Leçon 1 : Art et ses conventions

Art
- Vient du latin ancien "ars" qui signifie un artisanat ou une forme spécialisée de compétence comme
carpenterie ou forgeage ou chirurgie (Collingwood, 1938).
- Les arts en latin médiéval en sont venus à signifier quelque chose de différent. Cela désignait toute forme spéciale de
l'apprentissage livresque, tel que la grammaire ou la logique, la magie ou l'astrologie. (Collingwood 1938).
Les beaux-arts en viendraient à signifier non pas des arts délicats ou hautement qualifiés, mais des arts beaux.

Le processus de création artistique

L'artiste - On ne peut pas parler de l'art sans l'artiste. L'art est le reflet des sentiments de chacun.
C'est l'explication des concepts ou idées imaginés. L'expérience aide l'homme à se former et à se développer.
ce sujet.
Le médium de l'art - Le matériau utilisé pour exprimer une idée. Le médium peut être n'importe quoi utilisé pour
montre ce qui est dans l'esprit de l'artiste. Cela peut être du bois, du métal, de la pierre ; ou cela peut être des mots, de l'action, ou

tout ce qui évoque le sens esthétique.

Conventions de l'art
1. Universel et intemporel - L'art a toujours été intemporel et universel, traversant les générations et
continents à travers et à travers. Il a été façonné par tous les peuples, indépendamment de l'origine, du temps, du lieu,
and that it stayed on because it is liked and enjoyed by people continuously.
2.L'art n'est pas la nature - l'art est l'expression par l'homme de sa réception de la nature. L'art est la façon dont l'homme...

interpréter la nature.
[Link] artiste a besoin d'expérience - Contrairement aux domaines de connaissance qui impliquent des données, l'art est connu par
expérimentation. Une œuvre d'art ne peut donc pas être abstraite de l'action réelle. Pour savoir ce qu'un
l'œuvre d'art est, nous devons la ressentir, la voir ou l'entendre, et la voir et l'entendre.

L'art ancien (4 000) a été produit par des civilisations avancées, qui dans ce cas se réfèrent à celles
avec une langue écrite établie. Ces civilisations comprenaient la Mésopotamie, l'Égypte, la Grèce,
et ceux des Amériques.

Art Préhistorique (40 000-4 000 av. J.-C.) – Les origines de l'histoire de l'art peuvent être retracées jusqu'à
époque préhistorique, avant que des écrits ne soient conservés. Les premiers artefacts proviennent du Paléolithique
ère, ou le Paléolithique, sous la forme de carvings sur pierre, gravures, images picturales, sculptures,
et des arrangements de pierres.
Art médiéval (500-1400) - Le Moyen Âge, souvent appelé les "âges sombres," a marqué un
période de déclin économique et culturel suivant la chute de l'Empire romain en 476 après J.-C.
Une grande partie des œuvres d'art produites au cours des premières années de la période reflète cette obscurité, caractérisée
par des images grotesques et des paysages brutaux.

Renaissance (1400-1600) - Ce style de peinture, de sculpture et d'art décoratif était caractérisé

par une focalisation sur la nature et l'individualisme, la pensée de l'homme comme indépendant et autonome. Bien que
ces idéaux étaient présents à la fin du Moyen Âge, ils ont fleuri aux 15ème et 16ème siècles
parallèlement à des changements sociaux et économiques tels que la sécularisation.

Le maniérisme (1527-1580) – les artistes maniéristes ont émergé des idéaux de Michel-Ange, Raphaël
et d'autres artistes de la fin de la Renaissance, mais leur attention à la style et à la technique surpassait le sens
du sujet. Souvent, les figures avaient des membres gracieux et allongés, de petites têtes, des figures stylisées
et des détails exagérés.
Baroque (1600-1750) - La période baroque qui a suivi le maniérisme a produit un style orné, excessif,
les meilleures arts visuels et architecture. Il était caractérisé par la grandeur et la richesse, ponctué par un
un intérêt pour l'élargissement de l'intellect humain et la découverte mondiale. Les artistes barroques étaient stylistiquement
complexe.

