Lezione 1: Arte e le sue Convenzioni

Arte
- Proviene dall'antico latino “ars” che significa un'arte o una forma specializzata di abilità come
carpenteria o fabbricazione di metalli o chirurgia (Collingwood, 1938).
L'arte nel latino medievale assunse un significato diverso. Si riferiva a qualsiasi forma speciale di
l'apprendimento dai libri, come la grammatica o la logica, la magia o l'astrologia. (Collingwood 1938).
- Le belle arti non avrebbero significato arti delicate o altamente abilitate, ma arti belle.

Il Processo di Creazione Artistica

L'artista - Non si può parlare di arte senza l'artista. L'arte è il riflesso dei propri sentimenti.
È la spiegazione dei concetti o delle idee immaginati. L'esperienza aiuta l'uomo a formarsi e svilupparsi.
questo argomento.

Il medium dell'arte - Il materiale utilizzato per esprimere un'idea. Il medium può essere qualsiasi cosa utilizzata per
mostra ciò che c'è nella mente dell'artista. Può essere legno, metallo, pietra; oppure possono essere parole, azione, o
qualunque cosa evoca il senso estetico.

Conventi dell'arte
[Link] e senza tempo - L'arte è sempre stata senza tempo e universale, attraversando le generazioni e
continenti attraverso e attraverso. È stato creato da tutte le persone indipendentemente dall'origine, dal tempo, dal luogo,
e che è rimasto perché è apprezzato e goduto continuamente dalle persone.
L'arte non è natura - l'arte è l'espressione dell'uomo della sua percezione della natura. L'arte è il modo dell'uomo di
interpretare la natura.
3. Un artista ha bisogno di esperienza - A differenza dei campi del sapere che coinvolgono dati, l'arte è conosciuta da
vivere. Un'opera d'arte quindi non può essere separata dal fare effettivo. Per sapere cosa un
L'opera d'arte è, dobbiamo percepirla, vederla o sentirla, e vederla e sentirla.

L'arte antica (4.000) è stata prodotta da civiltà avanzate, che in questo caso si riferisce a quelle
con una lingua scritta stabilita. Queste civiltà includevano Mesopotamia, Egitto, Grecia,
e quelli delle Americhe.

Arte Preistorica (40.000-4.000 a.C.) – Le origini della storia dell'arte possono essere rintracciate fino a
era preistorica, prima che venissero registrati documenti. I più antichi artefatti provengono dal Paleolitico
era, o il Paleolitico, sotto forma di incisioni su roccia, incisioni, immagini pittoriche, sculture,
e disposizioni di pietre.
Arte medievale (500-1400) - Il Medioevo, spesso chiamato "Età buia", segnò un
periodo di deterioramento economico e culturale dopo la caduta dell'Impero Romano nel 476 d.C.
Gran parte delle opere d'arte prodotte nei primi anni del periodo riflette quella oscurità, caratterizzata
da immagini grottesche e scenari brutali.

Rinascimento (1400-1600) - Questo stile di pittura, scultura e arte decorativa era caratterizzato da
con un focus sulla natura e l'individualismo, il pensiero dell'uomo come indipendente e autosufficiente. Anche se
questi ideali erano presenti nel tardo periodo medievale, fiorirono nel XV e XVI secolo
parallelo ai cambiamenti sociali ed economici come la secolarizzazione.

Manierismo (1527-1580) – gli artisti manieristi emersero dagli ideali di Michelangelo, Raffaello
e altri artisti del tardo Rinascimento, ma il loro focus sullo stile e la tecnica prevaleva sul significato
dell'argomento. Spesso, le figure avevano arti aggraziati e allungati, teste piccole, figure stilizzate
e dettagli esagerati.
Barocco (1600-1750) - Il periodo barocco che seguì il Manierismo producendo opere ornate, sopra...
le migliori arti visive e architettura. Era caratterizzato da grandezza e ricchezza, punteggiato da un
interesse ad ampliare l'intelletto umano e la scoperta globale. Gli artisti barocchi erano stilisticamente
complesso.

