MÁSTER EN TASACIÓN DE OBRAS DE ARTE Y PINTURA.

MÓDULO 1. TASADOR EN OBRAS DE ARTE Y PINTURA

UNIDAD DIDÁCTICA 1. INTRODUCCIÓN: CONCEPTOS BÁSICOS

1. Obra de arte.
Se conoce como obra de arte a aquella producción que realiza un artista plástico, que es el
resultado de su creatividad e imaginación, y que expresa, ya sea un concepto, una
manifestación sentimental o [Link] arte puede expresarse mediante varias disciplinas,
como lo son la pintura y la escultura. Además una obra de arte posee valor histórico y cultural,
ya que a través de ellas podemos conocer la historia y costumbres del pasado.

De otra manera se puede decir que la obra de arte muestra la intencionalidad del artista.

El origen etimológico de obra de arte deriva del latín.

Obra proviene del vocablo "opera" que se traduce como trabajo y Arte evoluciona de la palabra
"ars" que es sinónimo de obra de gran creatividad.

Objeto de arte en bellas artes alude a todo aquello que es poseedor de mérito artístico.

Obra maestra es aquella en la que el artísta muestra la excelencia y el dominio artístico.

Dentro de la concepción de obra de arte, se pueden clasificar los objetos en varias categorías
destacando: Arte pictórico, Arte cerámico y Escultura.

Elementos destacados en una obra de arte:

[Link] En su obra el artista muestra un grado de talento.

[Link] la obra de arte expresa en su temática una idea o mensaje que puede ser de índole
crítica, reflexiva, testimonial o de exaltación.

3. Medio la obfra de arte se materializa en cualquier medio, en cualquier forma, dimensiones,

formato, material, técnica, disciplina, conocida y por conocer.

[Link] La obra de arte refleja el contexto en que el artista la realizó, situación, lugar,
tiempo. Puede ser influencia personal o del entorno del artista.
[Link] Siempre hay un punto de referencia, ya sea en el concepto, la técnica, la
composición, etc.

[Link] El arte en la historia se ve influenciado por estilos artísticos que han definido ciertas
características estéticas, conceptuales o ideológicas compartidas por una época.

[Link] Cualquiera que esta sea posee un valor, dependiendo del lugar y de quién la juzgue.
Existen varios tipos de valor, económico, histórico, cultural, estético o patrimonial. Se adquiere
un grado de valor cuando se trata de una innovación o propuesta. También es posible que el
contenido que se trata sea testigo de una época pasada.

[Link]ética. Subjetiva, no existe un parámetro para definirla en el arte. Su apreciación depende

del lugar y momento y de quién lo juzgue.

La escultura es un medio de expresión plástica. Su finalidad es la creación de obras

tridimensionales a partir de diversos materiales y técnicas. El artista se expresa creando
volúmenes y espacios.

Hay 2 tipos: exentas o en relieve.

La escultura exenta o de bulto redondo aquella que representa un volumen completo, y por
tanto se observa desde todas sus caras.

Relieve: forma escultórica que aparece adherida a una superficie que le sirve de fondo. Según el
volumen que sobresale se distinguen tres tipos de relieve:

Altorrelieve. Mediorrelieve. Bajorelieve.

Los dos procedimientos escultóricos básicos consisten en añadir y quitar materia ya sea
mediante las manos o utensilios específicos para ello.

• Técnicas.
Según el material, método y técnica se distinguen tre técnicas de realizar escultura.

MÉTODO DEL AÑADIR Arcilla, madera y metal. Modelado, encolado y soldadura. En el [Link]
surgió la soldadura y el collage, también nuevos elementos, como los naturales, hojas y piedras,
también deshechos industriales, materiales sintéticos, tubos de neón y fluorescentes.

MÉTODO DEL SUSTRAER Materias duras como la piedra o la madera. Esculpido y

talla ,mediante martillo, cinceles y gubias.
MÉTODO DEL VACIADO Escayola, hormigón, metal o plásticos. Por ejemplo como el metal no
puede esculpirse, se funde y se vierte en un molde de piedra o barro cocido, una vez frío, se
rompe el molde y queda la obra final.

Labrado de la piedra es una técnica escultórica que consiste en sustraer mediante objetos
cortantes, materia a un bloque de piedra.

3. Pintura.
Arte de representar motivos figurativos o abstractos sobre un soporte plano mediante
materiales comopuestos por pigmentos mezclados con diferentes tipos de aglutinantes, que le
da la consistencia y hace que se fije correctamente al soporte.

Según el medio en el que se disuelven la pintura se puede diferenciar en dos categorías:

Húmedas o secas.

Saturación. Intensidad cromática o pureza del color.

Tonalidad. Se entiende por tonalidad en una obra pictórica, el tono y el metiz, es decir, el color
en sí. Sus variaciones responden a la cantidad de blanco o de negro, y se donomina gama. Para
transiciones de un tono a otros el artista utiliza veladuras. Cuando se habla de la paleta del
artista se hace referencia a la gama tonal que utiliza. Los seis tonos principales se dividen en
fríos ( azul, verde, violeta) y cálidos (amarillo, rojo, naranja).

Luminosidad. Junto con el color y la perspectiva, conforma uno de los principales pilares de la
pintura. Culaquier escena real posee un tipo de luminosidad, que es la que nos crea la
comprensión de las imágenes en un espacio, ya que la ausencia de luz nos proporciona la plena
oscuridad.

Composición y espacio. Es el todo de la obra. La distribución de distintos elementos en un

espacio determinado. Existen infinidad de composiciones como artistas.

Por ejemplo en el Alto Renacimiento se solía utilizar composiciones lineales y no tonales, de

tipo piramidal. Solían hacerlo artistas como Rafael Sanzio o [Link] Vinci. En el Barroco autores
como Caravaggio, Rembrandt usaban esquemas diagonales, y en espiral, ya que sus
composiciones basadas en el movimiento y el dinamísmo. Más tarde en la vanguardia artística
la composición se basa en el color, siendo el color el elemento principal de la obra.

Espacio. Es el marco donde el artista situa los elementos que componen el tema que desarrolla.
Se insiste en que no es un traslado de la imagen de la realidad a un soporte, sino la creación de
una nueva realidad: la realidad plástica.

La perspectiva es lo que hace posible la visualización del espacio pictórico, según unas leyes
intuidas o experimentales de manera racional.

4. Cerámica.
En la actualidad la cerámica es considerada un arte menor. En la prehistoria y durante mucho
tiempo, la cerámica constituyo el fósil director más importante para reconocer grupos culturales
en el tiempo y el espacio.

Las culturas prehistóricas tienen un tipo determinado de cerámica, como por ejemplo la
cerámica de bandas, cuyos objetos (vasijas, tazas, jarras, cuencos) son de confección sencilla.

La importancia que se ha dado a esta expresión cultural se debe a que es indesrructible, ya que
aun que el barro se pueda destruir, siempre queda un pequeño trozo del cual se puede extraer
información tas su análisis.

La cerámica, hecha a partir de una materia prima muy pobre se inventa con la finalidad de ser
utilitaria, almacenamiento de líquidos o sólidos, mayormente para alimentación. Es propio de
civilizaciones sedentarias y agrícolas, aun que se sabe de civilizaciones no neolíticas que sí
usaron cerámica.

También fue creada con fines decorativos y para muchos grupos culturales como unica forma de
expresión artística que ha llegado hasta el presente. Tras moldear y dejar secar un recipiente, la
base queda consistente pero suficiente mente blanda para su decoración (impresión, incisión ,
escisión, aplicaciones en relieve o pintura) antes o despues de su cocción.

