Stylisme

Le design de mode est l'art d'appliquer le design [Link] l'esthétique

ou[Link] la beauté naturelle aux [Link]
et aux[Link] accessoires. La création de mode est influencée par les
latitudes culturelles et sociales et varie selon le temps et l'espace. Les créateurs de mode travaillent de
différentes manières pour concevoir des vêtements et des accessoires. Certains travaillent seuls ou en équipe.
Ils tentent de satisfaire le désir des consommateurs pour des vêtements au design esthétique et, en raison du
temps nécessaire pour mettre un vêtement sur le marché, doivent parfois anticiper l'évolution des goûts des
consommateurs.

Les créateurs de mode tentent de concevoir des vêtements à la fois fonctionnels et esthétiques. Ils doivent
tenir compte de qui est susceptible de porter un vêtement et des situations dans lesquelles il sera porté. Ils
disposent d'une large gamme et de combinaisons de matériaux avec lesquels travailler et d'une large gamme
de couleurs, de motifs et de styles parmi lesquels choisir. Bien que la plupart des vêtements portés au
quotidien appartiennent à une gamme étroite de styles conventionnels, des vêtements inhabituels sont
généralement recherchés pour des occasions spéciales, comme des tenues de soirée ou des robes de soirée.

Certains vêtements sont confectionnés spécifiquement pour un individu, comme dans le cas de la haute
couture ou de la confection sur mesure. Aujourd’hui, la plupart des vêtements sont conçus pour le marché de
masse, en particulier les vêtements décontractés et de tous les jours.

Structure

Les créateurs de mode peuvent travailler de nombreuses manières. Les créateurs de mode peuvent travailler à
temps plein pour une marque de mode en tant que « créateurs internes » qui sont propriétaires des créations.
Ils peuvent travailler seuls ou en équipe. Les designers indépendants travaillent pour eux-mêmes et vendent
leurs créations à des maisons de couture, directement à des magasins ou à des fabricants de vêtements. Les
vêtements portent l'étiquette de l'acheteur. Certains créateurs de mode créent leurs propres labels sous
lesquels leurs créations sont commercialisées. Certains créateurs de mode sont des travailleurs indépendants
et conçoivent pour des clients individuels. D'autres créateurs de haute couture s'adressent à des magasins
spécialisés ou à des grands magasins de haute couture. Ces créateurs créent des vêtements originaux, ainsi
que ceux qui suivent les tendances de la mode établies. Cependant, la plupart des créateurs de mode
travaillent pour des fabricants de vêtements et créent des modèles de mode pour hommes, femmes et enfants
destinés au marché de masse. Les grandes marques de créateurs qui ont un « nom » comme marque, comme
Abercrombie & Fitch, Justice ou Juicy, sont susceptibles d'être conçues par une équipe de créateurs
individuels sous la direction d'un directeur de création.

Concevoir un vêtement

Les créateurs de mode travaillent de différentes manières. Certains esquissent leurs idées sur du papier,
tandis que d'autres drapent du tissu sur un mannequin de couture. Lorsqu'un designer est entièrement satisfait
de l'ajustement de la toile (ou de la mousseline), il consulte un modéliste professionnel qui réalise ensuite la
version finie et fonctionnelle du patron à partir de carton ou via un système informatisé. Le travail du modéliste
est très précis et minutieux. La coupe du vêtement fini dépend de leur précision. Enfin, un échantillon de
vêtement est confectionné et testé sur un mannequin afin de s'assurer qu'il s'agit d'une tenue opérationnelle.
Myriam Chalek, propriétaire et fondatrice de Creative Business House, explique que la plupart du temps, les
créateurs de mode n'ont qu'un concept de mode ; la technicité et la construction ne sont pas réfléchies
pendant le processus de conception visuelle et d'esquisse. Le créateur de mode doit donc rencontrer un
modéliste et un échantillonneur pour déterminer si le croquis sur papier peut prendre vie selon sa vision.

