RENAISSANCE

La Renaissance est une époque de l'histoire de l'Europe qui couvre, en grandes lignes, le XIVe siècle -
XVI, pendant la période du début de la désagrégation du féodalisme et de l'émergence du capitalisme. Renaissance
cela a commencé en Italie, où les germes des relations capitalistes sont apparus pour la première fois, mais était un
phénomène général européen, qui s'est développé, plutôt tôt ou tard, au sein de l'ordre
féodale, connaissant des différences d'un pays à l'autre, en fonction de l'étape historique respective et de
la situation spécifique, de tradition, etc. La Renaissance a conduit à un changement des valeurs humaines – un élan
de l'énergie et de la confiance dans le potentiel humain - qui a eu de nombreuses conséquences. Parmi celles-ci
Les conséquences les plus spectaculaires incluent l'épanouissement des arts et une nouvelle vision du rôle.
des arts et des artistes dans la vie de la société.
La Renaissance a commencé en Italie, car c'était le pays le plus riche d'Europe et il était
la détentrice d'une longue tradition artistique. Elle avait de nombreuses villes indépendantes, florissantes
économique, peuplé de commerçants et de banquiers impatients de voir leur nom immortalisé dans
différentes portraits commandés, dans de nouveaux palais qui se construisaient ou dans les chapelles somptueuses des
familles.
En Italie, la Renaissance comprend les périodes suivantes : Prérenaissance ( XIVe siècle)
La Renaissance précoce (XVe siècle), La Renaissance complète (1500 – 1530), La Renaissance tardive
(fin du XVIe siècle) et a les principaux centres suivants : au XVe siècle de nombreuses
écoles locales à Florence, Sienne, Venise, Padoue, Urbino etc., et au XVIe siècle à Rome et
Venise.