Por lo general la cerámica decorada suele ser minoritaria en los yacimientos y de buena calidad
en comparación con el resto de cerámicas. Hasta la aparición del torno se acepta que la
cerámica es una actividad conservadora en la repetición de formas y patrones decorativos. Por
tanto de la idiosincrasia de un grupo.
No siempre la decoración tiene una finalidad estética, en ocasiones sirve para exprersar una
simbología que algunos califican como religiosa, como ocurre con algunas de las cerámicas de
Los Millares.

Aunque cada área geográfica se suele identificar con un estilo de cerámica, muchas veces son
similares en cuanto a forma y decoración,que tienen una amplia distribuación geográfica y
taspasan fronteras culturales. un ejemplo es la cerámica campaniforme, conocida como estilo
marítimo o internacional, que se encuentra desde Europa central hasta el Atlántico, y desde el
norte del continente hasta el mediterráneo. Esto ocurre a finales de 2.200 a.C cuando las
regiones europeas erasn cada vez menos autosuficientes, como consecuencia de abastacerse de
materias primas de calidad como el ámbar, y sobre todo metales. Se van marcando rutas de
comunicación y surgen mecanismos de intercambio, lo que segurasmente son a su vez los
responsables de la presencia de cerámicas valiosas por su decoración.

También la cerámica a desempeñado un importante papel en el ámbito funerario

5. Tasación y valoración.
La tasación de una obra de arte es una acción que debe realizarse siempre por personal
experto, el cual conocerá la materia y tendrá una experiencia contrasta. El precio de tasación
obtenido, será fiel a la realidad, tanto de la obra como del mercado del arte. La obtención de
dicho precio es el que se conoce como valoración de la obra.

Tasar: esta acción es llevada acabo por un profesional independiente, el cual no está ligado al
mundo del arte de ninguna manera, no posee ningún interés y por lo tanto es apto para esta
gestión. La acción que llevará acabo será el establecimiento del precio del objeto, indicándo
además posibles depreciaciones del objeto atendiendo a ciertas variables.

Valorar: esta acción la lleva a acabo la persona que lo compra, en función de sus intereses y
necesidades. Se afirmará que es la apreciación subjetiva de un precio, de acuerdo con factores
ajenos al estricto precio de la obra.
UNIDAD DIDÁCTICA 2. ARTE CERÁMICO
Introducción.

La cerámica es el arte de modelar con arcilla, creando así formas y objetos, además de
porcelanas y terracotas.

En esta unidad se atenderá a la elaboración de cerámicas a lo largo de la historia. Desde la

Prehistoria hasta las elaboradas en Europa en los últimos siglos, pasando por América
precolombina, Egipto y Mesopotamia.

Identificación de características propias de cada cerámica los cuales las hacen diferenciarse
entre sí.

La cerámica es un arte que ha sido utilizado en todas las culturas, ya que sirve de elemento
funcional cotidiano y también como decoración, y símbología cultural. Arte que sigue
actualmente siendo importante para el día a día y permitiendo el desarrollo de innovaciones en
su técnica.

Objetivos.

-Conocer qué es y cuál es la utilidad de la cerámica y la relación que ha tenido con las diferentes
culturas a través de la historia.

-Analizar cada periodo histórico en su relación con la cerámica atendiendo a la forma de

elaborar ete arte en cada una de las fases.

-Identificar las características principales de todos y cada uno de los periodos por los que ha ido
desarrollándose el arte cerámico así como reconocer las piezas más importantes.

-Estimar el legado artístico que ha llegado a la actualidad en forma de piezas cerámicas con un
alto valor.

1. Cerámica: definición.
Es el arte de modelar con arcilla o derivado de ella. Con la cerámica se consigue fabricar objetos
de diversos tipo: vasijas, figuras, etc. Además de porcelanas, terracotas...

Empleada en todas las culturas y formas, ya que sirve tanto para decoración como para
utensilios cotidianos.

Está muy ligada a la historia del ser humano, es un reflejo de su crearividad y de su evolución,
de su desarrollo técnico, ideas y concepción religiosa.
El vocablo cerámica proviene de la palabra griega Keramos, define a la totalidad de los
productos elaborados partiendo de tierras arcillosas cocidas. Los diferentes tipos de cerámica
son consecuencia de los diferentes tipos de barros o arcillas, del modo de preparación y de
trabajarlos, de los tipos de hornos y temperaturas, también de los tratamientos de las
superficies mediante barnices o esmaltes.

2. Prehistoria.
La Prehistoria es el período de tiempo comprendido entre el origen del hombre y la aparición de
los primeros testimonios escritos. Se divide en Edad de Piedra y Edad de los Metales.

La Prehistoria está sometida a una constante revisión ya que en este período de tiempo no
existen o no sabemos cómo interpretar los documentos. Así surgen conflictos y posiciones
contrapuestas, desde la negación del arte en la Prehistoria hasta considerar obras maestras de
la Prehistoria.

• Paleolítico.
El Paleolítico, destaca por la presencia de figuaras cerámicas denominadas Venus Paleolíticas.

Son figuras de pequeño tamaño y están realizadas en barro, aunque también pueden
encontrarse en hueso y piedra. Su nombre se debe a la creencia inicial de que representaban el
ideal de belleza de la época, aunque realmente se empleaban en ritos de fertilidad.

Características:

-Tamaño inferior a 20cm.

-Figura antropomorfa de mujer.

-Sin rostro.

-Formas exageradas.

Estas figuras cerámicas vienen de yacimientos europeos y asiáticos. Siendo las más conocidas:

-Venus de Willendorf (piedra caliza)

-Venus de Maina (Siberia)

-Venus de Dolni Vestonice (29.000 años de antigüedad)

Cronológicamente se sitúan casi todas las localizadas hasta el momento en la fase gravetiense
del Paleolítico Superior. Hay una gran uniformidad de estilo en todo Occidente, salvo la
Península Ibérica, que no se han encontrado ninguna figura de este tipo.

A pesar de una gran uniformidad de estilos, se habla de tres tipos. Venus Occidentales, Venus
Rusas, y Venus siberianas. La mayoría se encuadran en el primer tipo, mujeres sin rostro
definido que representan abultamiento en los senos, caderas muy marcadas y extremidades sin
insinuar.

Gran simetría, la más naturalista en la Venus de Willendorf. Las Venus rusas tienen la diferencia
de presentar mayor interés por el estilo ornamental. Las siberianas, se caracterizan porque
aparecen generalmente vestidas o elementos de vestuario.
El mayor problema es que la mayoría de las piezas han sido encontradas fuera de contexto,
fuera de su ámbito. Al no poder ser relacionadas con un medio, es difícil de interpretar.

Una teoría es que son simples retratos de mujeres. Se parecería al arte por el arte. Esta teoría
choca con varias cuestiones, como la unicersalidad estilí[Link] pensar que estas Venus
pretendías representar conceptos, usando esta forma determinada.

Otra teoría afirma que son un modelo que las vincula con el canon de belleza gravetiense.
Comparable con las tres gracias de Rubens del siglo XVII.

Otra teoría se vincula con imágenes sagradas. Representación de diosas vinculadas con la
fecundidad animal y humana, la diosa madre de la naturaleza. También se plantea que fueran
sacerdotisas y no diosas, vinculadas a algún culto. Expertos manifiestan que el abultamiento de
los pechos y caderas puede ser por embarazo (fecundidad). Otros dicen que puede estar
relacionado con la iniciación a la adolescencia. Incluso se las relaciona con sociedades
matriarcales, donde la mujes tiene un peso mayor al hombre.

• Neolítico.
Edad nueva de la piedra, representa el cambio, (resultado de una serie de circustancias
ambientales, sociales, territoriales,climáticas), de sociedades nómadas y cazadoras recolectoras
a unas comunidades sedentarias que procuran la domesticación agrícola y ganadera.