Histoire

On considère généralement que le design de mode a commencé au 19e siècle avec Charles Frederick Worth,
qui fut le premier créateur à avoir sa marque cousue sur les vêtements qu'il créait. Avant que l'ancien drapier
n'installe sa maison de couture à Paris, la conception et la création de vêtements étaient assurées par des
couturières en grande partie anonymes, et la haute couture descendait de celle portée dans les cours royales.
Le succès de Worth fut tel qu'il put dicter à ses clientes ce qu'elles devaient porter, au lieu de suivre leurs
instructions comme le faisaient les couturiers précédents. Le terme couturier a en fait été créé à l'origine pour
le décrire. Bien que tous les articles d'habillement de n'importe quelle époque soient étudiés par les
universitaires comme des créations de costumes, seuls les vêtements créés après 1858 peuvent être
considérés comme des créations de mode.

C'est durant cette période que de nombreuses maisons de couture ont commencé à embaucher des artistes
pour dessiner ou peindre des modèles de vêtements. Les images étaient montrées aux clients, ce qui était
beaucoup moins cher que de produire un échantillon réel de vêtement dans l'atelier. Si le client aimait leur
design, il le commandait et le vêtement obtenu rapportait de l'argent à la maison. Ainsi, la tradition selon
laquelle les créateurs esquissent des modèles de vêtements au lieu de présenter les vêtements finis sur des
mannequins aux clients est devenue une forme d'économie.

Types de mode

Les vêtements produits par les fabricants de vêtements se répartissent en trois catégories principales, bien
que celles-ci puissent être divisées en catégories supplémentaires plus spécifiques :

Haute couture
Jusqu'aux années 1950, les vêtements de mode étaient principalement conçus et fabriqués sur mesure ou
haute couture, chaque vêtement étant créé pour un client spécifique. Un vêtement de couture est fabriqué sur
commande pour un client individuel et est généralement fabriqué à partir de tissus coûteux et de haute qualité,
cousu avec une attention extrême aux détails et à la finition, souvent en utilisant des techniques chronophages
exécutées à la main. L'apparence et la coupe priment sur le coût des matériaux et le temps nécessaire à la
fabrication. En raison du coût élevé de chaque vêtement, la haute couture génère peu de bénéfices directs
pour les maisons de couture, mais elle est importante pour le prestige et la publicité.

Prêt-à-porter
Le prêt-à-porter est un croisement entre la haute couture et le marché de masse. Elles ne sont pas réalisées
pour des clients individuels, mais un grand soin est apporté au choix et à la coupe du tissu. Les vêtements sont
fabriqués en petites quantités pour garantir l'exclusivité, ils sont donc plutôt chers. Les collections de prêt-à-
porter sont généralement présentées par les maisons de couture chaque saison lors d'une période appelée
Fashion Week. Cet événement se déroule à l’échelle de la ville et se produit deux fois par an. Les principales
saisons de la Fashion Week comprennent le printemps/été, l'automne/hiver, la saison des vacances, la saison
des maillots de bain et la saison des mariages.

Marché de masse
Actuellement, l’industrie de la mode s’appuie davantage sur les ventes en grande consommation. Le marché
de masse s'adresse à une large gamme de clients et produit des vêtements prêts-à-porter inspirés des
tendances établies par les grands noms de la mode. Ils attendent souvent une saison pour s’assurer qu’un
style va prendre avant de produire leurs propres versions du look original. Afin d'économiser de l'argent et du
temps, ils utilisent des tissus moins chers et des techniques de production plus simples qui peuvent être
facilement réalisées à la machine. Le produit final peut donc être vendu à un prix beaucoup moins cher.
Il existe un type de design appelé « kutch », qui provient du mot allemand « kitschig » qui signifie « laid » ou «
pas esthétique ». Le kitsch peut également faire référence au fait de « porter ou d’afficher quelque chose qui
n’est donc plus à la mode ». Souvent, les pantalons taille haute, associés aux années 1980, sont considérés
comme une déclaration de mode « kitsch ».