Architecture

Dans l'architecture, les arts plastiques et décoratifs, le style de la Renaissance est apparu d'abord en Italie au siècle.
au XVe siècle. Dans la concrétisation des nouveaux idéaux humanistes, les arts visuels, qui se sont inspirés après
Le modèle des œuvres classiques gréco-romaines a joué un rôle déterminant. Le remplacement de la vision
fantastique du monde, correspondant aux conceptions médiévales, avec celle d'un univers organisé,
l'intelligibilité a déterminé la nouvelle structure des images artistiques et leur orientation vers le reflet
réalité objective et concrète, vers la représentation de l'espace réel. La connaissance artistique et celle
scientifique se mêlent dans l'activité de nombreux créateurs éminents (L.B. Alberti, Léonard da
Vinci, A. Dürer et al.). Tentrer de pénétrer les lois de la beauté (de structure, de proportions, de rythme, etc.)
Ils ont contribué au développement des sciences auxiliaires à l'art (perspective, optique, technologie des couleurs,
anatomie artistique, etc.). Dans l'appréciation des œuvres d'art, les principaux critères prenaient en compte
la clarté, l'équilibre et l'harmonie de l'ensemble. À l'époque de la Renaissance, le rôle de l'artiste a évolué de
cel de l'artisan médiéval (généralement anonyme) à celui du créateur qui signe l'œuvre.
L'architecture de la Renaissance se caractérise par le retour aux principes constructifs
romane, avec une dominance horizontale et des murs pleins. Au XVe siècle, on a adopté (par les renommés
architectes L.B. Alberti, F. Brunelleschi) éléments antiques, comme des arcs en demi-cercle, des colonnes, etc.
Au XVIe siècle, le thème du plan central avec élévation pyramidale s'est développé.
Bramante, Michel-Ange), achevant la composition rythmique des façades (ex. le palais Pitti de
Florenț a)
Alors que l'art gothique domine le nord de l'Europe jusqu'à la fin du XVIe siècle,
Les architectes italiens créent une nouvelle architecture. L'Italie n'a pas été submergée par l'influence gothique, et
la tradition antique s'est maintenue dans un état latent plus fortement que dans d'autres pays. C'est pourquoi, le passage de
la architecture médiévale à l'architecture de la Renaissance s'est faite en très peu de temps.
Un des plus grands architectes de la Renaissance précoce était Filippo Brunelleschi
(1377-1446). Il a étudié les monuments antiques qui ont influencé de nombreux architectes et gens de
science. Beaucoup des éléments de l'architecture classique (colonnes, dômes triangulaires, arcs
des dômes et des coupoles) ont commencé à être utilisés. Ces influences se sont fait sentir dans l'architecture
multor bâtiments et ils ont continué jusqu'à nos jours. La plus célèbre œuvre de lui
Brunelleschi est la coupole de l'église Santa Maria del Fiore, conçue en 1420, une grande
réalisation ingénierie, due en grande partie aux techniques romaines que l'artiste a étudiées.
Brunelleschi a établi le plan du palais Pitti, le plus grand bâtiment civil d'Italie après
cea du Vatican.
Il a été celui qui a énoncé, pour la première fois, les lois de la perspective – dessiner une scène
sur une surface plane, de sorte que le dessin semble avoir de la profondeur, par un éloignement progressif
de premier plan.
Une puissante influence sur l'architecture de la Renaissance a également été exercée par Vitruve, qui dans De
L'architecture stabilit les règles de l'architecture classique.
Les architectes de la Renaissance remplacent l'arc brisé des constructions gothiques par le semi-cercle sur lequel -
les place sur des colonnes, formant l'arcade qui, répétée, constitue le portique. Les architectes de la Renaissance ont
utilisé les éléments dorique, ionique et corinthien comme éléments contribuant à la création d'un nouveau style
préfèrent celui de Corinthe.
Dans l'architecture religieuse, j'utilise comme élément principal le dôme.
Le passage de l'architecture gothique à l'architecture de la Renaissance peut être suivi plus facilement dans
la cathédrale Santa Maria del Fiore à Florence, dont la construction a duré plus d'un siècle.
L'expression architecturale de la société féodale était le château, une forteresse destinée à défendre.
un point stratégique important. Au XIVe - XVe siècle, en plus du besoin de défense, commence à se manifester
l'inquiétude de confort. Les tours, les créneaux, les murs épais demeurent, mais le logement devient plus
lumineuse, plus spacieuse et plus confortable. Au XVe siècle, du petit château, le château se
transformer en logement confortable.
L'architecte le plus connu de cette période est Donato Bramante (1444 - 1514), qui
une nouvelle dimension, classique, des bâtiments symétriques, comme dans le cas du bâtiment Tempietto à Rome.
Bramante a conçu l'église Saint-Pierre qui devait avoir les chapelles disposées radialement et un
toit voûté. Dans l'histoire longue et compliquée de cette église, Michel-Ange a également été impliqué,
aux côtés de beaucoup d'autres.
Michel-Ange (1475 – 1564) a achevé, comme en sculpture, l'évolution de l'architecture de la Renaissance
et l'a orientée vers le baroque.
A construit la Chapelle des Médicis dans l'église San Lorenzo, se proposant d'unir
architecture, sculpture et peinture dans une construction dédiée à la gloire de la famille Medici.
Michel-Ange a été chargé de la systématisation du marché du Capitole, réalisant les croquis.
des trois palais monumentaux qui encadrent la place.
Il a terminé sa carrière d'architecte avec le projet du dôme de la basilique Saint-Pierre. L'architecture
lui Michelangelo reflète la tension qui se produit au milieu du XVIe siècle entre le style
classique, caractérisé par l'esprit d'ordre et de clarté, par des proportions harmonieuses, par
des formes géométriques régulières et par la grandeur de l'ensemble, et entre le style baroque, amateur de
contraste violents et d'effets pittoresques.

