IL REALISMO

Il Realismo nasce in Francia in un periodo di profondi cambiamenti politici e sociali. Il XIX

secolo vede l’affermazione dell’industrializzazione con la Seconda Rivoluzione Industriale,
mentre in tutta Europa si diffondono tendenze rivoluzionarie, come dimostrano i moti del
1848 in Francia. L’avvento della modernità porta a una trasformazione della struttura sociale:
cambiano l’organizzazione del lavoro e le condizioni di vita, mentre si sviluppano ideologie
anticapitaliste e socialiste, espresse soprattutto da Karl Marx. Anche le città subiscono una
metamorfosi, con la nascita di grandi periferie operaie, caratterizzate da condizioni di vita
difficili e [Link] movimento realista non ha un manifesto ufficiale e prende il suo nome
nel 1855, quando le opere di Gustave Courbet vengono rifiutate dal Salon di Parigi. In
risposta, l’artista organizza a proprie spese un’esposizione indipendente, chiamandola
Padiglione del Realismo. L’obiettivo del Realismo è rappresentare la realtà in modo
oggettivo, esplorando tutti gli aspetti della vita moderna con uno sguardo privo di
idealizzazione. Per la prima volta, soggetti fino ad allora esclusi dall’arte – come i lavoratori
e le loro condizioni drammatiche – trovano spazio nei dipinti, senza sentimentalismi o
idealizzazioni. I pittori realisti avvertono così una profonda responsabilità sociale e sentono
l’urgenza di superare l’isolamento romantico per confrontarsi direttamente con la realtà del
loro tempo.

CABANEL

LA NASCITA DI VENERE
Nel 1863 fu presentata al Salon E L’opera di Cabanel ebbe un grande impatto sociale.
Rappresentava la Venere nuda abbandonata sulle onde ma tuttavia, il paesaggio idilliaco sul
fondo, collocava la dea in universo idealizzato, preservando il dipinto da giudizi censori di
tipo morale.

DOUMIER

IL VAGONE DI TERZA CLASSE

Quest’opera, realizzata nel 1863 dal celebre pittore realista Honoré Daumier, venne
presentata lo stesso anno al Salon di Parigi. Il pubblico rimase quasi imbarazzato di fronte
alla rappresentazione diretta delle classi più umili, da tempo ignorate dall’arte [Link]
Realismo, infatti, si concentra sulla vita quotidiana della classe lavoratrice, senza
idealizzazioni né abbellimenti. Daumier raffigura l’interno di una carrozza di terza classe,
soffermandosi sulle persone che la abitano. In primo piano troviamo un bambino
addormentato, una giovane madre che allatta e un’anziana donna dal volto segnato dalla
[Link] fondo scuro e la prospettiva volutamente imprecisa accentuano la sensazione di
affollamento e disagio. Sebbene il Realismo si discosti dal sentimentalismo, l’opera
trasmette la solidarietà dell’artista nei confronti di questi lavoratori. Il punto di vista interno,
come se il pittore e lo spettatore fossero seduti su una delle panche del vagone, crea un
forte senso di immedesimazione e coinvolgimento.
MILLET

LE SPIGOLATRICI

Quest’opera, realizzata nel 1857 da Jean-François Millet e conservata al Museo d'Orsay, si

concentra sulle tematiche della vita contadina, un mondo che, con l’avanzare della civiltà
industriale, stava perdendo importanza e interesse, soprattutto da parte del [Link]
protagoniste del dipinto sono tre spigolatrici, donne che, al tramonto, dopo la mietitura, si
chinano nei campi per raccogliere, una a una, le spighe rimaste a terra. Le tre figure
simboleggiano le diverse fasi di questo duro e ripetitivo lavoro: la donna a destra
rappresenta la ricerca, la seconda il ritrovamento, la terza la [Link] accentuare il senso
di vastità e solitudine del paesaggio, Millet ha scelto un punto di osservazione rialzato
rispetto alle donne curve sul terreno, permettendo così di scorgere l’ampio campo alle loro
spalle. Queste figure, piegate dalla fatica, diventano l’emblema della dura condizione delle
classi più umili e rappresentano un’umanità che ha resistito all’avanzata della modernità,
rimanendo ancorata ai ritmi ancestrali del lavoro agricolo.

L’ ANGELUS
è un’opera di Millet del 1857. I protagonisti sono due contadini che al tramonto pregano. I
temi principali dell’opera sono il sentimento religioso e il legame tra l’uomo e la terra. Per
cercare di aumentare l’intensità emotiva della preghiera, il pittore utilizza dei colori caldi e dei
contrasti tra colori complementari, inoltre la luce del tramonto illumina il modo diffuso il
terreno e lascia quasi completamente le due figure centrali in ombra.

COURBET

SEPPELLIMENTO A ORNANS
Questo dipinto, realizzato nel 1849 da Gustave Courbet, fu proposto al Salon di Parigi nel
1855 ma, insieme ad altre opere come L’Atelier del pittore, venne rifiutato. In risposta,
Courbet organizzò a proprie spese un’esposizione temporanea in un edificio adiacente al
Salon, esponendo 40 delle sue opere e dando alla sala il nome di Padiglione del Realismo.
A differenza del Salon, per accedere alla sua mostra l’artista impose un biglietto d’ingresso,
un’iniziativa inedita per l’epoca. L’opera raffigura un funerale, dipinto a grandezza naturale,
un aspetto fortemente provocatorio poiché tali dimensioni erano solitamente riservate a
scene storiche, mitologiche o religiose. Courbet, noto per il suo spirito rivoluzionario,
conferisce dignità a un momento di dolore quotidiano, rendendo tutti i volti chiaramente
riconoscibili, come se si trattasse di un documento visivo della realtà.La composizione si
sviluppa in senso orizzontale, suggerendo un’apertura democratica della visione: ogni classe
sociale è rappresentata, sottolineando l’uguaglianza di tutti davanti alla morte. Il dipinto è
strutturato in tre fasce orizzontali – il cielo, la folla e il terreno – che richiamano
simbolicamente la Trinità. Due elementi verticali, la croce e l’uomo vestito di grigio, formano
un rettangolo che incornicia la fossa centrale, enfatizzando il senso di profondità.L’opera ha
un forte impatto realistico, simile a una fotografia: alcuni personaggi ai margini della folla e la
stessa fossa appaiono tagliati, come se fossero stati catturati in un’inquadratura spontanea,
rafforzando ulteriormente l’idea di una rappresentazione diretta e priva di artifici della realtà.
L’ATELIER DEL PITTORE

L’opera, realizzata nel 1855, porta il sottotitolo “L’allegoria reale che definisce una fase di
sette anni della mia vita artistica e morale”, indicando chiaramente l’intento dell’artista di
sintetizzare il proprio percorso umano e creativo. Si tratta di un dipinto di dimensioni reali,
con un forte valore simbolico e [Link] composizione è divisa in tre sezioni. A destra sono
raffigurati gli amici del pittore e importanti personalità dell’epoca, tra cui Baudelaire. Questi
individui rappresentano coloro che, consapevoli delle proprie capacità, le mettono al servizio
del miglioramento della società, nutrendosi della vita autentica.A sinistra, invece, sono
raffigurati gli sfruttati e gli sfruttatori, simboli di una vita immorale e volgare, dominata
dall’egoismo e dalla corruzione. Queste figure incarnano coloro che si nutrono della morte
propria e [Link] centro del dipinto, l’artista si autorappresenta mentre dipinge un paesaggio
della Normandia, affiancato da una donna nuda, simbolo della sua musa ispiratrice e della
ricerca della verità artistica nella sua forma più pura. Accanto a loro si trova un bambino,
emblema del futuro e della purezza, che l’arte ha il compito di [Link] la sua
posizione centrale, il pittore si configura come mediatore tra due mondi opposti, riaffermando
così il ruolo sociale dell’arte e dell’artista.