Los restos cerámicos del Neolítico son del año 6.600 a.C. Se caracteriza por ser rudimentario,
amasado a mano y emplear la técnica del pellizco a modo de decoración. Posteriormente
usaron palos y huesos para decorar a través de incisiones.

Esta cerámica imita a piezas de cestería.

• Edad de los Metales.

La Edad de los Metales se caracteriza por el empleo de las primeras herramientas, así como por
la aparición de los primeros restos de oro y cobre.
En la cerámica de esta época se encuentran tanto cuencos como ollas de forma Campaniforme
u ovoide.

Estas piezas difieren de las anteriores en los acabados, los cuales emplean para la decoración
tanto ramas como huesos, a la vez que se emplean tierras coloreadas para perfeccionar la
decoración.

Elementos decorativos: geometría, vegetales y aves. Los mismos fromarán un friso alrededor de
la pieza.

Cerámica Campaniforme.

3. Continente Africano.
El continente africano se caracteriza por su gran diversidad de técnicas, materiales y acabados.
Todo esto se debe a la gran extensión del continente, la diversidad de culturas y tribus
existentes en esta área geográfica.

Las cerámicas más antigüas en este contienente datan de hace unos 2.000 años. Siendo sobre
todo piezas de uso doméstico de caracter decorativo y ceremonial. Piezas domésticas carentes
de decoración o escasas, siendo las más elaboradas las piezas diseñadas para rituales.

La arcilla se mezclaba con materiales vegetales y minerales, dándole consistencia a las piezas.

La cerámica africana se caracteriza por la técnica "colombín", que consistía en emplear tiras de
barro enrrolladas. También aparece otro tipo de arcilla más fina procedente de termiteros, la
cual se enriquecía con aditivos.

Dependiendo de las zonas geográficas a la arcilla se podían añadir: semillas, grasas, minerales...

Zonas específicas:

Sudán y Senegal: a la mezcla se le añadían excrementos, tras la cocción dejaban pequeños

huecos a la pieza cerámica, siendo este su rasgo más característico.

Zonas árabes: esmaltados en las piezas. En el resto de áreas se bruñían, acabado liso y brillante.
Nigeria: cultura Nok (500 a.C) caracterizada por una gran perfección y dominio de las técnicas
de modelado y cocción. Se representan cabezas desproporcionadas y exquisitos acabados
faciales, expresiones y peinados.

Cultura Nok.

Dentro de la cerámica africana cabe destacar el arte egipcio, por lo que se estudiará aparte.

4. Egipto.
Las piezas cerámicas egipcias más antigüas de las que se tiene constancia son de la Dinastía IV
(en torno al 2600 a.C.).

La cerámica egipcia es muy rica y variada, encontrándo piezas sobre todo en los monumentos
funerarios ( enterrados junto a sus pertenencias).

Se encuantran: copas, platos, jarras, figuras vidriadas, etc.

Las piezas vidriadas se consiguieron empleando compuestos de sosa de zonas desérticas.

Durante el secado, las partículas de sodio se depositan en superficie, y tras el cocido se
conseguía el aspecto vidriado.

Además, la cerámica se caracteriza por dibujos realizadps con óxido de cobalto, destacando por
ejemplo los dibujos de escarabajos.

Entre las piezas cerámicas egipcias, existen unas fundamentales, los ushebits , que significa "los
que responden", son estatuillas pequeñas que acompañaban a los difuntos.
Ushebtis.

En las esculturas o cerámicas podemos encontrar de madera, piedra o lapislázuli. Representan

escenas cotidianas.

Lapislázuli.

5. Mesopotamia.
La cerámica de los pueblos de la cuenca del Tigris y el Éufrates se caracterizaba por ser
empleada para la realización de vasijas y otros utensilios domésticos.

Se realizaban ladrillos cerámicos, que se encuentran el templos y palacios. Los cuales recubrían
de pastas de naturaleza silícea.

Una de las piezas maestras de arte babilónico es la Puerta de Ishtar, recubierta de ladrillos
cerámicos vidriados con alto contenido en lapislázuli.
 Puerta de Ishtar.

Actualmente se encuantra en Berlín.

Los persas copiarom de los asirios las técnicas cerámicas y con ello decoraron los palacios con
zócalos arcillosos vidriados, representando animales antropomorfos, guardianes, ceremonias,
etc.

6. Grecia.
El despertar del arte griego en sus fases más antigüas nos debe situar aproximadamente en el III
milenio a.C. que es la primera fase de la Edad de Bronce.

Los pobladores eran originarios de las costas de Anatolia, no eran griegos, hablaban una lengua
protoindoeuropea, sin embargo, se sitúa aquí el arranque de la tradición artística y cultural que
culminará en el arte griego clásico, considerado fuente inagotable de estímulos para la cultura
occidental.

La cerámica es uno de los componentes más habituales en el estudio de la cultura material de

las sociedades prehistóricas y antigüas. En Grecia, además enriquecida debido al impulso que
los talleres cerámicos griegos dieron a la fabricación y decoración de este tipo de piezas.

Primero a destacar, variedad e importancia de las formas utilizadas. Proceso de repetición y por
otro lado de constante renovación técnica y morfológica que haría de la cerámica griega una de
las más famosas del mundo antiguo y un referente para la cerámica romana e incluso para la
época medieval.

Como punto de partida del periodo minoico-micénico, empezarán a formarse una serie de tipos,
en los que como norma general, la forma va a estar siempre condicionada por el uso. Deriva una
extraordinaria variedad de formas y modelos.

ÁNFORA destinada al transporte de aceite y vino, presenta un perfil estilizado para hacerla más
útil y más manejable. Dos asas horizontales y un cuello estrecho que facilita que se pueda cerrar
para llevarla de un lugar a otro.
HIDRIA usada para el transporte y dispensación de agua, especie de ánfora pero de tres asas,
dos horizontales para el transporte y una vertical para el vertido.

KALPIS igual que la hidria salvo que solo con dos asas.

CRÁTERA cerámica usada para mezclar vinos, pieza más frecuente en la cerámica griega y es un
tipo de vaso muy abierto en su parte superior, durante los siglos XII y XI a.C, se ñe añadió un ìe
muy ancho para darle más estabilidad.
ESQUIFO especie de taza para beber con dos asas sobre un pie troncocónico.

PELIKÉ variedad de ánfora griega, más ancha por la base y de aspecto menos alargado.

LUTRÓFORO vaso destinado al uso ritual en la celebración de matrimonios y funerales. Formas

estilizadas y alargadas semejante a un jarrón [Link] asas curvadas, enmarcando el
cuello, generalmente muy largo.
LEBES Palangana para recibir el agua purificadora tras el lavatiorio de las manos.

LEBES GÁMICO vasija con dos asas dobles en la parte superior de los hombros, uso ritual.

OINOCOE vaso griego de tamaño menor, servía para sacar el vino de la crátera más
comodamente.
OLPE más estilizado. Posee asa vertical que puede sobresalir, lo que lo diferencia del Oinocoe
además de por la boca trilobulada.

ALABASTRON vaso griego para guardar perfumes, de forma cilíndrica.

LEQUITO vaso griego, destinado a contener aceite y pomadas. Forma esbelta y con asa,
recordando a una jarra estrecha por el cuello. Su uso quedó a menesteres funerarios.
EPICHYSIS recipiente cerrado para aceite y ungüentos o provisiones.

PSIKTER de forma complicada, recuerda a una peonza. Su nombre (enfriador) indica su uso,
puesto que se llenaba de nieve o agua fría y servía para refrigerar el vino.

RITÓN Vasija que imita la forma de cuerno, servía para beber y solía llevar decoraciones
zoomorfas. Muchos serían de uso doméstico, otros son de carácter ritual o funerarios.
KYATHOS cuenco con gran asa vertical y relacionado con el juego del Kótalos.

