MIGUEL ANXO RODRIGUEZ

GÉNEROS
MUSICALES
 MÚSICA CLÁSICA
LA HISTORIA DE LA MÚSICA EN LA
EDAD ANTIGUA
HISTORIA

La música en la edad antigua se refiere a la música que se producía durante el período que
abarca desde la invención de la escritura hasta la caída del Imperio Romano de Occidente en el
año 476 d.C. Durante esta época, la música era considerada una parte importante de la vida
cotidiana y tenía un papel fundamental en la cultura y la sociedad.
En la antigua Grecia, la música se consideraba una disciplina importante y era enseñada en las
escuelas. La música griega era principalmente vocal y estaba compuesta en su mayoría para ser
interpretada en ceremonias religiosas y en el teatro. Los griegos también desarrollaron instrumentos
musicales como la lira, el aulos y la cítara.
En la antigua Roma, la música tenía un papel importante en la vida cotidiana y se utilizaba en
ceremonias religiosas, militares y sociales. Los romanos también desarrollaron instrumentos
musicales como la trompeta, el corno y el órgano hidráulico. La música romana era principalmente
instrumental y se utilizaba en los juegos del circo y en las fiestas.
En la antigua China, la música era considerada una herramienta para equilibrar y armonizar el
mundo y se creía que tenía un impacto directo en la salud y el bienestar de las personas. La
música china se basaba en el pentagrama y se interpretaba en la corte imperial, en ceremonias
religiosas y en la vida cotidiana.
En la India antigua, la música estaba estrechamente ligada a la religión y se utilizaba en
ceremonias religiosas y en la vida cotidiana. La música india se basaba en escalas de siete notas y
utilizaba instrumentos como la vina y el sitar.

sitar citara aulos lira

MÚSICA CLÁSICA
LA HISTORIA DE LA MÚSICA EN LA
EDAD MEDIA
HISTORIA

La música en la Edad Media se refiere a la música producida en Europa durante el período que
abarca desde la caída del Imperio Romano de Occidente en el siglo V hasta el Renacimiento en el
siglo XV. Durante este período, la música era principalmente vocal y estaba íntimamente ligada a
la religión y la liturgia. La música medieval se desarrolló principalmente en las iglesias y
monasterios de Europa, y se utilizaba en ceremonias religiosas como la misa y las horas canónicas.
La música era cantada en latín y se basaba en la tradición gregoriana, que consistía en un
repertorio de melodías que se transmitían oralmente. El canto gregoriano se caracteriza por su
simplicidad y monofonía, es decir, una sola línea melódica sin armonía.
Durante la Edad Media también se desarrolló la polifonía, que consiste en dos o más líneas
melódicas que se cantan simultáneamente. La polifonía se desarrolló principalmente en Francia y se
utilizó en la música secular, como la canción y el motete. Uno de los compositores más importantes
de la época fue Guillermo de Machaut, quien escribió música polifónica y también se desempeñó
como poeta y escribió sus propios textos.
Además de la música vocal, también se desarrollaron instrumentos musicales en la Edad Media.
Los instrumentos medievales incluían la flauta, la vihuela, el laúd y el órgano. La música en la
Edad Media también estaba estrechamente ligada a la poesía y la literatura. Los poetas y los
trovadores escribían poemas y canciones que se cantaban y tocaban con instrumentos. Estas
canciones trataban sobre el amor, la guerra y la religión, y se interpretaron en la corte y en
festivales.