Sculpture

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 La sculpture et la peinture se détachent de l'architecture et, en plus de l'art monumental (la peinture
la peinture murale et les décorations sculpturales), se développe la peinture sur chevalet et la sculpture sur socle.
Le dessin est apprécié comme une œuvre autonome, et la gravure connaît une grande popularité.
répondant par la possibilité de multiplication, comme le texte imprimé dans les nouvelles typographies, aux besoins
le public nombreux des villes.
Au XIVe siècle, la sculpture et la peinture commencent à représenter de plus en plus fidèlement l'homme et
nature. Il s'approche de la nature en traitant les thèmes religieux de manière plus libre et plus précisément la réalité qui
le serva de modèle.
Les figures représentées commencent à devenir des portraits. La sculpture de la Renaissance revient à
les matériaux nobles de l'antiquité, au marbre à grain fin, qui avec le temps prend le ton chaud de
pielii, et au bronze qui permet le modelage délicat et les mouvements vifs.
L'Art de la Renaissance a créé de nouveaux genres : le buste - portrait, la médaille, la statue équestre. La sculpture
ils concentrent leur intérêt sur le visage et le regard pour exprimer l'essence de la personnalité. Le buste -
portreteste un hommage rendu à l'individu, les médailles ont servi à glorifier l'individu
révélant à travers le profil et la vue de face de la tête la physionomie du personnage, tandis que la statue
ecvestrăera l'hommage suprême rendu à la gloire d'un personnage illustre, d'un commandant d'armées.
Celles-ci étaient placées dans des places publiques sur des socles élevés, en hommage à l'admiration du public. Dans
Dans ce sens, les statues de Donatello et Verrocchio sont connues. Les œuvres de Donatello sont
incomparable par l'intensité de l'expression. Exprime les mouvements de l'âme par les gestes et les actions
du corps. Les figures sont macérées par une vie intérieure, consumées par des passions, expressives. L'œuvre
lui, y compris la célèbre sculpture en bronze David qui a marqué le début d'une nouvelle période de
Renaissance. La statue était la première œuvre de grande taille représentant un nu, debout.
Dans la sculpture, l'œuvre de Donatello résume l'évolution de l'art du XVe siècle, des statues qui
j'ai décoré l'église, le portrait laïc et le monument équestre (Ghiberti, Jacopo, della
Chêne, Verrocchio, Luca della Robbia, etc.
La sculpture a représenté l'art suprême pour Michel-Ange. Il a fusionné dans une forme
incontournable des deux tendances de la Renaissance : le culte de la beauté corporelle et le pathétique de la religion
chrétiens qui divinisent la souffrance.

Peinture

Parmi tous les arts de la Renaissance, la peinture est le plus moderne, car les artistes se sont exprimés dans
est plus direct et plus complet et parce que l'influence de l'antiquité a été moins importante que dans le domaine
architecture et sculpture.
Dans la peinture, les traits innovants de la création de Giotto di Bondone sont développés, à
Début du XVème siècle, dans la peinture murale de Mario Masaccio, qui a été le premier peintre.
qui a créé des images monumentales dans un esprit naturaliste, puis dans la seconde moitié du siècle, de
Mantegna, de Botticelli, et la peinture de chevalet est particulièrement illustrée à Venise. Au siècle de
Le seizième apogée de la peinture de la Renaissance est atteint dans les œuvres de Léonard de Vinci, Raphaël, Sanzio.
Michel-Ange Buonarroti dans les affaires des Vénitiens Georgione, Titien, Véronèse.
La plus grande partie du siècle, Florence a été dirigée par la famille de Médicis, une famille
de banquiers et de commerçants qui vivaient dans un style royal. Ils ont dépensé des richesses pour se glorifier
la ville et le nom de la famille. Aux côtés des autres, ils ont commandé aux peintres des œuvres avec d'innombrables
détails décoratifs, en couleurs éclatantes.
Le plus grand peintre, représentant de ce style, était Sandro Botticelli (1445 – 1510),
dont les contours fermes, les couleurs d'une palette très riche et les personnages distincts ont conféré
ses peintures ont une note particulière.

