Le design graphique fait tellement partie de notre quotidien qu’il est difficile de s’imaginer un monde qui en
serait dépourvu. Et d’une certaine manière, cela n’a rien de nouveau : la communication visuelle est aussi vieille
que l’humanité, bien qu’il ait fallu attendre quelques années avant d’arriver à l’ère des tablettes et autres outils
numériques… En d’autres termes, l’histoire du design graphique remonte à très loin, et constitue un puits
d’inspiration immense pour tout graphiste des temps modernes.
Pour commencer, savoir où, pourquoi et comment cette discipline est née aidera les designers à comprendre leur
place dans l’histoire. D’un point de vue plus pragmatique, les tendances sont cycliques, et étudier le passé peut
s’avérer être une excellente source d’inspiration pour innover dans le présent. Dans cet article, nous allons
retracer l’histoire du design depuis la période préindustrielle jusqu’à maintenant. Avec un peu de chance,
l’histoire se souviendra peut-être même de vous !
• Avant l’imprimerie : de la préhistoire à la Renaissance
• Art pariétal
• Langue écrite sumérienne
• Imprimerie chinoise
• Calligraphie médiévale
• Héraldique européenne
• Devantures de magasins
• La naissance du design graphique : Renaissance et industrialisation
• L’imprimerie de Gutenberg
• Les premiers logos
• Les premières publicités imprimées
• Chromolithographie
• Le design graphique de l’époque moderne
• La Wiener Werkstätte
• Paul Rand
• L’ère du numérique
• Une histoire sans fin
Avant l’imprimerie : de la préhistoire à la renaissance
Le design graphique défini comme tel n’a vraiment commencé qu’en 1440, après l’invention de l’imprimerie.
Mais les origines de la communication visuelle remontent à bien plus loin que cela, au temps des hommes des
cavernes, c’est-à-dire à la préhistoire. Dans ce chapitre, nous passerons en revue les événements qui ont
contribué à l’avènement du design graphique avant même que le monde ne sache de quoi il s’agissait.
Art pariétal ~ 38 000 av J.-C.
Il semblerait que les hommes aient toujours eu un penchant pour l’art, et les évidences de cela sont visibles sur
les grottes préhistoriques où l’on peut voir les peintures qui ont été réalisées par nos très lointains ancêtres. Il
s’agit de représentations d’animaux, de mains ou encore de scènes de chasse. On en a trouvé partout sur la
planète (Australie, Espagne, Indonésie, France, Argentine, etc.). Les historiens essaient encore de se mettre
d’accord sur les détails, et de comprendre à qui étaient destinées ces peintures (à leurs semblables ou à leurs
dieux). Mais tout le monde s’accorde à dire que l’humanité entretient une relation très spéciale avec la
communication visuelle depuis son commencement.
Tandis que vous lisez ce document, il est facile d’oublier
que ce que vous faites, concrètement, c’est interpréter
une multitude de petits signes constituants l’alphabet
latin. Il est facile d’oublier que l’alphabet est une
invention de l’homme. D’après ce que l’on sait, les
Sumériens ont créé l’une des toutes premières langues
écrites, probablement dans le but de faire des inventaires
dans le cadre du commerce (et s’assurer ainsi que
personne ne volait de marchandise).
Langue écrite sumérienne
Ces langues très anciennes étaient iconographiques, c’est-à-dire que chaque icône représentait un mot tout
entier plutôt qu’un son. Ce qui suggère une capacité naturelle de l’homme à se servir des représentations
visuelles pour exprimer des concepts parfois complexes, ce qui est l’un des piliers du design graphique que nous
connaissons aujourd’hui. Peu de choses ont changé au cours des
derniers millénaires : les graphistes se basent toujours sur des icônes
(menu hamburgers, loupe pour la barre de recherche, etc.) pour
représenter des mots et des concepts tout entiers, dans un espace très
limité.