KANTHAROS copa con soporte largo con pie y dos grandes asas verticales

MASTÓS vaso con protuberancias con un agujero y un asa. Pueden llevar tapadera, como el
biberón para los niños.
RYTHON usado tanto en el hogar como en los cultos religios.

Grecia fue un lugar de grandes ceramistas, recurrieron a técnicas empleadas por los egipcios y
mesopotámicos. La decoración narra historias de la época y su mitología. Se encuentran tanto
figuras negras como rojas.

Evolución histórico-estilística.

Los estilos geométricos.

Desde la destrucción de Micenas, 1150 a.C, hasta principios del s. VIII a.C, toda la cultura griega
peninsular entra en la conocida Edad Oscura, escasa en arquitectura y escultura, pero
abundante en cerámica, cuyo rasgo fundamental es el predominio de un estilo de tendencias
geométricas sobre todo en su decoración.

La primera fase, estilo protogeométrico, cerámica del periodo micénico y comprende el s. XII al
X a.C.

elementos representativos, decoración a base de fajas onduladas y círculos concéntricos,

ausencia de elementos figurados y sobriedad general característica.

Le sucede el periodo geométrico, a mediados del s. X a.C, se extiende durante un par de siglos.
Lo más importantye es la decoración, franjas cada vez más numerosas con rombos, triángulos,
círculos, etc, que cubrem casi toda la superficie del vaso.

Muy importante la aparición de la figura humana en la decoración cerámica. Vasos hallados en

el Dipilón, necrópolis situada a las puertas de la ciudad de Atenas. Aquí se encontraron grandes
piezas que servían para indicar la tumba del difunto.

Autenticos monumentos cerámicos ejecutados por maestros muy calificados para

personalidades que deseaban perpetuar su figura. Presentan una gran sencillez: sobre fondo
claro o rosado de la tierra cocida, se destacan siluetas en negro sin ningún complemento de
color.

Predomina la esquematización y tendencia a la geometrización de las figuras, interpretado

desde difderentes posiciones, una fantasía decorativa para unos, una intelectualización de
contenido para otros, o una prolongación de estilos anteriores.

Periodo orientalizante.

Finales del s. VIII a.C, inicio del periodo arcaico, el primero de los tres grandes momentos del
arte y de ñla cultura griegas en la Antigüedad. Los factores que mas contribuyeron a esta
transformación fue por un lado la colonización griega y por otro como resultado de la primera
los contactos con el mundo oriental, una difusión de estilos que refleja los intercambios con los
mercaderes fenicios, con Anatolia y con otras culturas del Mediterráneo, a las que también llegó
la expansión colonial griega. El campo de la cerámica donde la introducción de estos nuevos
gustos se hizo más patente, se estilizan los motivos vegetales y se introducen motivos
animalísticos, reales o fantásticos, ajenos hasta entonces al repertorio griego.

Helenismo arcaico.

A partir del s. VI a.C se produce una decaddencia de la cerámica pintada corintia, deja paso a la
cerámica ática, durante este periodo alcanza durante este periodo un alto grado de perfección
técnica y estilística.

En la porimera fase se impone una nueva técnica llamada de figuras negras o megalográfica:
cerámica de tonos planos, figuras marcadas con líneas blancas y pintadas en negro, iconografía
que se mueve entre los temas de la mitología y los de la vida ordinaria.

Años 30 del s. VI a.C se descubre en Atenas una nueva técnica que se caracteriza por el color
rojo de sus figuras, las cuales además destacan sobre un fondo negro, a veces dispuesto sobre el
fondo claro de la arcilla.

La cerámica de figuras rojas se impuso a la de figuras negras. Características: gusto por las
formas refinadas, un estilo gráfico casi manierista, un interés por el estudio anatómico y por la
expresión narrativa del mito. La pintura se vuelve bicroma, con un lenguaje expresivo unitario y
sobrio, para muchos, representa el apogeo de la época arcaica.

A diferencia de otros periodos, estas cerámicas, borraron prácticamente del mapa a las demás
producciones de caracter regional.

Las cerámicas del periodo arcaico son muy importantes en la Hº Arte. Constituyen básicamente
las únicas formas de arte conservadas con suficiente cantidad como para poder extraer
conclusiones en lo relacionado a cultura, prácticas religiosas y vida cotidiana.
Estilo severo.

Cerámica, miras del s. V a.C se caracteriza por la adaptación de las nuevas fórmulas teatrales y
de los grandes temas de pintura. Humanización y dramatización del mito.

Los esquemas se harán más complejos, adopta el género narrativo, los tipos y las formas se
harán más monumentales, produciéndose en consecuencia recipientes de mayor tamaño.
Colores muy variados, las composiciones presentan mayor diversidad. Se buscan mayores
efectos de profundidad o de perspectiva y los temas incluyen, además de los motivos
mitológicos, escenas amorosas y competiciones atléticas.

Idealismo clásico.

Mediados del s. V a.C. Termática mitológica como repertorio habitual, caricatura y

representación de escenas y episodios de los textos contemporáneos es una de las novedades
que más interesan a los ceramistas. Mantienen el interés por la perspectiva, a los que se le
añade la experimentación de los juegos de luces y sombras.

Destaca el pintor del Caneto, el de Eretria y el de Meidias, autor de una de las piezas más
famosas de la cerámica del clasicismo: la Hidria de El rapto de las hijas de Leucipo.

Helenismo.

Características: decadencia de la cerámica pintada hasta llegar a su desaparición, a excepción de

algunas producciones itálicas y de las series llamadas convecionalmente de kerch, que se
encuentra en toda el área mediterránea y en el Mar Negro.

Imitación de los vasos de metal con decoración, se difunden ciertas piezas de barro cocido con
decoración en relieve. Cerámica se distingue por la uniformidad de sus creaciones en
detrimento de la autonomía de los talleres regionales. Temática: follajes y guirnaldas, escasean
figuras humanas y animales.

7. Mundo Islámico.
La cerámica realizada en el mundo islámico, sigue la tradición mesopotámica, hasta que en el s.
VIII comenzaron a usar emplear esmaltes blancos (brillo metálico característico)
Se conseguía a partir de: cinabrio, sulfato de cobre, óxido de hierro, azufre, plata y como
disolvente vinagre. Cocido a bajas temperaturas y se conseguía el resultado descrito.

Otra variedad cerámica son las piezas esmaltadas, se conseguían a partir de : sulfuro de plomo,
dióxido de estaño, sílice y arena. Decoraciones en formas geométricas, empleaban azul cobalto.
Nunca se representan figuras humanas. Colores predominantes: marrón violáceo y verde.

Resaltar la época del Califato de Córdoba, se emplea la técnica de la cuerda seca. Impregnaban
pequeñas cuerdas en grasa y se colocaban formando figuras, así cuando se sometía la cerámica
a la cocción, el cordón se despegaba y quedaba la forma.

Los centros cerámicos más importantes de la época musulmana en España destacan Córdoba y
Toledo. Posteriormente en la época nazarí, los más importantes fueron Granada, Almería y
Málaga.

8. China.
Las primeras piezas de cerámica china datan de los años 600 o 900 a.C, caracterizándose por ser
pequeñas figuras de pasta porosa, la cual estaban cubiertas de un barniz de color verde o azul
turquesa. La cerámica china se da durante la Dinastía Song y Quin (250 a.C) época que coincide
con la construcción de la Gran Muralla China y los Guerreros de Terracota de Xi-An.
Durante la dinastía Yuan la cerámica alcanza un avance espectacular y una téncica deifícil
incluso de imitar. Decoraciones con azules turquesa, dragones, aves, nubes, montañas, árboles.
Raramente aparecen figuras humanas durante esta época. El secreto de la dureza de la
porcelana china radicaba en el caolín, sin el cual las imitaciones no daban los mismos resultados
de la cerámica china.