Rococò (1699-1780) - originato a Parigi, comprendente arte decorativa, pittura, architettura e

scultura. L'estetica offriva uno stile più morbido di arte decorativa rispetto all'esuberanza del Barocco.
Il Rococò è caratterizzato da leggerezza ed eleganza, concentrandosi sull'uso di forme naturali.
design asimmetrico e colori delicati.

Neoclassicismo (1750-1850) - come suggerisce il nome, il periodo neoclassico attingeva a elementi

dall'antichità classica. Rovine archeologiche di antiche civiltà ad Atene e Napoli che
furono scoperte all'epoca riaccendendo una passione per tutto ciò che è passato, e gli artisti si sforzarono di ricreare il
grandi opere d'arte antica. Questo si tradusse in un rinnovato interesse per gli ideali classici di armonia,
semplicità e proporzione.

Il Romanticismo (1780-1850) incarna una vasta gamma di discipline, dalla pittura alla musica a
letteratura. Gli ideali presenti in ognuna di queste forme d'arte rifiutano l'ordine, l'armonia e la razionalità, che
furono abbracciati sia nell'arte classica che nel Neoclassicismo. Invece, gli artisti romantici enfatizzarono il
individuo e immaginazione.

Il realismo (1848-1900) - Probabilmente il primo movimento artistico moderno, il realismo, ebbe inizio in Francia nel
Anni 1840. Il realismo fu il risultato di molteplici eventi: il movimento anti-romantico in Germania, l'ascesa
del giornalismo e l'avvento della fotografia.

Impressionismo (1865-1885) - I pittori impressionisti cercarono di catturare l'impressione immediata

di un momento particolare. Questo era caratterizzato da pennellate brevi e rapide e da un aspetto incompleto,
sensazione da schizzo. Gli artisti impressionisti utilizzavano la vita moderna come tema, dipingendo situazioni
come sale da ballo e regate di vela piuttosto che eventi storici e mitologici.
Post-impressionismo (1885-1910) - I pittori post-impressionisti lavorarono in modo indipendente piuttosto che
come gruppo, ma ogni pittore post-impressionista influente aveva ideali simili. Si concentravano
su visioni soggettive e significati simbolici e personali piuttosto che su osservazioni dell'esterno
mondo. Questo veniva spesso raggiunto attraverso forme astratte.

L'Art Nouveau (1890-1910) - che si traduce in 'Nuova Arte', ha tentato di creare un interamente
movimento autentico libero da qualsiasi imitazione di stili che lo hanno preceduto. Questo movimento è fortemente
ha influenzato le arti applicate, la grafica e l'illustrazione. Si è concentrato sul mondo naturale, caratterizzato da
linee e curve lunghe e sinuose.

Fauvismo (1900-1935) - Guidato da Henri Matisse, il Fauvismo si è basato su esempi di Vincent van
Gogh e Georges Seurat. Come il primo movimento d'avanguardia del XX secolo, questo stile era
caratterizzato da un uso espressivo di colori intensi, linee e pennellate, un audace senso della superficie
design e composizione piatta.
Espressionismo (1905-1920) - L'espressionismo emerse come risposta a una crescente conflittualità.
visioni del mondo e la perdita della spiritualità. L'arte espressionista cercava di attingere dall'interno dell'artista,
usando una distorsione della forma e colori forti per mostrare ansie ed emozioni grezze.

Il Cubismo (1907-1914) è stato fondato da Pablo Picasso e Georges Braque, che hanno rifiutato il
concetto che l'arte dovrebbe copiare la natura. Si allontanarono dalle tecniche tradizionali e
prospettive; invece, hanno creato oggetti radicalmente frammentati attraverso l'astrazione.

