Cine
El cine (abreviatura de cinematógrafo o cinematografía) es la
técnica y el arte de crear y proyectar metrajes (como se conocía a
las películas en sus inicios). Etimológicamente, la palabra
«cinematografía» fue un neologismo creado a finales del siglo xix y
compuesto a partir de dos palabras griegas: por un lado kiné, que
significa «movimiento» (ver, entre otras, «cinético», «cinética»,
«kinesis», «cineteca»); y por otro γραφóς (grafos). Con ello se
intentaba definir el concepto de «Imagen en movimiento».
Cámara cinematográfica de los
Cuando se habla del nacimiento del cine se toma como referencia la hermanos Lumière.
fecha del 28 de diciembre de 1895, en la que se proyectaron al
público las primeras películas realizadas por los hermanos Auguste
y Louis Lumière, en la memorable sesión realizada en el Salón Indio del Gran Café de París.
Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del
cinematógrafo ha evolucionado mucho, desde sus inicios con el cine mudo de los hermanos Lumière
hasta el cine digital del siglo xxi. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluidas
las convenciones del género, y han surgido así distintos géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha
evolucionado con la sociedad, con lo que se desarrollaron distintos movimientos cinematográficos. Se le
conoce como la «gran pantalla»,1 en oposición a la «pequeña pantalla», esto es, la televisión.
Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las
seis artes del mundo clásico, se lo denomina «séptimo arte». No obstante, debido a la diversidad de
películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones
televisivas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos
consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o cine arte
(cine de arte). Por otra parte, a la creación documental o periodística se la clasifica según su género. A
pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia,
única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar
la calidad artística de una producción cinematográfica.
La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood
(California, Estados Unidos) y Bollywood (Bombay, India).
En 1872, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de California. Leland Stanford,
exgobernador del Estado y poderoso presidente de la Central Pacific, y un grupo de amigos suyos
sostenían que había un instante, durante el trote largo o el galope, en que el caballo no apoyaba ningún
casco en el suelo. Otro grupo, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de Valores de
San Francisco, afirmaba lo contrario. Eadweard Muybridge dio por terminada esa polémica con esta
secuencia de imágenes que mostraban el caballo en movimiento, uno de los predecesores de la captura de
movimientos.
Historia
La historia del cine se inició con los egipcios, los griegos y los
romanos. Ellos mostraron la idea del movimiento a través de
dibujos sucesivos. Con el tiempo, en Asia se empezaron a realizar
juegos de luces y sombras que consistían en proyectar las sombras
sobre la superficie blanca de una tela por luces a espaldas de los Caballo en movimiento (Animal
espectadores. A su vez, este invento inspiró a la creación de la locomotriz) es una serie animada
«linterna mágica» en el siglo xvii. Un aparato óptico que se basaba de un caballo de carreras
galopando. Las fotos fueron
en una caja que capturaba imágenes del exterior y las proyectaba en
realizadas por Eadweard
su interior para luego funcionar a la inversa. Muybridge y se publicaron por
primera vez en 1887 en Filadelfia.
Más tarde, en Gran Bretaña (siglo xix) junto con la revolución
industrial llegaron nuevos inventos como la máquina a vapor, la
bombilla de luz, los nuevos transportes y entre todos ellos la
fotografía. Durante esta época se inventó la primera cámara oscura
moderna, fabricada por Charles y Jacques Vincent Louis Chevalier
en París. Posteriormente se inventó el Quinetoscopio, creación de
Thomas Edison. Este artefacto consistía en captar imágenes en
movimiento para luego plasmarlas en una cinta. El Quinetoscopio
fue lo que los inspiró a los hermanos Lumière ya que ambos querían
reflejar imágenes en movimiento por lo que consiguieron un
kinetoscopio y con él crearon su propio artefacto, el cinematógrafo. La «serie de Muybridge», tal como
Su mecanismo se basaba en un disco giratorio que ponía a correr se concibió originalmente.
una cinta a 16 cuadros por segundo.
El 28 de diciembre de 1895, los hermanos Lumière proyectaron
públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon,
la demolición de un muro, la llegada de un tren y un barco saliendo
del puerto.2 El éxito de este invento fue inmediato, no solo en
Francia, sino también en toda Europa y América del Norte, donde
Thomas Edison ya había grabado numerosas escenas que un
espectador a la vez podía ver a través de un kinetoscopio.
