Gombrich Barocco e Rococò
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Tradotto da
ScribdTranslationsIl Barocco e il Rococò
Il Barocco fu un fenomeno europeo generale con intenzioni e tecniche artistiche così
diverse come le sfere culturali, politiche e religiose che reggevano l'epoca. Poi
dalla Riforma Protestante, la Chiesa dovette sforzarsi per generare una reazione per
parte dei suoi seguaci e sia l'arte che l'architettura furono gli strumenti
per conseguirlo. A Roma, l'Ordine dei Gesuiti che si formò per combattere il
Il protestantesimo in Europa ha rivoluzionato la concezione architettonica che si stava
sostenendo dal Rinascimento con la costruzione della Chiesa Il Gesù del
architetto Giaccomo Della Porta. Anche se composta da elementi di
architettura classica così vista durante il Rinascimento, la facciata di questa Chiesa
impressiona per la sua mancanza di semplicità. Le colonne, i pilastri e l'architrave non si
non assomigliano affatto a quanto proposto da Brunelleschi secoli fa. Questi elementi sono
posizionati in modo tale che la monotonia e la ripetizione non si percepiscano, l'intenzione è
dimostrare una maestà, solenne e diversa. Lo schema è complesso e, senza
embargo, possiamo trovare un senso in ognuno dei componenti che gli danno
unità e coerenza all'edificio. (Gombrich, 1992)
Così come l'architettura servì da mezzo di propaganda per la Chiesa cattolica in
Roma, ci furono anche esponenti nel campo della pittura che rappresentano diverse
concepções artísticas e estilísticas riguardo all'epoca e a quel momento nella storia.
Anibal Carracci, di Bologna, si propose di superare le artificiosità del manierismo
cercando di recuperare l'armonia e la bellezza nelle opere di Raffaello. Per raggiungere questo obiettivo,
trasformò il complesso simbolismo manierista in un'allegoria semplice. L'equilibrio,
l'armonia e la luce sulle figure nei quadri di Carracci risvegliano emozioni e
sentimenti, dando luogo alla complessità così caratteristica del Barocco. (Hauser,
2002)
In opposizione all'alemocionalismo di Carracci, emerge un'altra corrente: il naturalismo
proposto da Miguel Ángel da Caravaggio. Caravaggio, a differenza di Carracci, si
propose di rappresentare la verità pura, senza idealizzazioni. L'uso delle luci e
le ombre nei quadri di Caravaggio fecero sì che l'artista fosse, ripetutamente,
accusato di non rispettare la bellezza e di cercare di orrorizzare il pubblico. Nei suoi quadri,
Caravaggio rappresenta i discepoli con abiti logori e volti segnati, il che
fa sì che la sua opera sia molto discussa nelle corti. Le luci nelle sue opere, forti e
cegadoras, e le ombre profonde, dove i fondi quasi non si percepiscono e le figure
sembrano uscire dai quadri, provocano un carico psicologico molto forte nel
spettatore. (Mainstone, 1989)
In Francia, l'assolutismo del Re Luigi XIV, ha dato vita a uno stile Barocco che non è più
aveva come obiettivo mostrare la soggettività dell'artista. Così come a Roma, dove la
La Chiesa utilizzò l'arte e l'architettura per consolidarsi di fronte al protestantesimo, in
In Francia, l'arte era al servizio del Re e della sua personale agenda. Le Brun, alla guida della
L'Accademia si occupa di disinnestare l'arte. "L'arte non è altro che un mezzo del
governo dello Stato, con la funzione speciale di esaltare il prestigio del monarca
(Hauser, 2002)
Così come la posizione nei confronti del caravaggismo, il Barocco in Francia si caratterizzò per
la polarizzazione delle opinioni. Da un lato, la concezione artistica dei circoli
ufficiali, dall'altro gli artisti che non si attenevano alle regole proposte dai
accademie. Questo tratto estremamente moderno ha trasformato il Barocco in un periodo
artistico pieno di opposizioni e conflitti. Il progressismo e il conservatorismo si
si riflettevano nei diversi settori della società, dove la discussione su
importanza del colore rispetto al disegno e sulla tendenza classica e lineare rispetto a un'altra
sensualista e pittorica, caratterizzò il Barocco.