Rococo (1699-1780) - originaire de Paris, englobant les arts décoratifs, la peinture, l'architecture, et
sculpture. L'esthétique offrait un style plus doux d'art décoratif comparé à l'exubérance du Baroque.
Le rococo se caractérise par la légèreté et l'élégance, mettant l'accent sur l'utilisation de formes naturelles.
design asymétrique et couleurs subtiles.

Neoclassicism (1750-1850)-as its name suggests, the neoclassical period drew upon elements
de l'antiquité classique. Ruines archéologiques de civilisations anciennes à Athènes et à Naples qui
ont été découverts à l'époque a ravivé une passion pour tout ce qui est passé, et les artistes s'efforçaient de recréer le
grands travaux d'art ancien. Cela s'est traduit par un nouvel intérêt pour les idéaux classiques d'harmonie,
simplicité et proportion.

Le romantisme (1780-1850) incarne un large éventail de disciplines, de la peinture à la musique à

littérature. Les idéaux présents dans chacune de ces formes d'art rejettent l'ordre, l'harmonie et la rationalité, ce qui
ont été embrassés à la fois dans l'art classique et le néoclassicisme. Au lieu de cela, les artistes romantiques ont souligné le
individu et imagination.

Le réalisme (1848-1900) - On peut dire que le réalisme est le premier mouvement artistique moderne, il a commencé en France en
Années 1840. Le réalisme était le résultat de multiples événements : le mouvement anti-romantique en Allemagne, l'essor
du journalisme, et l'avènement de la photographie.

Impressionnisme (1865-1885) - Les peintres impressionnistes cherchaient à capturer l'impression immédiate

d'un moment particulier. Cela se caractérisait par des coups de pinceau courts et rapides et un aspect inachevé,
une atmosphère semblable à un croquis. Les artistes impressionnistes utilisaient la vie moderne comme sujet, peignant des situations
comme les salles de danse et les régates de voiliers plutôt que des événements historiques et mythologiques.
Post-impressionnisme (1885-1910) - Les peintres post-impressionnistes ont travaillé de manière indépendante plutôt que
en tant que groupe, mais chaque peintre post-impressionniste influent avait des idéaux similaires. Ils se concentraient
on subjective visions and symbolic, personal meanings rather than observations of the outside
monde. Cela était souvent réalisé par des formes abstraites.

L'Art Nouveau (1890-1910) - qui se traduit par "Nouvel Art", a tenté de créer un espace entièrement
mouvement authentique libre de toute imitation des styles qui l'ont précédé. Ce mouvement est fortement
influencé les arts appliqués, les graphiques et l'illustration. Il se concentré sur le monde naturel, caractérisé par
lignes et courbes longues et sinueuses.

Fauvisme (1900-1935) - Dirigé par Henri Matisse, le Fauvisme s'est appuyé sur des exemples de Vincent van
Gogh and George Seurat. As the first avant-garde, 20th-century movement, this style was
caractérisé par une utilisation expressive de couleurs intenses, de lignes et de coups de pinceau, un sens audacieux de la surface
design et composition plate.
L'expressionnisme (1905-1920) - L'expressionnisme est apparu en réponse à des conflits de plus en plus croissants.
visions du monde et la perte de la spiritualité. L'art expressionniste cherchait à puiser au fond de l'artiste,
utilisant une distorsion de la forme et des couleurs vives pour exprimer des anxiétés et des émotions brutes.

Le cubisme (1907-1914) a été établi par Pablo Picasso et Georges Braque, qui ont rejeté le
concept selon lequel l'art devrait imiter la nature. Ils se sont éloignés des techniques traditionnelles et
perspectives ; au lieu de cela, ils ont créé des objets radicalement fragmentés par l'abstraction.

