SUMARIO ROCKAXIS 263

MAYO 2025

Ghost
“Skeletá” es el más reciente álbum de Ghost, el sexto ya en una carrera que
ha sabido solo de ascenso desde su formación en 2006 en Linköping, al sur
de Suecia. Hoy, casi 20 años después y con la nueva ascensión de Tobias Forge
como Papa V Perpetua, el enigmático showman y sus fieles Nameless Ghouls
proponen esta excéntrica opereta rock ya no solo para conquistar el mundo,
sino para encontrarse de frente con los demonios internos.
Por Fernanda Hein

10 16 24 48 66
Stone Electro- Andy Bell Blondshell Aurora
Temple domésticos Exclusiva con el
músico inglés
Exclusiva
con Sabrina
Voraz
Pilots Entrevista con
Carlos Cabezas y
Por Matías
Arteaga
Teitelbaum
Entrevista con
Ilse Farías
Exclusiva con Por Karin
Edita Rojas Ramírez y Bastián
Por Karin Ramírez
Dean DeLeo Por Oliver Arriola
Por Jean Parraguez Fernández
 Identidad EDITORIAL

H
Editor: César Tudela ace unas semanas, tras un
impecable ejercicio de marke-
Comité editorial: Cote Hurtado ting publicando una foto de dos
César Tudela sillas barcelona de terraza a las
Jean Parraguez afueras del Estadio Nacional, se
Pablo Cerda anunciaba el nuevo concierto de
Fernanda Hein Bad Bunny en el país, esta vez
Bastián Fernández con la gira de su disco “DeBÍ TiRAR MáS FOToS”, lanzado
Oliver Arriola en enero de este año. Con este trabajo, el portorriqueño
Karin Ramírez atrajo las miradas de la prensa musical como nunca antes
en su carrera, ya que usó como fórmula para elaborar su
Staff: Cote Hurtado siempre controversial propuesta de música urbana, mirar
Claudio Torres el pasado folclórico de su tierra e involucrarse de lleno en
Héctor Aravena la salsa. Eso sí, bajo sus propios términos.
Jean Parraguez
Alejandro Cisternas
Ese ejercicio de retromanía le valió la aceptación –e

incluso la validación– de los más connotados periodistas
Colaboradores: Cristián Pavez
Rodrigo Bravo musicales, además de ser una fuente casi inagotable donde
Luciano González influencers coparon las redes sociales con todo tipo de contenido disfrazado de análisis crítico. Pero
Felipe Godoy todo ese hype también abrió –de nuevo– el bizantino debate impulsado por los haters de siempre
Maximiliano Sánchez sobre la “música buena” y la “música mala”.
Mauricio Salazar
Pablo Padilla A vuelo de pájaro, buscando en Google estos términos, podemos encontrar citas de dos famosos
Fernanda Schell músicos de jazz. Uno de ellos es Duke Ellington, quien menciona que solo existe «la buena música
Matías Arteaga y la otra música». Si bien en sus palabras no está explícito que “la otra música” sea la “música mala”,
Matías Muñoz sería fútil intentar darle otra interpretación. Por otro lado, Louis Armstrong deja menos espacio para
Bárbara Henríquez la duda: «hay dos tipos de música: la buena y la [Link] toco la buena». Ambas observaciones sobre
Aarón Vergara la calidad de la música provienen de dos virtuosos artistas, contemporáneos entre sí. Ambos, además,
Giordano Antonelli empujaron las fronteras del jazz con obras que han sido consideradas sumamente significativas en la
Carlos Acevedo cultura popular. Pero, ¿a qué música se referían cuando hablaban de “música mala”?

Radio: Cristián Pavéz | Grito Primal Hoy, los detractores tanto de Bad Bunny como de todo el género urbano moderno han ido más allá,
Fernanda Schell | A la Carga negando la existencia misma de estos estilos dentro de la categoría musical. Ni siquiera es “música
Héctor Aravena | Rebelión Sónica mala”, sencillamente “no es música”. Pero sus argumentos son los mismos que han sido cargados por
Pablo Cerda | 4x4 décadas a todas las músicas de origen y arraigo popular. Incluido en su momento el jazz, originado en
Maximiliano Sánchez | Bulldozer la marginalidad de los estratos sociales más bajos de la sociedad estadounidense: la clase trabajadora
(y esclavizada) afrodescendiente. La música de las negritudes. La “música el diablo”, como la llama la
Diseño: Claudio Torres élite de los años veinte a este estilo desenfrenado que tenía como pulsión su estrecha conexión con la
sexualidad, el libertinaje, el baile, el alcoholismo y la drogadicción.
Fotografías: Juan Pablo Maralla
Joselyn Heyden De la misma manera que el jazz, en otros momentos de la historia surgieron géneros crucificados por
Thomas Moraga sus nexos a conductas moralmente objetables y a sectores específicos de la sociedad, más que por sus
Alejandro Parra características estéticas. Le pasó al rock n’ roll, al tango, a la salsa, al rap, a la cumbia. Hoy es la música
Aarón Castro urbana –llámese reggaetón, trap, drill– la pasa por su momento de odio contemporáneo.
Sergio Mella
Luciano Candia
Si bien hay apreciaciones muy bien fundadas sobre la calidad de esta música, dejando de lado los juicios
Hernán Urtubia
de valor nacidos de falencias morales (que es vulgar, lascivo o sexualmente explícito, por lo tanto es
Gustavo Canales
peligrosa su cercanía a la adolescencia), hoy parece que Bad Bunny logró superar la crítica más feroz
Webmasters: Damián Illezca que se tenía en contra de él sobre su carencia de aptitudes. Rodeado de talento joven de su natal
Puerto Rico y parándose sobre los hombres de los gigantes de la salsa, Benito Martínez tocó la fibra
Casa-Estudio: Nacho Herrera emocional de los puristas al fusionar músicas separadas por el tiempo (como también lo han hecho
Av. Salvador 2549, Ñuñoa C. Tangana, Rosalia, Nathy Peluso, Ca7riel & Paco Amoroso, Dillom o Kid Voodoo con otros géneros
56-2-29332370 como el flamenco, el funk o el rock) y, como suele suceder con muchos aspectos humanísticos –y
tal como ocurrió con el jazz–, ha adquirido un valor estético superior al hacer parte del gusto de las
Diseño portada: Jean-Pierre Cabañas esferas dirigentes de la elite [Link] ironía.
Medu1a
«En el mundo entero, ya conocen mi dialecto, mi jerga». Palabra de Benito.
Todas las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las
emiten y no representan, necesariamente, el pensamiento de Rockaxis.
Todos los derechos reservados. -EDICIÓN MENSUAL- César Tudela
Una presentación especial e inesperada, considerada
una joya por los fanáticos de la banda, ya que los
muestra en una faceta diferente.

*GRABADO EL
10 JUNIO 2005
EN BERLIN,
ALEMANIA
*TRANSMITID
GERMANY` ELO POR `MTV
MISMO AÑO

C O L A B O R A RON
*
ALAIN
JOHANNESA
Y NATASH R DE
SCHNEIDE
ELEVEN

#SinMaderaNoHayRock
 Jean Parraguez

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 Con varias transformaciones en su historia, éxitos,
excesos y demás, el conjunto estadounidense sigue en pie
y vigente. Lejos de las ventas millonarias y la atención
desmesurada de la prensa −buscando polémicas más
que datos relacionados con su actividad musical−, el
grupo continúa recorriendo el mundo, gracias a una
batería generacional de éxitos. En mayo será un nuevo
reencuentro con el público chileno.

D
ean DeLeo rompe el hielo tes de los cantantes Scott Weiland (2015) y Chester
con una pregunta simple, Bennington (2017), el primero su voz más reconocida,
pero vital para quien escribe. autor e intérprete de gran parte de su pasado glorioso
Al mencionar su próxima visi- −y pilar fundamental en el setlist de todos sus concier-
ta al país (20 de mayo, Movis- tos−, en tanto el segundo una mano que llegó a ayudar
tar Arena). El guitarrista ataca cuando todo tambaleaba. Sin desconocer en ningún caso
de entrada: «¿qué canciones su historia, para el guitarrista lo importante es el presen-
te gustaría escuchar en el te. «Estoy inmerso en la gratitud de que seamos capaces
concierto?», pregunta, dando pie a un dato no menor: de seguir haciendo lo que estamos haciendo», sentencia.
en sus cuatro anteriores conciertos en el país, Stone Tras varias épocas de incertidumbre, STP parece dis-
Temple Pilots ha desplegado varios de sus hits, motivos frutar de una calma y un gran momento, el año pasado
de su lugar con letras doradas en las últimas décadas. Sin realizó una gira por Estados Unidos con otros nombres
embargo, otras joyas de su catálogo permanecen ignora- que brillaron en los noventa, como Live, Our Lady Peace
das: ‘Sour girl’, ‘Days of the week’ o ‘Lady picture show’. o Soul Asylum. El tiempo, finalmente, está de su lado.
Las mencionadas, añadiendo otros títulos que, sin ser
singles, sorprenderían a la audiencia, como la delicada “Perdida” (2020) es el álbum más reciente de
‘And so I know’ o la acelerada ‘Army ants’. Diplomático, Stone Temple Pilots. De eso ya han pasado
asegura que no hay nada planeado aún y que al interior poco más de cinco años. ¿Hay alguna canción
del cuarteto «lo que manda es la democracia». Lo que nueva en el tintero proyecto?
sí tiene claro es cuál es su disco favorito de la banda, Hay una canción dando vueltas ahora mismo. En la
“Shangri-La Dee Da” (2001), y su enorme alegría por ve- última gira, Robert compuso una canción. Musicalmen-
nir a Latinoamerica: «nos encanta ir allá, amamos mucho te hablando no profundizamos mucho en ella, pero a
a esa audiencia». todos nos gustaba mucho. Así que sé que es algo que
nos gustaría grabar. Quizás nos lancemos a hacerlo en
Durante la conversación, DeLeo se muestra muy agra- algún momento, en un futuro no muy lejano. Pero sé que
decido de poder continuar en la agrupación formada en Robert está muy ocupado, está trabajando en un disco
San Diego como miembro histórico, junto a su hermano propio, su segundo disco, y yo también he estado muy
Robert y el baterista Eric Kretz. Jeff Gutt cierra una ocupado.
formación que se acerca a pasos agigantados hacia su
primera década. Se podría decir que en el presente de No pudieron salir de gira con “Perdida” por
Stone Temple Pilots reina la estabilidad, una cualidad la pandemia, pero aprovecharon ese período
escasa en su época de mayor éxito. Si eso no fuera sufi- para grabar en vivo los discos “Core” (1992)
ciente, ha respirado la tragedia de cerca, con las muer- y “Purple” (1994) , sesiones estrenadas en