En un año, los hermanos Lumière crearon más de diez películas,
marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la
brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Sin
embargo, Alice Guy fue la primera persona en ser realizadora de
una película, la fundadora del cine narrativo y de la narración
cultural superando el cine de demostración de los hermanos Proyector de películas FH99-
Lumière y sentando las bases de lo que en el futuro se ha 35/70.
considerado ficción. También fue la primera persona que logró
mantenerse económicamente a través de esta profesión. Su primera
película -y por tanto, la primera película de la historia del cine- fue El hada de los repollos (La Fée aux
Choux, 1896). Realizó muchas más películas, entre ellas Sage-femme de première classe (1902) y La
Esméralda (1905). Tras el éxito de Guy, Georges Méliès decidió introducirse en esta profesión. Realizó
películas con historias y decorados fantásticos, como Fausto
y Barba Azul (1901), desarrolló las nuevas técnicas
cinematográficas, sobre todo con Viaje a la Luna (1902) y
con Viaje a través de lo imposible (1904), aplicando la técnica
teatral ante la cámara y creando los primeros efectos
especiales y la ciencia ficción filmada.
A partir de entonces, la cinematografía no hizo más que
mejorar y surgieron grandes directores como Murnau, Erich
von Stroheim y Charles Chaplin. En Estados Unidos se
hicieron películas de aventuras, como las de Douglas
Fairbanks y dramas románticos como las de Valentino. Sin
embargo, las de mayor belleza fueron fruto de la escuela
DLP Cinema (Proyector, Texas
cómica americana nacida a partir de la comedia de Mack Instruments, 2000).
Sennett, basada en slapsticks y en la estereotipación de
figuras sociales como el policía o el gordo, el avaro y el
bigotudo burgués.
Aquí recordemos especialmente a Buster Keaton y a Charles Chaplin. En 1927, se estrenó la primera
película con sonido El cantante de jazz, a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejó de existir y
de un lenguaje en que primaba la expresividad de segmentos que se contrastaban y juntaban se impuso
una mayor continuidad del relato y mayor fluidez argumental. Ese mismo año apareció el doblaje.
En 1935 se filmó en Technicolor La feria de la vanidad (Becky Sharp), de Rouben Mamoulian; aunque
artísticamente el color consiguió su máxima plenitud con Lo que el viento se llevó (1939).
La primera proyección pública de cine digital en Europa se realizó en París,3 el 2 de febrero de 2000,
utilizando MEMS (DLP (Procesado digital de luz) CINEMA) desarrollado por Texas Instruments.4
El cine y la literatura
El cine es un arte relativamente nuevo, y para configurarse se ha basado en las otras artes. Una de ellas es
la literatura.5
La forma de narrar
Desde un punto de vista narrativo, se puede decir que el cine ha conocido dos etapas: la anterior y la
posterior a Griffith. Este, como padre del lenguaje cinematográfico tal y como lo entendemos hoy en día,
comprendió que el cine era algo que podía usarse para contar historias y que el modelo para contar dichas
historias no debía buscarse en el teatro (como proponía Méliès), sino en la forma literaria que Griffith y
algunos de sus contemporáneos consideraban la más acabada forma narrativa: la novela decimonónica, es
decir, la novela del siglo xix.
Ocurría algo curioso, y es que los intelectuales de entonces aplaudían una narrativa que, de haberse
tratado de una novela, hubiesen rechazado. Se daba dicha situación porque los intelectuales
comprendieron, quizá de forma intuitiva, que no importaba tanto la forma, sino lo que se expresaba: «un
arte de la imagen, sin gran dependencia del pretexto en que se basaba».5
Así pues, a partir de Griffith, el cine se convierte en un lenguaje narrativo estructurado de acuerdo con la
forma de la narrativa del siglo xix, en contraposición con la sucesión de escenas distribuidas de acuerdo
con las leyes del espacio que se rigen para la escena de un teatro que había anteriormente.
El nuevo lenguaje permitió la posibilidad de los diferentes planos, como posteriormente el movimiento de
la cámara y la profundidad de campo. Durante la época de las vanguardias se buscó romper con esta
tradición literaria que Griffith había marcado mediante otros medios, haciendo películas que o no eran
narrativas o lo fueran únicamente mediante la relación de imágenes, al margen de la narración novelesca.