Le surréalisme (1916-1950) - est né du mouvement artistique Dada en 1916, mettant en avant des œuvres de
un art qui défiait la raison. Les surréalistes dénonçaient l'esprit rationaliste. Ils blâmaient cette pensée
processus sur des événements comme la Première Guerre mondiale et croyait que cela réprimait les pensées imaginatives.

L'expressionnisme abstrait (1940-1950) - Façonné par l'héritage du surréalisme, Abstrait

L'expressionnisme est apparu à New York après la Seconde Guerre mondiale. On l'appelle souvent l'École de New York
ou peinture d'action. Ces peintres et sculpteurs abstraits se sont éloignés de ce qui était considéré comme
conventionnel, et a plutôt utilisé la spontanéité et l'improvisation pour créer des œuvres d'art abstraites.

L'art pop (1950-1960) - l'un des développements artistiques les plus reconnaissables du 20e siècle.
le mouvement est passé des méthodes utilisées dans l'Expressionnisme abstrait et a plutôt utilisé
Chaque jour, des objets banals pour créer des œuvres d'art innovantes qui remettaient en question le consumérisme et
médias de masse.

L'Art Optique (1950-1960) - amplifié par les avancées de la science et de la technologie ainsi qu'un intérêt pour
effets optiques et illusions, le mouvement Op art (abréviation de "art optique") lancé avec Le
Mouvement, une exposition collective à la Galerie Denise René en 1955. Les artistes actifs dans ce style ont utilisé
formes, couleurs et motifs pour créer des images qui semblaient bouger ou se brouiller, souvent produites
en noir et blanc pour un contraste maximal. Ces motifs abstraits étaient destinés à la fois à troubler et
excite l'œil.

Arte Povera (1960) - Se traduisant littéralement par "art pauvre", l'Arte Povera a remis en question le modernisme.
des systèmes contemporains en incorporant des matériaux courants dans leurs créations. Les artistes ont utilisé de la terre, des roches,
papier, corde et d'autres éléments terrestres pour évoquer un sentiment pré-industriel. En conséquence, beaucoup de
les œuvres notables de ce mouvement sont sculpturales.

L'Art Conceptuel (1960-1970) a complètement rejeté les mouvements artistiques précédents, et les artistes ont pris en valeur
idées sur les composants visuels, créant de l'art sous forme de performances, d'éphémères et d'autres formes.

Le minimalisme (1960-1970) - Le mouvement minimaliste a émergé à New York en tant que groupe de
des artistes plus jeunes ont commencé à remettre en question les œuvres trop expressives des artistes expressionnistes abstraits.
L'art minimaliste se concentrait plutôt sur l'anonymat, attirant l'attention sur la matérialité des œuvres.

Art contemporain (1970-présent) - Les années 1970 ont marqué le début de l'art contemporain, qui
extends through present day. This period is dominated by various schools and smaller movements
qui a émergé. Le postmodernisme, l'art féministe, le néo-expressionnisme, l'art de rue, Les images
Generation, Appropriation art, Young British Artists (YBA), and Digital art.
Leçon 2 : Le rôle de la créativité, de l'imagination et de l'expression dans la création artistique

Le rôle de l'art en tant qu'œuvre créative est de représenter le monde sous un jour complètement différent et
perspective" -Jean-Paul Sartre

L'ART COMME PRODUIT DE L'IMAGINATION, L'IMAGINATION COMME PRODUIT DE L'ART

L'imagination est plus importante que le savoir. Car le savoir est limité à tout ce que nous savons maintenant.
savoir et comprendre, tandis que l'imagination embrasse le monde entier, et il y aura toujours
savoir et comprendre" (Albert Einstein)
Une œuvre d'art n'a pas besoin d'être une chose réelle, mais peut être quelque chose d'imaginaire
(Collingwood, 1938).
Selon Collins & Riley (1931), le désir et l'envie d'être entouré de beauté
les choses remontent à nos premiers ancêtres.