9. Europa.
La cerámica en Europa pasa por las fábricas de Sèvres (1740), la cual se creó para competir con
de Chantilly. Se caracteriza por sus flores de porcelana china, las cuales realizaban en "Biscuit"
blanco, es decir, con una sola cocción.

Con posterioridad, las escenas de jardín fueron sustituidas por el canon estilístico napoleónico,
ragos neoclásicos-egipcios, los cuales debían exaltar la figura del Emperador ( siempre en ellas
una imagen de Napoleón)

Durante el s. XVII la cerámica inglesa irrumpe en el mercado con productos más porosos,
blancos y ligeros.

Resaltar la porcelana francesa del s. XIX, atiende a modelos barrocos de Versalles, temas
históricos... empleando técnicas que permitían dominar el color y conseguir unos resultados
excelentes.

10. América precolombina.

La cerámica precolombina es aquella que derivó del Continente Americano hasta la llegada de
los colonizadores europeos.

Esta cerámica tiene unos 7.500 años de historia pero solo se conservan algunas piezas, ya que
las invasiones arrasaron con todos los vestigios anteriores. La cerámica precolombina se
empleaban para la realización de labores domésticas: vasijas, útiles de cocina... Objetos
funerarios, máscaras, esculturas e instrumentos musicales. Los restos más antiguos de estas
obras cerámicas fueron encontrados en el Amazonas y poseen una antigüedad de 7.500 años.
UNIDAD DIDÁCTICA 3. ESCULTURA

1. Escultura: definición.
Es un gérenero artístico que destaca por el modelado de materiales para la obtención de
volúmenes. La escultura es un tipo de arte basado en la contemplación de la obra desde
diversos puntos de vista, es decir, desde el sentido tridimensional del espacio.

Entre los materiales usados se encuentran:

Mármol: Permite observar la perfección de la talla

Bronce: Costoso y de técnica compleja, aunque de gran apreciación en el mercado gracias a su

durabilidad.

Madera: admite la policromía.

Piedra: Similar al mármol pero con peores resultados y acabados.

Alabastro: Mineral similar al mármol aunque traslúcido.

2. Antiguas civilizaciones.
Periodo Paleolítico, en el cual las esculturas encontradas muestran al hombre y a los animales
en sus representaciobnes.

Los materiales son: piedra, hueso y marfil, siendo las esculturas siempre de un carácter
redondeado. Las esculturas tenían funciones religiosas y mágicas.

Egipto destaca sobre el resto de civilizaciones antiguas, sobre todo en términos escultóricos. La
escultura egipcia se empleaba para garantizar la inmortalidad del difunto. Sus características
son formas redondeadas, visión rectilínea y armonía de proporciones. Las artes plásticas
también tienen un papel transmisor de ideas. El poder regio y la religión las usan para ello.
Tienen un importante componente narrativo y también son manifestaciones con carácter
conceptual. Se conciben para crear otro mundo paralelo al real aunque con una diferencia:
debe estar libre de la tiranía del tiempo, es decir, se dota a este mundo de un carácter
atemporal, eterno. Incide también en las técnicas utilizadas en las artes plásticas.

Para que esto sea posible se debe de respetar un canon o modelo de representación
establecido. Este modelo debía de ser válido en todo momento, lugar y época. Lo que explica la
ausencia de diferenciación persobnal del artista. La obra no emana de la voluntad del artista
sino que se acoge a los canones establecidos.

Debido a esto surge un arte muy homogéneo, con un carácter inmovilista aunque no es del todo
cierto. Los cánones más o menos establecidos son:

-La ley de la frontalidad: existe un plano central imaginario que se extiende longitudinalmente a
lo largo de la figura humana y la divide en dos mitades simétricas. Hay autores que piensan que
esta frontalidad es debida a la incapacidad de los artistas para representar la
tridimensionalidad, resultando entonces representaciones frontales. Otros apuntan que esta
frontalidad formaría parte de una acción voluntaria que se justificaba porque lo que interesa no
es la imitación representativa de un objeto real, sino representar su esencia. sacrifican lo real
para quedarse con lo intangible, surgiendo este arte.

-Representación en perfil: rasgo peculiar, no es un perfil absoluto. el tronco y las extremidades

aparecen de frente y la cabeza de perfil.
-Concepción de las figuras: suma de la totalidad de sus miembros pero como si cada uno de
ellos tuviese un carácter independiente.

-Composición: hay que tener claro que la cultura artística egipcia, el fondo en el que se realizan
las representaciones es neutro. Para otorgar a estas figuras representadas de una realidad a lo
que acude el arte es a representar figuras sobre registros o bandas horizontales, de tal manera
que las más bajas serán más próximas al espectador.

Existen dos tipos dentro del arte egipcio:

Arte Oficial: es el que se reserva a la representación de los dioses, faraones, miembros de la

familia real, nobleza y altos funcionarios y aristocracia. Se prefieren materiales nobles como el
granito, pizarra, cuarzo, etc. Desde el punto de vista de resultados, este es un arte más
idealizado.

Arte Popular: tienen cabida otros sectores sociales. En este arte tendrán cabida materiales
como la caliza o la madera, se trabajan con mayor facilidad. Sus resultados podrán tener un
carácter más costumbrista, cotidiano, un componente más real.

Periodización.

Habría que partir de la IV Dinastía para establecer el canon de representación del faraón. El
esquema compositivo sería del faraón sentado, con sus atributos propios de realeza, desnudo a
excepción del faldellín. Formas suaves, aspecto de incorruptible, lo cual hace que dé la
impresión de atemporal.

Algo parecido a este canon podríamos ver en las series de representaciones que se encontraron
en el complejo de Micerinos, donde las representaciones de las mujeres también se ve un
tratamiento anatómico suave.

Dentro del arte popular igualmente se puede encontrar representaciones de altos mandatarios
egipcios, como las del príncipe Rahotep y la princesa [Link] de caliza policromada,
distinguiendo el color para hombres y mujeres, siendo ocre el hombre y más amarillo para la
mujer.
Las series de escribas igualmente se incluyen dentro del arte popular, aunque los escribas se
encuentren relacionados con la corte, pero son representaciones de carácter convencional. No
existe un escriba igual a otro, lo que expresa neutralidad. Otras representaciones de arte
igualmente pueden ser el retrato del "alcalde del pueblo", con un tratamiento corporal
naturalista, ya no con formas ideales.

Imperio Medio, el arte oficial y popular se mantendrán pero habrá nuevas tendencias:

Se acentúa una escultura expresionista, centrándose más en las expresiones pero dentro de
unas normas y siendo un caracter comedido. Algunas de las representaciones del faraón
Sesostris III, donde junto a los valores tradicionales se ven expresiones.

En el Imperio Nuevo no se podrá pasar por alto dos sucesos que son esenciales:

-Periodo amarniense o de Tell el-Amarna (Amenofis IV) Como rasgos, tiene un carácter de
tratamiento más naturalista, donde se impone un nuevo canon de cabezas ovaladas, con rasgos
puntiagudos. En la representación del faraón Amenofis IV o el busto de Nefertiti. Relieves con
temas que no se daban antes, como los paseos del faraón o escenas familiares.
-Etapa ramésida (Ramses II) Periodo donde se está prefigurando la crisis egipcia, se intenta
paliar esta crisis con estructuras megalómanas, recuperando el canon antiguo con aquella
monumentalidad, apareciendo el emperador con su carácter atemporal. Los colosos del speo de
Abu Simbel son un buen ejemplo.

3. Escultura griega y romana.

La escultura griega y la romana son dos referentes a nivel mundial en el mercado del arte.

GRECIA.