LA PRIMA FOTOGRAFIA
Nel 1839 Daguerre presenta al parlamento la prima fotografia con un essere umano, l’unica
persona rimasta ferma per cinque minuti mentre si faceva pulire le scarpe. Il realismo è
quindi il primo movimento che si trova a fare i conti con questa grande novità, infatti ai ritratti
si affianca la fotografia

TOUR EIFFEL

Nel 1889, Gustave Eiffel costruì la Torre Eiffel per l'Expo di Parigi. Inizialmente progettata
per essere smontata dopo l'evento, la torre divenne invece un simbolo iconico della città.
Realizzata in acciaio e assemblata sul posto con bulloni, la struttura doveva trasmettere un
forte slancio verso l’alto e rappresentare un tributo all’acciaio come materiale tecnologico
avanzato.

CRYSTAL PALACE​
Un concetto simile era stato già adottato a Londra con la costruzione del Crystal Palace nel
1851. Questo edificio fu progettato per l'Esposizione Universale, che raccoglieva opere
artigianali e artistiche da tutto il mondo, segnando la nascita del concetto di metropoli
globale. Il Crystal Palace, costruito in vetro e acciaio, è considerato uno dei primi esempi di
architettura contemporanea. La scelta del vetro permetteva di creare una fusione tra
l’ambiente esterno e quello interno, mentre i moduli prefabbricati, larghi circa 7-8 metri,
venivano ripetuti per circa 200 metri. Sebbene l’edificio avesse riscosso grande successo, fu
smontato e ricostruito in periferia, dove poi fu distrutto da un incendio.

GALLERIA VITTORIO EMANAUELE

Tra il 1865 e il 1878, Giuseppe Mengoni progettò e costruì la Galleria Vittorio Emanuele a
Milano, seguendo un’idea simile a quella del Crystal Palace. L’obiettivo era usare vetro e
acciaio per coprire uno spazio ampio, creando un ambiente che somigliasse a un grande
centro commerciale. La galleria funge da collegamento tra importanti luoghi simbolici della
città, come il Duomo, Piazza della Scala e il Teatro alla Scala, offrendo un percorso che
unisce diversi poli culturali e sociali.

I MACCHIAIOLI
In Italia nel 1855 nascono i macchiaioli, un movimento che prende dal realismo la volontà di
descrivere le persone nella vita quotidiana, anche se con una propria originalità
interpretativa . Il movimento nasce in Toscana , un ambiente adatto grazie all’apertura
culturale e al mecenatismo del granducato di Toscana che permetteva molta libertà. I
macchiaioli erano artisti che vivevano una vita simile a quella degli scapigliati in Lombardia e
si trovavano spesso nei Caffè. Dopo il romanticismo i pittori erano più liberi e il pittore non
aveva bisogno di un committente. I macchiaioli utilizzavano come tecnica l’accostamento di
piccole macchie che da lontano l’occhio fondeva e vedeva in maniera chiara e brillante. Il
dipinto scaturiva quindi non dalle linee dei contorni ma dall’accostamento di macchie
cromatiche. Il termine macchiaioli Nasce da un critico il quale ,vedendo i dipinti dei
macchiaioli, li definì abbozzi e non dipinti e li chiamò macchiaioli in senso dispregiativo.

GIOVANNI FATTORI

LA ROTONDA DI PALMIERI

Nel 1866, Giovanni Fattori realizzò un dipinto utilizzando la tecnica della pittura di macchia,
caratterizzata dall’accostamento di pochi colori stesi in modo uniforme, senza sfumature.
Questa tecnica, che semplifica in modo drastico le forme, fu spesso oggetto di critiche.
L’opera raffigura un gruppo di donne in uno stabilimento balneare, prive di costume da
bagno, poiché il turismo balneare non era ancora diffuso. Fattori sceglie di rappresentare
una scena di vita quotidiana, riflettendo l’interesse dei pittori macchiaioli per la semplicità
dell’esistenza e per la realtà popolare. Il suo intento era quello di fissare l’attimo, rendendo
l’atmosfera del momento eterna nel tempo. Un dettaglio significativo è il supporto su cui il
dipinto è stato realizzato: il retro di una scatola di sigari lunga 35 cm. Questo elemento,
simbolo della quotidianità, dimostra l’urgenza dell’artista di catturare l’ispirazione sul
momento, senza lasciarla svanire.

IN VEDETTA
opera di Giovanni Fattori del 1870, raffigura un momento di pausa dei soldati, distaccandosi
dalla rappresentazione della battaglia per concentrarsi su un attimo di sospensione e
inattività. L’artista, appartenente al movimento macchiaiolo, sceglie di immortalare la
monotonia della vita militare, enfatizzando il senso di attesa e di noia. Protagonista
indiscussa del dipinto è la luce, intensa e calda, che avvolge la scena e trasmette una
sensazione di immobilità. Fattori lavora con un uso essenziale del colore, privilegiando
poche tonalità: il bianco e il giallo ocra del muro si contrappongono all’azzurro del cielo e al
blu delle divise dei soldati, creando un forte contrasto cromatico. Pur adottando una tecnica
apparentemente sintetica, l’artista presta grande attenzione ai dettagli, come si può notare
nella resa del muro, trattato con una pittura essenziale ma ricca di sfumature materiche.
TELEMACO SIGNORINI

LA SALA DELLE AGITATE AL SAN BONIFACIO DI FIRENZE

è un dipinto realizzato nel 1865 da Telemaco Signorini, un artista profondamente sensibile

alle questioni sociali e al mondo degli emarginati. L'opera raffigura un gruppo di donne
ricoverate per malattie psichiatriche, immerse in un’atmosfera di desolazione e abbandono.
Signorini accentua la drammaticità della scena attraverso un forte contrasto tra luce e
ombra, mettendo in penombra le figure femminili, che appaiono isolate e prive di speranza,
escluse da qualsiasi possibilità di riscatto. Con questo dipinto, l'artista non solo denuncia le
condizioni di vita di queste donne, ma cerca anche di restituire loro dignità, dando visibilità a
una realtà fino ad allora ignorata dall’arte. L'opera si ispira agli Alienati di Géricault,
richiamando lo stesso intento di denuncia sociale e attenzione verso i più deboli.

L’ALZAIA

è un dipinto realizzato nel 1864 da Telemaco Signorini, in cui l’artista raffigura un gruppo di
uomini intenti a trascinare con fatica un’imbarcazione lungo l’argine dell’Arno, come vere e
proprie bestie da soma. La prospettiva dell’opera è volutamente sproporzionata: il punto di
osservazione è posto all’altezza del suolo, facendo apparire le figure dei lavoratori imponenti
rispetto a quella di un borghese collocato sullo sfondo. Questo artificio compositivo crea
un’illusione pittorica che ribalta simbolicamente la gerarchia sociale. Nella realtà, infatti, il
borghese detiene il potere, ma qui appare piccolo e distante, quasi inconsapevole della
fatica degli umili lavoratori. La sua figura rigida e impassibile, simile a una statuetta,
introduce un’ironia sottile sulla società dell’epoca. La luce, che si diffonde calda e bassa,
suggerisce la fine della giornata, aggiungendo un ulteriore livello di realismo e malinconia
alla scena.

IL PERGOLATO

è un dipinto realizzato nel 1868 da Silvestro Lega. L’opera è ambientata in Toscana, nella
Maremma, durante l’estate, come si evince dalla luce calda e avvolgente che illumina la
[Link] dipinto raffigura un gruppo di giovani appartenenti alla famiglia Patelli, un’agiata
famiglia di editori, ospite in quel luogo. Lega presta grande attenzione ai dettagli, come si
nota nella resa della caffettiera, così realistica da sembrare quasi tangibile. Anche il
pavimento, di un bianco acido, è studiato per catturare la luce e donare maggiore luminosità
alla composizione. L’opera si distingue per la sensibilità pittorica dell’artista, che attraverso il
colore e la luce riesce a evocare un’atmosfera intima e serena.