Surrealismo (1916-1950) - emerse dal movimento artistico Dada nel 1916, mostrando opere di
arte che sfidava la ragione. I surrealisti condannarono la mentalità razionalista. Riuscirono a dare la colpa a questo pensiero
processo su eventi come la Prima Guerra Mondiale e credeva che reprimesse i pensieri immaginativi.

Espressionismo astratto (1940-1950) - Plasmato dall'eredità del Surrealismo, Astratto

L'espressionismo è emerso a New York dopo la Seconda Guerra Mondiale. È spesso riferito come la Scuola di New York
o action painting. Questi pittori e scultori astratti si sono staccati da ciò che era considerato
convenzionale, e invece ha usato la spontaneità e l'improvvisazione per creare opere d'arte astratte.

Pop art (1950-1960) - uno dei più riconoscibili sviluppi artistici del XX secolo.
il movimento è passato da metodi usati nell'Espressionismo Astratto e invece ha utilizzato
ogni giorno, oggetti quotidiani per creare opere d'arte innovative che sfidavano il consumismo e
mass media

Op Art (1950-1960) - accentuata dai progressi nella scienza e nella tecnologia, così come da un interesse in
effetti ottici e illusioni, il movimento Op art (abbreviazione di "arte ottica") lanciato con Le
Movimento, una mostra collettiva alla Galerie Denise Rene nel 1955. Gli artisti attivi in questo stile utilizzavano
forme, colori e motivi per creare immagini che apparivano in movimento o sfuocate, prodotti spesso
in bianco e nero per il massimo contrasto. Questi schemi astratti erano destinati a confondere e
eccitare l'occhio.

Arte Povera (1960) - Traducendo letteralmente in "arte povera," l'Arte Povera ha sfidato il modernismo.
sistemi contemporanei introducendo materiali comuni nelle creazioni. Gli artisti hanno utilizzato terra, rocce,
carta, corda e altri elementi terrestri per evocare un sentimento preindustriale. Di conseguenza, molti di
le opere notevoli durante questo movimento sono scultoree.

L'Arte Concettuale (1960-1970) ha completamente rifiutato i precedenti movimenti artistici, e gli artisti apprezzavano
idee sui componenti visivi, creando arte sotto forma di performance, ephemera e altre forme.

Minimalismo (1960-1970) - Il movimento minimalista emerse a New York come un gruppo di

Artisti più giovani iniziarono a mettere in discussione le opere eccessivamente espressive degli artisti dell'Espressionismo Astratto.
L'arte minimalista invece si è concentrata sull'anonimato, richiamando l'attenzione sulla materialità delle opere.

Arte contemporanea (1970-presente) - Gli anni '70 segnarono l'inizio dell'arte contemporanea, che
si estende fino ai giorni nostri. Questo periodo è dominato da varie scuole e movimenti più piccoli
che è emerso. Il Postmodernismo, l'arte Feminista, il Neo Espressionismo, l'arte di strada, Le Immagini
Generazione, arte di appropriazione, Giovani Artisti Britannici (YBA) e arte digitale.
Lezione 2: Il Ruolo della Creatività, dell'Immaginazione e dell'Espressione nella Creazione Artistica

Il ruolo dell'arte come opera creativa è quello di rappresentare il mondo in una luce completamente diversa e
prospettiva" -Jean-Paul Sartre

L'ARTE COME PRODOTTO DELL'IMMAGINAZIONE, L'IMMAGINAZIONE COME PRODOTTO DELL'ARTE

L'immaginazione è più importante della conoscenza. Perché la conoscenza è limitata a tutto ciò che sappiamo ora.
conoscere e comprendere, mentre l'immaginazione abbraccia l'intero mondo, e ci sarà sempre
conoscere e capire" (Albert Einstein)
Un'opera d'arte non deve essere una cosa reale, ma può essere qualcosa di immaginario.
(Collingwood, 1938).
Secondo Collins e Riley (1931), il desiderio e la voglia di essere circondati da bellezza
le cose risalgono ai nostri antenati