Mucho más adelante, se vio que el cine no solamente remitía a la literatura por su narración, sino que
también podía reinventarla, redescubrirla. Un ejemplo sería Nicholas Ray, quien en su We can’t go to
home again (1972) insertaba frases escritas que van transformándose: primero cambiando unas letras por
otras hasta convertir las palabras en otras. Esto remite a una tradición literaria que se centra en los juegos
de palabras, los trabalenguas, la sustitución de palabras por sus sinónimos, etc.
De igual manera, comenzó a implantarse sobre las películas la idea de ambigüedad, partiendo de novelas
escritas por Faulkner o pertenecientes a la etapa literaria de Henry James. Así pues, los directores fueron
abandonando el expresionismo y sus formas para mostrar una imagen por lo que era; por citar al filósofo
Parménides: «Lo que es, es, y lo que no es, no es ni puede llegar a ser». Sin embargo, se presentaba cierta
ambigüedad en las imágenes porque, ¿por qué el sujeto se comporta de un modo en vez de otro? De este
modo, todas ―o la mayoría― las secuencias se convertían en algo denominado «tiempos muertos».
De la novela al guion
Novela y filme emplean herramientas distintas: las novelas utilizan las palabras para narrar, y las
películas utilizan las imágenes. Entonces ¿dónde empieza la adaptación y dónde la creación de algo
nuevo?
Hay que comprender que las palabras, por sí mismas, hacen textos, no novelas; las imágenes hacen
películas, no relatos fílmicos. Lo que hace una novela o un relato fílmico es su capacidad de poder
organizar la realidad (verbal o visualmente) en escenas/secuencias narrativas; la capacidad de relatar es la
indispensable para una obra, ya sea fílmica o literaria.
Ahora bien, a la hora de adaptar una obra literaria, se pueden dar dos tipos de problemas: discordancia
con el lenguaje y discordancia del resultado estético.
Los problemas de equivalencia con el lenguaje se dan cuando una obra literaria no sigue el modelo
narrativo de la novela decimonónica que Griffith institucionalizó, partiendo de la narración de Dickens, y
por tanto no tengan una correlación con el lenguaje cinematográfico. Estos casos no son frecuentes, pero,
cuando se dan, requieren de la invención de dicha correlación. El cine de vanguardias fue el único que se
planteó e intentó resolver este problema, pero esos proyectos se han convertido en rarezas que no
modifican el curso de la producción ni consiguen convertirse en una corriente paralela.
Los problemas de equivalencia del resultado estético se daban principalmente porque el cine estaba en
constante evolución: debía descubrir y evolucionar su lenguaje para poder igualarse a las demás artes de
narrar o representar, al mismo tiempo que debía llevar a cabo descubrimientos técnicos con los que poder
conseguir expresividad (sonido, movimiento, profundidad, realismo, etc.).
Sin embargo, cada lenguaje, literario o visual, tiene sus rarezas y características propias que hace
incompatible un paralelismo exacto entre ambos. Así pues, todo se reduce a la puesta en escena. Las
imágenes tienen la virtud de poder transmitir toda clase de conceptos: valores, emociones, referencias (a
descripciones literarias, por ejemplo) y el propio argumento narrativo que narran. Ningún otro medio
puede transmitir las mismas cosas que una imagen.
He ahí el quid de la cuestión: una equivalencia en el resultado estético es pedirle a una imagen que
produzca el mismo efecto en el espectador que las palabras harían en el lector. Para hacer una adaptación
fílmica, no es necesario replicar los mismos recursos literarios, sino conseguir con los propios un efecto
parecido (pues no siempre será el mismo) al de la obra literaria original. Este es el principio base para una
adaptación fílmica adecuada, independientemente de su fidelidad: no siempre las mejores adaptaciones
son las más fieles; todo se reduce al enfoque y tratamiento del director.
Realización cinematográfica
La realización, en el ámbito audiovisual, es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el
cine de producción industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, preproducción,
rodaje, postproducción y distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico
como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles (presupuesto del que se
dispone y equipo con que se cuenta).
El equipo técnico está formado por:
Producción
El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos
organizativos y técnicos de la elaboración de una película, se podría
decir que es el responsable de convertir la idea en película. Está a
cargo de la contratación del personal, del financiamiento de los
trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusión de la
obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso
técnico o creativo, se le llama «coproductor».
También forman parte del área el director de producción, el
productor ejecutivo, el jefe de locaciones y el asistente de
producción.
