HISTOIRE DE LA MODE II

Le Rococo

Contexte historique
Le XVIIe siècle a commencé avec l'Europe de nouveau en guerre. La guerre de Succession d'Espagne (1701-
1714) implique tous les pays européens. Louis XIV régnait à Versailles et la France se trouvait en
le sommet du pouvoir. Cependant, au fur et à mesure que le siècle avançait, un changement se profilait à l'horizon.
L'industrie et le commerce prospéraient, mais ce fait n'était pas encouragé par les monarques.
européens ou par la noblesse. Sur le continent, une classe moyenne urbaine, la bourgeoisie, était au premier plan
beaucoup de ses événements. En France, la sphère d'influence de l'art, de la culture et de la mode, se
il se déplaçait de Versailles à Paris. Là, dans les salons et les hôtels particuliers, les intellectuels se
ils mélangeaient avec la classe émergente, discutaient de philosophie et commentaient les actualités mondiales.

Alors que la bourgeoisie jouissait d'une nouvelle et influente position, le style impérant disparaît.
baroque et est remplacé par le rococo, un style somptueux qui a influencé la décoration intérieure, le
mode et architecture entre 1715 et 1775. Dérivé du mot français rocaille (qui signifie
«rocalla» ou «incrustation de coquillages»), le rococo (parfois connu sous le nom de style Louis XV) plaidait pour
l'ornement, les volutes sinueuses et les formes incurvées. Tout comme le baroque a influencé le vêtement
de la cour de Louis XIV et dans le style de la couture européenne, le rococo a également étendu son domaine
dans la mode. Pendant le règne de Louis XV, l'industrie textile a connu un énorme développement. Rubans,
des dentelles, des fronces, des volants, des fleurs en soie et des papillons décoraient les vêtements des puissants.

En établissant sa nouvelle position en tant que monarque, Louis XV son

la relation avec Madame de Pompadour a fleuri. Son goût pour le
rococo – l'art de François Boucher, peint dans de belles teintes
pastel ; la décoration de chineries, et la porcelaine produite
à Sèvres, une fabrique que Madame de Pompadour a construite
en 1736 pour élaborer de la porcelaine française à la manière saxonne
transforme l'apparence de Versailles et s'étendit aux
salons de toute l'Europe.

Jusqu'à la Révolution française, le monde regardait la France

comme inspiration esthétique. Espagne, Italie et Portugal
ils traversaient des moments difficiles. Plus prospères étaient les
principautés germaniques d'Autriche, de Prusse et de Russie. Au milieu
de la guerre de Succession d'Autriche, la Prusse a pris la Silésie et a mis
les yeux à Vienne. Marie-Thérèse, impératrice d'Autriche et reine
de Hongrie (et mère de Marie-Antoinette), défendit son pays
en signant une alliance avec la Russie et les Bourbons. Son autonomie
augmenta ensuite, lorsque sa fille épousa Louis XVI et se
devenue reine de France. Pendant ce temps, Pierre le Grand,
Le zar de Russie a élevé son pays à un nouveau rang d'importance
mondial, et a entrepris cette tâche en adoptant le costume occidental.

Sa successeure, Catherine la Grande, l'a reprise là où il l'avait laissée. Frédéric le Grand avait
transformé la Prusse en une puissance mondiale et je me suis récompensé avec le palais de Sans
Souci, à Potsdam, une réplique de Versailles.
 Au cours du XVIIIe siècle, l'Angleterre a achevé son ascension en tant que puissance mondiale.
Les colonies américaines avaient enrichi les Anglais et bientôt le Canada
elle a été arrachée à la France. L'Inde a été la suivante conquête anglaise.
Buckingham House–conçu par William Winde en 1702 pour le duc de
Buckingham a été acquise pour 28 000 livres en 1762 par Jorge III, roi de
Angleterre, qui l'a établie comme sa résidence officielle à Londres.
En 1820, l'architecte John Nash a reçu la commande de George IV de
concevoir un nouveau palais à cet endroit. Depuis son acquisition au siècle
XVIII, le palais de Buckingham a servi de résidence officielle de la
monarchie britannique.
De l'autre côté de l'Atlantique, les colonies américaines s'étaient organisées en une
nouvelle société et, avec elle, un style de vie rentable et pionnier. En 1776,
Les États-Unis ont déclaré leur indépendance, et la nouvelle nation s'est libérée de ce
ils considéraient comme obsolètes les normes de George III.

La seconde moitié du XVIIe siècle a vu émerger dans le monde l’ère de la

illustration. La philosophie de l'illustration, un mouvement culturel d'origine
germain, défendait la raison sur l'autorité. Le philosophe Voltaire (dont
vrai nom était François Marie Arouet) fut son principal défenseur en
La France et l'un des fondateurs de l'Encyclopédie française, publiée
en 1751 dans le but d'apporter la connaissance au peuple. Les idées de
Voltaire étaient encouragés dans les cours de Frédéric le Grand de Prusse et
de Catherine la Grande. Voltaire a été emprisonné deux fois pour ses théories
révolutionnaires, qui attaquaient l'Ancien Régime Français. Le thème
essentiel de ses essais, poèmes et œuvres était Ecrasez l’infame (aplatir
les abus). L'objectif de Voltaire étaient ceux qui exerçaient le pouvoir : les
leaders ecclésiastiques, le gouvernement et l'élite sociale. Voltaire a collaboré dans le
croissance de la semence qui a conduit à la Révolution française. Dans cette tâche, il y a aussi participé
le philosophe français, né en Suisse, Jean-Jacques Rousseau, dont le contrat social, publié en
1762, stipulait que "l'homme naît libre et est enchaîné partout".

