ART POP

Membres du groupe :

11_Cheeti Sriram
12_Chhajed Anish
13_Chougule Kunal
14_Dandale Rushab
15_Darda Mitali

Source: [Link]
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QUOI
Qu'est-ce que l'Art Pop ?

. L'art pop est né en réaction au consumérisme, aux médias de masse et à la culture populaire.
culture. Ce mouvement est apparu dans les années 1950 et a gagné en importance.
momentum tout au long des années soixante. L'art pop a évolué loin de la
théorie et méthodes utilisées dans l'Expressionnisme Abstrait, le principal
mouvement qui l'a précédé. Au lieu de cela, il s'est inspiré d'objets du quotidien et
des médias comme des journaux, des bandes dessinées, des magazines, des boîtes de soupe et d'autres

objets banals pour produire des compositions vibrantes, établissant le

le mouvement comme pierre angulaire de l'art contemporain.

Cette introduction d'images identifiables a été un changement majeur par rapport à

la direction du modernisme, que les artistes pop considéraient comme vide et élitiste.
De nombreux artistes associés au mouvement, notamment Andy Warhol
et Roy Lichtenstein —ont atteint une renommée et un statut sans précédent,
Source:Andy Warhol, « Campbell's Soup I », sérigraphie sur papier (1968). Vendu pour 852 500 $ Aujourd'hui, l'art Pop est l'une des formes d'art les plus reconnaissables instantanément.
viaSotheby's (octobre 2017)

Le mouvement Pop art visait à consolider l'idée que l'art peut attirer
de n'importe quelle source, et il n'y a aucune hiérarchie de culture pour perturber cela.

● Hamilton a décrit les caractéristiques du mouvement en écrivant : « L'art pop

is: Popular (designed for a mass audience), Transient (short-term
solution), Jetable (facilement oublié), Coût faible, Produit en masse,
Jeune (destiné aux jeunes), Spirituel, Sexy, Astucieux, Glamour, Grand
affaires." Après que le mouvement a fait irruption sur la scène aux États-Unis
Les États, cela s'est rapidement répandu à travers le globe et continue d'influencer
les beaux-arts et la culture populaire aujourd'hui.

Source :Antonio Caro, « Colombie », 1977. Vendu pour 10 000 $ via Phillips (mai 2014)

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QUOI

INFLUENCES SUR LE POP ART

Les années soixante
Révolution sociale avec contre-culture

Musique

● Communisme

Télévision

● Le dadaïsme - L'art pop est similaire au dadaïsme en ce sens qu'il utilise

des objets du quotidien et les présente comme de l'art.

Fauvisme

C'était une réaction à l'expressionnisme abstrait.

● Artistes pop américains, Jasper Johns et Robert Rauschenberg

étaient les chefs de file, et reconnus pour la transition entre
Expressionnisme abstrait et art pop.

Tendances Avant Et Après

IMPRESSIONNISME EXPRESSIVISME ART POP

1862-1892 1905-1933 1950-1970

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 ● Images reconnaissables : L'art pop a utilisé des images et des icônes de la culture populaire
Caractéristiques du Pop Art
média et produits. Cela incluait des articles commerciaux comme des boîtes de soupe,
panneaux de signalisation, photos de célébrités, journaux et autres objets populaires
dans le monde commercial. Même les noms de marque et les logos étaient
incorporated.
● Couleurs vives : L'art pop se caractérise par des couleurs vives et vibrantes. Primair
les couleurs rouge, jaune et bleu étaient des pigments dominants qui apparaissaient
dans de nombreuses œuvres célèbres, en particulier dans l'œuvre de Roy Lichtenstein.
● Ironie et satire : L'humour était l'un des principaux composants de l'art Pop.
Artists use the subject matter to make a statement about current
événements, se moquer des modes, et défier le statu quo.
● Techniques innovantes : De nombreux artistes pop se sont adonnés à la gravure
processus, ce qui leur a permis de reproduire rapidement des images en grande
quantités. Andy Warhol utilisait la sérigraphie, un processus par lequel
quel encre est transférée sur du papier ou de la toile à travers un écran en maille
avec un pochoir. Roy Lichtenstein a utilisé la lithographie, ou l'impression à partir d'un
plaque de métal ou pierre, pour obtenir son style visuel signature. Les artistes pop
prenait souvent des images d'autres domaines de la culture mainstream et
l'ont incorporé dans leurs œuvres, soit modifié soit dans sa forme originale.
Ce type d'art d'appropriation travaillait souvent main dans la main avec
répétition pour briser la séparation entre l'art élevé et l'art populaire
art, qui faisait la distinction entre la publicité et les médias depuis
beaux-arts.
● Mixed media and collage: Pop artists often blended materials and
utilisé une variété de types de médias différents. Comme Robert
Rauschenberg, dont les œuvres ont anticipé le mouvement pop art,
les artistes Tom Wesselmann et Richard Hamilton ont combiné apparemment
des images disparates sur une toile unique pour créer un totalement moderne
forme de narration. De même, Marisol est connue pour ses sculptures qui utilisent
de nombreuses variétés de matériaux différents pour représenter des figures.