L'ARTE COME ESPRESSIONE

Secondo Collingwood (1983), liberarsi da un tormento e da una disabilità

stato facendo qualcosa è chiamato esprimersi.
Un'emozione rimarrà sconosciuta a un uomo finché non la esprimerà.
oRobin George Collingwood, un filosofo inglese noto soprattutto per il suo lavoro in
estetica, spiegata nella sua pubblicazione I principi dell'arte (1938) che cosa è un artista
fare a un'emozione non è indurla, ma esprimerla. Attraverso l'espressione, è in grado di
esplorare le proprie emozioni e, allo stesso tempo, creare qualcosa di bello da esse.
oCollingwood ha ulteriormente illustrato che esprimere emozioni è qualcosa di diverso da
descrivere le emozioni. La descrizione distrugge l'idea di espressione, poiché classifica il
emozione, rendendola ordinaria e prevedibile. Espressione, d'altra parte,
individualizza. Un artista ha la libertà di esprimersi nel modo in cui desidera. Pertanto,
non esiste una tecnica specifica nell'espressione. Questo fa sì che l'arte delle persone non sia un riflesso di
ciò che è al di fuori o esterno a loro, ma un riflesso del loro io interiore.

Modi di esprimersi attraverso l'arte

1. Arti Visive - il tipo di forma d'arte a cui la popolazione è più probabilmente esposta, ma la sua
le variazioni sono così diverse. Alcuni mezzi delle arti visive includono pitture, disegni, scritture,
stampa, sculture, imaging digitale e altro ancora.

2. Film - l'arte di mettere insieme successioni di immagini fisse per creare un'illusione di
movimento. La realizzazione cinematografica si concentra sulla sua estetica, sul valore culturale e sociale ed è considerata come
Entrambi un'industria dell'arte.
[Link] performativa - un'arte dal vivo e il mezzo dell'artista è principalmente il corpo umano che egli o ella
usa per eseguire, ma impiega anche altri tipi di arte come l'arte visiva, i materiali di scena o il suono.
Quattro elementi dell'arte performativa
a. tempo
b. dove si è svolta la performance
c. il corpo dell'esecutore
d. relazione tra il pubblico e gli artisti

[Link] - una forma d'arte in cui l'artista esprime le proprie emozioni non usando vernice, carbone, o
camera, ma le esprime attraverso le parole. Utilizza i valori emotivi, musicali e spaziali di una parola
che vanno oltre il loro significato letterale per narrare, enfatizzare, argomentare o convincere.

[Link]

L'arte è la ricerca e la creazione di cose belle, mentre l'architettura è la realizzazione di

bellissimi edifici.
Non tutti gli edifici possono essere considerati architettura.
Il Grand Théâtre di Bordeaux dove la funzionalità del teatro rimane, ma il
il bilanciamento straordinario delle linee, dei colori e delle forme completa il capolavoro.
Gli edifici dovrebbero incarnare questi tre elementi importanti: piano, costruzione e design.
se desiderano meritare il titolo di architettura (Collins & Riley, 1931)

[Link]

La danza è una serie di movimenti che segue il ritmo dell'accompagnamento musicale.

Forma creativa che consente alle persone di esprimersi liberamente.
Non ha regole. I ballerini sono liberi di creare e inventare i propri movimenti purché
ritenerli graziosi e belli.
7. Arte Letteraria
L'arte letteraria va oltre i consueti ambiti professionali, accademici, giornalistici e altri.
forme tecniche di scrittura.
Si concentra sulla scrittura utilizzando uno stile unico, senza seguire un formato o una norma specifica.
Può includere sia opere di fiction che di non fiction come romanzi, biografie e poesie.

