Arte e Bellezza

1. Introduzione

2. L'Arte come produzione

3. La teoria estetica
3.1.1 La bellezza.
3.1.2 Il giudizio estetico
3.1.3 L'esperienza estetica
3.1.4 La creazione estetica

4. La fine dell'arte

INTRODUZIONE.

Un importante filosofo tedesco del XX secolo, T.W. Adorno, inizia quella che
sarebbe la sua ultima opera (Teoria Estetica) con le seguenti parole: “È arrivato a
è evidente che nulla riguardo all'arte è evidente: né essa stessa, né in
la sua relazione con la totalità, nemmeno nel suo diritto all'esistenza.
Con parole più quotidiane, Adorno ci dice che l'arte - e questo include tutti
i generi: pittura, scultura, musica, letteratura, cinema, ecc.- sono lì, ovunque
parti, nei musei, nella stampa, in televisione, nelle librerie... eppure,
Niente di ciò che riguarda l'arte è così chiaro come sembra.
Pensiamo ad esempio a una serie di manifestazioni artistiche. Per
esempio: il Guernica di Picasso, un fumetto del Corto Maltese, il libro “Cento anni di
soledad”, film come “Il Padrino” o “Torrente 3”, un'opera teatrale come
“Storia di una scala” di Buero Vallejo, una canzone di Eminem o degli Offspring
e un disegno delle grotte di Altamira. Cosa hanno in comune tutti gli esempi precedenti?
in comune? Di tutti loro, e anche di quelli che non ci piacciono, possiamo dire che
sono opere d'arte. Quale definizione troviamo che le racchiuda tutte? Anche
possiamo dire che non tutte sono opere d'arte (ad esempio: Torrente 3), ma,
Con che criterio? Il fatto che ci piacciano o ci dispiacciano non sembra essere un metodo
molto solido, inoltre non saremmo tutti d'accordo e quindi no
avremmo una definizione, se non tante quante persone.
Una possibile soluzione potrebbe essere consultare il dizionario. Le risposte sono di
questa indole: “Attività umana volta alla creazione di opere belle”. O
“Azione creativa dell'uomo. Si oppone alla Natura”. O ancora più ampie,
con lo cual permettono molte applicazioni (si parla di “arte di vivere”, si dice “per
arte della magia", "bisogna avere arte") e ciò che unisce tutte queste espressioni è che
sono modi di fare o produrre qualcosa secondo un metodo o modello.

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 La maggior parte di queste definizioni è eccessivamente vaga e generale, le
potremmo applicare a molte cose che non ci verrebbe mai in mente di chiamare arte. Accade con
è lo stesso con qualsiasi altro problema filosofico: che non può essere risolto
consultando il dizionario.
In ogni caso, abbiamo già da dove cominciare. La maggior parte delle
definizioni collegano l'“arte” a: “produzione”, “creazione”, “bellezza”....

2.- ARTE COME PRODUZIONE.

L'origine del termine "arte" è il greco "techné", che ha il suo equivalente

nel latino “ars”. Il termine greco designa l'azione di “produrre” (“poiesis”,
dicevano i greci) qualcosa, per cui i greci non distinguevano tra il
artesano (lavoro tecnico) e l'artista. In entrambi i casi, si trattava di produrre
qualcosa e farlo nel modo migliore possibile. In cosa si differenzia il compito di un
costruttore di barche e quella di uno scultore? In entrambi i casi si tratta di tecnici che
fanno il loro lavoro (“producono”) nel miglior modo possibile.
Platone distingue tra arti utili alla città (vasaio, agricoltori,
muratori), e quelle destinate a procurare piacere (poeti, pittori, musicisti...) e
considerava superiori le prime, poiché erano più necessarie delle seconde.

Aristotele considera che l'arte è l'opposto del naturale. Capisce la

natura come qualcosa di indipendente dall'uomo e distingue tra esseri naturali
e esseri artificiali. Questi ultimi sono il risultato dell'azione umana. In questo
senso, il termine “arte” include tutto ciò che è realizzato dall'essere umano di fronte a
opera della natura.
Nel Medioevo, si stabilì una differenza tra le arti liberali,
non richiedono sforzo fisico) per designare quelle produzioni meno
dipendenti dalla plasmateria, come la poesia e la musica, e arti
servili (che richiedono un certo sforzo fisico) per designare le tecniche o
produzione di utensili, compresi ciò che oggi chiameremmo arti plastiche
(architettura, scultura, pittura...). All'epoca non si distingueva ancora tra arte e
artigianato.
Il concetto di "belle arti" appare a partire dal XVII secolo in Italia per
designare la pittura, la scultura e l'architettura che raggiungono la stessa
considerazione sociale che le arti liberali (poesia, musica), a cui avrebbero finito
includendo.
Oggigiorno l'arte continua a designare il lavoro produttivo (poiesis), ma
punta più alla contemplazione piacevole del prodotto che all'utilità. L'opera
d'arte designa un tipo di cosa, fatta dall'uomo, destinata a essere
contemplata esteticamente. Possiamo dire che le opere d'arte si
si oppongono agli "oggetti utili", che hanno uno scopo diverso dal loro
contemplazione estetica, anche se possono avere un valore estetico o certa
bellezza che è un piacere contemplare. Inoltre, il processo di produzione che dà origine al
"oggetto utile" è diverso da quello che sfocia nell'opera d'arte: l'oggetto utile di solito
essere prodotto in serie, anche quando è l'artigiano a farlo, non mette
attenzione, piuttosto al contrario, in cui ogni oggetto è unico e diverso dagli altri, altrimenti
che, una volta che trova la tecnica appropriata, ripete il processo una volta dopo l'altra
sempre che il risultato sia soddisfacente.

