Sound design : pourquoi vous devez absolument l’ajouter à vos vidéos !

Par
Axelle
15/5/2024
Le sound design est une étape qui s’ajoute à votre processus de création vidéo.
C’est un indispensable pour rendre vos contenus dynamiques et immersifs. Dans
cet article, nous vous expliquons en quoi consiste réellement le sound design et
pourquoi vous devez absolument l’ajouter dans vos productions vidéos.
C’est quoi le sound design ?
Le sound design est une étape de post-production vidéo, réalisée par
un ingénieur son. Il s’agit de l’ensemble des bruitages, sons d’ambiance,
musique et effets sonores qu’on ajoute à un contenu vidéo. L’objectif ? Créer une
ambiance sonore en adéquation avec les messages de la vidéo, comme dans
l’exemple ci-dessous.
Le sound designer réalise également un mixage entre la voix, la musique et
les effets sonores pour harmoniser le tout, accentuer des passages et s'adapter
aux nouvelles technologies et manières de consommer du contenu pour que le
message soit compris sur tous types de supports.
Cette étape a lieu en fin de post-production, après l’animation (dans le cadre
d’un motion design) ou après le montage (en cas d’un projet filmé).
Enfin, selon le budget alloué à ce poste, on peut soit sélectionner des effets
sonores et musiques dans une banque de données ou les créer sur-mesure.
5 raisons d’intégrer le sound design à sa production vidéo
Si vous vous intéressez à la vidéo, vous avez sûrement déjà entendu que le son
est tout aussi important que l’image, voire plus !
L’idéal pour se rendre compte de l’impact du sound design sur une vidéo, c’est
un exemple concret ! Découvrez ci-dessous un aperçu vidéo
d’une réalisation TopoVideo avec et sans sound design.
1. Comme vous avez pu le constater, l’expérience avec et sans ambiance
sonore est totalement différente. Le sound design permet de monter en
gamme, de renforcer la qualité de la production.
2. Le travail du son rythme et dicte l’attention sur les points clés de la
vidéo. Il permet d’appuyer des éléments visuels ou des messages qui ne
ressortiraient pas autant sans l’ambiance sonore. La perception du
message est ainsi facilitée.
3. Comme au cinéma, l’habillage sonore apporte du dynamisme à la vidéo.
Un film d’action sera beaucoup plus percutant avec une ambiance sonore,
tout comme un thriller maintiendra l’audience en haleine grâce à des
musiques à suspense. C’est la même chose pour les vidéos explicatives !
 Le sound design ajoute du rythme et donc, maintient l’attention de votre
audience. Il fait également appel aux émotions et rend le visionnage
beaucoup plus immersif.
4. Les effets sonores permettent de combler les temps de pause et de
respiration dans une voix-off, permettant à l'audience de ne pas décrocher.
Tout au long du visionnage, l’audience est davantage concentrée. Vous
aurez plus de chance de transmettre efficacement votre message. Et
une meilleure concentration implique une meilleure mémorisation !
5. Enfin, l’enveloppe de prix dédiée à cette étape est minime, comparé à
l’investissement engagé dans un projet vidéo. Et pourtant, ce petit plus
fait totalement la différence en termes de rendu.
Où intégrer du sound design ?
Il s’applique à tous types de vidéos, et ce, à plusieurs moments :
Intégrez-le à l’animation de votre logo. La signature auditive est tout aussi
importante que votre signature visuelle. Par exemple, Netflix serait-il vraiment
Netflix sans son fameux “Tu-Dum !” ?
Une ambiance sonore peut également être créée au niveau de toutes les
transitions de votre vidéo. C’est un moyen de créer une coupure dans le discours
d’une vidéo filmée et de relancer l’attention.
Enfin, l’apparition d’éléments à l’écran ou l’animation de formes, personnages,
scènes peuvent être renforcés par des bruitages. On parle de “swoosh”, de
“bop”, de “wizz”... Attention toutefois à les utiliser avec parcimonie. On ne veut
pas noyer l’audience dans un brouhaha de bruitages en tout genre. Il faut
déterminer les bons éléments et les bons moments où les bruitages sont
nécessaires.
En résumé, le sound design dynamise les visuels, les transitions et les éléments
importants du message que vous souhaitez transmettre.
Le sound design pour les vidéos d'astuces sert à rendre le contenu plus
engageant et mémorable en utilisant des effets sonores, de la musique et des
ambiances pour guider le spectateur, compléter les instructions visuelles et
combler les pauses, ce qui améliore la concentration et la compréhension du
message. Il est constitué de trois éléments principaux : la musique, les effets
sonores et les voix, qui travaillent ensemble pour créer une expérience
immersive et efficace pour l'audience.
Pourquoi utiliser le sound design pour les vidéos d'astuces ?
 Améliorer la concentration: Les éléments sonores, comme les effets
sonores, aident à maintenir l'attention du spectateur, l'empêchant de
décrocher pendant les pauses ou entre deux instructions.
 Renforcer le message: Un bon design sonore peut accentuer ou créer
des idées et des messages, facilitant la transmission efficace de
l'information contenue dans l'astuce.
 Faciliter la mémorisation: Une meilleure concentration grâce au sound
design se traduit par une meilleure mémorisation des informations
présentées, ce qui est crucial pour des vidéos d'astuces.
 Créer une ambiance: La musique et les ambiances peuvent créer une
atmosphère cohérente et agréable, rendant l'expérience de visionnage
plus immersive et plaisante.
 Synchroniser son et image: Le sound design synchronise les sons avec
les éléments visuels, renforçant la narration et rendant les actions plus
claires.
Comment intégrer le sound design ?
 Ajouter des effets sonores: Utilisez des sons pour souligner les actions
importantes, les changements d'écran, ou les clics sur un bouton pour
rendre les étapes plus concrètes.
 Utiliser de la musique: Une musique de fond appropriée peut définir le
ton de la vidéo (par exemple, dynamique pour un tuto rapide, plus douce
pour une astuce complexe).
 Soigner les voix: Assurez-vous que la voix-off est claire et bien mixée
avec les autres éléments sonores.
 Créer des paysages sonores: Des sons d'ambiance peuvent remplir
l'espace sonore, créant une dimension plus riche et immersive, même pour
un contenu explicatif.
25 sound design tips and tricks you should start using today
Sound design helps immerse audiences in your content. Learn the 25 tips, tricks,
and techniques that'll improve your sound design.

Epidemic Sound
Feb 13, 2024 • 10 min read

Sound design takes movies, TV shows, video games, music, and more to the
next level — it creates a world that's fully realized and believable.
But what are the core sound design tips, tricks, and sure-fire techniques you
should know? Let's look at 25 fundamental dos and don'ts in this sound design
101.
We'll cover:
1. Know your gear
2. Organize your plugins
3. Record everything, delete nothing
4. …but don't be afraid to remove effects
5. Save effect chains
6. Get inventive with your EQ
7. Use noise
8. Presets are your friend
9. Try the Haas Effect
[Link] distortion
[Link] up layers
[Link] transient sounds
[Link] time-stretching
[Link]'t overuse bass
[Link] vocoder on non-vocal sounds
[Link] your work
[Link] convolution
[Link] sidechaining
[Link] the silence
[Link]'t be afraid of inspiration
[Link] panning
[Link] patch cloning
[Link] send and return tracks
[Link] to play an instrument
[Link] yourself and plan sessions
Our top 25 sound design tips and tricks
Whether you're a freelancer or a full-timer at a creative studio, it can't hurt to
brush up on sound design. So, start up your digital audio workstation, strap
your headphones on, and get busy reading our top 25 sound design tips and
tricks.
1. Know your gear
We're starting with the most obvious point, and hopefully it doesn't sound like
we're teaching you to suck eggs: read the manual, read it again, and read it a
third time for the heck of it. Research your gear. Test it before you use it for a
commissioned project. Do anything and everything you can to prepare before
using your software and hardware — once you know the rules, you'll have the
freedom to break them.
2. Organize your plugins
It's tempting to drag and drop plugins like you're picking apples from a tree, but
the order in which they're placed impacts the following effect. For example,
a compression plugin will sound different depending on what comes before and
afterward.
Plan the order of your plugins, or if you've time to spare, throw them onto the
project timeline and start playing around. As long as you understand how each
plugin affects the others around it, you should be fine.
3. Record everything, delete nothing
Blend your own sounds with preset effects from a catalog. Record
a voiceover and pile on the wackiest filters you can think of. Mix to your heart's
content and don't be worried about making mistakes, except for that massive,
flashing, bright red one: don't delete your work.
Regardless of whether you've spent ten minutes or ten hours working on
something, there'll be something salvageable there. Label everything correctly,
save it in an appropriate location, and keep it for a rainy day. Mistakes are
valuable, and you might even be able to repackage some old, previously
unworkable pieces later down the line.
4. …but don't be afraid to remove effects
Sometimes, less is more. Sound design can get messy, and there's such a thing
as one effect too many. If your sounds and textures have congealed into
something resembling a sonic soup, there's no harm in taking things away —
stripping everything back can help you see where you went wrong and how to fix
it.
5. Save effect chains
Once you've nailed a sound, remember to save the effect chain you created to
get there. Even if you rarely use the sound in question, it's handy to have it
available at the click of a button. Not only is this a massive time-saver, it'll help
you build your own catalog of custom sound design tricks.
6. Get inventive with your EQ
Your editing software's EQ settings are there to be experimented with — no
need to be shy! Different frequencies will alter the final product, so get stuck in
there and start twiddling some knobs.
7. Use noise
You'll be used to smoothing over white noise and dead air, but there's room for it
to be used in your favor. Pair noise with high-pass filters to create off-kilter
whizzes, squeaks, and other effects.
8. Presets are your friend
Sometimes, you can't perfect your sound design manually. There's no shame in
that, and you might be able to solve your problems with a good ol' preset. Then,
once you've gotten going, you can adjust said preset to blend in with the rest of
your sound design.
9. Try the Haas Effect
The Haas Effect pans two identical mono tracks to the far left and far right of a
stereo track, playing one at a tiny delay — between 10ms and 30ms — behind
the other. This 'tricks' viewers' ears into hearing the two tracks as one, resulting
in a thicker sound. The Haas Effect is perfect for mixing additional elements into
your sound design palette without muddying it up.
10. Use distortion
Don't be afraid to ramp up the saturation or overdrive — try out different levels
and see what happens when you rough up certain sounds. If you want to go the
whole hog, you can even try bitcrushing segments, creating some high-frequency
chaos you can't achieve with regular EQ.
11. Build up layers
If you're looking to sculpt a unique sound, you can always layer several effects on
top of each other. For example, there's no 'real' sound for extraterrestrial beasts,
and it'd sound strange if you just used something like a pig sample. Resample,
rerecord, rinse, and repeat until you've got something you're happy with.
Need sound effects for your project? Don't sweat it. Check out our catalog of
more than 200,000 unique sound effects and variations below.