Éducation à la mode

Il n’y a aucune exigence formelle en matière d’éducation pour devenir créateur de mode. Quelques créateurs
de mode, comme Jean-Paul Gaultier, ont débuté comme assistants d'autres créateurs de mode déjà
é[Link]://[Link]/wiki/Fashion_design - cite_note-14

Il existe un certain nombre d'écoles d'art et de design spécialisées bien connues dans le monde entier qui
proposent des diplômes en design de mode et en technologie de conception de mode. Certains collèges
proposent également des cours de maîtrise en mode. Bien qu'il ne soit pas obligatoire d'avoir un diplôme de
niveau master, il est recommandé à ceux qui travaillent déjà dans le secteur d'étudier à ce
[Link]://[Link]/wiki/Fashion_design - cite_note-15 Les écoles de design les plus remarquables au monde sont :

Milan

 Institut Marangoni

 Académie Domus
 Polytechnique de Milan
 NABA - Nouvelle Académie des Beaux-Arts de Milan
 Institut Européen de Design

Italie

 Université Iuav de Venise

 Polimoda

Londres

 Institut Marangoni

 Collège de la mode de Londres

 Collège d'art et de design Central Saint Martins
  Ravensbourne (Collège)
 Université de Westminster
 Université de Kingston

Angleterre

 Université de Brighton

 Université De Montfort

France

 IFA Paris

 Mod'Art
 Esmod
 la Fédération de la Mode PARIS
 Parsons Paris

Écosse

 Collège des Beaux-Arts d'Édimbourg

Irlande

 École d'art et de design de Limerick

 Collège national d'art et de design

Roumanie

 UNArte à Bucarest, Roumanie.

Bangladesh

 Université de technologie créative Shanto-Mariam, Dhaka

 Institut de la mode et de la technologie BGMEA, Dhaka

Belgique

 Académie royale des Beaux-Arts (Anvers)

Bulgarie

 Nouvelle Université Bulgare

NOUS

 Académie des Beaux-Arts de San Francisco, Californie

  Académie de couture à Beverly Hills, Californie
 Columbia College Chicago à Chicago, Illinois
 Institut de technologie de la mode à New York, État de New York
 Institut de design et de marchandisage de la mode à Los Angeles, Californie
 Collège de design O'More à Franklin, Tennessee
 Otis College of Art & Design à Los Angeles, Californie
 Parsons La nouvelle école de design de New York City, New York
 Université de Philadelphie à Philadelphie, Pennsylvanie
 Institut Pratt à New York, État de New York
 Collège d'art et de design de Savannah à Savannah, en Géorgie
 École de l'Art Institute of Chicago à Chicago, Illinois
 Université Virginia Commonwealth à Richmond, Virginie
 Université de Woodbury à Burbank, Californie

Ailleurs dans le monde, l'Institut national de technologie de la mode en Inde, l'Université Shih Chien à Hong
Kong, l'Université RMIT à Melbourne, l'Université catholique Fu Jen à Taiwan et la chaîne d'universités
asiatiques, Raffles College of Design and Commerce, proposent tous des cours de design de mode réputés.

Il existe de nombreuses universités qui proposent des cours de design de mode à travers les États-Unis,
généralement dans le cadre d'un diplôme général d'arts libéraux. La concentration majeure intégrant le design
de mode peut avoir des noms alternatifs comme Vêtements et textiles ou Design de vêtements et textiles, et
peut être hébergée dans des départements tels qu'Art et histoire de l'art ou Études de la famille et du
consommateur. Certaines écoles, comme Parsons, proposent une spécialisation en gestion de la mode,
combinant l'enseignement de la mode avec des cours de commerce.

La seule université de l'Ivy League à proposer un programme de premier cycle en design de mode est
l'université Cornell à Ithaca, New York, un programme proposé par le département des sciences des fibres et
du design de vêtements. Cornell propose également un programme de doctorat en conception de vêtements.

Une liste actualisée des programmes de master et de doctorat en design de mode est disponible sur [Link].
Les programmes visent à répondre aux besoins du monde universitaire, de l'industrie et de la recherche en
considérant la conception de vêtements comme une science appliquée qui englobe le design, la technologie,
les sciences physiques, les sciences humaines et les sciences sociales afin de répondre aux besoins humains
en matière de vêtements.