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 Ma nonostante tutto non è facile determinare cos'è un oggetto
artistico o un'opera d'arte, specialmente dalla prima metà del XX secolo
con l'irruzione delle avanguardie

Nel 1917, Marcel Duchamp prese un semplice e

comune urinario, le stampo la sua firma con lo pseudonimo
R. Mutt e lo collocò all'interno di un'esposizione, in uno di
quei famosi Saloni della pittura di allora.
Indignò, sorprendette, provocò la risata, acquisì valore
economico... ma la verità è che nessuno lo guarda più come
si osserva (o si ignora) un volgare orinatoio in alcuni lavabi.
Tutti coloro che erano lì lo osservarono, gli diedero
giri; e quelli che non lo hanno visto, continuano a desiderare di farlo e
in diretta (non basta una foto). In conclusione: era nato
misteriosamente un'opera d'arte e non un oggetto artistico qualsiasi. In una
una recente indagine tra esperti d'arte ha scelto il urinario di Duchamp come
l'opera d'arte più importante del XX secolo.
Il ventaglio del possibile nell'arte si è aperto tanto con l'audacia
vanguardista, sostenuta dalla permissività di quel quasi appena inaugurato
mercato artistico che non cessava di esigere il più difficile ancora, e che si mostrava
ben disposto a comprare e vendere qualsiasi cosa, tanto più audace meglio, che
pronto tutto ha cominciato a essere accettato nel sacro ambito dell'arte: sia
novità tecniche, come tematiche o materiali entravano dalla porta principale di
quel regno, ormai senza canoni, dove solo il successo, paradossalmente unito allo scandalo,
era il requisito. Questa generosità così aperta alla libertà creativa, rivolta a un
nuovo pubblico (e ora anche un nuovo acquirente, la borghesia) che per
La prima volta valutava la provocazione e si divertiva persino con l'insulto, fu ciò che
ha reso molto più difficile stabilire una definizione dell'arte dove tutto,
assolutamente tutto, potrebbe avere spazio.
A mo' di conclusione, nel limite del possibile, poiché è difficile stabilire
conclusione alcuna in questo tipo di questioni, il fatto che un oggetto sia designato come
L'opera d'arte o l'oggetto artistico dipende da diversi fattori:

- In parte l'artista. Quando si producono oggetti cercando efficacia e

l'utilità si ha in una produzione in serie di utensili dove non c'è posto per la
creatività del produttore. Invece, l'artista aspira a fare della sua opera
qualcosa di unico, un prodotto che dice qualcosa di lui, un oggetto che rappresenta una forma
di vedere e di essere nel mondo. La creatività, l'ispirazione, la volontà di
comunicare, lasciare un segno, sono presenti nell'artista e lo distinguono dal tecnico
o l'artigiano.

- Da parte dello spettatore. Se prendiamo in considerazione quanto detto in precedenza di

un oggetto diventa opera d'arte quando passa a essere
oggetto di contemplazione estetica, vale a dire, viene osservato per il mero
il piacere che lo spettatore trova nella sua contemplazione. In questo modo, molte
pretese (da parte dell'autore) che le 'opere d'arte' non lo siano perché nessuno le
percepite come tali. L'opera d'arte richiede riconoscimento sociale, un'opera in cui
nessuno trova piacere nella sua contemplazione, non è un'opera d'arte, qualunque essa sia
l'intenzione dell'“artista” nel realizzarla. Al contrario, esistono oggetti che sono stati
costruiti in base a fini pratici: attrezzi agricoli, macchine, opere
architettoniche,... che si trasformano in opere d'arte. I romani che

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costruirono e progettarono l'acquedotto di Segovia o il ponte di Alcántara no
erano consapevoli di stare realizzando un'opera d'arte, tuttavia, così sono
percepite da noi.

- Parte del mercato. Il mondo in cui viviamo è molto complicato

in molti aspetti. Forse uno degli aspetti più complessi della società
contemporanea sia quella legata al mercato dell'arte. L'arte moderna ha
roto con tutte le norme, con tutti i canoni in modo che “qualsiasi
cosa” può essere presentata come un'opera d'arte. La verità è che il pubblico
è disposto ad accettare come opera d'arte qualsiasi cosa sia esposta in un
museo o una galleria, qualsiasi oggetto che gli "esperti" avallano come opera
artistica indipendentemente dai veri sentimenti che tale oggetto
despierta nello spettatore. Così, un'opera d'arte è ciò che i
esperti (galleristi, critici, ecc.) riconoscono come tale.

3.- LA TEORIA ESTETICA.

Tutto ciò che riguarda l'arte suscita domande e riflessioni che in modi
differenti sono stati sollevati fin dall'antichità. Esiste quindi una riflessione sul
arte, una parte de la filosofia che si è dedicata a tale riflessione e che riceve il
nome di filosofia dell'arte o estetica.
È consueto considerare il filosofo tedesco del XVIII secolo Alexander
Baumgarten come il fondatore della moderna estetica come disciplina
filosofica, e in effetti fu lui a impiegare il termine per la prima volta nella sua tesi
dottorale. Ma molto prima del diciottesimo secolo molti filosofi si erano già
sollevato questioni di estetica e avevano riflettuto e scritto sulla bellezza, il
arte, il gusto, l'esperienza estetica, la creazione artistica, il giudizio estetico, ecc.

3.1 La bellezza.

Il primo tema che analizza qualsiasi teoria estetica è quello della bellezza. I
I primi a trattarlo furono i filosofi pitagorici (secolo VI a.C.) che non parlano
propriamente di bellezza ma di armonia. Per loro la bellezza è un'unità
di elementi organizzati con certa proporzione. Questa proporzione la
comprendono in modo naturale, come una struttura armonica che si percepisce con la
vista o l'udito.
Sebbene per i pitagorici l'armonia abbia a che fare soprattutto con la
musica, presto tra i greci si applica questo concetto a
la scultura e l'architettura. Ad esempio, la bellezza di un
il portico emerge dal volume, numero e ordine delle
colonne e lo stesso vale per la musica con la
eccetto che in questo caso le relazioni sono
temporali e non spaziali.

