Littérature anglo-saxonne Professeur : José Néstor Mevorás

La Renaissance

Le terme "Renaissance" désigne la période de renouveau artistique et intellectuel qui s'est développée en Europe.
entre les XIVe et XVIe siècles. En réalité, il faut le comprendre comme un ensemble historique qui englobe non seulement les arts, mais
également, la politique, la science, la religion. En synthèse, toutes les manifestations de la vie de l'homme. Le nom
"Renaissance" correspond à une désignation faite longtemps après et est lié au désir de cette époque de
récupérer la culture greco-romaine de l'Antiquité.

Les changements sociaux :

Comme c'est le cas avec toutes les périodes historiques, les changements de cette époque n'ont pas surgi de nulle part, mais
constituèrent, surtout, la fin d'un processus qui avait commencé à la Basse Âge Moyen (depuis la moitié du XIIIe siècle
jusqu'au début de la Renaissance) et qui était lié à un esprit de liberté, associé à l'épanouissement des
villes. Les habitants des noyaux urbains médiévaux avaient lutté pour obtenir une certaine indépendance par rapport à
les seigneurs féodaux, notamment en ce qui concerne la supervision de leurs marchés et le choix de leurs magistrats. Ainsi,
les villes ont réussi à acquérir une capacité d'action politique indépendante.
En plus de l'organisation municipale, il y avait des facteurs économiques qui ont été déterminants pour ce processus.
de transformation : la faillite du régime féodal a généré le décollage du capitalisme, entraînant l'enrichissement qui en découle
de l'artisanat et de l'activité commerciale. Cela a permis l'apparition d'un nouvel agent social, le bourgeois, un homme
distinct, à la fois, banquier, commerçant et industriel. Cette indépendance croissante a produit un changement de mentalité : les
Les hommes de cette époque étaient propriétaires d'une expérience différente qui leur permettait de penser une nouvelle relation avec le monde.
De cette manière, l'idée de l'individu comme centre de l'univers est devenue solidement ancrée, concept fondamental du
pensée renaissance.

La vie politique et la religion

À cette époque, un nouveau modèle d'État est apparu avec le pouvoir concentré dans les grandes monarchies. Cela
généra l'apparition d'une nouvelle figure royale : le souverain de la Renaissance, chef absolu du gouvernement, distinct du roi de la
époque féodale, dépendante du soutien et du soutien de la noblesse. En 1513, Nicolas Machiavel a écrit Le Prince, œuvre en
la qui a créé l'idée du statisticien moderne, impensable pour la mentalité médiévale.
La pensée religieuse s'est également renouvelée. Comme les idées de la Renaissance ont permis un plus grand développement de
L'individualité, l'homme a commencé à vivre d'une manière différente sa relation avec la nature et avec Dieu. Ainsi a commencé
un processus de transformation religieuse qui a provoqué de graves crises et des affrontements. Le moine augustin allemand Martin Luther
la Réforme a commencé, un mouvement qui a rompu l'unité religieuse de l'Europe et qui a donné naissance aux églises protestantes,
indépendants du pouvoir du Pape. En réaction, les catholiques ont commencé, plus tard avec la Contre-Réforme, un
mouvement destiné à combattre les effets de la Réforme protestante. La Renaissance dans la culture Sans aucun doute, l'un des
Les aspects de la renaissance qui ont le plus perduré dans l'histoire sont ceux liés à la culture dans n'importe lequel de
ses manifestations : les arts plastiques, la musique, la littérature et la philosophie.
L'intérêt pour l'Antiquité classique (d'où le nom de 'Renaissance', qui fait justement référence à la gloire de
cette étape, qui "renaît") a défini la thématique des arts plastiques renaissants. L'histoire et les mythes de la Grèce et de
Les Romains se sont établis comme l'une des sources les plus importantes de motifs pour les peintures de l'époque – avec les
thèmes religieux et portraits de familles.
En ce qui concerne ses prémisses esthétiques, tant la peinture que la sculpture et l'architecture poursuivaient avec intérêt les
formes fournies, harmonieuses et ordonnées. La représentation naturaliste de la figure humaine constituait une autre de les
recherches du moment ; dans les œuvres, il est notable la présence permanente d'images masculines et féminines dans
variétés d'expressions, de gestes et de postures.
En Italie, en particulier à Florence, des peintres, comme Raphaël Sanzio, Sandro Botticelli et Léonard de
Vinci ; également des sculpteurs, comme Michel-Ange Buonarroti et Benvenuto Cellini ; et des architectes, comme Filippo Brunelleschi,
León Bautista Alberti et le propre Michel-Ange. Les arts musicaux ont également connu des changements, qui se
on observe le grand développement des formes polyphoniques.
D'autre part, dans la vie culturelle de cette période, la figure du mécène a pris une grande importance, un individu de la
haute bourgeoisie sous la protection économique de laquelle travaillaient les artistes. Bien que, souvent, ils produisaient sur commande,
Des peintres, sculpteurs, musiciens et poètes ont spontanément dédié un grand nombre d'œuvres à leurs protecteurs.

L'humanisme
En de nombreux aspects, "Humanisme" et "Renaissance" sont considérés pratiquement comme synonymes. Mais bien que
les deux ont poursuivi un idéal d'humanité inspiré de l'époque classique, le concept de Renaissance a une plus grande
atteint et désigne tous les phénomènes de la période historique, tandis que l'Humanisme renvoie, surtout, aux lettres, les
beaux-arts et la philosophie.
Les humanistes étaient, pour la plupart, des enseignants et ont déployé une nouvelle méthode d'enseignement : les Studia.
Humanités, qui se concentraient, en particulier, sur le langage. Elles consistaient en cinq disciplines (Grammaire, Poétique,

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Rhétorique, Histoire et Philosophie Morale), dont l'axe consistait en ce que la parole est un élément fondamental pour le développement
de l'être humain. C'est pourquoi, pour ces intellectuels, la lecture et l'explication de la grammaire et de la poétique étaient pertinentes.
les auteurs classiques ; c'est-à-dire l'étude concentrée et l'imitation de leurs façons d'écrire et de composer. Mais son
Le travail ne consistait pas en une simple imitation de ces formes, mais en une mise à jour des modèles aux nouveautés de son
temps.

