimento francese, è rappresentata da un gruppo di sonettisti
denominato laPléiade, guidato dallo scrittore Pierre de Ronsard (1524-1585).

ORIGINI DEL TEATRO INGLESE

Torniamo ora indietro per dare un'occhiata alle origini del teatro inglese e al suo stato nel XV secolo, epoca
importante, perché in essa sono state fissate per iscritto, così come le conosciamo, la maggior parte delle opere precedenti e sono arrivate
la misteriosa su apogeo. Dobbiamo vedere più avanti un fiorire teatrale che richiederà la spiegazione precedente di come
poteva sorgere e di quale preparazione avesse bisogno.

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Del dramma latino giunto alla sua massima degradazione, rimanevano, nei secoli IV e V, come infima reminiscenza,
losmimos, comuni a tutta Europa. Le loro povere rappresentazioni lasciarono una traccia molto scarsa sul dramma inglese.
Molto più influenzarono gli elementi popolari ed ecclesiastici. Nelle grandi festività, come quelle di Pasqua, si davano
rappresentazioni per il popolo, rustiche e ingenue, chiamate mummings, il cui argomento solitamente si basava sulla vita e sui fatti di
Robin Hood o di San Giorgio, o erano allegorie messe in scena, come quella che figurava l'espulsione dell'inverno. Queste
le feste avevano spesso un carattere chiassoso che degenerava in licenza.
La Chiesa ha avuto anche, come ovunque, molto a che fare con il sostegno del dramma popolare. Per fare
più intelligibili e palpabili gli episodi contenuti nei Vangeli, si sono dati "quadri vivi" con accompagnamento di
Inni cantati. Già se ne parla nel V secolo, e questo fu l'origine dei misteri, che vennero più tardi, a partire
del secolo X. I sacerdoti partecipavano alla sua rappresentazione, e questa solitamente si verificava accanto a qualche chiesa. Le questioni
erano scene della Crocifissione, della Resurrezione, della storia di Noè, di Lazzaro, ecc., ciò che ha condotto alle
rappresentazioni di miracoli e altre con allegorie della giustizia, della divina grazia, dei vizi, per esempio. Con il
tempo, i sacerdoti smisero di rappresentare, e coloro che si occuparono di questo furono gli artigiani, gli studenti e i
bambini delle scuole. Si formarono cicli o gruppi di quei misteri, che erano associati al nome di qualche città, e così
c'era il ciclo di ventiquattro rappresentazioni o opere di Chester, qualcosa oltre la metà del XIII secolo; quello di York, il
di Townley, quello di Coventry e altri. Ogni mestiere si occupava di una delle opere della serie, opera in un atto. Una volta
provata, si metteva tutto il necessario per la rappresentazione in un enorme carro che si chiamava pageant, come se
dijéramos che lo spettacolo, e il rivestimento di quel veicolo era il palcoscenico all'aperto. Shakespeare lo dava in Un sogno di una notte di mezza estate.
Il sogno della notte è una caricatura di una di quelle rappresentazioni.
Verso la metà del XVI secolo fiorì l'ultimo predecessore del vero dramma, l'interludio, un breve intermezzo.
con tipi generalmente del popolo o frati, e abbondanza di sali un po' grossi. John Heywood si distinse come autore
di quel genere di opere. Ma fino a dopo il 1550 non apparve l'opera di carattere drammatico, ispirata allo studio di
i classici, specialmente le opere di Seneca, con tutti i loro difetti e convenzionalismi. Quella che forse è la più
antica tragedia d'Inghilterra, fu scritta nel 1562 da Norton e lord Buckhurst, e si intitola Gorboduc.
Caratteristiche sono anche dell'epoca le opere drammatiche storiche, più che altro drammatizzazioni delle cronache.
Si combinano in esse elementi tragici e comici. Tale combinazione, estranea al dramma classico, è considerata come una
gloria della scena nell'epoca di Isabella, essendo quelle produzioni le predecessori dei drammi storici di
Shakespeare.
La commedia trovò un rappresentante in Nicholas Udall, che scrisse nel 1551 la più antica: Ralph Roister
Doister. La commedia inglese imitava quella latina e italiana; ma prendeva molto di più dalle rappresentazioni popolari.
chiamate, delle quali veniva a essere l'amplificazione. Si scrivevano, in generale, in prosa e in versi, e contenevano
canzoni curiose.
Tutti questi sono gli elementi più o meno candidi, più o meno puerili e bisognosi di lucidatura, che la
epoca metteva a disposizione di un vero uomo di teatro che sapesse sfruttarli. Di essi si servirono i drammaturghi
anteriores a Shakespeare che dopo vedremo; ma l'uomo di cui c'era bisogno era lui, il maggiore autore teatrale di quanti
la scena ha visto.