Nascono così i canoni di bellezza dell'arte greca:

capiscono che la bellezza è calcolabile matematicamente, si
si tratta di una bellezza razionale, percepibile e intelligibile. Così,
ad esempio la proporzione del corpo umano in relazione
a la testa, secondo il canone classico, è di sette a uno: il
il corpo umano doveva misurare sette teste seguendo il

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patrón del Doríforo de Policleto. Allo stesso modo prestarono particolare attenzione
alla sezione aurea: il punto in cui si divide una linea in due
parti tali che il segmento minore è al maggiore come il maggiore al tutto. Gli antichi greci
credevano di scoprire qui un mistero: la sezione aurea si troverebbe precisamente in
l'ombelico - femminile meglio - con ciò che la legge divina dell'armonia numerica
starei anche collegando generazioni attraverso i successivi cordoni
ombelicali.
Questa teoria potrebbe essere chiamata e con ragione la Grande Teoria della
estetica europea. Ci sono state poche teorie in qualsiasi ramo della cultura
europea che siano rimaste in piedi per tanto tempo o che abbiano meritato un
riconoscimento così grande.
Platone amplia il concetto di bellezza che avevano formulato i sofisti: “lo
che risulta gradevole alla vista e all'udito” e amplia il concetto comprendendo, non
solo le cose belle, figure colori e suoni ma anche i pensieri e
costumi belli, affermava che la bellezza è una proprietà delle cose e che
è legato alla bontà delle stesse. Il bello è buono e il buono è
bello. Così le leggi di una città quando sono giuste sono belle e la bellezza fisica di
un ragazzo è sintomo della bontà della sua anima.
Questo modello di bellezza si mantiene nella cultura cristiana, che considera la
natura come opera d'arte in sé stessa per essere opera di Dio, che determina
su ordine e armonia. I teologi cristiani vedono nella bellezza delle cose
un simbolo, un riflesso della bellezza divina.
Ma a partire dal XVIII secolo, e in modo molto chiaro nel XIX secolo, la
la bellezza passa gradualmente da essere considerata una qualità oggettiva
delle cose a essere relative al soggetto che contempla la bellezza. Passa a essere
più importante è l'emozione che la bellezza produce nello spettatore che la
proporzione o l'armonia che è presente nell'opera d'arte. Come è successo questo?
In primo luogo perché i gusti erano cambiati. L'arte e la letteratura
del barocco tardivo e, fondamentalmente, del romanticismo avevano fatto il loro
apparizione e avevano guadagnato sostenitori. I canoni di bellezza classici avevano
risultano obsoleti e la nuova arte rompe con le formule accettate fino adesso
quindi.
In secondo luogo perché le nuove filosofie, l'empirismo e l'idealismo,
assegnavano al soggetto un ruolo preponderante: l'esperienza e la conoscenza già
non erano comprese in modo passivo come il risultato dell'accettazione di una
verità oggettiva che ci viene mostrata e di fronte alla quale si può solo assentire o allontanarsi
sguardo. Al contrario, l'esperienza e la conoscenza erano possibili solo a
partire dall'attività propria del soggetto: è il soggetto conoscente che costruisce il
conoscenza a partire dai dati caotici dei sensi. Si propongono leggi e
regole che disciplinano l'attività costruttiva del soggetto in modo che questi smetta di
essere una scatola nera di cui non si sa nulla per diventare la chiave di tutto.
Anche della Bellezza. La Grande Teoria era caduta dopo quasi ventiquattro
secoli.
Nei nostri giorni la bellezza, oltre a disconnettersi dall'arte come
spiegheremo nel prossimo paragrafo, ha già perso ogni riferimento obiettivo e
designa piuttosto uno stato d'animo nello spettatore che una qualità di
le cose.
Immagina che un amico ci dica che: “il Comune della mia città è
un edificio brutto”. Questa frase è formale e pretendibilmente informativa. Ci viene
pretende informare che il suddetto centro ha la proprietà di essere brutto. Ma questo
L'edificio, come qualsiasi altro, non può essere brutto o bello. La prova di ciò è che...

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seguente: che informazioni si ottengono dall'edificio citato quando si dice di esso che
è brutto? Nessuno. Ognuno deve immaginarlo come può. O meglio, deve
figurarsi che concetto ha di brutto il soggetto che ha detto la frase e come lo
applicherebbe a un oggetto concreto.
Non è così quando si dice di un oggetto qual è la sua estensione, la sua altezza o
su colore. Dunque, la bruttezza o la bellezza non sono più proprietà di alcun oggetto, solo
progettano la disapprovazione o approvazione di un soggetto che contempla un oggetto.
Ma i concetti servono per comunicare e la comunicazione è solo
possibile se il mittente e il destinatario di un messaggio condividono lo stesso codice, è
dire sono in grado di attribuire gli stessi significati ai segni linguistici.
Allora... a cosa serve un concetto che ha un significato esclusivamente
soggettivo? Se ogni persona intende la bellezza come le pare, come
Possiamo trasmettere la nostra emozione di fronte a un'opera d'arte? Ha senso?
continuare a utilizzare un concetto che non ha alcun riferimento obiettivo? No
Siamo andati troppo lontano? È davvero altrettanto bella una madonna di
Rafael che è un'eroina del Manga?

3.2 Il giudizio estetico.

Uno dei temi più discussi nell'ambito della teoria estetica è quello se
esiste un senso speciale per apprezzare la bellezza e valorizzare le opere d'arte al
allo stesso modo in cui esiste il senso della vista per vedere o quello dell'udito per sentire e se, in caso di
esistere, questo senso è presente in tutti allo stesso modo o se così come ci sono persone
che sentono meglio di altre, ci sono anche persone particolarmente dotate per
apprezzare e valutare le opere d'arte.
Sebbene siano stati utilizzati termini diversi, è consuetudine riferirsi a questo
senso con il nome degustoy e su di esso si è riflettuto abbastanza soprattutto
alcuni autori del XVII secolo.
Alcuni filosofi come l'irlandese Hutchetson parlarono di un "senso
della bellezza”, come la facoltà di formare l'idea di Bellezza in presenza di
certe qualità degli oggetti capaci di suscitarla. Hutcheson influenzò molto in
due grandi teorie che sul gusto sono state formulate nel s
XVIII: quella di David Hume e quella di Immanuel Kant.
Per Hume, così come per Hutchetson, la bellezza
non è qualcosa di realmente presente negli oggetti belli, ma
qualcosa che riguarda lo spettatore che li contempla; non è
una qualità oggettiva delle cose, ma un sentimento
placentero che si produce nello spettatore. Tal
sentimento, come tutti, è irriflessivo, si produce da
maniera immediata al margine della ragione.
Ma questo non significa che l'apprezzamento della bellezza
è qualcosa di totalmente soggettivo e che esclude ogni possibile
discussione sui giudizi estetici. Al contrario,
Hume ci parla di una "norma del gusto". Il gusto, la capacità di apprezzare
la bellezza, è qualcosa che varia non solo da un individuo all'altro, ma in modo
storica: diverse epoche avevano canoni di bellezza diversi.