Le panorama littéraire en Italie

La littérature n'a pas échappé à la transformation de la Renaissance. L'apparition de l'imprimerie à caractères mobiles a permis
une diffusion, jusqu'alors, inédite de la culture écrite. Au-delà du fait qu'un pourcentage élevé de la population
continuait d'être analphabète (état qui n'a pas changé pendant longtemps), les livres ont eu une arrivée beaucoup
maire au public lettré de ce qu'ils avaient eu jusqu'à présent.
En Italie, à une étape beaucoup plus précoce que dans le reste de l'Europe, des poètes - comme Francesco Pétrarque (1304-
1374)- montrèrent, dans leurs œuvres, des éléments représentatifs de l'esprit de la Renaissance. En Espagne, il faudra attendre
jusqu'à la fin du XVe siècle ou au début du XVIe siècle pour trouver des manifestations littéraires véritablement renaissantes.

Derrière les modèles classiques

Tout comme les peintres et les sculpteurs, les littérateurs de l'époque ont également manifesté leur admiration pour les auteurs
de l'Antiquité. Ainsi, ils ont ressuscité des poètes jusqu'alors oubliés -comme Catulle, maître de la lyrique ancienne- et
ils ont commencé à les traduire et à les imiter.
D'autre part, ces intellectuels, profondément humanistes, accordaient une importance fondamentale à la parole.
En effet, ils étaient convaincus que la poésie était capable d'élargir l'esprit et d'élever l'esprit. Sans aucun doute, cette
la vocation didactique de la littérature était également héritière de sources classiques dont Platon, Aristote et Horace (avec son
la formule "enseigner et ravir") sont les exponentiels les plus notables. D'où le fait que l'activité créative jouisse d'un
considération et que des projets littéraires de long terme soient entrepris.
Au cours de la Renaissance, une grande variété de genres et de formes littéraires s'est développée : les poètes
ils ont expérimenté à la fois la prose et la poésie (dans laquelle ils ont essayé des formes strophiques et des métriques très différentes) et
ils ont exploré des thèmes historiques et fictifs. Le genre dramatique a connu une évolution sans précédent à cette époque,
bien que pas tant en Italie, mais plutôt en France, en Angleterre et en Espagne.
Si bien, durant le Moyen Âge, les langues nationales (romanes) avaient déjà réussi à se faire une place dans la
la littérature, durant la Renaissance, le latin a perdu sa place de langue obligatoire de l'écriture savante et les langues
les vernaculaires ont acquis le prestige nécessaire pour être acceptés dans les textes littéraires.
Les postulats esthétiques de la Renaissance littéraire sont liés à ceux qui ont été soulignés pour les beaux-arts.
et pour la musique. La clarté et la naturalité, l'harmonie et l'équilibre constituaient les idéaux auxquels aspirait le poète
de ces temps ; d'où l'on privilégiait l'utilisation d'un langage transparent et sobre. Cependant, l'exacerbation de la
l'individualité et l'exercice de l'introspection ont principalement donné lieu, surtout dans la lyrique, à l'expression de concepts
profondément élaborés et complexes. Parmi les écrivains italiens notables de ce moment, celui qui, sans aucun doute, plus
l'influence et la transcendance de Francesco Pétrarque, avec son travail sur la poésie lyrique.

Le panorama littéraire en Angleterre et en France

En Angleterre, Sir Thomas Wyatt (1503-1542) fut le premier à introduire les formes poétiques dérivées du
pétrarquisme, bien qu'il les ait adaptées aux impositions de la langue anglaise, qui ne permettaient pas l'adoption de l'endécasyllabe
(vers de onze syllabes). C'est pourquoi, Sir Wyatt a utilisé des décasyllabes (vers de dix syllabes). Plus tard, William
Shakespeare (1564-1616) a également expérimenté ces formes poétiques. Avec Christopher Marlowe (1564-1593),
Shakespeare était le dramaturge le plus important du style renaissance anglaise, connu sous le nom de « cycle élisabéthain ».
Cependant, il existe des œuvres de Shakespeare dont les caractéristiques l'assimilent à la période culturelle qui suit la Renaissance : le
Baroque.
En ce qui concerne l'activité poétique de la Renaissance française, elle est représentée par un groupe de sonétistes.
dénommé la Pléiade, dirigé par l'écrivain Pierre de Ronsard (1524-1585).

ORIGINES DU THÉÂTRE ANGLAIS

Retroussons maintenant nos manches pour jeter un œil sur les origines du théâtre anglais et son état au XVème siècle, époque
importante, parce qu'elle a fixé par écrit, comme nous les connaissons, la plupart des œuvres antérieures et sont arrivées
losmisteriosa son apogée. Nous devons voir plus tard un épanouissement théâtral qui nécessitera l'explication préalable de comment
pouvait surgir et de quelle préparation avait-il besoin.

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Du drame latino arrivé à sa plus basse dégradation, il restait, aux IVe et Ve siècles, comme une infime réminiscence,
lesmimos, communs à toute l'Europe. Ses représentations très pauvres ont laissé très peu de traces sur le drame anglais.
Beaucoup plus les éléments populaires et ecclésiastiques ont influencé. Lors des grandes festivités, comme celles de Pâques, il y avait des
représentations pour le peuple, rustiques et ingénues, appelées mummings, dont le sujet était généralement basé sur la vie et les faits de
Robin des Bois ou Saint Georges, ou bien étaient des allégories scénifiées, comme celle figurant l'expulsion de l'hiver. Ces
Les fêtes avaient souvent un caractère bruyant qui dégénérait en licence.
L'Église a également, comme partout, beaucoup contribué au maintien du drame populaire. Pour faire
plus intelligibles et palpables les épisodes contenus dans les Évangiles, des "tableaux vivants" furent donnés avec accompagnement de
hymnes chantés. On en parle déjà au Ve siècle, et c'est là l'origine des mystères, qui vinrent plus tard, à partir
du Xe siècle. Les prêtres participaient à sa représentation, et celle-ci avait généralement lieu près d'une église. Les affaires
c'étaient des scènes de la Crucifixion, de la Résurrection, de l'histoire de Noé, de Lazare, etc., ce qui a conduit aux
représentations de miracles et d'autres avec des allégories de la justice, de la grâce divine, des vices, par exemple. Avec le
temps, les prêtres ont cessé de représenter, et ceux qui s'en sont occupés étaient les artisans, les étudiants et les
enfants des écoles. Des cycles ou groupes de ces mystères ont été formés, associés au nom de certaines villes, et ainsi
il y avait le cycle de vingt-quatre représentations ou œuvres de Chester, quelque part au-delà du milieu du XIIIe siècle ; celui de York, le
de Townley, celui de Coventry et d'autres. Chaque métier s'occupait d'une des œuvres de la série, œuvre en un acte. Une fois
Ensayée, on plaçait tout le nécessaire pour la représentation dans un énorme carrosse appelé pageant, comme si
nous dirions le spectacle, et la couverture de ce véhicule était la scène en plein air. Shakespeare a donné dans Un songe d'une nuit d'été
Rêve de nuit, la caricature de l'une de ces représentations.
Vers le milieu du XVIe siècle, le dernier prédécesseur du véritable drame, l'interlude, a fleuri, court,
avec des types généralement du peuple ou des moines, et une abondance de sels quelque peu épais. John Heywood s'est distingué comme auteur
de ce genre d'œuvres. Mais jusqu'à plus tard en 1550, l'œuvre de caractère dramatique, inspirée de l'étude de
les classiques, en particulier les œuvres de Sénèque, avec tous leurs défauts et leurs conventions. Celle qui pourrait être la plus
ancienne tragédie d'Angleterre, elle a été écrite en 1562 par Norton et lord Buckhurst, et s'intitule Gorboduc.
Les caractéristiques des œuvres dramatiques historiques, plutôt des dramatisations des chroniques, appartiennent également à l'époque.
On y combine des éléments tragiques et comiques. Cette combinaison, étrangère au drame classique, est considérée comme une
gloire de la scène à l'époque d'Isabelle, ces productions étant les précurseurs des drames historiques de
Shakespeare.
La comédie a trouvé un représentant en Nicholas Udall, qui a écrit en 1551 la plus ancienne : Ralph Roister
Doister. La comédie anglaise imitait la latine et l’italienne ; mais elle prenait beaucoup plus des représentations populaires
appels mummings, dont l'amplification était une partie. Elles étaient généralement écrites en prose et en vers, et contenaient
chansons curieuses.
Tous ces éléments sont plus ou moins candides, plus ou moins puérils et nécessitant un poli.
époque mettait à la disposition d'un véritable homme de théâtre qui savait en tirer parti. Les dramaturges en ont profité.
antérieurs à Shakespeare que nous verrons plus tard ; mais l'homme dont on avait besoin était lui, le plus grand auteur dramatique de tous ceux qui
la scène a vu.