vihuela laud
 MÚSICA CLÁSICA
LA HISTORIA DE LA MÚSICA EN EL
RENACIMIENTO
HISTORIA

La música en el Renacimiento se refiere al período que abarca desde mediados del siglo XV hasta
principios del siglo XVII en Europa. Durante este tiempo, la música experimentó un cambio
significativo en su estilo y técnica en comparación con la música medieval.
El Renacimiento se caracterizó por un renovado interés en las artes y la cultura clásica, lo que llevó
a una mayor atención en la música secular y la música instrumental. En este período, la polifonía se
desarrolló aún más y se utilizaron nuevas técnicas, como el contrapunto y la imitación, que
permitieron la creación de piezas musicales más complejas y elaboradas.
La música en el Renacimiento también se caracterizó por el uso de armonías y acordes, lo que dio
lugar a la creación de nuevos géneros musicales como el madrigal y la canción. Estos géneros se
escribían para pequeños conjuntos vocales, a menudo con acompañamiento instrumental, y se
centraban en el texto y la expresión emocional.
Uno de los compositores más importantes del Renacimiento fue Giovanni Pierluigi da Palestrina,
quien es conocido por sus misas y motetes polifónicos. Palestrina se considera un maestro de la
música sacra y sus composiciones se utilizan aún hoy en día en ceremonias religiosas.
Además, la música instrumental también se desarrolló durante el Renacimiento. Se utilizaron
instrumentos como la viola da gamba, el clavicémbalo y el laúd, y se escribieron piezas musicales
para ser interpretadas exclusivamente por instrumentos. Uno de los compositores más importantes
de música instrumental fue William Byrd, quien escribió piezas para el virginal y otros
instrumentos.

viola de gamba clavicémbalo

MÚSICA CLÁSICA
LA HISTORIA DE LA MÚSICA EN EL
BARROCO
HISTORIA

El Barroco fue un período de la historia de la música que abarcó aproximadamente desde

principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII. Durante este tiempo, la música
experimentó una evolución significativa en su estilo y técnica, con la creación de nuevas formas
musicales y una mayor atención a la ornamentación y la complejidad.
Una de las características más importantes de la música barroca fue la creación de formas
instrumentales como la suite, la sonata, el concierto y la fuga. Estas formas se escribían para ser
interpretadas por instrumentos, y permitieron a los compositores explorar nuevas posibilidades
musicales y técnicas.
El barroco también se caracterizó por la creación de la ópera, que combinaba la música, la poesía
y la actuación en una única obra de arte. La ópera se convirtió en una forma musical muy popular
durante este período, y muchos de los compositores más importantes del barroco, como Claudio
Monteverdi y Georg Friedrich Händel, escribieron óperas que siguen siendo interpretadas hoy en
día.
La música barroca también se caracterizó por el uso de la ornamentación y la elaboración en las
melodías y armonías. Los compositores barrocos a menudo agregaban trinos, mordentes y otros
ornamentos para embellecer sus composiciones, y también experimentaron con la armonía y la
disonancia para crear nuevas texturas y efectos sonoros.
Uno de los compositores más importantes del barroco fue Johann Sebastian Bach, quien escribió
música para una amplia variedad de formas y géneros, incluyendo la música religiosa, la música
instrumental y la música vocal. Bach es considerado uno de los más grandes compositores de la
historia de la música, y sus obras todavía son ampliamente interpretadas y admiradas en todo el
mundo.
MÚSICA CLÁSICA
LA HISTORIA DE LA MÚSICA EN EL
CLASICISMO
HISTORIA

El Clasicismo fue un período de la historia de la música que se desarrolló aproximadamente entre

mediados del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Durante este tiempo, la música experimentó una
evolución significativa en su estilo y técnica, caracterizado por la simplicidad, la claridad y el
equilibrio.
Una de las características más importantes de la música clásica fue el énfasis en la melodía y la
armonía. Los compositores del período clásico buscaron crear obras musicales que fueran accesibles
y agradables al oído, utilizando melodías simples y armonías claras y equilibradas. La música
clásica también se caracterizó por el uso de formas musicales bien definidas, como la sinfonía, el
cuarteto de cuerda y el concierto.
Otra característica importante de la música clásica fue la importancia dada a la estructura y la
organización. Los compositores clásicos trabajaron con rigurosidad y precisión para crear obras que
estuvieran bien estructuradas y equilibradas, utilizando a menudo la técnica de la motivación
temática, que consistía en desarrollar una idea musical inicial a lo largo de toda la obra.
Durante el Clasicismo también se experimentó con el uso de nuevas formas de expresión musical,
como el rondó y la sonata-allegro. Estas formas permitieron a los compositores clásicos crear obras
más complejas y elaboradas, sin perder la accesibilidad y la claridad que caracterizaban la música
del período.
Algunos de los compositores más importantes del Clasicismo incluyen a Wolfgang Amadeus
Mozart, Franz Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven. Estos compositores fueron capaces de
llevar la música clásica a su apogeo, creando obras maestras que todavía se interpretan y aprecian
en todo el mundo.
La historia de la música del Clasicismo se caracterizó por la simplicidad, la claridad y el equilibrio,
con énfasis en la melodía y la armonía. La música clásica también se caracterizó por el uso de
formas musicales bien definidas y la importancia dada a la estructura y la organización. Los
compositores del período clásico experimentaron con nuevas formas de expresión musical, y
algunos de los compositores más importantes de la historia de la música trabajaron en este período,
creando obras maestras que siguen siendo apreciadas en todo el mundo.
MÚSICA CLÁSICA
LA HISTORIA DE LA MÚSICA EN EL
ROMANTICISMO
HISTORIA

