Resumen

La animación cinematografica se ha convertido en un elemento importante para

muchos artistas, la animación tiene muchos estilos de dibujo, tambien maneja
diferentes tipos de animación como; 2D (Tradicional, Vectorial, Limitada) y 3D (CGI,
Captura de Movimiento), además de técnicas híbridas y físicas como Stop Motion
(Arcilla, Recortes, Marionetas) y Motion Graphics (Tipografía, Pizarra), entre otras.
Sin embargo para esta investigación nos enfocaremos en la animación 2D y sus bases
para poder realizar un proyecto, dando los conceptos y recolectando la información en
un solo lugar, realizando asi nuestro proyecto desde la experiencia personal, donde los
estudiantes del primer nivel de la carrera tengan acceso a la información necesaria
para sus trabajos sin la dependencia de los docentes, planteando como proposito
general; identificar los pasos basicos para la creación de la animación 2D para los
estudiantes de la UNEARTE, por medio de los propositos especificos; reconocer los
pasos fundamentales del proceso de creación de una animación 2D que resultan
esenciales para estudiantes principiantes en producción audiovisual, diagnosticar las
principales dificultades que enfrentan los estudiantes del primer nivel de Producción
Audiovisual en UNEARTE al intentar ejecutar los pasos básicos de una animación 2D
sin supervisión docente constante y proponer una secuencia clara, accesible y basada
en la experiencia práctica de los pasos necesarios para realizar una animación 2D,
orientada a fomentar el aprendizaje autónomo en estudiantes de primer nivel. En
donde a partir de el metodo fenomenologico se entrevistaron a tres informantes
claves, para el desarrollo de la investigación.

Palabras Clave: Animación 2D, Audiovisual, Principiantes.

Introduccíon

Planteamiento del Problema

1.1 Necesidad de la investigación

En los últimos años, la industria de la animación cinematográfica ha experimentado

un crecimiento exponencial tanto a nivel mundial como nacional. Esto ha generado un
aumento en la demanda de profesionales capacitados en todas las áreas del proceso
creativo y técnico de la animación: desde el diseño conceptual hasta la postproducción
digital; muchas instituciones educativas han incorporado programas orientados a la
formación en animación; sin embargo, persiste una brecha entre la enseñanza
tradicional y las exigencias prácticas de la producción audiovisual. Esta situación
limita la capacidad para desarrollar habilidades técnicas y narrativas de manera
autónoma.

En América Latina, la animación 2D ha ganado visibilidad en las últimas dos décadas,

con producciones destacadas en países como Brasil, Argentina, México y Colombia.
Sin embargo, la enseñanza formal de la animación aún enfrenta desafíos: escasez de
programas curriculares estandarizados, limitado acceso a herramientas actualizadas y
dependencia excesiva de la transmisión oral o empírica del conocimiento por parte de
docentes. Esto genera desigualdades en la formación de nuevos creadores,
especialmente en instituciones públicas o de reciente creación, donde los estudiantes
requieren recursos autónomos, claros y contextualizados para desarrollar sus primeras
experiencias creativas sin depender exclusivamente de la guía presencial.

En la Universidad Nacional Experimental de las Artes (UNEARTE), específicamente

en la carrera de Producción Audiovisual, los estudiantes del primer nivel carecen de
un material didáctico integral y accesible que les permita comprender y aplicar los
fundamentos básicos de la animación 2D de manera autónoma. La información
disponible suele estar dispersa en tutoriales en línea, libros en otros idiomas o apuntes
no sistematizados, lo que obstaculiza el aprendizaje independiente y la
experimentación temprana. Esta situación limita no solo la creatividad individual, sino
también la capacidad de los futuros realizadores audiovisuales para integrar la
animación como herramienta expresiva desde las etapas iniciales de su formación.
Ante este contexto multinivel, se hace necesario identificar, organizar y sistematizar
los pasos básicos para la creación de animación 2D, con un enfoque práctico y
adaptado a las necesidades de los estudiantes principiantes de UNEARTE,
promoviendo así una formación más autónoma, inclusiva y creativa.

Preguntas de la investigación
¿Cuáles son los pasos fundamentales en el proceso de creación de una animación 2D
que todo estudiante principiante debe conocer para desarrollar un proyecto
audiovisual de forma autónoma?.