Era elisabettiana
Una nuova epoca, la chiamata Era elisabettiana, inizia con il regno di Elisabetta, la regina amata dai suoi sudditi,
in un paese prospero, che aveva una corte allegra, vivace, protettrice delle lettere. Come si è detto, "le questioni
letterari divennero qualcosa di importanza quasi nazionale." Il Rinascimento si fece sentire allora fortemente in
Inghilterra; lo studio del greco acquisì, come già indicato, grandissima importanza e, insieme a quello del latino, influenzò
non poco nella lingua, che ha perso molto della sua primitiva rudezza, come lo stile. Ma l'essenza di quel classicismo si alleava
con il grande impulso romantico dell'epoca, ansiosa di tutto ciò che era remoto o meraviglioso e della bellezza in tutte le sue
manifestazioni. Un certo spirito avventuroso di novità remava nel paese e nella letteratura, insieme al desiderio di rompere
i consumati modelli del passato. Per la poesia inglese "a volte passava il vento vivificatore del vasto mondo", dice un
critico moderno. Se traducono le grandi opere di Omero, di Plutarco, di Virgilio, di Tito Livio, e al lato quelle di Ariosto,
del Tasso e di Montaigne, ma non si imitano servilmente con un criterio chiuso e pedante; tutto ciò piace, si approfitta
le sue splendide sementi, si mescolano con altre d'Italia, di Francia, di Spagna, ma, alla fine, tra innesti e ibride, a
ciò che si tende, con il profondo senso di originalità, di personalità inconfondibile che ha la razza, è alla creazione
di nuove piante, che migliorino o, quantomeno, trasformino quelle originarie.
In un contesto così favorevole inizia a fiorire la poesia di Edmundo Spenser, che prende come modello nello stile e in
il linguaggio a Chaucer; ma aggiungendovi tutta la grazia e la finezza della propria epoca. Non era quella la sua unica devozione. poiché
Fin da ragazzo avevo tradotto i poeti francesi, specialmente Du Bellay e Clement Marot. Più tardi,
esercitando la carica di segretario del conte di Leicester, favorito della regina, fu inviato da lui con missioni ufficiali a
Francia, Italia, Spagna, e completò, con i viaggi, le sue conoscenze. Quel figlio di un povero sarto londinese,
discendente, a quanto pare, di illustri antenati, educato nella scuola sostenuta dal gremio, era arrivato a essere un
importante cortesano più, grazie allo spirito dell'epoca, in cui l'intelligenza era protetta e elevata, e l'essere poeta apriva
las puertas de la alta sociedad y, a veces, de la fortuna.
Sin dall'inizio della sua carriera, nel 1579 Spenser aveva in mente l'ambizioso proposito di scrivere la sua grande
poemaLa Faerie Queene. Terminata una parte, la inviò a un suo amico perché la giudicasse, e questi la disapprovò.
arrinconó Spenser descorazonado, y así la tuvo durante dieci anni. Precisamente The Faerie Queene (La Regina delle

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hadas)fué dopo quella che lo incoronò di gloria. Pubblicò, nel frattempo, quell'anno stesso, un'altra opera che si atteneva di più al
camino trillato: Il calendario dei pastori, dodici egloghe il cui titolo generale era tratto dal Kalendrier des Bergers,
popolare almanacco francese. Imitava lì Clemente Marot, Teocrito e Bione, Virgilio e Sannazzaro. Presentò il libro così
modestamente che sembrò anonimo, e, tuttavia, ha contribuito a dare all'autore una reputazione incipiente; ma solo
Queene, poema allegorico in cui i libri di cavalleria si mescolano con reminiscenze mitologiche, con insegnamenti di