Époque élisabéthaine
Une nouvelle époque, la appelée Époque élisabéthaine, commence avec le règne d'Élisabeth, la reine aimée de ses sujets.
dans un pays prospère, qui avait une cour joyeuse, animée, protectrice des lettres. Comme on l'a dit, "les affaires
literarios se convirtieron en algo d'importance presque nationale". Le Renaissance s'est alors fait sentir fortement dans
L'Angleterre ; l'étude du grec a acquis, comme il a déjà été indiqué, une très grande importance et, avec celle du latin, a influencé
pas peu dans la langue, qui a perdu beaucoup de sa rudesse primitive, comme le style. Mais l'essence de ce classicisme s'alliait
avec le grand élan romantique de l'époque, avide de ce qui était lointain ou merveilleux et de la beauté dans toutes ses
manifestations. Un certain esprit aventurier de nouveautés ramer dans le pays et dans la littérature, avec le désir de rompre
les moules usés du passé. Par la poésie anglaise "le vent vivifiant du vaste monde passait parfois", dit un
critique moderne. On traduit les grandes œuvres d'Homère, de Plutarque, de Virgile, de Tite-Live, et à côté celles d'Arioste,
de Tasso et de Montaigne, mais ils ne s'imitent pas servilement avec un critère fermé et pédant ; tout cela plaît, on en profite.
ses splendides semences se mélangent avec d'autres d'Italie, de France, d'Espagne, mais, enfin, entre greffes et hybridations, à
ce qui se tend, avec le profond sens d'originalité, de personnalité inconfondable que possède la race, est à la création
de nouvelles plantes, qui améliorent ou, tout au moins, transforment celles d'origine.
En medio tan favorable empieza à fleurir la poésie d'Edmundo Spenser, qui prend pour modèle dans le style et en
le langage à Chaucer ; mais y ajoutant toute la grâce et la finesse de sa propre époque. Ce n'était pas là sa seule dévotion. car
Depuis enfant, j'avais traduit les poètes français, surtout Du Bellay et Clément Marot. Plus tard,
exerçant le poste de secrétaire du comte de Leicester, favori de la reine, il a été envoyé par lui en missions officielles à
La France, l'Italie, l'Espagne, et il a complété, avec les voyages, ses connaissances. Ce fils d'un pauvre tailleur londonien,
descendant, apparemment, d'illustres ancêtres, éduqué dans l'école soutenue par la guilde, il était devenu un
importante cortesano plus, grâce à l'esprit de l'époque, où l'intelligence était protégée et élevée, et le fait d'être poète ouvrait
les portes de la haute société et, parfois, de la fortune.
Depuis le début de sa carrière, en 1579, Spenser avait en tête l'ambitieux projet d'écrire son grand
poème La Reine des Fées. Une fois une partie terminée, il l'envoya à un de ses amis pour qu'il la juge, et celui-ci la désapprouva. La
arrinconó Spenser descorazonado, et ainsi elle le tint pendant dix ans. Précisément The Faerie Queene (La Reine des