Hume non pensa, come Platone, che la bellezza sia qualcosa di unico, perfetto e
immutabile che rimane sempre identica a se stessa. Hume concede che la
la bellezza è soggetta agli avvenimenti storici: che diverse epoche e culture

sei
diversi hanno un concetto diverso di bellezza. Questo non significa che il
Il gusto è qualcosa di totalmente soggettivo. Supponiamo di essere cittadini di una
polis greca, per supporre un luogo e un tempo storico dove c'è un concetto di
bellezza chiaramente differenziata; nella nostra polis siamo tutti d'accordo che
La Venere di Milo è una scultura bellissima. A cosa si deve l'unanimità nel
giudizio? Deve esserci qualcosa nell'oggetto, determinate qualità, che fanno sì che il
sentimento che produce sia così indiscutibile. Inoltre, le qualità che fanno
che l'oggetto sia bello devono essere presenti in grado sommo per risvegliare un
accordo così ampio. Ma sicuramente esistono altre sculture, altre opere d'arte
che contengono le stesse qualità ma in misura minore. Cosa succede allora?
Che non esiste più unanimità, che non tutti sono in grado di sperimentare quel
sentimento piacevole che identifichiamo con la bellezza di fronte alla presenza del
oggetto menzionato. È qui che appare il “buon gusto.”
Ci sono persone particolarmente dotate, principalmente per educazione, per
catturare le qualità che producono bellezza anche se queste si trovano in
piccole proporzioni. Nello stesso modo in cui i vignaioli sono in grado di
catturare gli aromi nei vini che ci sono nascosti alla maggior parte di noi. Gli aromi sono
presenti nel vino, ma in piccole quantità, solo quelli che hanno un gusto
raffinati possono discernere. Anche l'appassionato di opera è in grado di
discernere un'eccezionale esibizione di un tenore in una serata determinata,
mentre, per il profano, due rappresentazioni sono identiche.
Le persone che ricevono un'istruzione accurata sono più capaci.
che il resto per apprezzare le qualità in un'opera d'arte. Loro hanno un gusto
delicato. Sono i critici.
Seguendo la consuetudine degli autori inglesi, Kant chiama giudizio di gusto
al giudizio che dichiara bella una cosa. La parola “gusto” suggerisce immediatamente
soggettività come aveva sottolineato Hume, e Kant è d'accordo. Il giudizio di
gusto è una proposizione che esprime un sentimento, non un
conoscenza. Una cosa è la conoscenza concettuale di un edificio (la sua
struttura, stile, funzione, ecc.) e un'altra l'apprezzamento della sua bellezza.
Ma sebbene il fondamento del giudizio del gusto sia soggettivo, ciò che
realmente diciamo che è, senza dubbio, qualcosa riguardo alla cosa; vale a dire, che questa è bella.
Cosa vogliamo dire affermando che una cosa è bella? Quali sono le
caratteristiche dei giudizi estetici?

•Il giudizio estetico è disinteressato, il che non significa che si tratta

di una situazione di noia, significa che si tratta di una
soddisfazione contemplativa. Che non desideriamo contemplare la bellezza per
soddisfare nessun fine o interesse se non che la bellezza ci interessa per sé
la stessa e il giudizio estetico, pertanto, non è indirizzato a nessun
un altro finale. Ad esempio: supponiamo che stia contemplando il dipinto
di un frutto e dico che è bella. Con ciò non voglio dire che mi piacerebbe
mangiare il frutto se fosse reale, altrimenti solo che trovo piacere in
la contemplazione dell'oggetto.

•Pretensione di validità universale. Kant distingue tra 'lo

“gradevole” e “il bello”. Quando dico che il sapore delle olive è
piacevole posso ammettere perfettamente che qualcuno dica: “lei lo
lo trovo piacevole, ma per me è sgradevole”. Poiché riconosco
che la mia affermazione si basa sulla sensazione o il gusto privato e “su
gusti non c'è nulla di scritto”. Ma quando dico che un'opera d'arte è

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 bella pretendo tacitamente, che sia bella per tutti. Cioè: pretendo
che il giudizio non si basi su sentimenti puramente privati, ma su
sentimenti che attribuisco agli altri o che esigo dagli altri. I giudizi di
gusto in senso kantiano, hanno pretese di validità universale.

Come è naturale, Kant non pensa che quando si dice bella a una statua
crea necessariamente che tutti la considerino bella. Kant vuole dire al formulare
il giudizio estetico che il soggetto sostiene implicitamente che gli altri dovrebbero
riconoscere la bellezza nella statua. Ma... perché abbiamo la speranza che gli
gli altri riconoscono la bellezza della statua? Se la bellezza non si cattura con i
concetti sinono attraverso il sentimento.... perché presupponiamo che gli altri
hanno sentimenti simili ai propri?
Kant sostiene che tutte le persone condividiamo qualcosa di simile a un
senso estetico comune che ci permette di apprezzare e riconoscere la bellezza. La
l'esistenza di tale senso non è qualcosa che si possa provare, piuttosto è il
presupposto necessario per rendere compatibili due proposizioni vere.

La bellezza non è una qualità oggettiva delle cose, ma un sentimento

che appartiene al soggetto.

Pretendiamo che i nostri giudizi estetici siano riconosciuti

universalmente, cioè, pretendiamo che gli altri diano il loro
conformità ai nostri giudizi estetici.

Se le due proposizioni precedenti sono vere, e questo è evidente per

Kant, abbiamo bisogno di postulare un 'buon senso' che appartenga alla natura
umana che ci permette di riconoscere la bellezza e che rende possibile la comunicazione e
l'accordo sulle questioni estetiche.