El Romanticismo fue un período de la historia de la música que abarcó aproximadamente desde

finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX. Durante este tiempo, la música experimentó
una revolución en su estilo y técnica, caracterizado por la emotividad, la pasión y la expresión
individual.
Una de las características más importantes de la música romántica fue la importancia dada a la
emoción y la expresión personal. Los compositores del período romántico buscaron crear obras que
reflejaran sus sentimientos y emociones más profundos, a menudo utilizando técnicas expresivas
como el cromatismo, el rubato y la dinámica amplia.
Otra característica importante de la música romántica fue la experimentación con nuevas formas y
estructuras musicales. Los compositores románticos expandieron las formas musicales existentes,
como la sinfonía y la ópera, y crearon nuevas formas, como el poema sinfónico y la canción con
piano.
La música romántica también se caracterizó por el uso de textos literarios como fuente de
inspiración musical. Muchos compositores del período romántico se basaron en obras literarias como
la poesía y la novela para crear sus obras, a menudo utilizando estas obras como guía para la
forma y el contenido musical.
Algunos de los compositores más importantes del Romanticismo incluyen a Ludwig van Beethoven,
Franz Schubert, Robert Schumann, Frédéric Chopin, Franz Liszt, Richard Wagner y Pyotr Ilyich
Tchaikovsky. Estos compositores fueron capaces de llevar la música romántica a su apogeo,
creando obras maestras que todavía se interpretan y aprecian en todo el mundo.
La historia de la música del Romanticismo se caracterizó por la emotividad, la pasión y la expresión
individual, con énfasis en la experimentación con nuevas formas y estructuras musicales. Los
compositores del período romántico también se basaron en obras literarias para inspirar su música.
Algunos de los compositores más importantes de la historia de la música trabajaron en este
período, creando obras maestras que siguen siendo apreciadas en todo el mundo.
MÚSICA CLÁSICA
LA HISTORIA DE LA MÚSICA EN EL
POSTROMANTICISMO
HISTORIA

El postromanticismo es un período de la música que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios
del siglo XX, después del período del Romanticismo. Se caracterizó por la continuación de muchas
de las características del Romanticismo, como la emotividad, la pasión y la expresión individual,
pero con un enfoque más personal y subjetivo.
Uno de los compositores más influyentes del postromanticismo fue Gustav Mahler. Sus obras son
conocidas por su complejidad musical y su capacidad para evocar una amplia gama de emociones
en el oyente. Mahler también experimentó con nuevas formas musicales, como la sinfonía de
programa, que incluía elementos de la poesía y la literatura en la música.
Otro compositor importante del postromanticismo fue Richard Strauss, quien se especializó en la
ópera y creó obras maestras como “Salomé” y “Elektra”. Strauss también fue un innovador en el
uso de la orquesta, experimentando con nuevos sonidos y texturas musicales.
El postromanticismo también vio el surgimiento del impresionismo musical, liderado por
compositores como Claude Debussy y Maurice Ravel. El impresionismo musical se caracterizó por
su uso de la armonía y la orquestación para crear imágenes y sugerir atmósferas.
BLUES
HISTORIA
INTRODUCCIÓN

El blues es una expresión musical que llegó a los Estados Unidos de América del Norte a través de
los esclavos que provenían principalmente de la costa occidental de África. Este tráfico de esclavos
se produjo ininterrumpidamente desde comienzos del siglo XVII hasta 1812, año en el que quedó
prohibido su comercio. Sin embargo, la esclavitud no se aboliría hasta 1863. Los esclavos viajaban
en los barcos encadenados, por lo que se conjetura que la única forma musical que podían
interpretar era la vocal, aunque pudiera ser que algún instrumento llegara con ellos en su viaje. A
finales del siglo XVIII y comienzos del XIX había en las plantaciones esclavos que tocaban el violín,
el banjo o flautas bastante primitivas. En concreto, el banjo casi se puede asegurar que es la
versión de un instrumento similar de Senegal, de cinco cuerdas, llamado halam.