Bien que Marie-Antoinette ait défendu Rousseau et les

philosophes libre penseurs du moment, a mal calculé son
impact. Pendant qu'elle se recreait dans le Hameau, son jardin
paradisiaque de Versailles, les sans-culottes – travailleurs et
agricultores- agitaban las calles de París. En mayo de 1789,
Louis XVI a convoqué à Versailles les états généraux (le
équivalent français du parlement), et promulgua des lois
suntuaires dans lesquelles il était stipulé que les nobles, les clercs et
le troisième état (les plébéiens) devait adopter un "costume"
apropiado”. Les nobles porteraient de l'or et des brocarts, des bas et
sombrero avec des plumes ; les clercs, tuniques pourpres, et le troisième
état, un uniforme sombre et triste. Son approche n'était pas
précise et s'est avérée être une mesure faible pour contrôler la
situation. Six weeks later, the demands of the third
état – les impôts injustes constituaient l'un des nombreux
raisons de plainte - ils avaient vaincu la monarchie. En dix
violents années, la France a cessé d'être une monarchie absolue et
est devenue une république. Louis XVI et Marie-Antoinette
Ils sont morts à la guillotine. Toutes les églises ont été fermées, et
les propriétés, vendues au bénéfice de l'État. Les légers,
idéaux désinvoltes et somptueux du rococo, diffusés
durant le siècle, ils ont été remplacés par la brusque, pratique et
indépendant était de la révolution.
La Femme
Au XVIIIe siècle, les femmes étaient prêtes à atteindre une plus grande autonomie. Rose Bertin
c'est l'un des exemples les plus célèbres du nouveau type de femme de ce siècle, une femme qui jouissait de
maire liberté. Fille d'un policier de province, elle était la marchande de modes de Marie Antoinette et se
relatée à la royauté. Au XVIe et XVIIe siècles, seules les veuves et les filles de certains hommes
les riches et les puissants pouvaient vivre leur propre vie. Cependant, au cours du XVIIIe siècle, avec l'augmentation de la
indépendance de la femme par rapport à l'homme et à l'argent, y compris les femmes de l'échelle sociale
plus bas pouvaient se déplacer dans de nouveaux domaines, monter leurs propres entreprises, ouvrir des salons et écrire
livres.
L'impératrice Marie-Thérèse (1717-1780), héritière de
les trônes de Hongrie et de Bohême, a servi comme
archiduchesse d'Autriche quand son père, Charles VI,
il est mort en 1740, et a défendu avec succès ses sujets contre le
reste de l'Europe pendant la guerre de Succession d'Autriche
(1740-1748) y la guerra de los Siete Años (1756-1763). No
partageaient la passion pour la mode et le goût pour les
frivolités de sa fille Marie-Antoinette. Au contraire, son
la principale préoccupation était le pouvoir.
María Teresa n'était pas célèbre pour sa beauté (plus tard, la
les gens l'appelaient "la grosse", et son mari, l'empereur
Francisco I (1708-1765) était un inepte. Quand il est mort,
María Teresa a prévenu une confidente à propos de le
mariage avec un homme incapable de gouverner. Le
un grandiose costume de cour était prescrit : les hommes
ils portaient une veste rouge sur un gilet doré, et
les femmes, une robe avec des broderies dorées et argentées,
et des ornements en dentelle. La société sur laquelle elle régnait
Maria Teresa était divisée en cinq états ; chaque
l'un d'eux se distinguait par son habillement, qui était
établi par la cour.

Catherine II la Grande (1729-1796) est devenue impératrice de

La Russie après que son mari, Pierre III, a été assassiné, et
régna pendant trente-quatre ans. On la considérait comme une femme qui
elle s'était faite. Elle a réussi à l'expansion de l'empire
en 1772, le territoire voisin de la Pologne a été annexé.
Pensadora libérale mais gouvernante conservatrice, pour ne pas dire
répressive, était mécène de Diderot et de Voltaire. Tout comme Pierre le
Grande regardait la France avec inspiration esthétique, Catalina détestait
cette frivolité.
Les conditions étaient plus primitives dans sa chère Russie qu'en
Europe de l'Ouest. Lors d'un voyage qu'il a effectué dans sa jeunesse,
elle a été forcée de camper dans des tentes, de marcher entre les flaques et de
s'habiller seule dans la cuisine. Quand elle monta sur le trône, les choses
ils ont changé, y compris leur attitude envers les étrangers. Catalina la
Grande construit des palais, des maisons de campagne, des parcs, des écoles et
hospitales en San Petersburgo y Moscú, y se propuso la
éducation des classes moyennes. Il aimait la peinture, la
sculpture, les bijoux et les tapis, que j'achetais à
collectionneurs privés de toute l'Europe.
 Comme Diane de Poitiers au XVIe siècle, Madame de
Pompadour (1721-1764), dont le vrai nom était Jeanne-
Antonette Poisson est devenue la favorite du roi de France et la
la courtisane française la plus célèbre. Louis XV l'a vue pour la première fois à
la marquise lors d'une chasse. Après un bal luxueux de
masques célébrés à Versailles (parfois s'ouvraient au)
public, avec pour seul exigence que les invités soient bien
vestidos), au cours duquel la marquise était déguisée en Diane chasseresse,
elle est devenue la favorite officielle du roi et s'est installée à la cour.
Le roi lui a donné carte blanche pour décorer Versailles comme
je voudrais. Il lui a également offert quelques propriétés, comme des châteaux
à Montretout, La Celle, Bellevue et Crécy. Luis payait,
de plus, ses maisons à Versailles et sur les Champs-Élysées,
tout comme d'autres résidences à Versailles, Fontainebleau et
Compiègne. Il aimait le rococo, et son influence s'est répandue.
desde la corte a toda Francia. Encargó al artista Boucher la
décoration de la résidence de Bellevue, où il a créé un vaste
jardin de fleurs parfumées chinoises. Pour s'opposer à la
influence de la manufacture de porcelaine de Meissen -établie
par Auguste le Fort de Saxe -, Madame de Pompadour en a fondé une autre à Sèvres, près de Bellevue.
Il s'intéressait passionnément à la production de porcelaine, au point de fournir des modèles à
la fabrique et a demandé des designs à des artistes comme Boucher. Le « rose Pompadour » a été créé là-bas pour elle. La
marquesa también influía en asuntos de estado: Luis la consultaba acerca de nombramientos de
ambassadeurs et autres questions.