L'ART COMME EXPRESSION

Selon Collingwood (1983), se libérer d'une souffrance et d'une incapacité qui tourmente.
Exprimer quelque chose par l'action s'appelle s'exprimer.
Une émotion restera inconnue à un homme jusqu'à ce qu'il l'exprime.
oRobin George Collingwood, un philosophe anglais surtout connu pour son travail dans
l'esthétique, expliquée dans sa publication Les Principes de l'Art (1938) que ce qu'un artiste
faire face à une émotion n'est pas de l'inciter, mais de l'exprimer. À travers l'expression, il est capable de
explorer ses propres émotions et en même temps, créer quelque chose de beau à partir d'elles.
oCollingwood a illustré davantage que l'expression des émotions est quelque chose de différent de
décrire les émotions. La description détruit l'idée d'expression, car elle classe le
émotion, la rendant ordinaire et prévisible. L'expression, en revanche,
s'individualise. Un artiste a la liberté de s'exprimer comme il le souhaite. Ainsi,
il n'y a pas de technique spécifique dans l'expression. Cela fait que l'art des gens n'est pas un reflet de
ce qui est extérieur ou externe à eux, mais un reflet de leur moi intérieur.

Façons de s'exprimer à travers l'art

1. Arts visuels - le type de forme artistique auquel la population est probablement le plus exposée, mais son
les variations sont si diverses. Certains médias des arts visuels comprennent les peintures, les dessins, les lettrages,
impression, sculptures, imagerie numérique, et plus.

[Link] - l'art de rassembler des successions d'images fixes afin de créer une illusion de
le mouvement. La réalisation cinématographique se concentre sur son esthétique, sa valeur culturelle et sociale et est considérée comme
à la fois une industrie artistique.
3. L'art de la performance - un art vivant et le médium de l'artiste est principalement le corps humain qu'il ou elle
utilise pour se produire, mais emploie également d'autres formes d'art telles que l'art visuel, les accessoires ou le son.
Quatre éléments de l'art de la performance
temps
b. où la performance a eu lieu
c. le corps du performeur
d. relation entre le public et les interprètes

4. La poésie - une forme d'art où l'artiste exprime ses émotions non pas en utilisant de la peinture, du charbon, ou
caméra, mais les exprime par des mots. Elle utilise les valeurs émotionnelles, musicales et spatiales des mots
qui vont au-delà de son sens littéral pour narrer, souligner, argumenter ou convaincre.

5. Architecture

L'art est la quête et la création de belles choses tandis que l'architecture est la réalisation de
bâtiments magnifiques.
Tous les bâtiments ne peuvent pas être considérés comme de l'architecture.

Le Grand Théâtre de Bordeaux où la fonctionnalité du théâtre demeure, mais le

L'équilibre frappant des lignes, des couleurs et des formes achève le chef-d'œuvre.
Les bâtiments doivent incarner ces trois éléments importants : plan, construction et design.
s'ils souhaitent mériter le titre d'architecte (Collins & Riley, 1931)

[Link]

La danse est une série de mouvements qui suit le rythme de l'accompagnement musical.
Creative form that allows people tofreely express themselves.
Il n'y a pas de règles. Les danseurs sont libres de créer et d'inventer leurs propres mouvements tant qu'ils le souhaitent.
les considérer comme gracieux et beaux.
[Link] littéraire
L'art littéraire va au-delà des professions habituelles, académiques, journalistiques et autres.
formes techniques d'écriture.
Il se concentre sur l'écriture en utilisant un style unique, sans suivre un format ou une norme spécifique.
Cela peut inclure à la fois de la fiction et de la non-fiction, comme des romans, des biographies et des poèmes.