¿Qué obstáculos enfrentan los estudiantes del primer nivel de Producción Audiovisual
en UNEARTE al intentar aplicar los pasos básicos de la animación 2D sin apoyo
docente constante?.

¿Cómo puede estructurarse una secuencia clara y accesible de pasos para la

realización de animación 2D que permita a los estudiantes de UNEARTE llevar a
cabo sus propios proyectos desde la experimentación personal y el aprendizaje
independiente?.

Proposito de la Investigación

Proposito General

Identificar los pasos basicos para la creación de la animación 2D para los estudiantes
de la UNEARTE.

Propositos especificos

Reconocer los pasos fundamentales del proceso de creación de una animación 2D

desde la preproducción hasta la postproducción que resultan esenciales para
estudiantes principiantes en producción audiovisual.

Diagnosticar las principales dificultades que enfrentan los estudiantes del primer nivel
de Producción Audiovisual en UNEARTE al intentar ejecutar los pasos básicos de
una animación 2D sin supervisión docente constante.

Proponer una secuencia clara, accesible y basada en la experiencia práctica de los

pasos necesarios para realizar una animación 2D, orientada a fomentar el aprendizaje
autónomo en estudiantes de primer nivel.
Justificación

Esta investigación se justifica por su pertinencia en varios ámbitos: teórico,

metodológico, social y local, respondiendo a necesidades reales en el campo de la
producción audiovisual y, en particular, en la formación artística en Venezuela. Desde
la dimensión teórica, si bien existe una amplia bibliografía internacional sobre
animación 2D, gran parte de ese conocimiento está disperso en manuales técnicos,
tutoriales no sistematizados o fuentes en idiomas distintos al español. Además, rara
vez se presenta como una secuencia clara y accesible de pasos orientados a
principiantes sin experiencia previa. Esta investigación contribuye a organizar,
sintetizar y contextualizar ese conocimiento, ofreciendo una estructura coherente que
parte de la práctica y responde a las etapas reales del proceso creativo en animación
bidimensional.

En el plano metodológico, el trabajo se sustenta en un enfoque cualitativo basado en

la observación directa, la experimentación personal y la revisión crítica de fuentes
especializadas. Este tipo de abordaje es especialmente adecuado en disciplinas
artísticas, donde el conocimiento se construye tanto desde la reflexión como desde la
acción. Al documentar y validar los pasos esenciales a través de la propia experiencia
creativa, se logra un modelo práctico, replicable y adaptable a distintos contextos de
producción independiente.

Desde la perspectiva social y cultural, facilitar el acceso a procesos técnicos claros en

animación 2D fortalece la capacidad de nuevos creadores para expresarse
visualmente, incluso con recursos limitados. En América Latina (en Venezuela en
particular), donde la infraestructura técnica puede ser escasa pero la imaginación y la
narrativa visual son abundantes, contar con referencias accesibles permite
democratizar la creación audiovisual y diversificar las voces que participan en la
construcción de relatos animados. Esto no solo impulsa la producción cultural local,
sino que también abre caminos para la participación en redes regionales e
internacionales de animación independiente.

Finalmente, en el contexto local de la Universidad Nacional Experimental de las Artes

(UNEARTE), se ha observado que los estudiantes del primer nivel de Producción
Audiovisual enfrentan dificultades para iniciar proyectos de animación 2D debido a la
falta de una referencia clara y estructurada que les indique cómo avanzar desde la idea
hasta la realización. Esta investigación busca llenar ese vacío al identificar y organizar
los pasos fundamentales del proceso —preproducción, producción y postproducción
— de manera que cualquier estudiante pueda aplicarlos de forma autónoma, incluso
sin supervisión constante. Así, se promueve no solo la realización de obras, sino
también la confianza en la propia capacidad creativa y técnica. Por estas razones, este
trabajo trasciende lo meramente académico y se convierte en una herramienta práctica
con potencial de impacto en la comunidad estudiantil, en la producción cultural local
y en la visibilización de nuevas formas de hacer animación en contextos de recursos
limitados.