12. Add transient sounds

If some of your sounds need a bit more bite, try layering the transient of a
harsher sound — a thud on a table, a kick drum, a thwack against a punching bag
— into a sampler, then play it on top of the sound you want to roughen up.
13. Try time-stretching
You've probably used time-stretching to match a sound against on-screen action,
but what if you took it further? What if you stretched a transient sound to the
point where it becomes something completely different — a thunderclap morphed
into a groaning dragon?
14. Don't overuse bass
Bass is addictive — it lends your sound design a full, rich weightiness which you
might not have achieved originally. Be careful, though. Too much bass can make
your mix seem repetitive and overbearing.
15. Use vocoder on non-vocal sounds
Sure, vocoders are designed for vocals. But who's to say you can't apply them to
different sounds — what about a laser going 'pkew,' a gust of wind, a car's
rattling suspension, or something else entirely? Think outside the box and see
what works.
16. Reverse your work
Reversing sounds isn't exclusively for subliminal messages on old heavy metal
records. Rather, it's a simple technique that can quite literally flip your audio
around — tease out new cadences and see if a flipped track can create
something new.
Reversing drumbeats gives a snare hit fresh purpose, while reversed reverb can
be used to transition or 'lead in' another sound. If you want to hear what elite-tier
reversed reverb sounds like, check out the intro to Depeche Mode's Personal
Jesus.
17. Try convolution
Convolution is a technique that applies the sonic traits of one track to another —
it can make for some unique, thought-provoking results. It's often paired with
reverb, but you can throw it onto other effects and tracks, too.
18. Employ sidechaining
Sidechains are the chef's kiss on any sound design project with a ton of
ingredients. In a nutshell, it focuses on one effect, setting it as a 'rule' to trigger
another effect whenever a certain audio level is reached. You've probably heard it
used by radio DJs and pretty much every EDM artist around.
While sidechaining is often associated with compression on kick and snare hits,
that's not the only thing it's good for. Take Logic's ES2 synth, which lets you
sidechain filters and other effects — it's like your own little audio butler.
19. Enjoy the silence
Even Michael Bay movies are quiet sometimes. Albeit, not very often, but the
point stands: not every second of your mix needs to be packed with effects and
noise. Think about how to use silence to build suspense or underline a certain
effect, musical sting, or line of dialogue.
Not every track has to cut in and out — they can fall to a pin-drop volume, morph
into something else, judder and hang on a certain note, pulse across your mix
every few moments. Silence can be just as powerful as its counterpoint!
20. Don't be afraid of inspiration
You can spend hours rifling through thousands of presets and plugins, and still
come up short. If you're struggling to find exactly what you want, don't be afraid
to go back to the well for inspiration — search for similar sounds across TV, film,
and other mediums. You'll be surprised by how many lightbulb moments come
from your 97th Game Of Thrones rewatch.
21. Try panning
Panning is excruciating. It takes ages. It can often be dull work. But is it worth
doing? Absolutely. Any high-budget production worth its salt will use panning —
it's what separates the pros from the rest.
Panning audio embeds the audience in the world of your content, making it
feel real. Yep, it's tedious to organize, but once you've nailed it in the mix,
panning will give your sound design that unmistakable, professional sheen.
22. Use patch cloning
If you want to get a feel for a new plugin, try patch cloning. Open the plugin in
two instances, initializing one while loading a preferred preset into the other.
From there, slowly match all the parameters of the first plugin with the second,
patched one.
As you do this, you should note how each change affects the patch, and by how
much. This is a slow process of trial and error, but it'll give you a well-rounded
view of your patches' parameters.
23. Auxiliary send and return tracks
Auxiliary sends and returns create audio paths separate from the central mix,
allowing you to route them to external processing devices. Here, you can EQ and
process the specific sounds, lending them a well-rounded, 3D quality.
Afterward, you'd send the processed audio back to the main mix, giving you more
control over individual aspects of your sound design.
24. Learn to play an instrument
You don't have to play like Prince or write like Mozart, but a little musical theory
goes a long way. Understanding chord structures, scales, and the potential of
specific instruments will help you unlock new sounds. You can still be a great
sound designer without this, but the more you know, the more doors you can
open.
25. Pace yourself and plan sessions
Some people can multitask. Others can't. Whichever method floats your boat,
we'd recommend dedicating chunks of time exclusively to sound design sessions.
Set up slots to achieve certain goals or try new things — play around with a new
preset, solve a problem that's been bugging you all week — and make sound
design a constant, diarized part of your schedule.
After all, it can be a grueling, time-consuming process. If you're hopping in and
out of sound design on top of other studio or on-site responsibilities, it can be
hard to find focus time. Set goals, hit them, then move on to your other
responsibilities.
So, with those 25 sound design tips, tricks, and techniques in mind, it's time to
apply that knowledge to your next project.
And if you need a varied, high-quality catalog of sound effects to support your
work, we've got you covered. Whether you're working as a freelancer or part of a
wider creative team, you'll find what you need with Epidemic Sound: more than
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Our catalog is high-quality, affordable, and safe. An Epidemic Sound subscription
goes beyond royalty-free music, removing the headache of licensing and
freeing you up to do what you do best. You can enjoy the safety of our license
hand-in-hand with our massive catalog, covering just about every genre you can
think of. You’ll also gain unlimited access to our advanced search functions —
finding the right sound’s never been easier.
It’s better than royalty-free. It’s worry-free. Get started with Epidemic Sound
below.
10 techniques et conseils professionnels pour les techniques de
conception sonore
Par
Tyler Connaghan
14 novembre 2023

Dans sa forme la plus simple, l'objectif de la conception sonore est de sculpter le