3.3.- L'esperienza estetica.

L'esperienza estetica consiste in

produzione e contemplazione della bellezza. Così
questo concetto ingloba tre elementi e
le rispettive relazioni: artista, opera e
[Link] che sia la "bellezza" ciò che
viene trasmesso su questo canale: l'artista genera
bellezza, che si materializza nell'opera d'arte e è
percepita dallo spettatore.
Naturalmente l'esperienza estetica è andata
evolvendo attraverso la storia. L'arte classica
(greco e romano) parte di una concezione oggettiva
della bellezza come armonia e proporzione. La
l'esperienza estetica prende come centro di gravità
l'opera d'arte, se essa è proporzionata e armoniosa
nécessariamente sarà percepita come un oggetto bello.
Durante la metà del Medioevo, l'esperienza
l'estetica (la contemplazione della bellezza) si avvicina all'esperienza religiosa (la
contemplazione di Dio), poiché il riconoscimento delle cose del mondo ci porta
a desiderare la fonte di quella bellezza, il sorgente da cui sgorga: Dio, il divino

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creatore. In ultima analisi, l'esperienza estetica e quella religiosa hanno la stessa
oggetto: Dio.
Nel XIX secolo, durante il Romanticismo, si comprese per la prima volta la
esperienza estetica in un modo significativamente diverso. Ciò che il pubblico
romantico sperava da un'opera d'arte che gli producesse un'intensa emozione
di carattere irrazionale che prenderà possesso della mente e la porterà a uno stato di
suma esaltazione, allontanandola dal suo corso normale. La bellezza razionale, armoniosa e
la matematica del passato non produceva gli effetti desiderati. Il concetto di bellezza
fu sostituito da quello di 'lo sublime'. L'esperienza del sublime immerge nel
spirito in una sorta di annichilimento, di incapacità di reagire. Lo
Il sublime è terribile, non si sottomette né alla compassione, né alla misura, né alla ragione.
Non conosce alcun limite e, per questo, trascende ogni norma, ogni legge, ogni morale.
Nonostante rappresenti una minaccia per chi lo sperimenta (il sublime
mata o enloquece), lo sublime è immensamente attraente e seducente, come le
sirene che incantano Ulisse nel suo viaggio di ritorno a Itaca.
Finalmente, è importante sottolineare che lo sublime è un privilegio di pochi, poiché
non sono molti quelli che hanno la fortuna di trovarlo, la sensibilità per
riconoscere e la forza per sopportarlo. Lo sublime è patrimonio del genio.
I romantici, così come gli artisti contemporanei, si caratterizzavano per
una costante ricerca della libertà. Ma i romantici comprendevano che la
la libertà era legata a un progetto estetico, alla percezione del sublime, e a un
progetto etico, la rottura con il codice morale stabilito. Invece, l'arte
contemporaneo aspira a una libertà assoluta, libera da ogni impegno
estetico o etico. Conseguenza di questa libertà è anche che l'arte
contemporaneo si disgrega in un ampio ventaglio di correnti:
espressionismo, dadaismo, costruttivismo, neorealismo, cubismo, pop-art...
In un'altra epoca, gli artisti cercavano di creare oggetti belli e questa bellezza era
riconosciuto dallo spettatore. Al contrario, l'artista contemporaneo non è
disposto a rendere omaggio a nulla né a nessuno. La sua produzione artistica può
cercare la bellezza, sì, ma non è necessario farlo. Disconnessione dall'arte
con la bellezza ci conduce a una costante trasgressione dei codici artistici
vigenti, arrivando infine alla paradosso che alla fine non ci sono più codici o
norme da violare perché "tutto vale"
L'opera d'arte contemporanea cerca l'impatto, la provocazione, la
novità, a volte solo per sperimentare, ma molte altre affinché l'opera sia
capace di agitarsi e risvegliarsi incorporando per ciò in molti casi e
intenzionalmente la bruttezza, perché fa parte del nostro ambiente e perché
l'artista vuole che la sua opera sia testimonianza e memoria di un mondo che ha
attraversato troppe volte l'orrore (pensiamo ad esempio a quegli artisti
che furono testimoni di ben due guerre mondiali, ma tutto il
sofferenza e ingiustizia che in molti luoghi del pianeta, ma anche in
rincon del nostro città, continuano a esistere). Quando Picasso dipinse il
Guernica non voleva essere un'opera bella, voleva denunciare l'ingiustizia del
bombardamento di una città senza obiettivi militari da parte dell'aviazione tedesca.
Intendeva rappresentare l'orrore e l'atrocità che avevano commesso i militari
affinché si vergognassero i loro autori e quelli che per omissione lo avevano fatto
possibile. È quindi una sorta di pudore che molti artisti assumono come
impegno personale o sociale, perché si sentono male a offrire sempre una
immagine bella del suo ambiente che non corrisponde alla realtà.
Altre volte, tuttavia, l'abbandono della bellezza è semplicemente una
opzione estetica, un esercizio di libertà e una liberazione per la creatività del

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artista che può manifestarsi così senza alcun freno. Nella ricerca della
rottura e novità l'artista contemporaneo sperimenta con nuove forme,
nuovi materiali (giornali, cartoni, materiali di scarto...) e nuovi
espressioni (video, installazioni, performance...).
Lo importante nell'arte moderna non è la bellezza, ma il
significato. In parole di A.C. Danto, (Michigan, 1924) uno dei teorici del
arte più reputati della attualità: “Per un'opera d'arte
contemporaneo, la bellezza è una specie di reato estetico. La bellezza
ha un ruolo solo se aggiunge qualcosa al significato dell'opera e ciò accade di solito
quando l'opera ha una funzione extra, oltre a essere guardata" L'atteggiamento del
essere assiduo nelle gallerie d'arte contemporanea è simile a quello dell'appassionato di
geroglifici: sempre attento ai dettagli, cercando relazioni tra gli elementi
dell'opera che gli permettano "catturare il messaggio", trovare il significato dell'opera.
L'arte contemporanea (o almeno una buona parte di essa) aspira a una
opera d'arte pura, liberata da ogni impegno etico e estetico. L'arte così
Entendido corre diversi rischi, dei quali alcuni sono:

a) fribolezza o banalità: quando l'unico valore è la novità, quando

non ci sono più norme o canoni a partire dai quali calibrare l'abilità
dell'artista e della qualità dell'opera d'arte, quindi, tutto si affida a
spontaneità: l'artista si lancia a imbrattare tele o fogli "a lo
che esca”, guidato dai suoi capricci. Non è sorprendente che il risultato
sia un'opera frivola e intrascendente che non ingrandisce il mondo né
apporta nuove vie di espressione. Quando l'arte si allontana dalle grandi
le questioni della vita diventano un guscio vuoto e ininfluente.
b) Cripticismo: Chiamato per il suo impulso trasgressivo il senso dell'arte si
ridurre spesso a un semplice "non essere come...", mera polemica tra
scuole rivali che allontanano la produzione artistica dal pubblico a cui è destinata
diretta e per chi risulta assolutamente incomprensibile. Il pubblico
sì, così, dimenticato e disprezzato ed emerge l'importanza del critico
mediatore imprescindibile tra l'arte e lo spettatore. Conseguenza di
Ciao, è che il critico diventa il primo interessato al carattere
crittico dell'opera, per cui tenderà a promuovere e a deliziarsi davanti a ciò
che solo lui capisce.
c) Mercantilismo. Essendo l'arte una questione di esperti, il pubblico non può
fidarsi del proprio giudizio: Come riconoscere allora cosa è una
opera d'arte? Perché l'opera d'arte viene esposta in musei e gallerie,
perché è recensita in tale o tal'altra pubblicazione (recensioni che possono essere
determinati da interessi commerciali) ecc. E come calibrare il loro valore?
Per il prezzo. Il denaro diventa la misura del valore artistico:
Picasso è un pittore migliore di Antonio López perché le sue opere "valgono
di più

3.4 La creazione estetica.

La creazione estetica intesa come la relazione tra l'artista e la sua opera è

un altro dei temi trattati dalla teoria estetica.
Nel mondo greco non si comprende l'arte come creazione ma
come semplice abilità. Uno stesso termine “techne” designa il tipo di
conoscenza propria del calzolaio o dello scultore. La virtù propria dello scultore
consiste nell'imitare nel modo più perfetto possibile la natura.

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 Si considerava che Prassitele, per esempio, fosse un grande scultore perché
rappresentava fedelmente la figura umana. Per quanto riguarda l'architettura, i
"tecnici" dovevano sforzarsi per realizzare edifici simmetrici e ben proporzionati
conforme al canone di bellezza imperante e così via. L'arte è
fondamentalmente mimesi (imitazione) e non c'è spazio per la creatività dell'artista.
Durante la Edad Media gli artisti si sentono strumenti in
mani di Dio. Considerano che la loro missione sia servire Dio contribuendo con
le sue opere all'educazione morale degli uomini. L'importanza di questa missione
oscurece la personalità dell'autore della cui personalità non può rimanere
costanza.
Alla fine del Medioevo sono già noti i nomi di alcuni autori,
ma, fino all'età moderna, l'arte non inizia a essere considerata come frutto del
talento, dell'immaginazione e dell'intuizione personale dell'artista. Questo aspira a
perfezione nella sua opera e si valutano l'originalità e la novità della stessa,
lasciando testimonianza della sua autorialità.
A partire dal Rinascimento italiano conta il prestigio degli artisti che
ascendono nella scala sociale. È allora che appare un concetto
strettamente legato a quello dell' "artista" e "creazione"; questo è il genio. Il genio si
si oppone all'artigiano, quest'ultimo possiede una tecnica, un mestiere che gli consente di
realizzazione di oggetti che, sebbene occasionalmente possano essere belli, sono
acquisiti (non contemplati) in virtù della loro utilità.
Il genio, secondo Kant, è il vero produttore delle opere di
arte. Un'opera d'arte non è il risultato dell'applicazione meccanica di
determinate tecniche che sono a disposizione di un numero relativamente ampio di
persone. L'opera d'arte è qualcosa di unico, la rappresentazione in materia di un'intuizione
geniale. I geni non si fanno: nascono, hanno un dono. Non sono loro che
consapevolmente generano arte, sono come gli eletti, dalla Natura che si
si manifesta attraverso di loro, anche senza che ne siano consapevoli. La genialità
non si impara, semplicemente si possiede e si manifesta come creatività. Il genio
non partecipa a un mondo già dato, ma crea un nuovo universo simbolico, in
in ultima istanza tutta la produzione artistica può essere ridotta al momento creativo,
all'atto di creazione da parte dell'artista.
L'arte contemporanea si è progressivamente allontanata dalla figura del
“genio” (che è il concetto centrale dell'arte romantica), ma rimane fedele, più
che non potremmo mai dire, alla creatività. L'artista contemporaneo, nel suo
maggioranza, non aspira più a rappresentare la bellezza ma a manifestare il suo
creatività. I pericoli di questo approccio li abbiamo già discussi in un
sezione precedente.
Ma nonostante sia il concetto
centrale attorno al quale ruota buona parte
del arte contemporaneo non è in
assoluto chiaro che cos'è quello della
“creazione”. Quando un artista progetta
una opera, un copione minimo perché
siano i lettori o gli spettatori a
completate il puzzle, o quando
trasforma l'arte in una sorta di
terapia di gruppo dove tutto si lascia al
improvvisazione di esos attori
spettatori occasionali, quando gioca
con il caso per annullare praticamente

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la sua intervento, quando dettano per telefono a un semplice operatore le istruzioni
per creare un oggetto d'arte che lui non tocca, o quando lo stesso viene posizionato su un
pedestallo e rimane immobile (ma non in strada, bensì in una galleria d'arte)
per essere contemplato, o quando, senza un progetto precedente, versa barili di vernice
dall'aria su una tela, o sulla schiuma delle onde in mare, o avvolge
una statua, o compone poesie mescolando casualmente parole ritagliate
anche a caso di un giornale, o quando un artista introduce un orinatoio o un
botellero o una pala da neve o un appendiabiti tra le pareti di una esposizione, o
la sua opera consiste in una stanza vuota in cui si può accendere e spegnere la
luce... e tutti gli esempi sono reali, non possiamo smettere di chiederci... È
quella "creazione"?