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 L'Adoration des Mages, chef-d'œuvre du peintre Botticelli, est un exemple de scène
religieuse, dans laquelle est présent aussi le patron de l'artiste, un Médicis fier, préoccupé par son propre
personne, en contraste évident avec la Madone et l'Enfant. Les œuvres les plus connues de lui
Botticelli, Primavera et La Naissance de Vénus sont des œuvres représentatives d'un autre idéal de
Renaissancе - la passion pour la mythologie classique et les idées philosophiques mystiques.
Parmi les peintres les plus connus de la première Renaissance et qui n'étaient pas florentins, on peut
Andrea Mantegna (1431 – 1506) et Piero della Francesca (1415 – 1492). Piero utilise
avec beaucoup de précision l'art de la perspective, comme par exemple dans l'œuvre La Flagellation. La perspective,
aux côtés de ses personnages qui dégagent beaucoup de calme, font que les œuvres de Picero aient une atmosphère distincte,
de l'éternité.
La période comprise entre les années 1500 et 1530 est connue dans l'histoire des arts sous le nom de Renaissance
tardive. Les générations d'artistes ayant atteint leur maturité artistique ont perfectionné leur art d'utilisation
perspective, "chiaroscuro" (clair-obscur) et même d'autres techniques dans le but de convaincre
les spectateurs sur le réalisme des personnages et des scènes.
Au cours de la fin de la Renaissance, il y avait trois grands artistes, considérés comme des génies.
Aux contemporains, des artistes comme Léonard de Vinci, Michel-Ange ou Raphaël leur semblaient
«superartistes». C'est également à cette époque qu'est apparue la conviction que l'artiste est une personne
exceptionnelle, plutôt qu'un simple artisan, qui remplit un contrat.
Leonard de Vinci (1452 – 1520) était toujours plus âgé que les deux autres. Un individu étrange,
multi-talented, he left posterity with only a few paintings (Mona Lisa, The Last Supper,
La Vierge avec l'enfant, Saint Jean-Baptiste, Bacchus) et a passé un certain temps à Rome
relativement courte de temps. Cependant, Madone parmi les rochers et la Mona Lisa sont des représentations
superbe idole du classicisme – semblable à la vie, mais pourtant mystérieux.
Tout comme Léonard, Michel-Ange Buonarroti (1475 – 1564) était florentin. Il était sculpteur.
et un peintre de génie qui a passé quatre ans de sa vie à peindre le plafond de la Chapelle Sixtine, un chef-d'œuvre
représentant des scènes bibliques, commençant par la Création.
Rafael (1483 – 1520) était le plus pur des classiques, créant de véritables chefs-d'œuvre de
sérénité et harmonie même lorsque cela représentait des actions pleines de vigueur. Ses peintures qui
o ilustrează pe Madona (Madona de la Viena, Madona cu mielul) umană şi graţioasă, au pus
la base d'un nouveau style en peinture, qui a duré des siècles entiers. Parmi les œuvres les plus remarquables
Les fresques peintes pour la Stanza, les appartements du Pape au Vatican, sont de véritables chefs-d'œuvre.
la plus célèbre est la fresque de l'École d'Athènes qui représente le couronnement du classicisme
de la période de la Renaissance tardive.
Pour le grand public, Rafael est le peintre des madones. L'expression : Belle comme une Madone
de Rafaeldevenit proverbiale et passe encore aujourd'hui comme un éloge suprême de la beauté et de la grâce
féminin.
Un phénomène d'ordre social qui se développe à cette époque est la formation d'une
clientèle particulière, qui achète des tableaux pour les avoir chez soi et non pour décorer un
capelle : il s'agit de la constitution de collections privées de tableaux. Maintenant, l'artiste ne...
travaillait à la commande, il pouvait s'adresser au public, c'est-à-dire au marché, et plus ses tableaux trouvaient plus
de nombreux amateurs, leur valeur augmentait et, avec elle, le prestige, la richesse et l'indépendance
de l'artiste.