8. Théâtre

Le théâtre utilise des artistes en direct pour présenter des récits ou des événements imaginaires devant un public en direct.

audience.
Suivez généralement un script. Tout comme dans le cinéma, le théâtre prend également en compte plusieurs éléments.
comme les gestes d'acteur, l'éclairage, les effets sonores, la musique, le décor et les accessoires.
Tout comme dans l'art de la performance, le spectateur est un élément important dans l'art théâtral.
Certains genres de théâtre incluent le drame, la comédie musicale, la tragédie, la comédie et l'improvisation.
9. Arts appliqués

Les arts appliqués intègrent des éléments de style et de design dans des objets quotidiens dans le but
d'augmenter leur valeur esthétique.
Les artistes dans ce domaine apportent beauté, charme et confort dans de nombreuses choses qui sont utiles dans
la vie quotidienne (Collins & Riley, 1931).
Le design industriel, le design d'intérieur, le design de mode et le design graphique sont considérés
arts appliqués.
Fonctionnalité et Style.
Leçon 3 : Fonctions et perspective philosophique
Le philosophe grec Aristote a affirmé que chaque substance particulière dans le monde a un
fin, ortelos en grec, qui se traduit par « but ».
Thistelos, selon Aristote, est étroitement lié à la fonction. Pour qu'une chose atteigne
son objectif, il doit également remplir sa fonction.
L'homme, selon la vision d'Aristote de la réalité, est destiné à atteindre une vie de plénitude et de bonheur.
ou en grec, eudaimonia.
Le telos et la fonction d'une chose sont tous deux liés à l'identité d'une chose.

CLASSIFICATION MAJEURE DES ARTS

Arts Pratiques
également connu sous le nom d'arts appliqués
arts où des objets sont créés à des fins utiles
la question réside dans les avantages pratiques que l'on en tire
Poterie, fabrication de bijoux, artisanat, menuiserie, architecture

[Link] Arts
arts de la performance et arts visuels
arts principalement créés à des fins esthétiques ou intellectuelles
on ne peut regarder la valeur du produit de l'art en elle-même et pour elle-même
Exemples : peinture et littérature, musique, théâtre

Fonctions de l'art
[Link]
varié et très subjectif
les fonctions dépendent de la personne - l'artiste qui a créé l'art
L'artiste peut créer une œuvre d'art pour :
besoin d'auto-expression
-simple divertissement pour son public
[Link]

influence le comportement collectif des gens :

créé pour être vu ou utilisé principalement dans des situations publiques
exprime ou décrit des aspects collectifs de l'existence
par opposition à des types d'expérience individuels et personnels.

[Link]
Les fonctions physiques de l'art sont les plus faciles à repérer et à comprendre.
Les fonctions physiques de l'art peuvent être trouvées dans les œuvres d'art qui sont conçues pour servir
un but physique.
Autres Fonctions de l'Art

[Link]
- La musique sous sa forme originale était principalement fonctionnelle. La musique était utilisée pour la danse et la religion.
Contrairement à aujourd'hui, où l'on peut simplement écouter de la musique pour le plaisir de la musique, le monde ancien
a vu la musique uniquement comme un instrument pour faciliter le culte et l'invocation de 10 dieux.

[Link]
- Une autre forme d'art fonctionnel qui existe depuis longtemps pour diverses raisons. Tout comme la musique, à partir de
Dans les premiers temps de l'humanité, des sculptures ont été réalisées par l'homme, notamment pour la religion.

[Link]
- L'architecture pourrait être la forme d'art fonctionnelle la plus marquante. Les bâtiments sont énormes, coûteux,
et ne sont pas facilement construits et remplacés. C'est aussi dans l'architecture que l'on peut trouver l'intime
connexion de la fonction et de la forme. Lors de la planification d'une structure architecturale, il faut sérieusement
considérer les conditions naturelles telles que la topographie et le climat du lieu d'édification et le social
des conditions telles que l'objectif même du bâtiment.