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hadas)fue après la que lui couronna de gloire. Elle publia, entre-temps, cette même année, une autre œuvre qui se soumettait plus au
camino trillado: Le Calendrier des Bergers, douze églogues dont le titre général était tiré du Kalendrier des Bergers
almanaque français populaire. J'imitais là Clément Marot, Théocrite et Bion, Virgile et Sannazzaro. Je présenta le livre si
modestement qui parut anonyme, et, pourtant, forgea à l'auteur une réputation naissante ; mais seulement
Queene, poème allégorique dans lequel les livres de chevalerie se mélangent avec des références mythologiques, avec des leçons de
moral et allusions politiques à des personnages de l'époque, a scellé la renommée de celui qui devait être appelé "le plus grand poète"
de son temps après Shakespeare", et "l'Arioste anglais".
De Spenser a dit Charles Lamb, et il avait raison, qu'il était un poète pour les poètes. Aujourd'hui, tout le monde ne peut pas le lire.
sans ressentir l'impression fatigante de se perdre dans un monde imaginaire où les phénomènes les plus inattendus se succèdent sans
César, avec une telle fécondité inépuisable et une telle bonne foi que l'on ne croirait que cela puisse se trouver que chez les poètes primitifs.
Quiconque a l'âme d'un artiste savourera cette œuvre à petites gorgées, avec le glossaire à côté pour les mots moins
semblables à celles de l'anglais moderne, en se référant à l'histoire pour certaines allusions ; mais surtout, en admirant l'auteur
comme peintre de grands tableaux, qui rivalisent avec ceux des meilleurs maîtres de l'école italienne. N'est-ce pas que tant
L'allégorie et le double sens dans les phrases et dans les scènes finissent par déranger les hommes d'aujourd'hui, comme déjà, malgré le fait d'être
anglais, n'hésita pas à dire l'historien Macaulay, trouvant Spenser lourd ; mais en laissant cela de côté, des défauts
de l'auteur, du manque de cohérence et de chaleur humaine de certaines des figures qu'il invente, il faut reconnaître que c'est un
poète d'une fantaisie abondante.
Pour nous, les étrangers, son adoration continue pour sa chère vsacrosantareina Isabel est pour le moins écoeurante.
en qui va personne ne croit plus qu'en certains manuels scolaires. En revanche, Marie Stuart, sa victime, qu'il cache
Spenser sous le nom de Duessa, qui représente également pour lui le catholicisme, a, à ses yeux, tous les défauts du
monde, c'est un monstre, tout comme le grand monarque espagnol Philippe II. Cet aspect historique et même politique est curieux.
religieux du poème ; mais cela s'éloigne beaucoup d'être l'essentiel, si cela a pu lui servir momentanément à assurer son intérêt.
Spenser semblait presque être le plus grand des poètes et le plus sage des hommes. Telle était l'opinion de Dryden, de qui
Cette phrase hyperbolique : "Jamais un homme ne naquit doté d'un plus grand génie que Spenser, ni ne posséda davantage de
connaissances sur lesquelles l'appuyer". En tant qu'éloge, c'est complet; mais une preuve de discrétion aurait été de ne pas se montrer aussi
rotund dans les affirmations. Explique que la Reine des fées était Isabel, et le pays dans lequel elle régnait, l'Angleterre.
À part cela, Milton a été appelé son père poétique, et les plus grands poètes anglais lui ont également fait l'éloge. Tout cela
pour être l'auteur d'un poème qui est resté inachevé. Des douze livres que celui-ci devait avoir, Spenser n'a pas réussi à
compléter ni sept, même s'il écrivait trente mille vers. Les Reines des Fées, donc, un fragment immortel.
D'autres poètes de l'époque ont acquis une renommée particulière : Thomas Sackville, comte de Dorset (1536-1608) ;
Sir Philip Sidney (1554-1586), chef d'un groupe littéraire raffiné de figures de la cour et de la milice, et auteur de la
fameuse collection de sonnets Astrophel et Stella; George Gascoigne (1535-1577); MÍchael Drayton (1563-1631);
Phineas Fletcher (1582-1650); John Donne (1573-1631), sans aucun doute le plus profond et original de tous, bien que suffisamment
métaphysique et inégal, etc. Un trait typique de cette fin du XVIe siècle et du début du XVIIe est l'abondance de
«Miscellanées poétiques», collections de poésies de plusieurs auteurs (Le nid de Foenix, Le Pèlerin passionné, Angleterre)
Helicón, le paradis des délicieuses inventions, etc.) La seconde contient des compositions de Shakespeare et de Marlowe.

Laissons maintenant de côté les formes lyriques et épiques de la poésie, pour revenir au théâtre anglais avant Shakespeare, qui
a fourni, pendant plus de soixante ans, des œuvres de valeur. Les thèmes étaient généralement tragiques, et le style résonnant,
déclamatoire, étant le vers préféré le libre. Parmi les auteurs de comédies, on peut presque dire que le représentant du
Le genre fut John Lyly (1553-1606), plus célèbre dans un autre concept, qui, dans ses œuvres Alexander et Campaspe,
EndymionLa Femme dans la Lune, offre les premières exemples de la comédie romantique, entre 1584 et 1592.
Mais il y a d'autres auteurs d'œuvres théâtrales dignes de mention : Peele, Greene, Nash, Lodge, Kyd et Marlowe. George Peele
(1558-1598) a The Araygnement of París, une sorte de comédie.
Christopher Marlowe (1564-1593) représente, dit-on, "le meilleur et le pire de ces temps". C'est presque le
unique des dramaturges précédant Shakespeare dont la renommée s'est maintenue à l'étranger. Ses quatre plus
Des œuvres renommées, écrites en quelques années, sont Tamburlaine le Grand (1587), Docteur Faustus (1588), Le Juif de Malte
(1589), yEdward II(1593). Par la série d'horreurs et de magnificences qu'elles contiennent, les quatre se ressemblent. De la
tout d'abord, il convient de souligner le style emphatique et déclamatoire depuis le titre ; la seconde a eu la chance d'inspirer Goethe son
Fausto, et malgré tous ses défauts, présente un caractère et une action véritablement tragiques, car le protagoniste
c'est un croyant, après tout, terriblement tourmenté par les remords, Marlowe a su terminer et adoucir son
œuvre avec l'apparition d'Elena, comme idéal éclatant de la beauté féminine, et avec les mots prononcés par le chœur,
coupée est la branche qui aurait pu croître et
prosperado; brûlée la branche du laurier d'Apollon qui avait auparavant couronné cet homme de science. Faust a cessé d'exister.
Marlowe a été accusé d'athéisme et de blasphème, et s'il a échappé à la prison et au supplice, c'est en raison de sa mort soudaine ; mais dans
L'histoire tragique du Dr. Faust, le pouvoir de Dieu ne se défie pas sans la punition qui s'ensuit, et la fin contient son
moraleja.
En ce qui concerne The new of Malta et Edward II, les deux autres œuvres majeures de l'auteur, on considère que la première
inspiré, probablement, Shakespeare à écrire son Marchand de Venise, bien que cela ne soit pas plus qu'un
série désagréable de crimes et d'horreurs entassés sans discrétion, au point de devenir invraisemblables par pure exagération
note de malice. Si c'est là la source à laquelle a fait appel le créateur de Shylock, il faut une fois de plus donner raison à l'historien
littéraire qui a dit que Shakespeare a su transformer le plomb en or. Aussi Edward II lui a servi de modèle pour ses

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critiques dramatiques, qui savaient améliorer ce qu'elles imitaient, même si Edward II contient des scènes très dignes d'éloges. C'est la
histoire présentée en tableaux, qui défilent sous nos yeux, souvent sanglants et terribles, en général. Mais malgré cela
Malgré tous ses défauts, Marlowe avait de temps en temps des éclairs de génie poétique, et c'est ce qu'affirment ses critiques les plus favorables.
que se doit d'avoir amené à la perfection le vers libre de Chaucer et d'avoir donné vie à la tragédie anglaise.
Voici comment A. Meziéres décrit l'état du théâtre anglais à l'arrivée de Shakespeare à Londres. — "Je rame dedans
la plus grande diversité : des pièces qui étaient de véritables bouffonneries, que, en partie, improvisaient des acteurs populaires ; des drames
classiques, soumis aux règles, ornés de discours et de vulgarités oratoires ; une comédie de cour, mythologique et
quintaessencée; enfin, des tragédies poétiques, pleines de passion, de mouvement, d'imagination et d'actions tragiques, de
péripéties, de catastrophes et de luttes sanglantes." Voici la première matière que devait si brillamment transformer
le grand poète.