morale e allusioni politiche a personaggi dell'epoca, segnò il sigillo alla fama di colui che sarebbe stato chiamato 'il maggiore poeta'
di su tempo dopo Shakespeare" e "l'Ariosto inglese."
Di Spenser disse Charles Lamb, e aveva ragione, che era un poeta per poeti. Oggi, non tutti possono leggerlo.
senza sentire la faticosa impressione di perdersi in un mondo immaginario in cui i portenti più inaspettati si susseguono senza
cesare, con tanta inesauribile fecondità e tale buona fede che solo si potrebbe credere che possano trovarsi nei poeti primitivi.
Chi ha anima da artista assaporera' quest'opera a piccoli sorsi, con il glossario accanto per le voci meno
simili a quelle dell'inglese moderno, e attingendo alla storia per certe allusioni; ma, soprattutto, ammirando l'autore
come pittore di grandi quadri, che rivaleggiano con quelli dei migliori maestri della scuola italiana. È vero che tanto
l'allegoria e il doppio significato nelle frasi e nelle scene, arrivano a infastidire gli uomini di oggi, come già, nonostante sia
inglese, non esitò a dire lo storico Macaulay, trovando pesante Spenser; ma a prescindere da questo, dei difetti
dell'autore, della mancanza di coerenza e calore umano di alcune delle figure che inventa, va riconosciuto che è un
poeta di abbondantissima fantasia.
Peraltro risulta eccessivamente melensa per noi stranieri la loro continua adulazione alla loro cara vascorosanta regina Isabella,
in chi va nessuno crede più che in certi manuali scolastici. Invece, Maria Stuarda, la sua vittima, che nasconde
Spenser sotto il nome di Duessa, che per lui rappresenta anche il cattolicesimo, ha, ai suoi occhi, tutti i difetti del
mondo, è un mostro, lo stesso del grande monarca spagnolo Filippo II. È curioso questo aspetto storico e anche politico e
religioso del poema; ma dista molto dall'essere già l'essenziale di esso, se poteva servirgli di momento per garantire il suo interesse.
Spenser arrivò quasi a sembrare il maggiore dei poeti e il più saggio degli uomini. Tale fu l'opinione di Dryden, di cui
Questa frase iperbolica: "Mai nacque uomo dotato di maggiore genio di Spenser, né possedette una somma più
conoscenze su cui supportarlo". Come complimento, è completo; ma una prova di discrezione sarebbe stata non mostrarsi così
rotundo nelle affermazioni. Spiega che La Regina delle fate era Isabel, e il paese in cui regnava, Inghilterra. Questo
A parte, Milton è stato chiamato il suo padre poetico, e i maggiori poeti inglesi l'hanno colmato anche di lodi. Tutto ciò
per essere l'autore di una poesia che è rimasta incompiuta. Dei dodici libri che questa doveva avere, Spenser non riuscì a
completar neanche sette, sebbene scrivessi trentamila versi. La Fata Regina, dunque, un frammento immortale.
Altri poeti hanno avuto l'epoca che hanno acquisito un particolare rinomato: Thomas Sackville, conte di Dorset (1536-1608);
Sir Philip Sidney (1554-1586), capo di un raffinato gruppo letterario di figure della corte e della milizia, e autore di
famosa collezione di sonetti Astrophel e Stella; George Gascoigne (1535-1577); MÍchael Drayton (1563-1631);
Phineas Fletcher (1582-1650); John Donne (1573-1631), senza dubbio il più profondo e originale di tutti, anche se abbastanza
metafisico e disuguale, ecc. Una caratteristica tipica di quella fine del XVI secolo e dell'inizio del XVII è l'abbondanza di
"miscela poetica", collezioni di poesie di vari autori (Il Nido di Foenix, Il Pellegrino Appassionato, L'Inghilterra)
Helicón, Il Paradiso delle Delizie, ecc.) La seconda contiene composizioni di Shakespeare e di Marlowe.