Tuttavia, a nord dell'Europa scompare la Chiesa come organo regolatore di
attività artistica. Questo offre la possibilità di addentrarsi in nuovi temi: i
i pittori iniziano a dipingere paesaggi e scene della vita quotidiana. Questi temi si
rappresentano con un naturalismo distintivo e una solennità accompagnata da un
sensualismo travolgente pieno di obiettività che esalta il contenuto psicologico di
le scene.
Artisti come Franz Hals, Rembrandt e Jan Vermeer realizzano questi stili
artistici dove affrontano ritratti e paesaggi e lo fanno in modo più austero di
nel resto d'Europa. Nel caso di Rembrandt le sue opere riflettono intimità nelle
scene, in cui la bruttezza non è dissimulata e c'è una realtà tragica rappresentata
in esse, in modo molto simile alle opere di Caravaggio a Roma. (Gombrich,
1992)
In Olanda, la posizione marittima ha dato impulso al commercio artistico in tutta Europa.
la borghesia arricchita si trasforma in un'aristocrazia di commercianti si inizia a
entrevedere in lei la transizione tra la classe media e la nobiltà. Il pubblico borghese è il
protagonista dell'arte barocca protestante. Tra i gusti di questo pubblico si distinguono
due gruppi importanti: quelli che continuano con il classico e un gusto più naturalista
quale diventa più importante.
Ma il Barocco ebbe una forte unità di intenti, che oltrepassò le frontiere e le
credenze religiose e politiche. L'unità barocca si riflette nella mancanza di
autonomia delle parti di un tutto artistico. Gli elementi barocchi non esistono di per sé
soli, salvo nel contesto in cui sono stati creati. La soggettività degli artisti rende
che l'intenzione sia di sostituire l'assoluto con il relativo, la forma barocca è, secondo
il sistema di Wölfflin, una forma aperta e atectonica, dove le opere non sembrano
tener fine e sembrano essere incomplete. (Hauser, 2002)
Lo stile Barocco che caratterizzò l'arte europea nel Seicento, con le sue "forme
combattive, emotivamente angosciate, colossali spiritualmente e fisicamente, furono il
origine delle belle conchiglie e dei ricci zarcilli della decorazione Rococò. (Hauser,
2002)
Il Rococò sarà una continuazione del Barocco in molti aspetti, le
le caratteristiche e le intenzioni del Barocco raggiungeranno il loro apice durante questo periodo
dove l'aristocrazia inizia a prendere in considerazione le innovazioni artistiche. Senza
embargo, possiamo trovare diverse differenze tra i due periodi. Il Rococò non
cercherà di rappresentare la realtà così come è percepita, mentre cerca di mostrare la
opulenza e l'eleganza dell'epoca, senza fermarsi alle proporzioni e alle dimensioni di
le figure e utilizzando colori pastello vivaci che contrastano con i colori scuri
caratteristiche del Barocco. In Francia, l'arte propagandistica di Luigi XIV si
sostituito da un'arte meno rigorosa, più informale destinata alla società
acomodata, che cercava di divertirsi e combattere la noia attraverso feste,
avventure sentimentali e pomeriggi all'aperto. (Jones, 1985)
Durante la reggenza di Filippo d'Orléans, la corte fu trasferita a Versailles, dove
le feste nei saloni aristocratici dovettero spostarsi anche nei saloni di
borghesia che, stava ascendendo socialmente sempre più rapidamente. Questo settore di
società che si è arricchita notevolmente grazie alla prosperità economica,
inizia a prendere coscienza del potere politico, sociale e artistico che avevano. Il
il pericolo della Rivoluzione era già imminente e la società aristocratica era consapevole di
era solo una questione di tempo prima che il suo periodo di ricchezza e comodità si
acabe. Questo fattore è stato quello che ha fatto sì che gli aristocratici del Settecento si lasciassero andare
per i lussi e lo stile di vita sfarzoso, producendo un'arte e un'architettura
che rifletterà tutti gli attributi dell'aristocrazia francese. È così che l'architettura,
straborda di dorature e decorazioni opulente, e l'arte ci mostra, quasi in
atteggiamento voyeurista, una parte del mondo aristocratico, dove la società balla, passeggia
per i giardini, flirta, si lascia andare alla lussuria e soprattutto si diverte.
