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Histoire de l’art
Géraldine CREUSOT ouvements artistiques du XX ème siècle
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Page 1 CUBISME
1/- DÉFINITION
Les artistes Pablo Picasso et Georges Braque ont changé la face de l’art, au 20e siècle,
en fragmentant le sujet de leurs oeuvres d’art et en créant le mouvement artistique
cubiste, qui a révolutionné la peinture et la sculpture européenne, en plus d’inspirer les
mouvements liés à la musique et à la littérature.
La première branche du cubisme, connue sous le nom de cubisme analytique, est à la
fois radicale et influente comme mouvement artistique entre 1908 et 1911 en France,
malgré sa courte période. Dans la deuxième phase, le cubisme synthétique (à l’aide de
matériaux synthétiques dans l’oeuvre) prend de l’ampleur et garde sa vitalité jusqu’autour
de 1919, lorsque le mouvement surréaliste gagne en popularité.

Les objets sont fragmentés, analysés, dessinés sous plusieurs angles de vue et
rassemblés dans une forme abstraite au lieu d’un objet représenté d’un seul point de
vue.

L’artiste montre l’objet d’une multitude de points de vue pour représenter le sujet dans
un contexte plus large. Souvent, les surfaces se croisent au hasard, enlevant à l’ensemble
son sens cohérent de la profondeur. Le contexte et l’objet pénètrent un dans l’autre
pour créer un espace ambigu, une caractéristique distincte du cubisme.

2/- CONTEXTE
Les oeuvres d’art cubistes puisent leur inspiration dans l’art africain mais c’est le travail
du peintre Paul Cézanne qui a incité les artistes à se pencher sur la variation du cubisme.

À la fin du 19e et au début du 20e siècle, l’élite culturelle européenne découvrais l’art
africain et amérindien d’Amérique pour la première fois. Des artistes tels que Paul
Gauguin, Henri Matisse et Pablo Picasso ont été intrigués et inspirés par la puissance
et la simplicité de ces styles provenant de cultures étrangères. Les peintures de Picasso
de 1907 ont été caractérisées comme Précubistes, notamment vu Les Demoiselles
d’Avignon.
Histoire de l’art
Géraldine CREUSOT

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Certains pensent que les racines du cubisme se trouvent dans les deux tendances
distinctes du travail de Paul Cézanne. D’une part, par le fait de briser la surface peinte
en petites facettes multiples, soulignant ainsi le point de vue pluriel donnée par la vision
binoculaire. D’autre part, par son intérêt pour la simplification des formes naturelles dans
les cylindres, sphères, et les cônes.

Toutefois, les artistes cubistes ont exploré ce concept plus loin que Cézanne, ils peignaient
toutes les surfaces des objets représentés dans un seul plan d’image, comme si les objets
avaient eu toutes leurs faces visibles en même temps.

L’artiste Espagnol Juan Gris s’est joint activement au groupe. Après avoir rencontré, en
1907, Braque et Picasso, il a commencé à travailler sur le développement du cubisme.
Picasso a d’abord été la force et l’influence qui a convaincu Braque, en 1908, à s’éloigner
du fauvisme. Les deux artistes ont commencé à travailler en étroite collaboration à la fin
de 1908 et au début de 1909, jusqu’à l’éclatement de la Première Guerre mondiale, en
1914. Le mouvement s’est rapidement répandu dans tout Paris et en Europe.

Le critique d’art Français Louis Vauxcelles a utilisé pour la première fois le terme
«cubisme», ou «bizarre cubiques», en 1908, après avoir vu une photo de Braque. Il l’a
Histoire de l’art décrite comme «pleine de petits cubes», après quoi le terme à été rapidement utilisé,
bien que les deux créateurs ne l’aient pas d’abord adopté.
Géraldine CREUSOT Le cubisme a été repris par de nombreux artistes à Montparnasse et promu par le
marchand d’art Daniel-Henry Kahnweiler. Devenant ainsi populaire tellement rapidement
2 0 1 3 / 2 0 1 4 qu’en 1911, les critiques se référèrent à une « école cubiste » des artistes.