PRE-IMPRESSIONISTI

Édouard Manet rappresenta una figura fondamentale per la nascita dell’Impressionismo,

ponendosi come un punto di riferimento per i giovani artisti dell’epoca. La sua pittura,
tuttavia, conserva ancora elementi del Realismo, distinguendosi dagli impressionisti per l’uso
frequente di colori scuri, come il nero e il grigio, e per il suo interesse verso tematiche di
carattere narrativo. Il suo stile innovativo e provocatorio suscitò grande scandalo nella
società del tempo.
COLAZIONE SULL’ERBA

Uno dei suoi primi dipinti più controversi fu La colazione sull’erba, presentato nel 1863 al
Salon des Refusés, l’esposizione voluta da Napoleone III per accogliere le opere rifiutate dal
Salon ufficiale. L’opera raffigura una donna nuda – amica dello stesso Manet – seduta
accanto a due uomini vestiti con abiti contemporanei. I tre personaggi non interagiscono tra
loro, trasmettendo un senso di isolamento anche all’interno di una [Link] nudo
femminile suscitò scandalo poiché non idealizzato, ma anzi ritenuto volgare per la posa
disinvolta e lo sguardo diretto verso lo spettatore, che ne accentuava il carattere
provocatorio. Il contrasto tra la pelle chiara della donna e gli abiti scuri degli uomini ne
amplifica ulteriormente la presenza [Link] rompe anche le regole tradizionali della
prospettiva: la donna sullo sfondo appare sproporzionata rispetto alla profondità dello
spazio, sfidando le aspettative visive e suggerendo un ribaltamento delle convenzioni
artistiche. Tuttavia, l’artista non rinnega la tradizione pittorica, traendo ispirazione da opere
come Il concerto campestre di Tiziano e Il giudizio di Paride di Raimondi, quest’ultimo basato
su un dipinto di [Link] questa citazione della storia dell’arte, Manet dimostra la
propria conoscenza del passato, ma al tempo stesso si propone di rivoluzionarlo. La
colazione sull’erba diventerà un soggetto iconico, reinterpretato successivamente da artisti
come Monet, Cézanne e Picasso.

OLYMPIA

Sempre nel 1863, Manet presentò un altro dipinto destinato a suscitare scandalo: Olympia.
L’opera richiama esplicitamente il tema classico della Venere, ma l’artista ne sovverte
completamente il modello iconografico, ponendo al centro della scena una prostituta,
trasformandola così nel soggetto principale del dipinto.L’opera scatenò violente critiche,
poiché Manet accentuò il ruolo della donna attraverso una serie di dettagli simbolici: il mazzo
di fiori lasciato dal cliente precedente, il letto sfatto, la rosa tra i capelli, la collana, il bracciale
e, soprattutto, il gatto nero, simbolo della lussuria. Tutti questi elementi alludono in modo
esplicito alla professione della protagonista, infrangendo uno dei più grandi tabù della
società borghese: la [Link] Olympia, Manet porta alla luce un aspetto segreto ma
onnipresente della vita moderna, mettendo in evidenza l’ipocrisia della borghesia, che
condannava pubblicamente certi comportamenti mentre, di fatto, li alimentava. L’opera non
solo sfida le convenzioni artistiche e sociali, ma invita anche a riflettere sulla
contraddittorietà della società contemporanea.

IL BAR DELLE FOLIES BERGÈRE

L’ultimo grande dipinto di Édouard Manet, realizzato nel 1882, è Il bar delle Folies-Bergère,
ambientato in uno dei locali notturni più celebri e frequentati di Parigi. Quest’opera
rappresenta una sintesi perfetta della pittura di Manet, caratterizzata da uno sguardo
realistico sulla società [Link] protagonista è una giovane barista dal volto malinconico
e pensieroso, simbolo dell’alienazione dell’individuo nella società di massa. In primo piano si
trovano alcuni oggetti che richiamano la natura morta, mentre l’approfondimento psicologico
della donna emerge con forza attraverso la sua espressione assorta e distaccata.L’uso delle
luci elettriche, segno della modernità, illumina la scena con bagliori artificiali, mentre un
grande specchio riflette lo spazio davanti alla barista, restituendo un’immagine vivace e
ampia dell’ambiente. Tuttavia, Manet altera volutamente la prospettiva: lo spettatore vede
riflesso un uomo che si trova di fronte alla donna, ma la sua posizione non corrisponde a
una prospettiva corretta. Con questa scelta, l’artista invita a riflettere sul rapporto tra arte e
realtà, suggerendo che la pittura non sia solo una fedele imitazione del mondo, ma anche
una costruzione soggettiva.e introduce il concetto di pittura-oggetto, in cui il quadro viene
ridotto alla sua materialità di forme, luci e colori, anticipando così le ricerche artistiche del
Novecento. Con Il bar delle Folies-Bergère, Manet si avvicina sempre più allo stile
impressionista, ormai affermato.

IMPRESSIONISMo

L'Impressionismo nasce intorno al 1860, ma più che un movimento vero e proprio si può
parlare di singoli artisti impressionisti, ognuno con una propria personalità e un approccio
individuale. In un periodo storico in cui la soggettività era centrale, l’appartenenza a un
gruppo era meno importante rispetto alla ricerca personale.

I principali artisti impressionisti furono Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas e
Berthe Morisot. Un elemento chiave per comprendere la loro arte è l’analisi dei loro
autoritratti, nei quali ciascun pittore esprimeva qualcosa della propria visione e personalità.
Monet, il più impressionista di tutti, trasmette rigore e severità nello sguardo; Renoir esprime
dolcezza attraverso colori delicati; Degas utilizza tonalità più intense e pastose, mentre
Morisot si distingue per una pittura caratterizzata da leggerezza e sensibilità. Camille
Pissarro, considerato il fondatore del movimento, rimane il più legato alla tradizione e si
contraddistingue per la frammentazione dell’immagine e l’atmosfera evanescente dei suoi
dipinti, nei quali le forme risultano indistinte e tutto è dominato dall’impressione e dalla
percezione del momento.

L'obiettivo principale dell'Impressionismo è catturare l’impressione istantanea della realtà. Il

termine impressione deriva dal latino imprimere, che significa "premere su qualcosa", a
indicare come la realtà si imprima nella nostra percezione prima ancora che l’intelletto la
elabori.

Un ruolo fondamentale nella diffusione dell'Impressionismo fu giocato dal fotografo Nadar,

che nel 1874 mise a disposizione il suo studio per una mostra di giovani artisti
impressionisti, rifiutati dal Salon ufficiale.

Le caratteristiche principali dell'Impressionismo

1.​ Avversione per l’arte accademica: gli impressionisti ritenevano che la pittura
accademica non fosse più adeguata a rappresentare la società moderna.
2.​ Disinteresse per il soggetto: ciò che conta non è più cosa viene rappresentato, ma
come viene rappresentato. La tecnica pittorica diventa più importante del soggetto
stesso.
3.​ Rifiuto del metodo d’atelier: gli impressionisti evitavano lo studio accademico, la
posa rigida e la preparazione dettagliata delle composizioni. Preferivano dipingere
all’aria aperta (en plein air), per cogliere la luce e l’istante in modo spontaneo.
4.​ Influenza del realismo: pur partendo dal realismo, gli impressionisti se ne
distaccano con maggiore libertà e flessibilità nell’uso del colore e della composizione.
5.​ Influenza dell’arte giapponese e della fotografia: la moda dell’orientalismo, diffusa
grazie alle Esposizioni Universali e alla creazione del Museo del Trocadéro a Parigi,
 portò gli impressionisti a ispirarsi all’arte giapponese, soprattutto nelle inquadrature
asimmetriche e nelle prospettive insolite. Allo stesso tempo, la nascita della
fotografia influenzò la loro pittura con tagli compositivi audaci e l’idea di catturare
istanti fugaci.