son de manière à réaliser une vision créative spécifique. Qu'il s'agisse d'évoquer
l'ambiance sinistre d'une maison hantée pour un film d'horreur ou de créer un
synthétiseur pulsant pour une piste EDM dynamique, la conception sonore
s'étend à tous les supports, de la musique au cinéma en passant par les jeux
vidéo et bien d'autres encore.
Les concepteurs sonores sont en quelque sorte des alchimistes du son : ils
partent de l'idée de ce que pourrait être un son et utilisent les outils appropriés
pour lui donner vie.
Imaginez une scène dans le dernier film de science-fiction où une créature
extraterrestre prend sa première respiration. Il s'agirait probablement d'une
expiration d'un autre monde qui vous ferait frissonner dans la salle de cinéma. Ce
son à la fois obsédant et magnifique n'aurait pas existé si le concepteur sonore
ne lui avait pas donné vie.
Aujourd'hui, nous allons nous pencher sur les subtilités de la conception sonore et
explorer dix techniques et astuces professionnelles qui peuvent vous aider à tirer
le meilleur parti des sons que vous créez.
L'histoire de la création sonore
L'évolution de la conception sonore est étroitement liée à l'évolution des médias
et de la technologie. Les premiers exemples de conception sonore sont apparus il
y a des milliers d'années. Les Grecs et les Romains construisaient des dispositifs
mécaniques uniques pour intégrer des effets sonores à leurs spectacles, tels que
les machines à vent, constituées de roues rotatives drapées de tissu, et les
machines à tonnerre, qui consistaient en des boules de cuivre déposées sur des
peaux de vache tendues.
Cependant, au début du 20e siècle, lorsque les ingénieurs ont enfin eu la
possibilité de synchroniser le son dans les films et à la radio, ils ont commencé à
créer des effets sonores en direct pendant les projections de films et les
émissions de radio à l'aide de divers dispositifs mécaniques.
"Le chanteur de jazz (1927), premier film parlant, a joué un rôle important dans la
popularisation du son synchronisé au cinéma.
Dans les années 1930, les concepteurs sonores ont commencé à utiliser des sons
enregistrés pour des effets spécifiques dans les films et à la radio afin de rendre
les médias plus crédibles. Jack Foley, pionnier des effets sonores, a mis au point
la technique de création et de synchronisation des effets sonores en temps réel
avec l'action à l'écran.
C'est ainsi qu'est né le terme "Foley", ou processus d'ajout d'effets sonores
personnalisés dans les films.
Des années 1940 aux années 1970, la technologie a évolué rapidement, donnant
aux concepteurs sonores un plus grand contrôle créatif. La bande magnétique a
été un élément révolutionnaire de la conception sonore, car elle a permis de
modifier et de manipuler les sons enregistrés.

Cette forme d'art a été baptisée "musique concrète".

Grâce à des pionniers comme Pierre Schaeffer et Robert Moog, les synthétiseurs
n'allaient pas tarder à arriver sur le marché, nous permettant de créer des
paysages sonores pour le cinéma et la télévision comme jamais auparavant.
Bien sûr, ce qui a vraiment tout changé pour le producteur moderne
d'aujourd'hui, c'est l'avènement de la technologie numérique dans les années
1980. Avec une combinaison de stations de travail audio numériques,
d'échantillonneurs et de synthétiseurs, le ciel est devenu la limite de l'intégration
de la conception sonore.
Que fait un concepteur sonore ?
Les concepteurs sonores sculptent, éditent, créent et manipulent le son pour
diverses formes de médias, notamment la musique, le cinéma, la télévision, les
jeux et les applications UX. Selon le type de projet sur lequel il travaille, l'étendue
de son travail peut varier. Examinons quelques exemples de rôles qu'un
concepteur sonore peut jouer.
Conception sonore en musique
Dans le domaine de la production musicale, le rôle des concepteurs sonores peut
varier considérablement.
Ils naviguent souvent dans le monde extrêmement complexe des instruments
(réels ou virtuels), des enregistrements sur le terrain, des processeurs d'effets et
des logiciels d'enregistrement pour composer, créer et manipuler le son de leurs
morceaux.
Par exemple, un concepteur sonore peut vouloir créer un son de synthétiseur
unique dans son DAW pour servir d'élément mélodique principal dans son dernier
morceau de deep house. Il peut utiliser un synthé comme le Serum de Xfer
Records pour créer une piste unique avec une combinaison de tables d'ondes et
d'effets, ou utiliser une collection d'échantillons enregistrés sur mesure et passés
par un moteur d'effets granulaires pour créer quelque chose de plus organique.
Flying Lotus (Steve Ellison) est un excellent exemple de producteur qui utilise le
design sonore pour sa musique qui défie les genres.
"Cosmogramma" est l'un de mes albums électroniques préférés du 21e siècle, car
il mélange des éléments de jazz, de hip-hop et de musique électronique. Pendant
l'enregistrement de l'album, la mère d'Ellison est tombée gravement malade.
Pendant qu'elle était à l'hôpital, il a décidé d'apporter un ensemble de
microphones et un appareil d'enregistrement dans la chambre de sa mère pour
enregistrer des échantillons audio à partir des moniteurs de signes vitaux et des
respirateurs, qu'il allait utiliser pour la dernière piste de l'album, "Galaxy in
Janaki".
Bien qu'il s'agisse certainement d'un acte non conventionnel (et potentiellement
étrange), il a noté qu'il ne voulait pas "oublier l'espace" alors qu'il pleurait la mort
de sa mère. Ces sons sont devenus une partie importante de ce morceau.
Conception sonore dans les productions cinématographiques et
télévisuelles

Au cinéma et à la télévision, les concepteurs sonores jouent un rôle essentiel

dans l'amélioration des récits visuels.
Qu'il s'agisse du grincement d'une porte qui renforce le suspense dans un film
d'horreur ou du grondement lointain du tonnerre qui donne le ton d'une tempête
imminente, les concepteurs sonores professionnels créent et conservent
soigneusement les sons pour les synchroniser avec les images à l'écran.
Le film à succès "Jurassic Park", sorti en 1993, en est un bon exemple : le
concepteur sonore Gary Rydstrom a donné vie à ces créatures préhistoriques en
créant des rugissements de dinosaures réalistes. Selon Rydstrom, le rugissement
emblématique du T-Rex était un assemblage de divers sons d'animaux,
notamment le grognement d'un tigre, le couinement d'un éléphanteau et le
gargouillis d'un alligator.
Conception sonore dans les jeux vidéo
Dans l'industrie du jeu vidéo, les concepteurs sonores doivent construire des
mondes entiers à partir de zéro pour offrir aux joueurs des expériences auditives
immersives.
De l'écho des pas aux grondements explosifs d'un canon de navire du XVIIIe
siècle tirant au loin, chaque son est un élément constitutif.
Prenons l'exemple du jeu post-apocalyptique "The Last of Us", qui utilise les
échos subtils de la faune lointaine et l'ambiance obsédante des villes
abandonnées pour créer une atmosphère terrifiante. Bien sûr, ceux qui ont joué
au jeu savent que même ces effets sonores ne font pas le poids face au thème de
guitare de Gustavo Santaolalla qui donne la chair de poule.
Conception sonore de l'expérience utilisateur (UX)
Les concepteurs sonores travaillent également avec les développeurs de produits
pour créer des sons destinés à l'interface utilisateur et à d'autres applications du
monde réel.
Le petit bruit que vous entendez sur votre smartphone lorsque vous envoyez un
courriel est l'œuvre d'un concepteur sonore. Il en va de même pour les
environnements physiques, tels que les ascenseurs, où vous entendez un petit
carillon pour indiquer que vous êtes arrivé à un étage ou qu'il est temps pour les
nouveaux passagers d'entrer.
Conception sonore au théâtre
Enfin, et ce n'est pas le moins important, nous voyons la conception sonore dans
les représentations théâtrales en direct. Comme je l'ai mentionné précédemment,
les effets sonores sur scène existent depuis des milliers d' années, mais grâce à
une technologie plus performante que jamais, les concepteurs de sons en direct
disposent d'une souplesse bien supérieure à celle des Grecs et des Romains de
l'Antiquité.
Au-delà de la partition emblématique d'Elton John et Tim Rice dans la production
de Broadway du "Roi Lion", vous entendrez l'utilisation de paysages sonores
immersifs de la savane africaine et de sons d'animaux, qui s'associent pour créer
un monde dans lequel le public peut pénétrer.
Créer son premier son
Une bonne conception sonore nécessite une danse complexe entre différents
éléments de conception sonore.
Pour devenir un maître de la création et de la manipulation de sons, vous devez
comprendre comment ces éléments s'articulent les uns par rapport aux autres.
Nous allons explorer quelques-uns des éléments constitutifs de la conception
sonore et les différents outils de conception sonore que vous pouvez utiliser pour
créer de nouveaux sons.
1. Choisir le bon outil de conception sonore
Lorsque vous vous lancerez dans la création sonore, la première chose à faire
sera de trouver l'outil qui vous convient le mieux.
Une fois que vous avez déterminé le type de son que vous voulez produire, vous
pouvez vous demander : "Quelle source audio puis-je utiliser pour créer ce son ?".
Synthétiseurs
Les synthétiseurs sont indispensables dans le monde de la conception sonore.
Grâce à la puissance des formes d'onde, des oscillateurs et des effets, vous
pouvez façonner et remodeler les sons à votre guise.
Il existe également plusieurs styles de synthèse, chacun ayant un timbre unique
convenant mieux à différents projets.
Par exemple, les synthétiseurs analogiques offrent une certaine chaleur qu'il est
difficile de reproduire ailleurs. Les sons d'un Minimoog ou d'un Juno-60 capturent
magnifiquement l'essence d'une époque révolue, ce qui est parfait lorsque vous
souhaitez conférer un ton "vintage" à vos sons personnalisés.
Découvrez l'album révolutionnaire de Kraftwerk "Autobahn", sorti en 1974, dans
lequel le groupe a utilisé un mélange de synthétiseurs analogiques, dont les
célèbres ARP Odyssey et Minimoog, pour créer un morceau de musique de 22
minutes qui simule l'expérience de la conduite sur l'Autobahn allemande.