Domaines de la création de mode

Zone Bref Marché
Tenues pour la journée de la Haute couture, prêt-à-porter,
Pratique, confortable, à la mode
femme marché de masse
Haute couture, prêt-à-porter,
Tenue de soirée pour femme Glamour, sophistiqué, adapté à l'occasion
marché de masse
Haute Couture, prêt-à-porter,
Lingerie pour femme Glamour, confortable, lavable
marché de masse
Confection, prêt-à-porter, marché
Tenue de jour pour homme Décontracté, pratique, confortable
de masse
Confection, prêt-à-porter, marché
Tenue de soirée pour homme Intelligent, élégant, formel, adapté à l'occasion
de masse
Tendance ou classe, pratique, lavable,
Vêtements pour enfants Prêt-à-porter, marché de masse
fonctionnel
Vêtements pour filles Joli, coloré, pratique, lavable, pas cher Prêt-à-porter, marché de masse
Vêtements pour adolescentes Coloré, confortable, glamour, joli Prêt-à-porter, marché de masse
Unisexe, démocratique, confortable, pratique,
Vêtements en jean Prêt-à-porter, marché de masse
fonctionnel
Confortable, pratique, bien ventilé, lavable,
Vêtements de sport Prêt-à-porter, marché de masse
fonctionnel
Tricots Poids et couleur adaptés à la saison Prêt-à-porter, marché de masse
Élégant, chaud, poids et couleur adaptés à la
Vêtements d'extérieur Prêt-à-porter, marché de masse
saison
Haute couture, prêt-à-porter,
Tenue de mariée Somptueux, glamour, classique
marché de masse
Haute couture, prêt-à-porter,
Accessoires Frappant, à la mode
marché de masse
Système d'étoiles

Les designers travaillent dans un système hiérarchique.

« Les créateurs sont les plus stratifiés dans le système de la mode française [...] La mode assure le
fonctionnement d'un système de positions dominantes et subordonnées au sein d'un ordre social. La mode est
idéologique dans la mesure où elle fait également partie du processus par lequel des groupes sociaux
particuliers, en l’occurrence les créateurs d’élite, établissent, maintiennent et reproduisent des positions de
pouvoir et des relations de domination et de subordination. Les positions de domination et de subordination
paraissent naturelles et légitimes, non seulement à ceux qui sont en position de domination, mais aussi à ceux
qui sont en position de subordination. La mode et le média de la mode, c'est-à-dire les vêtements, offrent des
moyens de rendre légitimes et, par conséquent, acceptables les inégalités de statut socio-économique.

Une « conception mythique du créateur en tant que « génie créatif » déconnecté des conditions sociales » est
essentielle au fonctionnement du système de la mode et à la reproduction de la mode en tant qu’idéologie. La
créativité est une construction sociale et non un don inné, c'est-à-dire que beaucoup peuvent être doués, mais
personne ne peut devenir un créateur célèbre sans être légitimé par le système de la mode et ses gardiens.

Le star system est aussi essentiel pour l’industrie de la mode que pour toute industrie culturelle. « Le genre et
le star system sont des tentatives de produire quelque chose d'analogue aux noms de marque dans les
industries culturelles. [...] Les stars sont indispensables parce que l'idéologie de la créativité veut que les
œuvres créatives aient un auteur identifiable. »

L'industrie mondiale de la mode

La mode est aujourd’hui une industrie mondiale et la plupart des grands pays disposent d’une industrie de la
mode. Certains pays sont d’importants centres de production, notamment l’Indonésie, la Malaisie,
[Link] Philippines, la Chine, le Bangladesh,
[Link] Corée
du[Link] Sud, l’Espagne, l’Allemagne, le Brésil et l’Inde. Cinq pays ont acquis une
réputation internationale dans le domaine de la mode : la France, l’Italie, le Royaume-Uni, les États-Unis et le
Japon.

Création de mode américaine

La majorité des maisons de couture américaines sont basées à New York, même si un nombre important
d'entre elles se trouvent à Los Angeles, où un pourcentage substantiel des vêtements de haute couture
fabriqués aux États-Unis sont effectivement confectionnés. Il existe également des industries en plein essor à
Miami, Chicago, Dallas et surtout à San Francisco. La mode américaine est dominée par un style épuré, urbain
et décontracté, reflétant le style de vie athlétique et soucieux de la santé des citadins américains. Claire
McCardell est une créatrice qui a contribué à définir la tendance des vêtements de jour d'inspiration sportive
aux États-Unis dans les années 1940 et 1950. Nombre de ses créations ont été remises au goût du jour au
cours des dernières décennies.