En 1913, les États-Unis ont été exposés au cubisme et à l’art moderne européen lorsque
Page 3 Jacques Villon présenta sept importantes et grandes oeuvres à la célèbre Armory Show
de New York. Braque et Picasso ont eux-mêmes passé par plusieurs phases distinctes
avant 1920, et certains de ces travaux ont été vus à New York, avant l’Armory Show.
Des artistes Tchèques qui ont réalisé l’importance historique du cubisme de Picasso et
de Braque ont tenté d’extraire ces éléments pour leur propre travail, dans toutes les
branches de la création artistique - en particulier dans la peinture et l’architecture. Ceci
s’est développé en un cubisme tchèque qui est un art d’avant-garde du mouvement
tchèque promoteur du cubisme actif, principalement à Prague, de 1910 à 1914.

3/- CARACTÉRISTIQUES
a/- Le cubisme Cézannien :
Le peintre français Paul Cézanne a marqué l’histoire de l’art à jamais avec son style avant-
gardiste et sa façon unique de peindre de grandes œuvres d’art considérées comme
étant «le cubisme cézannien».

Paul Cézanne, né le 19
Janvier 1839, était un artiste
français et un peintre
post-impressionniste. On
peut dire que Cézanne
fut le pont entre la fin
de l’impressionnisme du
19e siècle et la nouvelle
direction du mouvement
cubiste au début du 20e
siècle. Les célèbres artistes
Matisse et Pablo Picasso ont
dit de Cézanne qu’il était
«le père de nous tous» et
on ne peut qu’être d’accord
avec cette affirmation.

Le peintre Paul Cézanne démontre dans son travail qu’il maîtrise la conception, la
couleur et la composition de l’image. Ses coups de pinceau, souvent répétitifs, sensibles
et exploratoires, sont clairement reconnaissables et très caractéristiques de son style. Il
a utilisé la couleur et des accumulations de petits coups de pinceau pour former des
oeuvres d’art complexes qui sont à la fois une expression directe de la sensation de l’oeil
et une abstraction de la nature observée.

Cézanne et le pré-cubisme ou le cubisme cézannien

Cézanne était intéressé à la simplification des formes naturelles en leurs formes
géométriques essentielles. Comme les peintres cubistes, il a voulu traiter de la nature par
le cylindre, la sphère et le cône (un tronc d’arbre peut être conçu comme un cylindre,
une tête humaine comme une sphère, etc.).
Nous voyons deux points de vue différents en même temps ; Cézanne travaille cet
aspect de la perception visuelle dans sa peinture, à des degrés différents.
Histoire de l’art Ces explorations de simplification géométrique et phénomènes optiques ont inspiré les
oeuvres de Picasso, Braque et Gris, en plus d’amener d’autres artistes à expérimenter,
Géraldine CREUSOT avec de plus en plus de complexité, plusieurs plans de vue du même sujet et le
fractionnement de la forme. Cézanne a déclenché l’une des recherches artistiques les
2 0 1 3 / 2 0 1 4 plus révolutionnaires du 20e siècle et qui a affecté profondément le développement de
l’art moderne. Ensuite, c’est le cubisme de Picasso et de Braque qui a conduit au cubisme
analytique qui, comme les travaux de Cézanne, analysait la forme pour la reproduire avec
Page 4 de simple formes géométriques.

b/- Le cubisme analytique

La première phase marquante du cubisme fut Le cubisme analytique (1908-1912) qui
se voulait une analyse de la forme de l’objet pour la reproduire à l’aide de formes
géométriques simples telles que le cube.
La couleur est presque inexistante, sauf pour l’usage de teintes monochromatiques
de gris, bleu et ocre. Au lieu de mettre l’accent sur la couleur, Le cubisme analytique
est porté sur les formes comme le cylindre, la sphère et le cône afin de représenter
le monde naturel. Au cours de ce
mouvement, les oeuvres produites
par Pablo Picasso et Georges Braque
partagent des similitudes stylistiques.

Les deux peintres Pablo Picasso et

Georges Braque se sont déplacés
vers l’abstraction, ne laissant que
quelques signes du monde réel à
l’intérieur du cadre.