Échantillonneurs
L'artiste norvégien Geir Jenssen, mieux connu sous le pseudonyme de Biosphere,
intègre dans ses compositions des enregistrements bruts du monde naturel qui
l'entoure.
Son album "Substrata", acclamé en 1997, tisse des paysages sonores
atmosphériques avec des enregistrements du monde naturel, y compris le vent,
l'eau et le chant des oiseaux, pour créer une expérience sonore unique et
immersive.
Pour un exemple plus moderne, le producteur de musique Ableton Rob Late
utilise des enregistrements échantillonnés d'éléments présents dans son studio
pour construire des pistes complètes.
Enregistreurs de terrain
S'aventurer au-delà des limites d'un studio n'est pas à la portée de tout le
monde, mais l'utilisation d'enregistrements de terrain personnalisés dans la
musique est l'un de mes moyens préférés pour ajouter une caractéristique
tridimensionnelle organique et authentique à la musique et à la musique
d'accompagnement.
Le preneur de son britannique Chris Watson est l'un des pionniers de
l'enregistrement de terrain les plus influents de l'histoire, surtout connu pour ses
enregistrements immersifs du monde naturel. Il est l'un des membres fondateurs
de Cabaret Voltaire, un projet de musique expérimentale des années 1970 et
1980.
La vidéo ci-dessus montre comment Watson s'y prend pour capturer les sons
ambiants et les utiliser dans son travail.
2. Modifier les éléments fondamentaux
Une fois que vous avez trouvé l'outil de conception sonore qui vous convient,
l'étape suivante de votre voyage alchimique consiste à peaufiner ces sons pour
atteindre votre objectif.
Comprendre les formes d'onde
Dans le labyrinthe de la conception sonore à base de synthétiseurs, il est
essentiel de choisir le bon point de départ.
Vous devez choisir une forme d'onde dont le timbre est similaire à celui que vous
souhaitez obtenir.
Que vous souhaitiez obtenir le punch doux d'une grosse caisse ou le
vrombissement modulé d'un pistolet laser, la forme d'onde de base adéquate
vous permettra de préparer le terrain.
Un jour, on m'a demandé de créer un son ambiant lointain, d'un autre monde,
pour un court métrage de science-fiction, et j'ai décidé de commencer à
construire à partir d'une onde sinusoïdale. Les ondes sinusoïdales sont connues
pour leur pureté, ce qui en fait des fondations parfaites pour d'autres couches, en
particulier lorsque vous souhaitez obtenir un son plus mystérieux.
Bien entendu, toutes les formes d'onde de base - sinus, carré, dent de scie et
triangle - sont différentes.
Chacune possède une signature sonore distincte et, en tant que concepteur
sonore, il est important d'apprendre à discerner leurs qualités uniques.
Je vous recommande de prendre le temps de vous immerger dans les tons purs
de chaque forme d'onde afin de pouvoir commencer à les reconnaître dans les
sons que vous entendez dans vos chansons ou paysages sonores préférés.
Les ondes triangulaires sont beaucoup plus douces que les ondes carrées, mais
un peu plus riches que les ondes sinusoïdales. Les dents de scie offrent un bel
entre-deux, et ainsi de suite. Pensez à ce processus comme si vous étiez un
peintre apprenant comment les différentes couleurs primaires s'associent pour
créer des textures plus raffinées.
Déconstruire des sons complexes
Le véritable défi se présente lorsque vous êtes confronté à l'ingénierie inverse de
sons complexes, tels que le son d'un pistolet laser futuriste.
Chaque fois que l'on me confie la tâche de créer un son spécifique, j'aime le
considérer comme un puzzle. J'essaie d'identifier et d'isoler les couches
individuelles clés responsables de l'attaque, du maintien et du relâchement du
son.
Par exemple, voyons comment le concepteur sonore Ben Burtt a créé le son
emblématique du sabre laser de Star Wars.

Le bourdonnement de ralenti, qui est le principal bruit du sabre laser, provient de

deux moteurs de projecteur verrouillés et du bourdonnement d'un vieux tube
d'image sur un téléviseur. En ce qui concerne le son du choc, lorsque les deux
sabres laser s'affrontent, Burt avait besoin d'une attaque, d'un maintien et d'un
relâchement.
Pour l'attaque, il a utilisé le son d'un bâton enfoncé dans de la glace sèche, tandis
que pour le maintien et le relâchement, il a utilisé le son d'un aspirateur.
3. Façonner l'enveloppe
Une fois que vous disposez des matières premières, vous pouvez commencer à
jouer avec les enveloppes d'amplitude.
L'enveloppe d'amplitude d'un son est la façon dont il évolue dans le temps, y
compris l'attaque, la décroissance, le maintien et le relâchement.
Lorsque vous créez un nouveau son, vous devez vous poser des questions
comme celles-ci :
Est-ce que je veux que le son frappe fort avec un impact immédiat, ou est-ce que
je veux qu'il se déploie progressivement ?
Doit-il disparaître rapidement ou s'estomper doucement ?
La façon dont vous réglez l'enveloppe d'amplitude déterminera les réponses à
ces questions.
Examinons brièvement ces principales caractéristiques de l'enveloppe :
 Attaque - Le temps d'attaque est le temps qu'il faut à un son pour
atteindre son amplitude maximale. L'attaque d'une personne frappant une
caisse claire et celle d'une corde de violon sont très différentes. Si vous
souhaitez recréer le choc de deux épées, vous pouvez opter pour un son à
l'attaque métallique et tranchante.
 Décroissance - La phase de décroissance intervient directement après
qu'un son a atteint son amplitude maximale et détermine le temps qu'il lui
faut pour redescendre à son niveau de maintien. J'aime penser ici à la
résonance. Par exemple, si je joue une note sur un petit piano de style
saloon et que je joue ensuite la même note sur un grand piano à queue,
j'obtiendrai une plus grande décroissance du piano à queue, grâce à la
résonance supplémentaire du corps.
 Sustain - Cette partie d'un son se concentre sur le niveau de volume qu'il
maintient lorsqu'il est maintenu. Pour revenir à l'exemple du choc des
épées, le sustain serait assez rapide à moins qu'il n'y ait un long "ping" dû
à la vibration des deux métaux qui se heurtent l'un l'autre.
 Release - Le release est la durée nécessaire pour qu'une note passe du
niveau de sustain au silence complet. Souhaitez-vous qu'un son s'attarde
ou qu'il soit ponctué de façon percussive ?
Comprendre l'ADSR est essentiel lors de la création d'effets sonores et de
textures soniques, mais ce n'est pas l'étape finale.
4. Ajouter la modulation
Dans le monde vivant, le son n'est pas statique. Il bouge et se module. Il en va de
même pour la musique et les effets sonores que vous créez.
La meilleure façon de rendre les sons statiques plus intéressants est d'y ajouter
de la modulation.
Il s'agit essentiellement de faire varier dans le temps une ou plusieurs propriétés
d'un son ou d'une forme d'onde donnée, qu'il s'agisse d'un changement subtil de
hauteur ou d'une évolution du contenu fréquentiel.
Lorsque vous écoutez des sons que vous souhaitez recréer, vous devez discerner
les éléments de ce son qui changent au fil du temps.
Entendez-vous des changements de tonalité ?
Le volume varie-t-il d'un moment à l'autre ?
Y a-t-il des filtres ou des générateurs d'harmoniques qui introduisent de
nouvelles fréquences ?
Le processus de modulation n'a pas besoin d'être flagrant non plus. Vous pouvez
introduire subtilement des changements de hauteur et de fréquence en ajustant
les boutons ou les curseurs de votre synthé ou de vos processeurs d'effets. Cela
peut se faire manuellement ou à l'aide d'oscillateurs basse fréquence (LFO), qui
offrent un style de modulation plus rythmique et prévisible.
En tant que concepteur sonore, vous pouvez utiliser des paramètres tels que le
taux, l'intensité ou le type de forme d'onde pour modifier la façon dont un son
évolue dans le temps.
Pour mettre en œuvre cette stratégie, je vous recommande d'expérimenter
l'automatisation dans votre logiciel d'enregistrement. Vous pouvez prendre un
son et dessiner des enveloppes de modulation personnalisées pour lui donner du
mouvement et de l'énergie.
5. Appliquer les effets
La dernière partie du processus de conception sonore, souvent la plus
passionnante, est l'ajout d'effets. C'est ici que vous transformez complètement le
son avec lequel vous travaillez pour créer quelque chose de vraiment spécial.
La plupart des concepteurs sonores disposent d'un arsenal considérable d'effets,
à la fois sous forme matérielle et logicielle, et nombre d'entre eux ont construit
des chaînes de signaux uniques afin d'obtenir différents styles de profondeur,
d'espace et de texture.
Grâce à une séquence d'effets soigneusement sélectionnés, vous pouvez
transformer un simple signal audio en une expérience à part entière.
L'objectif principal des effets audio est de recréer des phénomènes
psychoacoustiques. Imaginez un lieu ou une expérience et pensez à tous les
éléments qui travaillent ensemble pour créer les sons qui s'y trouvent.
L'ampleur du son que vous entendez dans un canyon est liée à la distance entre
les surfaces dures et au nombre de répétitions de l'écho que vous entendez,
tandis que le son d'une voix qui vous parle de l'autre côté du téléphone est lié à
la résonance d'un filtre passe-bande et à un léger degré de saturation.
Il existe quatre principaux types d'effets que nous utilisons dans la conception
sonore, chacun d'entre eux offrant des possibilités distinctes.
 Effets temporels : La réverbération et le retard façonnent la dimension
temporelle, donnant aux auditeurs l'illusion de l'espace et de la profondeur.
 Effets de modulation : Les effets chorus, phaser, flanger, trémolo et
auto-pan ajoutent du mouvement et du caractère aux sons.
  Filtres : Les filtres passe-bas, passe-haut et passe-bande nous permettent
de modeler le spectre de fréquence des sons.
 Effets dynamiques : La compression et la saturation nous permettent de
contrôler l'intensité dynamique des sons tout en ajoutant des
caractéristiques de timbre uniques.
Imaginons que nous voulions créer un son atmosphérique de type spatial et de
science-fiction.
Je commencerais par un pad de synthé de base et j'appliquerais une quantité
généreuse de réverbération. Comme nous sommes dans l'espace, la queue de la
réverbération devrait être assez longue (je sais, il n'y a pas vraiment de son dans
l'espace, alors soyez indulgent avec moi, et ne soyez pas un guerrier du clavier).
Vous pouvez même expérimenter avec le paramètre de diffusion pour mélanger
un peu plus les réflexions et rendre la réverbération plus épaisse.
Vous pouvez ensuite ajouter un effet de retard pour renforcer l'impression
d'espace. Plus le temps de retard est long, plus le son semble étendu.
Pour que le son soit encore plus étrange, vous pouvez placer un effet de
modulation, tel qu'un chorus ou un phaser, après le délai et la réverbération dans
la chaîne, afin de lui donner un peu de mouvement.
Bien entendu, je n'hésiterais pas à modifier l'ordre de la chaîne de signaux pour
obtenir d'autres résultats ou à automatiser les paramètres de chaque effet pour
ajouter encore plus de mouvement.
10 conseils supplémentaires pour améliorer votre conception sonore
Maintenant que vous avez une idée assez précise de toutes les stratégies et de
tous les effets qu'un concepteur sonore utilise pour créer un nouveau son ou un
nouvel environnement sonore pour une chanson, un film, un jeu ou un produit,
examinons quelques conseils et techniques qui vous permettront d'aller plus loin
dans votre travail de conception sonore.
1. Textures de piles et sons de couches
L'empilement de textures et la superposition de sons est un excellent moyen
d'ajouter de la profondeur à vos sons. En combinant divers éléments, vous
pouvez créer des sons composites qui sont plus que la somme de leurs parties.
Le son d'une guitare grinçante, distordue et octaviée sur un pavé de synthétiseur
ambiant subtil mais large peut rendre les deux sons plus intéressants.
2. Utiliser l'effet Haas
L'effet Haas est un moyen subtil mais puissant de donner une impression
de largeur à un son. Lorsque vous retardez légèrement un canal d'un signal
stéréo, il donne l'impression d'être plus large. C'est un outil merveilleux pour
prendre des sons autrement centrés et les diffuser "en dehors des haut-parleurs".
3. Ne pas continuer à ajouter des éléments si le mélange ne fonctionne
pas
Dans leur quête de la perfection, les producteurs et compositeurs de musique se
retrouvent souvent à ajouter continuellement de nouveaux éléments lorsqu'ils
constatent que leur mixage ne fonctionne pas.
Je vous conseille vivement de reconnaître quand vous avez ce penchant et de
résister à la tentation d'enterrer votre mélange dans de la pacotille. Au lieu de
cela, concentrez-vous sur l'affinage et l'optimisation de ce que vous avez déjà. Le
mantra est de privilégier la qualité à la quantité, c'est pourquoi il est essentiel de
choisir les éléments avec soin.
4. Le silence est votre ami
Nous sous-estimons souvent le pouvoir du silence dans la conception sonore, ce
qui est ironique car il existe dans notre langage quotidien.
Lorsque nous mettons un point à la fin d'une phrase, cela donne au lecteur ou à
l'auditeur un moment pour respirer et réfléchir à ce qu'il vient d'entendre. Il
devrait en être de même pour la musique et la conception sonore.
En incorporant stratégiquement le silence dans notre processus de création, nous
pouvons créer des moments de tension, ce qui donne plus d'impact aux sons
principaux.
5. Toujours expérimenter l'inversion
Bien qu'il soit facile d'abuser de l'effet inverse, c'est parfois ce qu'il vous faut
pour rendre un son plus intéressant.