Imprimerie chinoise
La Chine possède la plupart des records en ce qui concerne les
découvertes en matière d’imprimerie, y compris la fabrication de papier
sans papyrus, l’impression sur bois et les caractères amovibles (qui sont
tous apparus bien avant que ce que vous pourriez penser).
Déjà en 200 apr. J.-C. on utilisait en Chine des morceaux de bois en
relief pour imprimer et tamponner des designs sur des habits en soie, puis sur du papier. En 1040, Bi Sheng
inventa la première presse à caractères amovibles au monde, fabriquée en porcelaine, soit 400 ans avant que
Gutenberg n’ait fait une découverte similaire en Europe.
Calligraphie médiévale — 700 apr. J.-C.
La typographie commence à émerger au Moyen-Âge tandis que l’humanité commence à étendre ses horizons
esthétiques au monde de la lettre et des mots. Parce que les textes étaient à l’époque produits et reproduits à la
main, les originalités artistiques permettaient d’ajouter de la valeur à l’œuvre et de se démarquer des autres.
Dans les cultures islamiques, la typographie était bien évidemment centrale étant donné que l’art figuratif était
perçu comme un sacrilège. La typographie était donc l’une des seules formes d’expression artistique autorisées.
Héraldique européenne – ~1100
Techniquement, le premier logo au monde était un écusson, un symbole utilisé pour représenter une famille ou
un territoire. Les érudits ont théorisé la pratique, laquelle s’est popularisée au cours des Croisades, où il était
utile d’identifier ses ennemis comme ses alliés grâce aux écussons apposés sur les armures et les drapeaux de
chacun, alors que des soldats venus de tous horizons se mélangeaient.
Tout comme pour les logos, les écussons représentaient les valeurs, les caractéristiques et le style des personnes
qu’ils illustraient. Plus tard, on a diversifié l’utilisation de ces emblèmes et on les retrouve par exemple sur les
sceaux de cire attestant de l’authenticité d’un document.
Devantures de magasins
Au 14e siècle, la bière était une alternative viable sinon préférable à l’eau,
étant donné que la plupart des sources d’eau étaient polluées. Le roi
Richard II d’Angleterre a même passé une loi forçant toutes les brasseries à
signaler leur présence à l’aide d’un panneau sur rue, afin que tout le monde
puisse les trouver sans problème.
Non seulement il s’agissait là des premiers panneaux représentant des
entreprises à voir le jour, mais ce fut également le début d’une superbe
tradition qui a perduré jusqu’à aujourd’hui.
La naissance du design graphique : Renaissance et industrialisation
Avec l’arrivée de l’imprimerie en Europe, l’humanité était désormais capable de reproduire des textes, des
œuvres d’art et de design, à grande échelle et pour relativement peu cher. Il n’a pas fallu beaucoup de temps aux
ancêtres des entreprises comme nous les connaissons aujourd’hui pour comprendre que de telles images
pourraient influencer le comportement des consommateurs et
augmenter leur profit. Le design graphique était né.
L’imprimerie de Gutenberg — 1439
Johannes Gutenberg a introduit les caractères amovibles en Europe en
1439, laissant ainsi la place à la communication de masse dans les
cultures occidentales et changeant ainsi notre civilisation à jamais.
Avec cette nouvelle technique d’impression, plus besoin d’attendre que
les érudits aient terminé de reproduire tel ou tel livre, la littérature est devenu tout à coup accessible à tous.
L’imprimerie de Gutenberg a ainsi ouvert la voie à une utilisation plus commerciale du design, amorçant ainsi
le design graphique comme nous le connaissons aujourd’hui.
Les avancées technologiques continuent de faire évoluer le design graphique, comme la capacité d’imprimer en
couleur ou chromolithographie. Si cette technique fut d’abord utilisée pour recréer les peintures, elle a par la
suite ouvert de nouveaux horizons à la publicité.