Le tecniche pittoriche dell'Impressionismo

●​ Abolizione del disegno accademico: le prospettive non erano più studiate in modo
rigoroso, ma lasciate all'intuizione e alla percezione visiva.
●​ colore locale ciò che vediamo e dato da un’infinità di colori che si riflettono gli uni
con gli altri e creano un alone nell’occhio del colore complementare
●​ Pittura en plein air: lavorare all’aria aperta permetteva di cogliere le variazioni
luminose e atmosferiche in tempo reale.
●​ Pennellate rapide e frammentate: utilizzavano tocchi veloci e scomposti per
rendere l’effetto della visione immediata e della luce vibrante.
●​ La luce come elemento centrale: la luce era considerata la vera creatrice della
realtà e generava i colori stessi. Di notte, infatti, senza luce, i colori svaniscono.

L'Impressionismo, dunque, rivoluzionò la pittura del tempo, ponendo al centro dell’arte non
più la rappresentazione idealizzata della realtà, ma la percezione immediata, soggettiva e
dinamica del mondo

MONET

ESPERIMENTO DI MONET

Monet sceglie come soggetto uno degli elementi architettonici più stabili e immutabili: la
cattedrale gotica di Rouen. Per studiarne le variazioni sotto diverse condizioni atmosferiche
e luminose, affitta un appartamento di fronte all’edificio e posiziona tre cavalletti davanti a tre
finestre [Link] corso del tempo realizza circa 30 dipinti della cattedrale, osservandone
le trasformazioni in base al clima e alla luce del giorno. Con questa serie, Monet dimostra
come anche ciò che sembra immutabile cambi costantemente a seconda delle condizioni
esterne e del punto di vista dell’osservatore. In questo senso, il suo lavoro anticipa il
concetto di relatività: nulla è assoluto, tutto è relativo. La sua ricerca va oltre l’arte,
avvicinandosi a un’indagine quasi scientifica sulla percezione e sulla natura della realtà.

IMPRESSIONE, LEVAR DEL SOLE

“Impressione, levar del sole" è un'opera del 1872 di Claude Monet, fondamentale per la
nascita dell'Impressionismo. Quando il dipinto venne esposto, un critico lo giudicò
negativamente, affermando che non si trattava di un vero quadro, ma solo di una
"impressione". Da quel momento, gli artisti del movimento adottarono questo termine come
loro denominazione.A Monet fu chiesto se l'opera rappresentasse una veduta reale, ma lui
rispose che non era una semplice veduta, bensì un'impressione del levar del sole. Il
soggetto principale del dipinto non è quindi la realtà esterna in sé, ma l'effetto luminoso che
essa genera nell'occhio dell’artista. La luce della natura diviene il soggetto del quadro

LO STAGNO DELLE NINFEE

Nel 1899, Monet crea lo Stagno delle Ninfee, un'opera ispirata al giardino che lui stesso
aveva progettato nella sua casa di Giverny, dove si trasferì per trascorrere gli ultimi vent'anni
della sua vita. Qui fece costruire uno stagno popolato da ninfee, che divenne il soggetto di
numerosi dipinti, realizzati con l’obiettivo di catturarne le continue variazioni di luce e
[Link] arricchire ulteriormente la composizione del giardino, Monet fece costruire un
ponticello in stile giapponese, ispirato alle stampe orientali che ammirava. Nel dipinto, il
ponte appare blu a causa del riflesso dell’acqua, evidenziando il suo interesse per gli effetti
ottici e la fusione tra natura e percezione visiva.

Nell’estate del 1869, Renoir e Monet soggiornano in un villaggio alle porte di Parigi ovvero
boogie val.i due spesso si recano alla Green Hüller un caffè all’aperto con una piattaforma
galleggiante sulla [Link] green Hüller vuol dire il laghetto delle rane nome che tra l’altro
ricorda il gracchiare di questi animali. Monet si concentra principalmente sul rendere il
movimento cromatico della scena dipinge i personaggi riducendoli a delle piccole cifre di
colore mentre dà moltissima importanza alla resa dell’acqua la quale è possiamo dire la
protagonista del della scena realizzata attraverso delle piccole pennellate regolari insistenti.
Quello di Renoir invece ha una prospettiva differente lui dà molta più importanza la
rappresentazione dei personaggi dando maggiore attenzione ai loro abiti ai loro
atteggiamenti agli ombrellini mentre l’acqua viene resa con una tecnica diversa con delle
pennellate più delicate e soffuse, con anche appunto direzione diversa.

LA GRENOUILLERE

Nell’estate del 1869, Renoir e Monet soggiornano a Bougival, un villaggio alle porte di Parigi.
I due artisti frequentano spesso la Grenouillère, un caffè all’aperto con una piattaforma
galleggiante sulla Senna. Il nome Grenouillère, che significa "stagno delle rane", richiama il
verso caratteristico di questi [Link] si concentra soprattutto sulla resa del movimento
cromatico della scena, dipingendo le figure umane come piccole macchie di colore e dando
grande importanza alla rappresentazione dell’acqua, che diventa la vera protagonista del
dipinto. La superficie dell’acqua è realizzata attraverso pennellate brevi, regolari e insistenti,
creando un effetto vibrante di luce e [Link], invece, adotta un approccio diverso: il
suo interesse è rivolto principalmente ai personaggi, ai loro abiti e ai loro atteggiamenti. I
dettagli delle figure e degli accessori, come gli ombrellini, sono resi con maggiore precisione.
Anche la sua tecnica per rappresentare l’acqua differisce da quella di Monet: utilizza
pennellate più delicate e soffuse, con una direzione meno rigorosa, creando un’atmosfera
più morbida e luminosa

BALLO AL MOULIN DE LA GALETTE

Nel 1876, Renoir dipinge Ballo al Moulin de la Galette, una delle sue opere più
rappresentative. Nei suoi dipinti, Renoir esprime la gioia di vivere, catturata nell’attimo
fugace del suo manifestarsi. A differenza di Monet, che si concentra sulla resa atmosferica
dell’ambiente, Renoir pone al centro dell’attenzione l’elemento umano, enfatizzando le
emozioni e l’interazione tra i [Link] dipinto raffigura il Moulin de la Galette, un celebre
locale parigino situato a Montmartre, che l’artista frequenta per sei mesi per osservare da
vicino la folla di giovani parigini. Per rendere al meglio l’energia e la vivacità della scena,
Renoir porta la tela direttamente sulla pista da ballo, dove abbozza i personaggi dal vivo,
completando poi l’opera in [Link] degli aspetti fondamentali del dipinto è la resa della
luce, che filtra attraverso gli alberi, creando giochi di chiaroscuro sui volti e sugli abiti dei
protagonisti. Renoir dà grande importanza anche al colore, calibrando sapientemente il
rapporto tra toni caldi e freddi ed eliminando il nero dalle ombre. Costruisce le forme
attraverso il colore, restituendo così la sensazione di movimento e di vitalità.Il dipinto ha
inoltre un taglio fotografico: alcune figure ai margini della scena sono parzialmente tagliate,
suggerendo che la festa prosegua oltre i confini della tela, aumentando il senso di
spontaneità e dinamismo. Renoir presta particolare attenzione alle espressioni, ai gesti e
alle posture dei personaggi, riuscendo a trasmettere la leggerezza e l’atmosfera festosa di
quel momento.