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 streaming. ¿Han pensado en hacer algo pare- Shoulder, que es un cantante extraordinario, un músi-
cido con otros títulos de su catálogo? co extraordinario, un ser humano extraordinario. Ahí
Fue una época interesante, porque cuando nos presenta- básicamente toco todo menos la batería, las guitarras, el
mos, los lugares en donde hicimos esas sesiones, todo el bajo, los teclados, y Pete canta. Tuve algunos bateristas
mundo llevaba mascarillas. Así que nos presentamos, nos diferentes tocando en el disco: mi hijo Rocco tocó en
quitamos las mascarillas y lo hicimos. Una vez que termi- tres canciones, Eric tocó en un tema, y luego el gran
namos, todos nuevamente a usarlas. Rodamos uno en los Brian Tichy tocó en el resto. Es algo que simplemente
estudios Mates de North Hollywood, donde nos encanta surgió y antes de darnos cuenta, teníamos 10 canciones.
ensayar, y la otra la hicimos en un maravilloso estudio de Y estábamos como «wow, esto no está mal».
Hollywood llamado Gold Digger. Nunca pude entender
la pandemia, fue un año de pura locura y luego sim- En el mes de junio aparecerá el disco debut de One
plemente terminó. ¿Por qué pasó todo eso? Sin entrar More Satellite, que tendrá un extra en lo familiar para el
en esta profunda discusión política o como queramos músico, merced de la presencia de Rocco, su hijo. En sus
llamarlo, digámoslo así, fue una época muy loca. palabras no oculta su orgullo y entusiasmo por hacer
música con él.

La vía One ¿Cómo fue trabajar y hacer música con tu

More Satellite hijo?

Sabes, te contaré una historia, así que voy a llevarte
un poco atrás. Hicimos un show el año pasado en Key
Pese a ser su banda madre, Stone Temple Pilots nunca West, y Rocco viajó allí conmigo, tuvimos un gran fin de
ha sido el vehículo exclusivo por el que Dean DeLeo da semana. Él subió al escenario e hizo ‘Big bang baby’ con
rienda suelta a sus inquietudes musicales. En los noventa, nosotros en el show. He tenido la gran suerte de hacer
en pleno éxito planetario, aprovechó el parón obligado cosas maravillosas en mi carrera y de trabajar con gente
del grupo −por los problemas judiciales y de drogas maravillosa, pero tengo que decir que tener tres DeLeos
de Weiland− para formar Talk Show junto al resto del en el escenario esa noche fue, sin duda, un punto culmi-
cuarteto, incluyendo en las voces a Dave Coutts. Un nante para mí. Tuvimos una noche realmente maravillosa.
único álbum, editado en 1997, fue el testimonio de este Y luego llevarlo a donde estoy haciendo este disco y
proyecto que no prosperó, pese a los buenos comenta- tenerlo tocando en tres canciones fue realmente... Ni
rios de la prensa. Años después llegó el turno de Army siquiera tengo palabras para expresarlo. Estoy muy orgu-
of Anyone, con su hermano Robert, el baterista Ray lloso de él. Cumplió 22 años hace poco, así que fue muy
Luzier (actual baterista de Korn) y Richard Patrick, el bonito tenerlo en el disco.Y mi hija también participó.
ideólogo de los industriales Filter. Juntos lanzaron un Había una sección de una canción llamada ‘Your call’ en
álbum en 2006. este disco, donde ella prestó su hermosa voz. Tengo a
June DeLeo, Rocco DeLeo, y luego a mí. Así que tene-
La permanente inquietud musical de DeLeo abrió mos tres DeLeos en el disco.
otro capítulo en 2021 con Trip the Witch junto a Tom
Bukovac, un personaje reconocido en el mundo de los Tienes un historial de varios proyectos. Talk
sesionistas, participando en trabajos de, entre otros, The Show, Army of Anyone, ahora mismo estás
Black Keys, Gwen Stefani, Carrie Underwood, Hermanos con One More Satellite. ¿Qué tan importante
Gutiérrez y Lionel Richie. En su obra debut tuvo la con- es para ti mantenerse ocupado y explorar
tribución vocal, en una de sus canciones, del célebre Jon constantemente esas posibilidades sin de-
Anderson, el histórico vocalista de Yes. El más reciente jar de lado lo que haces con Stone Temple
proyecto del estadounidense es One More Satellite, un Pilots?
grupo muy especial para él, cuyo nombre lo dio Ken Sólo diré esto sobre ellos. No doy por sentado todo
Andrew, líder de Failure y viejo amigo. lo que se nos ha dado en el mundo por Stone Temple
Pilots. Estoy muy, muy agradecido. Estoy inmerso en
¿De qué trata este proyecto, One More Sate- la gratitud de que seamos capaces de seguir haciendo
llite? lo que estamos haciendo.Y algunas cosas permanecen
Es un proyecto que amé con un querido amigo mío, Pete y otras no, lo que no quita a ninguno de nosotros el

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esfuerzo que ponemos en [Link] a Richard (Patrick) (‘No way out’ de “No. 4” es un ejemplo claro) y pasar a
a menudo, hablamos de vez en cuando, y más que nada, callejones pop (‘Pop’s love suicide’) o rincones acústicos
cuando te metes en una situación así, son las amistades (‘Wonderful’, ‘Sour girl’, ‘Atlanta’) es una marca registra-
que has forjado.Y es genial poder llamar a Rich o a Ray da en el cometido del guitarrista, cuya explicación es tan
(Luzier), o recibir una llamada y tener una conversación práctica como genial: «es solo una cosa de volumen».
agradable.Y eso significa todo. Estás compartiendo esta
intimidad, haciendo este disco y grabando esta música, y ¿Cuáles fueron tus influencias en los comien-
acabas de forjar esta amistad para toda la vida. zos? Cuando tomaste una guitarra por pri-
mera vez, ¿en quién pensabas?
El siempre inquieto Billy Corgan tiene un podcast Es curioso, porque la primera vez que cogí una guitarra
titulado The Magnificent Others, en que invita a un fue gracias a mi madre, Dios la bendiga. Cualquier cosa
estudio a diversas personalidades ligadas a la música que quisiera hacer, ella encontraba la manera de per-
y, especialmente al rock. Gene Simmons, Tom Morello, mitírmelo. No teníamos mucho dinero cuando éramos
Richie Sambora o Diane Warren han sido algunos de los pequeños, pero como he dicho, hiciera lo que quisiera,
participantes. Días atrás fueron invitados los hermanos ella encontraba la manera de permitírmelo. Así que me
DeLeo, donde conversaron con el líder de Smashing compré una guitarra acústica, y uno de los amigos de
Pumpkins sobre diversos temas, uno de ellos la marcada mi madre era una especie de cantante folk. Me estaba
identidad de Stone Temple Pilots, pese a tener distintos enseñando canciones folk y yo pensaba, «no quiero
cantantes en su historia. tocar esto».Y ahora, por supuesto, son algunas de las
mejores canciones jamás escritas. Me enseñaba ‘King
«Ellos terminaron adaptándose a la estética del grupo. of the road’ de Roger Miller, ‘Everybody’s talking at me’
Me sorprende, si escuchas a Jeff (Gutt) cantando, a Ches- de Harry Nilsson y canciones por el estilo.Y yo estaba
ter o Scott abordando una canción, de alguna manera como, «quiero tocar Foghat y Led Zeppelin». Así que sí,
todas siguen sonando a Stone Temple Pilots», comentó fue entonces cuando mi madre me compró una guitarra
Corgan. La respuesta de Dean y Robert fue que siem- eléctrica e intenté emular los discos que escuchaba en
pre componen pensando en la melodía. Parte de ese ese momento:Yes, Rolling Stones, Black Sabbath, Cat
elemento central en el grupo descansa en lo que hace el Stevens, Neil Young. Así que pude pasar de la acústica a
guitarrista, su versatilidad de transitar vías muy agresivas la eléctrica.

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 Oliver Arriola
Fotos: M100

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 El disco “La Nueva Canción Chilena” es una declaración de
principios. Un estandarte cuyo nombre nos rememora a un
movimiento cultural que irrumpió en la década de los sesenta
en nuestro país y que definió el sonido de instituciones
insignes de nuestra música popular como Quilapayún, Inti
Illimani, Víctor Jara o Isabel Parra, entre varios otros. Algo
más bien intocable y legendario que solo una banda con la
trayectoria y peso como Electrodomésticos pudo hacer propio
sin preguntarle a nadie. Editado originalmente en 2004, el
disco significó el regreso inesperado de una banda inquieta
que este año vuelve a las estanterías en formato vinilo luego
de estar completamente descatalogado.

S
i hay un calificativo que puede pezó a aparecer en las conversas como algo que había
definir a Carlos Cabezas, voz y quedado medio perdido ahí. Es un disco que fue muy
líder de Electrodomésticos, es el significativo en nuestro trabajo porque marcó la vuelta
de pionero. Con la capacidad de oficial de los Electrodomésticos. La época también es
ver y escuchar lo que otros no, ha importante, estábamos pasando de toda esta cultura
sabido inmiscuirse en la historia análoga a la cultura digital en todos los ámbitos. Enton-
de la música nacional como un ces, sentimos que era un trabajo importante que estaba
revolucionario del sonido. Hace 21 en un lugar medio invisible dentro de todo lo que había-
años lanzó junto a Electrodomésticos “La Nueva Can- mos hecho, y nos pareció que era buena idea sacar esta
ción Chilena”, un disco que marcó el regreso de la banda edición en vinilo, hubo un entusiasmo ahí. Para nosotros
luego de un receso de más de 15 largos y necesarios ha sido significativo, en el sentido que al recorrerlo de
años, que fueron los suficientes para elaborar una de las nuevo en los ensayos te trae esa memoria visceral de
obras que hoy es de las más apreciadas por sus fanáticos. las sensaciones de la época y de lo que significaron esos
temas.
Sobre este hito y la nueva edición en vinilo lanzada por
la discográfica Al Abordaje Muchachos, conversamos Volviendo atrás a esos más de 20 años,
con su líder y Edita Rojas, baterista histórica de la banda, ¿cómo fue el proceso de grabación del disco,
quienes desentraman la historia de este insigne álbum el cual también vino con una nueva forma-
que vuelve a agitar las huestes de la escena del rock ción, con ustedes más Silvio Paredes, Gabriel
alternativo chileno. Vigliensoni y Cuti Aste?
CC: Grabamos algunas cosas en Constantinopla si mal
¿Cómo se gestó la reedición de “La Nueva no recuerdo, algunas cosas en Ojo Parlante, que era el
Canción Chilena”? estudio del Chico López con Gabriel Viglienzoni. Me
Carlos Cabezas: Esta reedición tiene harto que ver acuerdo de que el Chico López lo mezcló y le puso
con el trabajo que hace la gente de Mojo. Hemos estado harto color ahí con las mezclas y todo. Fue un trabajo
publicando harto en vinilo y este disco de repente em- bien entretenido porque aparecieron Gabriel y Cuti, que