[Link] 4
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IMPRESSIONNISME EXPRESSIVISME ART POP
1905-1933 1950-1970
1862-1892

L'impressionnisme est peut-être le plus L'expressionnisme a émergé simultanément Le pop art a commencé avec New York
mouvement important dans l'ensemble de dans diverses villes à travers l'Allemagne comme un artistes Andy Warhol, Roy Lichtenstein
peinture moderne. À un certain moment dans réponse à une anxiété généralisée James Rosenquist, et Claes
les années 1860, un groupe de jeunes artistes à propos l'humanité de plus en plus Oldenburg, tous ceux qui ont puisé sur
décidé de peindre, très simplement, ce que relation discordante avec le monde imagerie populaire et étaient en fait
ils ont vu, ont pensé et ont ressenti. Ils et des sentiments perdus qui les accompagnent partie d'un phénomène international.
n'étaient pas intéressés par l'histoire de la peinture,
authenticité et spiritualité. En partie a Suite à la popularité de la
mythologie, ou la vie des grands hommes, réaction contre l'impressionnisme et Résumé Expressionnistes, Pop's
et ils n'ont pas recherché la perfection dans l'art académique, l'expressionnisme était réintroduction d'images identifiables
apparences visuelles. Au lieu de cela, comme leur inspiré principalement par le Symbolisme (tiré des médias de masse et populaire
comme le suggère le nom, les Impressionnistes courants dans l'art de la fin du 19ème siècle. Vincent la culture) a été un changement majeur pour le
essayé de descendre sur toile un van Gogh, Edvard Munch, et James la direction du modernisme. Le sujet
«impression» d'un paysage, Ensor s'est révélé particulièrement influent pour la matière est devenue loin de la tradition
chose ou personne leur est apparue les expressionnistes, encourageant le thèmes de morale de " haute culture "
à un certain moment dans le temps. Ceci distorsion de la forme et le déploiement mythologie et histoire classique ; plutôt,
souvent signifié utiliser beaucoup plus léger et de couleurs vives pour transmettre une variété de Les artistes pop célèbrent le banal
un travail de pinceau plus lâche que les peintres avaient
anxiétés et désirs. objets et personnes de la vie quotidienne, dans
jusqu'à ce point, et peignant La phase classique de l'Expressionnisme de cette manière cherchant à élever le populaire
de portes, en plein air. Le le mouvement a duré d'environ culture au niveau des beaux-arts. Peut-être
Les impressionnistes ont également rejeté l'officiel
1905 à 1920 et répandu dans tout en raison de l'incorporation de
expositions et concours de peinture L'Europe. Son exemple pourrait plus tard images commerciales, L'art pop a
mis en place par le gouvernement français, powerfully inform many individuals, and devenir l'une des plus reconnaissables
au lieu d'organiser leur propre groupe des groupes tels que : l'expressionnisme abstrait, styles d'art moderne.
expositions, auxquelles le public était Néo-expressionnisme, et l'École de
initialement très hostile à. Tout cela Londres.
déplacements prédisent l'émergence de
l'art moderne, et tout le
philosophie associée du
avant-garde.

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 IMPRESSIONNISME EXPRESSIVISME POP ART

Dans cette forme d'art, les gens étaient Ici, les artistes ont commencé à s'exprimer Le but principal de cette forme d'art était
peignant ce qu'ils voyaient, non eux-mêmes, sentiments et émotions se démarquer et attirer l'attention de
une modification a été apportée au réel étaient peints au lieu de réels les gens, La couleur vive et étrange
impression de l'activité. scène. les compositions l'ont fait.
L'artiste a changé de sujet La forme est devenue abstraite et échelle C'était le moment où la publicité
de la mythologie ou des personnes célèbres à et la proportion a également changé par moments était dans l'image et tout le monde
la vie quotidienne des gens voulait être remarqué.
L'art était simple et informatif. Des images de mannequins beaux étaient
aucun détail inutile n'a été fait utilisé dans les collages pour attirer l'attention

dans ces peintures

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QUAND

Début : Mi-1950
Fin : fin des années 1970

En 1952, un rassemblement d'artistes à Londres se faisant appeler le

Le Groupe Indépendant a commencé à se réunir régulièrement pour discuter de sujets

tel que la place de la culture de masse dans l'art raffiné, l'objet trouvé, et

science et technologie. Les membres comprenaient Eduardo Paolozzi,

Richard Hamilton, les architectes Alison et Peter Smithson, et

critique Lawrence Alloway et Reyner Banham. La Grande-Bretagne dans le

Le début des années 1950 sortait encore de l'austérité d'après-guerre.

Source: [Link] des années, et ses citoyens étaient ambivalents à propos de la culture populaire américaine
JJackie 1964 Peinture d'Andy Warhol ; Jackie 1964
culture. Bien que le groupe se méfiât de son aspect commercial
personnage, ils étaient enthousiastes à propos du riche monde de la pop

la culture semblait promettre pour l'avenir. L'imagerie qu'ils

discuté en profondeur inclus que trouvé dans les films western,
science-fiction, bandes dessinées, panneaux d'affichage, design automobile

et de la musique rock et roll.