Cette notion se retrouve illustrée

dans la peinture « Ma Jolie » (1911)
par Pablo Picasso et « Le portugais »
(1911) de Georges Braque.

Georges Braque a été important,

après avoir abandonné le fauvisme
pour travailler avec Picasso dans le
développement du lexique cubiste.

c/- Le cubisme synthétique

Considérant que le cubisme
analytique a été une analyse des
sujets, Le cubisme synthétique est plutôt une insertion de plusieurs objets les uns
dans les autres.
Le cubisme s’est dirigé dans une période synthétique, entre 1912 et 1919, révélant
le célèbre peintre Juan Gris. Opposé au cubisme analytique, cette phase introduit le
collage dans l’oeuvre.

Le cubisme synthétique a été la deuxième branche principale du cubisme, mise au point

par Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris et d’autres, entre 1912 et 1919. Pour la
première fois, grâce à lui le collage a été considéré comme faisant partie des beaux-arts.

Les premières oeuvres d’art de ce nouveau style incluent «Still Life with Chair-caning»
(1911–1912), de Pablo Picasso, qui comprend du tissus collé sur la toile. En haut, à
gauche, sont les lettres « JOU » qui apparaissent dans de nombreux tableaux cubistes et
qui pourraient se référer à un journal intitulé « Le Journal ». Les coupures de presse ont
Histoire de l’art fait partie des inclusions dans ce style du cubisme par lesquelles des morceaux de journal
et des feuilles de musique ont été inclues dans les collages. « JOU » pourrais également
Géraldine CREUSOT être relié à un jeu de mots sur les mots jeu ou jouer.

2 0 1 3 / 2 0 1 4 Pablo Picasso et Georges Braque ont eu une compétition amicale l’un avec l’autre et ces
lettres auraient pu être une prolongation de leur jeu.

Page 5 Picasso, par le biais de ce mouvement, a été le premier à utiliser du texte dans ses
oeuvres et à avoir recours à des techniques mixtes, utilisant plus d’un type de support
dans la même pièce. Opposé au cubisme analytique, Le cubisme synthétique apporte
moins de changements de plan de vue et moins d’ombrage, ce qui aplatit l’espace.

Une autre technique utilisée a été appelée « papier collé », ou coller le papier, que
l’artiste Georges Braque a utilisée dans son collage « Plat de fruits et de verre » (1913).

c/- Le cubisme orphique

L’orphisme, ou Le cubisme orphique, est un terme inventé en 1912 par le poète français
Guillaume Apollinaire. Il a utilisé le terme
« orphisme » pour étiqueter les peintures
de Robert Delaunay relatives à Orphée, le
poète et le symbole de l’art de la chanson
et de la lyre dans la mythologie grecque. Le
terme à été également utilisé en référence
aux peintures de l’épouse de Delaunay, Sonia
Terk, et à la peintre tchèque František Kupka
et d’autres membres du Groupe de Puteaux
(Section d’Or).

Guidés par Jacques Villon, les orphistes sont

enracinés dans le cubisme mais portés vers
une pure abstraction lyrique en voyant la
peinture comme une sensation de couleurs
vives. Le mouvement a influencé des artistes
tels que Patrick Henry Bruce et Andrew
Dasbourg ainsi que des membres du groupe
allemand Blaue Reiter et de la communauté canadienne et américaine du mouvement
artistique Synchronisme. Le mouvement est considéré comme indispensable dans
l’évolution du cubisme vers l’abstraction.

L’orphisme vise à se passer progressivement de la matière reconnaissable et à se baser

sur la forme et la couleur pour en communiquer le sens. Le mouvement avait également
pour but d’exprimer l’idéal de l’existence d’un état d’être infini.

d/- Section d’Or

La Section d’Or, également connue sous le nom de Groupe de Puteaux, était basée dans
la banlieue de Paris. Puteaux a été un collectif de peintres et de critiques liés à l’orphisme,
une branche du cubisme. Ils ont été actifs de 1912 à environ 1914, à la suite de leur
exposition controversée du Salon des Indépendants, au printemps 1911. La Section d’or
à disparue avec l’arrivée de la guerre.

Le mouvement a commencé avec une exposition à la Galerie La Boetie, à Paris, en 1912,.