Les marques sont désormais capables d’utiliser de nombreux outils avec lesquels nous sommes familiers de nos
jours, comme les palettes de couleurs et la connexion émotionnelle établie en faisant référence à une scène du
quotidien. Avant cela, les visuels n’étaient que des images limitées par les techniques de l’époque et la priorité
étaient à la lisibilité plutôt qu’à l’expression de concepts complexes. Mais la chromolithographie a bouleversé
tout cela en permettant un certain degré de réalisme, donnant ainsi à la publicité la possibilité de capitaliser sur
les modèles séduisants et tendances de l’époque, notamment grâce à la couleur.
Le design graphique de l’époque moderne
Le design graphique tel que nous le connaissons aujourd’hui a réellement commencé à se développer à l’époque
moderne, soit à partir de la fin du 19e siècle jusqu’au début de la Seconde Guerre mondiale. Si au 19e siècle
l’accent était mis sur les avancées technologiques et les nouvelles possibilités, l’époque moderne s’est
concentrée sur l’exploitation artistique de ces nouvelles techniques.
L’imprimerie est devenue banale et la concurrence nourrit l’innovation ainsi que les mouvements artistiques et
graphiques qui vont explorer de nouveaux styles et techniques qui se traduiront rapidement en branding et
publicité.
La Wiener Werkstätte (première agence de design graphique) – 1903
Avec de plus en plus d’entreprises louant les bénéfices du design graphique, ce n’était qu’une question de temps
avant que la première agence voit le jour. Et l’honneur est revenu à la Wiener Werkstätte autrichienne, une
organisation qui a contribué à la naissance du design ainsi que de nombreuses entreprises.
Traduit simplement par « l’atelier autrichien », la Wiener
Werkstätte a été l’une des premières organisations
réunissant des artistes de tous bords, y compris des peintres,
des architectes, et les tout premiers graphistes. L’histoire était née et le Werkstätte a ouvert la voie à d’autres
agences collaboratives qui ont ensuite vu le jour.
Le plus grand héritage de cet atelier réside peut-être dans son innovation stylistique, comme le cubisme. En tant
que groupe d’artistes professionnels, l’atelier a eu une grande influence sur les standards de design qui étaient
en train de s’établir et qui ont donné le ton aux générations d’artistes qui ont suivi, surtout ceux d’après la
Première Guerre mondiale. Le travail de la Wiener Werkstätte est précurseur du célèbre Bauhaus et du style Art
déco qui ont suivi.
Le Staatliches Bauhaus, ou tout simplement
« Bauhaus« a continué dans la lancée de la Wiener
Werkstätte, dès son ouverture en Allemagne en 1919.
Ses membres avaient de grandes ambitions : créer un
Gesamtkunstwerk, c’est-à-dire un idéal artistique qui
comprendrait ou synthétiserait les formes artistiques
existantes en une seule œuvre parfaite. Le plus
intéressant dans cette histoire, c’est qu’ils ont réussi : le
Bauhaus est devenu l’une des forces centrales pour la
démocratisation du style moderne.
Apparition du terme graphique design en 1922
Dans son article « New Kind of Printing Calls for
New Design » (une nouvelle technique d’impression
appelle un nouveau genre de design), publié dans le
Boston Evening transcrit le 29 août 1922, le designer
William Addison Dwiggins utilise pour la première
fois le terme « design graphique » pour décrire son
rôle dans la structuration et la gestion des visuels des
livres. Jusque-là, les graphistes avaient toujours eu
beaucoup de mal à expliquer au commun des mortels
en quoi consistait leur métier, exactement.
Paul Rand publie Thoughts on Design – 1947
Avec un pied dans le modernisme et l’autre dans le
post-modernisme, le très célèbre designer Paul Rand a
participé à faire du design graphique ce qu’il est
aujourd’hui. Il publie ses théories et idéologies dans Thoughts on Design, qui a largement influencé l’industrie
du design tout entière.