Hay dos fuentes principales:

-Fuentes funerarias. Destacar la obra del [Link] por Pausanias de Lidia llamada Helados periegesis.
Significa viaje por Grecia. Ha costituido la principal guía de viaje de Grecia y va dando noticia de
las esculturas que se encontraban in situ, además de la descripción iconográfica, las relaciona
con mitos o leyendas para hacer más atractivo el relato. Durante mucho tiempo fue clave para
el estudio y clasificación de escultura griega.

-Fuentes materiales. La principal fuente sería la propia escultura griega, pero es muy reducida.
Se conocen muvhas por copias romanas que surgieron a partir del [Link] a.C, por el deseo romano
de copiar el arte griego. Las pocas esculturas originales proceden de recuperaciones
subacuáticas o piezas que quedarom enterradas tras algún derrumbe. Igualmente la
numismática dará la imagen de esculturas que se encuentran representadas en monedas, como
el Zeus criselefantino o la Atenea Parthenos.

En Grecia se crea el antropocentrismo, el hombre es la medida de todas las cosas. Con las
esculturas se representa el cuerpo humano bajo los cánones de los ideales de belleza y
serenidad. Como materiales en primer lugar, el bronce. En segundo lugar, el mármol. En tercer
lugar la terracota, de la que conocemos las tánagras ( del periodo helenístico, que parece que
serían figuras de pequeño tamaño dedicadas al ornato, encontradas en lugares como el delta
del Nilo).

Las esculturas de madera no han llegado hasta la actualidad. Se puede saber por diferentes
fuentes (por la procesión de la panateneas se sabe porque la Túnica que llevaban era para una
atenea de madera, llamada Xoana).

Los periodos en los que se dividen las esculturas son:

-Periodo arcaico.

En el inicio de esta evolución arcaica es cuando aparecen en escena dos tipos escultóricos que
se convertirían en el epicentro de la escultura arcaica: el Kouros y la Kore.

Kouros: modelos de la escultura arcaica masculina conocida como Kouros, serán figuras que
denotan una clara influencia del arte egipcio a través de un tratamiento frontal, planimétrico,
rígido o hierático, que presenta una composición muy simétrica y siempre aparecen desnudos.
Sus rasgos son: ojos almendrados, nariz puntiaguda, pómulos salientes y labios muy apretados,
que definen la llamada sonrisa arcaica. Pelo simétrico y trenzado y los brazos siempre
despegados del cuerpo. El único detalle que rompe el aspecto frontal es el hecho de que suele
aparecer en una piedra sentado. Solían ser monumentos funerarios relacionados con el difunto.

Koré: en el caso de las imágenes femeninas (Koré), existe una diferencia clara y es que siempre
aparecen vestidas pero por lo demás guarda los mismos rasgos que los Kouros.

Existen algunas variantes dentro de estas esculturas como es el Moscóforo, es prácticamente un

Kouros pero aparece con cordero a los hombros o el Caballero Rampin, que presenta un rostro
de un Kouros pero la nota discordante es que aparece montado en un caballo.

-Periodo severo. El Efebo Critio representa esa fase de transición entre el arcaísmo griego y el
periodo clásico, clasificada como periodo severo. Destaca por ser el momento en el que se
desarrolla la gran tradición broncista, que seguirá a partir de aquí. Recoge toda la tradición
arcaica enfocándola hacia una escultura más naturalista. Se podría destacar algunos bronces
importantes como el efebo Critio, el Poseidón, el auriga de Delfos.

el efebo de Kritios. el auriga de delfos. el poseidón.

-Época Clasica.

Es el siguiente hito en la escultura griega. Situado en el s.V y primera mitad del s. IV a.C. Estapa
relacionada con el triunfo de la razón, la belleza basada en lo perfecto que puede ofrecer la
naturaleza, de la proporción, etc. Características:

-Armonía y proporción

-Articulaciones movibles, acentuándose la división entre el tronco y las extremidades.

-Marcado de pectorales, cintura y pliegue inguinal.

-Postura de contraposto: una pierna actúa de apoyo y la otra se flexiona.

 el discóbolo de Mirón.

Se pueden distinguir tres fases:

-Preclasicismo ( primer tercio s.V)

-Clásica ( hasta finales del s. V a.C.)

-Postclásica (primera mitad del s. VI a.C)

Punto de partida donde se recogen las tradiciones de la época anterior, triunfa en esta época y a
partir de ahora, va a evolucionar hacia formas más sentimentales y expresivas.

En el preclasicismo, Mirón de Eleuteras se considera un autor clásico importante y formulará los

principios fundamentales de la escultura clásica: estudio anatómico más profundo,
incorporación del movimiento o la preocupación por el tema de la escultura clásica: estudio
anatómico más profundo, incorporación del movimiento o la procupación por el tema de las
proporciones. Fue un broncista y es considerado el maestro de la representación del
movimiento en potencia, es decir, ha sabido centrar la atención de este instante de dinamismo
en el que se realiza cierta acción. Este dinamismo no se refleja en la expresdión del rostro, y
esto sería ña reminiscencia arcaizante de este autor. El Discobolo o Atenea y Marxias son
ejemplos de sus obras.

Atenea y Marxias.

A partir de la obra de dos aretistas se da el salto al clasicismo: Policleto de Argos y Fidias.

Polícleto ha tenido mayor consideración que Fidias. Además se le atribuye que fue autor de un
tratado de escultura, llamado "canon", probablemente no existió este tratado, pero su canon se
ve en sus obras. Dos aspectos fundamentales: buscar el equilibrio compositivo de la figura,
rompiendo la regidez del periodo arcaico. Mayor realismo, volumen , etc. Se propone un
sistema de equilibrio de masas a través de perfiles ondulados, que es lo que se conoce como
contraposto. Aparición de elementos complementarios que darán este equilibrio.

Fidias, aunque en la época romana su fama fue más [Link] le considera como el escultor
de los dioses, sobre todo porque se dedicó a re`resentar a deidades griegas, sobre todo Atenea
y Zeus. Además fue el encargado de los trabajos de decoración escultórica de la Acrópolis. Se
centra en el Partenón.

De escultura exenta, varios ejemplos como Amazona herida, o la Atenea promacos. Atenea
Partenos, estatua criselefantina (técnica que parte de un cuerpo de madera recubierta por una
capa de oro y marfil) La conocemos por copias romanas y por monedas antiguas.

La configuración de un nuevo canon basado en que la figura tenía que tener una altura igual a
siete veces el tamaño de la cabeza, pensando con ello alcanzar esa perfección a la que aspira el
clasicismo.

Periodo postclásico, dónde hay que tener presente que el salto del preclasicis,p al clasicismo fue
el triunfo de Grecia en las guerras médicas, el paso hacia el postclasicismo sería la derrota de
Atenas en las guerras del Peloponeso. Culturalmente, dará la salida de Atenas hacia otros
lugares, darán piue a la expfresión de nuevos lugares e imágenes... Por lo que el cambio no es
casual, sino que viene marcado por la situación de crisis que se da en Atenas y en otras
ciudades griegas.

Los maestros más importantes:

Praxíteles Con Polícleto, serán unos de los maestros más considerados en la época romana y
buena parte de la escultura romana y buena parte de la escultura romana sigue de cerca sus
pautas. Las principales aportaciones de Praxíteles fue adentrarse por temática más intimista.
aunque no renuncia a la representación de los dioses, se crea más en detalles de tipo
anecdótico. Lleva al extremo el concepto de contraposto de Policleto, dotando a la figura de una
curvatura muy pronunciada propia de la escultura femenina, jugando al equívoco y puede llevar
a la confusión. Dota a las figuras de una elegancia y una esbeltez que salta a la vista.

Scopas. Busca lo dramático, todo aquello armónico y confeccionado por Praxíteles se rompe. Se
centra en dar patetismo a las imágenes.