L'extravagance excessive est la caractéristique la plus importante qui se

associe avec la dernière reine française, Marie-Antoinette (1755-1793).
Ses soins personnels pouvaient coûter jusqu'à 258 000 livres par an.
année. Grâce à Rose Bertin, sa marchande de modes, elle est devenue
en la reine de la mode française, titre qu'elle préférait à celui de reine de
France, selon une dame de la cour. Elle s'était mariée avec Louis
XVI à quinze ans. Au début, le roi ne put consommer le
mariage, ainsi Marie-Antoinette poursuivit le plaisir dans d'autres
lieux, comme les élégants salons parisiens, les casinos, les
courses de chevaux et les bals masqués. Cependant, son
l'indépendance a été censurée. Son frère, l'empereur Joseph II,
instruisit finalement le roi sur comment consommer son mariage, et
ils sont rapidement devenus les parents de deux filles et d'un garçon. Pendant un temps,
Marie-Antoinette s'est consacrée à la maternité, mais cette tranquillité était
passagère. En 1785, elle fut impliquée dans le scandale du collier de la
reine. Le cardinal de Rohan lui avait acheté un collier. Un
L'enregistrement montre que le bijou était un collier de 17 diamants–un
rivière-, avec quatre pendentifs également en diamants et trois bandes, relié à une autre cascade de diamants
double, composée de quatre autres pendentifs en diamants. Cependant, le célèbre collier n'a jamais
orna le cou de la reine : le mari de l'amante du cardinal de Rohan a revendu les pierres (se
il a dit qu'il y avait 500 diamants). Quand l'escroquerie a été découverte, le cardinal a été arrêté, et le
reina, suspecte de complicité, a été discréditée. Ce scandale a éclaté au moment où
la monarchie était au bord de la faillite, a définitivement terni la réputation de la reine.
Huit ans plus tard, Marie-Antoinette fut guillotinée devant une foule qui applaudissait.
La Révolution française a mis en ébullition les mouvements en faveur des femmes. Certaines femmes
ils ont prononcé des discours politiques en public, et d'autres ont pris les armes. Dans leur Déclaration des
droits de la femme et de la citoyenne, Olympe de Gouges réclamait pour les femmes l'égalité déjà
revendiquée pour et par les hommes. Cependant, ses camarades révolutionnaires n'avaient pas la
même opinion : une bonne citoyenne était une femme qui restait à la maison et s'occupait des
enfants.
Madame de Pompadour Marie-Antoinette

[Link], Le Balancement ou Les

risques joyeux de la balançoire,
c.1767, Collection Wallace, Londres.

Ceci est l'une des œuvres les plus

représentatives de l'artrococoLa
l'œuvre a été commandée par l'abbé
Claude Richard, son protecteur. Il lui
avait donné les instructions de
que peindra la dame dans un
colonne poussée par un évêque,
y a lui au devant de façon qu'il puisse
voir ses jambes, de forme
picara. On sait que le tableau lui a été
chargé à un autre peintre qui ne
il a accepté de le faire en le considérant
trop frivole et coquin.
Vêtements
Ainsi que l'histoire a changé de façon irrévocable au siècle
XVIII par la révolution française et américaine, les vêtements
masculines et féminines, avec ce tumultueux arrière-plan,
ont également connu un changement radical. Les styles
franceses fueron muy influyentes durante el siglo XVIII. El
le monde élégant a suivi l'exemple de la mode établie par
Paris.
Jusqu'à environ 1675, les vêtements des classes
acommodés avait été confectionné par des tailleurs ou par
servants, but, from that moment on, the task passed to
les mains des couturiers. Les femmes ont utilisé les services
des couturières et des chapelières, devenues en
véritables créatrices. En Angleterre, les tailleurs pour femmes
ils étaient appelés les fabricants de Mantoue, du nom de
robe flottante que portaient habituellement les anglaises. Les
les couturières travaillaient dans leur boutique, à la maison ou chez leurs
clients.
Dans les couches les plus modestes, la femme était chargée de
la costura. Remendaba las prendas y confeccionaba la ropa
de la maison et les vêtements de toute la famille. Comme il fallait avoir beaucoup de force pour donner forme aux
corsets (vêtements portés par les femmes aux XVIIIe et XIXe siècles), dans les ateliers, ils étaient utilisés
hommes pour leur confection, bien que les tâches les plus légères étaient de la compétence des femmes.
En France, la "maîtresse couturière", chargée de réaliser les robes de femme, et les
Les sombrereras ont réussi à s'imposer dans une profession jusqu'alors dominée par les hommes.
Grâce à Rose Bertin, les commerçantes de mode sont passées de simples couturières à devenir
en créatrices reconnues. Jusqu'alors, la plupart des créateurs travaillaient dans l'anonymat.
En pressentant les avantages que la renommée pourrait lui apporter, Rose Bertin a commencé à se promouvoir.
offrant ses services aux dames de la haute société. Peu
Un certain temps plus tard, il assumait le double rôle que représentait être
couturière de la reine et "ministre de la mode" de Paris. Rose
Bertin était une femme d'affaires perspicace, capable de créer et de diriger
une entreprise qui employait de nombreuses travailleuses. Aussi
a apporté un système précurseur de la signature : les vêtements faits à
mesure ont commencé à porter le monogramme du créateur qui les avait
conçu.
Ses créations pour Marie-Antoinette correspondent au
style rococo pompeux, Bertin introduisit aussi la robe
redingote – style d'inspiration anglaise, imitation du costume
masculin-, ainsi que de simples robes en mousseline, cintrées avec un
lazo. Les femmes élégantes qui connaissaient son travail assistaient à
masa à sa boutique de la rue Saint-Honoré. Parmi elles se trouvaient
Madame Polignac et Madame de Guiche. Cependant, leur style et leur
la sécurité en elle-même provoquait des jalousies entre ses collègues,
que faisait mal à certaines de ses clientes aristocratiques. La Révolution
a détruit temporairement l'industrie de la mode française. Rose
Bertin, comme beaucoup d'autres commerçants et prestigieux couturiers,
il a dû s'exiler faute de clients. La mort d'André Scheling,
un tailleur dont le talent et la capacité ont conduit les fabricants de tissus
de Lyon à chercher son conseil, a causé un grand émoi public et
paralisa l'industrie de la mode. À ce moment-là, Rose Bertin se
refuge à Vienne, avant de s'installer à Londres, où il a découvert
que la Révolution avait fini par être un grand niveleur social :
certaines de ses anciennes clientes s'étaient transformées en
sombrereras, costureras et même servantes.
Vêtements Féminins
Tout au long du XVIIIe siècle et jusqu'à la révolution, la silhouette féminine se caractérisait par l'utilisation du
miriñaque ou panier, larges cerceaux en métal sur lesquels la robe s'élargit à partir de la
hanches, a pris une amplitude considérable (jusqu'à 150 centimètres). Les miriquais larges étaient utilisés
avec le corsage, tandis que pour le domaine domestique, on préférait les petits. Le miriñaque
se confectionnait avec une série de trois anneaux en métal superposés, cousus à la jupe, et se
sujeté par une autre bague placée autour de la taille. Par la suite, le miriñaque a été
conçu avec deux anneaux et sécurisé par une ceinture. Avec le temps, l'inconfort des
miriñaques et la difficulté de se déplacer dans certains espaces, comme les loges de théâtre et les carrosses,
conduisirent à l'abandon de cette mode. Le volumineux miriñaque faisait paraître la taille, enfermée
dans un corset, très mince, tandis qu'un grand décolleté dévoilait la naissance de la poitrine. Le
la robe s'ouvrait à l'avant pour découvrir la jupe intérieure et les jupons.