DEGAS

Degas è un artista impressionista, ma si distingue nettamente dagli altri per il suo approccio
unico. A differenza dei suoi colleghi, non è interessato alla rappresentazione del paesaggio
o della natura, ma concentra la sua attenzione sull'osservazione dei diversi tipi umani e sulla
psicologia dei personaggi.A differenza degli impressionisti che prediligono la pittura en plein
air, Degas preferisce lavorare in studio, dedicandosi a un’attenta fase preparatoria. I suoi
dipinti sono spesso preceduti da numerosi disegni e abbozzi, poiché crede che la memoria
sia in grado di conservare l’essenza di un’immagine meglio della semplice osservazione
[Link] il suo legame con l'Impressionismo, Degas mantiene un forte legame con
la tradizione accademica. Nelle sue opere utilizza ancora il bianco e nero e i contrasti di
chiaroscuro, dimostrando un approccio più classico rispetto ai suoi contemporanei.

LA CLASSE DI DANZA

Tra il 1873 e il 1876, Degas dipinge La classe di danza, un’opera che ritrae un maestro di
danza mentre corregge i passi di una ballerina. La composizione segue una struttura
geometrica rigorosa: il maestro funge da punto centrale, e la scena si sviluppa attorno a lui,
con le ballerine disposte a semicerchio. Degas nutre una grande passione per le ballerine,
che considera simbolo di eleganza in movimento.L'artista afferma di aver dipinto questa
scena osservando attraverso il buco di una serratura, cercando di cogliere l'informalità di
quei gesti quotidiani a cui nessuno presta attenzione. Secondo Degas, le ballerine sono tutte
in pose diverse, a sottolineare come ogni individuo sia unico, con gesti e attimi irripetibili. Un
aspetto distintivo di questa opera è l'uso di un taglio fotografico, che interrompe la scena in
modo inusuale: molte ballerine fuoriescono dall’inquadratura, creando un senso di
immediatezza e di modernità nella rappresentazione.

L’ASSENZIO

Nel 1876, Degas dipinge il suo quadro più famoso, L'Assenzio. Inizialmente intitolato In un
caffè, l'opera prese successivamente il nome della bevanda giallastra che causava
allucinazioni, spesso associata a una categoria di bevande a basso costo. I soggetti
raffigurati nel quadro sono presumibilmente una prostituta e un clochard, sebbene in realtà
fossero due amici di Degas che avevano impersonato questi personaggi. Con quest'opera, il
pittore vuole rappresentare le persone ai margini della società, concentrandosi su temi
complessi come la solitudine. Degas si pone come un osservatore di un momento di
solitudine, evidenziando come due persone possano provare un profondo senso di
isolamento anche quando si trovano in un luogo [Link] quadro è un esempio di
grande modernità, tanto che, al momento della sua esposizione, non fu particolarmente
apprezzato. La composizione presenta un disegno preparatorio inusuale, con una
prospettiva obliqua e una disposizione dei tavoli che sembra quasi "ingabbiare" i due
personaggi. Inoltre, Degas utilizza un taglio fotografico che suggerisce un'estensione della
scena oltre il dipinto. La scena è decentrata verso destra, non solo per dare l'impressione di
un’osservazione improvvisa, ma anche per simboleggiare come questi emarginati siano ai
margini della composizione, proprio come sono ai margini della società.

BERTHE MORISOT

Berthe Morisot è una delle poche donne artiste del suo tempo. Se nel Cinquecento
c'era stata Artemisia Gentileschi e nel Rinascimento Sofonisba Anguissola, la sua
figura consolida la possibilità per le donne di intraprendere una carriera artistica da
sole, nonostante le difficoltà dell'epoca. Le donne, infatti, non potevano accedere alle
accademie e dovevano essere perlopiù autodidatte. Morisot ebbe la fortuna di
nascere in una famiglia benestante che la supportò, nonostante le difficoltà derivanti
dall'opinione pubblica. Pur essendo una donna spesso percepita come fredda e
severa, nella sua arte emerge una sensibilità più acuta, in particolare nei colori e
nelle sfumature, rispetto a quella di molti artisti maschi. Nel 1874, Berthe Morisot
partecipò alla prima esposizione degli Impressionisti, consolidando la sua posizione
nel movimento.

LA CULLA

Nel 1873, Berthe Morisot dipinge La culla, un'opera che ritrae sua sorella Édma e la
bambina Bianca. L'ambiente è intimo e familiare, con la bambina che appare protetta
dalla culla e dal tulle che, pur coprendola, la rende visibile allo spettatore. I gesti
della donna sono delicati e pieni di tenerezza, e sembra quasi che tenga il velo per
proteggere la bambina dall'occhio dell'osservatore. Lo sguardo pensieroso della
donna accentua questo senso di cura, e la posizione della sua mano suggerisce
un'attenzione particolare al linguaggio del corpo. L'artista conferma l'importanza di
un momento che, sebbene apparentemente banale, è carico di significato, mettendo
in risalto uno degli aspetti fondamentali dell'impressionismo: l'attenzione ai dettagli
quotidiani e l'intensità emozionale nascosta in essi.

AL PARCO

Nel 1874, Berthe Morisot dipinge Al parco, un'opera realizzata con pastello su carta,
poi incollata su cartone. Il dipinto raffigura una donna, la cui identità non è
certa—potrebbe trattarsi della sorella dell'artista o di un'amica—insieme a un
bambino, che si sa essere il figlio della sorella. Le figure appaiono quasi abbozzate .
L'opera trasmette un'atmosfera di spensieratezza, sebbene l'uso del nero per il cane
e per l'abito della donna introduca un sottile senso di inquietudine. Morisot, come
Edgar Degas, sfrutta le potenzialità del pastello, una tecnica che permette maggiore
libertà nella stesura del colore, rendendo la superficie del dipinto più frammentata e
ruvida, in linea con la ricerca impressionista di catturare l'effimero e il movimento.
EDOUARD MANET E SUA FIGLIA

Nel 1881, Berthe Morisot dipinge Édouard Manet e sua figlia, un ritratto che raffigura
suo marito, Eugène Manet, insieme alla loro figlia Julie. Nel dipinto, Eugène non
guarda la moglie, suggerendo una certa distanza emotiva, in contrasto con il
profondo legame che l’artista aveva con il proprio fratello. La bambina, Julie,
diventerà presto orfana, poiché sia il padre che Morisot moriranno prematuramente.
Dopo la morte dell’artista, sulla sua tomba verrà inciso semplicemente Berthe,
moglie di Manet, senza alcun riferimento alla sua professione di pittrice, a
dimostrazione di come la società dell’epoca ancora faticasse a riconoscere
pienamente il ruolo delle donne nell’arte.

BERTHE E MANET

Un giorno, al Louvre, la giovane Berthe Morisot, allora appena diciannovenne,

incontrò Édouard Manet grazie a un amico in comune che li presentò. Tra i due
nacque subito un legame intenso, tanto che Manet la ritrasse in circa dodici dipinti,
rendendola una delle sue muse più [Link] primo ritratto che le dedicò fu Berthe
con un mazzo di violette (1872), in cui è evidente la sintonia tra artista e soggetto,
segno di una profonda affinità mentale. Tuttavia, già nell'anno successivo, con
Berthe sdraiata (1873), si iniziano a percepire cambiamenti nel loro rapporto. La
posa della donna richiama quella dell’Olimpia, ma il suo sguardo appare distante e
disincantato, suggerendo una trasformazione nel legame tra i due.L'ultimo ritratto
che Manet le dedicò fu Berthe con un ventaglio, in cui la donna non incrocia più lo
sguardo del pittore e porta un anello al dito. Nel 1874, infatti, Berthe, impossibilitata
a sposare Manet, convolò a nozze con suo fratello, Eugène. Quest'ultimo dipinto
sembra dunque segnare simbolicamente la fine della loro intesa.