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les dieron onda a los teclados, le ampliaron la dimensión más en general, como todos los músicos que estábamos
al sonido. Gabriel le puso harto con los loops también. en esa época publicando discos, eso era canción chilena
Fue como un proceso creativo compartido con más también. Entonces era como una manera de buscar un
gente, que normalmente eso es más nutritivo, como que reconocimiento a lo que se hacía en nuestro país, y a lo
enriquece más el trabajo, le da una perspectiva, más allá que hacíamos los jóvenes en nuestro país.
de lo que pasa en la pura composición del tema. Fue un ER: Siempre asumí el nombre como un multisignificado,
trabajo muy motivante, muy estimulante. que tenía que ver con algo como «somos Electrodomés-
Edita Rojas: El proceso fue bien entretenido. Fue en ticos y somos chilenos y nuestra música es chilena». Un
una casa desocupada que nunca me enteré de quién era. poco haciendo alusión a esto de que la Nueva Canción
Y en el lugar en donde podría haber sido el living de Chilena era un concepto más propio del folclor, de la
esta casa antigua en Providencia, armamos la batería y música de resistencia política, entonces tenía algo de
ahí se armó un estudio provisorio específicamente para decir que nosotros también hacemos canciones, y estas
grabar la batería. Entonces eso fue bien entretenido. Por canciones son nuevas y son chilenas, y aquí estamos.
lo menos mi parte no fue metida en un estudio, que era
lo más tradicional en esa época y estuve un par de días Esta reedición entrega como bonus tracks
enteros grabando las canciones. ‘Maldita de noche’ y ‘Un pez’. ¿De qué van
estas dos incorporaciones?
Llama mucho la atención el nombre del dis- ER: Las gracias que vienen en este disco, aparte de lo
co, más que un nombre es una declaración. romántico que es tener un vinilo doble, con un arte ins-
¿Por qué lo llamaron “La Nueva Canción pirado en el cd original y la calidad en el sonido que es
Chilena”? espectacular, además, viene con estos bonus que son de
CC: Tenía algo ahí de reivindicación de lo que se entien- la época, ambas. Una es ‘Un pez’, en la versión que sale
de por música chilena en general. Hay toda una época en la película El Chacotero Sentimental y la otra es ‘Maldita
donde apareció este nombre ligada a cierta música de de noche’, que es una versión grabada por próceres de
raíz, pero nosotros sentíamos que la música chilena era la música chilena: en la batería está Álvaro Henríquez,
todo lo que se hacía y todo lo que hacíamos nosotros por ejemplo. Fue una versión que grabaron en el estudio

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 de Carlos de esa época donde estaban compartiendo Hace poco ofrecieron un show en Matucana
estos músicos amigos y como tenían las cosas ahí para 100 a propósito de esta reedición, en donde
grabar, se pusieron a tocar y grabaron esta versión que estuvo Cuti Aste. ¿Cómo estuvo ese con-
es muy buena, a mí me encanta. Es muy genuina, poco cierto y cómo sintieron el recibimiento del
pretenciosa y grabada tipo tres de la madrugada, entre público?
amigos, y es muy bonito que la gente tenga acceso a CC: Había unas 650 personas, cosa que nos sorprendió
escuchar eso. bastante porque es un disco que está ahí metido en el
CC: Son versiones distintas del mismo tema. ‘Un pez’ es tiempo y tú no te das cuenta. No tienes una conciencia
la versión que estaba en la película, y ‘Maldita de no- de lo que puede significar en la vida de las personas. Ha-
che’ es una versión trasnochada del tema, con algunos bía muchas personas para las cuales el disco había sido
músicos distintos. Es muy tardía, nocturna, y nada, ahí súper significativo, porque había estado en una etapa
apareció entremedio y quisimos ponerla como bonus cuando estaban entrando en la música y esto era bien
track. El disco no cabía en un solo vinilo, entonces se distinto a lo que estaba sonando en esos tiempos.
abrió la posibilidad de que fuera doble y eso despertó ER: Fue uno de los más importantes que hemos tenido.
este entusiasmo por meter cosas un poco más bizarras. Para empezar, que nos haya podido acompañar Cuti
Aste, quién grabó este disco y con quien lo tocamos
Una de esas cosas también es una entrevista muchas veces en esa época fue muy bonito, muy mágico.
tuya al final del lado D. A mí, su presencia, me ayudó a conectarme nuevamente
CC: Claro, son los chiquillos que se ponen creativos con el disco. Por otro lado, nosotros no solemos hacer
(ríe). Fucho (Cornejo) editorializando un poco el disco. shows con un clima distinto, porque fue en la explana-
Pensé que podía ser interesante agregar un comentario da de M100, con la gente de pie, y nos sorprendió que
más personal acerca del disco, así que ahí apareció la llegara tanta gente, nos dio mucho ánimo, nos conmovió.
entrevista. Y fue muy disfrutado por el público que fue clave en el
concierto. No sabíamos que el disco iba a tener ese nivel
Como una película con los comentarios del de reconocimiento lo cual es muy gratificante. También
director, ¿no? nos dimos cuenta de que se puede revisitar la historia
CC: Claro, una cosa así. sin prejuicios y reconocer el valor que tiene.

Del disco se desprende ‘Has sabido sufrir’, un El próximo 30 de agosto ofrecerán un show
clásico indiscutible de la banda. Cuéntenme en la icónica discoteque Blondie, en marco
un poco la historia de esta canción. de los 32 años de este espacio clave para la
CC: Esa canción se hizo inicialmente para la película El cultura underground santiaguina. ¿Qué sig-
Chactoreo Sentimental, en la que había una escena que ne- nifica ese lugar para la banda y qué podemos
cesitaba un bolero. Te pones nervioso cuando te hacen esperar de este show?
un encargo así porque no tienes una familiaridad con CC: La Blondie está en la historia de todos nosotros. Es
el bolero ni nada. Eventualmente te empiezas a sentir un lugar bien emblemático y las veces que nos hemos
cómodo y empiezas a disfrutar del proceso.Y uno piensa presentado ahí eso se siente al tiro. Entonces, creemos
que ese es el espacio natural creativo de uno. Pero con que va a ser una buena experiencia y vamos a trabajar
esa canción, cuando termina de aparecer, te cambia la en hacer una buena puesta en escena para disfrutar de
percepción de eso. Entonces empiezas a entender que ese reencuentro con la Blondie y con este disco.
todo lo que escuchaste en la vida es parte de tu identi- ER: A nosotros nos encanta tocar en la Blondie. No
dad musical. hemos tocado tantas veces, pero nos gusta mucho,
ER: A mí me encanta esa canción, y en esa época tam- porque también suele haber un recibimiento del
bién me gustaba mucho. Esa cosa como antónima con público súper bueno y potente. Además, la Blondie es
el resto del disco, más latina y popular que resulta, pero un lugar importantísimo en la escena under y LGBT
a medias, porque es muy “electrodoméstica”. La idea chilena. Es el albergue de la mayoría de las disidencias.
era hacer esta especie de bolero, pero terminó siendo Y vamos a brindar un show lo más entretenido posible
un bolero-cumbia y no sabía cómo enfrentarlo. Si de la tributando este disco, cosas nuevas también. Va a ser
manera purista o hacerla más a nuestro estilo. Fue bien un show bien Blondie para que la gente quede lista
divertido y quedó con una impronta latina y “electro”. para la fiesta.

20
 Matías Arteaga

24
 A sus más de 60 años, Andrew Ivan Bell no necesita
presentación. Como la inconfundible voz de Erasure, ha
sido parte fundamental del pop electrónico que marcó
generaciones. Pero más allá del dúo que conforma con Vince
Clarke, su carrera solista ha explorado territorios personales,
íntimos y creativamente audaces. Este 2025 celebra
cuatro décadas de trayectoria con “Ten Crowns”, un álbum
radiante que entrelaza espiritualidad, pasión, crítica social
y celebración, todo con su característica sensibilidad. «Sigo
cantando con esperanza, incluso cuando el mundo duele»,
confiesa en exclusiva con Rockaxis.

E
l nuevo trabajo de Andy Bell, “Ten su legado, sus influencias, su amor por la música y la
Crowns”, representa un hito en posibilidad concreta de volver a reencontrarse con sus
su carrera: su tercer disco como fans sudamericanos muy pronto.
solista, producido junto a Dave
Audé, con quien ya ha cosechado El título “Ten Crowns” está lleno de simbo-
éxitos previos en las listas de la lismo. ¿Qué representa esta “coronación” en
música dance. Gestado en Nas- esta etapa de tu vida? ¿Qué estás celebrando
hville, e impregnado de sonidos con este álbum?
gospel y energía emocional, el británico toma inspiración Es curioso, porque después de terminar el disco, me
tanto de la electrónica como de elementos espirituales, di cuenta que mi primer álbum solista (“Electric Blue”,
personales y sociales. En sus propias palabras, el álbum 2005) lo publiqué cuando tenía 40 años, y “Ten Crowns”
es una celebración del renacimiento, una afirmación de surgió justo al cumplir 60. Ahora estoy por cumplir 61,
vida y un homenaje a quienes lo han acompañado en su pero siento que hay algo cíclico en esto. Alguien me dijo
viaje. que estoy en mi “fase imperial”. Aunque no soy fan del
concepto del imperialismo, entiendo la idea: es una etapa
Esta nueva obra está compuesta por 10 canciones que donde uno se afirma, donde ya no está buscando apro-
recorren la euforia del amor, el dolor de la pérdida, la bación sino que se reconoce a sí mismo. En la música,
crítica al mundo moderno y la gratitud profunda. Cola- te ganas tu lugar con los años, con idas y venidas, y eso
boraciones como las de Debbie Harry en ‘Heart’s a liar’ es lo que estoy celebrando: la experiencia, el recorrido,
y de Sarah Potenza en ‘Lies So deep’ le dan al disco un el valor de seguir aquí, creando. También es una forma
carácter especial. Desde la apertura con ‘Breaking thru de cerrar un ciclo personal, y comenzar otro con más
the interstellar’ hasta el cierre emotivo con ‘Thank you’, libertad y gratitud.
este nuevo LP transita un camino que mezcla lo celestial
con lo cotidiano, lo festivo con lo introspectivo. El disco tiene una energía eufórica, pero
también carga sombras, luchas internas y
En medio de la promoción de este nuevo trabajo, que sociales. ¿Qué te lleva a mantener ese equili-
lo ha llevado a reconectar con sus raíces, su historia y brio entre celebración y reflexión en tu músi-
también con ese público fervoroso que lo sigue desde ca?
rincones tan lejanos como Chile, Bell reflexiona sobre Eso es parte de como soy. No me considero maníaco-