Son livre explique avec candeur sa philosophie en matière de design, celle qui l’a notamment guidée durant
toute la seconde moitié du 20e siècle, soit « la perfection fonctionnelle-esthétique ». Il s’agit de trouver
l’équilibre parfait entre un design esthétiquement beau, mais qui sait également communiquer efficacement le
message qu’il contient, comme c’est le cas des logos de Ford, Westinghouse, Yale, ABC, UPS, et IBM.
L’ère du numérique
—
À partir des années 50, le monde a doucement évolué vers l’ère numérique que nous connaissons aujourd’hui.
L’adoption massive des ordinateurs rappelle l’invention de l’imprimerie en termes d’avancées technologiques,
indiquant un nouvel âge de la communication de masse et le développement de nouveaux styles et méthodes
artistiques.
À lui seul, Adobe Photoshop (paru pour la première
fois en 1990) a changé la face du design graphique.
L’édition de photos a créé une nouvelle catégorie de
design tout entière, mélangeant les photographies,
l’illustration et le CGI (computer-generated imagery
– les partisans du Gesamtkunstwerk auraient été
fiers).
On voit également le branding évoluer en parallèle,
pour rester à la page. On peut notamment remercier
MTV, puisque l’entreprise a su proposer de multiples
versions de son logo tout en en conservant les
caractéristiques principales reconnaissables de tous.
Lorsqu’Internet s’est répandu au début du millénaire, les designers se sont inspirés de MTV et ont adopté un
style jeune et décalé de sorte à attirer la jeune génération dans le monde du web. On peut voir cela dans les
styles comme le flat design, qui comprend des couleurs vives et des personnages rappelant les dessins animés.
Une histoire sans fin
Voilà où nous en sommes désormais. Mais le mystère
perdure : quel est l’avenir du design graphique ?
Le développement de la communication visuelle des
grottes préhistoriques à l’ère du numérique peut servir
d’inspiration, mais le futur n’appartient qu’à vous, que
vous fassiez partie de la prochaine génération de
designers ou de clients. Bien que le métier ne soit pas
toujours simple avec ses nuits entières de travail, ses retours pas toujours plaisants, et de nombreuses heures
passées devant l’écran, le prochain Bauhaus ou Thoughts on Design est peut-être tout près d’arrivé.
Raccourcis des outils
C : outil Contrainte
Y : outil Contrainte polygonale
M : outil Déplacement
H : outil Main
Z : outil Zoom
Raccourcis de contrôle
P : aperçu
W : affichage de la contrainte
E : affichage du filet
T : correction
S : mise à l’échelle
F : distance focale
R : facteur de recadrage
A : tel quel
Raccourcis masqués non visibles dans l’interface
L : activer/désactiver le cache transparent
X : zoom temporaire
E : rétablir le dernier angle de polygone ajouté
Formats de fichier graphique
Photoshop PSD
Format de document volumineux PSB
BMP
Cineon
CompuServe GIF
Photoshop DCS 1.0
Photoshop DCS 2.0
DICOM
Photoshop EPS
Format IFF
JPEG
JPEG2000
OpenEXR
Format PCX
Photoshop PDF
Pixar
PNG
Portable Bit Map
Photoshop Brut
Format Scitex CT
Targa
TIFF
Wireless Bitmap
Photoshop 2.0 (Mac uniquement)
Les publications Twitter™ et Facebook ne sont pas couvertes par les dispositions de Creative Commons.
Informations juridiques | Politique de confidentialité en ligne
PICT (lecture seule)
Ressource PICT (Mac uniquement, ouverture uniquement)
Radiance
Interface PHOTOSHOP
Lorsque vous lancez Photoshop, le panneau Outils apparaît à gauche de l’écran. Les options de certains outils
du panneau Outils apparaissent dans la barre contextuelle des options.
Vous pouvez développer certains outils du panneau afin d’afficher d’autres outils masqués. Un petit triangle
situé en bas à droite de l’icône de l’outil signale la présence d’outils masqués.