Post impressionisti: Sora Cézanne, Gauguin e Van Gogh

SEURAT

Georges Seurat è il capostipite del Neo-Impressionismo, movimento denominato

così da un critico dopo aver visto i suoi quadri esposti al Salon del 1886. Questo
termine sottolinea la continuità con l’Impressionismo, soprattutto nell’interesse per la
luce, ma indica anche un nuovo orientamento basato su principi scientifici.Cézanne
è considerato un puntinista in quanto cerca una simbiosi tra arte e scienza ottica. È il
primo artista ad applicare principi scientifici alla pittura, come il contrasto simultaneo
teorizzato dal chimico Chevreul e la ricostruzione retinica studiata dal fisico Rood. Il
contrasto simultaneo spiega che, accostando due colori complementari (cioè un
colore primario come rosso, giallo o blu con il suo rispettivo secondario), questi si
rafforzano a vicenda. La ricostruzione retinica, invece, afferma che l’occhio umano
non mantiene i colori distinti ma li fonde tra loro, principio alla base anche del
funzionamento dei [Link] la tecnica del puntinismo, il colore viene scomposto nei
suoi elementi primari e accostato al suo complementare. Il luogo in cui avviene la
fusione delle tinte non è più la tavolozza del pittore, ma la retina dell’osservatore,
che, allontanandosi dal dipinto, ricompone i puntini fisicamente distinti in un’unica
immagine.

UNA DOMENICA POMERIGGIO ALLA GRANDE JATTE

Una domenica pomeriggio all'isola della Grande-Jatte è uno dei dipinti più importanti
e discussi di Georges Seurat. L’opera venne esposta nel 1886 all’ultima mostra degli
Impressionisti, suscitando una forte divisione all’interno del gruppo. Alcuni artisti
accolsero con entusiasmo le innovazioni introdotte da Seurat, mentre altri le
rifiutarono. Il dipinto raffigura la società borghese parigina dell’epoca, ma, più che
celebrarla, ne evidenzia l'immobilità e la mancanza di comunicazione tra le persone.
La scena, popolata da circa quaranta figure, appare statica e priva di convivialità,
trasformandosi in una sottile critica alla rigidità della borghesia. Seurat realizzò
l’opera con un approccio sistematico e meticoloso, lavorando prima sul paesaggio
senza figure e aggiungendo progressivamente i personaggi. Per raggiungere il
risultato finale, eseguì numerosi disegni preparatori utilizzando carboncino e matita
grafite, strumenti che conferivano un effetto vaporoso ai suoi schizzi. Inoltre, per
definire le figure, si ispirò a immagini tratte da riviste di moda, ritagliando sagome
che poi trasferiva sulla tela. L’unico elemento che richiama direttamente
l’Impressionismo è l’attenzione alla luce e ai colori, ma Seurat si concentra
maggiormente sulla tecnica piuttosto che sul soggetto. Il suo metodo si basa sulla
scomposizione del colore secondo i principi del puntinismo: piccoli punti di tinte pure
accostati tra loro, che si fondono nell’occhio dell’osservatore. Tra tutte le figure
rappresentate, le uniche rivolte verso lo spettatore sono una donna con una
bambina, e proprio lo sguardo della bambina è l’unico che sembra stabilire un
contatto diretto con chi osserva il dipinto

I BAGNANTI AD ASNIERES

Nel 1884, Georges Seurat dipinse I bagnanti ad Asnières, un’opera che all’epoca
non venne compresa e fu rifiutata dal Salon. Il dipinto rappresenta un luogo di svago
per la classe operaia parigina, dove i lavoratori si riposavano la domenica o nei
pomeriggi dopo il lavoro. Questo aspetto è evidente non solo nell'abbigliamento
semplice—o nella sua assenza—dei bagnanti, ma anche nella presenza delle
ciminiere sullo sfondo, che richiamano il contesto industriale in cui queste persone
erano impiegate. Anche in questa scena, Seurat dedica grande attenzione alla luce,
che illumina ogni elemento e conferisce all’opera un’atmosfera sospesa. Sulla Senna
si intravede una barca, che sembra quasi creare un collegamento simbolico con un
altro celebre dipinto dell’artista, Una domenica pomeriggio all'isola della
Grande-Jatte, realizzato due anni dopo. Questa seconda opera, invece, ritrae la
borghesia parigina, e il contrasto tra le due scene è evidente soprattutto
nell'abbigliamento: mentre i bagnanti sono liberi nei loro movimenti e spesso senza
vestiti, i borghesi di Grande-Jatteappaiono quasi imprigionati nei loro abiti eleganti e
composti, sottolineando così la distanza sociale tra le due classi.
DIVISIONISTI

Il Puntinismo ottenne sempre maggiore considerazione, soprattutto in Italia, grazie al

critico d’arte Grubicy de Dragon. Dopo un viaggio in Francia, egli riportò questa
tecnica nel panorama artistico italiano, influenzando molti giovani pittori. Da questa
ispirazione nacque il Divisionismo, un movimento che, pur derivando dal Puntinismo,
sviluppò caratteristiche proprie. Il termine Divisionismo si riferisce alla separazione
dei colori, che non vengono più mescolati sulla tavolozza ma applicati sulla tela in
tratti filamentosi. A differenza del Puntinismo francese, in cui i punti erano disposti
con precisione scientifica, i divisionisti adottarono una pennellata più libera e
dinamica, creando effetti di luce e movimento più naturali. A livello tematico, mentre i
puntinisti francesi enfatizzavano la ricerca ottica e scientifica, i divisionisti italiani si
concentrarono maggiormente su temi legati alla natura e alle condizioni sociali, in
particolare alla vita contadina e operaia. Tra i principali esponenti del movimento
figurano Giovanni Segantini, Gaetano Previati e Giuseppe Pellizza da Volpedo.

SEGANTINI

Giovanni Segantini nasce a Trento, un paesaggio di montagna che segnerà

profondamente la sua vita e la sua arte. In seguito si trasferirà in Svizzera con la sua
famiglia, continuando a vivere tra le montagne, un ambiente che amerà
profondamente e che diventerà il soggetto principale delle sue opere. La sua
passione per la montagna e per le persone che la abitano emerge con forza nei suoi
dipinti.

MEZZOGIORNO SULL’ALPE

Uno dei suoi quadri più celebri, Mezzogiorno sulle Alpi (1891), esprime
perfettamente questo legame con la vita alpina. L’opera raffigura una pastorella con
indosso abiti tradizionali, immersa in un paesaggio luminoso e incontaminato. Con
questo dipinto, Segantini rappresenta un mondo lontano dalla modernità cittadina,
esaltando la semplicità e la bellezza della vita in montagna. L’attenzione ai dettagli è
straordinaria: si nota, ad esempio, il volto arrossato della ragazza a causa del freddo
e il gioco di luce e ombra creato dal cappello che le copre parte del viso. Qui è
evidente l’uso della tecnica divisionista, con i tipici tratti filamentosi di colore
accostati tra loro per creare vibrazioni luminose. La luce, elemento fondamentale
nelle opere di Segantini, ha un ruolo centrale anche in questo dipinto. È intensa,
cristallina e avvolge ogni elemento della scena, contribuendo a trasmettere la
purezza e la maestosità del paesaggio alpino.