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 depresivo, pero definitivamente tengo una mente que disco fue una bendición. Hay una vibra muy auténtica
nunca para, quizás algo de TDAH. Mi cerebro está que solo lugares como Nashville te pueden dar.
siempre activo, saltando de una idea a otra, y escribir
canciones me ayuda a enfocarme. Es como tener un Hablemos de tu colaboración con Debbie
diablito en un hombro y un angelito en el otro, y ambos Harry en ‘Heart’s a liar’. ¿Cómo fue compar-
están dialogando en las canciones. Me gusta que la tir una canción tan emocional con alguien
música tenga una luz, que inspire, porque sé que la gente que has admirado por tanto tiempo?
trabaja mucho, que la vida no siempre es fácil. Si puedo Fue algo casi milagroso. Me enamoré de ella siendo ado-
hacer que alguien se sienta mejor, aunque sea por tres lescente. Recuerdo escuchar ‘Denis’ (“Plastic Letters”,
minutos, siento que estoy cumpliendo mi propósito. Esa 1978) mientras trabajaba con mi abuelo en su ruta de
mezcla entre lo alegre y lo profundo es lo que hace que limpieza de ventanas, y sentir mariposas en el estómago.
una canción resuene de verdad. Me volví fan de Blondie y quise saber todo sobre Debbie
Harry. Hemos coincidido algunas veces, y aunque no es
una mentora formal, para mí siempre ha sido una espe-
cie de guía. Tiene una forma muy honesta de estar en
la industria. Cuando me mandó su voz para la canción,
justo el Día del Orgullo LGBTI en Nueva York (28 de ju-
nio), sentí que todo tenía sentido. Fue como un regalo. A
veces la vida te da estos pequeños milagros que parecen
sacados de una película.

Canciones como ‘Put your empathy on ice’ o

‘Godspell’ tienen un trasfondo social fuer-
te. ¿Sientes una responsabilidad personal de
hablar a través de tu música?
Sí, pero con sutileza. Me gusta que las canciones parez-
can pop, pero que tengan una segunda lectura, como los
cuentos de hadas de los hermanos Grimm: entretenidos
por fuera, pero con lecciones escondidas. Cada oyente
interpreta distinto y eso es parte de la magia. Hay can-
ciones de Erasure donde aún hoy descubro nuevas capas
en los arreglos de Vince. La buena música siempre revela
algo nuevo. En tiempos tan polarizados como los actua-
les, una canción puede invitar a pensar sin necesidad de
El sonido del disco es alegre, pero profunda- gritar.Y eso es poderoso.
mente humano. ¿Cuánto influyó Nashville y
la estética gospel en tu forma de componer Estás celebrando 40 años en la música entre
para este álbum? Erasure y tu carrera solista. ¿Cuándo sentiste
Mucho. Dave Audé, mi colaborador, estaba muy cons- que encontraste tu voz como artista indivi-
ciente de eso. Para él, uno de sus discos favoritos es dual?
“Wild!” (1989) y quería recuperar algo de esa esencia No podría decir un momento exacto. Mucha gente pen-
espiritual que también estaba en “The Innocents” (1988). saba que éramos solo una banda de sencillos pop, pero
Y estar en Nashville, una ciudad tan impregnada de nuestros discos tienen canciones muy profundas, incluso
historia musical, inevitablemente te afecta. Allí está la los lados B. Tal vez con “Nightbird” (2005) empecé a
memoria de artistas como Elvis Presley, Buddy Holly, Jo- sentir que encontraba mi voz. Eso igual se nota en vivo,
hnny Cash... Fui a su museo y sentí una conexión directa cuando la gente ve que no somos solo un proyecto de
con la música que escuchaban mis padres. Hay algo muy estudio. Cantar en solitario también me ha permitido
poderoso en pararse en los mismos escenarios donde explorar nuevas formas de expresar, nuevas emociones,
estuvieron ellos. Además, tuvimos coristas que cantan sin filtros. Ese espacio más íntimo me ha hecho crecer
en iglesias cada semana. Que hayan cantado en nuestro mucho.

26
Hay una conexión emocional muy fuerte con solo falta confirmarlas. Espero que podamos concretarlo,
tu público en Latinoamérica, especialmente porque amo esa región y me encantaría volver a estar
en Chile. ¿Qué recuerdos tienes de tus visi- con ustedes. Me llena de ilusión pensar en cantar estas
tas? ¿Sientes ese cariño a la distancia? nuevas canciones con ese público tan cálido y apasiona-
Siempre lo he sentido. La pasión del público chileno y do.
latinoamericano es algo muy especial. Cuando canto, lo
hago desde el corazón. Siempre he dicho que tengo una ‘Thank you’ suena como una despedida lumi-
cabeza del norte, pero un corazón del sur. No necesito nosa, casi espiritual. ¿La escribiste como una
cantar en español para que la gente entienda lo que carta a tus seres queridos, al público o como
estoy transmitiendo. Estuve en Santiago, en Atacama... una reconciliación personal?
y la gente es maravillosa. Sé que no es fácil allá.Vengo Es un agradecimiento sincero. Es mi “momento diva”,
de una familia trabajadora y siento una responsabilidad saliendo al escenario con un solo foco y diciendo, «aquí
de devolver ese amor, de estar presente. Cada vez que estoy, muchas gracias, espero no morir mañana». Es
he estado en Chile he sentido algo único: una conexión teatral, pero honesto. Me gusta esa mezcla. También es
emocional que no se da en todos lados. Por eso tengo una forma de honrar a todos los que me han acompaña-
muchas ganas de volver. do: desde los fans hasta mi familia, pasando por quienes
me inspiraron en el camino. Es una canción que cierra el
¿Hay planes de traer “Ten Crowns” de gira a álbum con gratitud y amor.
esta parte del mundo? ¿Podemos soñar con
verte en vivo en Sudamérica? Si tuvieras que elegir una sola canción de
Sí, [Link] a hacer Reino Unido en mayo, este nuevo álbum que represente emocional-
Europa en agosto, y Norteamérica entre octubre y mente donde estás hoy, ¿cuál sería y por qué?
[Link] hay fechas tentativas para Sudamérica, Diría ‘Dawn of heaven’s gate’. Creo en los castillos de

27
 cristal, en que el cielo es un lugar que uno lleva dentro. ciona. Me inspira a seguir.
Si todos imagináramos ese cielo interior, seguramente
no dañaríamos a nadie. Esa idea de esperanza y trascen- ¿Qué te gustaría que la gente se lleve de
dencia es donde estoy ahora. Es una canción que habla “Ten Crowns” después de escucharlo?
de transformación, de la posibilidad de cambiar las cosas Que sintieran esperanza. Que entendieran que, incluso
si creemos en algo mejor.Y ese mensaje, para mí, es muy en los momentos más oscuros, hay una chispa de luz.
poderoso en este momento de mi vida. Que pueden bailar, llorar, reír o simplemente dejarse lle-
var. “Ten Crowns” no es solo mío, es también para quien
Después de tantos años sobre los escena- necesite sentirse acompañado, visto, amado.Y si logra
rios y con un nuevo álbum que mira hacia eso, entonces todo este viaje habrá valido la pena.
el futuro sin olvidar el pasado, ¿cómo ves tu
relación con la música hoy? Con “Ten Crowns”, Andy Bell no solo celebra un nuevo
La música sigue siendo mi manera de entender el mun- capítulo en su carrera: nos invita a todos a mirar hacia
do. Es mi espacio seguro, mi plataforma para soñar, para dentro, abrazar nuestras contradicciones y, sobre todo,
sanar, para compartir. He pasado por muchas etapas, seguir bailando, incluso cuando el mundo parezca un lu-
pero nunca he perdido el amor por la creación. Ahora gar incierto. En un momento donde la empatía escasea y
la disfruto desde un lugar distinto: con menos ansiedad, la velocidad del día a día consume, su música llega como
con más claridad y, sobre todo, con agradecimiento. un recordatorio luminoso de que la belleza aún puede
Cada canción, cada escenario, cada encuentro con el encontrarse en lo simple, en lo humano, y en lo profun-
público tiene un peso emocional mayor.Y eso me emo- damente verdadero.

28
30
Fernanda Hein
Fotos: Mikael Eriksson

31
 Ghost nunca fue una banda que se conformara con lo
conocido. Desde su aparición, la agrupación liderada por
Papa Emeritus (y su evolución hasta convertirse en Cardinal
Copia y otros personajes) ha sabido mezclar el horror, la
teatralidad y el rock en una receta única. En su camino, han
conquistado desde los escenarios más oscuros hasta los
grandes auditorios internacionales. Con el 2025 como un
año de grandes lanzamientos y una renovada presencia en
la escena, surge la duda si es este el momento de Ghost. Y la
respuesta es definitivamente sí.

E
n el corazón de la oscuridad tea- tener su propia montaña rusa autónoma que se supone
tral del rock moderno, una figura que se sienta agradable de principio a fin». Esa visión
enmascarada se alza como maes- integral es la que ha guiado a Ghost a través de su trans-
tro de ceremonias: Tobias Forge, formación: de proyecto clandestino a fenómeno global,
el cerebro detrás de Ghost, la sin perder el control del relato ni la elegancia barroca de
banda sueca que ha convertido el su propuesta.
satanismo pop en arte de estadios.