Lasciamo ora da parte le forme liriche ed epiche della poesia, per tornare al teatro inglese precedente a Shakespeare, che
ha fornito, per oltre sessanta anni, opere di valore. I temi erano, generalmente, tragici, e lo stile risonante,
declamatorio, con il verso preferito che è libero. Tra gli autori di commedie, si può quasi dire che il rappresentante del
Il genere fu John Lyly (1553-1606), più famoso in un altro concetto, il quale, nelle sue opere Alexander e Campaspe,
Endimione, La Donna della Luna, offre le prime evidenze di commedia romantica, negli anni dal 1584 al 1592.
Ma ci sono altri autori di opere teatrali degni di nota: Peele, Greene, Nash, Lodge, Kyd e Marlowe. George Peele
(1558-1598) ha l'Araygnement di Parigi, una specie di commedia.
Christopher Marlowe (1564-1593) rappresenta, si è detto, "il meglio e il peggio di quei tempi". È quasi il
l'unico dei drammaturghi precedenti a Shakespeare la cui fama si è mantenuta all'estero. Le sue quattro più
rinomate opere, scritte in pochi anni, sono Tamburlaine il Grande (1587), Dottor Faustus (1588), Il Giudeo di Malta
(1589), e Edoardo II (1593). Per la serie di orrori e di magnificenze che contengono, le quattro si somigliano.
Prima di tutto bisogna evidenziare lo stile enfatico e declamatorio fin dal titolo; la seconda ha avuto la fortuna di ispirare Goethe.
Fausto, e nonostante tutti i suoi difetti, presenta un carattere e un'azione veramente tragici, perché il protagonista
è un credente, dopotutto, terribilmente tormentato dai rimorsi, Marlowe sapeva come finire e addolcire il
opera con l'apparizione di Elena, come ideale splendido della bellezza femminile, e con le parole pronunciate dal coro,
che, alla maniera greca, conservò l'autore, facendogli dire poeticamente: "è stato tagliato il ramo che avrebbe potuto crescere e
prosperato; bruciato il ramo di alloro di Apollo che prima coronò questo uomo di scienza. Faust ha smesso di esistere.
Marlowe fu accusato di ateo e di bestemmiatore, e se sfuggì alla prigione e alla tortura fu a causa della sua repentina morte; ma in
La tragica storia del Dr. Fausto non sfida il potere di Dio senza la conseguente punizione, e la fine contiene il suo
moraleja.
Per quanto riguarda The new of Malta e Edward II, le altre due opere capitali dell'autore, si considera che la prima
ispirò, probabilmente, Shakespeare per scrivere il suo Mercante di Venezia, anche se non passa molto da essere una
serie sgradevole di crimini e di orrori accumulati senza discrezione, fino a risultare inverosimili per il puro esagerare
nota di malvagità. Se questa è stata la fonte a cui si è rivolto il creatore di Shylock, bisogna dare ancora una volta ragione allo storico
letterario che disse che Shakespeare seppe trasformare il piombo in oro. Anche Edoardo II gli servì da modello per i suoi

