La ligne
Durant les années précédentes, l'élève a observé une grande variété de
lignes dans l'environnement naturel et construit, a reconnu des lignes
imaginaires dans les œuvres d'art étudiées et a utilisé la ligne pour
exprimer ses idées. Il ou elle doit continuer à étudier la ligne par des
observations et une variété d'expériences. Il devrait devenir plus conscient
des nombreuses subtilités de la ligne et de la façon dont la qualité et la
direction des lignes réelles ou imaginaires peuvent suggérer différentes
idées et expériences.
La couleur
La couleur est l'élément à la fois le plus expressif et le plus difficile
à décrire. L'élève doit approfondir l'étude de la couleur dans
l'environnement tout en découvrant les nombreuses relations
entre les couleurs elles-mêmes et entre les couleurs et soi-même.
C'est en explorant les différents agencements de couleurs et
techniques que l'élève développera une compréhension de
certaines qualités expressives de la couleur. L'enseignant ou
l'enseignante doit continuer d'organiser des activités qui amènent
l'élève à explorer divers supports et outils et à utiliser la couleur
de manières variées. L'élève du secondaire doit comprendre et
utiliser dans des buts précis le langage des couleurs dans ses
œuvres. Le cercle chromatique est une bonne ressource à utiliser
pour comprendre et organiser les couleurs.
La texture
En arts visuels, la texture fait référence à l'aspect réel de la
surface ou à l'illusion de son apparence. En étudiant la texture,
l'élève doit comprendre que toute surface possède une texture,
que les artistes utilisent souvent la texture pour renforcer
différents concepts et que différentes textures permettent
d'exprimer diverses idées ou significations. L'élève doit continuer
de créer de nombreuses " textures véritables " différentes de
même que l'" illusion " de la texture dans ses propres œuvres.
L'enseignant ou l'enseignante doit fournir à l'élève des occasions
d'explorer la texture par l'emploi de méthodes, techniques et
matériaux divers.
La forme
La forme est un élément qui caractérise les œuvres à deux dimensions.
L'élève a pu utiliser et reconnaître la forme dès les premières années de
sa vie et depuis qu'il ou elle va à l'école. Les formes et les relations entre
les formes qu'il ou elle crée et décrit devront devenir de plus en plus
complexes à mesure qu'il progresse. L'enseignant ou l'enseignante doit
faire faire à l'élève des expériences qui encouragent la prise de
conscience et l'appréciation des formes et la compréhension des façons
dont elles sont reliées les unes aux autres dans une image. L'élève ayant
suivi le programme d'études d'Arts visuels 10, 20, 30 sera capable de:
Comprendre comment les artistes utilisent la forme positive et négative
et organique et géométrique et mettre cela en application dans ses
réalisations
Explorer ce que différentes formes peuvent communiquer, par exemple,
une forme parfaite évoque la fabrication à la machine, un triangle, la
stabilité, etc.
Le volume
Le volume caractérise des objets à trois dimensions: largeur,
longueur et profondeur. L'architecture, la sculpture, la céramique,
le tissage et la bijouterie sont toutes des formes artistiques à trois
dimensions. En 10e, 11e et 12e année, l'élève expérimentera et
créera une variété de volumes, par exemple des volumes ouverts
et fermés, mobiles et immobiles, autostables et en ronde-bosse et
des hologrammes. C'est par des expériences qu'il ou elle
commencera à comprendre l'impact de différents volumes et à
utiliser sa compréhension pour analyser et interpréter la
signification des œuvres d'art.
L'équilibre
L'équilibre en arts visuels peut être rigoureux (" parfait "),
irrégulier (" relatif ") ou radial. L'équilibre est rigoureux lorsque
des objets égaux ou semblables sont placés de chaque côté d'un
axe central. Il existe un équilibre radial lorsque des objets égaux
ou semblables tournent autour d'un point central et on obtient un
équilibre irrégulier en utilisant des objets différents. Les artistes
visuels créent un équilibre irrégulier en tenant compte de tous les
facteurs contribuant au poids visuel et en organisant les objets
avec soin. Avec l'expérience, on parvient à une meilleure
compréhension du concept d'équilibre visuel.
Il y a des artistes qui créent intentionnellement des œuvres qui ne
respectent pas l'équilibre visuel. Au secondaire, l'élève
comprendra comment les artistes se servent de l'équilibre pour
donner diverses qualités expressives et comment l'équilibre peut
être influencé par la répartition des objets, l'utilisation des
couleurs, la direction de la ligne, l'utilisation de motifs récurrents,
etc.
Le rythme (mouvement et temps)
Le rythme est l'un des principes les plus reconnaissables parce que la vie
en est remplie, que ce soit en images, en événements, en sons, etc.
L'élève fera des liens entre le rythme en arts visuels et le rythme dans les
autres disciplines. Par l'étude de ce principe, il ou elle commencera à
comprendre que le rythme visuel est souvent créé par la répétition et la
façon dont les images sont organisées ou présentées pour donner une
signification ou exprimer des idées et des sentiments.
La dominance
La dominance est un principe de composition qui donne à un
élément ou une partie d'une œuvre, qu'on appelle habituellement
le centre d'intérêt, une plus grande importance qu'au reste.
L'ordre dans lequel on voit les parties de l'œuvre et l'importance
relative de chacune dépend de la dominance. Le contraste,
l'isolement, la localisation, la convergence et l'inusité sont tous
des moyens de créer la dominance.
La variété
La variété est le principe de composition que les artistes utilisent pour
ajouter de l'intérêt à une œuvre d'art, un design, une publicité, etc. Il est
important de noter qu'une œuvre d'art ne doit pas nécessairement avoir
de la variété pour être intéressante. Certaines œuvres sont intéressantes
par leur simplicité. La variété est simplement un aspect auquel les artistes
peuvent réfléchir lorsqu'il ou elle planifient ou créent une œuvre. Il y a des
artistes qui veulent créer des œuvres dans lesquelles il y a diverses
relations complexes. Pour eux et elles, la variété est donc un principe de
composition important.
La proportion ou l'échelle
La proportion est le principe de composition qui concerne le
rapport de grandeur entre les parties d'une chose. Bien des
artistes utilisent les bonnes proportions pour représenter la réalité
tandis que d'autres exagèrent et déforment la réalité pour
exprimer des émotions et des expériences. L'échelle est le rapport
de grandeur entre un objet et une unité standard, comme le corps
humain. L'échelle d'un objet peut varier d'extrêmement petite à
extrêmement grande ou encore elle peut être réaliste ou
exagérée, selon l'intention de l'artiste.
L'harmonie
L'harmonie concerne l'utilisation accentuée d'éléments
semblables pour créer une apparence simple et uniforme. Par
exemple, l'organisation d'images, de couleurs (monochromatiques
ou analogues), de formes (répétition de formes semblables) et de
l'espace (espace égal entre des objets) pourrait créer un effet
harmonieux.
L'unité
L'unité est le principe qui est peut-être à la fois le plus important et le plus
difficile à définir. S'il y avait un énoncé pour expliquer pourquoi des
œuvres d'art de divers types sont bonnes, on pourrait dire « parce qu'elles
ont de l'unité ».
L'unité est le principe de composition grâce auquel toutes les parties de
l'œuvre forment un tout. Les éléments, les idées, les principes et les
supports sont organisés de sorte qu'ils sont tous essentiels pour le produit.