LE DUE MADRI

Un’altra opera di grande importanza di Giovanni Segantini è Le due madri, un dipinto

di grandi dimensioni che rappresenta una contadina con in braccio il suo bambino,
accanto a una mucca che veglia sul suo vitello. Con questa composizione, Segantini
crea un forte parallelismo tra il mondo umano e quello animale, sottolineando il
legame universale tra maternità e protezione. L’opera raffigura una realtà rurale
ancora intatta, lontana dalla modernità e dal ritmo frenetico della città. Il suo centro
simbolico è la luce, elemento fondamentale nella pittura di Segantini. Qui la luce è
soffusa e artificiale: l’unica fonte luminosa è una lanterna, che avvolge la scena in
un’atmosfera intima e raccolta, esaltando il senso di calore e dolcezza che permea
l’intera composizione. Il dipinto venne esposto nel 1891 alla Triennale di Brera, in
occasione della prima mostra dedicata ai pittori divisionisti. Tuttavia, l’opera non fu
accolta positivamente dal pubblico e dalla critica.

MATERNITÀ

Gaetano Previati è un altro grande esponente del Divisionismo, noto per la sua
profonda sensibilità verso il tema della maternità. Questo interesse emerge
chiaramente in uno dei suoi dipinti più celebri, Maternità, realizzato nel 1891 ed
esposto lo stesso anno alla Triennale di Brera. In quell’occasione, l’opera venne
collocata accanto a Le due madri di Segantini, e entrambi i dipinti furono oggetto di
critiche. Il loro simbolismo richiedeva allo spettatore un’interpretazione in chiave
risorgimentale, un’ottica alla quale l’Italia dell’epoca non era ancora pienamente
pronta. Nel dipinto, al centro della composizione, si trova una donna velata che
allatta un bambino, mentre sullo sfondo compare un melo, simbolo della vita. Un
elemento distintivo dell’opera è la rappresentazione degli angeli, che sembrano
creare un’onda emotiva attraverso il movimento fluido delle loro forme. Non vi sono
linee rette, ma solo curve morbide, che accentuano il senso di armonia e spiritualità.
La luce gioca un ruolo fondamentale: collocata dietro l’albero, diventa più diffusa
man mano che si allontana dal centro, delineando con delicatezza i contorni delle ali
degli angeli e contribuendo a rendere l’atmosfera eterea e sospesa.

IL QUARTO STATO

Un altro importante esponente del Divisionismo è Giuseppe Pellizza da Volpedo,

noto soprattutto per il suo capolavoro Il Quarto Stato. La realizzazione di questo
dipinto richiese circa dieci anni di lavoro e passò attraverso quattro versioni
differenti. La prima versione, intitolata Gli ambasciatori della fame, si ispira a una
protesta che l’artista vide nella piazza Malaspina a Volpedo, dove un gruppo di
popolani manifestava contro il rincaro del prezzo del grano. Successivamente,
Pellizza elaborò una seconda bozza, Fiumana, in cui ampliò la scena, studiando con
maggiore attenzione lo spazio della piazza e aggiungendo molte più figure. L’intento
era quello di raffigurare una folla compatta e determinata, che avanzava con
sicurezza verso lo spettatore. A questa fase del progetto, l’artista affiancò anche una
poesia, nella quale invitava intellettuali, operai, madri e bambini a unirsi alla protesta.
Dopo aver conosciuto i divisionisti, Pellizza modificò nuovamente il suo approccio e
abbandonò Fiumana, rielaborando l’opera fino a giungere alla versione definitiva, Il
Quarto Stato. Il titolo stesso sottolinea il significato sociale del dipinto: esso
rappresenta la classe lavoratrice, distinta dall’aristocrazia, dal clero e dalla
borghesia, e ne esalta la dignità e la determinazione. Quest’opera, considerata il
manifesto della sua visione artistica e del suo impegno ideale, venne presentata nel
1902 alla Triennale di Torino, dove però non ottenne il successo sperato e fu accolta
con molte critiche. Solo in seguito Il Quarto Stato sarebbe diventato un’icona della
lotta sociale e dell’arte impegnata.

CEZANNE

Paul Cézanne è forse il meno conosciuto tra i pittori post-impressionisti, nonostante

sia considerato uno dei pilastri dell'arte moderna. Il suo contributo fu così
rivoluzionario che Picasso stesso lo definì "mia madre", riconoscendo in lui un
precursore fondamentale del Cubismo e delle avanguardie del Novecento. Cézanne
individuò un limite nell'Impressionismo: la tendenza a rappresentare solo l'apparenza
visiva della realtà, senza coglierne l'essenza più profonda. Il suo obiettivo, invece,
era quello di andare oltre la semplice impressione ottica per rivelare la struttura
interna del mondo che lo circondava. Egli riteneva che la realtà fosse costituita da
forme geometriche fondamentali, spesso celate dall'apparenza superficiale, e cercò
quindi di restituire nei suoi dipinti questa architettura nascosta. Il soggetto prediletto
di Cézanne è la natura morta, che egli analizza con grande rigore, cercando di
individuare la struttura più pura e stabile per rappresentarla. A tal punto che
Kandinskij affermò: “Ciò che esteriormente è morto, in Cézanne diventa
interiormente vivo”. Oltre alle nature morte, dipinse anche ritratti e paesaggi,
applicando sempre la sua ricerca di una realtà essenziale. L’obiettivo centrale della
sua arte non era più la semplice imitazione della realtà visibile, ma la sua
interpretazione profonda. Cézanne aprì così la strada a un nuovo modo di dipingere,
svincolando l’arte dalla mera rappresentazione del reale e ponendo le basi per le
rivoluzioni artistiche del XX secolo.

I GIOCATORI DI CARTE

Uno dei dipinti più celebri di Paul Cézanne è I giocatori di carte, realizzato tra il 1890
e il 1895. A prima vista, il soggetto principale sembra essere la partita tra i due
uomini, ma in realtà ciò che interessa a Cézanne non è tanto la rappresentazione
della scena in sé, quanto la logica mentale dei due giocatori. Il suo intento non è
quello di contrapporre due figure umane, ma due pensieri opposti, resi attraverso
forme geometriche: uno dei giocatori è caratterizzato da una struttura rigida, simile a
un cilindro, mentre l'altro appare più floscio e piramidale. Anche in quest’opera
emerge la netta distanza tra Cézanne e l'Impressionismo. Mentre gli impressionisti si
concentravano sulla resa immediata della luce e del colore, qui la composizione è
costruita su una struttura solida e rigorosa. L’obiettivo dell’artista è sintetizzare la
realtà in forme geometriche essenziali, cogliendone l’ossatura profonda piuttosto che
l’apparenza fugace. Per Cézanne, il colore ha un ruolo secondario rispetto alla
costruzione dell'immagine. Egli utilizza solo i colori primari – rosso, giallo e blu – ma
li abbassa di tono per evitare che risultino troppo intensi o distraenti. Prima di
giungere a questa versione definitiva, Cézanne aveva già realizzato altre quattro
varianti del dipinto, ma in esse i colori risultavano troppo accesi o la composizione
era eccessivamente carica di oggetti, distogliendo l’attenzione dello spettatore
dall’essenza della scena.

LA MONTAGNA SAINTE VICTOIRE

Uno dei dipinti più importanti di Paul Cézanne è La Montagna Sainte-Victoire,

soggetto che rappresentò per lui una vera e propria ossessione. Il suo obiettivo non
era semplicemente raffigurarla, ma coglierne l’essenza profonda, andando oltre la
sua apparenza visibile. Questa montagna si trova nella regione della Provenza, nei
pressi di Aix-en-Provence, dove Cézanne visse per molti anni. Nel corso della sua
carriera, la dipinse numerose volte, sperimentando diverse soluzioni pittoriche. Il
primo dipinto, realizzato nel 1870, mostra la montagna inserita in un paesaggio ricco
di dettagli e colori, senza ancora un ruolo centrale. Successivamente, in una
versione più avanzata, la montagna diventa il fulcro della composizione e gli edifici
circostanti vengono semplificati in forme essenziali, anticipando già il principio del
Cubismo. Nel 1902, Cézanne dipinge un’ulteriore versione in cui la montagna
appare sempre più sfumata, fino quasi a dissolversi, avvicinandosi a una
rappresentazione astratta. Infine, nel 1906, realizza l’ultima e definitiva
interpretazione, nella quale la montagna sembra ormai irriconoscibile. Questo
potrebbe riflettere la sua consapevolezza dell’impossibilità di cogliere
completamente l’essenza delle cose, oppure il fatto che, dopo trent’anni di studio
ossessivo, la sua visione fosse ormai permeata di emozioni troppo intense per
essere racchiuse in un’immagine. Questo dipinto diventa quindi il manifesto del suo
obiettivo artistico: svincolare l’arte dalla mera rappresentazione della realtà così
come appare, per cercare di esprimerne la verità più profonda e interiore.