Il vous suffit de placer le pointeur sur un outil pour en obtenir une description. Le nom de l’outil s’affiche alors
dans une info-bulle sous le pointeur.
Touches pour l’affichage des images
Cette liste partielle dispose de raccourcis qui n’apparaissent pas dans des commandes de menu ou des info-
bulles.
Touches pour améliorer le contour
Touches de sélection et de modification de texte
Touches pour les modes de fusion
Dimensions de pixel et de la résolution de l’image imprimée
Les dimensions de pixel mesurent le nombre total de pixels sur la largeur et la hauteur de l’image. La
résolution, mesurée en pixels par pouce (ppp), décrit la finesse des détails d’une image bitmap. Plus le nombre
de pixels par pouce est grand, plus la résolution est élevée. Généralement, une image haute résolution produit
une impression de meilleure qualité.
A moins que l’image ne soit rééchantillonnée, la quantité des données d’image reste identique lorsque vous
modifiez soit les dimensions d’impression, soit la résolution. Par exemple, si vous modifiez la résolution d’un
fichier, sa largeur et sa hauteur varient en proportion pour conserver la même quantité de données d’image.
Dans Photoshop, vous pouvez observer la relation entre la taille de l’image et sa résolution dans la boîte de
dialogue Taille de l’image (choisissez Image > Taille de l’image). Désélectionnez l’option Rééchantillonnage,
puisque vous ne voulez pas modifier la quantité de données de l’image sur votre photo. Puis, modifiez la
largeur, la hauteur ou la résolution. Lorsque vous modifiez une valeur, les deux autres valeurs varient
automatiquement.
Taille du fichier
La taille de fichier d’une image correspond à la taille numérique du fichier image, mesurée en kilo-octets (Ko),
en méga-octets (Mo) ou en gigaoctets (Go). La taille de fichier est proportionnelle aux dimensions en pixels de
l’image. Les images comportant un nombre élevé de pixels permettent d’obtenir plus de détails avec une taille
d’impression donnée, mais elles nécessitent davantage d’espace disque et risquent d’être plus lentes à éditer et à
imprimer. La résolution de l’image correspond ainsi à un compromis entre la qualité de l’image (capture de
toutes les données nécessaires) et la taille du fichier.
Le format de fichier agit également sur la taille du fichier. Selon les diverses méthodes de compression utilisées
par les formats GIF, JPEG et
PNG, la taille du fichier peut varier considérablement pour les mêmes dimensions en pixels. De même, la
profondeur de couleur et le nombre de calques et de couches dans chaque image influent sur la taille du fichier.
Photoshop prend en charge des dimensions en pixels maximales de 300 000 x 300 000 pixels par image. Cette
restriction limite la taille d’impression et la résolution disponibles pour une image.
Couleur en Design
Pourquoi le choix des couleurs est crucial en design graphique ?
Par Jean loup Fusz, publié le 18 septembre 2023
Le design graphique est un domaine où chaque détail compte. La couleur, souvent reléguée au second plan,
mérite une attention particulière. Elle influence non seulement l’esthétique, mais aussi l’efficacité et
l’accessibilité d’un projet. Cet article explore en profondeur l’importance du choix des couleurs en design
graphique, en abordant les fondamentaux, la psychologie de la couleur et son application pratique.
Les fondamentaux de la couleur en design graphique
La couleur est une perception visuelle créée par la manière dont notre œil réagit à différentes longueurs d’onde
de la lumière. Ce n’est pas simplement un élément esthétique, mais une composante fondamentale qui peut
affecter la manière dont un design est perçu et interprété. Les couleurs sont souvent définies par trois propriétés
principales : la teinte, la saturation et la luminosité. La teinte est ce que nous appelons communément «couleur»
(bleu, vert, etc.), la saturation est l’intensité de la couleur, et la luminosité est sa clarté. Comprendre ces bases
scientifiques peut aider les designers à faire des choix plus éclairés. Le livre Couleur : une Histoire Visuelle de
Alexandra Loske offre une excellente introduction à ces concepts, y compris comment ces propriétés
interagissent entre elles pour créer une expérience visuelle.