Création de mode britannique

Londres est depuis longtemps la capitale de l’industrie de la mode britannique et propose une large gamme de
créations étrangères qui se sont intégrées aux styles britanniques modernes. Le design britannique typique est
à la fois intelligent et innovant, mais il est récemment devenu de plus en plus non conventionnel, fusionnant les
styles traditionnels avec les techniques modernes. Les styles vintage jouent un rôle important dans l’industrie
de la mode et du style britannique. Les stylistes mélangent et assortissent régulièrement l'ancien et le
nouveau, ce qui confère au style britannique cette esthétique bohème unique que de nombreuses autres
capitales de la mode tentent d'imiter. La mode irlandaise (tant au niveau du design que du style) est également
fortement influencée par les tendances de la mode britannique. Les marques et créateurs britanniques
célèbres incluent Burberry, Alexander McQueen, Mulberry, Stella McCartney et Vivienne Westwood.

Création de mode française

La plupart des maisons de couture françaises sont à Paris, capitale de la mode française. Traditionnellement,
la mode française est chic et élégante, définie par sa sophistication, sa coupe et ses accessoires intelligents.
Bien que le Global Language Monitor la place au 3ème rang des médias, après Milan et New York, la mode
française est plébiscitée à l'international.

Création de mode italienne

Milan est la capitale italienne de la mode. La plupart des couturiers italiens les plus âgés se trouvent à Rome.
Cependant, Milan [Link] Florence sont les capitales italiennes de la mode et sont
le lieu d'exposition de leurs collections. La mode italienne se caractérise par une élégance décontractée et des
tissus luxueux.

Création de mode suisse

La plupart des maisons de couture suisses se trouvent à Zurich. Le look suisse est décontracté, élégant et
luxueux avec une légère touche d'originalité. De plus, il a été grandement influencé par la scène des clubs de
danse.

Création de mode japonaise

La plupart des maisons de mode japonaises sont à Tokyo. Le look japonais est ample et déstructuré (résultant
souvent d'une coupe compliquée), les couleurs tendent vers le sombre et le subtil, et les tissus sont richement
texturés. Les créateurs japonais les plus célèbres sont Yohji Yamamoto, Kenzo, Issey Miyake (drapé et coupe
magistraux) et Rei Kawakubo de Comme des Garçons[Link]
%C3%A7ons, qui a développé une nouvelle façon de couper (comparable à l'innovation de Madeleine Vionnet
dans les années 1930).

Création de mode soviétique

La mode en Union soviétique suivait largement les tendances générales du monde occidental. Cependant,
l’idéologie socialiste de l’État a constamment modéré et influencé ces tendances. De plus, les pénuries de
biens de consommation signifiaient que le grand public n’avait pas facilement accès à des vêtements
préfabriqués.

La nouvelle politique économique (années 1920)

La nouvelle politique économique a autorisé l'activité privée, ce qui a permis à la mode occidentale de
s'implanter en Union soviétique. Cependant, l'idéologie bolchevique s'opposait à la consommation de la mode
occidentale, qu'elle considérait comme une pratique intrinsèquement capitaliste. La mode occidentale mettait
l’accent à la fois sur le statut économique et sur les différences de genre dans un système qui cherchait à
minimiser ces deux [Link]://[Link]/wiki/Fashion_design - cite_note-25

Au début des années 1920, les magazines

[Link] par le Parti comme Rabotnitsa
(« L’ouvrière ») et Krest'yanka (« La paysanne ») proposaient un discours limité et confus sur la mode. Les
couvertures présentaient des femmes en tenue de travail simple, mais les magazines contenaient souvent des
publicités pour des entreprises privées vendant des vêtements élégants. Cependant, en 1927, le message des
magazines était cohérent : les femmes devaient être jugées sur leur capacité à travailler et non sur leur
apparence. La mode, en tant qu’accessoire de beauté, était donc bourgeoise et préjudiciable à la société
socialiste.