Equipo de filmación en rodaje.
Dirección
El director cinematográfico es el profesional que dirige la grabación de una película, el responsable de la
puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas,
siguiendo su estilo o visión particular, supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás
funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.
También forman parte del área el asistente de dirección, el denominado script o continuista y el técnico
de imagen digital (dit cine).
Guion
El guionista es la persona encargada de confeccionar el guion, ya sea una historia original, una adaptación
de un guion precedente o de otra obra literaria. Muchos escritores se han convertido en guionistas de sus
propias obras literarias; dentro del guion cinematográfico se distinguen el guion literario o
cinematográfico, que narra la película en términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y
diálogo), y está dividido en actos y escenas. Es necesario distinguir el guion literario del guion técnico,
que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas (tamaño de plano, movimientos de cámara, etc.)
que sirven al equipo técnico en su labor y que, a diferencia del guion literario, suele elaborarlo el director,
no el guionista.
También pueden colaborar con el guionista otros escritores (coguionistas) o contar con dialoguistas que
están especializados en escribir diálogos.
El papel del guionista es muy importante, pues su trabajo es la base de todo el proyecto, si el guion es
bueno el director puede hacer una película excelente, pero si este es deficiente aunque el director tenga
muchos recursos, la película quedará vacía.
Sonido
En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el técnico de sonido y los microfonistas. En la
postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de
efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la banda sonora original. El sonido es parte fundamental
del cine ya que la percepción del sonido en el cine incluye: vibraciones interpretada por el cerebro a
través del sistema auditivo (procedencia, intensidad, tonalidad, materiales, espacio etc.), cualidades del
sonido estéticas como texturas y frecuencias, y cualidades del sonido psicológicas (sugerentes,
agradables, inquietantes o molestas). También se manejan estímulos sonoros. El sonido es muy
importante porque amplía los límites de la pantalla, soluciona problemas narrativos, cohesiona el
montaje, influye en el espectador de forma inconsciente y transmite historias y emociones.
Fotografía
El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a
ver la película, es decir que es quien determina, en función de las
exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la
película; el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar etc. Es el
responsable de toda la parte visual de la película, también desde el
punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la
imagen y la atmósfera óptica de la película.
El equipo de fotografía trabajando.
El equipo de fotografía es el más numeroso y se compone, además
del director de fotografía, del camarógrafo, el primer asistente de cámara o foquista, el segundo asistente
de cámara, el cargador de negativos, el gaffer o jefe de eléctricos, los eléctricos u operadores de luces, los
grip u operadores de travelling o dolly, los estabilizadores de cámara (steady cam) y otros asistentes o
aprendices.
Montaje
El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas registradas en la película
fotográfica para modelarlas en su forma narrativa, dramatúrgica y, específicamente, rítmica con el fin de
construir frases audiovisuales: escenas y secuencias. Consiste en escoger (una vez que se ha rodado la
película), ordenar y unir una selección de los planos registrados, según una idea y una dinámica
determinada, a partir del guion, la idea del director y el aporte del montador. El montador sincroniza la
imagen con el sonido (tarea habitualmente encomendada al ayudante de montaje). Visiona las tomas
diarias junto al director y los miembros clave del equipo (el director de fotografía, que así supervisa su
propio trabajo).
Hoy en día, muchas películas se montan en vídeo, y después ese montaje sirve de referencia para cortar y
empalmar el negativo, que en sus inicios su base era de celuloide, y que posteriormente fue sustituido por
acetato y poliéster, dada la alta peligrosidad del primero. La preparación de estas tomas diarias se
desarrolla cada día a lo largo del rodaje de la película. La posproducción es el momento en que el
montador ha reunido todo el material necesario para completar un primer montaje de la película. Después
de que el director y el productor aprueban el montaje final, un montador de sonido especializado corrige
los posibles problemas con este. Si fuera necesario, el montador de sonido graba los diálogos en un
estudio de grabación, mientras los actores ven en proyección la imagen correspondiente. Este proceso se
conoce como doblaje. Los montadores de sonido reúnen las grabaciones y crean a veces nuevos sonidos
(efectos sonoros) para intensificar la fuerza dramática de una escena. Mientras se prepara la banda de
sonido, el montador también supervisa los efectos ópticos y los títulos que se van a incorporar a la
película. Uno de los pasos finales es la preparación y la mezcla de las diferentes bandas sonoras en un
único máster, primero magnético, que contendrá los diálogos, música, sonido directo y efectos de sonido,
sincronizados con la imagen y adecuado al volumen de cada banda. La mezcla sin los diálogos hace
posible el doblaje para la distribución de la película en otros idiomas.