● Ils ont créé un art qui reflétait, critiquait et, parfois,

articles du quotidien, biens de consommation et masse
messagerie médiatique et imagerie. En référence à son intention
attrait populaire et son engagement avec la culture populaire, il
Source [Link] était appelé l'art pop.
Les boîtes de soupe Campbell, parfois appelées 32 boîtes de soupe Campbell, sont
une œuvre d'art produite en 1962 par Andy Warhol : 7
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QUAND
● Quels sont les principaux domaines où le Pop Art

émergé?

Le cubisme en peinture

L'artiste qui a personnifié le Pop Art plus que tout autre

était Andy Warhol. Sa peinture de Marilyn Monroe est le
les icônes les plus célèbres du Pop Art.

Le peintre Andy Warhol avait une obsession pour Hollywood.

la gloire et le glamour. Il a utilisé la sérigraphie photographique pour

créer ses célèbres portraits de Mick Jagger, Elvis Presley,

Marilyn Monroe et Jacqueline Kennedy. Le processus qu'il
Le terme actual "Pop art" a plusieurs origines possibles : la première utilisation utilisé lui a permis de créer un grand nombre d'impressions.

L'utilisation du terme dans l'écriture a été attribuée à la fois à Lawrence En fait, Warhol a utilisé une méthode de production de masse pour

Alloway et Alison et Peter Smithson, et alternativement à créer son œuvre d'art parce qu'il pensait que les célébrités
Richard Hamilton, qui a défini le Pop dans une lettre, tandis que le premier eux-mêmes ont été produits en masse.

L'œuvre d'art intégrant le mot « Pop » a été produite par Paolozzi.

Son collage Je fus le jouet d'un homme riche (1947) contenait des découpages

images d'une fille pin-up, logo Coca-Cola, tarte aux cerises, Seconde Guerre mondiale

un bombardier, et une main d'homme tenant un pistolet, dont jaillit

le mot "POP!" dans un nuage blanc duveteux.

Source: Source: [Link]

Elvis I&II (1963-64)– Andy Warhol 8
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WHEN -Important Events
1947
Eduardo Paolozzi produit ce qui est souvent considéré comme l'une des premières œuvres de véritable art pop, J'étais le jouet d'un homme riche.
Le collage présente même le mot « pop » lui-même, émergeant d'une arme.
1952
Le groupe indépendant se forme, où les premiers artistes pop de la scène artistique londonienne se rencontrent et collaborent. Ce groupe a produit
de nombreuses premières expositions à présenter de l'art pop, et incluaient un certain nombre d'artistes considérés comme des fondateurs du
mouvement. Parmi eux se trouvaient Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi, deux artistes de collage extrêmement influents qui ont aidé à
définir le mouvement lorsqu'il était à ses débuts. Le critique d'art Lawrence Alloway faisait également partie des membres de l'Indépendant.
Groupe, et il est crédité d'avoir inventé le terme « art pop », bien que cela soit contesté. Certains disent que c'était Frank Cordell qui l'a proposé.
avec le terme.
1954
Frank Cordell a peut-être inventé le terme « art pop ».

1955
Le terme « pop art » et le concept général qu'il implique sont bien établis parmi les membres du Groupe Indépendant. Il
est désormais devenu un mouvement défini.

1956
Le Groupe Indépendant est maintenant dissous, cependant beaucoup d'artistes continuent à se rencontrer de manière informelle, et plusieurs d'entre eux sont en vedette.
dans l'exposition C'est demain. Notamment, le collage de Richard Hamilton Juste ce qui fait que les maisons d'aujourd'hui sont si différentes, si
attrayant ? est affiché, un collage qui serait plus tard considéré comme l'un des tournants du mouvement et l'un des
les premières œuvres du véritable art pop.

1958
Lawrence Alloway écrit un essai sur l'art pop, intitulé Les arts et les médias de masse, qui contribue à populariser le mouvement.
et le définir davantage.
1961
Billy Apple et d'autres s'aventurent pour la première fois aux États-Unis et rencontrent Andy Warhol. Des artistes britanniques et américains collaborent et aident.
pour renforcer la présence du style sur la scène artistique.

Source:
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QUAND - Événements importants

1962
Le terme « pop art » est utilisé pour la première fois aux États-Unis par le Musée

d'art moderne à New York lors d'un symposium. Andy Warhol expose ses
Les boîtes de soupe Campbell pour la première fois ; c'est aussi sa première exposition solo.

1963
Roy Lichtenstein produit l'une de ses peintures les plus célèbres,

Fille qui se noie, qui est presque une copie exacte d'un panneau de DC
comic Secret Hearts.

1964
The American Supermarketexhibition takes place.

1968
Andy Warhol est abattu par la féministe radicale Valerie Solanas et failli

meurt de ses blessures. L'incident a un impact sur la carrière de Warhol et

tant sa production de travail que le mouvement en général commencent à ralentir

bas.