L’État a alors lancé des projets visant à créer un nouveau type de vêtements soviétiques, qui s’inspirait des
vêtements traditionnels, des formes constructivistes et des moyens technologiques. Les constructivistes
comme Varvara Stepanova et Aleksandr Rodchenko s’accordaient à dire que la mode dictée par le marché
était intrinsèquement néfaste. Ils ont utilisé la géométrie simple du cubisme pour
concevoir[Link] des vêtements fonctionnels, faciles à produire en série et parfois
unisexes. Mais, faute de matériel et de machines adéquats, ces « vêtements de production » ne plaisaient pas
au public prolétarien auquel ils étaient destinés. Les modèles n’étaient accessibles qu’aux membres les plus
privilégiés de l’intelligentsia, qui préféraient finalement la mode occidentale aux « vêtements de production »
très expérimentaux.

L'ère stalinienne (années 1930-1950)

À l’époque de Staline, les sentiments anti-mode se sont dissipés. Les magazines approuvés par le parti
faisaient désormais la promotion de la mode et de la beauté comme des éléments nécessaires de la vie d'une
femme soviétique. Rabotnitsa proposait des conseils de mode dans presque tous ses numéros et rendait
régulièrement compte des nouvelles maisons de couture ouvertes dans toute l'Union soviétique. Krest'yanka
organisait même des défilés itinérants pour faire découvrir la mode à la campagne. Les esthétiques promues
étaient très variées, allant du raffinement urbain à la décoration ornée.

Ce nouvel intérêt pour la mode était lié à l'affirmation de Joseph Staline selon laquelle « la vie est devenue
meilleure et plus joyeuse ». Les images persistantes de femmes simples et de paysans pittoresques étaient
censées propager la vision capitaliste selon laquelle le socialisme engendre la pauvreté. Les vêtements à la
mode et beaux étaient un signe de culture et de qualité de vie égales (ou supérieures) à celles du capitalisme.
Les stakhanovistes, en tant que principaux exemples de travailleurs ayant réussi, étaient censés adhérer à des
normes d'apparence particulièrement élevées. Ils étaient souvent photographiés portant de beaux vêtements
même lorsqu'ils se rendaient à l'usine.

En réalité, les modes vantées étaient hors de portée de la plupart des citoyens. L'industrie soviétique était
incapable de produire des vêtements à la mode en quantité significative, et ceux qui existaient n'étaient pas
disponibles à la vente. Pendant la Seconde Guerre mondiale, l'industrie de la mode soviétique a été mise en
pause. Si le citoyen soviétique moyen désirait un vêtement particulièrement élégant, il était généralement
obligé de faire appel à un tailleur privé. La mode quotidienne était souvent fabriquée par les femmes elles-
mêmes et les magazines conseillaient systématiquement aux femmes d'adopter une approche « do it yourself
» pour leur apparence.

L'ère Khrouchtchev (années 1950-1960)

Le dégel de Khrouchtchev a permis une plus grande représentation de la mode occidentale dans les médias
nationaux. Des journalistes ont été envoyés à l'étranger pour rendre compte des dernières tendances de la
mode internationale. Cependant, les institutions de mode et les magazines d'État ont modéré ces tendances
auprès du public soviétique. Les « modes » de la mode furent rejetées au profit de styles classiques et
durables. En outre, la modération et la modestie étaient mises en avant. Le style caractéristique de Coco
Chanel, par exemple, était particulièrement admiré comme symbole d'intemporalité et de sophistication simple.
Un article du New York Times de 1959 critiquait les modes soviétiques comme étant des « copies maladroites
» de formes occidentales dépassées. La disponibilité de ces styles, cependant, était en hausse. Des magasins
comme le grand magasin GUM, récemment rouvert, proposent désormais les nouvelles modes, bien qu'à des
prix élevés.