4. È LA FINE DELL'ARTE?

Tra le tante definizioni che si addicono all'essere umano, una potrebbe

essere un animale artistico. L'uomo è un animale che non si accontenta di
utilizzare ciò che trova intorno a sé, ma lo trasforma, lo adatta e lo utilizza
per creare nuove cose. Alcune di esse non hanno un'utilità al di là del
piacere che troviamo nella sua contemplazione.
Questo è accaduto sempre: dai tempi antichi dell'umanità fino a
i nostri giorni. Nonostante ciò, alcuni alzano la loro voce per annunciare che il tempo
dell'arte è passato, che l'arte contemporanea è il canto del cigno di una storia
che risale all'origine dell'uomo. Vediamo alcuni dei suoi argomenti.
Nel XIX secolo, il filosofo tedesco Hegel fu il primo a predire il
fine dell'arte. Potremmo pensare che tutta la storia dell'arte del ventesimo secolo sia la più
prova convincente dell'errore di Hegel, ma forse ci stiamo
precipitando. Per valutare nel giusto modo la tesi hegeliana dobbiamo ricorrere a
i argomenti che la sostengono, valutare la loro coerenza o mancanza di essa, il suo
concordanza con i dati di cui disponiamo o il loro disallineamento con gli stessi,
ecc.
Un problema aggiunto è che l'argomentazione a cui ci riferiamo non è
una teoria isolata, ma fa parte di un corpo molto più ampio, la
totalità della filosofia hegeliana, che non possiamo esporre qui. Eppure, la teoria
L'estetica hegeliana è sufficientemente interessante da essere studiata da sola.
misma, al margine della totalità del sistema hegeliano (che prende il nome di
idealismo assoluto).
Hegel afferma che l'arte è il modo in cui i popoli manifestavano ciò
che potremmo chiamare suo spirito. Così, per esempio, attraverso l'arte maya
ci connettiamo con lo spirito di quel popolo: le sue paure, le sue credenze, le sue
speranze, ecc. Allo stesso modo le prime manifestazioni artistiche che
conosciamo, Venere dai seni e fianchi ampi con organi sessuali molto
contrassegnati, ci indicano l'importanza della fertilità e della fecondità per quelli
popoli.
Il primo periodo artistico dell'umanità è denominato da Hegel arte
simbolico. Le forme sono ancora rozze, le tecniche poco raffinate e la mimesi o
rappresentazione, molto imperfetta. La materia si impone allo spirito e non
permette una piena manifestazione di questo. Ma queste opere ci impressionano per il loro
forza simbolica, per il significato che intuiamo associato a questi oggetti. Le
imponenti piramidi, le sfingi egiziane o i rilievi assiri ci producono una
profonda impressione perché ci mostrano lo spirito di quei popoli. Non si

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limitano a offrirci informazioni oggettive su, ad esempio, la complicata
struttura gerarchica, la necessaria divisione del lavoro, l'importanza di
casta sacerdotale, o la forza della dinastia regnante che rese possibile la
costruzione delle piramidi. Ci mostrano, inoltre, l'ansia di immortalità,
la grandiosità, l'orgoglio o la crudeltà di quei popoli. Il loro spirito, in
definitiva.
Il secondo periodo artistico è quello dell'arte classica. Questo periodo è
marcato, come abbiamo visto, dall'idea di armonia. Non solo armonia tra le
forme o le dimensioni dell'opera d'arte, ma anche armonia ed equilibrio
tra lo spirito e la materia. Mai lo spirito di un popolo ebbe una
plasmazione così fedele nelle sue opere artistiche come nel caso dei greci. Grecia
è il Partenone, il Discobolo, la Venere di Milo... Gli artisti greci, e poi i
i romani, riuscirono a materializzare meglio di chiunque altro lo spirito del popolo a cui
appartenevano.
Hegel fa un importante salto, fino alla sua epoca, per caratterizzare il
terzo e ultimo periodo della storia dell'arte: l'arte romantica.
il romanticismo si caratterizza perché lo spirito trabocca dalla materia
che cos'è, per l'artista romantico, una limitazione, un ostacolo di cui farebbe a meno
volentieri se fosse possibile. Lo spirito è cambiato e non si adatta più ai
forme classiche. Lo spirito di cui stiamo parlando non è altro che il proprio
cultura occidentale che ha rotto con l'ideale classico di bellezza e esplora nuovi
cammini. La bellezza è stata sostituita dal sublime e le opere d'arte
trasmettono con difficoltà l'emozione desiderata (poiché lo sublime non conosce limiti
ni proporzione alcuna). L'ultimo genere artistico è la musica, poiché è il
che altro può prescindere dagli elementi materiali. Ancora in un'opera
musicale, come la cavalcata delle Valchirie di Wagner, per esempio, possiamo
trovare lo spirito romantico che si rifiuta di rimanere confinato in una prigione
materiale. Ma alla fine nemmeno la musica può aspirare a rappresentare lo spirito,
beh, questo è diventato troppo astratto, troppo complesso.
Possiamo ancora oggi, nel XXI secolo, trarre qualche insegnamento da questo vecchio
teoria decimononica? Può darsi. L'arte che ci colpisce, quella che
tutti noi riconosciamo come genuino quello che trascende il mondo
interior dell'artista e ci dice qualcosa del suo tempo e del suo mondo. Per questo
Le opere d'arte antiche non suscitano controversia. L'artista è come un
"medium" attraverso il quale parla "lo spirito" (in termini hegeliani). Ma quando il
l'artista aspira solo a mostrarci il suo "mondo interiore" non possiamo fare a meno di
chiederci: e questo... a chi importa?
L'arte, per secoli ha aspirato all'universalità, l'artista ha
posto di individualità e la sua personalità al servizio di un obiettivo più elevato:
catturare e rappresentare lo spirito, o i valori, le credenze, i desideri e le paure
propri del mondo che gli è toccato vivere. Ma il nostro mondo è diventato
troppo complicato. L'artista aspira solo a lasciare un segno del suo
individualità, a dimostrare che lui possiede una "personalità creativa" e chiaro, non
c'è un artista, anzi molti, tutti loro dimostrando quanto siano unici e originali.
figlio, abdicando da ogni pretesa di universalità, mostrando, in modo
desvergonzata, lo peculiare ed esclusivo che è il suo “sguardo”. Ma.... è Arte?
La fine dell'arte è stata proclamata non solo da qualche filosofo sospetto di
risentimento per la propria mancanza di creatività, ma per alcuni artisti. Sono i
appartenenti alle avanguardie.
Le avanguardie artistiche sono un insieme molto variegato di correnti
(espressionismo, dadaismo, surrealismo, cubismo...) e artisti che sorgono a