1975
Andy Warhol publie son livre La Philosophie d'Andy Warhol.

1979
Warhol aide à fonder l'Académie d'Art de New York.

Source:
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OÙ
Émergeant au milieu des années 1950, le Pop Art défie les notions traditionnelles de l'art beau.
s'inspire d'objets contemporains, banals, de publicités et des médias de masse.
Il est d'abord apparu à Londres après que plusieurs artistes et architectes se soient rencontrés à l'Institut de
Arts contemporains pour discuter de l'effet de la culture pop sur leurs métiers respectifs.
Peu après, des expositions d'art pop britannique ont vu le jour avec des artistes pionniers.
commeDavid Hockney, qui a ensuite été transféré en Californie et est attribué à
introduisant le Pop Art sur la côte Ouest.
Pendant ce temps à New York, des artistes commeTom Wesselmann, Jasper JohnsetAndy
Warholpavait le chemin du Pop Art dans l'histoire. Favorisant des couleurs vives et primaires et
une imagerie simple, leur travail reflétait la culture populaire actuelle, invitant
humour et poser des questions plus larges sur le rôle du consumérisme en Amérique
société.
Pop américaine vs. Pop britannique

Bien qu'ils aient été inspirés par des sujets similaires, la pop britannique est souvent considérée comme
distinctif du pop américain.
Source:[Link]
[Link]?5 L'art pop précoce en Grande-Bretagne a été alimenté par la culture populaire américaine vue depuis un
distance, tandis que les artistes américains étaient inspirés par ce qu'ils voyaient et
expérimenté de vivre au sein de cette culture.

Aux États-Unis, le style pop était un retour à l'art représentatif (art qui
dépeint le monde visuel de manière reconnaissable) et l'utilisation de bords nets et
formes distinctes après la liberté picturale deexpressionnisme abstraitEn utilisant
des images impersonnelles et banales, les artistes pop voulaient également s'éloigner de
emphasis on personal feelings and personal symbolism that characterised
expressionnisme abstrait.
En Grande-Bretagne, le mouvement avait une approche plus académique. Tout en employant
ironie et parodie, il se concentrait davantage sur l'imagerie populaire américaine
représenté, et son pouvoir à manipuler les modes de vie des gens. Le groupe artistique des années 1950
Le Groupe Indépendant (GI)), est considéré comme le précurseur du Pop art britannique
Source:[Link]
mouvement.
Roy%[Link] 11
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 Bien que les artistes du Groupe Indépendant à Londres aient initié l'utilisation de « pop » dans e
les artistes maintiennent une commonalité en référence à l'art, les artistes américains ont bientôt suivi
costume et a intégré la culture populaire dans leurs œuvres également. Bien que le
les styles individuels varient énormément, tous choisissent des images de la culture populaire comme leur
sujet fondamental. Peu de temps après l'arrivée de l'Art Pop américain dans le monde de l'art
scène, variantes européennes continentales développées dans leréalisme capitalisteCapitaliste
Mouvement réaliste en Allemagne et leNouveau Réalismemouvement en France.

En France, des aspects du Pop art étaient présents dans le Nouveau Réalisme, un mouvement
lancée par le critique Pierre Restany en 1960, avec la rédaction de la « Constitution
Déclaration du Nouveau Réalisme
percevant le réel.
des artistes qui étaient unis dans leur appropriation directe de la culture de masse, ou dans celle de Restany
recyclage poétique de la réalité urbaine, industrielle et publicitaire.
Réaliste capitaliste est évident dans le travail de Villeglé, dont la technique de "décollage" consistait à découper
Source: à travers des couches d'affiches pour créer une nouvelle image. Alors que le mouvement faisait écho
[Link]
les préoccupations des artistes pop américains avec la culture commerciale, beaucoup des
[Link]%2FCapitalist-Realism&psig=AOvVaw3IIW6M
qqKvqm7GXfP2g3vZ&ust=1614869652110000&source=imag Les Nouveaux Réalistes s'intéressaient davantage aux objets qu'à la peinture, comme c'est le cas.
es&cd=vfe&ved=0CAIQjRxqFwoTCOCjzrWwlO8CFQAAAAA affaire avec Spoerri, dont les « images pièges » utilisaient de la nourriture, des couverts et des tables comme
dAAAAABAD
médias artistiques. D'autres principaux partisans du mouvement comprenaient Yves Klein, Jean
Tinguely, Arman, François Dufrêne, Raymond Hains, Niki de Saint Phalle, et
Christo.

En Allemagne, le pendant du mouvement Pop art américain était le Capitalisme

Le réalisme, un mouvement qui se concentrait sur des sujets tirés de la culture de consommation
et a utilisé une esthétique basée sur les médias de masse. Le groupe a été fondé par
Sigmar Polkeen 1963 et incluait les artistes Gerhard Richter et Konrad Lueg comme ses
membres centraux. Les Réalistes Capitalistes ont cherché à exposer le consumérisme et
superficialité de la société capitaliste contemporaine en utilisant l'imagerie et
l'esthétique de l'art populaire et de la publicité dans leur travail. Polke a exploré le
possibilités créatives de la reproduction mécanique et Lueg a examiné la culture pop
Nouveau Réalisme imagerie, tandis que Richter a disséqué le médium photographique.
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OMS