Le panier est le
guardainfante
espagnol, plus
sophistiqué et de
multiples
modèles, mais
tous remplissant
la même fonction
qui lui a été attribué
au siècle
antérieur. Ils avaient
y compris paniers
articulables, c'est
dire, qu'ils étaient de
métal et pouvaient
plier pour que
la utilisatrice croisera
les portes de
devant.
 Cette image a été capturée dans ses tableaux par Watteau, un disciple de Rubens qui a peint
esplendidas escenas de la vida parisina. Una de ellas esL’Enseigne de Gersaint(1720-1721), que
il a chargé le marchand Gersaint lorsque celui-ci a changé le nom de sa boutique, Au Grand Monarque, par
À la Pagode. Sur la toile, les motifs habituels de Watteau prédominent : des hommes élégants en costume.
de journal, une femme reclinée qui montre un décolleté profond, et une autre, tournée le dos, qui porte
les cheveux poudrés de gris et une vaste robe flottante en satin rose.

L'Enseigne de Gersaint, par Antoine Watteau.

Le travail de Watteau révèle l'esprit d'élégance qui dominait la mode Régence et le

Rococo. Même son nom est appliqué à un style de vêtement féminin. La robe Watteau, qui
apparaît en satin rose dans la boutique Gersaint, c'était un vêtement basique du garde-robe d'une femme
élégante de l'époque. Cette robe flottante, avec décolleté et la pièce du ventre ornée de rubans,
se portait sur un corps moulant et une jupe évasée. Dans le dos, des plis tombaient depuis le
épaules jusqu'au bas de la longue jupe, éliminant la ligne de taille. Ces plis vinrent à
être connus sous le nom de « plis Watteau », un style qui est resté comme une caractéristique de
les robes du XVIIIe siècle.
 Madame de Pompadour a été fréquemment représentée
avec de élégants vêtements « à la française », une mode
luxueuse qui mettait en évidence, dans ses ornements superflus, le
goût prédominant dans le rococo. Cette complexe
creación llevaba una cintura encorsetada y una falda con
miriñaque. Le corps était coupé en pointe
descendante, disposait d'un profond décolleté en V ou
carré, et était orné de dentelles plissées qui se
dénommés frivoleTâtez-y(“touche ici”). La
amplia sobrefalda avec un bord brodé et décoré avec
plisures, comptes et fleurs. Il faut tenir compte que
Les robes de Madame Pompadour n'étaient pas seulement
idéés par sa couturière. Comme les autres femmes de
à son époque, elle choisissait elle-même les matériaux, ainsi que
les ornements qui décoraient leurs somptueux vêtements.

Le portrait de Boucher de Madame de Pompadour montre le style dévêtu de la cour rococo.

que portaient les femmes au milieu du XVIIIe siècle. Une robe typique à coupe de manches serrées qui
terminaient au-dessus du coude avec des volants en dentelle, parfois avec quelques touches
décoratifs : un nœud en dentelle ou un bouquet de fleurs artificielles. Un autre volant ornait le décolleté, et
le corset décolleté, appelé "modestie", était couvert de tissu et de liens. La jupe s'ouvrait pour
révéler une autre jupe intérieure, décorée plus profusément avec des fleurs, des volants et de la dentelle. Avec le temps,
ce style de robe somptueux a donné lieu à d'autres plus pratiques, comme le négligé, une robe qui réunissait
corps et jupe. On dit que l'actrice Dancourt a lancé cette mode lorsqu'elle est apparue dans la pièce
Adrienne, de Terencio, et c'est pourquoi il est également connu sous le nom d'Adrienne.
 Le vêtement « à l'anglaise » montre le
goût pré-révolutionnaire pour la mode de
ce pays. La veste, courte, avec
amplias solapas et manches longues, se
s'inspirait du redingote masculin. Un
bajofalda de monter remplaçait au
miriñaque, et un petit coussin accentuait
la forme de l'arrière - le cul de
Paris ou simplement le cul-e allait
allumé derrière, sous la jupe. La robe
se concevait sous la forme d'un corps
entallé, construit sur une baleine,
que ciñe confortablement le corps. De la
la taille tombe une jupe, plus longue à la
dos para former une cola.
Complétait le costume un ornement sur le
col, aussi d'inspiration masculine :
une sorte de foulard orné de
encastre qui rappelle la chute d'eau.