Le cercle chromatique
Le cercle chromatique est un outil essentiel pour
tout designer. Il est composé de couleurs primaires
(rouge, bleu, jaune), secondaires (vert, orange,
violet), et tertiaires (rouge-orange, jaune-vert, etc.).
Le cercle chromatique a été popularisé par Johann
Wolfgang Goethe dans son livre Théorie des
couleurs. Il aide à comprendre les relations entre
les couleurs et à identifier les harmonies colorées.
Par exemple, les couleurs complémentaires
(opposées sur le cercle chromatique) créent un
contraste élevé et sont souvent utilisées pour attirer
l’attention.
Les couleurs analogues (côte à côte sur le cercle chromatique) créent une harmonie visuelle et sont souvent
utilisées pour évoquer une ambiance particulière. Le livre La palette parfaite pour le graphisme et
l’illustration de Sara Caldas offre des conseils pratiques sur l’utilisation du cercle chromatique, y compris
comment choisir une palette de couleurs qui fonctionne bien ensemble et comment éviter des combinaisons de
couleurs qui peuvent être désagréables ou difficiles à lire.
Température de couleur
Les couleurs chaudes, comme le rouge et l’orange, sont souvent associées à l’énergie et à la passion. Elles sont
fréquemment utilisées dans des contextes qui nécessitent de l’attention ou de l’action. Les couleurs froides,
comme le bleu et le vert, évoquent la sérénité et le calme. Elles sont souvent utilisées dans des environnements
qui cherchent à apaiser ou à concentrer l’attention. Le livre Psychologie de la couleur – Effets et symboliques
par Eva Heller offre une analyse détaillée de la température de couleur, y compris comment elle peut être
utilisée pour influencer l’humeur, le comportement et même la perception du temps. Par exemple, une étude a
montré que les personnes travaillent plus efficacement dans des environnements aux couleurs froides, mais
trouvent les environnements aux couleurs chaudes plus confortables et accueillants.
La psychologie de la couleur en design
Impact émotionnel des couleurs
Le rouge, souvent associé à l’urgence ou à la
passion, a un effet physiologique sur le corps
humain. Il peut augmenter la fréquence cardiaque et
créer un sentiment d’urgence. Une étude publiée
dans le Journal of Experimental Psychology a
montré que la couleur rouge peut augmenter le taux
de réussite dans des contextes compétitifs, comme
les sports ou les examens. Le vert, en revanche, est
souvent associé à la nature et à la tranquillité. Il
peut avoir un effet apaisant et est souvent utilisé
dans des environnements de soins de santé pour
cette raison. Le livre L’étonnant pouvoir des
couleurs de Jean-Gabriel Causse explore en
profondeur ces associations et comment elles
peuvent être utilisées efficacement dans le design.
La couleur dans la culture
La signification des couleurs peut varier considérablement d’une culture à l’autre. Par exemple, en Occident, le
noir est souvent associé au deuil, tandis qu’en Inde, c’est le blanc qui est utilisé pour cette occasion. Le rouge
peut symboliser la chance et la prospérité dans des cultures asiatiques, mais peut être associé à des
avertissements ou au danger dans des contextes occidentaux. Le Petit livre des couleurs de Michel Pastoureau et
Dominique Simonnet offre une analyse détaillée de l’impact culturel des couleurs, y compris comment elles
sont utilisées dans les rituels, les cérémonies et même dans la politique. Comprendre ces nuances culturelles est
crucial pour les designers qui travaillent sur des projets internationaux ou multiculturels.
La signification des couleurs peut varier
considérablement d’une culture à l’autre.