Il periodo Rococò si è caratterizzato per essere il primo a mescolare tutte le aree.
artistiche. La pittura, l'architettura, la scultura, il design d'interni e la moda si
unirono per creare uno stile caratteristico che fino ad oggi è conosciuto come stile
Luigi XV o lo stile reggenza. L'arte iniziò a essere vista come oggetto di decoro.
Pittori e architetti lavoravano insieme per decorare gli interni dei palazzi e
le case del settore della borghesia più agiata. Questo stile si è riflesso nelle
opere di pittori come Watteau. Antoine Watteau si dedicò a dipingere scene di
vita di svago della società benestante, le sue opere sono ambientate in giardini
aristocratici, dove si possono vedere i personaggi che facevano parte del gruppo
sociale più alto dell'epoca, in atteggiamenti oziosi e libertini. A differenza del Barocco,
Il Rococò non avrà alcun interesse per i temi religiosi, sarà un'arte
puramente aristocratico. I temi in cui il Rococò si intromise furono le feste
galanti, le dame dell'aristocrazia e le avventure amorose. I quadri di
Watteau presenta elementi come: motivo di conchiglie rocaille, insieme a foglie,
fiori, rametti, nuvole e altre forme naturali che, secondo Jones, hanno creato ciò che si
conosciuto come il vocabolario ornamentale dello stile Rococò. (Jones, 1985) Nelle opere
di questo periodo, sia di Watteau che di altri pittori come Hogarth, Boucher e
Fragonard vediamo come gli artisti cercano di riflettere la maestosità, la ricchezza e
eleganza in cui viveva l'aristocrazia. Allo stesso tempo, possiamo percepire un
sensualismo quasi erotico in ciascuna di queste pitture. Opere come Il dondolo di
Fragonard ci dà una sensazione di devozionismo quasi erotico, in essa possiamo vedere una
donna in altalena, spinta da un uomo e sotto di lei un altro uomo che guarda
la gonna della donna che si solleva con il vento. Ma non è solo l'uomo di sotto a
che sta rompendo i confini dell'intimità della donna, lo spettatore è anche
partecipe di questo atto e complice. È in questo senso che l'arte Rococò può essere
caratterizzato come sensualista, perché l'artista incita lo spettatore a osservare le
scene più intime della vita di una certa classe sociale. La palette di colori pastello
utilizzata è caratteristica delle opere del periodo, le pennellate sono veloci
L'indiscrezione, l'erotismo e l'insinuazione del piacere sono le chiavi del periodo Rococò.
Come già detto in precedenza, la società aristocratica cercava il tempo libero e il piacere sopra a
tutte le cose e lo trovarono nell'arte Rococò i cui canoni erano la bellezza e
sensualità, il frivolismo e il divertimento. Hogarth condannò queste condotte nei suoi
opere, facendo una satira della società dell'epoca in una serie di opere, di stile
storia a fumetti, dove mostrava un prima e un dopo di alcuni momenti.
Oltre all'ornamentazione, alla decorazione ostentata e agli elementi caratteristici
del stile Rococò, l'innovazione più importante che ebbe questo periodo fu la
l'importanza del ruolo della donna. Madame de Pompadour, amante di Luigi XV, fu
una delle protettrici dell'arte nelle corti. La grazia femminile è, in quasi tutte le
opere degli artisti del periodo Rococò, la protagonista. Il corpo femminile, con i suoi
curve e proporzioni diventano fonte di ispirazione, e la donna è vista come
una figura bella e sensuale e sempre più colta attorno alla quale gira l'essenza del
periodo Rococò. (Jones, 1985)
BIBLIOGRAFIA