La nouvelle approche de l’État envers la mode a été soigneusement calculée. La promotion d’une mode à prix
exorbitants à l’époque de Staline et le contraste avec la disponibilité réelle des produits ont suscité le
ressentiment du public. À l'époque de Khrouchtchev, l'industrie du vêtement, propriété de l'État, n'était pas
encore en mesure de produire en masse des vêtements à la mode. Cependant, la simplification des modes, le
rejet des excès et les prix élevés ont permis à l'industrie de contrôler la demande des consommateurs. Au
début des années 1960, les standards d'apparence de la classe moyenne s'étaient élevés à tel point que la
mode de rue de Moscou était presque impossible à distinguer de celle d'une ville occidentale.

Dans le même temps, des mouvements de contre-culture se développaient parmi les jeunes de l’élite. Les
stilyagi, ou « chasseurs de style », basaient à l’origine leur look sur les représentations médiatiques de la mode
occidentale (en particulier américaine). Les hommes portaient des articles tels que des chemises hawaïennes,
des lunettes de soleil, des pantalons étroits et des chaussures pointues, tandis que les femmes
stilyagi[Link] portaient des minijupes et conservaient un comportement enfantin.
Ces styles étaient qualifiés d’« excessifs » et les groupes du Komsomol effectuaient parfois des raids dans les
cachettes des stilyagi et coupaient leurs cheveux et leurs jambes de pantalon.

L'ère Brejnev (années 1970-1980)

À la fin des années 1960, les institutions de la mode soviétique, comme le bureau de mode centralisé ODMO
(Maison des prototypes de toute l'Union), adoptaient des tendances occidentales de plus en plus novatrices.
Dans le même temps, il était toujours nécessaire d’établir des modes spécifiquement soviétiques. La « mode
spatiale », par exemple, s’inscrit directement dans l’idéologie de l’État en glorifiant le triomphe de la science
soviétique.

La réalité, cependant, différait des prévisions d’ODMO. L'industrie soviétique ne parvenait pas à répondre à la
demande de produits à la mode et l'offre dans les magasins d'URSS était moins bonne que dans les autres
pays socialistes. La population était également insatisfaite des articles disponibles. Par exemple, les femmes
soviétiques détestaient tellement les modèles promotionnels comportant des imprimés ethniques russes que
ce style est finalement devenu plus populaire en Occident qu'en Union soviétique elle-même.

La classe moyenne fétichise de plus en plus la mode occidentale, car elle est visible mais difficilement
accessible. Les jeans bleus fabriqués aux États-Unis étaient un article particulièrement recherché. Les
magasins d'occasion étaient l'une des sources de la mode occidentale, car les visiteurs de l'Ouest pouvaient
importer des marchandises et les vendre à des prix élevés. La chaîne de vente au détail Beriozka vendait
également des vêtements occidentaux, mais uniquement à une poignée de privilégiés qui pouvaient payer en
devises fortes ou en certificats de change. Des certificats de change et des vêtements occidentaux étaient
également disponibles sur le marché noir.

L'ère Gorbatchev (années 1980)

Sous la perestroïka, une mode variée est devenue acceptable. En 1987, Gorbatchev autorisa la publication et
la distribution d’une édition russe du magazine Burda Fashion. L’année suivante, Zhurnal Mod commença une
nouvelle édition, devenant le premier « vrai » magazine de mode d’Union soviétique. En termes de contenu, il
était pratiquement impossible de le distinguer d’un magazine de mode occidental, même si ODMO fournissait
tous les styles.

Lors de la dix-neuvième conférence du parti, à l’été 1989, une résolution visant à augmenter la production de
biens de consommation a été adoptée. Les vêtements à la mode ont été spécifiquement mentionnés au cours
des débats. Malgré les défenseurs de la mode au plus haut niveau de la bureaucratie, de réels changements
dans la production n'ont pas eu lieu. Le ministère des Industries légères a fixé des quotas pour la création de
nouveaux produits, mais les usines textiles ont plutôt recyclé des modèles et des produits plus anciens.

Dans le même temps, l’assouplissement de la censure sous la glasnost a rendu la classe moyenne encore
plus consciente de ses homologues occidentaux. Ils estimaient qu’ils méritaient des vêtements à la mode
comme symbole de statut, mais ils ne pouvaient toujours pas les obtenir facilement.