Couleur et accessibilité
L’accessibilité est un aspect souvent négligé en design graphique. Le choix des couleurs peut avoir un impact
significatif sur la lisibilité et l’accessibilité pour les personnes atteintes de daltonisme ou d’autres troubles de la
vision. Le Web Content Accessibility Guidelines (WCAG) offre des directives précises sur le contraste des
couleurs pour garantir l’accessibilité. Par exemple, un contraste élevé entre le texte et le fond est recommandé
pour une meilleure lisibilité. De plus, certaines couleurs, comme le bleu et le vert, peuvent être difficiles à
distinguer pour les personnes atteintes de certaines formes de daltonisme.
Application pratique dans le design graphique
Choix de la palette de couleurs
Le choix de la palette de couleurs est une
étape cruciale dans tout projet de design
graphique. Une palette bien choisie peut
non seulement créer une expérience
utilisateur harmonieuse, mais aussi
renforcer la reconnaissance de la marque.
Il est important de prendre en compte
plusieurs facteurs, tels que l’identité de la
marque, le public cible et le message que
vous souhaitez transmettre. Par exemple,
une marque de luxe pourrait opter pour des couleurs sobres et élégantes, tandis qu’une marque destinée à un
public jeune pourrait choisir des couleurs vives et énergiques.
Utilisation de la couleur pour guider l’attention
La couleur peut être un outil puissant pour guider l’attention de l’utilisateur. Utiliser des couleurs contrastées
pour les éléments importants peut aider à créer une hiérarchie visuelle claire. Par exemple, un bouton d’appel à
l’action pourrait être rendu plus visible avec une couleur qui contraste fortement avec l’arrière-plan. Une étude
de l’Université de Winnipeg a montré que les choix de couleur peuvent influencer la durée pendant laquelle une
personne regarde une publicité ou un site Web. Cela peut avoir des implications importantes pour le taux de
conversion et l’engagement de l’utilisateur.
Couleur et lisibilité
La lisibilité est un autre aspect crucial où la couleur joue un rôle important. Le contraste entre le texte et le fond
est essentiel pour assurer une bonne lisibilité. Par exemple, un texte noir sur un fond blanc offre un contraste
élevé et est généralement facile à lire, tandis qu’un texte jaune sur un fond blanc serait difficile à lire et
fatiguerait rapidement les yeux. Le Web Content Accessibility Guidelines (WCAG) recommande un ratio de
contraste d’au moins 4.5:1 pour le texte et l’image de fond. Méthodes de design UX de Carine Lallemand et
Guillaume Gronier offre des conseils pratiques sur la lisibilité en design, y compris comment tester la lisibilité
de votre design avec des outils comme les vérificateurs de contraste de couleur.
L’importance multidimensionnelle de la couleur
Le choix des couleurs en design graphique n’est pas à prendre à la légère. Il ne s’agit pas simplement d’une
décision esthétique, mais d’un choix qui a des implications multidimensionnelles. La couleur influence non
seulement l’esthétique d’un projet, mais aussi son efficacité en termes de communication, son accessibilité pour
divers publics et même son impact psychologique sur les utilisateurs.
En comprenant les fondamentaux de la couleur, sa psychologie et son application pratique, vous serez mieux
équipé pour créer des designs réussis. Une approche intégrée qui prend en compte ces différents aspects peut
faire la différence entre un projet qui atteint ses objectifs et un projet qui échoue à communiquer efficacement.
Le choix judicieux des couleurs peut améliorer l’engagement de l’utilisateur, renforcer l’identité de la marque et
même augmenter les taux de conversion.
Nous encourageons les designers à adopter une pratique informée, basée sur des recherches et des études de cas.
Cela permet non seulement de créer des designs plus efficaces, mais aussi de contribuer à l’avancement de la
discipline du design graphique en tant que domaine basé sur des connaissances empiriques.
Références sites pour télécharger les fonts (polices), fonds (Background) et images d’occasions
[Link]
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[Link]
[Link]
Vecteezy
Pngwing
Behance
Pixeden
Flaticon
Fontsquirrel
Fubiz