Reinvención
Como un ilusionista que revela
solo lo justo, Forge ha sabido manipular los códigos del

constante
espectáculo, del anonimato y del legado heavy metal
para construir algo que, más que una banda, parece una
secta con millones de fieles.
Si hay algo que distingue a Ghost es su capacidad para
Desde sus primeras apariciones en 2010, Ghost des- sorprender y evolucionar, sin perder su esencia. En to-
colocó a críticos y fans por igual. ¿Era una broma? ¿Un dos estos años de trayectoria, la banda ha jugado con la
tributo a Mercyful Fate disfrazado? ¿O el regreso del dualidad entre lo oscuro y lo accesible, entre la blasfemia
rock espectáculo en su forma más pura, envuelto en simbólica y el gancho melódico, creando un sonido que,
capas litúrgicas y riffs que coqueteaban tanto con Black aunque profundamente arraigado en el metal, ha logrado
Sabbath como con Abba? La respuesta terminó siendo trascender géneros, públicos y expectativas. En cada
“todo lo anterior”. Bajo el manto de Papa Emeritus −una disco, Tobias Forge ha empujado los límites de lo que
figura que ha mutado como un pontífice satánico a lo significa ser una banda de rock pesado en el siglo XXI.
largo de los años−, la banda sueca construyó un relato, Desde su irrupción con “Opus Eponymous” en 2010,
una mitología y un imperio musical que hoy llena arenas Ghost llamó la atención por su fusión de estética infer-
y está bajo la atención de todos. nal, melodías pop setenteras y riffs sabbathicos. Aquel
debut fue un fenómeno de culto inmediato: misterioso,
«Veo cada disco como una película −dijo Forge hace teatral y con un aire de rito prohibido. Con “Infestissu-
unos años atrás en entrevista en el Angeles’s Grammy mam” (2013), el proyecto amplió su espectro sonoro
Museum−. Cada uno tiene su propia dramaturgia, y debe hacia lo barroco y lo coral, abrazando una grandilo-

32
cuencia casi cinematográfica. “Meliora” (2015), en tanto, Ahora el horizonte se expande hacia el rock progresivo,
los catapultó a un nuevo nivel de relevancia gracias a el synthwave e incluso pasajes ambientales que recuer-
canciones como ‘Cirice’, que ganó el Grammy a Mejor dan al rock de los ochenta. Todo eso sin perder un ápice
Interpretación de Metal, y a una narrativa más ambiciosa, de teatralidad.
en la que el personaje de Papa Emeritus comenzaba a
tomar un rol central en el imaginario de la banda. El disco no solo arriesga: respira la madurez de un
proyecto que ya no necesita validación.Y esa madurez
La sátira al poder y la decadencia de las instituciones viene también del agotamiento. «Hubo momentos en
llegó a su punto más irónico con “Prequelle” (2018), un los que realmente me sentía quemado. Me preguntaba si
álbum que, musicalmente, era un collage de hard rock, tenía sentido continuar, si todavía tenía algo que decir»,
disco y música coral que abría la puerta a estadios más reconoció Forge en una entrevista reciente a Metal Ha-
grandes y públicos más diversos. Finalmente, “Impera” mmer. Lejos de detenerlo, esa sensación se convirtió en
(2022) consolidó esa transición: un trabajo que habla- combustible creativo. “Skeletá” es, en parte, una respues-
ba de imperios efímeros en clave de arena rock, con ta a esa duda.
producción pulida, coros contagiosos y una puesta en
escena que llevó a Ghost a encabezar festivales y agotar
entradas en sus giras mundiales. Habemus Papam
Por último, con “Skeletá”, su sexto álbum de estudio, La gira mundial Skeletour, que comenzó en abril de 2025,
Ghost da un nuevo salto en su constante reinvención. ha llevado el concepto de espectáculo a otro nivel. Los
Publicado el 25 de abril de 2025, el disco suena como el Nameless Ghouls que acompañan a Papa Emeritus ahora
resultado de una banda que ha decidido no mirar atrás. lucen trajes esqueléticos brillantes, mientras que el altar

33
 satánico ha experimentado un cambio de imagen, junto mutante y seductora.Y si el rock necesita salvadores −o
con otras sorpresas. Teniendo en cuenta la política de no incluso anticristos carismáticos−, pocos están tan prepa-
permitir celulares durante este tour, lo que prohíbe su rados para el papel como Tobias Forge.
registro, el público no solo asiste a un concierto: entra
a una misa distorsionada, donde todo está meticulosa-
mente coreografiado para provocar, emocionar y hacer
pensar.
¿El fin del clero?
Con Ghost enfrentando a su disco más introspectivo
Pero si “Skeletá” y su Skeletour representan la expansión hasta la fecha, ¿estamos preparados para conocer al
sonora y escénica de Ghost, Rite Here Rite Now es el verdadero Tobias Forge? Si algo ha quedado claro en la
punto de inflexión mitológico. Estrenada el 20 de junio última década, es que Ghost es una banda que no teme
de 2024, la película dirigida por Tobias Forge junto al al cambio. Desde “Opus Eponymous” (2010) hasta el
cineasta Alex Ross Perry (conocido por su trabajo en el aclamado “Impera” (2022), Tobias Forge −la mente de-
cine independiente estadounidense), combina material trás de la máscara− ha moldeado la identidad del grupo
de sus conciertos en el Kia Forum de Los Angeles con con la precisión de un director de cine y la sensibilidad
una narrativa ficcional que explora la inminente transi- de un compositor clásico atrapado en un cuerpo de
ción del personaje Papa Emeritus IV. La cinta, que mezcla rockero ochentero. Pero en “Skeletá”, el juego cambia: ya
momentos de comedia absurda, rituales simbólicos y una no se trata de ironía papal ni de sátiras contra el poder,
reflexión sobre el poder y el ego, termina con la intro- sino de un viaje hacia el centro mismo de sus propios
ducción de una nueva figura: Papa V Perpetua. miedos, agobios y vulnerabilidades. La incómoda cita con
los demonios internos.
La llegada de este oscuro Sumo Pontífice no es solo un
cambio de vestuario o maquillaje. Es una declaración de
Y un detalle no menor que refleja esta situación es que
principios. Si los anteriores Papas eran más caricatures-
Forge ha estado dejando la máscara de lado cuidadosa
cos −el primero sin hablar, el segundo más arrogante, el
y lentamente. Ese gesto −el de bajarse parcialmente la
tercero excesivo, el cuarto vulnerable−, Perpetua encar-
máscara− es quizás el acto más subversivo en una banda
na un liderazgo más distanciado, casi posthumano.
cuyo arte siempre ha girado en torno al ocultamiento, al
performance y al personaje. Papa Nihil, Papa Emeritus I,
Esa idea de transformación constante es también el eje
II, III y IV, Cardinal Copia, Papa V: cada uno fue una capa
de “Skeletá”. Musicalmente, el álbum es ambicioso, pero
de ficción, un guiño escénico y una excusa narrativa para
es en sus letras donde Tobias Forge se permite una
seguir avanzando. Pero ahora, como ya había insinuado
introspección poco [Link] no hay tanto guiño a las
Forge en sus más recientes entrevistas, quizás estamos
religiones organizadas como sátira: ahora hay pregun-
ante el ocaso de esa estrategia.
tas más personales, más existenciales. El infierno no es
un lugar lleno de llamas, sino la mente de uno mismo.
El bien y el mal dejan de ser dicotomías externas para En relación a esto, se ha especulado que el título mismo
convertirse en batallas internas. «Sentí que quería que alude tanto a la figura del esqueleto como símbolo de
este nuevo disco fuera sobre el ser humano. Sobre estar la verdad desnuda, como a la palabra sueca “skalet”,
vivo», explicó Forge a Metal Hammer al referirse a su que significa “cáscara” o “capa externa”, sugiriendo una
proceso compositivo. metáfora sobre la capa superficial que se remueve o se
explora de manera más profunda. Esto podría alinearse
En este sentido, “Skeletá” es el disco más confesional de con el enfoque introspectivo que Tobias Forge mencionó
Ghost hasta la fecha, aunque sin renunciar a sus símbo- en relación con el disco.
los, sus capas de misterio y su ironía perversa. Con este
nuevo capítulo, no solo confirman su lugar como una de Y ahora con el disco analizado, el tono confesional que
las propuestas más singulares del rock contemporáneo: atraviesa las nuevas canciones también ha encendido una
también se convierte en una metáfora viva de su tiempo. pregunta crucial entre fans y críticos: ¿es este el princi-
Una banda que entiende que, en un mundo saturado de pio del fin de Ghost como lo conocemos? ¿Será “Ske-
estímulos, lo verdaderamente transgresor no es gritar letá” el último capítulo de la saga papal o simplemente
más fuerte, sino construir una narrativa coherente, el inicio de una nueva etapa más humana, menos teatral,

34
35
 pero igual de poderosa? sin embargo, marca un nuevo tipo de quiebre: menos
visual, más emocional. Una apuesta por el contenido, más
«Podría llegar el fin de la narrativa, porque no es pro- que por el disfraz.
ductivo tener esta telenovela interminable», dijo sobre
esto Tobias en una entrevista reciente a NME. «Si los El futuro cercano de los suecos parece ser prometedor,
fans necesitan la historia para que les guste la banda, con planes de continuar su gira mundial, y con rumores
entonces ese elemento probablemente se acabe pron- sobre nuevos proyectos que podrían llevarlos a terrenos
to. Si hay una manera de que la música sea suficiente y aún más innovadores. Si bien el metal y el rock siempre
siga siendo disfrutable, sin embargo, soy tan exigente han sido géneros propensos a la reinvención, Ghost
como cualquier otro artista en cuanto a los hitos que ha demostrado ser uno de los actos más audaces y
quiero alcanzar. Todavía hay lugares donde quiero tocar pensantes en cuanto a evolución musical y visual. Cada
y cosas que quiero hacer que serán un logro más para paso que dan parece diseñado no solo para conquistar
mí. Tengo mucha suerte de haber logrado muchas de audiencias, sino para desafiar lo que el público espera de
esas cosas, pero aún hay niveles de éxito que quiero una banda de rock en el siglo XXI.
alcanzar».
Por eso es que Ghost no es solo una banda de metal; es

Más allá del

una institución que ha logrado mantener su influencia
sin dejar de sorprender a propios y extraños. Son la

disfraz
mezcla perfecta de lo tradicional y lo experimental, el
crisol entre el pasado oscuro y el futuro brillante del
rock contemporáneo. Por ahora, todo parece indicar
En poco más de una década, Ghost pasó de ser una que Forge no está listo para dar una respuesta definitiva
rareza underground a convertirse en una de las bandas sobre el próximo capítulo de la banda, pero si algo ha
más grandes del rock contemporáneo, sin perder del demostrado en estos años, es que sabe cómo mantener-
todo el misterio ni la capacidad de reinvención. “Skeletá”, nos atentos.