Voyons maintenant qui était William Shakespeare ou Shakspere, comme le souhaitent la New Shakspere Society et d'autres.
Bien sûr, je vais ici ignorer tous les rêves et réflexions qui ont inspiré de nombreux livres de polémique littéraire.
dans lesquels on discute, jusqu'à la ridicule, de la personnalité du grand poète, qui se refuse, et de l'authenticité
de ses œuvres, qui ont été attribuées gratuitement à un autre, à Bacon, De rêve fantastique au-delà des limites de toute raison
Sidney Lee évalue cette hypothèse, qui est facilement détruite en voyant à quel point Bacon était un poète pauvre quand,
comme cela arrive à tant d'hommes illustres qui ne sont pas nés pour cela, il lui semblait désirer versifier. Je considère comme la plus sûre
biographie la traditionnelle, qui nous le présente comme un comique connu à Londres, puis enrichi bourgeois de
Stratford-upon-Avon, où il était né, ayant été baptisé le 26 avril 1564, et où il est mort le 23 avril 1616, le
même jour et année, en apparence, que Cervantes, bien que dans le calendrier britannique de l'époque cette date équivalait au 12 de
avril. À son décès, il avait donc cinquante-deux ans.
William Shakespeare était le fils d'un commerçant en divers produits agricoles (ce qui l'obligeait à être
boucher, gantier, etc.), établi dans la riche ville de Stratford-upon-Avon. Sa mère était la fille d'un propriétaire terrien de
un village voisin. On peut donc dire qu'il coulait dans les veines du jeune quelque chose de sang paysan, par son origine. Les
Les écoles de grammaire de l'époque offraient aux garçons de humble position leur enseignement. De cela, ils purent
profiter Guillermo Shakespeare, à l'instar d'autres qui ont ensuite adopté la même profession d'acteur, et comme de
dans ces écoles, on sortait en parlant et en écrivant couramment en latin et en sachant développer des thèmes littéraires, tout cela
il devait lui être d'une utilité marquée à l'avenir. Sydney Lee dit que des camarades de classe de Shakespeare qui ensuite n'ont pas réussi
de drogistes ou de bouchers dans la ville, correspondaient avec lui dans ce latin si bien appris dans le
école.
L'éducation de Shakespeare a été interrompue lorsqu'il avait un peu plus de quatorze ans, en raison du mauvais état
des affaires paternelles exigea qu'on la retire de l'école mentionnée. Elle ne put entrer à l'université, et seule, sans
aide une, acquit les connaissances que son immense désir de lire lui procurait. Cas le plus fréquent de ce
que l'on croit être celui parmi les grands écrivains, sans que cela ne semble leur avoir fait perdre beaucoup. En nous limitant à la
époque de Shakespeare, Sidney Lee fait remarquer que ce qui lui est arrivé s'est également produit à d'autres esprits, comme Ben Jonson,
sapientissimo en matière de culture grecque et latine, lequel, étant garçon, fut retiré de l'école par son beau-père pour
que n'apprendrait rien de moins que le métier de maçon, et comme sir Walter Raleigh, qui a abandonné l'Université d'Oxford,
pour ne pas vouloir se soumettre à aucune discipline, et ensuite il étonna tout le monde avec son "Histoire du Monde", un formidable recueil
de sabia y recóndita investigación
Le père de Shakespeare souhaitait que son fils l'aide dans la pratique de ses divers métiers ; mais il n'a pas pu y parvenir.
Elle s'est mariée à un âge très précoce, à dix-huit ans, et à vingt-deux ans, ou peut-être avant, elle est partie de sa ville, se dirigeant vers
Londres, accompagné de sa femme et de trois enfants. Sans argent et sans amis, il ne lui est rien venu à l'esprit de mieux que de se consacrer à être
acteur et a écrit des pièces de théâtre, dans lesquelles il jouerait lui-même des rôles. Il est entré dans un théâtre, mais on dit que pour exercer
en lui les métiers les plus humbles, jusqu'à ce qu'il puisse probablement prouver à l'entrepreneur qu'il savait adapter une œuvre
ancienne aux besoins de la scène de son temps et au goût de son public. Ce qui ne semble pas, c'est que cela ait été bref ni facile le
période d'essai à laquelle il devait se soumettre : cela durerait environ sept ou huit ans de travail et d'études intensives pour le
acquisition de connaissances très variées.
Jusqu'en 1591, probablement, car rien n'est sûr, sa première œuvre originale ne fut pas représentée, qui pour Sidney
Lee fut "Les labeurs d'amour perdus", bien que d'autres diffèrent de son avis. Quoi qu'il en soit, "Roméo et Juliette" fut celle qui lui a été attribuée.
définitivement à la hauteur qu'il méritait. Il trouva protection à la cour, les portes du palais s'ouvrirent devant lui et lui et sa
la compagnie a été représentée devant la reine. Cependant, il ne semble pas que l'acteur valait autant à ses yeux que l'auteur. Les premiers
papeles dans ses œuvres représentaient les meilleurs comédiens de son temps, Burbage et Kemp, et il avait l'habitude de se réserver les
secondaires. Cependant, il est devenu directeur de sa compagnie, et cela nous aide à comprendre que ce que par-dessus tout
ce qui devait l'inquiéter, c'était le bon succès matériel, pratique, des œuvres qu'il écrivait et représentait, pour quoi il ne le faisait pas
il était important de se pencher sur des affaires déjà connues, car cela me permettait de les juger à l'avance. Les grands triomphes étaient obtenus avec la
plume, et pas seulement à la cour et parmi les gens les plus cultivés, mais aussi parmi le grand public, qui cette fois-ci a totalement réussi
l'applaudissant.
Trente-sept titres sont souvent cités de ses œuvres théâtrales (certaines ont deux ou trois parties), comédies, pièces
historiques et tragédies. Pour les lecteurs étrangers, les noms les plus populaires sont, par ordre purement probable de
production
Ado à propos de rien, Jules César, Les Joyeuses Commères de Windsor, Hamlet, Othello, Macbeth, Roi Lew, Antoine et
Cléopâtre, Coriolan, Cymbeline, La Tempête... Bien pourraient s'ajouter celles qui manquent jusqu'à trente-sept, parce que