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principi del XX secolo e che reagiscono contro l'arte tradizionale. Le
le caratteristiche di queste correnti e le opere di questi artisti sono al margine di
gli obiettivi del presente tema. Tra tutti loro andremo a mettere in evidenza solo a
due artisti che con le loro opere hanno cambiato drasticamente la concezione dell'arte:
Marcel Duchamp e Andy Warhol.
Nel 1917 Marcel Duchamp fu invitato dalla galleria Grand Central di
New York farà parte della giuria di un'esposizione di artisti
indipendenti. Senza informare nessuno, lo stesso Duchamp inviò per esporre in
quella esposizione un orinatoio di porcellana bianca firmato con lo pseudonimo "R."
Mutt". Quando la sua fonte fu rifiutata per l'esibizione, Duchamp denunciò al
Il giurato e l'incidente hanno causato uno scandalo che ha scosso il mondo dell'arte.
Con questo atteggiamento provocatorio Marcel Duchamp voleva mostrare la sua delusione
di fronte alle forme tradizionali dell'arte, pittura e scultura, come mezzi di
espressione, e il suo rifiuto nei confronti dell'idea che l'arte e l'artista abbiano una
natura speciale
inviare all'esposizione un prodotto commerciale fabbricato in serie e firmato da un
"artista" inesistente, si oppone radicalmente alla sacralizzazione dell'opera d'arte
come "creazione unica e irripetibile", uscita dalle mani di un "genio". Questo
la sfida "antiartistica" proponeva di rompere le barriere dell'arte e ampliare il suo
orizzonti. Nella difesa della sua Fontana, Duchamp scrisse: “Se il signor Mutt
costruì o no con le proprie mani la Fontana non ha alcuna importanza. Lui
laELIGIÓ. Prese un oggetto della vita quotidiana, lo riposizionò in modo che
perse il suo senso pratico, le diede un nuovo titolo e punto di vista e creò un
nuovo significato per quel oggetto.
Il concetto artistico che Duchamp postula con opere come Fontana è quello del
pronto, cioè "ciò che è già fatto" o "oggetto trovato". Cioè che
trova oggetti manufatti che descontextualizza dal loro ambiente comune e a
quelli che conferiscono loro una nuova identità. Con ciò, Duchamp colloca l'essenza del
atto artistico nell'IDEA e selezione dell'oggetto, non nella creazione né nell'immagine
visual dell'opera. In questo modo, l'artista si libera della manualità e, quindi,
della tecnica, che la tradizione artistica intendeva come indissolubili dall'atto
creatore.
In passato, e forse ancora oggi, opere come questa venivano considerate come una
aggressione. Marcel Duchamp usò questo tipo di violenza per combattere le idee
convenzionali dell'arte. Il suo atteggiamento coincide con il movimento dadaista
(Zurigo, 1916), dove si mette in discussione la validità dell'arte stessa. Duchamp e i
i dadaisti cercarono di demolire le barriere tra l'arte e la vita,
declarando che chiunque potesse essere un artista e qualsiasi cosa potesse
trasformarsi in un'opera d'arte.
Ciò che fecero Duchamp e i dadaisti aveva
un senso: era una reazione di fronte a una considerazione
elitista dell'arte e una negazione del concetto romantico
di "genio creativo". Ma... cosa si può dire di più?
Quando qualsiasi oggetto quotidiano può essere
contemplato come un'opera d'arte, non è
prova sufficiente che un cammino ha toccato a
su fin?
Andrew Warhol, il principale rappresentante del
pop-art, fa un ultimo passo in questo cammino verso la
disoluzione dell'arte. Dopotutto le eccentricità
de Duchamp e i dadaisti erano commentati tra piccoli circoli di persone

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appassionate d'arte ma non arrivavano all'"uomo della strada". Se l'arte aveva
morto la maggior parte della gente non si era accorta. Warhol sarà il
incaricato di farlo sapere.
Warhol raggiunge il successo lavorando come designer e pubblicitario. Ma Andy
vuole dipingere e raggiungere il successo con i suoi quadri e ci è riuscito presentando i
prodotti di consumo come arte. Nascono così le prime serigrafie della zuppa
Campbell, le bottiglie di coca-cola, i contenitori di sapone, le lattine, ecc.
Warhol riuscì ad annullare la distinzione tra oggetto di consumo e
opera d'arte. E il suo successo non si limitò all'ammirazione di un ridotto gruppo di
critici. Ha raggiunto un riconoscimento universale. A partire da Warhol è ancora di più
difficile, per non dire impossibile, determinare cosa sia un'opera d'arte. Qualsiasi
cosa può essere un oggetto artistico: se Warhol firma uno scontrino, così
l'oggetto si trasforma in un oggetto artistico, perché Warhol è un artista riconosciuto.
Ma non è solo Warhol, ce ne sono molti altri. Sembra che nel momento in cui un
l'artista raggiunge il riconoscimento sociale e diventa la misura di ciò che si può comprendere
per arte. In ultima analisi, è arte tutto ciò che produce un artista ed è artista
quello che l'ambiente dell'arte (critici, galleristi, professori universitari....)
decidi che lo è. Non c'è alcun criterio, tutto è una questione di volontà. Un gruppo
decidi chi è l'artista e questo decide cosa è un'opera d'arte. È davvero
è folle affermare che l'arte sia morta.

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