Lisipo. Reduce el tamaño de la cabeza y aumenta en una cabeza el canon.

-Helenismo.

Periodo creado por la historiografía con la intención de agrupar la producción artística desde
Alejandro Magno a la conquista de Grecia por parte romana. La división del imperio en varios
reinos tras la muerte de Alejandro Magno provoca una regionalización del arte. Habrá unos
lugares que destacarán más, como son Rodas, Alejandría, Pérgamo y Atenas. Las categorías
generales del helenismo son:

-Acentuación de los valores temperamentales, acentuando el expresionismo. Se refleja tanto el

aspecto físico como el psíquico. Esto lo diferencia del periodo anterior. El retrato adquiere un
valor excepcional, como representación física y psicológica del personaje.

-Recrear los aspectos anecdóticos, dando lugar a representaciones de personajes en acciones

cotidianas.

Había una serie de escuelas Helenísticas como serían la de Pérgamo, Rodas, Alejandría y Atenas.
Son los cuatro escenarios que representan el arte helenístico.

Escuela de Pérgamo.

Tiene un carácter dramático, con escenas violentas. Asociada a monumentos públicos y

conmemorativos. Se puede mencionar la obra Gálatas. No se conserva como tal, aunque existen
descripciones que cuentan como era. Se trataba de un monumento de forma piramidal,
integrado por algunas figuras, de las que se conservan algunas copias romanas. Conecta con el
arte clásico pero se le une el carácter psíquico de la escultura. Dentro de este grupo estaba
también la gálata suicidándose, que estaría en la cúspide del monumento.

Escuela de Alejandría.

Fue un crisol de culturas. Tuvo un filtro de influencias muy variadas, del que surge un discurso
artístico muy particular. Crear una ciudad de la nada hace que se creen obras muy particulares.
Influencia de lo egipcio, que está siempre presente. Por ejemplo, tenemos la Alegoría del río
Nilo, que representa el río a través de un hombre acompañado de pequeños ángeles y demás
figuras alusivas al Nilo (animales, plantas, etc.) También se desarrollaron las tánagras. Eran
figuras de terracota policromada. Figuras muy elegantes, que tendrían una función ornamental
(probablemente vinculadas al ámbito doméstico)

Alegoría del río Nilo.

Escuela de Rodas.

La isla de Rodas se convertiría en un referente del helenísmo también. Hay dos claves:
tendencia al colosalismo, su máximo exponente sería el Coloso de Rodas. Idea de lo
atormentado y lo dramático, en línea con Pérgamo. Lleva a su máximo grado la expresión de
sentimientos. Una de las obras que mejor traduce esto dicho es el grupo del Laooconte y sus
hijos. Alude a un pasaje de la mitología griega. No hay certeza de su cronología. La serpiente
marina es la que compacta el grupo.

Hay que insistir en la tristeza y el dramatismo que se impregna el Laocoonte, muy parecido a los
relieves de Pérgamo. Bules, para conseguir claroscuros, muy marcados (técnica del trépano).
Hay muchas obras que se inspiran en Laocoonte, por ejemplo, el Entierro de Cristo de Jacobo
Florentino, destinado al monumento funerario del Gran Capitán.

También el Laocoonte del Greco, es otro ejemplo de influencia. Además se estableció por parte
de la Iglesia que la cara del Laocoonte sería el modelo para las representaciones de Dios Padre.
Otra obra de la escuela de Rodas es la Victoria alada de Samotracia, técnica de los paños
mojados, ya empezada por Fidias.

Escuela de Atenas.

La escuela de Atenas pone una tendencia hacia un clasicismo idealizado. Se habla también de
una escuela "neoática", por esta razón. Ejemplos de estos son la Cátedra Borguese o la
Afrodita... También el niño de la espina es de esta escuela.
ROMA.

La escultura romana adquirió su mayor esplendor durante el periodo imperial. Influenciada por:

-Etruscos: escultura funeraria etrusca marcó la escultura romana, representación realista de los
retratados.

-Griegos: belleza idealizada griega de las escuelas helenísticas, fue empleado en la escultura
romana, basándose en el sometimiento romano y la ostentación. interpretaba los cánones de la
escultura griega, adoptando para sí ideas como el naturalismo idealizado, la búsqueda de la
belleza, la proporción, la armonía y la simetría.

De la unión de las influencias griega y etrusca, además de las prehelénicas, se formará un

discurso artístico que se desarrollará en dos espacios fundamentales: el relieve y el retrato.

El relieve histórico romano.

Una de las aportaciones artísticas más importamtes de esta civilización. Creación que parte del
relieve griego al que sobre esa base roma incorpora algunos detalles, destaca el componente
histórico y propagandístico, por lo que se convierte en una manifestación al servicio del poder
establexido. Por ello es común encontrarlo asociado a los acontecimientos o personajes
históricos destacados.

Como valores estilísticos, el relieve romano destaca fundamentalmente por su carácter

descriptivo y por la búsqueda de la individualización de los personajes. Otro aspecto destacable
es la relación en elementos o detalles paisajísticos que viene a romper con la neutralidad que
tiene el relieve tanro en época Republicana como en los primeros momentos del Imperio.

En la evolución del relieve romano, encontramos una actitud que oscila en torno a dos
realidades: momentos en los que se impone un tratamiento más nacional o autóctono,
reivindicativo de las formas primigenias latinas; y otros momentos en los que se pone más
interés en lo helénico.

Obras destacadas:

[Link] Pacis Augustae. Se ha puesto en relación con el friso de las panateneas de Fidias,
incorporando las novedades romanas.
[Link] de Tito. A partir del [Link], donde la decoración es muy representativa del relieve
[Link] tenemos otros casos de relieve histórico, como el Arco de Benevento o la
Columna de Trajano. Ambas son un resurgimiento de lo helenístico, puesto que los
emperadores Adriano y Trajano eran muy propicios de los helénico.

3. Columna de Trajano. Tiene influencia contemporánea y extemporánea, como en la Columna

de Antonio Pío y Marco Aurelio.

A partir de la época de los Severos comienzan a anunciarse los derroteros del arte del relieve.
Será un arte más autóctono, donde los influjos helénicos perderán fuerza. Se conoce como un
estilo más provinciano. Esto aparece en el Arco de Septimo Severo.

Ejemplos de relieve como el Arco de Galerio, de figuras más toscas, donde se ve la diferencia
con el clasicismo. En el Arco de Constantino, donde se van a incluir relieves de épocas anteriores
reutilizados, remitiendo a ese cambio hacia lo nacional o autóctono.
El retrato romano.

El retrato romano, cuenta con dos referentes claros; la escultura griega y la etrusca. Dos
maestros griegos que mayor influencia dieron serían Policleto y Praxíteles. Influencia griega y
etrusca habrá que añadir la tradición romana (de las élites) de culto a las imagines maiorum (las
imágenes de los antepasados).

Treadición de hacer máscaras mortuorias de cera y utilizarlas para celebraciones o para otros
cortejos fúnebres, colocándolas en las puertas de las casas, etc.

De esto sacar la intencionalidad política política, que simbólicamente asumía la representación

de lo representado, es decir, en los retratos de emperadores, por ejemplo, se quiere simbolizar
al propio emperador como si estuviese presente.

Los retratos de los emperadores eran tan abundantes, esta escultura puede decirse que fue casi
industrial, puesto que el torso es igual es todos, solo cambian las caras.