Línea de Investigación: Creación Artística y Cultural

La presente investigación se rige por el ámbito social y la línea de Creación Artística

y Cultural de la Universidad Nacional Experimental de las Artes. Esta vinculación se
fundamenta en los siguientes pilares:

Innovación en la Producción Audiovisual: El proyecto responde a la misión

institucional de fomentar la experimentación técnica y estética, utilizando recursos
didácticos para optimizar la creación de contenidos cinematográficos en 2D.

Sistematización de Saberes Artísticos: La guía integra conocimientos técnicos de la

industria de la animación con las necesidades académicas de los estudiantes de la
UNEARTE Barinas, promoviendo el desarrollo de lenguajes visuales propios.

Soberanía del Conocimiento: Al proponer una metodología clara y accesible para el

diseño de personajes y el flujo de trabajo (pipeline), se fortalece la capacidad de
creación artística independiente dentro de la región.

Vinculación Didactica: El trabajo no solo se limita a la técnica, sino que busca la

preservación y difusión de la cultura visual a través de la formación de nuevos
realizadores
capacitados en herramientas contemporáneas
Episodio II

Marco Teorico

Antecedentes de la Investigación

El interés por recolectar información para el aprendizaje de la animación

cinematográfica ha crecido considerablemente en los últimos años, debido al aumento
en la demanda educativa en este campo, por lo que algunos estudios relevantes de esta
area son:

Uno de los estudios más influyentes en este campo es el de López, J. A.

Galvis, A. (2022), titulado "Diseño de recursos didácticos digitales para el
aprendizaje 10 activo en artes" , publicado en Pixel-Bit. Revista de Medios y
Educación (No. 65, pp. 99-120). Este trabajo analiza cómo el diseño de materiales
digitales estructurados mejora el compromiso estudiantil y el desarrollo de
competencias técnicas en carreras artísticas. Los autores destacan que “la
integración de elementos visuales, narrativos y actividades prácticas en un solo
recurso permite al estudiante aprender haciendo, promoviendo un conocimiento
más profundo y duradero” (p. 107).

Según Gutiérrez, M. E. Díaz, L. F. (2021) , "Experiencias en la enseñanza de

la animación digital en educación superior en Colombia", publicado en la Revista
Colombiana de Tecnología Avanzada . En su investigación, los autores evidencian
que los estudiantes universitarios enfrentan dificultades para integrar los procesos
de preproducción, producción y postproducción en sus proyectos animados, lo cual
se relaciona directamente con la falta de guías metodológicas claras. Proponen el
uso de “modelos pedagógicos basados en proyectos” para superar esta brecha,
sugiriendo que “una guía secuencial que acompañe al estudiante paso a paso puede
reducir la ansiedad técnica y aumentar la calidad del producto final” (Gutiérrez y
Díaz, 2021, p. 45).
 A nivel internacional, Mayer, R. E. (2021), en su obra fundamental
Multimedia Learning (3rd ed.), establece principios científicamente validados sobre
cómo los estudiantes aprenden mejor con materiales multimedia bien diseñados.
Entre ellos destaca el principio de coherencia, que indica que eliminar información
irrelevante mejora el aprendizaje; y el principio de señalización , que recomienda
usar indicadores visuales (flechas, colores, íconos) para guiar la atención del
estudiante. Estos principios respaldan la decisión de incluir personajes ilustrativos
y elementos gráficos destacados en la presente guía.

En el contexto latinoamericano, Herrera, C. A. (2020), en su tesis doctoral

"Desarrollo de competencias digitales en estudiantes de arte mediante entornos
virtuales", realizada en la Universidad Nacional de Colombia, encontró que los
estudiantes de carreras audiovisuales aprenden más eficazmente cuando disponen
de materiales autogestionables, dinámicos y con ejemplos visuales. Su
investigación concluye que “la animación como contenido educativo no solo 11
enseña sobre sí misma, sino que también modela procesos creativos complejos de
forma comprensible” (Herrera, 2020, p. 132). 5. Aunque no trata específicamente la
animación, el trabajo de Wells, P. (2018), "Animating Difference: Race, Gender
and Sexuality in Contemporary Films for Children", publicado en Animation: An
Interdisciplinary Journal, refuerza la importancia de la animación como lenguaje
cultural y crítico, no solo técnico.