Time Line

1947 1956 1960

Eduardo Paolozzi, Royaume-Uni Andy Warhol, États-Unis
Claes Oldenburg, Suède
Andy Warhol était un illustrateur qui
Il est souvent cité comme un important Américain Pop-art né en Suède
devenu un artiste de premier plan de la
exposant deSurréalismeen Grand sculpteur, mieux connu pour ses géants en douceur
Mouvements de pop art des années 1960. Il
La Grande-Bretagne, ainsi qu'une influence sur sculptures d'objets du quotidien. s'est aventuré dans une grande variété d'art
Pop Art. formes, y compris l'art de la performance,
Il a produit des œuvres figuratives à grande échelle
la réalisation de films, l'écriture, et flou
sculptures, impressions et collages La masse orange sur la place les frontières entre l'art contemporain et
fabriqué à partir de magazines et d'autres revêtement en dessous de 50 pieds de haut
la sculpture s'illumine, tout comme son esthétiques grand public.
objets trouvés.
bouton d'orange, célébrant le
Ses premières sculptures en bronze de Académie des beaux-arts de Pennsylvanie Sa curiosité omnivore a abouti à
engagement indéfectible à défendre un énorme corpus de travaux qui
angoissé humain figures couvrait tous les médias disponibles
la peinture comme colonne vertébrale de
impressions incorporées faites par
tradition occidentale et surtout contribué à
machines ainsi que des objets trouvés,
synthétiser pour évoquer de nouveaux
l'effondrement des frontières entre
haute et basse culture.
associations.

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OMS

Chronologie

1963 1970 2001

Roy Fox Lichtenstein, États-Unis Keith Haring, États-Unis Maison Rizzi, Allemagne

Son travail a été influencé par la culture populaire Il a développé un amour pour le dessin à Construit en 2001 par l'architecte allemand
un très jeune âge, apprenant les bases Konrad Klosterand designerJames
publicité et la bande dessinée
style. Son œuvre était considérée comme les compétences en dessin de son père et Rizzi.
de la culture populaire autour Les structures sont décorées de manière sauvage
soyez perturbant.
Il est devenu une figure de proue dans le him, such asDr. Seuss and Walt formes et colorées en rose vif,
nouveau mouvement artistique. Disney. jaunes et verts.
Ce type d'architecture est
Son travail a défini le principe de la pop Entre 1980 et 1985, Haring prétentieux et crie pour
art à travers la parodie. produit des centaines de ces publics attention.
dessins en lignes rythmiques rapides, On peut voir que c'est scandaleux,
Inspiré par la bande dessinée,
Le Liechtenstein a produit avec précision parfois en créant jusqu'à quarante somptueux en même temps.
« dessins de métro » en une journée. C'est probablement le plus vrai et
des compositions qui ont documenté
pendant qu'ils parodiaient, souvent dans un mode de communication libéral et
de manière humoristique implique des gens étant
eux-mêmes.

Source:[Link] Source:[Link]
Source:[Link] -iii-ne-vois-pas-le-mal-par-keith-haring/ maison zzi
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EXEMPLES

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Claes Oldenburg-Pince à linge-1976

Cette épingle à linge de 54 pieds de hauteur, érigée à l'entrée du SEPTA

station de métro à Philadelphie en 1976, fait lever les yeux aux gens avant qu'ils
descendre dans le métro. Sans présupposer un niveau spécifique de
éducation ou familiarité avec l'histoire de l'art ou de la sculpture, Clothespin nous demande
considérer la manière dont les petites innovations en design transforment le
notre façon de vivre. Ce travail était basé sur un croquis pour un gratte-ciel imaginaire
et était la première commande publique de l'artiste, réalisée en collaboration avec le
Philadelphia Redevelopment Authority's "one percent for art" program (a
développement progressif en faveur du financement public des arts.

La sculpture elle-même est loin d'être simple (les sculptures d'Oldenburg ne le sont jamais)
simplement des répliques agrandies des choses qu'elles représentent). Parmi les œuvres d'Oldenburg
des modifications astucieuses au produit immédiatement reconnaissable est le
angle augmenté des jambes inférieures (plus écartées, pour faciliter un plus large
vues de la sculpture depuis directement en dessous), et sa charnière tournait à
ressembler à un 7 et un 6 (conformément à la date de la commission, '76).
Profondément démocratique dans son message global, comme le meilleur de
Le travail d'Oldenburg, Clothespin n'est pas un simple bon mot pop, mais une célébration de
le rôle du design dans la vie quotidienne.

Inférences
Une pince à linge représente également deux personnes s'appuyant et s'enlaçant.
montrant l'hospitalité des gens de Philadelphie.

Source:
[Link]
g?2
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Claes Oldenburg-Trowel-1976, Apple Core- 1990

Source: [Link] Source:[Link]

noyau_de_pomme

Cette œuvre de 1976, Trowel I, démontre l'idée : La périssabilité et la vulnérabilité de la décomposition

l'outil, inséré lâchement dans le sol, est un le cœur de la pomme évoque la constance d'Oldenburg
image commune pour presque tout le monde, jusqu'à ce que vous réalisiez préoccupation avec le processus de déclin et
que cette truelle fait douze mètres de haut ! La sculpture la mort. C'est aussi le résidu d'un naturel (« parfait »)
semble familier et étranger en même temps, ce qui formé "gâté" par l'intervention humaine.
peut avoir un effet perturbant sur le spectateur.
Le motif de la pomme est allusif de nombreuses manières.
Avec la base de la sculpture cachée dans le sol, le Volumineux et sensuel, il orne d'innombrables
la truelle apparaît comme si elle avait été plongée dans la terre par un compositions de nature morte.
géant, mettant en œuvre la véritable fonction de l'outil sur En fin de compte, ces éléments mêmes créent le noyau d'Apple.
échelle monumentale. un morceau attachant plutôt que redoutable,
inviter à l'exploration tactile.
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Claes Oldenburg - Cuillère et cerise - 1985