La obra de El orador, considerada por muchos obra estrusca, es considerada punto de partido
de la escultura exenta. Hay muchos ejemplos, como los retratos de Cicerón, Pompeyo o Julio
César. El hito fue la época augustea, donde tenemos el Augusto de Prima Porta como ejemplo
perfecto. También está ña época que va desde los Antoninos hasta Septimo Severo, donde
destaca la Estatua ecuestre de Marco Aurelio ,por varios motivos. En este retrato ecuestre se
puede hacer una lectura más política de los emperadores, ya que este está em tono de Arenga.
(discurso solemne destinado a enardecer los ánimos de los oyentes).

el orador
 Estatua ecuestre de Marco Aurelio.

Para terminar está el periodo de Constantino. Éste periodo tiende a la esquematización y a un

carácter más hierático. La obra más destacada es el Retrato de Constantino, una estatua colosal.

4. Escultura paleocristiana y bizantina.

Paleocristiana.

Desde los orígenes del cristianismo, esta religión había segregado sus propias formas artísticas a
partir de la tradición clásica grecorromana y oriental. El realismo clásico es sustituido por el
expresismo cristiano. A la perspectiva y al modelado sustituyen las figuras planas y sin fondos.
La realidad espiritual a la física, la iconografía al peso estético. Las esculturas paleocristianas se
basan en las representaciones divinas, sobre todo en sarcófagos, es decir, se centró en el arte
funerario. Aunque también hubo esculturas en busto, eran redondeadas y escenificaban
imágenes de la fe.

si unimos estas dos características: simbolismo y sencillez iconográfica, el retroceso cultural

general, al proceso de esclerosis artística, de regresión y primitivismo al que se ve condenado
todo el Imperio Romano a partir del siglo III por motivos económicos y políticos, todo ello nos
da como resultado lo que va a ser la tónica general del arte cristiano-occidental hasta el
despertar del naturalismo gótico en el s. XIII.
Bizantina.

La crisis general que el Imperio Romano atraviesa en el s. III había llevado a la fragmentación del
poder político y a la aceptación de algunos intrusos dentro de los "limes". Al mismo tiempo, la
distinta estructura económica de las regiones occidentales y de las orientales, hacía cada vez
más visibles las diferencias entre ambas, poniendo de relieve la superioridad de Oriente.

Al convertir Constantino la antigua ciudad de Bizancio en la capital del Imperio Oriental en el

año 330, razón por la que toma el nombre de Costantinopla, no hace sino culminar un proceso
que se aseguraba la pervivencia del Imperio de Oriente a la caída del sector occidental y de su
capital pagana Roma.

La separación de ambas partes del Imperio se consumará a la muerte de Teododio en el 385,

quedando a la parte Occidental para Honorio y la Oriental para Arcadio, naciendo así la historia
del Imperio Bizantino.

La escultura bizantina es muy escasa, lo cual lo dotra de un mayor valor, atendiendo a su

singularidad.

Los motivos son: -La búsqueda del simbolismo en la época.

-La negación del culto a las imágenes (debido a la influencia judía)

En Oriente esta tendencia al rechazo de las imágenes aumentará. Tendrá ciertas razones
políticas, etc. que llevarán a la iconoclastia. Se enfrentarán dos facciones: los iconoclastas,
detractores de las imágenes; iconodulos, que estaban a favor del uso de las imágenes. Ambos
tenían argumentos para defender sus ideas.

Al final esta querella traduce mucho de actitudes que llevan a un enfrentamiento no solo
culturales o religiosos, sino que también hay intereses económicos y políticos.

Para los iconoclastas las imágenes que decoraban las iglesias eran un acto de idolatría. Partían
de la base de que era imposible representar a Cristo. consideraban que cualquier
representación de Cristo, la Virgen, etc. era un acto de magia, porque nunca una imagen podía
ser una representación sustancial del ser representado.

Por otra parte los iconodulos se apoyan en la filosofía platónica y defendían el uso de las
imágenes considerando que se podían valorar como un símbolo de la esencia de lo que
representaban.
En el año 726, siendo el Emperador León III, que dicta una serie de normas que limitan el uso de
las imágenes. Parece que quiso buscar un punto de acuerdo entre ambas posturas. La
emperatriz Irene volvió a establecer el uso de las imágenes y dejar de perseguir a los
iconodulos. El problema se resolverá en el 787, en el Concilio de Nicea.

5. Escultura románica y gótica.

6. Escultura renacentista en Italia.

7. Escultura en el romanticismo y el realismo.

8. Escultura en el s. XX

UNIDAD DIDÁCTICA 4. PINTURA: COMPONENTES

1. Pintura: introducción.

2. Aglutinantes.

• Tipologías.

3. Disolventes o diluyentes.

4. Soportes.

• Historia.

• Tipologías.

5. Utensilios: el pincel.

UNIDAD DIDÁCTICA 5. PRINCIPALES TÉCNICAS ARTÍSTICAS

1. Óleo.

• Historia.

• Tipologías.
• Técnicas ópticas, texturas y efectos.

2. Acuarela.

• Historia.

• Técnica.

3. Gouache.

4. Acrílicos.

• Medios acrílicos: tipologías.

5. Temple.

• Historia.

6. Pastel.

• Historia.

• Tipologías.

7. Collage.

UNIDAD DIDÁCTICA 6. HISTORIA DE LA PINTURA

1. Pintura: definición.

2. Pintura prehistórica y antigua.

• Pinturas rupestres.

• Pintura egipcia.

• Pintura minoica.

• Pintura romana.
3. Pintura paleocristiana y bizantina.

4. Pintura prehispánica en América.

5. Pintura medieval.

6. Pintura gótica.

7. Pintura renacentista.

8. Manierismo.

9. Pintura barroca.

10. Pintura rococó.

11. Pintura neoclásica.

12. Pintura romántica.

13. Realismo.

14. Impresionismo.

15. Post impresionismo.

16. Fauvismo.

17. Expresionismo.

18. Cubismo.

19. Pintura abstracta.

20. Surrealismo.

21. Expresionismo abstracto.

22. Op Art y Pop Art.

23. Nuevo Realismo.

UNIDAD DIDÁCTICA 7. PIGMENTOS EN PINTURA

1. Pigmentos: introducción.

• Designación y composición de los pigmentos.

2. Pigmentos empleados a lo largo de la historia.

UNIDAD DIDÁCTICA 8. FALSIFICACIONES EN ARTE Y PINTURA

1. Conceptos de interés.

• Tipos de falsificaciones.

• Métodos de detección y valoración para obras.

2. Examen de pinturas: radiación visible y no visible.

3. Pigmentos para detección.

4. La firma del autor.

• Aspectos gráficos de la firma.

5. El cotejo.

• Cotejo de la firma: importancia en arte y pintura.

6. ¿Veracidad o falsedad de una obra de arte? La importancia de la

Ciencia.

• Técnicas empleadas: el caso de la Gioconda en el Museo del Louvre.

UNIDAD DIDÁCTICA 9. TASACIÓN DE OBRAS DE ARTE Y PINTURA

1. Técnicas de tasación.

2. Análisis.

• Evaluación del arte.

• Análisis del mercado.

• Determinar el precio final.

• Fuentes documentales de tasación.

3. Tasación: método.

• Estimación del valor de la firma de un artista.

• Análisis de la obra a tasar.

• Valoración de la obra de arte.

• Modelo integrado de tasación.

UNIDAD DIDÁCTICA 10. MUSEOS: LA IMPORTANCIA EN ARTE Y

PINTURA

1. Importancia del museo: introducción.

2. Louvre.

3. National Gallery.

4. El Prado.
5. The Metropolitan.

6. Galerías Borghese.

7. Museo d´Orsay.

8. Museo Egipcio de El Cairo.

9. British Museum.

10. Museos Vaticanos.

11. MoMa.

GLOSARIO.
Transposición. Acción y efecto de transponer/se

Campaniforme: que tiene forma de campana

Tribus: [Link]ÍA. Agrupación homogénea de familias con unas

características políticas, sociales y culturales comunes que suelen estar lideradas
por un jefe.