Termes de conception de mode

 Un créateur de mode conçoit des combinaisons de vêtements de ligne, de proportion, de couleur et

de texture. Bien que les compétences en couture et en modélisme soient bénéfiques, elles ne constituent
pas une condition préalable à la réussite de la création de mode. La plupart des créateurs de mode ont
suivi une formation formelle ou sont en apprentissage.

 Un concepteur technique travaille avec l'équipe de conception et les usines à l'étranger pour
garantir une construction correcte des vêtements, des choix de tissus appropriés et un bon ajustement. Le
 concepteur technique ajuste les échantillons de vêtements sur un modèle ajusté et décide des
modifications d'ajustement et de construction à apporter avant de produire le vêtement en série.
 Un modéliste (ou coupeur de patrons) dessine les formes et les tailles des pièces d'un vêtement. Cela
peut être fait manuellement avec du papier et des outils de mesure ou en utilisant un logiciel de CAO. Une
autre méthode consiste à draper le tissu directement sur un mannequin de couture. Les pièces du patron
obtenues peuvent être construites pour produire le design prévu du vêtement et la taille requise. Une
formation formelle est généralement requise pour travailler en tant que marqueur de modèles.
 Un tailleur confectionne des vêtements sur mesure, conçus selon les mesures du client ; notamment
des costumes (manteau et pantalon, veste et jupe, etc.). Les tailleurs suivent généralement un
apprentissage ou une autre formation formelle.
 Un designer textile conçoit des tissages et des imprimés pour des vêtements et des meubles. La
plupart des créateurs textiles reçoivent une formation formelle en tant qu’apprentis et dans les écoles.
 [Link] styliste coordonne les vêtements, les bijoux et les
accessoires utilisés dans la photographie de mode et les présentations de défilés. Un styliste peut
également travailler avec un client individuel pour concevoir une garde-robe coordonnée de vêtements. De
nombreux stylistes sont formés en design de mode, en histoire de la mode et en costume historique, et
possèdent un haut niveau d’expertise sur le marché actuel de la mode et les tendances futures du
marché. Cependant, certains ont simplement un sens esthétique très développé pour créer de superbes
looks.
 Un acheteur de mode sélectionne et achète le mélange de vêtements disponibles dans les magasins
de détail, les grands magasins et les chaînes de magasins. La plupart des acheteurs de mode ont une
formation en commerce et/ou en études de mode.
 Une couturière coud des vêtements prêts-à-porter ou fabriqués en série, à la main ou à la machine à
coudre, soit dans un atelier de confection, soit comme opératrice de machine à coudre dans une usine. Il
(ou elle) n’a peut-être pas les compétences pour fabriquer (concevoir et couper) les vêtements, ou pour
les ajuster sur un mannequin.
 Un professeur de design de mode enseigne l'art et l'artisanat du design de mode dans une école
d'art ou de mode.
 Un tailleur sur mesure confectionne des vêtements sur mesure, sur commande, pour un client donné.
 Un [Link] est spécialisé dans la confection de vêtements
pour femmes sur mesure : robes de jour, de cocktail et de soirée, vêtements et costumes d'affaires,
trousseaux, vêtements de sport et lingerie.
 Un illustrateur dessine et peint des modèles de vêtements destinés à un usage commercial.
 Un prévisionniste de mode prédit quelles couleurs, quels styles et quelles formes seront populaires («
tendance ») avant que les vêtements ne soient mis en vente dans les magasins.
 Un mannequin porte et expose des vêtements lors de défilés de mode et sur des photographies.
 [Link] mannequin aide le créateur de mode en portant et en
commentant la coupe des vêtements pendant leur conception et leur pré-fabrication. Les modèles ajustés
doivent avoir une taille particulière à cet effet.
 Un journaliste de mode écrit des articles de mode décrivant les vêtements présentés ou les tendances
de la mode, pour des magazines ou des journaux.
 Un spécialiste des retouches (altérateur) ajuste la coupe des vêtements terminés, généralement prêts
à porter, et parfois les remodèle. REMARQUE : même si les tailleurs modifient les vêtements pour les
adapter au client, tous les retoucheurs ne sont pas des tailleurs.
 Un conseiller en image, un conseiller en garde-robe ou un conseiller en mode recommande des
styles et des couleurs qui flattent le client.