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cròniche drammatiche, che sapevano migliorare ciò che imitavano, anche se Edward II contiene scene molto degne di lode. È la
storia presentata in quadri, che sfilano davanti ai nostri occhi, piuttosto sanguinosi e terribili, in generale. Ma nonostante
nonostante tutti i suoi difetti, Marlowe ebbe di tanto in tanto lampi geniali di poeta, e a lui lo affermano i suoi critici più favorevoli
che si deve al fatto di aver portato alla perfezione il verso libero di Chaucer e di aver dato vita alla tragedia inglese.
Ecco come descrive A. Meziéres lo stato del teatro inglese al suo arrivo a Londra. — "Remava in esso"
la maggiore diversità: pezzi che erano vere buffonate, che, in parte, improvvisavano attori popolari; drammi
classici, soggetti alle regole, adornati da discorsi e volgarità oratorie; una commedia di corte, mitologica e
quintaesenziale; in fin dei conti, tragedie poetiche, piene di passione, di movimento, di immaginazione e di azioni tragiche, di
peripezie, di catastrofi e di sanguinose lotte." Ecco la prima materia che così brillantemente doveva trasformare
il grande poeta.

Vediamo ora chi era William Shakespeare o Shakspere, come vogliono la New Shakspere Society e altri.
Certamente qui ignorerò quanti sogni e riflessioni hanno ispirato numerosi libri di polemica letteraria,
in cui si discute, fino ad arrivare al ridicolo, riguardo alla personalità del grande poeta, che si rifiuta, e dell'autenticità
di sue opere, che sono state attribuite gratuitamente a un altro, a Bacon, Di sogno fantastico al di fuori dei limiti di ogni ragione
califica Sidney Lee questa ipotesi, che viene facilmente distrutta con solo vedere quanto povero poeta risultasse Bacon quando,
come accade a tanti uomini illustri che non nacquero per questo, gli sembrava di versificare. Considero come la più sicura
biografia la tradizionale, che ci lo presenta come noto comico a Londra, e dopo arricchito borghese di
Stratford-upon-Avon, dove era nato, essendo battezzato il 26 aprile 1564, e dove morì il 23 aprile 1616, il
stesso giorno e anno, a prima vista, di Cervantes, anche se nel calendario britannico di allora questa data corrispondeva al 12 di
aprile. Alla sua morte aveva, dunque, cinquantadue anni.
William Shakespeare fu figlio di un commerciante in vari prodotti agricoli (il che lo costringeva a essere
carnicero, guantero, ecc.), stabilito nella ricca città di Stratford-upon-Avon. Sua madre era figlia di un proprietario terriero di
un paese vicino. Si può dunque dire che scorresse nelle vene del giovane un po' di sangue contadino, per la sua origine. Le
Le scuole grammar dell'epoca offrivano ai ragazzi di umile posizione la loro istruzione. Da essa poté
approfittare Guillermo Shakespeare, a somiglianza di altri che poi adottarono la sua stessa professione di attore, e come di
in quelle scuole si usciva parlando e scrivendo correntemente in latino e sapendo sviluppare temi letterari, tutto ciò
doveva essergli di marcata utilità in futuro. Dice Sydney Lee che compagni di studi di Shakespeare che poi non passarono
di drogati o macellai nella città, sostenevano corrispondenza con lui in quel latino così profondamente appreso nella
scuola.
L'istruzione di Shakespeare fu interrotta quando aveva poco più di quattordici anni, a causa del cattivo stato
dai affari paterni richiese di essere ritirato dalla suddetta scuola. Non poté iscriversi all'Università, e solo, senza
aiuto alcuno, acquisì le conoscenze che il suo immenso desiderio di leggere gli fornì. Caso più frequente di quello
che si crede sia questo tra i grandi scrittori, senza che in ciò sembrano aver perso molto. Cittando soltanto la
epoca di Shakespeare, fa notare Sidney Lee che lo stesso è accaduto ad altri ingegni, come Ben Jonson,
sapientissimo in materia di cultura greca e latina, il quale, essendo ragazzo, fu ritirato dalla scuola dal suo patrigno per
che imparasse niente meno che il mestiere di muratore, e come sir Walter Raleigh, che abbandonò l'Università di Oxford,
per non voler sottoporsi a nessuna disciplina, e poi meravigliò tutti con la sua 'Storia del Mondo', un formidabile compendio
di sabia e recòndita indagine.
Il padre di Shakespeare voleva che suo figlio lo aiutasse nella pratica dei suoi vari mestiere; ma non riuscì a farlo.
Si sposò a un'età piuttosto prematura, a diciotto anni, e a ventidue, o forse prima, lasciò la sua città, dirigendosi a
Londra, accompagnato dalla moglie e da tre figli. Senza soldi e senza amici, non gli venne in mente nulla di meglio che dedicarsi a essere
attore e a scrivere opere teatrali, in cui lui stesso avrebbe interpretato ruoli. Entrò in un teatro, ma si dice che per esercitare
in lui i lavori più umili, fino a quando, possibilmente, sarebbe riuscito a dimostrargli all'imprenditore che sapeva adattare un'opera
antica alle esigenze della scena del suo tempo e al gusto del suo pubblico. Ciò che non sembra è che fosse breve né facile il
periodo di prova a cui dovette sottoporsi: durerebbe circa sette o otto anni di lavoro e di studio intenso per la
acquisizione di conoscenze molto varie.
Fino al 1591, probabilmente, perché nulla è certo, non si rappresentò la sua prima opera originale, che per Sidney
Lee fu 'Il lavoratore d'amore', anche se altri divergono dalla sua opinione. Di tutte le sorti. Romeo e Giulietta è stata quella che gli è stata attribuita.
definitivamente all'altezza che meritava. Trovò protezione alla corte, si aprirono le porte del palazzo e lui e il suo
La compagnia si presentò di fronte alla regina. Tuttavia, sembra che l'attore non valesse tanto quanto l'autore. I primi
papeles nelle sue opere rappresentavano i migliori comici del suo tempo, Burbage e Kemp, e lui solitamente si riservava i
secondari. Tuttavia, è diventato direttore della sua compagnia, e questo ci aiuta a spiegare che ciò che prima di tutto
ciò di cui doveva preoccuparsi era il buon successo materiale, pratico, delle opere che scrivesse e rappresentasse, per il quale non lo
era importante occuparsi di questioni già conosciute, poiché così poteva giudicarle in anticipo. I grandi successi li otteneva con la
pluma, e non solo alla corte e tra la gente più colta, ma tra il grande pubblico, che questa volta ha indovinato completamente
applaudendolo.
Trentasette titoli vengono solitamente citati delle sue opere teatrali (alcune hanno due o tre parti), commedie, opere
storiche e tragedie. Per i lettori stranieri, i nomi più popolari sono, in ordine puramente probabile di
producción,The Taming of the Shrew, Romeo ana Juliet, A Mídsummer Nighfs Dream, The Merchant of Venice, Much
Molto rumore per nulla, Giulio Cesare, Le allegre comari di Windsor, Amleto, Othello, Macbeth, Re Lear, Antonio e
Cleopatra, Coriolano, Cimbelino, La Tempesta... Potrebbero essere aggiunti quelli che mancano fino a trentasette, perché