Qu'il s'agisse d'un crash de cymbale inversé représentant le son d'une porte de
sas qui se ferme ou d'une voix réverbérée inversée derrière une voix sèche pour
lui donner une qualité fantomatique, il existe une infinité de façons
d'expérimenter l'inversion audio pour ouvrir des possibilités uniques.
6. Enregistrer les sons autant que possible
L'une des meilleures façons de rendre votre conception sonore plus authentique
est d'enregistrer les sons chaque fois que possible. Vous avez toujours un petit
appareil d'enregistrement sur vous (votre smartphone). Pourquoi ne pas l'utiliser
pour capturer les sons organiques du monde qui vous entoure et les manipuler
plus tard dans votre logiciel de création sonore ?

Dans l'une de mes chansons récentes, "Under the Sun", j'ai incorporé un
enregistrement des oiseaux de mon voisin et j'ai ajouté une forte dose de
réverbération pour donner l'impression qu'ils volaient dans un canyon.
7. Tirer parti du bruit
Bien que nous considérions souvent le bruit comme quelque chose que nous ne
voulons pas voir dans nos mixages, il peut être un allié incroyablement puissant
dans la conception du son.
Expérimentez différents types de bruit - blanc, rose ou même granulaire - pour
ajouter de la texture, du caractère et de la complexité à vos sons.
8. Utiliser le champ stéréo complet
Si vous ne maximisez pas votre champ stéréo de droite à gauche, vous manquez
de nombreuses opportunités.
La création d'un espace tridimensionnel demande du soin, car il s'agit de répartir
les éléments de manière à ce qu'ils se complètent et non à ce qu'ils se masquent
les uns les autres.
Elle nécessite également un contraste. Pour qu'un son donne l'impression d'être
large, nous avons besoin d'un son étroit pour le contraster. Expérimentez le
déplacement des sons dans le champ tridimensionnel et utilisez des effets tels
que l'auto-pan pour créer un effet de hasard.
9. Le contraste est essentiel
Au-delà du champ stéréo, le contraste est tout aussi important dans tous les
aspects de la conception sonore.
Sans douceur, il n'y a pas de bruit, et sans douceur, il n'y a pas de dureté.
En utilisant différentes saveurs dans votre processus, vous pouvez créer une
recette plus dynamique.
10. Rester organisé
Ce dernier conseil n'est pas créatif, mais plutôt pratique.
Le processus de conception sonore peut être chaotique, et le meilleur moyen de
maintenir un certain ordre est de rester organisé.
Assurez-vous que vos pistes et vos éléments sont correctement étiquetés,
organisez vos sons et vos effets dans des dossiers facilement accessibles et
utilisez des modèles et des chaînes d'effets prédéfinis dans votre DAW afin que,
lorsque l'inspiration vous vient, vous puissiez vous y plonger directement au lieu
de gaspiller votre énergie à chercher ce fichier audio de caisse claire distordue
que vous auriez juré avoir dans votre arsenal.
Réflexions finales
Il faut des années de pratique pour devenir un grand concepteur sonore.
Cependant, connaître les techniques uniques de mixage et d'enregistrement
expérimental utilisées par les concepteurs sonores, que ce soit dans la
production musicale, la conception sonore de films, la production télévisuelle ou
les jeux vidéo, peut vous donner une longueur d'avance dans la production de
vos propres sons originaux.
Il existe un paysage sonore infini qui n'attend que d'être mixé, manipulé,
mélangé et maîtrisé par vous. Allez le capturer.
Les Fondamentaux du sound design
Définition
Le designer sonore ou sound designer participe à la création, l’enregistrement, la
manipulation et la postproduction de sons pour accompagner des œuvres
visuelles ou à des fins artistiques. Il peut utiliser des d’effets sonores, de la
musique, des voix off et même des silences pour créer une atmosphère,
améliorer la narration et renforcer les émotions.
Les Types de Sons
Le sound design englobe plusieurs types de sons :
 Sons diégétiques : Ce sont les sons qui font partie intégrante de la
scène, que les personnages peuvent entendre (par exemple, le bruit d'un
téléphone qui sonne).
 Sons non-diégétiques : Ce sont des sons que le public entend, mais que
les personnages ne perçoivent pas (comme une musique de fond qui
souligne l’émotion d’une scène).
 Sons de ambiance : Ce sont des bruits d'ambiance qui créent une toile
de fond pour une scène, comme le son d'une rue animée ou d’un paysage
naturel.
Le processus du sound design
Préproduction
Dans cette phase, les sound designer travaillent avec les réalisateurs, scénaristes
et autres membres de l'équipe créative pour comprendre la vision du projet. Ils
commencent à établir des idées sur le type de sons nécessaires pour donner vie
au récit.
Enregistrement et Création de Sons
Le sound designer peut enregistrer des sons de différents environnements ou
créer des sons synthétiques à l'aide de logiciels spécialisés. La technique du
Foley, qui consiste à recréer des effets sonores en synchronisation avec l'image,
est également une méthode couramment utilisée.
Montage et Traitement
Une fois les sons créés ou enregistrés, le sound designer les assemble et les
édite. Cela inclut l’ajustement des niveaux sonores, l’application d’effets (comme
la réverbération ou le delay) et le mixage des différents éléments pour obtenir un
son harmonieux et cohérent.
Finalisation
Dans la dernière étape, le sound designer effectue des ajustements finaux pour
optimiser le son pour différents formats (cinéma, télévision, jeux vidéo). Ce
processus peut inclure le mastering, qui consiste à peaufiner le son pour qu'il soit
équilibré et clair sur tous les systèmes de diffusion.
L'Importance du sound design
Le sound design joue un rôle essentiel dans l'expérience globale d'un film, d'un
jeu vidéo (habillage sonore)ou d'une œuvre artistique, Il :
 Établit l'ambiance - Les sons peuvent renforcer l'atmosphère d'une
scène, qu'elle soit joyeuse, sombre, intrigante ou effrayante.
  Renforce les émotions : Un bon sound design peut intensifier les
émotions ressenties par le public. Par exemple, une musique poignante
peut faire vibrer le cœur lors d'une scène dramatique.
 Améliore la narration - Les effets sonores peuvent fournir des indices sur
l'intrigue et aider à construire la tension ou le suspense.