La robe « à la polonaise » était également à la mode. Le terme a été inventé pendant la guerre.
que la France a entretenu avec la Pologne, et cela s'appliquait à une robe qui a la jupe drapée (avec trois
drapés postérieurs, pour rappeler la division de la Pologne en trois royaumes), pour montrer une jupe
et les chevilles, ce qui le rendait pratique pour marcher. Il était souvent accompagné de chaussures de
tacón et un caraco, une légère veste en soie.
 Marie Antoinette détestait porter des corsets. À son époque, les crinolines avaient disparu et les jupes
ils tombaient en légers plis. Pendant sa grossesse, la reine adopta une robe droite, ajustée à la taille
avec une ceinture lâche, appelée "veste ", inspirée des costumes créés pour la
représentation d'Athalie, au théâtre français. Ce costume a été adopté alors à la cour par
femmes.
La ferme modèle que Marie Antoinette avait construite au Petit Trianon a inspiré un nouveau type de
vêtements. La simplicité s'est imposée et le blanc est devenu la couleur à la mode. La “chemise de
la reine" et le négligé, en mousseline et coton, se sont inscrits dans cette nouvelle tendance.

La mode est devenue plus informelle et la révolution a intensifié cette tendance. Les paysannes avaient déjà
adopté un estilo simple : corps, veste cintrée et jupe évasée avec des plis, souvent avec
motifs tricolores. Les femmes qui assumaient la cause révolutionnaire portaient le négligé à la
patriote, un manteau bleu royal qu'elle portait sur une robe à col rayé blanc et rouge,
tandis que les réalistes s'habillaient en noir. La révolution a supprimé la soie, le velours et le
brocadé et a libéré la femme de vêtements restrictifs : corsets, paniers, perruques hautes et poudrées,
talons hauts, faux pois et rubans. Toutes ces futilités ont disparu.

L'austérité s'est imposée dans le costume féminin. Devenue en

question politique, la mode est devenue un moyen d'expression de
les idées démocratiques. Les citoyennes achetaient des tissus
“republicanas”: “Igualdad” o “Libertad”. También bautizaban a sus
enfants avec des noms à connotation révolutionnaire : République,
Civilisation ou Marat. Les boutiques de la rue Saint-Honoré ont fermé, mais
ils ont ouvert d'autres qui vendaient des vêtements prêts à emporter.

Le changement dans la tenue féminine se manifeste dans

un vestiaire « à la française » de 1770-1780, en lin et soie avec des rayures
blanches et vertes, qui fait partie de la collection du Costume
Institut de New York. Il s'agit d'une robe retroussée.
poches, ainsi appelé par sa jupe vaporeuse, dont les bas s
se plient vers les ouvertures latérales. Richard Martin associe cette
la mode avec la philosophie de la liberté et l'amour de la nature
prêchée par Rousseau.
 En Angleterre, la duchesse de
York a lancé un style qui
préfigure la ligne empire.
Pendant sa grossesse, on lui
il arriva de porter un faux ventre;
fait, passé le cul de Paris
sa robe vers l'avant. Ceci
la mode a traversé le canal et a été
adoptée par les Parisiennes
élégantes, étaient
enceintes ou non. La mode
s'est également inspiré du passé.
Robes simples - "à la
vestale"y"à la Diane"-
inspirés par l'Antiquité
classique, apparus avec le
style Directoriode David à
début du XIXe siècle. On
le vêtement-chemise a été imposé,
léger et flottant, et les longues
tuniques en lin, coton et
muselina.

Robe à la vestale Robe-Chemise

Vêtements Masculins
L'homme du XVIIIe siècle portait la culotte - calzones - et la veste.
connue sous le nom de chupa. Cela est devenu le gilet, l'élément
décoratif du garde-robe masculin. Confectionné souvent avec
damosco, satin ou velours, avait des poches, des manches longues, délicats
broderies qui montraient des paysages, des fleurs ou des animaux et des boutons en or,
plata ou vernis. Seules quelques boutons supérieurs se fermaient, et la
prenda dejaba ver lachorrerade encaje de la camisa, anudada como
écharpe. Les caleçons se terminaient au genou, où ils se rejoignaient avec
unas medias de seda blancas sujetas con lazos. Un abrigo sin cuello,
lacasaca, se ceñait au corps (la taille semblait très étroite parce que
certains hommes portaient un corset en dessous); cela se campait
légèrement sur les hanches en un semicercle (les basques pouvaient
être attachés avec des baleines) et s'ouvrait à l'arrière de la taille.
On le recouvrait souvent de soie d'une couleur qui s'harmoniserait avec celle de
gilet
Louis XV était le seul homme qui pouvait porter un habit à la française en France.
de brocard. Le roi a créé un nouveau style, en rehaussant une épaule de
manière que l'on pouvait voir le costume intérieur. Le costume réel était luxueux :
calzones bombachos, bas de soie et chaussures en cuir fin.