Source:
[Link]
W4tc3Bvb25icmlkZ2UtYW5kLWNoZXJyeS1mdWxsLmpwZyJdLFsicCIsInRodW1iIiwieDM5MD4iXSxbInAiLCJjb252ZXJ0IiwiLXF1YWxpdHkgODEgLWF1dG8tb3JpZW50Il1d

Cette géante cuillère et cerise a été érigée en 1985 par l'artiste Claes Oldenburg et sa femme, Coosje van Bruggen, et est le
pièce maîtresse du jardin de sculptures du Walker Art Center à Minneapolis, le plus grand parc de sculptures urbain au monde. La cuillère
elle pèse 5 800 livres et la cerise, encore 1 200 livres. La tige de la cerise agit également comme une fontaine qui pulvérise dans le
bol de la cuillère et hors dans l'étang en dessous. Même l'étang lui-même a une signification, ayant la forme d'une graine de tilleul.
attirer l'attention sur les rangées de tilleuls plantés à proximité.

Inférences
Oldenburg était un artiste connu pour créer des versions surdimensionnées d'objets quotidiens et de produits alimentaires. Avec son
épouse, il a mis en place un certain nombre de sculptures publiques, y compris la sculpture Batcolumn de Chicago. La cuillère était une idée d'Oldenburg, qui
avait l'habitude de gribouiller des cuillères depuis 1962, lorsqu'il a été inspiré par une cuillère reposant sur un morceau de chocolat factice. La cerise
dans l'œuvre, c'était l'idée de van Bruggen, cherchant à l'utiliser comme un commentaire sur l'agencement par ailleurs monotone du jardin. L'idée du POP ART
vient ici parce que ses sculptures surdimensionnées sortaient de l'environnement et attiraient l'attention des gens sur
embrassant ses œuvres d'art.
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Claes Oldenburg - Pinceau de Couloir Bleu - 1999, Cône Tombé - 2001

Source:[Link]
-coosje-van-bruggen---corridor-pin--bl...#:~:text=Le%20votre%20pèce
Source:[Link] e est considérablement, ajoute à son hyperre
e-claes-oldenburg#:~:text=Commandé par%2 effet réaliste.
les%20propriétaires%20de,sûrement%20détruire%20le%2
plaza occupée La sculpture consiste en unplus grand
que la viecornet de crème glacée qui
Le spectateur de l'œuvre devient on dirait qu'il a été laissé tomber sur le
réduit par la broche, qui peut être
lire comme ayant des implications culturelles.
coin du centre commercial par
un énorme tout-petit, dont
Cela pourrait faire une déclaration
une crise de colère serait sûrement
sur l'insignifiance de l'homme
détruire la place animée.
lorsqu'il est associé à le
monde de coopération.
La gaufre conique fait écho au
architecture des vieilles églises dans
Cela pourrait commenter sur le la ville, et rappelle également aux gens
poids et valeur que nous accordons à
objets dans notre société de consommation.
des rangées infinies de cafés qui
vanter des douceurs pour les fatigués
acheteurs.
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Andy Warhol - Trois Cokes - 1962

Dans La Philosophie d'Andy Warhol : De A à B et Retour

Encore une fois, il a écrit : « Vous pouvez regarder la télévision et voir

Coca-Cola, et tu sais que le Président boit du Coke, Liz

Taylor boit du Coca, et pensez-y, vous pouvez aussi boire du Coca.

Un Coca est un Coca et aucun montant d'argent ne peut vous en procurer un.
mieux que le Coca-Cola que le clochard au coin de la rue est en train de boire.

Tous les Cokes sont les mêmes et tous les Cokes sont bons. Liz
Taylor le sait, le Président le sait, le clochard le sait, et
tu le sais.

Il boit du Coca et elle boit du Coca, même s'ils

n'est pas d'accord,” opine l'annonce, “et tandis que les bouteilles semblent

semblable, tu n'es pas comme moi.

Source:[Link]
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HOAC IV SEM IV 2020-2021 : Comprendre les mouvements modernes en architecture
Andy Warhol-Banane-1967

Source:[Link]
na-1967

La couverture d'album innovante de Warhol présentait l'image d'une banane recouverte d'un autocollant en forme de peau de banane que les fans pouvaient décoller.
révéler le fruit de couleur chair en dessous. Écrit sur la couverture de l'album au-dessus de la banane était l'invitation à "Pelez lentement, voyez."
Cette sensation interactive et artistique resterait à jamais une marque de fabrique pour le groupe ainsi que pour Warhol.
et

« Le symbole est devenu si identifié avec The Velvet Underground... que les membres du public, en particulier ceux qui écoutent »
musique rock, reconnaître immédiatement le design de la banane comme le symbole de The Velvet Underground." - Lou Reed[2] Comme Warhol
Destinée, l'image de la banane, avec ses sous-entendus chargés sexuellement, a attiré l'attention nationale pour The Velvet Underground
une immortalité durable de leur collaboration avec le prolifique Warhol. Bien que l'album n'ait pas été un succès commercial
le succès, il a été appelé le meilleur album rock prophétique jamais réalisé
Magazine Rolling Stone.