Sound design, une discipline essentielle.

Le sound design est bien plus que de simples bruits en arrière-plan; c'est un art à
part entière qui nécessite à la fois une technique d’expertise et une sensibilité
créative. Que vous travailliez dans le cinéma, le jeu vidéo, ou toute autre forme
de média (chaîne YouTube …), comprendre le sound design peut enrichir votre
travail et améliorer votre capacité à raconter des histoires. La prochaine fois que
vous regardez un film ou jouez à un jeu vidéo, pensez à l'importance des sons qui
vous entourent et à la façon dont ils influencent votre expérience.

Avec la montée en puissance des médias numériques et interactifs, le sound

design est devenu plus crucial que jamais, et continuer à innover dans ce
domaine n’est pas seulement une tendance, mais une nécessité.
Les Applications du sound design: la création sonore au cœur d'un Monde Sonore
en pleine évolution
Salut à tous les passionnés de son !

Aujourd'hui, on va explorer ensemble un univers fascinant : celui du sound

design. Vous savez, cet art subtil qui transforme une image banale ou une scène
en une expérience immersive et mémorable. On va décortiquer ensemble les
multiples facettes de ce métier passionnant, ses applications concrètes, et
comment ça se passe concrètement quand on monte un projet. Accrochez-vous,
ça va vibrer !
Le sound design : bien plus Qu'un simple habillage sonore
Quand on parle de sound design, beaucoup pensent directement à l'illustration
sonore d'un film ou d'un jeu vidéo. Et c'est vrai, c'est une part importante ! Mais,
le sound design, c'est bien plus que ça. C'est une véritable discipline artistique à
part entière, une forme d'écriture qui utilise le son comme matière première.
C'est l'art de créer, manipuler et agencer des éléments sonores pour raconter
une histoire, créer une ambiance ou renforcer un message.

En tant que sound designer, mon rôle va bien au-delà de simplement ajouter des
bruitages ou une musique de fond. Je suis un véritable architecte du sonore, un
créateur d'émotions qui travaille en étroite collaboration avec les réalisateurs, les
designers, et les artistes pour donner vie à leurs visions.
Les domaines d'application du sound design : un panorama étonnamment vaste
Le sound design est partout, et c'est ce qui le rend si passionnant ! On le retrouve
dans une multitude de domaines, chacun avec ses spécificités et ses défis :
  Cinéma et audiovisuel : C'est le terrain de jeu classique du sound
designer. Ici, il s'agit de créer des ambiances immersives, de renforcer
l'impact émotionnel des scènes, et de donner une identité sonore unique
au film. Pensez aux films de science-fiction avec leurs paysages sonores
futuristes, ou aux thrillers avec leurs ambiances angoissantes. La création
dans ce domaine est sans limite.
 Jeux vidéo : le sound design est crucial pour l'immersion du joueur. Des
bruitages réalistes aux musiques épiques, en passant par les dialogues des
personnages, chaque élément sonore contribue à l'expérience globale.
 Spectacle vivant : théâtre, danse, performances artistiques... Le sound
design apporte une dimension supplémentaire à ces travaux en direct, en
créant des ambiances immersives et en soulignant les émotions des
artistes sur scène. Le spectacle vivant a besoin de création.
 Musées et expositions : le sound design peut transformer une simple
exposition en une expérience sensorielle inoubliable. Des installations
sonores interactives aux ambiances immersives, le son peut donner vie
aux objets et aux histoires. Imaginez une exposition sur la préhistoire avec
des sons d'animaux disparus et des ambiances de forêt primitive...
Frissons garantis ! Les collections du musée peuvent prendre une autre
dimension sonore.
 Radio et podcasts : bien sûr, le radiophonique est un terrain de jeu
privilégié pour le sound designer. Ici, il s'agit de créer des ambiances
immersives, de rythmer le récit, et de captiver l'auditeur avec des effets
sonores originaux.
 Identité sonore de marque : de plus en plus d'entreprises font appel à
des sound designers pour créer une identité sonore unique, reconnaissable
entre toutes. Un logo sonore percutant, une musique d'attente agréable,
ou une ambiance sonore cohérente dans les points de vente... Le son peut
renforcer l'image de marque et créer un lien émotionnel avec les clients.
 Art contemporain : le son est de plus en plus présent dans l'art
contemporain, sous forme d'installations sonores, de performances, ou
d'œuvres interactives. Les artistes utilisent le son pour explorer de
nouveaux territoires, questionner notre perception du monde et créer des
expériences uniques.
 Le documentaire : le paysage sonore permet une immersion plus
profonde dans le sujet traité.
Le processus de création : de l'idée au son
Alors, comment ça se passe concrètement, la création sonore ? Voici un aperçu
des étapes clés :
 L'écoute active et l'analyse : Tout commence par une écoute attentive
du projet, une immersion totale dans l'univers à créer. Je discute avec le
réalisateur, le designer, ou l'artiste pour comprendre leurs intentions, leurs
envies, et les émotions qu'ils souhaitent susciter. C'est une étape cruciale
pour définir la direction artistique du projet. Une analyse profonde est
souvent nécessaire.
  La recherche et la collecte de sons : une fois la direction artistique
définie, je me lance dans la recherche de sons. Je peux utiliser des
banques de sons existantes, enregistrer mes propres bruitages ou créer
des sons originaux à partir de synthétiseurs et d'effets spéciaux. Cette
étape demande beaucoup de patience, de curiosité et d'imagination. On
constitue une véritable ressource documentaire pour chaque projet.
 La composition et le montage : c'est là que la magie opère ! Je prends
tous ces éléments sonores et je les assemble, je les manipule, je les
transforme pour créer une ambiance unique. Je travaille sur le rythme, les
textures, les harmonies et les contrastes pour donner vie à l'univers
sonore. Le montage est une étape clé.
 Le mixage et le mastering : une fois la composition terminée, il faut
peaufiner le rendu sonore. Je travaille sur l'équilibre des niveaux, la
spatialisation et la dynamique pour obtenir un son clair, puissant et
immersif. C'est un peu comme la touche finale d'un tableau.
Combien ça coûte, un sound design de qualité ?
Le coût d'un projet de sound design peut considérablement varier en fonction de
plusieurs facteurs :
 L'ampleur du projet : un court-métrage indépendant n'aura pas le même
budget qu'un long-métrage hollywoodien.
 La complexité du sound design : un projet qui demande beaucoup de
création originale coûtera plus cher qu'un projet qui utilise principalement
des sons existants.
 Le temps de travail : Un sound designer facture généralement à la
journée ou au projet. Plus le projet est long et complexe, plus le coût sera
élevé.
 L'expérience du sound designer : un sound designer expérimenté et
reconnu aura tendance à facturer plus cher qu'un débutant.
En général, il est ardu de donner un prix précis sans connaître les détails du
projet. Le mieux est de demander un devis personnalisé à plusieurs sound
designers et de comparer les offres. N'oubliez pas que le sound design est un
investissement qui peut faire une différence notable dans la qualité de votre
projet !
Devenir Sound Designer : un parcours exigeant mais passionnant
Si vous êtes passionné par le son et que vous rêvez de devenir sound designer,
sachez que le parcours est exigeant mais passionnant. Voici quelques pistes pour
vous lancer :

La formation : il existe de nombreuses formations en sound design, allant des

écoles spécialisées aux universités. Ces classes vous permettront d'acquérir les
bases techniques et théoriques du métier, de développer votre oreille et de vous
familiariser avec les outils professionnels. Un diplôme est souvent un plus.