8. Teatro

Il teatro utilizza interpreti dal vivo per presentare racconti o eventi immaginari di fronte a un pubblico dal vivo.
pubblico.
Di solito segue un copione. Proprio come nel cinema, anche il teatro considera diversi elementi
come gesto recitativo, illuminazione, effetti sonori, colonna sonora, scenografia e oggetti di scena.
Simile all'arte performativa, lo spettatore è un elemento importante nell'arte teatrale.
Alcuni generi teatrali includono dramma, musical, tragedia, commedia e improvvisazione.
9. Arti Applicate

Le arti applicate incorporano elementi di stile e design negli oggetti quotidiani con l'obiettivo
di aumentare il loro valore estetico.
Gli artisti in questo campo portano bellezza, fascino e comfort in molte cose che sono utili in
vita quotidiana (Collins & Riley, 1931).
Il design industriale, il design d'interni, il design della moda e il design grafico sono considerati
arti applicate.
Funzionalità e Stile.
Lezione 3: Funzioni e Prospettiva Filosofica
Il filosofo greco Aristotele sosteneva che ogni sostanza particolare nel mondo abbia un
fine, ortelosi in greco, che si traduce in "scopo".
Thistelos, secondo Aristotele, è strettamente legato alla funzione. Affinché una cosa raggiunga
il suo scopo, deve anche adempiere alla sua funzione.
L'uomo, nella visione della realtà di Aristotele, è destinato a raggiungere una vita di realizzazione e felicità,
o in greco, eudaimonia.
Il telos e la funzione di una cosa sono entrambi legati all'identità di una cosa.

CLASSIFICAZIONE MAGGIORE DELLE ARTI

Arti Pratiche
noto anche come arti applicate
arti in cui gli oggetti sono creati per uno scopo utile
nella questione ci sono i benefici pratici che si ottengono da esso
Ceramica, creazione di gioielli, mestieri, falegnameria, architettura

[Link] Arti
arti performative e visive
arti principalmente create per scopi estetici o intellettuali
si può solo guardare al valore del prodotto dell'arte in e per se stesso
Esempi: Pittura e letteratura, musica, teatro

Funzioni dell'Arte
[Link]
variato e altamente soggettivo
le funzioni dipendono dalla persona - l'artista che ha creato l'arte
L'artista può creare un'opera d'arte per:
bisogno di autoespressione
-mera intrattenimento per il suo pubblico
[Link]

influenza il comportamento collettivo delle persone:

creato per essere visto o utilizzato principalmente in situazioni pubbliche
esprime o descrive aspetti collettivi dell'esistenza
a differenza dei tipi di esperienza individuali e personali.

[Link]
Le funzioni fisiche dell'arte sono le più facili da individuare e comprendere.
Le funzioni fisiche dell'arte si possono trovare nelle opere d'arte che sono create per servire
uno scopo fisico.
Altre Funzioni dell'Arte
[Link]
- La musica nella sua forma originale era principalmente funzionale. La musica veniva utilizzata per la danza e la religione.
A differenza di oggi, quando si può semplicemente ascoltare la musica per il piacere della musica, il mondo antico
vedeva la musica solo come uno strumento per facilitare il culto e l'invocazione di dieci dèi.

[Link]
- Un'altra forma d'arte funzionale che esiste da lungo tempo per vari scopi. Proprio come la musica, da
Nei primi giorni dell'umanità, le sculture sono state realizzate dall'uomo soprattutto per la religione.

[Link]
- L'architettura potrebbe essere la forma d'arte funzionale più prominente. Gli edifici sono enormi, costosi,
e non sono facilmente costruiti e sostituiti. È anche nell'architettura dove si può trovare l'intimo
connessione di funzione e forma. Nella pianificazione di una struttura architettonica, è necessario considerare seriamente
considera le condizioni naturali come la topografia e il clima del luogo di erezione e il sociale
condizioni come lo scopo dell'edificio stesso.