ORÍGENES

La primera distinción entre las canciones que interpretaban los afroamericanos ya en el siglo XIX,
está entre los espirituales o canciones religiosas y las canciones mundanas o blues propiamente
dicho. Mientras que los espirituales se entonaban en la iglesia por un grupo de cantantes, contando
además con el beneplácito de los blancos que veían estos cánticos menos peligrosos para el
mantenimiento del status quo, ya que las letras se referían a la salvación en el más allá, el blues
era interpretado por un solista y la temática era sobre los problemas cotidianos, el día a día. Ya
centrados en el aspecto mundano y terrenal de esta música popular afroamericana, podríamos
diferenciar entre los “work songs” o cantos de trabajo y los “hollers”. Los cantos de trabajo están
asociados más a las cuadrillas de trabajadores negros o a las brigadas de prisioneros
desparramados por las sucias y polvorientas carreteras del sur, interpretando ritmos uniformes y
comúnmente con frases improvisadas por una voz solista y un estribillo con el que respondían el
resto de los trabajadores. El “holler” blues es más un estilo a capela, con el cantante interpretando
para sí mismo pero con un elevado tono de voz y una mayor libertad en el ritmo. Es así que se
han relacionado más las canciones de trabajo con Mississippi y los “hollers” con Texas debido
principalmente a las condiciones geográficas y demográficas diferentes entre los dos estados,
aunque esto haya que tomarlo con la suficiente prudencia. No fue hasta 1890, aproximadamente,
que los estudiosos del folklore comenzaron a coleccionar la música popular y hasta comienzos de
1900 no se realizaron las primeras grabaciones de esta música. Y lo único que se sabe con certeza
es que hasta ese momento tanto las “work songs” como los “hollers” se interpretaban sin ningún tipo
de acompañamiento instrumental.
BLUES
¿Cómo llegó a ir siendo conocida esta música por el americano común, ya fuera de grandes
ciudades o de pequeños villorrios? A través de los “Minstrels Shows” que eran espectáculos
itinerantes con cierta similitud con el teatro ambulante, con actuaciones que incorporaban canciones,
danzas e interpretaciones instrumentales acompañadas del banjo o violín, principalmente. Los
actores eran blancos que se pintaban la cara de negro e imitaban, la mayoría de las veces con no
muy buen gusto (aunque en algún caso sí se ponía en cuestión la esclavitud), los personajes y
comportamiento de los esclavos negros. Estos espectáculos ambulantes eran habituales a mediados
del siglo XIX y muchas de las canciones interpretadas pasaron a formar parte de la música
popular. Un aspecto importante a considerar fue el abandono con el tiempo, por parte de los
músicos afroamericanos, del uso del banjo debido a la imagen negativa que daban de los negros
en los minstrel shows.

PRIMERAS GRABACIONES

Es conocida la anécdota de W. C. Handy esperando en una estación a que llegara su tren. Era el
año 1903. Cercano a él se encontraba un músico negro tocando la guitarra con un cuchillo en su
mano izquierda y cantando “I’m goin’ where the Southern cross the Yellow Dog”. Esta anécdota la
relata en su autobiografía y no parece muy real, pero él se autoproclamó como el inventor del
blues aunque sí tuvo la idea de pasar a partitura las canciones que escuchaba en los barrios
negros. Y dos temas suyos, “Memphis Blues” o “St. Louis Blues” han pasado a la historia como unos
de los primeros blues en ser editados en una partitura con una estructura musical que era la de las
12 barras.
Hay otro punto importante a añadir. Las primeras grabaciones de blues no fueron blues
propiamente dicho, incluían también baladas populares o country. Además, las compañías
discográficas eran propiedad de blancos y quienes supervisaban las grabaciones eran blancos que
utilizaban a cazadores de talentos que eran propietarios de tiendas locales y también blancos. Las
grabaciones realizadas fueron las que ellos quisieron. ¿Se perdió algo en el camino? ¿Alguna forma
musical no les gustó, no la grabaron y se ha perdido en el transcurso del tiempo?
BLUES