La pratique : la meilleure façon d'apprendre le sound design, c'est de pratiquer !

Réalisez vos propres projets, collaborez avec d'autres artistes, et n'hésitez pas à
expérimenter. Plus vous pratiquerez, plus vous développerez votre propre style et
votre propre sensibilité.

Le réseau : le monde du sound design est un petit monde, où le réseau est

essentiel. Participez à des événements, rencontrez d'autres professionnels et
faites-vous connaître. Le bouche-à-oreille est un excellent moyen de trouver des
travaux.
Les compétences essentielles du sound designer
Pour réussir dans ce métier, il faut posséder une multitude de compétences :

Une oreille absolue : c'est la base ! Il faut être capable d'identifier les fréquences,
les harmonies, et les textures sonores avec une grande précision.

Une maîtrise des outils : Il faut connaître les logiciels de montage et de mixage,
les synthétiseurs, les effets spéciaux, et les techniques d'enregistrement.

Une culture musicale : Une bonne connaissance de l'histoire de la musique et des

différents styles musicaux est un atout précieux.
Une créativité débordante : Il faut être capable d'imaginer des sons originaux, de
créer des ambiances uniques, et de raconter des histoires avec le son.

Un sens de la communication : Il faut être capable de comprendre les besoins des

clients, de communiquer ses idées, et de travailler en équipe.
Le sound design en France et à travers le monde : un secteur en pleine expansion
Le secteur du sound design est en pleine expansion dans le monde et en France.
De plus en plus d'entreprises et d'institutions font appel à des sound
designers pour améliorer leur image, créer des expériences immersives et
communiquer efficacement. Les projets ne manquent pas !
En conclusion : le sound design, un art essentiel
Vous l'aurez compris, le sound design est bien plus qu'une technique
rudimentaire. C'est un art à part entière, qui demande de la passion, de la
créativité et un grand sens de l'écoute. Si vous êtes sensible aux tendances, et
que vous souhaitez donner une dimension sonore unique à vos productions,
n'hésitez pas à faire appel à un créateur sonore ! Il saura transformer votre projet
en une expérience inoubliable. Le sound designer est capable de donner une
nouvelle vie à vos projets.

Alors, prêt à plonger dans le monde fascinant du son ?

Techniques de Sound Design : Élever vos Projets Audiovisuels
Le sound design est un art à part entière, permettant de transformer des idées
abstraites en expériences auditives mémorables. Que ce soit pour les jeux vidéo,
le cinéma, la télévision ou la musique, les techniques de sound design sont
essentielles pour créer des atmosphères immersives et engageantes. Dans cet
article, nous allons explorer plusieurs techniques courantes qui peuvent élever
vos projets de sound design.

Field Recording (Enregistrement de Terrain)

Le field recording consiste à capturer des sons du monde réel, que ce soit dans la
nature, en milieu urbain ou dans des environnements spécifiques. Cela peut
inclure des bruits ambiants, des conversations, ou des sons uniques que l’on peut
ensuite manipuler pour les incorporer dans des projets audio.

Exemple d’utilisation :
Utiliser des enregistrements de foule pour créer une ambiance de festival dans
un film.
Synthesis (Synthèse)
La synthèse est la création de sons par des moyens électroniques. Il existe
différents types de synthétiseurs analogiques, numériques, et modulaire qui
permettent de générer une vaste gamme de sons. La synthèse additive,
Subtractive et FM sont des techniques couramment utilisées dans la création
musicale et le sound design.
Exemple d’utilisation :
Créer des sons futuristes ou des textures sonores uniques pour des jeux vidéo ou
des films de science-fiction.
Foley
Le Foley est la technique de création de sons en synchronisation avec des
mouvements d'objets dans des films ou des vidéos. Cela comprend le bruitage
des pas, des portes qui grincent, et d'autres éléments sonores qui doivent être
ajoutés pour renforcer l'authenticité de la scène.

Exemple d’utilisation :
Ajouter des bruits de pas et de vêtements froissés pour rendre une scène de film
plus réaliste.
Sound Layering (Superposition de Sons)
Le layering consiste à combiner plusieurs pistes audio pour créer un son plus
riche et complexe. Cette technique est souvent utilisée pour les ambiances
sonores et les effets sonores. En superposant des échantillons de différents sons,
on peut créer des atmosphères uniques qui captivent l’auditeur.

Exemple d’utilisation :
Mélanger des sons de vagues, de chants d'oiseaux et de brises pour créer une
ambiance de plage relaxante.
Manipulation des Échantillons (Sampling)
Le sampling consiste à prendre des extraits audio de sons préexistants et à les
manipuler pour les utiliser dans de nouveaux contextes. Cela peut inclure le
traitement d'échantillons avec des effets, le changement de tonalité, ou le
découpage et la réorganisation des sons.

Exemple d’utilisation :
Utiliser un échantillon vocal pour créer une mélodie ou une texture dans une
piste musicale.
Effets Sonores et Traitement Audio
L’ajout d’effets sonores tels que la réverbération, le délai, et la distorsion peut
transformer les sons de base en éléments impressionnants et immersifs. Le
traitement audio permet également d’améliorer la qualité sonore et d’adapter les
sons à l’environnement que vous souhaitez créer.

Exemple d’utilisation :
Appliquer une réverbération à une voix pour simuler un espace grand et ouvert,
comme une cathédrale.
Composition Thématique
Un bon sound designer sait aussi composer des thèmes musicaux qui
accompagneront l’univers narratif de l'expérience. Que ce soit pour un film, un
jeu ou une publicité, avoir une musique mémorable qui se marie bien avec les
éléments sonores apportera une plus-value à votre projet.

Exemple d’utilisation :
Créer un thème musical mémorable pour un personnage ou une situation qui se
répète tout au long d'une série.
Conclusion
Le sound design est un domaine riche et complexe qui offre d'innombrables
possibilités créatives. En utilisant des techniques telles que le field recording, la
synthèse, le foley, et bien d'autres, vous pouvez transformer vos projets
audiovisuels en expériences immersives et captivantes. Que vous soyez un
novice ou un professionnel du sound design, l'exploration de ces techniques vous
aidera à améliorer vos compétences et à enrichir votre palette sonore.

N’hésitez pas à expérimenter et à découvrir comment ces techniques peuvent

s'appliquer à vos projets spécifiques. Souvenez-vous, chaque son a une histoire à
raconter.
Choisissez avec soin le jingle de vos vidéos et éviter les pièges.
La communication sonore a pris une place importante dans l'univers du digital, et
les créateurs de contenu vidéo l'ont bien compris. Parmi les solutions qui font
vibrer vos productions, la musique d’introduction ou jingle est incontournable.
Mais concrètement, qu'est-ce que c’est ? Pourquoi est-il si essentiel pour les
youtubeur d’intégrer un jingle à leurs vidéos ? Quels sont les pièges à éviter ?
Décryptons ça ensemble !
Un jingle qu’est ce que c’est ?
Jingle est un mot anglais qui veut dire "tintement". Plus précisément, il désigne
une mélodie courte et accrocheuse servant en général d'annonce musicale,
généralement associée à un slogan ou à une marque, accompagnant une
publicité (source Wikipédia)
Les jingles servent, à rappeler l’identité sonore de tous les contenus Audi et
vidéo.
Pourquoi est il indispensable ?
La musique d'introduction constitue la toute première impression que vous
laissez à vos spectateurs. C'est le petit élément qui capte l’attention et crée
l'atmosphère dès les premières secondes. Un bon jingle peut renforcer votre
identité et aider les spectateurs à se rappeler de vous, même après avoir cliqué
sur une autre vidéo.
Attention aux Risques !
Utiliser une musique d'introduction sans droits peut avoir des conséquences
fâcheuses. Vous pourriez voir votre vidéo supprimée par la plateforme, recevoir
des avertissements pour violation de copyright, ou pire encore, faire face à des
poursuites judiciaires. Cela nuit non seulement à votre contenu, mais aussi à
votre crédibilité en tant que créateur.
Alors, comment éviter les pièges ?
Quelques Solutions Pratiques pour les Créateurs de Contenu
Explorez la Musique Libre de Droits :
De nombreuses plateformes proposent des morceaux libres de droits
spécialement conçus pour accompagner vos vidéos. Cela semble être une bonne
option, mais il est essentiel de lire les conditions d’utilisation pour ne pas avoir de
mauvaises surprises.
De plus le manque d’originalité est notable, en effet ces bases de données sont
accessible à tous.