Prospettive Filosofiche dell'Arte

L'arte come imitazione

Le cose nel mondo sono solo copie dell'originale (Platone)
Si appellano all'emozione piuttosto che alla facoltà razionale degli uomini
Imitano piuttosto che guidare qualcuno verso la realtà

2. L'arte come rappresentazione

L'arte rappresenta possibili versioni della realtà (Aristotele).
Serve a due scopi:
l'arte consente di vivere il piacere
L'arte ha la capacità di essere istruttiva e insegnare al suo pubblico cose sulla vita.

3. L'arte come giudizio disinteressato

Kant, considerato il giudizio della bellezza il fondamento delle arti (qualcosa che può essere
universale nonostante la sua soggettività).
Il giudizio di bellezza e arte è intrinsecamente autonomo da interessi specifici.
È la forma d'arte che viene giudicata da chi percepisce l'arte come bella o ancora di più,
sublime. Pertanto, anche il giudizio estetico per Kant è un'attività cognitiva.
Lezione 4: Soggetto e Contenuto
Soggetto nell'Arte

Si riferisce al focus visivo o all'immagine che può essere estratta dall'esame del
opera d'arte; il "cosa".

Tipi di Soggetto
[Link]
Noto anche come arte figurativa, rappresenta oggetti o eventi nel mondo reale, di solito
facilmente riconoscibile o facile da decifrare.
[Link]-rappresentazionale
Chiamate anche arti non figurative, rappresentano opere che non ritraggono nulla di
il mondo reale (figure, paesaggi, animali, ecc.) L'arte non rappresentativa può semplicemente
rappresentare forme, colori, linee, ecc., ma può anche esprimere cose che non sono visibili–
emozioni o sentimenti per esempio.

Fonti e Tipi di Soggetto

[Link]
L'interazione umana dell'artista con il mondo fisico. Hanno esplorato diversi modi di
rappresentare la natura.

2. Mitologia greca e romana

Gli artisti, d'altra parte, hanno dato volti alle divinità greche e romane o agli dei e alle dee.
le cui sorti sembrano essere tanto tragiche quanto quelle degli uomini.

3. Monoteismo giudeo-cristiano
Gli ebrei e i cristiani praticanti raffigurano il loro Dio e altre importanti figure bibliche: stendendo
fondamenti visivi nell'inculcare la fede. Questo risuona con la sua convinzione che "l'arte fosse centrale per la religione".
esperienza.
[Link] Veda
Il significato di queste opere d'arte risiede nella sua capacità di favorire la devozione e l'osservanza di un
codice etico attraverso le visualizzazioni di narrazioni eroiche. Questi dipinti erano di piccole dimensioni,
ma erano altamente pittorici, stilizzati e impiegavano un buon contrasto di colori.

5. Eventi storicamente significativi

La storia come risorsa per gli artisti in cerca di soggetti porta in considerazione eventi che sono
familiare e a volte persino comune o condiviso nel contesto mondiale
Contenuto nell'Arte

Il significato o il messaggio che viene espresso o comunicato dall'opera d'arte

Erwin Panofsky, un storico dell'arte ebreo tedesco, ha esposto l'analisi del contenuto. Significato in
Le Arti Visive comprendono nove saggi, in cui Panofsky sostiene l'indipendenza dell'iconologia.
come ramo della storia.

Livelli di significato

Significato fattuale
Il livello più rudimentale di significato per esso può essere estratto dagli identificabili
forme nell'opera d'arte e comprendere come queste si relazionano tra loro.
2. Significato Convenzionale
Riguarda l'interpretazione riconosciuta dell'opera d'arte utilizzando motivi, segni, simboli,
e altri cifrari come basi del suo significato.

[Link] Soggettivo
Questi significati derivano dalle circostanze degli spettatori o del pubblico che entrano in gioco.
quando ci si approccia all'arte.

Il significato potrebbe non essere singolare, piuttosto, molteplice e variegato.