GAUGUIN

Un altro importantissimo esponente del post-impressionismo è Paul Gauguin. Nato

in Perù, trascorse parte della sua infanzia in Sud America prima di trasferirsi in
Francia. A Parigi lavorò come agente di borsa, ma intorno ai trent’anni scoprì la
passione per l’arte e decise di dedicarsi interamente alla pittura. Entrando in contatto
con gli impressionisti, Gauguin si rese conto che la Parigi del suo tempo aveva ormai
perso l’autenticità e la purezza dei secoli precedenti. Per questo motivo, cercò di
ritrovare una dimensione più genuina e incontaminata, allontanandosi dalle logiche
della civiltà moderna. Il suo primo rifugio fu la Bretagna, nel nord della Francia, una
regione rurale dove la vita sembrava ancora legata alle tradizioni antiche.
Successivamente si spostò ad Arles, dove visse un breve e turbolento periodo con
Van Gogh. Tuttavia, il desiderio di evasione lo spinse ancora più lontano, fino alla
Polinesia Francese, dove trovò un ambiente esotico che rispecchiava il suo ideale di
purezza primitiva. Le caratteristiche principali della sua arte sono la sintesi, ovvero la
semplificazione delle forme in una rappresentazione antinaturalistica, e il
sincretismo, cioè la fusione di elementi culturali e tradizionali diversi. Come
Cézanne, anche Gauguin era alla ricerca dell’essenza interiore delle cose, ma il suo
mezzo espressivo principale era il colore, che utilizzava in modo simbolico ed
emotivo per trasmettere significati più profondi.

VISIONE DOPO IL SERMONE

Uno dei dipinti più importanti di Paul Gauguin è Visione dopo il sermone, realizzato
nel 1888. Quest'opera rappresenta una sintesi perfetta della poetica dell’artista, in
cui realtà e immaginazione si fondono in un’unica composizione. Il dipinto raffigura
un gruppo di donne bretoni, vestite con abiti tradizionali, che dopo aver assistito a un
sermone in chiesa hanno una visione mistica: la lotta tra Giacobbe e l’angelo.
Questo è il primo esempio in cui Gauguin unisce il mondo reale e quello immaginario
in un'unica scena, segnando una svolta nel suo stile pittorico. Il colore ha un ruolo
fondamentale nell'opera. Gauguin lo utilizza non solo per suscitare emozioni, ma
anche come elemento di connessione tra realtà e fantasia. Il prato, ad esempio, è
reso con un acceso colore rosso che domina l’intera composizione, conferendole un
carattere visionario. Inoltre, un tronco d’albero attraversa diagonalmente la scena,
separando simbolicamente il mondo reale dalla dimensione immaginaria della
visione Il tema della lotta tra Giacobbe e l’angelo ha una lunga tradizione pittorica.
Era già stato rappresentato da numerosi artisti, tra cui Eugène Delacroix, che lo
aveva dipinto in un affresco nella chiesa di Saint-Sulpice a Parigi. Gauguin si ispira
anche alle vetrate medievali realizzate con la tecnica del cloisonnisme e a un'opera
dell’artista giapponese Hokusai, che raffigurava due lottatori di sumo, .

SCAPIGLIATURA

La Scapigliatura è un movimento artistico e letterario che prende il nome dal libro La

Scapigliatura e il 6 febbraio di Cletto Arrighi. Nato a Milano, una città culturalmente
aperta alle novità, il movimento è caratterizzato da un forte spirito anticonformista e
ribelle nei confronti di una società che non dava spazio all’arte e alla soggettività. Tra
gli esponenti più importanti figurano Daniele Ranzoni, Tranquillo Cremona e
Giuseppe Grandi. Milano, all’epoca, vantava un’élite culturale che favoriva i giovani
pittori, i quali trovarono il sostegno di alcune grandi famiglie. Tuttavia, la loro pittura,
caratterizzata da un tratto evanescente e lontano dal realismo dominante del tempo,
non fu ampiamente apprezzata. In quel periodo, infatti, si richiedeva all’arte un ruolo
sociale e un approccio realistico, mentre la Scapigliatura si avvicinava piuttosto a
suggestioni impressioniste.

GIUSEPPE GRANDI E IL MONUMENTO DELLE CINQUE GIORNATE

Nel 1895 fu inaugurato il Monumento alle Cinque Giornate di Milano, realizzato da

Giuseppe Grandi, che vinse un concorso per la sua realizzazione. Questo
monumento, considerato uno dei più importanti d’Italia, commemora la sollevazione
milanese del 18-22 marzo 1848 contro le truppe austriache. L’opera presenta un
obelisco su cui sono incisi i nomi dei caduti e cinque figure femminili che
simboleggiano le fasi della rivolta:
 1.​ La chiamata alle armi
2.​ L’inizio dei combattimenti
3.​ L’incitamento alla lotta
4.​ Il sacrificio e il dolore
5.​ La fama, che celebra la vittoria

Sono inoltre presenti altri simboli allegorici, tra cui una donna con la tromba,
rappresentante la vittoria e la pace, un leone, emblema del popolo insorto, e
un’aquila, simbolo di libertà e intelligenza.

TRANQUILLO CREMONA E L’EDERA

Tranquillo Cremona, uno dei principali pittori della Scapigliatura, nel 1878 realizzò
un’opera in cui raffigura un momento di affetto tra due giovani. Tuttavia, il sentimento
espresso è ambiguo: la ragazza sembra quasi disprezzare il ragazzo. L’unico
elemento nitido del dipinto è l’edera, simbolo di fedeltà.

HIGH LIFE

Nel 1877 dipinse HIGH LIFE, un’opera che ritrae quattro ragazze immerse in una
conversazione priva di un motivo specifico. Attraverso questa scena di vita
quotidiana, Cremona volle esprimere il concetto di libertà dell’arte, che non doveva
essere subordinata alle regole della società e dell’economia. Il dipinto rappresenta
così un momento di ozio e spensieratezza, lontano dalle tematiche civili e storiche
tradizionali.

VAN GOGH

Vincent Van Gogh fu un artista profondamente amato, ma solo dopo la sua morte.
Morì suicida a 37 anni e, durante la sua vita, riuscì a vendere un’unica opera.
Abbiamo la fortuna di conoscere i suoi pensieri attraverso le lettere inviate al fratello
Theo, dalle quali emerge il suo tormento interiore. Van Gogh soffriva infatti di gravi
problemi psichici, alternando momenti di lucidità a crisi di follia. Dopo aver svolto
diversi mestieri, si rese conto che la società non faceva per lui. Decise così di
trasferirsi a Borinage, in Belgio, dove lavorò come pastore protestante tra i minatori.
Tuttavia, la sua eccessiva empatia e sensibilità lo portarono ad abbandonare anche
questa professione. Fu allora che si dedicò interamente all’arte. In soli dieci anni, a
partire dai trent’anni, realizzò oltre 800 dipinti, dimostrando una passione profonda e
inarrestabile per la pittura.