36
 Pablo Cerda
Colaboración: Kathia Méndez
Fotos: Pablo Montt

40
 Hay discos que son verdaderos testamentos de su
época, y ciertamente el debut de Aguaturbia es uno de
ellos. Indómito, transgresor y revolucionario, el álbum
homónimo de los nacionales vuelve a las estanterías
celebrando 55 años, en una edición en vinilo para el
alcance de todos los que quieran disfrutar de la hechizante
sicodelia que brota a raudales desde sus surcos para
atravesar las fronteras del tiempo.

C
uando hablamos de los precur- gráfica Al Abordaje Muchachos. Producido en la época
sores del rock chileno, Agua- por Camilo Fernández y lanzado por el sello Arena Pro-
turbia merece un lugar estelar. ducciones, la intención es darle una tercera vida a esta
Tomar la bandera de la música piedra angular del rock chileno, después de las reencar-
de guitarras en el Chile de naciones estadounidenses e inglesas, preservando lo más
finales de los sesenta y principios posible el espíritu del original.
de los setenta no era una tarea
fácil, y los liderados por Denise Denise y Carlos tienen historias para repartir a destajo,
y Carlos Corales no solo lo hicieron con una imagine- como la vez que los periodistas que cubrían Viña en
ría transgresora desde sus portadas, sino que desde un 2006 los llamaron en la madrugada porque los chicos
sonido crudo que resuena hasta el día de hoy. de Franz Ferdinand querían conocerlos, ya que eran
fanáticos del disco y les encantaba la forma de tocar de
Flanqueados por Ricardo Briones en bajo y Willy Cavada Willy Cavada, o cuando dejaron pasar la oportunidad de
en batería, Carlos y Denise se inscribieron con letras tocar ‘Heartbreaker’ con Mark Farner en 2024, porque
de oro en los almanaques de nuestra música popular venía con fiebre desde Brasil y no quisieron molestarlo.
con su debut “Aguaturbia” en 1970, un mazazo de rock Pero cuando hablan de su propia obra, lo hacen desde
psicodélico tan sólido como cualquiera de sus contem- un cariño genuino, que es recíproco entre ellos y su
poráneos en el mundo. Su desnudez no solo tiene una público. Desde su casa en La Reina, las leyendas del rock
vertiente estética, sino que también auditiva. Desde la chileno nos reciben de manera virtual en una conversa-
acuosa ‘Baby’ hasta la ácida ‘Baby it’s you’, este registro ción relajada y amena, que profundiza en la reedición y,
es un viaje hacia una psicodelia de recursos temerarios, también, en el legado de esos surcos tan trascendentales
que encuentra sus momentos más duros en los solos que siguen haciendo magia psicodélica a más de cinco
punzantes de Corales, la sensualidad a flor de piel de décadas de su gestación.
Denise, el bajo crujiente de Briones y la batería espesa
de Cavada. Traten de encontrar una banda que suene Lo mejor: Carlos y Denise no se quedan en el pasado,
como ellos en ese período. No la van a encontrar. están totalmente vigentes preparando material y atentos
a lo que pasa a su alrededor, sorprendidos por cómo
Es por eso que, a 55 años de su lanzamiento, este disco el k-pop se ha tomado los escenarios, pero al mismo
es tan importante y querido. Las copias originales del tiempo contentos de que el rock y el blues tengan su
vinilo ostentan precios estratosféricos, y es por eso que espacio.
las cofradías de coleccionistas han encontrado refugio
en reediciones internacionales que tratan de preservar Han pasado 55 años desde el lanzamiento
esta obra hija de su tiempo. Sabiendo lo que generan, del álbum debut de Aguaturbia, una obra
Denise y Carlos decidieron editarla por última vez, pero fundamental para la música chilena y fuente
ahora desde su patria, gracias a las gestiones de la disco- de inspiración para muchas bandas que hoy

41
 exploran el sonido vintage. ¿Qué ha significa- mundo. ¿Qué piensan al respecto?
do reeditar este disco en el contexto chileno D: Un día llegaron unos ingleses a mi casa y nos dijeron
actual? cosas muy lindas. Habían escogido el disco para reedi-
Denise: En los setenta, un animador muy reputado nos tarlo, lo escogieron como el mejor disco de psicode-
preguntó si nos veíamos haciendo esto dentro de 50 lia latinoamericana, ellos tienen la biblia de la música
años. ¡Yo le dije que sí, con toda la actitud del mundo! popular. Incluso, no les quise regalar una foto (ríe). ¡Me la
La edad te permite decir tantas leseras (ríe). Estuvimos compraron! Me dijeron que me la devolvían en 10 días
en Estados Unidos el año pasado y la banda se conoce y al noveno me llegó. Después de eso, junto a Camilo
bastante. La idea surgió porque en varios países, como Fernández, nos dedicamos a rescatar lo mejor posible
Inglaterra, Suecia, Turquía y Estados Unidos, querían del disco original para hacer la reedición. Hace poco,
tener copias de nuestros LPs. Le dije a Carlos que tocamos los tres discos enteros en un setlist de 26 can-
quería reeditarlo acá en Chile y revisar la masterización. ciones, y nos dimos cuenta de que tenemos un público
Como cada país conoce a su público, se van poniendo renovado, desde gente de 30 años hacia arriba. Nuestro
los énfasis en distintas cosas. Hubo sellos más pequeños público de los setenta a veces asiste con muchas difi-
interesados en hacerlo en Chile y me dio gusto que sea cultades. Hemos tocado en todos lados, desde el REC y
para nuestro público y que no paguen esos precios tan Lollapalooza, hasta Rockódromo, Woodstaco y el Bar de
altos que cuestan las ediciones de afuera. No sé si lo van René. Estamos muy contentos con lo que está ocurrien-
a sentir así, pero es una cuestión de amor. Queremos do, porque sentimos que nuestro trabajo sigue desper-
que todos puedan tener el disco. No estamos interesa- tando interés, incluso fuera de Chile, supimos que salió
dos en generar un revival, esto es puramente orgánico. en España y Francia. M&E Discos se preocupa mucho y
Carlos: Dijimos que, si el disco se iba a reeditar, debía la distribución ha sido espléndida.
ser lo más fiel posible al original. La única diferencia es
que, en esa época, no se podían revisar los vinilos antes Carlos, una de las cosas que más ha maravi-
de su lanzamiento. En ese entonces se anotaron mal los llado a la gente, y que mantiene el interés en
nombres de algunos autores de las canciones que tocá- sus discos, es el sonido. Hay bandas europeas
bamos, ¡en ese tiempo no podías revisar esos detalles! que, incluso después de tantos años, lo llevan
Eso lo corregimos en la nueva edición. al contexto actual. ¿Cómo lo ves con la dis-
D: ¡Además, el solo de Willy Cavada está completo! tancia de los años?
C: El sonido del pasado no se puede igualar, pero sí se
puede mejorar. En ese tiempo, nuestro proceso de gra-
bación consistía en registrar los instrumentos en apenas
ocho pistas, y dos de ellas se usaban para la mezcla, que
se hacía en el mismo momento. Los técnicos de esa épo-
ca eran verdaderos profesionales; se notaba que habían
estudiado para dedicarse a esto. Eran técnicos de verdad,
no es que ahora no lo sean, pero tenían una forma muy
distinta de trabajar. Ellos podían grabar desde bandas de
rock hasta sinfónicas. El músico no se involucraba, no iba
a moverle las perillas al técnico. No había afinadores, te-
nías que hacerlo todo con tu oído. Era otra época, había
otra manera de comunicarse.

Además de la reedición de “Aguaturbia”

(1970), ¿en qué más están?
D: Hace poco fuimos a Estados Unidos, como te conta-
ba. Nos sorprendió lo que está sucediendo con la mú-
sica en el primer mundo. En un estadio estaba Pink, en
otro Usher y en otro Nicki Minaj, todo lleno. Estuvimos
De hecho, ya que lo comentan, el disco es en Nueva York, que es mi cuna, en donde me cantaron
muy cotizado por coleccionistas de todo el las cosas bien claras en los inicios de mi carrera, me

42
dijeron todo lo que tenía que saber de este [Link] años de la banda, y ojalá contar con muchos músicos
que el rock sigue teniendo su lugar, en sus niveles. Hay invitados. Es un teatro especial, porque antiguamente
sonidos nuevos, pero conserva su pureza y es respe- era el Teatro Marconi, ahí se hacían los festivales de
tado. Nos sorprendió el fenómeno del pop coreano, vanguardia que organizaba Alfredo Saint-Jean. Imagínate
¡paseamos un domingo por espacios dedicados al arte y a un joven que arrienda un teatro que está medio a mal
muchos jóvenes están en esa onda! Todo es muy visual. traer, lo acomoda y gestiona conciertos los domingos
C: Y lo hacen perfecto, eso es disciplina. Un músico desde el mediodía. Celebramos nuestros aniversarios
debe tener disciplina. 40 y 50 ahí y queremos repetirlo. También estamos
D: Me gusta también lo que pasa en Chile, especialmen- trabajando en el sucesor de “Fe, Amor y Libertad”, que
te con el blues criollo y cómo han adaptado sus formas tiene de todo, desde blues hasta country, y también
al español, que es muy difícil, a mí me costó en el “Fe, tocamos con el músico Cristian Gálvez, la carta del
Amor y Libertad” (2017). jazz latino en el extranjero. A él se le ocurrió llevar la
música de Aguaturbia al jazz, es un proyecto interesan-
¿Tienen pensado realizar algún concierto es- te. También estamos tocando en cosas más pequeñas.
pecial con motivo de este lanzamiento? ¡La gente quiere algo que la mueva y ver a alguien en
D: Nos encantaría hacer un concierto especial en el escenario que se mueve con la misma energía y que
el Teatro Nescafé de las Artes para celebrar los 55 hace lo que quiere! (ríe).

43
 Karin Ramírez y Bastián Fernández
Foto: Daniel Topete

48
 Como si se tratara de una cámara análoga, cada canción de
Blondshell se revela con lentitud la luz de lo vivido. Sobre
esa oscuridad que precede a la revelación, conversamos
con Sabrina Teitelbaum, quien transforma tiempos fugaces
en canciones que, como fotografías, capturan fragmentos
de existencia.