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Literature anglo-saxonne Professeur : José Néstor Mevorás

Shakespeare n'a pas de gaspillages ; mais il ne manque pas de gens pour nier qu'une d'entre elles soit de Shakespeare, bien qu'on lui...
attribue.
Tous ces ouvrages ont vu disparaître les manuscrits. L'auteur lui-même n'en a fait imprimer aucune, et bien que
dix-huit d'entre elles apparurent au cours de sa vie dans des éditions appelées en quarto. Celles-ci ne furent pas faites avec son autorisation.
Jusqu'en 1623, sept ans après sa mort, l'édition appelée First Folio ne fut pas imprimée, dans laquelle les œuvres ne sont pas
disposées par ordre chronologique, ni on ne dit à quelles dates elles ont été écrites, ce qui a donné lieu à d'innombrables
discussions.
Shakespeare ne se souciait pas beaucoup du manque d'originalité dans les intrigues de ses œuvres, mais cela ne le rendait pas moins...
unique parmi les classiques. Dans un drame ancien, il trouva d'abondants matériaux pour son magnifique Roi Lear; dans de vieilles chroniques,
pour ses drames historiques ; dans des contes antérieurs à Le Marchand de Venise et peut-être dans Le Juif de Malte, de Marlowe, il est
le germe de ce drame ; son Othello se trouve déjà chez le conteur italien Cintio (c'est-à-dire Geraldi) ; d'origine également
italienne son Roméo et Juliette et la plupart de ses œuvres... Tout cela et plus peut être dit ; cependant, quel splendide
mode de respecter les biens d'autrui pour réaliser cela, déjà cité ici, de transformer le plomb en or !
S'appuyant sur les conteurs italiens, (dont il a beaucoup tiré), ou sur ses lectures d'anciennes chroniques, ou bien
de Plutarque, de Plaute, d'Ovide, de Virgile, de classiques grecs ou de drames anglais anciens, de Montaigne et d'autres;
confiant quelquefois à sa propre fantaisie le travail d'inventer l'action tragique ou comique de ses œuvres, les personnages ou,
Enfin, combien de détails fallait-il pour insuffler la vie à ceux-ci, il créa des types comme les immortels de Hamlet et d'Ofélie;
Lady Macbeth; de Roméo et Juliette; les magnifiques du roi Lear et de sa fille Cordélia; ceux d'Othello, de Desdémona et de
Yago ; celui de Falstaff dans Les Joyeuses Commères de Windsor et dans Henri IV ; ceux de Titania, Puck et Oberon dans A
Le Songe d'une nuit d'été ; celui d'Ariel, dans La Tempête, avec ceux de Prospero, sa fille Miranda et le sauvage Caliban ; le
de Katharina dans La Mégère apprivoisée ; le roi Henri VIII d'Angleterre, la reine Catherine de
Aragon, sa femme, après avoir divorcé, et Anne Boleyn; Images, dans Cymbeline; Coriolan, Jules César, Marc Antoine et
surtout Cléopâtre, dans les œuvres qui portent ces titres, etc.; car même dans les types secondaires, par exemple, dans les
déclown ode bouffon, espèce de malheureux de notre théâtre, que Shakespeare trouva déjà en anglais et sut profiter de
humorismes ou pour l'expression de grandes vérités, pas toujours agréables, ou d'audaces qui autrement ne passeraient pas,
Même en eux, il y a beaucoup à admirer. L'une des nombreuses phrases qui peuvent servir d'exemple est celle du clown dans Anthony et
Cléopâtre : Je sais qu'une femme est un plat pour les dieux, si le diable ne l'habille pas.
si le diable ne l'a pas cuisiné).
Eh bien : de ce grand poète, méritant par sa forte et indépendante personnalité le nom de grand romantique,
de qui Hazlitt a dit qu'il "renfermait en lui tout un univers d'idées et de sentiments", et qu'il "avait le don de
comuniquer puissamment aux autres
bon goût et sans la moindre connaissance des règles
il a écrit cela. En revanche, en dédommagement d'une attaque si exagérée, Dumas père et Victor Hugo ont formulé deux
des jugements ingénieux qui poussent l'exagération à l'extrême opposé. Dumas a dit que "après Dieu, Shakespeare était celui qui
mais avait créé", et Hugo que "dans l'histoire du monde, seuls trois hommes étaient vraiment mémorables; Moïse, Homère
y Shakespeare". La vérité est ici beaucoup plus proche des hyperboles pompeuses de Dumas et de Hugo que de la
envieuse incompréhension de Voltaire, par de nombreux et grands défauts qu'une critique impartiale doit reconnaître dans le
poète anglais. Après de si grands éloges au dramaturge, que peut-on dire de Shakespeare considéré purement
comme lyrique ou épique, il est pâle. Il n'a pas seulement versé toutes ses qualités de poète dans ses œuvres théâtrales : la critique les
étudie aussi celles de lui qui se conservent Vénus et Adonis, Le Viol de Lucrèce (œuvres de sa jeunesse), Un Amoureux
Plainte, Le Pèlerin Passionné ; mais, par-dessus tout, il y a ses sonnets délicats et subtils, cadeau de
gourmetsliteraires. À cent cinquante-quatre, et dans tous, on peut voir la forme la plus typique du sonnet.
anglais (qui n'est pas le pétrarquiste) : trois quatrains, dont les consonnes sont différentes, avec une complète indépendance,
consonant le premier vers avec le troisième et le second avec le quatrième, et après les quatrains suit un distique qui termine la
composition. Ainsi, le sonnet véritablement anglais, différent du nôtre, bien qu'il ait quatorze vers, manque de
tercets et de la répétition de consonances semblables. Voici une preuve supplémentaire que le sonnet ne s'est pas toujours ajusté à
la forme que beaucoup considèrent comme indispensable et qui, en réalité, est celle qui s'est imposée. D'autant plus, dans le Passionate Pilgrim.
se voient qualifiés de sonnets, adaptés à diverses mélodies, qui ne sont rien de plus que légers et, d'autre part, insignifiants
chansonnets, écrits dans une variété de mètres et de rimes, et de longueur très inégale.
Après Shakespeare, le drame anglais décline. Ben Jonson (1574-1637), contemporain et admirateur, bien que
casi antagoniste, de celui-là, a apporté au théâtre l'expression de nouveaux sentiments, la vigueur de style et de grandes qualités ; mais il
il manquait l'essentiel : le génie. C'était un homme d'une culture extraordinaire, bien que, comme nous l'avons vu, il ait été maçon dans sa jeunesse.
après quoi il devint soldat ; et cette même culture l'amena à devenir une sorte de représentant des unités
classiques dans le théâtre anglais, à l'époque où Shakespeare et le public faisaient triompher le plus indépendant et révolutionnaire
romantisme. Il allait à contre-courant de l'opinion populaire, mais il réussit à devenir le dictateur littéraire de son époque et à implanter un
genre de comédie peu cultivé jusqu'alors et qui allait beaucoup l'être par la suite : celui des mœurs londoniennes
du jour.