Pendant une grande partie du XVIIIe siècle, les vêtements masculins ont été dominés par le style anglais.
La dentelle et les rubans étaient considérés comme futiles en Angleterre, donc la chorégraphie a été remplacée.
pour une cravate en soie noire, bien que par la suite elle serait remplacée par un foulard en mousseline
blanca. Le gilet d'un gentleman anglais était confectionné en soie de couleur; il était court et
se terminait en deux pointes à la taille.
 Elfraces est un vêtement qui arrive jusqu'à mi-mollet, avec des manches longues et étroites. Vert
pâle, jaune pastel ou parfois noir, le fractambien était également présent dans la garde-robe des
italiens, où il recevait le nom de degoldonienne. À la fin du siècle, les culottes étaient maintenues avec
des bretelles et s'allongèrent jusqu'à couvrir les genoux. En 1730, les hommes avaient cessé de porter des bas
sous les sous-vêtements.

Aunque el traje masculino se fue haciendo más sobrio a lo largo del siglo XVIII, surgieron grupos
de excentriques. Vers 1770, les Macaronis apparurent, de jeunes Anglais qui avaient voyagé par
Europe et dont le séjour en Italie avait influencé son style. Les Macaronis portaient des cols
drapés, et bientôt une cravate ornée de dentelle prit son nom. Pour attirer l'attention sur le
calle, ils portaient des talons avec des clous en fer qui faisaient du bruit en marchant. Leur style était ouvertement
aféminé. Les historiens considèrent que, avec leurs costumes excentriques, ils ont non seulement mis fin à la
image conformiste de l'homme à la mode, mais, par les réactions de rejet qu'elle a suscitées,
ils ont également provoqué la disparition de l'« homme élégant », une catégorie de personnage communément
admise.
 Les Incroyables (incroyables) étaient un autre groupe d'élégants
contestataires qui sont apparus en France pendant le Directoire.
Ils portaient des boucles d'oreilles en or, des escarpins décolletés (qui couvraient à peine
le dessus du pied et les orteils) et des caleçons maintenus sous le genou avec
bandes de couleurs vives. Ils n'avaient pas d'idéaux politiques. Pour les
Les historiens de la mode, les Incroyables étaient un groupe de jeunes.
privilégiés et extravagants qui n'ont jamais réellement représenté la
mode à son époque.
Après la Révolution, les vêtements masculins - inspirés par les
les vêtements anglais de monter - se sont rapprochés de styles plus modernes et
ils sont devenus plus sobres. Les caleçons en soie jusqu'au genou ont été
progressivement remplacés par des pantalons jusqu'au cheville.
Manteaux en laine, gilets courts, cols rigides et chaussettes étaient
éléments de base de la garde-robe.

Jacques Louis David

Aunque en las primeras pinturas de David (1748-1825) se aprecia
une tendance au rococo, l'artiste a rejeté ce style frivole et s'est
devenu le peintre le plus important de la Révolution française.
Protégé à un moment donné par Louis XVI, David est devenu
jacobin et suiveur de Robespierre. Il a voté pour la mort du roi et a peint
à Marie-Antoinette en route vers la guillotine. En pleine Révolution, elle a tenté
influer sur l'habillement français. On lui a demandé de concevoir un costume
nationale qui répondrait aux idéaux révolutionnaires de liberté,
égalité et fraternité. Son idée – caleçons, une tunique type toge et une
capa bleue - a sans doute été inspirée par les trois ans qu'elle a passés en
Rome. Cependant, ce costume austère n'a jamais été utilisé par les
citoyens et n'était porté que lors des festivals publics organisés
par le peintre. La robe, dérivée de sources d'inspiration classique,
grecques et romaines, avait une coupe moins compliquée.
Robespierre
Maximilien François Marie Isidore de Robespierre(Arras,6 mai
de 1758– Paris28 juilletde 1794)c'était unpolitiquefrançais(surnommé
«L'Incorruptible» pour son dévouement à la Révolution et pour sa résistance
aux pots-de-vin) et l'un des dirigeants les plus importants de la Révolution
Franç[Link] fut l'un des membres les plus influents deComité de
Salvation Publiquequi a gouverné de facto pendant la période où les
les révolutionnaires ont consolidé leur pouvoir, une étape désignée surtout en
la tradition anglo-saxonne comme Règne de la [Link] était
guillotinéele 28 juillet 1794 avec 21 de ses partisans.