Esto justifica la necesidad de que las guías didácticas también incorporen una
dimensión reflexiva y ética en su contenido. Estos antecedentes demuestran que, si
bien existen avances en el diseño de materiales para la enseñanza de la animación,
aún persiste la necesidad de crear recursos didácticos accesibles, contextualizados y
adaptados a realidades educativas específicas, como la de la Universidad Nacional
Experimental de las Artes ¨UNEARTE¨ de Barinas. Esta guía busca llenar ese vacío
con un enfoque práctico, visual y pedagógico.
Bases Teoricas

Los principios fundamentales de la animación 2D

La animación 2D, como disciplina artística y técnica, se sustenta en una serie de
principios universales que otorgan vida, peso y credibilidad al movimiento. Estos
fueron sistematizados por los legendarios animadores de Walt Disney, Frank Thomas
y Ollie Johnston, en su obra seminal The Illusion of Life: Disney Animation (1981).
En este libro, los autores presentan los “Doce Principios de la Animación”, que se han
convertido en la base práctica para generaciones de animadores en todo el mundo.

Estos principios son: aplastamiento y estiramiento (squash and stretch), anticipación,

puesta en escena (staging), animación directa y pose a pose (straight ahead action and
pose to pose), seguimiento y superposición de acción (follow through and overlapping
action), ralentización y aceleración (slow in and slow out), arco de acción, acción
secundaria, tiempo (timing), exageración, dibujo sólido (solid drawing) y apelación
(appeal). Cada uno de ellos responde a leyes físicas y psicológicas que guían la
percepción del espectador, permitiendo que formas bidimensionales adquieran la
ilusión de vida (Thomas & Johnston, 1981).

Estos principios no son meras reglas estilísticas, sino herramientas que estructuran el
pensamiento del animador, desde la concepción de un personaje hasta la ejecución de
su movimiento más sutil. Su aplicación es fundamental incluso en la animación digital
moderna, ya que proporcionan un lenguaje común y una base técnica ineludible para
cualquier proyecto de animación 2D, independientemente de su estilo o complejidad.

El proceso de creación en animación 2D

El desarrollo de una pieza de animación 2D no es un acto espontáneo, sino un proceso

altamente estructurado que se divide en tres fases interdependientes: preproducción,
producción y postproducción. Esta estructura es un estándar en la industria global y en
la academia, ya que permite gestionar eficazmente los recursos creativos, técnicos y
temporales de un proyecto (Renderforest, 2019). Este modelo de tres etapas ofrece
una hoja de ruta clara y replicable, ideal para estudiantes que buscan abordar sus
primeros proyectos de manera ordenada y autónoma:

Preproducción: Es la etapa de planificación y conceptualización. Aquí se definen las

bases narrativas y visuales del proyecto. Incluye la creación del concepto, el guion
literario, el storyboard (una secuencia de viñetas que visualiza la historia), el diseño
de personajes y fondos, la paleta de color y la animática (un storyboard animado con
sonido temporal). Esta fase es crucial, ya que cualquier error o ambigüedad aquí se
multiplica en costos y tiempo durante la producción (CEI, n.d.).

Producción: Es la fase de ejecución, donde se crea el material animado. En la

animación 2D tradicional o digital, esto implica la creación de los layouts (planos de
cámara), la animación de los cuadros clave (keyframes) por parte de los animadores
principales, la realización de los cuadros intermedios (inbetweening) y el retoque final
(clean-up) para garantizar la coherencia visual. En la animación vectorial, esta fase se
realiza en software especializado, pero sigue la misma lógica narrativa y rítmica
(Conte, 2020).

Postproducción: Es la etapa de ensamblaje y refinamiento final. Aquí se integran

todos los elementos: la animación se colorea, se aplican efectos visuales, se realiza la
edición final, se mezcla el audio definitivo (diálogos, música y efectos de sonido) y se
exporta el producto en el formato requerido. La postproducción es lo que transforma
una serie de dibujos animados en una experiencia audiovisual cohesionada y
profesional (Renderforest, 2019).

El aprendizaje autónomo en entornos audiovisuales

El aprendizaje autónomo se define como un proceso en el que el individuo asume la

responsabilidad de su propio aprendizaje, desde la identificación de sus necesidades
hasta la evaluación de sus resultados (Villavicencio, 2020). En el contexto de la
educación audiovisual, esta capacidad es fundamental, ya que la disciplina exige una
constante experimentación, autorreflexión y resolución de problemas técnicos y
creativos.