Musique

Dans la musique, la Renaissance commence au XIVe siècle et se prolonge jusqu'à la fin du siècle.
au XVIe siècle. L'influence de la Renaissance se manifeste pour la première fois en Italie, dans "Ars nova".
Florentina, dans laquelle le style polyphonique devient caractéristique même pour les œuvres profanes, et la musique,

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libérée des canons ecclésiastiques, elle devient l'expression des sentiments humains. À l'époque de la Renaissance
après les premières suites et sonates instrumentales. La fin de la Renaissance connaît l'apparition du genre innovant.
à l'opéra, et dans le domaine de la musique chorale, la cantate et l'oratorio.
Dans de nombreux genres de la création musicale savante (les louanges, les frottole, les villanelles, les chants de
rit protestant, la musique instrumentale dans son ensemble apparaît comme principe directeur mélodique
populaire.
La plus haute réalisation de l'art musical-dramatique humaniste était l'opéra. L'apparition
cette dernière a été préparée simultanément dans des pays différents (Italie, France, Espagne, Angleterre, Pologne)
Cependant, le rôle décisif a été joué par la culture artistique de l'Italie.
Madrigal italien, puis celui anglais et allemand et les genres de chansons de différentes
Les pays ont brillamment reflété l'attention - caractéristique de l'art humaniste de la Renaissance - envers
le monde intérieur de l'homme, jusqu'alors totalement suffoqué sous le poids de l'église et
féodalisme.
Une grande réalisation de la culture musicale avancée de la Renaissance, après l'œuvre, a été
le développement de la musique instrumentale, en s'appuyant sur les nouvelles variétés d'instruments à cordes frottées,
Qui avait la possibilité de jouer (violon, lyre avec archet, mais surtout violon), et d'un autre côté,
l'élargissement considérable des moyens d'expression des instruments à clavier (orgue,
clavecin), en ce qui concerne les successions harmoniques des accords. À l'époque de la Renaissance, on
perfectionne rapidement la shilăuta – l'un des instruments les plus répandus dans la musique amateur
et dans l'activité concertante.
La Renaissance en musique représente une résurrection des anciennes valeurs, touchant l'auditeur à la fois
moral et spirituel.
La musique et la composition ont pris une nouvelle vitalité envoûtante. Selon les humanistes
(érudits de la Renaissance étudiant les anciennes cultures de la Grèce et de Rome) la composition de la musique a
c'était une chose bonne et morale, et être capable de bien chanter vocalement et à un instrument était une chose
essentiel si vous vouliez être considéré comme un enfant de la Renaissance. Les nobles engageaient des musiciens pour leur
Apprenez aux enfants à chanter et à entretenir les voisins de rang. Le XVIe siècle a connu le développement.
multor instruments nouveaux. Les instruments à cordes ont été préférés, en particulier ceux de la famille
la viole était précurseur du violon. La viola était légèrement connue à cause des ornements qui
ils ont aidé à guider les doigts dans la recherche des notes. On jouait du violon lors des réunions de famille.
La luth, un autre instrument favori, avait des ornements et était populaire pour l'accompagnement.
de voix - dans la même mesure que le fait la guitare aujourd'hui.
La flûte, le flûtiste et le cor étaient aussi des préférés.
Le clavecin et l'orgue sont apparus comme des instruments efficaces et des partitions musicales étaient écrites.
élaborer spécial pour ces outils.
L'instrument à cordes le plus important avec un archet - le violon - est apparu dans les cercles
l'humaniste apparaît à la fin du XVIe siècle.
Vers la fin du XVIe siècle, en Italie, la production de violons commence à se développer.
les maîtres crémonais constructeurs de ces instruments – Amati, Stradivarius, et d'autres – atteignant
qu'ils soient connus au-delà des frontières de leur pays.
La technologie d'impression des partitions a également pris un tournant ascendant, les rouleaux de
Les caractères en bois utilisés pour l'impression de la musique ont été remplacés par un type de métal mobile.
inventé par Ottavio Perucci, un typographe italien. La nouvelle méthode d'impression a conduit à une augmentation
dans la publication de la musique, rendant la musique beaucoup plus accessible au grand public implicit à un
croissance de l'audience.
Les nouveaux instruments, l'amélioration des méthodes d'impression et un meilleur accès à
La musique a toutes contribué au développement d'un autre genre de musique, que l'on appelle la musique de chambre.
créée pour être présentée devant un petit auditorium. La musique était présentée par quelques