Le style signature renommé de Warhol, défini par sa fascination pour la culture de consommation, met en avant des objets banals comme principaux.
des sujets, tels que la banane, pour symboliser l'essor de la production de masse et de la distribution à son époque. L'album controversé
la couverture et sa banane ont attiré une attention généralisée pour l'artiste et ses représentations du consumérisme

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HOAC IV SEM IV 2020-2021 : Comprendre les mouvements modernes en architecture
Andy Warhol-Mickey Mouse - 1981

Source:-Warhol a choisi Mickey Mouse parce que...

fascination pour de faux idoles.

Mickey Mouse265 par Andy Warhol fait partie de dix sérigraphies de la série Myths qui illustre le travail de Warhol.
un sens infaillible pour les motifs puissants de son époque. Cette œuvre a été réalisée en 1981. La plupart des images dans son
Les séries de mythes sont tirées de la télévision des années 1950 ou des vieux films d'Hollywood. Warhol a choisi Mickey Mouse en raison de

la nature omniprésente du personnage et l'icône qu'il est devenu. Warhol utilise ce type de fausse célébrité
pour illustrer les thèmes de la série Myths et la nature unique de la fascination américaine pour les faux idoles.
L'impression de poussière de diamant présente Mickey Mouse dans sa posture emblématique, décentré dans le cadre, utilisant le

règle des tiers, contrairement aux œuvres typiques de Warhol. Le sujet est souligné par des contours colorés en rose et or.
attirer l'attention sur les oreilles toujours reconnaissables du personnage.

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HOAC IV SEM IV 2020-2021 : Comprendre les mouvements modernes en architecture
Richard Hamilton-Qu'est-ce qui rend les maisons d'aujourd'hui si différentes, si attrayantes ?
En planifiant le collage, Hamilton a tapé une liste de catégories qu'il prévoyait.
Pour intégrer : 'Homme, Femme, Nourriture, Histoire, Journaux, Cinéma'
Appareils domestiques, voitures, espace, bande dessinée, télévision, téléphone
Information" (cité dans Richard Hamilton, 1992, p.149). Imagerie qui
s'inscrivant dans les catégories de Hamilton provenaient d'un stock américain
magazines que McHale avait ramenés des États-Unis. Il
trouvé le titre de l'œuvre dans une légende d'une illustration dans le rejet
découpages des magazines. Le collage fini présente tout le
plusieurs façons de communiquer des informations disponibles à ce moment-là,
réflétant l'intérêt ironique de Hamilton pour la culture populaire et le moderne
technologie. Il montre un intérieur domestique complet avec des fauteuils,
tables basses, plantes en pot et lampes. De tels appareils domestiques que
un aspirateur, une télévision montrant une femme parlant au téléphone dessus
écran, et un dictaphone qui aurait été considéré comme l'état de
l'art des années 1950 apparaît désormais extrêmement démodé. Une bande dessinée encadrée
bande sur le mur, coincée entre un traditionnel du dix-neuvième siècle
portrait et une fenêtre sur un cinéma, appartient aussi à un passé
Une voiture FORD couronnée au centre de l'œuvre.
le logo évoque des voitures ; il a une taille similaire à celle de la tête de l'homme musclé,
se tenant dans une pose de culturiste à côté. Il tient une grosse sucette
portant le mot 'POP' au niveau de l'aine, pointant vers le
femme semi-nue assise dans une pose ridiculement artificielle sur le canapé
opposé. Cette œuvre a été créée en 1963.

Inferences
Source:Juste ce qu'il faut pour que Tod
ay-s-home-si-différent-et-si-attrayant/WQGp_dXaX9kjnQ?utm_source=go Ceci est Demain dans la mesure où il a tenté de résumer les diverses influences
ogle&utm_medium=kp&hl=fr-FR&avm=2 qui commençaient à façonner la Grande-Bretagne d'après-guerre. Il semblait être en train de prendre
un cours vers un avenir radieux et notre monde en pleine mutation, Hi-Tech, était
embrassé avec une confiance étoilée ; une montée d'optimisme qui
nous a emmenés dans les années 1960. Bien qu'évidemment un 'intérieur', il y a
des complications qui nous amènent à douter de la catégorisation. Le plafond de
la chambre est une vue futuriste de la Terre. Le tapis est une vue lointaine de
des gens sur une plage. C'est une allégorie plutôt qu'une représentation d'un
chambre.
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HOAC IV SEM IV 2020-2021 : Comprendre les mouvements modernes en architecture
Roy Lichtenstein-Ten Dollar Bill - 1956 , Sandwich and Soda - 1964

Source :[Link] Source:[Link]

Bien que cette sérigraphie sans titre,
20% plus industriel que l'américain.