Operador de cámara
Es el encargado de realizar y llevar a cabo todos los movimientos de cámara que sean necesarios para
adaptarse al guion bajo la dirección del director.
Arte (Diseño de producción)
El área artística puede tener un director de arte o varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno,
estos están coordinados por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la
película. Estos directores tendrán asistentes y encargados específicos, como escenógrafos, encargados de
vestuario, modistas, maquilladores, peluqueros/as, utileros y otros miembros suplementarios como
pintores, carpinteros o constructores. También dependen de esta área especialistas en los efectos visuales
y ópticos que se realicen en el rodaje, así como otros efectos realizados durante la fase de postproducción.
Stunts
Doble es la persona encargada de salvaguardar la integridad del actor que no cuenta con las habilidades
necesarias para realizar escenas de riesgo. Estos están preparados física y mentalmente, son personas
capaces y acostumbradas para hacer actividades de riesgo al rodar escenas en cine.
Guion gráfico
El guion gráfico se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y
posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un cómic
se tratase la película completa. Además este elemento es fundamental para la buena comprensión del
equipo técnico hacia lo que se va a rodar, incluyendo anotaciones con las dificultades de algunos planos o
cosas a tener en cuenta.
En la creación de un storyboard, los personajes y el fondo se pueden retratar únicamente mediante
siluetas, pero siempre recalcando los elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para
indicar movimiento de cámara o de actores, o la expresión de un actor en un plano determinado para
cuidar hasta el más mínimo detalle y la producción sea excelente.
Distribución y exhibición
Los distribuidores, generalmente empresas independientes de las productoras, compran los derechos de
exhibición en salas de cine, o para su emisión por televisión, y venden los derechos de la película a los
exhibidores (individuales o cadenas de exhibidores), cadenas de televisión, videoclubes u otros
establecimientos donde se vendan las cintas de vídeo. Son también encargados de la publicidad y de la
promoción de las películas, de hacer las copias necesarias para la exhibición y de controlar las cifras de
ingresos y gastos. El productor cede al distribuidor un porcentaje de los ingresos de la película que por lo
común alcanza el 50 %. Además el distribuidor deduce de los beneficios del productor el importe de las
copias de la película.
Los mercados secundarios son aquellos que proporcionan ingresos adicionales, que no eran el objetivo
inicial de la producción. Estos mercados incluyen una diversidad de objetos: juguetes con el nombre de
los personajes de la película (especialmente en el caso de las de dibujos animados), camisetas,
publicación del guion, cortometrajes sobre las incidencias del rodaje (el «cómo se hizo») y grabaciones
en disco, casete o compacto de la banda sonora original. Los productores buscarán compositores
conocidos a los que ceden los derechos de la distribución fonográfica de su música.
Banda de diálogo
Es aquella sobre la que se registra el diálogo de la película, de efectos especiales, en la que se han
montado todo tipo de sonidos ambientales que arropan a las acciones (tales como grillos, tráfico, pájaros,
etc).
Géneros cinematográficos
En la teoría cinematográfica, los géneros son una forma de clasificar a las películas en grupos. Cada
género está formado por películas que comparten ciertas similitudes, ya sea en su estilo, su temática, su
intencionalidad, su forma de producción o el público al que van dirigidas.
Atendiendo a su forma de producción y su intencionalidad, cabe distinguir géneros como los siguientes:
Cine comercial: Son las películas creadas por la industria cinematográfica orientadas al gran público y
con la generación de beneficios económicos como objetivo principal. A esta categoría pertenecen la
mayoría de las películas que se proyectan en las salas de cine, y algunas de ellas son promocionadas
mediante grandes campañas de publicidad.
Cine independiente: Una película independiente es una película de bajo presupuesto y hecha por
pequeñas productoras. Una película independiente no es realizada por los grandes estudios.
Cine de animación: El cine de animación es aquel en el que se usan mayoritariamente técnicas de
animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndose
en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que
registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos,
objetos y otras múltiples técnicas, como el Stop Motion), de forma tal que al proyectarse
consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real
se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento
inexistente en la realidad.