Fue la compañía Okeh Records quien grabó por primera vez a una cantante negra, Mamie Smith,
en febrero de 1920 y aunque el sello no promocionó el disco su inesperado éxito de ventas llevaron
a esta cantante de nuevo al estudio. Otras compañías discográficas empezaron a vislumbrar el
potencial que podían tener las grabaciones de blues. Hubo un buen número de cantantes
femeninas que grabaron discos durante los años 20 utilizando generalmente orquestas de jazz
como acompañamiento (Clara Smith, Bessie Smith, Ida Cox, Ma Rainey, Alberta Hunter, etc). Pero
a finales de los años 30 el papel tan destacado que habían jugado todas estas mujeres empezó a
declinar para la gran mayoría de ellas.
A medida que se iban realizando las grabaciones de classic blues, más compañías querían entrar
en el reparto de la tarta y comenzaron a buscar nuevos intérpretes lejos de las grandes ciudades.
Fue por tanto inevitable que se acabaran por registrar en disco temas de blues rural o down home
blues. Parece ser que las primeras acontecieron en 1924 y los dos primeros en ser grabados
pudieron ser Daddy Stovepipe o Papa Charlie Jackson (“Papa’s Lawdy Lawdy Blues” la primera
grabación fonográfica de blues rural en opinión de Frank Tirro).
BLUES
SUBGÉNEROS
EL BLUES RURAL O FOLK BLUES

El apogeo del folk blues se dio entre 1920 y 1930 con la eclosión de las formas musicales que han
pasado a la historia de la música popular americana. Y estos tres principales estilos se podían
resumir en el blues del Delta, el Piedmont y el blues de Texas, con una referencia a las “jug bands”
con un arraigo especial en Memphis. Y unido a los estilos estaba la propia idiosincrasia del
bluesman. Lo que más le gustaba al intérprete de blues era ser libre y poder viajar de acá para
allá, como un “hobo”, es decir, vagabundeando y viviendo de su música en época de vacas gordas
y trabajando temporalmente cuando las cosas no pintaban bien. La gran mayoría de los blues
singers de la primera época eran prácticamente analfabetos y un porcentaje elevado de las
canciones que interpretaban eran tradicionales y se las habían aprendido de memoria, aunque se
den casos de bluesman que fueron bastante prolíficos componiendo. En el caso del blues de
Mississippi y Texas era común el martilleo de las teclas del piano y las cuerdas de la guitarra junto
con el uso de un tubo de cristal o metal, una navaja o un anillo que se deslizaba a lo largo de las
cuerdas para producir un sonido quejumbroso.

DELTA BLUES

Cuando se habla de blues rural, automáticamente casi todo el mundo piensa en el blues del delta
del Mississippi. Ha sido además el estilo de blues más escuchado por los grandes artistas blancos
del rock & roll y el que más les influenció. Este estilo se puede situar geográficamente en los
alrededores de Clarksdale, de donde eran originarios Charley Patton y más tarde Muddy Waters.
Y fue el primero a quien se le puede considerar el músico que forjó este estilo, para algunos el
fundador del blues del Delta. Otros grandes fueron Son House, Skip James (uno de los pocos con
estudios y que además tocaba el piano), Tommy Johnson, Bukka White o Robert Johnson cuya
leyenda y música ha superado a la de los demás y quizás solamente por haber sido descubierto
por los músicos blancos del rock a pesar de su reconocida valía musical y compositora. El blues del
profundo sur, del delta del Mississippi, se expresaba con total desnudez, cada nota sale del alma y
el canto es apasionado y áspero. Los ritmos son enérgicos, se tocan pocas notas y la guitarra repite
insistentemente una breve frase musical después del canto y a veces no hay demasiado sentido del
compás.
BLUES

BLUES DE TEXAS

El estilo tejano se asemeja bastante al de Mississippi aunque hay unas pequeñas diferencias tanto
en la forma de cantar, menos descarnado, menos desapacible, como en la interpretación, ya que su
música tiende a aproximarse más al patrón de las tres frases y la estructura de los doce compases.
Algunos guitarristas utilizaban un bajo continuo, potente, repitiendo un único acorde o volviéndose
muy suave tras el canto y volver a comenzar de nuevo in crescendo. La primera estrella del folk
blues fue el tejano Blind Lemon Jefferson, sin que nos podamos olvidar de Blind Willie Johnson,
más en la línea de lo que se conoce como holy blues o blues con temática religiosa en las letras.