Autores como Villavicencio (2020) destacan que el aprendizaje autónomo fortalece en

el estudiante su “querer aprender”, es decir, su motivación intrínseca. En el caso de la
animación 2D, donde los procesos pueden ser largos y detallados, esta autonomía
permite al estudiante avanzar a su propio ritmo, investigar soluciones y aprender de
sus propios errores sin depender exclusivamente de la mediación docente.
Además, la naturaleza visual y secuencial de la animación la convierte en un campo
ideal para el aprendizaje autodirigido. La existencia de recursos audiovisuales —
como tutoriales, documentales de proceso o ejemplos animados— facilita la
comprensión de conceptos abstractos (como el timing o el squash and stretch) a través
de la observación directa (Ramos, 2020). Por lo tanto, sistematizar los pasos de la
animación 2D no solo transmite conocimiento, sino que también habilita la
autonomía, empoderando a los estudiantes para que se conviertan en creadores activos
desde las primeras etapas de su formación.

Bases Legales

Constitución de la República Bolivariana de Venezuela (1999). Artículo 98. “La

creación cultural es libre. Esta libertad comprende el derecho a la inversión,
producción y difusión de bienes y servicios culturales, así como el acceso a los
mismos.” Este artículo garantiza la libertad de expresión artística y el derecho al
acceso a los medios culturales, fundamentando la relevancia de facilitar herramientas
prácticas para la creación audiovisual.

Constitución de la República Bolivariana de Venezuela (1999). Artículo 100. “El

Estado velará por la protección y preservación del patrimonio cultural… y promoverá
la identidad nacional, los valores culturales y la diversidad de expresiones artísticas.”
Este precepto respalda el uso de la animación 2D como medio para fomentar
narrativas propias y fortalecer la identidad cultural desde la formación universitaria.

Constitución de la República Bolivariana de Venezuela (1999). Artículo 102. “La

educación es un derecho humano y un deber social fundamental, democrático,
gratuito y obligatorio. El Estado la asumirá como función indeclinable y de máximo
interés en todos sus niveles y modalidades…”
Este artículo sustenta el enfoque educativo de tu investigación, al promover una
formación integral, accesible y centrada en el desarrollo de competencias artísticas en
estudiantes de producción audiovisual.
Constitución de la República Bolivariana de Venezuela (1999). Artículo 109. “El
Estado promoverá y protegerá la ciencia, la tecnología, los conocimientos, la
innovación… y facilitará el acceso a ellos.” Este mandato constitucional justifica la
sistematización de los pasos técnicos de la animación 2D como una forma de
democratizar el acceso al conocimiento tecnológico y creativo en contextos
académicos.

En Venezuela, la creación de materiales educativos como el aquí presentado se

enmarca dentro del sistema normativo regulado por el Instituto Nacional de la
Propiedad Intelectual (SAPI), encargado de velar por el cumplimiento de la Ley sobre
el Derecho de Autor (Gaceta Oficial N.º 5.370, 2003), toda obra intelectual debe
contar con la autorización expresa de su autor para ser utilizada, salvo en los casos de
excepción previstos en la normativa.

De acuerdo con la Ley Orgánica de Ciencia, Tecnología e Innovación (LOCTI),

publicada en la Gaceta Oficial N° 38.415 del 29 de marzo de 2006, se establece que:
El Estado garantizará el derecho a la ciencia, la tecnología y la innovación, como
elementos estratégicos para el desarrollo económico y social del país, mediante la
generación, adaptación, difusión y aplicación del conocimiento científico y
tecnológico (Artículo 2). Este marco legal respalda la creación de recursos educativos,
como medio para impulsar la enseñanza de disciplinas emergentes como la animación
cinematográfica. Además, el Consejo Estadal de Planificación y Coordinación de la
Política Educativa (COPRE BARINAS) tiene como función principal articular y
supervisar el cumplimiento de las políticas educativas en el ámbito regional,
promoviendo la innovación y la producción de contenidos educativos accesibles y
contextualizados.