L'obsession imminente de Lichtenstein pour l'Américain Un sandwich de diner's et une soda pour deux à partager
la culture populaire peut être détectée dans la lithographie exécuté dans un schéma de couleurs patriotiques avec le
Billet de dix dollars 1956. Dans cette impression proto-Pop, nous voyons lignes impeccablement propres de la publicité populaire—Roy
Lichtenstein prenant d'abord un objet du quotidien, symbolique Lichtenstein (1923–1997) voyait son travail comme étant plus
de la culture de consommation américaine en pleine expansion, alors que son industriel que l'américain.
sujet
La sensation assainie des lignes vives et planes
champs de rouge et de bleu sur un surface brillante et claire
Considéré comme une combinaison deAméricaineart
etcubismele travail est appelé le début l'acétate évoque la nouvelle nature idéalisée de
du travail de Lichtenstein sur l'art pop. Vingt-cinq éditions imprimer des annonces tout en maintenant le
de la lithographie ont été réalisées par Lichtenstein, ce qui images nostalgiques et familières du rendez-vous dans un diner des années 1960.

ont été exposés dans plusieurs galeries.

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Jasper John-Trois Drapeaux- 1958

Source:Trois drapeaux
58-l'histoire de l'œuvre emblématique de Jasper Johns/

La période mature de Johns est considérée comme ayant commencé au milieu des années 1950, lorsqu'il a commencé à peindre ce qui deviendrait sa signature.

emblem. the American flag He turned to this subject matter because he wanted to explore the idea of "things the mind
sait déjà, ce qui était un thème populaire dans l'art pop à l'époque. En plus des drapeaux, il a également représenté des cibles, des cartes et
des lettres dans le but de créer des images qui concernent des choses qu'il pensait avoir été vues et non regardées, non examinées.
Par conséquent, son objectif avec Three Flags était de créer une image qui encourage le spectateur à vraiment regarder et examiner le
Drapeau américain. Il voulait analyser l'image souvent vue uniquement à travers son regard symbolique et non pour ses qualités esthétiques - un
image quotidienne qui est instantanément reconnaissable mais toujours survolée par habitude. Cette œuvre d'art a été illustrée dans
1958.
Inférences
Johns éloigne l'attention de la signification symbolique du drapeau de plusieurs manières. Tout d'abord, en l'extrayant du contexte normal.
in which it is viewed, it is no longer a flag but a painting; and secondly, by emphasizing the painterly qualities of the image. It is
les motifs, les formes et les couleurs, ainsi que la surface texturée créée par la combinaison de peinture et de cire, qui sont les
concentration, pas l'ensemble du drapeau. En conséquence, il réussit à réaliser son désir de « dépasser les limites du drapeau et d'avoir un
espace canevas différent.
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Robert Rauschenberg– Rétroactif I - 1963

Que signifie Rétroactif 1 ?

Retroactive I (1963) appartient à la série de tableaux en sérigraphie qui

Rauschenberg a créé entre 1962 et 1964. Son sujet et
des moyens de reproduction commerciale pour ces œuvres ont conduit les critiques à l'identifier
avec l'art pop. Contrairement au rapport un-à-un qu'il pouvait atteindre dans le transfert
dessins, les écrans produits mécaniquement lui ont permis de transcrire son
propres photographies et images prises dans la presse populaire sur une plus grande
échelle.

● Cette sérigraphie comprend une image de John F. Kennedy, que

Rauschenberg admirait beaucoup. Après l'assassinat, Rauschenberg
était incertain s'il devait utiliser l'image. Mais il a décidé d'y aller.
en avant, comme une manière d'honorer la mémoire de Kennedy. Dans la sérigraphie
processus, il crée une banque d'inventaire pour lui-même d'environ 150
sérigraphies toutes tirées de médias populaires. Et avec ce vocabulaire, il
mélange et recombine ces images de différentes manières. Donc, c'est presque
comme si Rauschenberg pensait numériquement même avant d'avoir le numérique
capacités technologiques. Le critique Calvin Tomkins a examiné
Le travail de Rauschenberg depuis le milieu des années 1950. Il visitait souvent
L'atelier de Rauschenberg.
● Il ferait quatre ou cinq grandes toiles à la fois, sur le sol.
savoir, des écrans qu'il avait fabriqués. Il ne les faisait pas avec
mesures exactes pour que l'étalonnage soit parfait. Il s'était ennuyé
avec cela, ils étaient donc légèrement désalignés, et les couleurs s'estompaient.
confus. Il travaillait d'une manière sans effort. Il n'y avait pas de stress. Ça
il semblait qu'il ne s'arrêtait pas beaucoup pour réfléchir et avancer
retourner à l'aspect. Il se contenterait de mettre un écran et de racler la couleur
par-dessus, puis il le ramassait et le regardait pendant une minute ou deux.
semblait être une façon de travailler si libre, ouverte, presque décontractée. Mais il y
c'était cette sorte de précision troublante de son propre sens du design.
Source:-[Link]
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RÉFÉRENCES

WEBSITES:
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Bien qu'ils aient été inspirés par la culture populaire, les artistes du pop art ont également exploré et critiqué les thèmes de la consommation, de la banalité et de l'expérience vécue au sein de cette culture.

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VIDEOS:

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