En plus des oeuvres d’art des frères Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon
et Marcel Duchamp, d’autres artistes y figuraient tels qu’Archipenko, de La Fresnaye,
Gleizes, Gris, Léger, Metzinger et Picabia. Le discours d’ouverture a été donné par
Histoire de l’art Guillaume Apollinaire.

Géraldine CREUSOT Le nom du groupe a été adopté afin de se distinguer de la définition plus étroite du
cubisme, développée précédemment par Pablo Picasso et Georges Braque dans le
2 0 1 3 / 2 0 1 4 quartier Montmartre de Paris.

Le début de la Première Guerre mondiale, en 1914, a, en grande partie entraîné le

Page 6 groupe à mettre un terme à leurs activités.
Membres de la Section d’Or
Jeanne Rij-Rousseau (1870-1956)
Frantisek Kupka (1871-1957)
Maurice Princet (1875-1973)
Jacques Villon (1875-1963)
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
Louis Marcoussis (1878-1941)
Francis Picabia (1879-1953)
Guillaume Apollinaire (1880-1918)
Albert Gleizes (1881-1953)
Henri le Fauconnier (1881-1946)
Fernand Léger (1881-1955)
Jean Metzinger (1883-1956)
Georges Ribemont-Dessaignes (1884-1974)
Roger de la Fresnaye (1885-1925)
Robert Delaunay (1885-1941)
Marcel Duchamp (1887-1968)
Alexander Calder (1898-1976)

4/- LES PLUS GRANDS ARTISTES

a/- Georges Braque et le cubisme
Georges Braque (13 mai, 1882, au 31 août, 1963) a été l’un des principaux peintres et
sculpteurs français du 20e siècle. Il a, avec Pablo Picasso, créé le mouvement artistique
du cubisme. Ce peintre créa des oeuvres cubistes jusqu’à ce qu’il dû quitter Paris pour
aller se battre à la guerre.

Les peintures de Braque, de 1908 à 1913, ont commencé à refléter son nouvel intérêt
pour la géométrie et la perspective simultanée. Il a mené une intense étude sur les effets
de la lumière, la perspective et les techniques que les peintres utilisent pour représenter
ces effets. Dans les scènes de son village, par exemple, Braque réduit souvent une
structure architecturale en une forme géométrique se rapprochant de celle d’un cube.
L’ombre de la structure, elle, donne l’illusion d’être plate et en trois dimensions en même
temps. De cette façon, Braque place l’attention sur la nature même de l’illusion visuelle
et de la représentation artistique.

À partir de 1909, Braque a commencé à travailler en étroite collaboration avec Pablo

Picasso qui avait développé une approche similaire dans sa peinture.
L’invention du cubisme est un effort conjoint entre Picasso et Braque, puis les résidents
de Montmartre, à Paris. Les deux artistes produisirent des peintures de couleur neutre
et de forme complexe, à plusieurs facettes, maintenant étiquetées comme faisant partie
du cubisme analytique. En 1912, ils ont commencé à expérimenter le collage avec du
papier collé.

Leur collaboration a continué et ils ont travaillé en étroite collaboration jusqu’au

déclenchement de la première Guerre mondiale, en 1914, lorsque Braque, enrôlé dans
l’armée française, dû quitter Paris pour aller se battre.
Histoire de l’art b/- Pablo Picasso et le cubisme
Pablo Picasso (25 octobre, 1881, au 8 avril, 1973) est un peintre cubiste, dessinateur
Géraldine CREUSOT et sculpteur espagnol andalou. Un des plus reconnus dans l’histoire de l’art du XXe
siècle. Il est surtout connu pour être le co-fondateur du mouvement artistique cubiste
2 0 1 3 / 2 0 1 4 et pour la grande variété de styles incorporés dans ses oeuvres d’art. Parmi les oeuvres
de Picasso les plus célèbres on trouve le tableau Les Demoiselles d’Avignon (1907) et
sa représentation du bombardement allemand de Guernica pendant la guerre civile
Page 7 espagnole, Guernica (1937).