Derechos de autor y propiedad intelectual: La Ley sobre Derecho de Autor y

Derechos Conexos (Gaceta Oficial N.º 5.370, 2003) es fundamental para regular la
utilización de obras audiovisuales, imágenes, textos y cualquier otro material que
pueda ser incluido en el proyecto. Esta ley establece que: Según el artículo 14 “Toda
persona física o jurídica que utilice una obra protegida deberá obtener previamente la
autorización del titular de los derechos correspondientes, salvo que se trate de
excepciones contempladas en esta Ley¨. Por lo tanto, durante la elaboración del
trabajo, se respetará el uso adecuado de materiales ajenos, preferentemente bajo
licencias Creative Commons o desarrollando contenido original para evitar
infracciones legales.

Protección del producto final: El documento final puede ser registrado ante el Instituto
Nacional de la Propiedad Intelectual (INAPI) como obra literaria o material
educativo, asegurando así su reconocimiento legal y protección frente a posibles usos
no autorizados.

El proyecto consiste en la creación de una guía animada e ilustrada sobre los

fundamentos básicos de la animación 2D. Esta guía está dirigida a estudiantes y
personas interesadas en conocer, de forma sencilla y visual, los conceptos esenciales
de esta disciplina artística. El contenido estará diseñado especialmente para ser
educativo y entretenido, utilizando un lenguaje claro y visualmente atractivo.

Matriz de Categorias Previas

Episodio III

Marco Metodológico

Enfoque cualitativo

Este enfoque es particularmente pertinente en disciplinas como las artes, la

comunicación y la producción audiovisual, donde los procesos creativos no pueden
reducirse fácilmente a datos numéricos. En lugar de verificar hipótesis, la
investigación cualitativa se orienta a describir, analizar y reflexionar sobre realidades
complejas, utilizando métodos flexibles que permiten adaptarse al flujo natural del
fenómeno estudiado. Entre sus características fundamentales se encuentran: una
orientación interpretativa, el reconocimiento del investigador como instrumento
válido de análisis, la importancia del contexto y la generación de conocimiento
situado, es decir, relevante para contextos específicos, aunque no necesariamente
generalizable (Denzin & Lincoln, 2018).

En el ámbito de la creación artística, el enfoque cualitativo permite integrar la práctica

como método de investigación (practice-based research), en la que el proceso de
hacer; animar, filmar, diseñar. Se convierte en fuente legítima de conocimiento. Esto
implica documentar decisiones técnicas, obstáculos enfrentados, estrategias de
resolución y aprendizajes emergentes, transformando la experiencia creativa en objeto
de análisis riguroso (Borgdorff, 2012).

Para el presente trabajo de grado, centrado en identificar los pasos básicos para la
creación de animación 2D desde la experiencia personal y la observación directa, el
enfoque cualitativo resulta idóneo. Permite no solo sistematizar un proceso técnico,
sino también reflexionar críticamente sobre su aplicación en un entorno académico
real, como el primer nivel de la carrera de Producción Audiovisual en la Universidad
Nacional Experimental de las Artes (UNEARTE).

El Paradigma Sociocrítico
El paradigma sociocrítico es un enfoque de investigación que busca no solo
comprender la realidad social, sino transformarla. Surge como una respuesta crítica a
los paradigmas positivista y meramente interpretativo, integrando elementos de la
teoría crítica, el marxismo occidental y el constructivismo social. Su objetivo
principal es revelar las estructuras de poder, dominación e injusticia que operan en
contextos sociales, educativos o culturales, y promover la emancipación de los sujetos
a través del conocimiento reflexivo y la acción transformadora (Guba & Lincoln,
1994; Carr & Kemmis, 1988).

A diferencia del paradigma positivista que busca leyes universales o del interpretativo
que se centra en comprender significados, el paradigma sociocrítico asume que el
conocimiento no es neutral, sino que está cargado de intereses históricos, políticos y
sociales. Por ello, la investigación no debe limitarse a describir, sino a cuestionar,
desnaturalizar y proponer alternativas que fomenten la justicia, la equidad y la
participación democrática (Kincheloe & McLaren, 2002).