Tissus
Au XVIIIe siècle, nous assistons à un développement mondial important du commerce textile. En Angleterre, à la
sur une période de cinquante ans, un grand nombre d'inventions mécanisées révolutionneront la
fabrication du coton et de la laine. La machine à navette volante et la machine de
tisser. Hargreaves a conçu la machine à filer le coton, la célèbre spinning Jenny ; Arkwright, une autre
machine hydraulique pour filer du coton, et Cartwright, le premier métier à tisser mécanique. En 1785, en s'installant
la machine à vapeur de James Watt dans une filature de coton, l'Angleterre est entrée dans l'ère de la
production de masse.
Pendant ce temps, le coton était devenu une industrie essentielle pour la construction des
colonies américaines. Cela était dû à Eli Whitney, un jeune diplômé de Yale, qui se
établi à Savannah, où il inventa le désafleur de coton. Ce dispositif pour le travail
le manuel a commencé à être utilisé en 1793, permettant la séparation de la fibre de coton de la
semence.
Auparavant, la récolte et la fabrication qui entouraient la production de coton constituaient une
tâche ardue. Les esclaves ramassaient le coton à la main, un travail qui devait être effectué quand
estaba seco, de manera que las mejores condiciones se daban bajo un ardiente sol. El algodón
cela devait être dépeigné, un processus lent et laborieux qui libérait les fibres de la graine. Les fibres
elles étaient enroulées avec une manivelle manuelle.
L'industrie du coton, cependant, était moralement répréhensible. Le coton ne pouvait être que
recueillir par l'esclavage. L'Angleterre a joué un rôle fondamental dans le commerce de
esclaves. Les navires quittaient Liverpool et en Afrique, les marchandises étaient échangées contre des êtres
humains, qui étaient ensuite exportés vers les colonies du sud. Ils travaillaient dans des conditions inhumaines,
recollectant à la main le coton qui était ensuite envoyé en Angleterre pour sa fabrication.
L'Inde était un autre des producteurs de coton. Depuis 1780, les personnes élégantes utilisaient
indiennes et autres tissus fins en coton indien : linon, batiste, muslin et gaze. La "chemise de la
la "reina" de María Antonieta était confectionnée en coton indien et ornée de motifs complexes
froncés.
À la fin du XVIIIe siècle, tant la production de tissus que les techniques de teinture et d'impression
ils ont acquis un grand développement. Un des tissus imprimés les mieux connus du moment est le
tela de Jouy: algodón decolorado, estampado con bloques de madera o láminas de cobre. Se
produisait dans une usine située à la périphérie de Paris, à Jouy-en-Josas, qui avait été fondée par
Deux frères allemands, Christophe Philippe et Frédéric Oberkampf. La technique pour produire du tissu de
Jouy a été inspirée à l'origine par Francis Nixon, un artisan irlandais qui en 1752 a été un pionnier dans
l'utilisation de plaques de cuivre gravées pour imprimer des illustrations à grande échelle sur des tissus. Cinq
Des années auparavant, Nixon s'était associé à un marchand anglais qui avait pressenti le potentiel commercial
de sa technique. Les Oberkampf ont amélioré les possibilités du tissu de Jouy, en travaillant avec des tons
forts, teintures de couleurs solides et feuilles de cuivre qui permettaient d'imprimer de petits détails. Les
Les motifs représentés dans ce tissu incluaient - et continuent d'inclure - des paysages, des motifs floraux,
architecture, scenes inspired by landscapes from books, plays, and mythology, as well as
activités de loisirs, comme des vols en montgolfière. Marie-Antoinette avait un éventail en tissu de
Jouy. Le tissu décoratif romantique était également utilisé pour des rideaux et des tapisseries, des chaises et des lits.
Lorsque, en 1783, Louis XVI transforma l'usine en Manufacture Royale, la mode du tissu de Jouy se
s'est étendu parmi les cercles de la cour et la bourgeoisie. Depuis lors, il n'a pas diminué.
Divers dessins de toiles de Jouy

La folie pour la Chine a rendu nécessaire l'importation de

rasos, soies imprimées (connues sous le nom de pékin) et
broderies d'Orient. Les tisserands européens se sont inspirés
aussi dans cette mode chinoise pour offrir de nouvelles nuances, comme
le jaune doré et le « vert de Chine », qui ont été ajoutés au rose
pâle, le gris tourterelle et le bleu brume de la palette du rococo.
Les éléments décoratifs d'une robe rococo – dentelles,
cintas et appliques florales - étaient fabriqués en Italie. L'ikat - un
technique d'impression de réserve, originaire d'Asie centrale,
où les fils étaient noués et teints avant d'être tissés-
s'appliquait sur des robes en taffetas de soie.

Robe retroussée aux chevilles

Faya de soie de Pékin à rayures rouges et blanches avec affection
muaré; frange de passementerie; jupe assortie; fichu en coton
calado; portacartas en taffetas de soie avec broderie florale
rematés avec une bride ; chaussures à talons hauts en satin de soie.
 Vestido a la francesa.
Satin chiné de Lyon bleu céleste avec motifs floraux et
orlas; ribete du même tissu; poignets avec double volants;
pétard et jupe assortis ; trompeurs en dentelle d'Alençon ;
barbes et coiffe en dentelle d'Argentan

Robe à la
française
Chintz de Jouy
enlino blanc
avec des raisons
les légumes de
couleur bleue.

Maquillage et Soins
Se laver n'était pas une pratique courante au XVIIIe siècle. C'est pourquoi les gens portaient du maquillage pour
dissimuler la peau sale. On continuait à utiliser de la peinture blanche à base de plomb comme fond de
maquillage pour le visage, et les joues étaient rehaussées de fard à joues rouge. L'odeur corporelle était dissimulée
avec du parfum. Louis XV insistait pour que ses courtisans portent un parfum différent chaque jour.
Madame de Pompadour dépensait cinq cent mille livres en parfums et consacrait beaucoup de temps à prendre soin
son apparence.

Les idéaux démocratiques qui se sont développés dans

La France à la fin du siècle a influencé tous les aspects
du goût personnel, parmi lesquels figuraient la préférence
par l'air et les arômes purs et propres, ainsi que le
rejet des parfums forts. Marie-Antoinette,
a établi la mode des essences légères. Ses préférées
c'étaient de violet et de rose. Pendant ce temps, le commerce du
Le parfum s'est développé en Angleterre. À Londres,
Jermyn Street, le menorquin Juan Floris a inauguré en 1730
Floris. L'entreprise est devenue la parfumerie préférée de
la royauté existe encore aujourd'hui comme la deuxième
perfumería más antigua, después de la farmacia de Santa
María Novella à Florence.
En 1770, la famille Cleaver a fondé une entreprise de savons et de parfums. Avec le temps, elle est devenue
connue sous le nom de Yardley, un nom tiré de William Yardley, un fabricant d'épées, d'éperons et
hebillas qui a pris en charge l'entreprise de son gendre, William Cleaver, pour sauver les affaires de la
faillite. Un de ses produits les plus populaires était une pommade pour hommes fabriquée avec
lavande de Norfolk et graisse d'ours.
Wigs
Les hommes et les femmes se poudraient les cheveux au XVIIIe siècle.
Para producir el efecto deseado, las mujeres se empolvoreaban
farine sur la tête. Les hommes l'utilisaient aussi pour leurs
imposantes perruques blanches, appelées, depuis le siècle précédent,
demelena ou in-folio. En Angleterre, cette coiffure était
remplacé par lapeluca Ramillies (qui tire son nom de la
victoria de Marlborough de 1706), que lleva unos rulos sobre las
oreilles et les cheveux relevés en une queue avec un noeud noir.