Cine documental: El cine documental es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad.
Generalmente se confunde documental con reportaje, siendo el primero eminentemente un género
cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el segundo un género televisivo.
Docuficción, híbrido entre el documental y la ficción, es un género practicado desde el primer
documental, que se renueva desde finales de los años cincuenta.
Cine experimental: El cine experimental es aquel que utiliza un medio de expresión más artístico,
olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras del cine narrativo estrictamente
estructurado y utilizando los recursos para expresar y sugerir emociones, experiencias, sentimientos,
utilizando efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido.
Cine de autor: El concepto de cine de autor fue acuñado por los críticos de los Cahiers du Cinéma para
referirse a un cierto cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de todas las
decisiones, y en donde toda la puesta en escena obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera
a las películas realizadas basándose en un guion propio y al margen de las presiones y limitaciones que
implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de
plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película. Sin embargo, grandes directores de la industria,
como Alfred Hitchcock, también pueden ser considerados «autores» de sus películas. Se define de
acuerdo con su ámbito de aplicación y recepción, ya que no suele tratarse de un cine ligado a la industria,
y no se dirige a un público amplio sino específico, y comparte a priori un interés por productos que se
hallan fuera de los cánones clásicos. Un subgénero importante podría ser el cine abstracto.
Cine ambiental: El cine no solamente ha puesto en contacto al hombre con la naturaleza en diversos
casos, sino que además ha sido, y sigue siendo en ocasiones, militante activo en la lucha por la defensa
del medio ambiente. Además, el cine ha sido desde su nacimiento, el más fuerte medio de transmisión de
conocimientos y de culturas, aportando a los espectadores infinitas posibilidades de encuentro con
paisajes, naturaleza, lugares y costumbres.
El negocio del cine
Históricamente una película obtenía sus ingresos por alquilar los derechos de exhibición en un cine y, a su
vez, el dueño del cine cobraba una entrada a todo aquel que quisiera ver la película.
Con los ingresos de esas entradas, ese propietario del cine pagaba:
Gastos de personal, limpieza, luz, etc.
Promoción local (en carteles y periódicos locales): se paga al 50/50 con la casa productora.
Cuota acordada con la productora de la película, que normalmente es variable y depende
del éxito de la película pero puede estar entre un 30 a un 70 por ciento del precio de
entrada.
El resto lo guardaba como beneficio.
Así funcionaba hasta la llegada de la TV. Con la televisión, la casa productora, al mismo tiempo
distribuidora de los derechos, acuerda con el canal de TV el alquiler de su película por un precio y unas
condiciones:
Se podrá transmitir la película durante un período acordado, normalmente de tres a cinco
años por un precio total.
Se limita el número de veces que en ese período el canal de TV podrá repetir la transmisión
de la misma película, normalmente entre dos y cinco veces, máximo, para no quemar la
película.
Al poco tiempo, aparecieron nuevas formas de exhibición o transmisión, como por ejemplo:
Pago por visión (pay-per-view): esta ventana se suele abrir a los seis meses del estreno,
por unos pocos meses.
Canales de TV de pago, tipo Showtime o HBO: la ventana se abre al año, durante un año.
A continuación viene los networks o grandes cadenas de TV, cuya ventana se abre a los
dos años, normalmente por tres más.
Sindicación de canales de TV: esto es agrupación de estaciones de TV que solo cubren un
área local, no nacional. Esta ventana está abierta cuando se acaba la de las grandes
cadenas y se está constantemente renovando, con distintos distribuidores. Lo normal es un
contrato por cinco o siete años. A su vencimiento, se vuelve a vender esos mismos
derechos a otro o al mismo, por otros tantos años y así constantemente.
Venta de videos, VHS, Betamax, etc: con ventas tanto a tiendas de vídeo para alquilar
como a particulares. La ventana se abre a los seis meses del estreno con ventas a
distribuidores que los colocan en distintas tiendas. Al finalizar el contrato, se busca otro
nuevo distribuidor para continuar con esas ventas de video. Estos videos posteriores son a
precios mucho más baratos que los iniciales.
Actualmente, ya casi no hay venta de videos. Se pasó a DVD o Blu-Ray, pero el sistema es exactamente
el mismo. También hay ingresos derivados del streaming bien sea por Internet o por canales de TV
especializados en ello. Además hay algunos ingresos de merchandising, bien sea venta de cualquier
objeto, prenda, diseño o uso de marca que aparece en la película.