JUG BANDS

Es importante recordarlas ya que utilizaban una gran variedad de instrumentos construídos por
ellos mismos como peines, jarras, tablas de lavar y kazoos junto con armónicas, banjos, violines,
guitarras o mandolinas. Su música era en general muy alegre en contraposición al estilo más
profundo del Delta blues. Memphis parece ser que fue la cuna de las jug bands y con una
importante peculiaridad ya que era una ciudad de confluencia y paso hacia el norte, tanto para los
provenientes de Mississippi como para los emigrantes del Este de los Apalaches. Las dos bandas
más famosas de jarra fueron la Memphis Jug Band del guitarrista y cantante Will Slade y la
Cannon’s Jug Stompers, del banjista Gus Cannon y el armonicista Noah Lewis.

PIEDMONT

También conocido como el blues de los Apalaches, la cadena montañosa del este paralela a la
costa atlántica y que aisla las Carolinas, Virginia, Georgia y parte de Tennessee. Los artistas del
Piedmont estaban más en la tradición del songster, que interpretaba una mayor variedad de
músicas populares, siendo este blues más desenfadado que el del Delta con una fuerte influencia
del ragtime. Y su principal caraterística es el método del “fingerpicking” al tocar la guitarra. Blind
Boy Fuller, Reverendo Gary Davis, Blind Blake, Josh White, Buddy Moss, Blind Willie McTell o
Sonny Terry & Brownie McGhee son algunos de los principales ejemplos de este estilo.
BLUES
BLUES ELÉCTRICO
A muy grandes rasgos, todo empieza a finales de los años 30 con la amplificación de la guitarra y
de la armónica. Sin embargo esta brevísima afirmación merece ser desmenuzada, al menos unas
líneas.

CHICAGO

A raíz de la gran Depresión de 1929 y una cada vez mayor miseria y segregación racial en el sur, una gran
masa de población negra, principalmente procedente de Mississippi, va a emigrar al norte para instalarse
mayoritariamente en Chicago. El tren se convierte en su medio de transporte, en su sueño de libertad y en
su salvación económica, con dos paradas trascendentales para la historia del blues en este largo y duro viaje:
Memphis y Saint Louis. Esta traslación del country blues a la ciudad, con un patrón musical más seco, duro
y descarnado, conforma el blues urbano con su germen y origen en Leroy Carr y Francis Scrapper
Blackwell, y de este proceso evolutivo surge el blues eléctrico.
Hay dos figuras imprescindibles que ya estaban residiendo en Chicago en los años 20: William Lee Conley
Broonzy “Big Bill Broonzy” y Hudson Whittaker “Tampa Red”, que incorporaron a sus grabaciones piano,
bajo, saxofón y trompeta; la batería se agregó al blues hacia los años 40. Y ambos sirvieron de cabeza de
puente y de magníficos anfitriones del resto de músicos que continuaban llegando a la ciudad del viento. El
tercer músico a tener en cuenta fue John Lee Williamson, “Sonny Boy I”, que dio a la armónica la posibilidad
de ejecutar líneas instrumentales en un solo, al modo en que un saxofón lo hacía en una orquesta, y
también añadió un piano a sus grabaciones. John Lee Williamson será el primero en amplificar la armónica.
John Lee era de Tennessee y no podemos dejar de mencionar a su mayor influencia, su paisano a quien
admiraba, Sleepy John Estes, conocido como “el poeta del blues de Tennessee” que junto con su inseparable
armonicista y amigo Hammie Nixon fueron los primeros creadores del dúo de armónica y guitarra.
El flujo migratorio hacia el norte continúa con la segunda guerra mundial, con una riada de población
negra, casi un 60% procedente de Mississippi, llegando a Chicago para trabajar en la industria del
armamento y estableciéndose primero en el South Side y más tarde en el West Side. Big Bill Broonzy
realizó alguna sesión con guitarra eléctrica en 1938 pero sin ningún propósito de darle una continuidad. Sin
embargo, a partir de mediados de los años 40, prácticamente todo el blues que se realizaba en Chicago era
eléctrico. Y en los años 50 las dos bandas que dominaron la escena musical fueron la de Muddy Waters y
el combo de Howlin’ Wolf.
La gran contribución de Muddy al blues fue principalmente que tuvo y retuvo muchos elementos del folk
blues del Delta, como era el uso de la slide y las canciones escritas de la forma del blues tradicional, dándole
además una nueva dirección a esta música, al añadir la guitarra eléctrica y la armónica amplificada junto
con el uso de la batería. Y su influencia no solo llegó a los músicos negros de blues sino también a los
blancos, como Paul Butterfield o Mike Bloomfield, y a las bandas inglesas de rock.
BLUES