Optez pour un Jingle Sur Mesure :

Pourquoi se contenter d'un jingle générique quand vous pouvez avoir quelque
chose d'unique ? En travaillant avec des professionnels du sound design, vous
pouvez créer un jingle d’introduction qui reflète parfaitement votre style et qui
soit en accord avec votre contenu.
Entourez-vous de Spécialistes
Si vous n'êtes pas sûr de la direction à suivre, faire appel à un expert peut
s’avérer judicieux. Leur expérience vous aidera à découvrir des solutions
adaptées à vos besoins tout en garantissant que tout soit conforme sur le plan
légal.
En Conclusion
Choisir la musique d'introduction pour vos vidéos n’est pas qu’une simple
formalité. Cela peut avoir un impact significatif sur la façon dont votre public
perçoit votre contenu. En prenant le temps de bien choisir votre jingle et en vous
entourant des bonnes personnes, vous maximisez vos chances de captiver votre
audience dès le départ.

Si vous êtes intéressé par des options personnalisées pour

votre jingle d'introduction, n'hésitez pas à vous renseigner sur les services
de Resonance Sound Design. Nous serions ravis de vous aider à créer
un jingle unique qui marquera les esprits de votre audience !
En quoi consistent les effets sonores ?
Tout le monde ou presque sait que les effets sonores (parfois abrégés en « SFX »)
sont les éléments audio que le public perçoit et qui ne proviennent pas de
l’enregistrement vidéo lui-même. En revanche, peu de gens savent que si les
microphones de plateau captent certains aspects comme les dialogues, les autres
contenus audio sont généralement ajoutés en postproduction. Les films, les
programmes télévisés et les jeux vidéo seraient franchement déconcertants s’ils
étaient dépourvus de tels sons créés en externe.
Vous pouvez appliquer des effets sonores de toutes sortes, des sons d’ambiance
d’une contrée sauvage au souffle bruyant des réacteurs d’un avion. Qu'ils soient
quasiment assourdissants ou presque imperceptibles, ils sont toujours le fruit
d’un travail de création minutieux.
Voici un résumé succinct des différents types d’effets sonores ainsi que la marche
à suivre pour intégrer des effets audio convaincants à votre vidéo dans Adobe
Premiere Pro.

Types d’effets sonores

En matière de design et de montage sonores professionnels, l’audio et les sons
sont classés en quatre grandes catégories.

1. Les sons isolés correspondent aux bruits usuels que l’on perçoit au quotidien.
Des voitures qui klaxonnent, des chiens qui aboient et des marteaux-piqueurs qui
résonnent dans une ville animée sont autant de bruits isolés. Les effets sonores
correspondants sont, en règle générale, faciles à trouver dans les bibliothèques
d’effets audio et, si vous recherchez un bruit aussi banal que le son d’une porte
qui se ferme, par exemple, nul doute que les collections libres de droits
d’éléments audio abriteront la perle rare.

2. Les effets spéciaux sont les nouveaux sons spécialement créés pour une
production. Ils sont particulièrement appréciés dans deux genres : le fantastique
et la science-fiction. Le grondement d’un dragon ou le bruissement d’un sabre
laser ne sont pas des sons qui existent dans la réalité, et qu’il faut donc créer.

3. Les bruitages, comme les effets spéciaux, sont expressément créés pour une
production. Souvent, les bruiteurs adaptent les sons qu’ils produisent à ce qu'il se
passe à l’écran. Si un personnage marche sur des graviers, le bruiteur
s’enregistrera en train de faire la même chose, en calant ses pas sur ceux de
l’acteur. Jack Foley, l’un des pionniers de la conception d’effets sonores qui a
travaillé sur les premières réalisations de bruitages synchronisés, a laissé son
nom, dans les pays anglo-saxons, aux bruitages réalisés en postproduction.

4. L’ambiance est le fond sonore d’un environnement donné. Le bruit de fond

d’une rue en ville diffère de celui d’une forêt, lequel diverge de celui d’un
immeuble de bureaux. Chaque scène exige un fond ambiant, au risque de
sembler anormale. Vous devrez parfois supprimer les bruits de fond d’un
enregistrement existant avant d’ajouter les vôtres.

Premiere Pro
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musique, sons et effets, pour le cinéma, la télévision et le web.
Autres types d’effets sonores
Il existe des catégories courantes d’effets sonores isolés et spéciaux.
 Les effets sonores de type glitch s’inspirent des technologies
défectueuses : bande analogique abîmée, vinyles ou CD qui sautent, friture
radio, bugs informatiques, etc. Un effet glitch peut laisser à penser que
l’enregistrement lui-même est endommagé ou détérioré.
 Comiques et souvent fantaisistes, les effets sonores de type dessin
animé donnent une impression délibérément peu réaliste. Bruits d’un
coup de maillet géant sur la tête, sons tristes joués au trombone,
sifflements à la tonalité montante lors d’une chute, rires maléfiques,
crissements de violon... Tous ces sons contribuent à plonger le public dans
une ambiance cartoonesque.
 Les effets sonores de bande-annonce sont courants dans les supports
promotionnels du cinéma et des jeux vidéo. Les souffles, sons d’impact,
grondements et autres effets donnent une impression d’action et de
dynamisme, surtout lors des transitions.
Effets sonores synchronisés ou non
Outre les catégories précitées, les professionnelles et professionnels du son font
une distinction globale entre deux types d’effets sonores : ceux synchronisés
(« hard SFX » en anglais) et les autres (« soft SFX » en anglais). Les premiers
doivent être synchronisés avec l’action à l’écran. Par exemple, les dialogues
doivent correspondre au mouvement des lèvres des personnes, et le son d’une
porte qui claque doit être synchronisé avec celle-ci à l’image.
Les seconds n’ont pas besoin d’être synchronisés avec l’action à l’écran. Par
exemple, les bruits ambiants et la musique n’ont en général pas besoin d’être
parfaitement synchronisés avec ce qu’il se passe à l’écran.
Sources des effets sonores
Pour obtenir des effets sonores dans une production, il faut les créer ou les
exploiter sous licence. Sur la plupart des très grosses productions, en règle
générale, les effets sonores sont créés en interne, en faisant appel aux services
d’un bruiteur ou d’une bruiteuse, qui produira des effets personnalisés adaptés
aux besoins des médias.
Les petites productions s’appuient généralement sur les ressources existantes.
Nombre d’effets sonores originaux sont archivés dans une bibliothèque d’effets
audio ou regroupés dans un pack d’effets sonores à usage commercial. Si vous
ne disposez pas du budget pour vous offrir les originaux, des effets sonores de
qualité sont gracieusement proposés sous licence Creative Commons par
quantité de sites web, tout comme d’autres ressources (musique libre de droits,
par exemple).

Comment ajouter des effets sonores à des projets complexes ?

Avant d’ajouter un effet sonore à un projet vidéo, un monteur ou une monteuse
son doit bien s’imprégner du script, s’entretenir avec le réalisateur ou la
réalisatrice et produire un rapport de sonorisation qui précisera à quel moment
intégrer les effets sonores à la bande-son. Suivez ce tutoriel pour ajouter des
effets sonores à une vidéo dans Premiere Pro.

1. Par simple glisser-déposer, insérez vos effets sonores dans le panneau Audio
essentiel pour les charger.
2. Balisez chaque effet sonore. Le panneau Audio essentiel vous permet de
libeller chaque effet sonore en conséquence avec des balises, comme
« ambiance », « bruit d’ambiance », « bruitages » ou « dialogue ».

3. N’oubliez pas de réaliser des fondus en entrée et en sortie pour chaque effet
sonore. Un fondu de la bande-son est indispensable, même s’il ne dure qu’une
fraction de seconde. Les raccords audio abrupts, à moins de viser délibérément
un effet esthétique, risquent de sembler contre nature.

4. Réglez le volume. Assurez-vous que tous les effets sonores se mêlent

harmonieusement les uns aux autres, et œuvrent à l’unisson avec les dialogues
et les pistes musicales.

Superposition des effets sonores

Les effets sonores doivent être superposés pour obtenir un résultat réaliste.
Quand vous êtes au restaurant, vous entendez simultanément des bruits
provenant de la cuisine, de la musique diffusée par des enceintes et la personne
qui s’adresse à vous de l’autre côté de la table. La superposition des effets
sonores consiste en quelque sorte à remplir l’espace audio. Mêlez sons basse
fréquence et sons moyenne et haute fréquences pour obtenir un environnement
sonore riche et équilibré.
 Les sons basse fréquence sont profonds et difficiles à distinguer, comme
les bruits de circulation et de pas ou les chaises que l’on rapproche ou
éloigne d’une table en les faisant glisser.
 Les sons moyenne fréquence sont plus clairs et de tonalité moyenne,
comme les bavardages.
 Les sons haute fréquence sont plus nets et aigus, comme une sirène ou
le tintement de l’argenterie.