El Método Hermenéutico

El método hermenéutico es un enfoque interpretativo que busca comprender e

interpretar significados en textos, prácticas, procesos o fenómenos culturales a través
de un diálogo constante entre las partes y el todo. Originalmente desarrollado para la
interpretación de textos sagrados y filosóficos, la hermenéutica ha evolucionado hasta
convertirse en una herramienta fundamental en las ciencias sociales, las humanidades
y, especialmente, en disciplinas artísticas y creativas (Gadamer, 2004).

En el contexto de la investigación cualitativa, el método hermenéutico no se limita a

describir lo que ocurre, sino que interpreta el sentido profundo de las acciones,
decisiones y procesos. Se basa en el llamado “círculo hermenéutico”: una dinámica
reflexiva en la que la comprensión de cada parte (por ejemplo, una etapa del proceso
de animación) depende de la comprensión del todo (el proyecto completo), y
viceversa. Este movimiento iterativo permite ir afinando la interpretación a medida
que el investigador reflexiona sobre su experiencia y la confronta con fuentes teóricas
(Crotty, 1998).

Escenario

Está dirigido a los Estudiantes del PNF en Producción Audiovisual de la Universidad

Nacional Experimental de las Artes (UNEARTE), sede Barinas, los cuales enfrentas
limitaciones con el manejo de la información, la constante dependencia docente y
perdida de motivación al no saber como comenzar o trabajar en sus proyectos
audiovisuales.

Informantes Claves

En el marco de esta investigación, se considerará como informantes clave a tres

estudiantes de niveles superiores de la carrera de Producción Audiovisual en la
Universidad Nacional Experimental de las Artes (UNEARTE). La selección de estos
participantes responde a criterios de experiencia práctica, trayectoria en proyectos de
animación y capacidad reflexiva sobre su propio proceso creativo.

Los informantes clave no son elegidos al azar, sino por su conocimiento profundo y
directo del fenómeno estudiado: en este caso, el desarrollo de proyectos audiovisuales
con componentes de animación 2D. Al encontrarse en etapas avanzadas de su
formación, han transitado ya por las dificultades propias del primer nivel y han
desarrollado estrategias personales para abordar la preproducción, producción y
postproducción de piezas animadas. Su perspectiva permite contrastar, enriquecer y
validar la interpretación surgida de la experiencia personal de la investigadora, en
línea con los principios del método hermenéutico, que valora el diálogo entre distintas
comprensiones para alcanzar una interpretación más robusta (Gadamer, 2004).

La participación de estos informantes se llevará a cabo mediante entrevistas

semiestructuradas, en las que se explorarán aspectos como: los pasos que consideran
esenciales al iniciar una animación 2D, los errores más comunes en etapas iniciales,
las herramientas o recursos que les resultaron útiles y su visión sobre cómo un
estudiante de primer nivel podría acercarse a esta técnica de forma autónoma.
Esta información no busca generalizar, sino aportar evidencia cualitativa
contextualizada que fortalezca la propuesta final de la investigación. La elección de
solo tres informantes se justifica metodológicamente: en estudios cualitativos de corte
interpretativo, la calidad y profundidad de la información prevalece sobre la cantidad
de participantes. Tres informantes con experiencia relevante permiten obtener datos
ricos, diversos y suficientes para contrastar significados sin perder el enfoque en la
profundidad del análisis (Creswell & Poth, 2018).

Tecnica de Recolección de Información

Entrevista semiestructurada

La entrevista semiestructurada es una técnica cualitativa que permite obtener

información profunda, flexible y contextualizada a partir del diálogo directo con los
participantes. Se caracteriza por seguir una guía temática previa (con preguntas
abiertas), pero sin limitar la conversación a un guion rígido, lo que permite al
entrevistado expresar sus experiencias, percepciones y conocimientos de manera
natural (Kvale & Brinkmann, 2015).

En esta investigación, se aplicará una entrevista semiestructurada a cada uno de los

tres informantes clave (estudiantes de niveles superiores de Producción Audiovisual
en UNEARTE). La guía de entrevista incluirá preguntas orientadas a explorar:

 Los pasos que consideran fundamentales al iniciar un proyecto de animación 2D.

 Las dificultades más comunes que enfrentaron en sus inicios.

 Las estrategias o recursos que les permitieron avanzar de forma autónoma.

 Su opinión sobre qué debería saber un estudiante de primer nivel para comenzar a
animar sin depender constantemente del docente.