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musiciens aux tonalités particulières de la voix, l'art du chant vocal commençant à prendre de l'ampleur par rapport à
cea a cântatului la instrumente. De asemenea se credea că cel mai bun mod de a „mişca”
L'auditorium devait rassembler l'art de la musique et la poésie. Ainsi, deux nouveaux genres se sont développés.
des morceaux musicaux qui satisfaisaient cette exigence : la chanson française et le madrigal italien.
La chanson et le madrigal étaient composés pour plusieurs voix, et les paroles variaient de
histoires sentimentales d'amour avec des descriptions prosaïques de la vie à la campagne. Les madrigaux du siècle
Au XVIe siècle, elles étaient dans la plupart des cas écrites à deux voix, lorsque le rythme et le texte étaient identiques.
pour toutes les voix, atteignant finalement cinq voix, lorsqu'on remarque la division des voix en
groupes, utilisant les timbres de voix et leurs registres. Représentants éminents de ceux-ci
Les étapes de l'évolution du madrigal ont été : Andrea Gabrieli, Palestrina et plus tard Claudio.
Monteverdi, jusqu'à l'âge de 40 ans, a principalement écrit des madigaux.
Dar, o fois avec l'installation au pouvoir de la riche famille Médicis apparaît un nouveau genre - celui de
canciones de Carnaval -. Inicialmente, se interpretaban en tres voces, y en su base había canciones
connues et faciles à mémoriser, répandues auprès du peuple, ayant pour sujet la vie des artisans et de
altor couvertures démocratiques de la population urbaine. Elles étaient chantées sous le ciel ouvert lors des festivités
de routes improvisées.
La plus grande musique de tous les temps a été composée pour l'église. Les chorales
Ils étaient petits, environ 20 à 30 personnes, les voix crescendo étaient introduites par des instruments.
comme l'écorne et le trombone, mais l'Église romaine considère que la musique doit être simple et
facile à comprendre en faveur de la musique religieuse de Palestrina, avec un texte court et intelligible. Néanmoins, plus
Tardivement, Palestrina préfère écrire de longues et riches partitions qui restituent les qualités du chœur.
Giovanni Pierluigi da Palestrina est né en 1525 à quelques kilomètres
de Rome, dans la petite ville de Palestrina (le nom de Palestrina n'est qu'un surnom
compositeur, à l'époque, les artistes de renom étaient souvent appelés d'après la ville
dans laquelle ils étaient nés). En 1537, à l'âge de 12 ans, il figurait parmi les chanteurs
uneia des églises roumaines. En 1551, il dirigeait le chœur de la cathédrale St.
Petrudin Roma. Cette avance rapide de Palestrina s'explique peut-être,
en raison du fait que le nouveau pape - Jules III - avait été, avant sa nomination, cardinal
la Palestrina devait probablement connaître Giovanni déjà à l'époque comme un
musicien remarquable. En 1555, Palestrina est devenu chanteur de la Chapelle Sixtine, mais pas pour
longtemps, car il a été licencié parce qu'il était marié, ce qui n'était pas admis comme un
le cantor papal devrait être marié.
Alungé de la chapelle papale, Palestrina est engagé à diriger l'activité musicale dans d'autres
églises de Rome, et de 1571 jusqu'en 1594, l'année de sa mort, il a à nouveau dirigé le chœur
cathédrale St. Pierre.
L'héritage artistique de Palestrina est composé exclusivement d'œuvres vocales polyphoniques.
plusieurs dizaines de messes, des centaines de motets, des madrigaux religieux et laïques, exécutés a cappella,
c'est-à-dire un chœur sans accompagnement d'orgue ou d'un autre instrument de musique.

Stănescu Laura
Classe de IXe F

Bibliographie :
Histoire de la musique universelle, R.I. Gruber
La Renaissance et la Réforme, Andrei Oţelea – 1964
Dictionnaire encyclopédique roumain, 1966
Revue Arbre du monde

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