L
a fotografía es la huella de una luz ligado a su pasado. ‘Veronica Mars’, aquel track inaugural
que ya no existe. Una forma de de su disco debut, también le da forma a este nuevo
atrapar lo efímero, de contener, en disco, casi como si de un orden temporal se tratase, uno
un solo disparo, una emoción, una que respeta el tiempo de las emociones, no el de las dis-
historia, una piel que alguna vez cografías, en palabras de la artista: «’Veronica Mars’ fue la
sintió algo y ahora solo vive como primera canción que compuse para ese álbum (2023), así
reflejo. Para muchas personas, una que me pareció bien seguir esa línea temporal». Esa cro-
imagen es solo un registro. Pero nología emocional continúa este 2025 en ‘Thumbtack’, la
para Sabrina Teitelbaum, la artista detrás de Blondshell, canción que abre “If You Asked for a Picture”, porque su
la fotografía es lenguaje, es síntesis emocional.Y en “If autora quiso que el álbum se reanudara donde dejó el
You Asked for a Picture” (2025), su segundo álbum, cada anterior: «quería que la canción tratara sobre más temas
canción es exactamente eso, una instantánea. No del que el álbum anterior. Quería que pareciera que retoma-
todo nítida, no completamente cerrada ni ruidosa, pero ba la canción donde la dejamos. Ahí hay mucho más».
honesta, íntima y lo suficientemente cargada como para La partitura que da sentido a este nuevo álbum, ahora
abrir una grieta en quien la escucha. abre un espectro más amplio, uno tan íntimo que con-
vive con lo expansivo, lo confesional con lo lúdico. «Hay
«Me gusta la idea de capturar una pequeña instantánea muchos tipos de canciones diferentes en este álbum.
de una persona. No necesitas tenerlo todo para enten- Quería mostrar desde el principio que el álbum tendría
derla ni escuchar cada pequeño fragmento de la historia más alcance, que sería más expansivo y con un toque
de alguien para entenderlo o conectar con él. Me gusta más íntimo». En ese sentido, el disco no solo captura,
la idea de compartir una pequeña fotografía, y eso es lo también revela.
que son las canciones. Las canciones duran solo tres o
cuatro minutos. Es solo un fragmento, pero incluso con El método compositivo de Sabrina sigue anclado en lo
un fragmento pequeño puedes entender a la otra perso- doméstico, en ese espacio de seguridad que ofrece su
na.Y eso es genial», nos cuenta la artista californiana. guitarra, su casa, su voz. Pero no por ello pierde com-
plejidad ni potencia. «Compongo solo en casa con mi
Desde esa lógica, el disco se construye como un carrete guitarra y luego se la llevó al productor y le añadimos
de imágenes emocionales. Cada pista es una exposición cosas. Creo que fue bueno tener un par de canciones en
breve, pero precisa, como si Sabrina en lugar de cantar, este álbum que terminaron siendo muy similares a cómo
revelara negativos de soledades compartidas, de intimi- las escribí, como ‘Thumbtack’, que suena como si la hu-
dades interrumpidas, de vínculos que se escapan entre biera escrito yo, y así es como se pretendía que fuera»,
los dedos. El proceso compositivo de Blondshell tiene se sincera. Así como una fotografía no necesita retoques
la misma honestidad de quien dispara con la cámara sin ni filtros para conmover, estas canciones no requieren
filtros, con intuición, vulnerabilidad y deseo que lo real grandes artificios para ser veraces.
hable por sí mismo.
La propuesta audiovisual que acompaña a este álbum
El primer disparo de esta nueva etapa está íntimamente también prolonga el juego de metáforas. En ‘T&A’, el

49
 primer videoclip, los símbolos se entrelazan con el algún tipo de final falso, si eso tiene sentido», confiesa.
humor y la ironía. Un perro acompaña a la artista en una

Creciendo en el
escena surreal que subvierte, con inteligencia, códigos
de género. «El video musical fue muy divertido porque

camino: Lo esencial
me encantan los perros, y fue como un gran día con
un montón de perros en el set. Entonces, es como la

según Blondshell
metáfora de que los hombres son perros, y esa es la
idea del video», cuenta. Lo que podría parecer liviano,
se transforma en una escena crítica envuelta en humor,
una forma astuta de introducir el feminismo no desde la Aprender a priorizar, en ocasiones, no es un acto
denuncia literal, sino desde la sátira visual. consciente, sino una necesidad dictada por el ritmo del
mundo. Como si el tiempo, al hacerse itinerante, forzara
En un panorama musical saturado de narrativas perfec- también a que las emociones se vuelvan selectivas, más
tas y desenlaces cerrados, Sabrina se niega a embellecer intensas, más escasas. La vida de Sabrina Teitelbaum ha
el dolor o maquillar los finales: «para mí, era importante cambiado desde la última vez que conversamos con ella
no intentar tener un final feliz o triste, solo dejo que (en mayo de 2023), y con ello, cambió también la forma
la canción siga su camino. Forzar un final narrativo es de habitar sus vínculos, sus recuerdos y su música.
crear un momento que para la historia no sería since-
ro, porque el álbum trata sobre vivir la vida y las cosas «He tocado en muchos shows y eso cambia tus relacio-
cotidianas». En esa lógica se inscribe también el último nes, porque estás fuera la mayor parte del tiempo, lo que
track del disco, ‘Model rockets’, una canción sin reso- te da una perspectiva diferente de todo. Solo hablas con
lución, pero con intensidad épica. «Se siente como una la gente que realmente te importa porque no estás en
gran producción épica, como una producción del tipo casa tan seguido. Entonces, cuando algo es difícil o me
‘Life on Mars?’. Así que sí, pensé que sonaba bien, como vuelvo nostálgica, recurro a la música. Así que, si estoy
cuando lo hicimos en el estudio y pensamos, “oh, esta es de gira y extraño a alguien, me concentro en la música, y
obviamente la última canción del álbum”, pero no tiene por eso significa más para mí».

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 Ese “concentrarse en la música” no es evasión, es re- negro, porque todas las canciones eran muy en blanco
velación. Como una cámara que enfoca solo lo esencial y negro, como si todo sonara a esto o a aquello. En
en medio del caos, Sabrina ha aprendido a capturar el este álbum hay mucho más, es mucho más expansivo y
instante emocional como si fuera un disparo certero, hay más matices, por eso quería que la portada fuera
breve, crudo, sincero. Las giras no solo la transforman a color. Y me gusta esa foto mía, porque a veces ves
en intérprete nómada, sino también en cronista de su fotos tuyas y piensas “oh, esa no me parece, pero me
propio recorrido afectivo. siento muy yo, muy auténtica”. Por eso me gusta esa
foto», confiesa.
Con esa misma lógica íntima, el arte visual del álbum
se vuelve tan relevante como su contenido sonoro. El Esa autenticidad no se trata de perfección, sino de
artwork no es solo portada; es declaración de princi- verdad. En tiempos donde la imagen suele estar al
pios. Si en su primer disco el blanco y negro marcaba servicio del artificio, de cánones de belleza difíciles de
el tono de una emocionalidad binaria, la certeza del alcanzar, Blondshell elige una estética que acompaña, que
dolor, la nitidez de lo perdido, en “If You Asked for a no encubre ni adorna. La fotografía, como la música, se
Picture” los colores anuncian la entrada a una narra- convierte en una forma de autorrepresentación, no para
tiva más matizada, más viva, más contradictoria. «Me verse bien, sino para verse de verdad, desde la imperfec-
parece genial que el primer álbum sea en blanco y ción del ser humano y la complejidad de la emoción.

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 Jean Parraguez

En la antesala del show que Wilco dará en Santiago el próximo 2 de

junio en el Teatro La Cúpula, conversamos en exclusiva con Glenn
Kotche, quien ya asegura que será un show completamente distinto
a lo que fue debut en nuestro país hace ya casi una década. «Creo
que tocaremos canciones de casi todos los discos», adelanta el
destacado baterista.
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2 de octubre de 2016. En un te desafío, evadiendo el encasillamiento por todos los
año particularmente duro para medios. Ahí está la magia del grupo: no vas a encontrar
la música −con muertes tan el hit generacional, pero sí todo un mundo en que todas
significativas para la cultura las posibilidades de expresión sonora tienen cabida.
pop como las de David Bowie,
Prince o Leonard Cohen−, “A Ghost is Born” tuvo una reedición reciente, en
Wilco se presenta por pri- febrero de este año, con un contenido que probable-
mera vez en Chile, en uno mente dejó a los fans satisfechos. Una versión expandida
de los shows que contribuyó a calmar el espíritu ante con tomas alternativas y joyas varias, lo mismo que “The
tanta pérdida. Ante un Teatro Caupolicán a medio llenar, Whole Love”, que desde este mes cuenta también con
los estadounidenses regalaron un cálido espectáculo, su edición expandida.
confortando corazones con una calidad incuestionable
y una actitud sobre el escenario que le valió ser uno de «Creo que tocaremos canciones de casi todos los dis-
los mejores conciertos de dicha temporada. cos, porque hemos ido tan pocas veces (a Sudamérica)
que queremos tocar canciones de diferentes discos que
Al teléfono, Glenn Kotche recuerda con sorprendente la gente pueda conocer», formula el músico sobre la
precisión lo ocurrido en el viaje de la banda al país, cerca libertad de armar un setlist.
de nueve años atrás. Confiesa haberse sentido «muy
emocionado de finalmente llegar a Chile». En esa oca- ¿Cómo fue la preparación a esta nueva gira?
sión, aprovechó de visitar La Chascona, la célebre casa No daban un recital desde el año pasado.
santiaguina del poeta Pablo Neruda, hoy devenida en Toqué algunos shows en dúo con Nels (Cline) el otoño
museo. «Simplemente me encantó. Deseaba tener más pasado y fueron geniales.Y Wilco en diciembre tocó
tiempo para recorrer más. Recuerdo mucho su buena ocho conciertos. Tocábamos tres noches en una misma
comida y bebidas», acota. ciudad sin repetir canciones, así que llegamos a tocar
hasta 90 canciones diferentes en esas tres noches. Fue
De manera inesperada, en febrero se anunció el regreso muy divertido reinventar algunas, tocarlas con diferentes
a Latinoamérica, una gira que comenzará el 25 de mayo formas y estilos. Musicalmente fuimos a lugares donde
en Brasil, pasando luego a su primera vez en Uruguay nunca habíamos estado como banda.
para después llegar a Argentina. El fin de esta serie de
conciertos será Santiago de Chile, donde los de Chicago En canciones como ‘Via Chicago’ o ‘The art
actuarán en el Teatro La Cúpula. La expectativa entre sus of almost’ se demuestra de forma muy mar-
seguidores seguro es considerable, sobre todo pensando cada tu versatilidad interpretativa. En tus
que ver a Wilco en vivo es toda una experiencia: el set inicios, ¿cuáles fueron tus influencias?
es muy distinto al del concierto anterior y al del siguien- Mis primeras influencias fueron Gene Krupa, escucha-
te. En ese sentido, figuran en la misma división que Pearl ba sus cintas cuando era muy joven antes de conocer
Jam, Bruce Springsteen, entre otros nombres que varían a otros bateristas. Fue mi primer gran referente, otro
cada noche su sesión. baterista de Chicago. Luego entré al rock, soy producto
de los años setenta y ochenta: Stewart Copeland, Neil
«Como rara vez vamos a Santiago, probablemente Peart, Levon Helm, Ringo. Después me metí más en el
toquemos muchas canciones de varios discos. Quizás jazz: Tony Williams, Jack DeJohnette, Jon Christensen.
un poco más de esos dos álbumes que lo normal», También bateristas clásicos.Y todavía me dejo influen-
afirma Kotche, refiriéndose a “A Ghost is Born” (2004) ciar constantemente, pero esos fueron mis principales
y “The Whole Love” (2011), discos representativos de referentes.
dos períodos muy distintos de su historia; el primero,la
renovación tras el éxito del excelente renacimiento re- ¿Cómo están las cosas en Estados Unidos con
presentado por “Yankee Hotel Foxtrot” (nada mal, ganó la administración Trump? El grupo jamás ha
un Grammy), su obra previa. Por otro lado, el segundo ocultado sus opiniones en torno a la política.
es la consolidación de un nombre que ya se escribe con Veo la situación muy volátil y caótica. Estamos muy
gran tipografía en el rock estadounidense. ¿Cómo se preocupados. Todos los que conozco están preocupados
logró aquello? Abrazando la no repetición, en permanen- también, es una época aterradora.