Las entrevistas se realizarán de forma presencial o virtual (según disponibilidad), se

grabarán con consentimiento previo y se transcribirán íntegramente para su análisis
posterior. Esta técnica es ideal para el enfoque hermenéutico, ya que permite acceder
a interpretaciones personales que enriquecen la comprensión del proceso animado.

Credibilidad

La credibilidad de esta investigación se fundamenta en la aplicación rigurosa de

estrategias propias del enfoque cualitativo, orientadas a garantizar que los hallazgos
sean verosímiles, coherentes y profundamente anclados en la experiencia real de los
involucrados. En lugar de buscar una “verdad objetiva”, el estudio aspira a construir
una interpretación rica, reflexiva y bien fundamentada del proceso de creación en
animación 2D desde una perspectiva autónoma.

Para lograrlo, se empleó una triangulación metodológica que combina tres fuentes
complementarias: la primera siendo la experiencia práctica de los investigadores,
documentada sistemáticamente en un diario de campo; la segunda es las perspectivas
de tres informantes clave, estudiantes avanzados de Producción Audiovisual en
UNEARTE, obtenidas mediante entrevistas semiestructuradas; y la tercera una
revisión crítica de literatura especializada sobre principios, técnicas y procesos de la
animación 2D. Esta diversidad de fuentes permite contrastar interpretaciones,
identificar patrones convergentes y reducir sesgos personales.

Además, se practicó una reflexividad constante a lo largo del proceso investigativo.

Los investigadores registró no solo las acciones realizadas durante la creación de su
propia animación, sino también sus dudas, decisiones, aprendizajes y cambios en la
comprensión del fenómeno. Este registro reflexivo asegura transparencia sobre el rol
activo del investigador en la construcción del conocimiento, un principio esencial en
el método hermenéutico.

Como medida adicional de rigor, se realizó una validación intersubjetiva: una vez
elaborada la propuesta de pasos básicos para la animación 2D, se compartió con los
informantes clave para que evaluaran si dicha secuencia resonaba con su propia
experiencia. Sus retroalimentaciones permitieron ajustar y enriquecer la interpretación
final, asegurando su pertinencia y coherencia con la realidad estudiantil.

Finalmente, se ofreció una descripción densa del contexto incluyendo el nivel

académico, las condiciones de acceso a recursos y las particularidades del entorno
formativo en UNEARTE, lo que permite al lector comprender las circunstancias en
las que se generaron los hallazgos y valorar su significado.

En conjunto, estas estrategias confieren al estudio un alto grado de credibilidad,

entendida no como certeza absoluta, sino como una interpretación profunda, honesta y
rigurosamente construida desde la práctica creativa y el diálogo con otros actores del
mismo campo.

Dependeabilidad

En primer lugar, las entrevistas semiestructuradas aplicadas a los tres informantes

clave se realizaron siguiendo una guía temática previamente elaborada, centrada en
aspectos fundamentales del proceso de animación 2D: los pasos considerados
esenciales, las dificultades más comunes en etapas iniciales y las estrategias utilizadas
para avanzar de forma autónoma. Esta guía permitió mantener un enfoque consistente
en la recolección de información, sin perder la flexibilidad necesaria para explorar
matices propios de cada experiencia.

En segundo lugar, el análisis de la información se llevó a cabo mediante un

procedimiento sistemático: las transcripciones de las entrevistas fueron revisadas
cuidadosamente para identificar categorías emergentes relacionadas con las etapas del
proceso animado (preproducción, producción y postproducción), las cuales se
contrastaron constantemente con el marco teórico y con la experiencia práctica de los
investigadores. Este cruce constante entre datos empíricos y referentes conceptuales
asegura que las interpretaciones no sean arbitrarias, sino construcciones bien
fundamentadas.

Además, todo el diseño investigativo mantiene una coherencia interna entre el

problema planteado, los objetivos, el enfoque cualitativo, el método hermenéutico y
las técnicas utilizadas. Esta alineación epistemológica refuerza la estabilidad del
estudio, ya que cada decisión metodológica responde directamente a la naturaleza del
fenómeno investigado: la comprensión e interpretación de un proceso creativo desde
la práctica y la reflexión compartida.