Perspectives philosophiques de l'art

L'art en tant qu'imitation

Les choses dans le monde ne sont que des copies de l'original (Platon)
Ils font appel à l'émotion plutôt qu'à la faculté rationnelle des hommes
Ils imitent plutôt que de mener à la réalité

2. L'art comme représentation

L'art représente des versions possibles de la réalité (Aristote).
Cela sert deux objectifs :
L'art permet d'expérimenter le plaisir
L'art a la capacité d'être instructif et d'enseigner à son public des choses sur la vie

3. L'art comme jugement désintéressé

Kant, considéré le jugement de la beauté comme la pierre angulaire des arts (quelque chose qui peut être
universel malgré sa subjectivité).
Le jugement de la beauté et de l'art est intrinsèquement autonome par rapport à des intérêts spécifiques.
C'est la forme d'art qui est jugée par celui qui perçoit l'art comme beau ou plus encore,
sublime. Par conséquent, même le jugement esthétique pour Kant est une activité cognitive.
Leçon 4 : Sujet et Contenu
Sujet en Art
Cela fait référence au point visuel ou à l'image qui peut être extraite de l'examen du
œuvre d'art ; le "quoi".

Types de sujet
[Link]ésentationnel
Également appelé art figuratif, il représente des objets ou des événements du monde réel, généralement
facilement reconnaissable ou facile à déchiffrer.
B. Non-représentationnel
Également appelé art non figuratif, il représente des œuvres qui ne représentent rien de
le monde réel (figures, paysages, animaux, etc.) L'art non représentatif peut simplement
dépeindre des formes, des couleurs, des lignes, etc., mais peut aussi exprimer des choses qui ne sont pas visibles–
émotions ou sentiments par exemple.

Sources et Types de Sujet

[Link]
L'interaction humaine de l'artiste avec le monde physique. Ils ont exploré diverses manières de
représentant la nature.

2. Mythologie grecque et romaine

Les artistes, en revanche, ont donné des visages aux divinités grecques et romaines ou aux dieux et déesses.
dont les destins semblent aussi tragiques que ceux des hommes.

3. Monothéisme judéo-chrétien
Les Juifs et les chrétiens pratiquants représentent leur Dieu et d'autres figures bibliques importantes : à plat
les fondations visuelles dans l'inculcation de la foi. Cela fait écho à sa conviction que « l'art était central à la religiosité.
expérience.
4. Texte Védique
La signification de ces tableaux repose sur leur capacité à favoriser la dévotion et l'observance d'une
code de déontologie à travers les visualisations de récits héroïques. Ces peintures étaient de petite taille,
mais étaient très picturales, stylisées et employaient un bon contraste de couleurs.

5. Événements historiquement significatifs

L'histoire en tant que ressource pour les artistes à la recherche de sujets prend en considération des événements qui sont
familier et parfois même commun ou partagé dans le contexte mondial
Contenu dans l'art

La signification ou le message qui est exprimé ou communiqué par l'œuvre d'art

Erwin Panofsky - un historien de l'art juif allemand a développé l'analyse de contenu. Sens dans
Les Arts Visuels comprennent neuf essais, où Panofsky plaide en faveur de l'indépendance de l'iconologie
en tant que branche de l'histoire.

Niveaux de signification

1. Signification factuelle
Le niveau de signification le plus rudimentaire pour cela peut être extrait des éléments identifiables.
les formes dans l'œuvre d'art et comprendre comment celles-ci se rapportent les unes aux autres.

2. Signification conventionnelle
Concerne l'interprétation reconnue de l'œuvre d'art utilisant des motifs, des signes, des symboles,
et d'autres chiffres comme bases de son sens.
3. Sens subjectif
Ces significations découlent des circonstances des spectateurs ou du public qui interviennent.
lorsqu'on s'engage avec l'art.

Le sens peut ne pas être singulier, mais plutôt multiple et varié.