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Shakespeare non ha rifiuto; ma non manca chi nega che alcune di esse siano di Shakespeare, anche se gli è
attribuisci.
Di tutte quelle opere sono scomparsi i manoscritti. Lo stesso autore non fece stampare nessuna, e sebbene
diciotto di esse apparvero durante la sua vita in edizioni chiamate in quarto. Non furono pubblicate con la sua autorizzazione.
Fino al 1623, sette anni dopo la sua morte, non fu stampata l'edizione chiamata First Folio, in cui le opere non sono
disposte in ordine cronologico, né si dice in quali date siano state scritte, il che ha dato luogo a innumerevoli
discussioni.
A Shakespeare non preoccupava molto la mancanza di originalità nelle trame delle sue opere, ma in questo non è il
unico tra i classici. In un dramma antico trovò abbondanti materiali per il suo magnifico Re Lear; in vecchie cronache,
per i suoi drammi storici; in racconti precedenti a Il mercante di Venezia e forse in Il giudeo di Malta, di Marlowe, è
il germe di quel dramma; Othello si trova già nel narratore italiano Cintio (cioè Geraldi); di provenienza altrettanto
italiana son Romeo e Giulietta e la maggior parte delle sue opere... Tutto questo e di più può dirsi; tuttavia, che splendido
modo di rispettare i beni altrui per realizzare ciò, già citato qui, di convertire il piombo in oro!
Appoggiandosi ai narratori italiani, (dei quali ha preso molto), o nelle sue letture di antiche cronache, oppure
di Plutarco, di Plauto, di Ovidio, di Virgilio, di classici greci o di antichi drammi inglesi, di Montaigne e altri;
confidando qualche volta nella propria fantasia il lavoro di inventare l'azione tragica o comica delle sue opere, i personaggi o,
infine, quanti particolari aveva bisogno per infondere a questi vita, creò tipi come gli immortali di Hamlet e di Ofelia;
Lady Macbeth; di Romeo e Giulietta; i magnifici del re Lear e di sua figlia Cordelia; quelli di Otello, di Desdemona e di
Yago; quello di Falstaff in" Le allegre comari di Windsor "e in" Enrico IV"; quelli di Titania, Puck e Oberón in A
Sogno di una notte di mezza estate; quello di Ariel, in La tempesta, insieme a quelli di Prospero, sua figlia Miranda e il selvaggio Calibano;
di Katharina in La bisbetica domata; il re Enrico VIII d'Inghilterra, la regina Caterina di
Aragona, sua moglie, dopo il divorzio, e Anna Bolena; Immagini, in Cymbeline; Coriolano, Giulio Cesare, Marco Antonio e
soprattutto Cleopatra, nelle opere che portano questi titoli, ecc.; perché anche nei tipi secondari, per esempio, nei
declown ode bufón, specie di gracchiosi del nostro teatro, che Shakespeare trovò già in inglese e sapeva sfruttare per
umorismo o per esprimere grandi verità, non sempre piacevoli, o di audacie che altrimenti non passerebbero,
hasta en ellos hay mucho que admirar. Una de tantas frases que pueden servir de muestra es la delclownenAnthony and
Cleopatra: So che una donna è un piatto per gli dèi, se il diavolo non la veste.
se non la guida il diavolo).
Bene: di quel grande poeta, meritevole per la sua forte e indipendente personalità del nome di grande romantico,
di chi disse Hazlitt che "racchiudeva in sé un intero universo di idee e di sentimenti", e che "aveva il dono di
comunicarli potentemente agli altri", Voltaire ebbe l'errore di scrivere che era "un selvaggio ubriaco, senza un briciolo di
buon gusto e senza il minimo conoscenza delle regole", perché non si adattava al suo limitato ideale o gli dava fastidio quando
scrisse questo. Invece, come risarcimento di un attacco così esagerato Dumas padre e Vittorio Hugo, formularono due
giudizi ingegnosi che portano l'esagerazione all'estremo opposto. Dumas disse che "dopo Dio, Shakespeare era colui che
più aveva creato", e Hugo che "nella storia del mondo solo tre uomini erano davvero memorabili; Mosè, Omero
y Shakespeare". La verità è qui molto più vicina alle pompose iperboli di Dumas e di Hugo che a
invidiosa incomprensione di Voltaire, per quanti e grandi difetti una critica imparziale deve riconoscere in esso
poeta inglese. Dopo grandi elogi al drammaturgo, quanto si può dire di Shakespeare considerato puramente
come lirico o epico risulta pallido. Non ha versato unicamente tutte le sue qualità di poeta nelle sue opere teatrali: la critica le
studia anche quelle di lui si conservano Venere e Adone, Lo stupro di Lucrezia (opere della sua giovinezza), Un amante
Lamento, Il Pélérin Appassionato; ma, sopra ogni cosa, ci sono i suoi delicatissimi, sottili sonetti, regalo di
gourmetsliterari. A cento cinquantaquattro salgono, e in tutti loro si può vedere la forma più tipica del sonetto
inglese (che non è il petrarchista): tre quartetti, le cui consonanti sono diverse, con completa indipendenza,
consonando el primer verso con el tercero y el segundo con el cuarto, y tras los cuartetos sigue un pareado que termina la
composizione. Così che il sonetto genuinamente inglese, diverso dal nostro, sebbene abbia quattordici versi, è privo di
terzine e della ripetizione di consonanti simili. Ecco un'altra prova che il sonetto non si è sempre adattato a
la forma che molti credono imprescindibile e che, in realtà, è quella che si è imposta. Ancor di più, in il Pellegrino Appassionato.
se possono definire sonetti, adattati a diverse melodie, quelli che non sono altro che leggeri e, d'altra parte, insignificanti
canzoncine, scritte in una varietà di metri e rime, e di estensione molto disuguale.
Dopo Shakespeare, il dramma inglese decade. Ben Jonson (1574-1637), contemporaneo e ammiratore, anche se
casi antagonista, di quello, portò a teatro l'espressione di nuovi sentimenti, vigore di stile e grandi qualità; ma gli
mancava la cosa principale: il genio. Era un uomo di straordinaria cultura, anche se, come abbiamo visto, era muratore nella sua gioventù.
dopo di che divenne soldato; e quella stessa cultura lo portò a essere una sorta di rappresentante delle unità
classici nel teatro inglese, in un'epoca in cui Shakespeare e il pubblico facevano trionfare il più indipendente e rivoluzionario
romanticismo. Andava controcorrente, ma riuscì a diventare il dittatore letterario del suo tempo e ad imporre un
genere di commedia poco coltivato fino ad allora e che molto lo sarebbe stato dopo: quello delle usanze londinesi
del giorno.