Por último, la industria cinematográfica también ha conseguido generar fuentes de negocio
excepcionales. Por ejemplo parques de atracciones, como es el caso de Disneyland o el Parque Warner.
También puede generar una nueva forma de turismo, como es el caso de Juego de Tronos: multitud de
seguidores se sienten atraídos a lugares reales que aparecen en la serie. Estos casos se dan al alcanzar un
alto nivel de notoriedad, pero son poco frecuentes.
En cada paso anterior, hay una parte que se queda la casa productora, que es con la que paga los costos de
producción y obtiene su beneficio, aunque después de distribuir parte de esos ingresos bien sea con
actores/directores/productores mediante contratos de royalties. También se paga a los sindicatos lo que se
llama residuals, quien a su vez, los distribuye entre sus sindicados de forma que alguien que trabajó en
una película, aunque fuera con una presencia corta de una escena, sigue cobrando de esa película veinte o
treinta años después cada vez que aparece por TV en cualquier país. Estos residuals para sindicatos se
dan en los Estados Unidos, no necesariamente igual en otros países.
Teoría del cine
La teoría del cine se basa en el principio de secuencias de fotografías continuas, es decir el cine trata de
representar la fotografía en una secuencia continua para mostrar movimiento sin interrupciones.
El cine clásico tiene un estilo que enfatiza la continuidad y comprensibilidad de la película. Normalmente
tiene caracteres fuertes, constantes durante toda la película y un argumento con un final feliz. El cine
moderno no enfatiza estas características, al contrario, rechaza el cine clásico y su estilo; e intenta romper
todo ese estilo y todas las convenciones de este. Directores diferentes utilizan modos variantes del estilo
moderno.
Formatos cinematográficos
El cine nació en el siglo xix como consecución de una larga
cadena de inventos y descubrimientos en torno a la fotografía.
El hechizo que causaba la proyección de sombras chinescas o
dibujos de lejanos países mediante lámparas mágicas se unió
a los avances de la fotografía. Como fenómeno de masas,
podemos hablar del nacimiento del cine con los hermanos
Lumière. Pero no hay que olvidar que estos lo que hicieron
fue perfeccionar el kinetoscopio de Thomas Alva Edison. Y
que hubo muchos otros inventos que giraron en torno a cómo
captar el movimiento.
Alegoría del cine, con un proyector
encendido. Vidriera policromada,
Fue Thomas Alva Edison el creador, además, del formato
modernista, del cine Ideal (Madrid).
cinematográfico por excelencia, el 35 mm, sobre un soporte
de nitrato de celulosa. Este formato y los de ancho superior
devinieron los de uso profesional, aunque hubo otros muchos empleados por cineastas o por la propia
televisión:16 mm, 9,5 mm, Súper 8, etc.
El formato de pantalla ancha aparece en Hollywood a fines de la década de 1920, en diversos cortos e
informativos para cine. Su estreno coincide con el auge de las películas en 3 dimensiones y la utilización
de lentes estereoscópicas de colores rojo y azul (anaglifo), estrenadas en 1915.
Durante la Gran Depresión de la década de 1930 los estudios se vieron obligados a utilizar formatos de
pantalla ancha de menor amplitud para bajar sus costos, pero fue hasta comienzos de los años 50, ante la
arrolladora irrupción de la televisión, que los estudios volvieron a utilizar relaciones de aspecto mayores.
En 1953, la cadena FOX lanzó uno de los procesos de creación de formato de pantalla ancha más
populares entre los años 1953 y 1967: el Cinemascope, el antecesor del sistema que hoy conocemos por
Panavisión, el más utilizado hoy en día. El legado que sobrevive hasta nuestros días es la pantalla ancha o
panorámica.
Premios
En el mundo del cine hay varios premios de prestigio mundialmente reconocidos.
Unos de los premios más valorados son los premios Óscar.
En los premios Grammy también hay varias categorías dedicadas al cine musical, como el premio
Grammy al mejor vídeo musical y el premio Grammy a la mejor película musical.
Véase también
Portal:Cine. Contenido relacionado con Cine.
Anexo:Festivales de cine
actuación
antagonista (narratología)
cine para ciegos (ver audiodescripción)
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Referencias
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Enlaces externos
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