Le travail de Pablo Picasso est souvent classé par périodes. Alors que les noms de plusieurs
de ses périodes ultérieures font l’objet de débats, les périodes les plus communément
acceptées de son travail sont sa période bleue (1901-1904), sa période rose (1905-
1907), sa période influencée par l’art africain (1908-1909), le cubisme analytique (1909-
1912), et le cubisme synthétique (1912-1919).

L’influence de l’art africain, qui a duré de 1907 à 1909, a été la période où Pablo Picasso
a peint avec un style fortement influencé par la sculpture africaine. Cette période, qui a
suivi sa période bleue et sa période rose, a également été parfois qualifiée de période
nègre ou période noire.

Après la peinture « Les Demoiselles d’Avignon », Picasso a commencé à peindre dans

un style influencé par les deux figures du côté droit du tableau qui étaient fondées sur
l’art africain. Bien que cette peinture soit considérée comme la première oeuvre cubiste,
avant même le début de sa phase cubiste, on peut clairement voir qu’il a passé plusieurs
années à explorer l’art africain. Pendant ce temps, l’empire français était en pleine
expansion en Afrique et les artefacts d’Afrique ont été ramenés dans les musées Paris.
La presse bourdonnait d’histoires exagérées, de cannibalisme et de contes exotiques à
propos du royaume africain de Dahomey. La maltraitance des Africains dans le Congo
belge était un sujet chaud. Il était donc naturel, dans ce climat, que Picasso tourne sont
intérêt vers les objets africains comme source d’inspiration.

La période noire de Pablo Picasso a été suivie par Le cubisme analytique qui s’est
également développé à partir de « Les Mademoiselle Mignonne ».

Le cubisme analytique (1909-1912) est un style de peinture que Picasso à développé

avec l’aide de Georges Braque. Les deux artistes ont déconstruit des objets et les ont
«analysé» en termes de formes. Les peintures de Picasso et de Braque de ce moment-là
ont de nombreuses similitudes. Le cubisme synthétique (1912-1919) a été la suite du
développement du genre.

5/- LES PLUS GRANDES ŒUVRES

Les Demoiselles d’Avignon

Artiste : Pablo Picasso
Date : vers 1906-1907
Technique : Huile sur toile
Dimensions (H × L) : 244 cm × 234 cm
Localisation : Museum of Modern Art, New York

Cézanne
“La carrière de Bibémus”
1895
65,1 x 81 cm
Muséum Folkwang Essen.
Histoire de l’art Braque Georges - Le Portugais
automne 1911 jusque 1912
Géraldine CREUSOT Huile sur toile
117 x 81 cm
2 0 1 3 / 2 0 1 4 Kunstmuseum Basel

La bouteille de Banyuls
Page 8 Artist: Juan Gris
Date: 1914
Genre: still life
Technique: collage, gouache

Robert Delaunay (1885 - 1941)

Une fenêtre (Etude pour les trois fenêtres ; La Tour et la Roue)
1912
Huile sur toile
111 x 90 cm
Centre Pompidou

6/- ANALYSES D’ŒUVRES

Georges Braque, Les Usines du Rio-Tinto à L’Estaque, automne

1910
Huile sur toile, 65 x 54 cm

Réalisée elle aussi à L’Estaque, cette peinture n’a presque

plus rien d’un paysage singulier. On ne reconnaît plus le lieu,
l’image s’éloigne du motif. Elle aurait pu être peinte n’importe
où. Braque ne travaille plus en extérieur depuis 1909 car il se
détourne des accidents pittoresques pour s’intéresser de plus
en plus, de même que Picasso à cette époque, à la construction
d’un espace unifié, homogène, et propre à la peinture.