EnHistoria Universale della Letteratura. “Letteratura Inglese”. Ramon D. Perez. Biblioteca Hispania. Provenza 95.
Barcellona 1995.

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Letteratura Anglosassone Professore: José Néstor Mevorás

IL TEATRO

All'inizio dell'era cristiana, la Chiesa condannò le arti che erano naturalmente legate alla cultura.
pagana. Perciò non smette di essere paradossale che nel Medioevo il teatro rinasca dalla liturgia. La messa rappresenta la
Passione; nelle Sacre Scritture abbondano episodi drammatici. I chierici, per edificazione dei fedeli, representarono
alcuni di essi; dal tempio si passò all'atrio, dal latino alle lingue vernacolari. Nascono così i miracle plays, che in Francia
e in Spagna si chiamarono misteri. In Inghilterra, i gremi drammatizzarono tutta la Bibbia e arrivarono a rappresentare, all'aria
libero, la storia universale dalla caduta fino al Giudizio. Le funzioni duravano diversi giorni ed era consuetudine farle in
maggio. I marinai governavano l'arca di Noè, i pastori portavano le pecore, i cuochi preparavano l'Ultima Cena. Di
i miracoli si trasformarono in moralità, cioè in pezzi di carattere allegorico, i cui protagonisti sono i vizi e le
virtù. La più famosa si intitola Everyman (Ogni uomo).
Il teatro religioso cede il suo posto a quello laico; il primo nome illustre è quello di CHRISTOPHER MARLOWE (1564-93).
Figlio di un calzolaio di Canterbury, apparteneva al gruppo dei university wits, ingegni universitari, che competevano con
i legai, a cui le compagnie commissionavano la creazione di opere teatrali. Frequentò la famosa Scuola della Notte,
che si riuniva a casa dello storico ed esploratore Walter Raleigh; era ateo e blasfemo. Esercitava il mestiere di spia; a
ventinove anni morì accoltellato in una taverna. Un critico americano gli attribuisce la paternità delle opere di
Shakespeare. Iniziò ciò che il suo contemporaneo, Ben Jonson, definì la potente Une, il verso potente. In ognuna delle sue
tragedie ci sono, in rigore, un solo protagonista, l'uomo che sfida le leggi morali; Tamerlano cerca la conquista del
mondo, il giudeo Barabba l'oro, Faust la somma della conoscenza. Tutto ciò corrisponde all'epoca inaugurata da
Copernico, che proclamò l'infinità dello spazio, e di Giordano Bruno, che visitò la Scuola della Notte e perì nella
falò.
Eliot osserva che l'iperbole, in Marlowe, è sempre sul punto di cadere nella caricatura e che si salva sempre.
L'osservazione potrebbe essere applicata a Góngora e a Hugo. Tamerlano, nella tragedia che porta il suo nome, appare in una
carrozza a cui sono legati quattro re divisi, i suoi prigionieri, che lui ingiuria e frusta. In un'altra scena, rinchiude in una gabbia di
ferro al sultano di Turchia; in un'altra, getta nelle fiamme il Corano, libro sacro che per gli spettatori di Marlowe bene
pudo parecer un símbolo de la Biblia. Fuera de la conquista del mundo, una sola pasión domina su pecho, el amor de
Zenócrate. Questa muore; Tamerlano comprende, per la prima volta, che anche lui è mortale. Già pazzo, ordina ai suoi soldati
che dirigano l'artiglieria contro il cielo "e sventolino con neri stendardi il firmamento, per significare la mattanza di
degli dèi". Meno degne di Tamerlano che di Fausto ci sembrano queste parole che Marlowe mette in bocca di quello e
La natura ha creato le nostre anime affinché esse comprendano la
prodigiosa architettura del mondo
La tragica storia del dottor Faust è stata lodata da Goethe. Il protagonista fa sì che Mefistofele gli porti il
fantasma di Elena. Estasiato, esclama: "È questo il volto per cui partirono mille navi e che incendiò le torri
infinite di Ilione? Oh Elena, rendimi immortale con un bacio!" A differenza del Faust di Goethe, quello di Christopher
Marlowe non si salva. Vede declinare il sole del suo ultimo giorno e ci dice: "Guardate come il sangue di Cristo inonda il
"firmamento". Vuole che la terra lo nasconda, vuole essere una goccia dell'oceano, una manciata di polvere. Suonano le dodici
campanate; i demoni lo trascinano. "Spezzata è la ramificazione che avrebbe potuto crescere dritta e bruciare alloro di
Apollo.
Marlowe prepara l'avvento di Shakespeare, che fu suo amico. Diede al verso bianco uno splendore e una
flessibilità prima sconosciuta.
Il destino di WILLIAM SHAKESPEARE (1564-1616) è stato giudicato misterioso da coloro che lo osservano da fuori del suo
epoca. In realtà, non c'è tale mistero; il suo tempo non gli tributò l'omaggio idolatrico che gli tributa il nostro, per la
semplice ragione del fatto che era autore di teatro e il teatro, quindi, era un genere subalterno. Shakespeare era attore, autore e
imprenditore; frequentò la conversazione di Ben Jonson, che anni dopo deplorerebbe 'il suo scarso latino e ancor meno greco'. Secondo i
attori che lo trattarono, Shakespeare scriveva con somma facilità e non cancellava mai una riga; Ben Jonson, come buon
literato, non poté fare a meno di esprimere la sua opinione; "Speriamo che ne avesse cancellati mille". Quattro o cinque anni prima di morire, si ritirò nel suo paese di
Stratford, dove acquisì una casa che era prova della sua nuova prosperità e si dedicò a contenziosi e prestiti. Non gli
interessava la gloria; la prima edizione delle sue opere complete è postuma.
I teatri, situati in periferia, erano all'aperto. Il pubblico, i groundiings, stava in piedi in un cortile.
centrale; intorno c'erano gallerie, un po' più costose. Non c'erano fondali né tende. I cortigiani, accompagnati dai loro
i servitori, che portavano sedie, occupavano i lati del palco; gli attori dovevano aprirsi un varco tra di loro. Nel
dramma attuale, i personaggi possono continuare una conversazione già iniziata, alzandosi il sipario; in quello di Shakespeare,
era forzoso che entrassero in scena. Per la stessa ragione era necessario che ritirassero i cadaveri, che di solito erano abbondanti
nell'ultimo atto. È per questo che Amleto fu sepolto con tutti gli onori militari; è per questo che quattro capitani lo portano alla
sepultura e Fortimbrás dice: "Che risuonino sonoramente per lui la musica del soldato e i riti della guerra". L'assenza
di bambalinas costrinse Shakespeare, fortunate per noi, alla creazione verbale di paesaggi. Più di una volta lo
fece anche per scopi psicologici. Il re Duncan scorge il castello di Macbeth, dove verrà assassinato quella notte, guarda le