EnHistoire Universelle de La Littérature. “Littérature Anglaise”. Ramon D. Perez. Bibliothèque hispania. Provenza 95.
Barcelone 1995.

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LE THÉÂTRE

Au début de l'ère chrétienne, l'Église a condamné les arts qui étaient liés, naturellement, à la culture.
païenne. C'est pourquoi il est paradoxal qu'au Moyen Âge, le théâtre ressuscite de la liturgie. La messe représente la
Passion ; dans les Saintes Écritures, il y a de nombreux épisodes dramatiques. Les clercs, pour l'édification des fidèles, ont mis en scène
certains d'entre eux ; du temple on est passé au parvis, du latin aux langues vernaculaires. Ainsi naissent les miracle plays, qui en France
et en Espagne, ils s'appelaient mystères. En Angleterre, les guildes ont dramatisé toute la Bible et ont fini par représenter, en plein air
libre, l'histoire universelle depuis la chute jusqu'au Jugement. Les fonctions duraient plusieurs jours et il était d'usage de les faire à
mai. Les marins naviguaient sur l'arche de Noé, les bergers amenaient les moutons, les cuisiniers préparaient le Dernier Souper.
les miracles se sont transformés en morales, c'est-à-dire en pièces de caractère allégorique, dont les protagonistes sont les vices et les
vertus. La plus célèbre s'intitule Everyman (Chaque homme).
Le théâtre religieux cède sa place au profane ; le premier nom illustre est celui de CHRISTOPHER MARLOWE (1564-93).
Fils d'un cordonnier de Canterbury, il appartenait au groupe des university wits, des génies universitaires, qui rivalisaient avec
les legos, à qui les compagnies confiaient la création de pièces de théâtre. Il fréquenta la célèbre École de la Nuit,
qui se réunissait chez l'historien et explorateur Walter Raleigh; il était athée et blasphémateur. Il a exercé le métier d'espion; à la
Vingt-neuf ans, il est mort poignardé dans une taverne. Un critique américain lui attribue la paternité des œuvres de
Shakespeare. Il a initié ce que son contemporain, Ben Jonson, a appelé le puissant Une, le vers puissant. Dans chacun de ses
Il y a des tragédies, en réalité, un seul protagoniste, l'homme qui défie les lois morales ; Tamerlan cherche la conquête du
monde, le juif Barrabás l'or, Faust la somme du savoir. Tout cela correspond à l'époque inaugurée par
Copernic, qui proclama l'infinité de l'espace, et Giordano Bruno, qui visita l'École de la Nuit et périra dans la
bûcher.
Eliot observe que l'hyperbole, chez Marlowe, est toujours sur le point de tomber dans la caricature et qu'elle s'en sort toujours.
L'observation pourrait s'appliquer à Góngora et à Hugo. Tamberlan, dans la tragédie qui porte son nom, apparaît dans une
carroza à laquelle sont attelés quatre rois, ses prisonniers, qu'il injurie et fouette. Dans une autre scène, il enferme dans une cage de
fer au sultan de Turquie ; dans un autre, il jette le Coran dans les flammes, livre sacré qui pour les spectateurs de Marlowe bien
pouvait sembler un symbole de la Bible. En dehors de la conquête du monde, une seule passion domine son cœur, l'amour de
Zenócrate. Elle meurt ; Tamerlan comprend, pour la première fois, qu'il est lui aussi mortel. Déjà fou, il ordonne à ses soldats
que diriger l'artillerie contre le ciel "et bannir avec des étendards noirs le firmament, pour signifier le massacre de
les dieux". Moins dignes de Tamerlan que de Faust, ces paroles que Marlowe met dans la bouche de celui-ci nous semblent
La nature a créé nos âmes pour qu'elles comprennent la
prodigieuse architecture du monde.
La tragique histoire du docteur Faust a été louée par Goethe. Le protagoniste fait en sorte que Méphistophélès lui apporte le
fantôme d'Hélène. Émerveillé, il s'exclame : "Est-ce ce visage pour lequel mille navires ont pris la mer et qui a incendié les tours"
infinitas d'Ilion ? Oh Hélène, fais-moi immortel avec un baiser !" Contrairement au Faust de Goethe, celui de Christopher
Marlowe ne se sauve pas. Il voit le soleil décliner de son dernier jour et nous dit : "Regardez comme le sang du Christ inonde le"
firmament". Il veut que la terre l'occulte, il veut être une goutte de l'océan, une pincée de poussière. Il est midi.
campanadas; les démons l'entraînent. "La branche est rompue qui aurait pu croître droite et brûler le laurier de
Apolo.
Marlowe prépare l'avènement de Shakespeare, qui était son ami. Il a donné au vers libre un éclat et une
flexibilité avant inconnus.
Le destin de WILLIAM SHAKESPEARE (1564-1616) a été jugé mystérieux par ceux qui le regardent de l'extérieur de son
époque. En réalité, il n'y a pas un tel mystère ; son temps ne lui a pas rendu l'hommage idolâtrique que le nôtre lui rend,
simple raison du fait qu'il était auteur de théâtre et que le théâtre, donc, était un genre subalterne. Shakespeare était acteur, auteur et
entrepreneur ; il fréquentait le salon de Ben Jonson, que des années plus tard il déplorerait "son peu de latin et encore moins de grec". Selon les
acteurs qui l'ont traité, Shakespeare écrivait avec une extrême facilité et ne supprimait jamais une ligne ; Ben Jonson, comme un bon
littéraire, n'a pas pu s'empêcher de donner son avis ; "J'aurais aimé en avoir effacé mille". Quatre ou cinq ans avant de mourir, il s'est retiré dans son village de
Stratford, où il acquit une maison qui était la preuve de sa nouvelle prospérité et se consacra à des litiges et à des prêts. Il ne lui
la gloire l'intéressait ; la première édition de ses œuvres complètes est posthume.
Les théâtres, situés dans la banlieue, étaient découverts. Le public, les groundings, était debout dans une cour.
central; autour, il y avait des galeries, un peu plus chères. Il n'y avait pas de coulisses ni de rideaux. Les courtisans, accompagnés par leurs
Les serviteurs, qui apportaient des chaises, occupaient les côtés de la scène ; les acteurs devaient se frayer un chemin entre eux. Dans le
drame actuel, les personnages peuvent poursuivre une conversation déjà commencée, en levant le rideau; dans celui de Shakespeare,
il était forcé qu'ils entrent en scène. Pour la même raison, il était nécessaire qu'ils retirent les cadavres, qui avaient tendance à être abondants
dans le dernier acte. C'est pourquoi Hamlet a été enterré avec tous les honneurs militaires ; c'est pourquoi quatre capitaines l'emmènent à la
sepultura et Fortimbrás dit : "Que résonnent sonorément par lui la musique du soldat et les rites de la guerre". L'absence
de bambalinas a forcé Shakespeare, heureusement pour nous, à la création verbale de paysages. Plus d'une fois il
il a également été fait à des fins psychologiques. Le roi Duncan aperçoit le château de Macbeth, où il sera assassiné cette nuit, regarde les