« Ce qui m’a beaucoup attiré - et qui fut la direction maîtresse du Cubisme », dit Braque
à l’historienne de l’art Dora Vallier, « c’était la matérialisation de cet espace nouveau que
je sentais. (…) C’était cela, la première peinture cubiste, la recherche de l’espace. De la
couleur, il n’y avait que le côté lumière qui nous préoccupait. La lumière et l’espace sont
deux choses qui se touchent (…). La fragmentation me servait à établir l’espace et le
mouvement de l’espace et je n’ai pu introduire l’objet qu’après avoir créé l’espace. (…)
Les Fauves, c’était la lumière, le Cubisme l’espace. »

Dans Les Usines du Rio Tinto, Braque se détache de la perception de l’espace,

apparemment naturelle et automatique, que reproduit la perspective. A partir de ce
paysage qu’il connaît bien, il travaille sur la constitution d’une seule image à partir d’une
multiplicité de petites perceptions saisies par le corps en mouvement. La peinture devient
un outil pour analyser la perception du réel, d’où le terme, pour les œuvres de cette
époque, de Cubisme analytique.
Histoire de l’art Les demoiselles d’Avignon
Contexte historique
Géraldine CREUSOT En 1907, Picasso, jeune peintre espagnol termina cette œuvre,
après de très nombreux essais préparatoires . A cette époque, le
2 0 1 3 / 2 0 1 4 cubisme n’existait pas encore.
La fin du 19ème siècle avait vu apparaître l’impressionnisme,
ensuite vinrent l’expressionnisme et le fauvisme. La photographie
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puis l’arrivée du cinéma changeront aussi plus tard certaines
données dans les univers visuels des artistes de cette période.
Picasso avait été déjà remarqué lors du salon d’Automne de 1905 et fait des rencontres
importantes comme celle de Matisse ou [Link], romancière intellectuelle...
Ce tableau sera donc l’élément fondateur d’un grand changement à la fois culturel et
dans l’histoire de l’art. Il concrétisera l’avènement du «cubisme»mais aussi opèrera une
rupture stylistique et conceptuelle avec l’intellectualisation de la démarche artistique...

Contexte artistique
Picasso nous donne à voir sa représentation d’une maison close d’Avignon. Même si
le sujet de l’œuvre peut paraître provoquant (avant ce moment, on avait pu voir les
œuvres de Cézanne notamment, et Picasso avait admiré «le Bain Turc» d’Ingres, parmi
ses influences), c’est surtout le «traitement» qui va choquer (la façon de peindre)...
Dans cette œuvre, Picasso laissera voir aussi l’influence qu’exerce sur lui la sculpture
ibérique et l’art africain qu’il collectionnait... En effet, personnages et fond ne font plus
référence à une copie du réel mais apparaissent complètement déstructurés et comme
perçus de multiples points de vue (d’ou la stupéfaction produite sur les spectateurs de
cette œuvre). Elle sera vue du public que bien plus tard après sa création et raillée par la
critique. Mais elle deviendra une œuvre clé de l’art moderne, une sorte de «révolution»
esthétique..

Le tableau
Il s’agit d’une très grande toile, d’un format presque carré de 243,9 sur 233,7 cm, peinte
à l’huile. Elle se situe au MOMA, Musée d’Art Moderne de New-York.

La composition
Les 5 femmes occupent l’espace principal du tableau, sur un fond composé de sortes de
tissus, rideaux dans plusieurs tons de bleu, gris, bruns. On observe cependant 3 parties
en rectangles verticaux, le central étant le plus grand.
- Chaque femme constitue une sorte de plan différent, mais au premier plan on remarque
la corbeille de fruits, comme posée sur une petite table verticalement..
- Picasso se joue des règles de la perspective et opère une déstructuration des femmes
de la gauche vers la droite, elles deviennent alors complètement déformées tels des
masques africains...
- Les couleurs :
3 couleurs principales structurent l’espace avec les bruns à gauche, le gris au milieu et les
bleus à droite..On notera aussi le contraste entre les corps dans les tons ocres orangés
et le fond bleu/gris. Les formes sont contournées de blanc ou de noir ce qui insiste
encore sur la «déstructuration» de la toile...
- Les formes :
La partie gauche présente notamment un personnage qui apparaît de facture classique,
voire antique mais dans celle de droite on observe une fragmentation géométrique, des
figures à la fois de face et de profil. On remarque ainsi l’évolution picturale, les couleurs
surprennent ainsi que le traitement graphique schématisé...
- En conclusion, dans ce tableau, Picasso, montre sa volonté de sortir du dessin
conventionnel, en mettant en œuvre des procédés innovants, une sorte de révolution
visuelle et établi ici les bases du cubisme.