CALIFORNIA

Respecto a California, la música de los tejanos se fue fundiendo con la que provenía de las
orquestas de jazz así como con la de los sofisticados cabarets de Hollywood, dando lugar a un
blues original, el blues de la Costa Oeste, teniendo en T-Bone Walker, Pee Wee Crayton, el
pianista Charles Brown o Lowell Fulson como sus primeros creadores. Algunos músicos que
provenían del jazz habían empezado a explorar el sonido de la guitarra eléctrica, como fue el caso
de Charlie Christian, el cual tenía como amigo a T-Bone Walker que había sido cautivado por el
estilo de la guitarra de Lonnie Johnson, y que también comenzó a experimentar amplificando la
guitarra, estando considerado como uno de los primeros bluesman en electrificar este instrumento,
sin olvidar a Lightnin’ Hopkins que también hizo sus pinitos. Lo que sí es cierto es que Walker fue
el primero en usar la guitarra para tocar frases como si de un instrumento de viento se tratara.
Al principio, cuando las compañías de discos empezaron a grabar música hecha por los negros
para su mismo público, crearon sus propios catálogos especiales o incluso compañías subsidiarias. A
estas grabaciones se las conocieron como “Race” records. Poco a poco y a partir de finales de la
segunda guerra mundial, esta expresión empezó a tener connotaciones negativas hasta que en
1949 un redactor de la revista musical Billboard, Jerry Wexler, y que más tarde sería productor del
sello Atlantic, adoptó el nombre de Rythm & Blues (R&B). En los años 50 y 60 este término se
había extendido y popularizado coincidiendo con la amplia expansión de la electrificación ya vista
anteriormente.
Las pequeñas diferencias que presenta el R&B con el blues es la inclusión de una batería en la
sección de ritmo, la utilización de instrumentos de viento, sobre todo saxofón, unas historias más
coherentes en las letras de las canciones y una vocalización más clara por parte del cantante para
que a la audiencia blanca le fuera más fácil seguirla.
BLUES

MEMPHIS

A partir de 1945 Memphis era un hervidero de trabajadores negros procedentes de las zonas
rurales y un punto de encuentro de muchos grandes bluesman en Beale Street, donde cada vez
fue más frecuente escuchar blues eléctrico en detrimento de las jug bands. B.B. King en 1948
empezó a forjarse un nombre en esta mítica calle. Muchos artistas de blues que tocaban en
solitario o a dúo se acomodaron permanente o temporalmente en la ciudad, destacando entre los
años 20 y 40 a Furry Lewis, Frank Stokes, Jim Jackson, Memphis Minnie, Little Buddy Doyle, los
pianistas Speckled Red y Memphis Slim. Figura importante del blues de Memphis fue Sam Phillips
que se dio cuenta que muchos artistas no habían grabado nunca, montó un estudio de grabación y
empezó a vender el resultado a determinadas compañías de discos, como Chess o Modern, hasta
que fundó el sello Sun en 1951.