Tout comme ce qui est arrivé aux couturiers, aux coiffeurs

ils furent reconnus par leur nom et au XVIIIe siècle
devenus une profession reconnue. Les perruques
on les faisait avec des cheveux humains, des poils de chèvre, de crin de

cheval ou fibres végétales, et hommes et femmes de toutes

les classes les utilisaient. Madame de Pompadour, merci
à son coiffeur préféré, Léonard, a lancé la mode des
Pouf, coiffures artificielles très hautes. Le pouf au
sentiment - un des favoris de la cour - portait
oiseaux, papillons, cupidons, branches d'arbres et
végétation, tout placé dans une perruque très haute. Son
la hauteur limitait la posture de la femme pendant qu'elle voyageait en
son charrette (il devait souvent s'asseoir par terre).
Ils étaient aussi des nids de puces et de poux, et les dames
ils portaient des grattoirs pour soulager les désagréments causés
pour ces insectes. Avec le temps, ces constructions
ils sont devenus démodés.
Le goût naturel, né de la Révolution, a mis fin à
les cheveux poudrés, étant donné la perte de temps que
inspirait le rejet des révolutionnaires,
qui ont accusé les aristocrates d'avoir contribué
à la pénurie de pain en raison de son utilisation frivole de la
farine. En conséquence, les hommes ont commencé à avoir l'air
ses propres cheveux, et les femmes les coiffaient avec
diverses coiffures lâches et naturelles.
Le Corset
Les femmes portaient des corsets depuis le XVIe siècle.
mais au XVIIIe siècle, il était devenu un
œuvre d'art, du moins pour un œil inexpérimenté, déjà
que, sous une apparence séduisante, se cachait
un véritable instrument de torture. Les
les baleines rigides des corsets étaient recouvertes de
coton naturel rugueux. Malgré le fait d'être
causant de multiples dommages (éclats, blessures
de foie ou déplacement de côtes), les
les corsets mettaient en valeur les formes féminines. Également
se considéraient comme un symbole de position sociale :
son utilisation empêchait les femmes de faire des efforts
excessifs et indiquait qu'ils étaient membres d'une
classe oisive. Les corsets étaient faits de satin,
soies brodées et soies brochées. Les femmes
les travailleuses portaient un corset à lacets.

En 1770, un pamphlet intitulé

Dégradation de l’espèce humaine par l’usage
du corps à baleines, qui a lancé une véritable
croisade contre le corset. Les idées exprimées dans
le texte a été adopté par les penseurs
progresistes du moment, tant hommes que
femmes ; Rousseau était le plus virulent d'entre eux.
La Révolution mettra fin aux corsets. À partir de
à ce moment-là, les Françaises ont commencé à
les emmener sans baleines.
 Chapeaux
Depuis environ 1690 jusqu'à la Révolution, le tricornes - un
sombrero à trois pointes - c'était le chapeau masculin le plus courant.
Divers éléments pouvaient l'orner : dentelle, galons ou même
plumes d'autruche. Les femmes portaient de grands chapeaux à large bord
ancha, de paja o fieltro. A partir de 1789, hombres y mujeres adoptaron
un type de couvre-chef de style militaire. Les révolutionnaires se reconnaissaient
par le bonnet phrygien, un chapeau en feutre doux, tiré des
grecs. Le tricorne s'est transformé en bicorne, d'abord réservé seulement
aux officiers de l'armée, mais plus tard il s'est joint à la garde-robe
masculin.

Après la Révolution, les coiffes féminines

adoptaron formas diferentes. La “teresa” –descrita por Douglas Russell como una
cofia - se portait pour protéger la coiffure. Elle est aussi devenue à la mode tout.
tipo de bonetes, comme la calèche, bonet de tissu transparent monté sur
des arcs qui pouvaient se lever ou se plier, avec l'aide d'un ruban, comme le
capot d'une voiture. La dormilona était un bonnet de nuit que les femmes
Ils emportaient aussi le matin dans la maison.
Revues de Mode
La mode en tant que culture a commencé à se développer au début du siècle sec, XVIII. En 1693
La première revue féminine, The Ladies Mercury, publiée par le libraire londonien John
Dunton. Il parlait de mode et offrait des articles variés sur des thèmes tels que l'amour, le mariage et le
protocole.
Depuis 1600, des livres sur l'habillement sont publiés, dans lesquels les vêtements étaient illustrés.
les siècles passés et des civilisations anciennes, mais au XVIIIe siècle, ils ont commencé à être publiés
annuaires de mode : almanachs et diétariés. Ceux-ci comportaient un calendrier et des informations destinées aux
femmes. En 1731, le concept de revue est apparu pour la première fois dans le Gentleman’s Magazine, qui
publiait l'imprimeur britannique Edward Cave et marquait le début d'une nouvelle façon de diffuser le
mode. À partir de ce moment, d'autres revues ont commencé à être publiées, qui copiaient ou modifiaient
la formule originale. En France, Cabinet des Modes illustrait les nouveaux styles avec des gravures
colorés. La mode, selon le Cabinet, englobait diverses matières, parmi lesquelles : mobilier,
décoration d'intérieur, carrosses et bijouterie. La contribution allemande est arrivée à la fin du XVIIIe siècle :
En 1786, le Journal des Luxus und der Moden a été publié pour la première fois. Les magazines aussi
ils portaient des gravures ou des planches de mode, les plus mémorables d'entre elles ayant été conçues par
Gravelot et Moreau le jeune.
À l'origine, les magazines s'adressaient à l'intellectualité, mais, avec le temps, ils ont commencé à
s'adresser à un marché plus large. Femmes au foyer et domestiques, désireuses de se tenir au courant des dernières
tendances de la mode. Selon Valerie Steele, en France, les magazines destinés aux
les masses avaient une intention plus concrète, à savoir que les gens découvrent la mode parisienne et
ils commenceront à la copier.

Gravures de la revue Cabinet Des Modes