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torres et les hirondelles et observe avec une pathétique innocence, étranger à son destin, que là où elles nichent, "l'air est délicat".
Lady Macbeth, en revanche, qui sait qu'elle va le tuer, dit que le corbeau lui-même s'enroue en annonçant l'entrée de
Duncan. Macbeth annonce à sa femme que Duncan arrivera ce soir; elle demande : "Et
«Quand s'en ira-t-il ? » « Il dit demain », répond Macbeth. « Elle ne verra jamais le soleil de demain », répond-elle.
Goethe pensait que toute poésie est poésie de circonstance; il n'est pas impossible que Shakespeare ait écrit la tragédie
de Macbeth, l'une des créations les plus intenses de la littérature, porté par le fait fortuit que le thème était écossais et de
qu'un roi d'Écosse, Jacques Ier, occupait le trône d'Angleterre. En ce qui concerne les trois sorcières ou Parques, il est opportun de rappeler
que le roi était l'auteur d'un traité de sorcellerie et croyait en la magie.
Plus complexe et plus lent que Macbeth, la tragédie d'Hamlet. L'argument original se trouve dans les pages de
historien danois Saxo Grammaticus ; Shakespeare ne l'a pas lu directement. Le caractère du héros a été l'objet de
discussions multiples ; Coleridge lui attribue une primauté de l'imagination et de l'intellect sur la volonté. Il n'y a presque pas
personnages secondaires; nous nous souvenons de Yorick, créé pour toujours par quelques mots de Hamlet, qui a entre
les mains de son crâne. Les deux femmes antagonistes de la tragédie, Ophélie, qui comprend également
Hamlet y meurt abandonnée par lui ; Gertrude, dure, torturée et sensuelle. Dans Hamlet, il se produit en outre l'effet magique,
élogé par Schopenhauer et qui aurait plu à Cervantes, d'un théâtre dans le théâtre. Dans les deux tragédies,
Macbeth et Hamlet, un crime est le thème central ; dans le premier motivé par l'ambition, dans le second par l'ambition, la
vengeance et la nécessité de justice.
Très différente des deux œuvres que nous avons considérées, c'est la première tragédie romantique que Shakespeare a écrite,
Roméo et Juliette. Le thème est moins la fin malheureuse des amants que l'exaltation de l'amour. Il y a, comme toujours dans
Shakespeare, curiosités psychologiques. Il a été loué que Roméo se dirige vers le bal masqué
à la recherche de Rosalinda et tombe amoureux de Julieta ; son âme était prête pour l'amour. Les fréquentes hyperboles, comme dans
Marlowe, sont toujours justifiées par la passion. Roméo voit Juliette et s'exclame : « Elle enseigne à briller aux torches ».
Nous trouvons, comme dans le cas cité de Yorick, des personnages qui nous sont révélés par quelques mots. L'intrigue
exige que le héros acquière un poison. Le pharmacien refuse de le vendre ; Roméo lui offre de l'or ; le pharmacien dit : "Mon
pauvreté consciente, pas ma volonté." "Je n'achète pas ta volonté mais ta pauvreté", est la réponse. Une intervention du
l'environnement comme élément psychologique est présent dans la scène des adieux dans la chambre. Tous deux, Roméo et Juliette, veulent
retarder la séparation; l'aimée veut persuader l'amant que c'est le rossignol qui a chanté, et non l'alouette, qui annonce la
demain ; Romeo, qui joue sa vie, est prêt à accepter que l'aube est un reflet gris de la lune.
Un autre drame de caractère romantique est Othello, le Maure de Venise, dont les thèmes sont l'amour, la jalousie, la malice.
pura et ce que le dialecte de notre siècle a appelé "complexe d'infériorité". Yago, qui déteste Othello, déteste
aussi à Casio, qui a un grade militaire supérieur au sien. Ótelo se sent inférieur à Desdémona, car elle lui est supérieure.
années et elle est vénitienne, et lui, noir. Desdémona accepte son destin et, assassinée par Othello, essaie de prendre sur elle la culpabilité
de sa mort ; l'amour et la fidélité à son seigneur la définissent. Découverte la vile stratagème de Iago, Othello ressent ces
vertus et se poignarde, non par remords, mais parce qu'il découvre qu'il est incapable de vivre sans elle.
Les limites imposées par un manuel ne nous permettent que la mention d'œuvres capitales comme Antonio et
Cléopâtre, Jules César, Le marchand de Venise et Le roi Lear. Nous voudrions cependant indiquer le caractère de Falstaff.
cavalier ridicule et aimable, comme Don Quichotte, et, contrairement à celui-ci, doté d'un sens de l'humour tout à fait anormal
dans les lettres du XVIIe siècle. Shakespeare a également laissé une série de plus de cent quarante sonnets, qui ont été
admirablement versés en espagnol par Manuel Mujica Lainez. Ils sont, sans aucun doute, autobiographiques ; ils font allusion à une histoire
amoureuse que personne n'a tout à fait déchiffrée ; Swinburne les appelle « documents divins et dangereux ». L'un d'eux inclut
une référence à la doctrine néoplatonicienne de l'âme du monde ; d'autres, à la doctrine pythagoricienne selon laquelle l'histoire universelle se
répète de manière cyclique.
La dernière tragédie écrite par Shakespeare est La tempête. Ariel et son revers, Caliban, sont des inventions.
extraordinaires. Prospero, qui détruit son livre magique et renonce aux arts de la sorcellerie, peut très bien être un symbole de
Shakespeare qui se dit adieu à son œuvre créatrice.

Introduction à la littérature anglaise. Jorge Luis Borges. Éditions Emece. 1997.