SAINT LOUIS

Es necesario mencionar esta ciudad ya que por su enclave estratégico y fluvial fue uno de los
centros industriales principales de Estados Unidos. A finales del siglo XIX ya había músicos de
ragtime en el ghetto y a comienzos del siglo XX el blues que se oía en la ciudad era ejecutado
principalmente por pianistas, posibilitando que artistas como Roosevelt Sykes se instalaran en la
ciudad, así como luminarias de la talla de Robert Nighthawk o Big Joe Williams e igualmente
Henry Townsend y Peetie Wheatstraw que tocaban tanto la guitarra como el piano. A partir de
1937 se dio el finiquito a esta música por parte de las autoridades locales tras las denuncias
efectuadas por los ultraortodoxos de la virtud y no fue hasta finales de los años 50 en que resurgió
de sus cenizas con la llegada de Ike Turner, Little Milton o Albert King. Y no podemos olvidar la
otra ciudad de Missouri, Kansas City, también con el piano como instrumento ilustre además de la
mezcla de los sonidos jazzísticos de Nueva Orleans. Jay MacShann, Julia Lee o Pete Johnson (que
dijo que “el boogie es en realidad un blues en fuga”), uno de los grandes del boogie woogie, son
algunos de los artistas más representativos de Kansas City.
BLUES

NUEVA ORLEANS

La ciudad de la diversión, del Dixieland, la cuna del jazz, del Mardi Grass, la ciudad sin estudios de
grabación hasta 1945 y una fuente inagotable de pianistas desde Jelly Roll Morton (impagable la
historia en comic de este hombre realizada por Robert Crumb) y Champion Jack Dupree o más
tarde Fats Domino con su record de grabaciones y ventas con los arreglos del trompetista Dave
Bartholomew y el Professor Longhair, creador del estilo denominado Gumbo, sin olvidar al
guitarrista Eddie “Guitar Slim” Jones.

SWAMP BLUES

El sonido perezoso del blues de los pantanos de Louisiana, el swamp blues, realmente fue una
invención del productor J.D. Miller, que asociado con el propietario del sello Excello, se dedicó a
buscar, descubrir y grabar a toda una colección de músicos en función de su gusto musical, como
era el sonido de la armónica de Jimmy Reed. Esto ocurrió ya más tardíamente, a partir de 1953, y
así han pasado a la posteridad Slim Harpo, Lightnin’ Slim, Whispering Smith, Lonesome Sundown
o Lazy Lester.

NUEVA YORK

La migración provenía de Carolina, Georgia o Florida y a finales de los años 30 Leadbelly estuvo
en la ciudad grabando para pequeños sellos en la década de los 40. En el barrio negro de Harlem
sí se oía blues gracias a Sonny Terry, Brownie McGhee, Reverendo Gary Davis o Josh White que
residían en esta ciudad. Sin embargo el blues no gozó en Nueva York de la popularidad que
obtuvo en Chicago y la mayoría de la música que se gestó en la ciudad, alrededor del teatro
Apollo, se denominó Doo-Wop con cantantes interpretando a capella en un sentido más pop con
coros armoniosos más alineados con el gospel. En definitiva, una música que se desarrolló en
Nueva York con muy poca relevancia en el blues.
Hasta aquí ha llegado esta brevísima historia del blues que tiene su término a finales de los años
50. A partir de ahí se escribe una nueva página en la historia de esta música con sus sucesivos
redescubrimientos y aparición de nuevos talentos que han dejado o continúan dejando un legado
esencial. Pero eso puede ser objeto de otro capítulo o quizás, mejor, de un redescubrimiento del
lector.
MÚSICA CLÁSICA
PROYECTO FINAL 2022
INTRODUCCIÓN

Lorem ipsum dolor sit amet, consectetur adipiscing elit, sed do eiusmod tempor incididunt ut labore
et dolore magna aliqua. Ut enim ad minim veniam, quis nostrud exercitation ullamco laboris nisi ut
aliquip ex ea commodo consequat. Duis aute irure dolor in reprehenderit in voluptate velit esse
cillum dolore eu fugiat nulla pariatur.
MÚSICA CLÁSICA
PROYECTO FINAL 2022
INTRODUCCIÓN

Lorem ipsum dolor sit amet, consectetur adipiscing elit, sed do eiusmod tempor incididunt ut labore
et dolore magna aliqua. Ut enim ad minim veniam, quis nostrud exercitation ullamco laboris nisi ut
aliquip ex ea commodo consequat. Duis aute irure dolor in reprehenderit in voluptate velit esse
cillum dolore eu fugiat nulla pariatur.
MÚSICA CLÁSICA
PROYECTO FINAL 2022
INTRODUCCIÓN

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