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Letteratura Anglosassone Professore: José Néstor Mevorás

torres e le rondini e osserva con patetica innocenza, estraneo al suo destino, che dove esse nidificano, "l'aria è delicata".
Lady Macbeth, invece, che sa che lo ucciderà, dice che il corvo stesso si inaridisce nell'annunciare l'ingresso di
Duncan. Macbeth annuncia a sua moglie che quella notte arriverà Duncan; lei chiede: "E
Quando se ne andrà?
Goethe sosteneva che tutta la poesia è poesia di circostanza; non è impossibile che Shakespeare abbia scritto la tragedia
deMacbeth, una delle creazioni più intense della letteratura, portato dal fatto casuale che il tema era scozzese e di
che un re di Scozia, Giacomo I, occupava il trono d'Inghilterra. Per quanto riguarda le tre streghe o Parche, è opportuno ricordare
che il re fosse autore di un trattato di stregoneria e credesse nella magia.
Più complessa e più lenta di Macbeth è la tragedia di Hamlet. L'argomento originale si trova nelle pagine del
lo storico danese Saxo Grammaticus; Shakespeare non lo lesse direttamente. Il carattere dell'eroe è stato oggetto di
discussioni multiple; Coleridge attribuisce una primazia dell'immaginazione e dell'intelletto sulla volontà. Quasi non c'è
personaggi secondari; ricordiamo Yorick, creato per sempre da alcune parole di Amleto, che ha tra
le mani sulla sua tomba. Sono altresì indimenticabili le due donne antagoniste della tragedia, Ofelia, che comprende a
Amleto e muore abbandonata da lui; Gertrude, dura, torturata e sensuale. In Amleto si verifica inoltre l'effetto magico,
elogiato da Schopenhauer e che sarebbe piaciuto a Cervantes, di un teatro dentro il teatro. In entrambe le tragedie,
Macbeth e Amleto, un crimine è il tema centrale; nella prima motivato dall'ambizione, nella seconda dall'ambizione.
vendetta e la necessità di giustizia.
Molto diversa dalle due opere che abbiamo considerato è la prima tragedia romantica che Shakespeare scrisse,
Romeo e Giulietta. Il tema è meno la finale sventura degli amanti che l'esaltazione dell'amore. C'è, come sempre in
Shakespeare, curiose intuizioni psicologiche. È stato lodato il fatto che Romeo si rechi al ballo in maschera
in cerca di Rosalinda e si innamorò di Giulietta; la sua anima era pronta per l'amore. Le frequenti iperboli, come in
Marlowe, sono sempre giustificate dalla passione. Romeo vede Giulietta ed esclama: "Lei insegna a brillare alle torce".
Troviamo, come nel citato caso di Yorick, personaggi che ci vengono rivelati attraverso poche parole. La trama
esigeva che l'eroe acquistasse un veleno. Il farmacista si rifiuta di venderlo; Romeo gli offre oro; il farmacista dice: "Il mio
pobreza consiente, no mi voluntad". "No compro tu voluntad sino tu pobreza", es la contestación. Una intervención del
l'ambiente come elemento psicologico è nella scena dell'addio nella camera da letto. Entrambi, Romeo e Giulietta, vogliono
ritardare la separazione; l'amata vuole persuadere l'amante che è il usignolo a cantare, non l'allodola, che annuncia la
domani; Romeo, che gioca la vita, è pronto ad accettare che l'alba è un riflesso grigio della luna.
Un altro dramma di carattere romantico è Otello, il moro di Venezia, i cui temi sono l'amore, la gelosia, la malvagità.
pura e quello che il dialetto del nostro secolo ha cominciato a chiamare "complesso di inferiorità". Iago, che odia Otello, odia
anche a Casio, che ha un grado militare superiore al suo. Ótelo si sente inferiore a Desdémona, perché le è superiore di molto
anni e lei è veneziana, e lui, nero. Desdémona accetta il suo destino e, assassinata da Otello, cerca di prendersi la colpa su di sé
della sua morte; l'amore e la fedeltà al suo signore la definiscono. Scoperta la vile stratagemma di Iago, Otello prova queste
virtù e si pugnala, non per rimorso, ma perché scopre di essere incapace di vivere senza di lei.
I limiti imposti da un manual ci permettono solo la menzione di opere capitali come Antonio e
Cleopatra, Giulio Cesare, Il mercante di Venezia e Il re Lear. Vorremmo, tuttavia, indicare il carattere di Falstaff,
cavaliere ridicolo e adorabile, come Don Chisciotte, e, a differenza di quest'ultimo, dotato di un senso dell'umorismo del tutto anomalo
nelle lettere del XVII secolo. Shakespeare ha lasciato anche una serie di centoquaranta e oltre sonetti, che sono stati
admirabilmente tradotti in spagnolo da Manuel Mujica Lainez. Sono, non c'è dubbio, autobiografici; alludono a una storia
amorosa che nessuno ha decifrato del tutto; Swinburne li chiama 'documenti divini e pericolosi'. Uno di essi include
una referenza alla dottrina neoplatonica dell'anima del mondo; altri, alla dottrina pitagorica secondo cui la storia universale si
ripete ciclicamente.
L'ultima tragedia che scrisse Shakespeare è La tempesta. Ariel e il suo opposto, Calibano, sono invenzioni.
straordinarie. Prospero, che distrugge il suo libro magico e rinuncia alle arti della stregoneria, può ben essere un simbolo di
Shakespeare che si congeda dalla sua attività creativa.

Introduzione alla Letteratura Inglese. Jorge Luis Borges. Editoriale Emece. 1997.