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 Wilco no es mi de los más cercanos socios creativos de Jim O’Rourke,
además está cerca del mundo Radiohead, en las obras

único amor solistas de Philip Selway y Ed O’Brien. El mainstream

tampoco está fuera de su radar, pues nada menos que
Taylor Swift solicitó sus servicios en su más reciente
En el ejército sonoro que es Wilco hoy en día, varios álbum, “The Tortured Poets Department”.
cuentan con experiencias previas y actuales en otras
esquinas musicales. Jeff Tweedy ha editado varios tra- ¿Te mantiene ocupado el participar en tantos
bajos en solitario, participado en grabaciones de Mavis proyectos distintos?
Staples o Parquet Courts, incluso levantando el proyecto Tengo un título en percusión clásica. Me gusta explorar
Tweedy con su hijo Spencer; el inmenso Nels Cline eso también, componer para diferentes grupos y colabo-
cuenta con una carrera iniciada en los ochenta, traba- rar con distintos tipos de personas porque me parece
jando con íconos de la vanguardia del calibre de Lydia interesante.
Lunch o Lee Ranaldo, prestando su destreza en las seis Amo tocar en una banda de rock, amo tocar con Wilco,
cuerdas a Cibo Matto o a un experimentado de la ame- por eso lo he hecho por 25 años. No tengo planes de
ricana de este siglo como M. Ward. El caso de Kotche no dejarlo, pero es divertido probar diferentes habilidades.
es distinto. Toco solo a veces, este año haré algunos shows en soli-
tario y colaboraciones con un escritor.
Incluido en varios rankings o recuentos de los mejores
bateristas, es dueño de una carrera en solitario en que También publicas periódicamente cosas en
profundiza su dominio de la percusión, pero también ha Instagram relacionadas con la percusión…
brillado para otros artistas. Desde Kronos Quartet a So Hago un beat cada semana en Instagram, estructura-
Percussion y Stereolab, pasando por el multiinstrumen- do compositivamente. Llevo 277 semanas seguidas
tista Andrew Bird o Neil Finn, a quien ha acompañado haciéndolo.A veces me llaman para grabar con otros. Es-
en su proyecto 7 Worlds Collide. Fuera de Wilco, es uno toy en el nuevo disco del hijo de Terry Reilly. Toqué en el

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último disco de Taylor Swift, también en el de Ed Sheeran. No sé por qué, pero nuestra música conecta allá. El
Para mí es divertido ir de la música pop a la clásica. público es muy receptivo y entusiasta.
Por eso hemos tocado más ahí en los últimos 10 años.
El año pasado participaste en un disco de una Nos encanta España, hay entusiasmo de ambos lados.
artista española, Elena Setién. Cuéntame de
aquella colaboración. Es bien llamativo el hecho de que Wilco no
Con Elena nos reunimos y escuché su música. Algunos es el único vehículo de expresión que tienen
de sus demos usaban beats míos que subí a Instagram. sus miembros.
Me encantó su voz, su música, sus letras, quise ser Todo eso me permite crecer como músico y aportar
parte de ello. Lo mismo con lo más pop: sabía que sería cosas nuevas a Wilco. Todos en la banda hacemos eso.
interesante y me haría desarrollar habilidades nuevas. Nels acaba de sacar un disco nuevo, Jeff terminó uno
¿Me gusta? Sí. ¿Son buenas personas para trabajar? Sí. ¿Es en solitario, Pat Sansone también. Esas experiencias nos
interesante o puedo aprender algo? Entonces sí. hacen crecer individualmente y, al regresar a la banda,
somos mejores, lo que nos permite seguir evolucionan-
Hablando de España, ustedes son muy popu- do, incluso después de más de 20 años con la misma
lares allá… alineación.

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 Karin Ramírez

Con “Rota”, su más reciente disco, la banda quilpueína Aurora

Voraz transforma el dolor en arte y el rock en un acto político. Entre
distorsiones, maternidades y denuncias, tres mujeres componen
una obra visceral que interpela al patriarcado desde lo íntimo, lo
sonoro y lo poético.

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«
Desperté esta mañana, enfrenté «Aprendimos una lección bien valiosa, que nuestra
el espejo sintiendo dolor. Sin afán banda, compuesta solo por mujeres, tenía dinámicas
ni intento de mentir, sino para distintas. Nosotras lidiamos con caleta de otras cosas»,
recordar que sigo aquí», dice la reflexiona Ilse Farías, compositora, profesora, gestora
canción ‘Rota’, el single que da cultural y una de las fundadoras de la banda, reconocien-
nombre al nuevo álbum de Aurora do con mirada crítica lo que implica hacer música desde
Voraz. La frase, casi un mantra los márgenes del género. «Éramos mamás, incluso sostén
íntimo, resume la médula de un de nuestras familias. Poco tiempo para ensayar todas
disco que no busca respuestas definitivas, sino más juntas, porque es un trabajo que no es remunerado».
bien el derecho a narrarse desde la herida, desde el Cada acorde, entonces, fue tejido entre el cansancio, la
temblor. Tres mujeres llevan adelante este proyecto resistencia y la persistencia de quienes llevan una doble
musical nacido en la ciudad del sol, en una tierra que –o triple– jornada invisibilizada.
supo ser fértil para los sueños. Ahí, entre riffs y distor-
siones, aprendieron a hacer de la música un espacio de La dificultad para conciliar los tiempos de la vida con los
redención y libertad. tiempos del arte, ha sido denunciada desde hace décadas
por los feminismos. Pero aquí no se trata solo de teoría,
Aurora Voraz no solo es una banda, es una declaración. sino de experiencia encarnada. «Después de haber llo-
Desde sus comienzos, Sirena Carolina (voz), Majo Calde- rado mucho, quizás de habernos quejado siempre de lo
rón (bajo) e Ilse Farías (guitarra), habitaron un estilo que mismo, este disco marcó aprendizajes: nosotras decidi-
históricamente se construyó en clave masculina. Pero mos nuestro sonido, nuestro rock».
ellas irrumpieron en ese territorio con un discurso que
mezcla dulzura y rabia, amor y cansancio, maternidad y “Rota” no es solo un álbum, es una cartografía emo-
distorsión. Su apuesta es política, cantar lo que duele, cional donde cada canción condensa años de vida, de
nombrar lo que incomoda, y demostrar que el rock tensiones, de preguntas abiertas. «Empecé a entender
también puede llevar falda, o no llevarla nunca, y seguir que no todas las canciones tienen que tener un solo de
siendo feroz. guitarra. La canción dice lo que necesita. Cada una tiene

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 su dinámica y no puedo forzarla», dice Ilse. En esa acep- la estética. Eso lo aprendí de mis compañeras. Sirena
tación de lo orgánico, de lo imperfecto, se encuentra la siempre ha sido muy preocupada de ese lado», cuenta la
madurez musical de Aurora Voraz, dejar que el sonido guitarrista. Pero el brillo no es concesión al mercado, es
respire, que el relato se imponga sobre la forma. performance de sí, gesto de autonomía. El plateado no
oculta la herida; la enmarca.

Anatomía de Una de las piezas más potentes del disco es ‘Muerte al

una fractura: un retail’. Su origen es tan vívido como su denuncia. «Está-

bamos en la casa de Sirena y vimos imágenes de la ropa

collage de espejos en el desierto. Eso me impactó caleta. Esa canción tenía

que hablar de eso, de esta moda pasajera, de comprar

rotos por comprar». Ilse también recuerda que escribir la

letra no fue sencillo: «me daba vergüenza subirla por las
contradicciones. Sentía, “si igual compro en el Jumbo”.
El concepto visual del disco no es accesorio, es prolon- Pero después dije, “ya, no, también lo quiero dejar así”».
gación de su estética y su filosofía. «Quisimos presen- Esa honestidad desarma cualquier pretensión purista. El
tar tres fotos unidas, como sacadas de distintos lados. gesto político no se anula por la contradicción; de hecho,
Queríamos reflejar ese quiebre, mismo que se refleja la reconoce como parte del propio sistema que se desea
también en nuestras caras, que están pensativas», explica impugnar.
Ilse. El arte minimalista y fragmentado revela, como un
espejo astillado, lo que hay detrás del dolor, pero no una En su dimensión más crítica, la canción no solo denun-
derrota, sino una verdad. La belleza de lo incompleto, de cia al fast fashion, sino que revela la violencia simbólica
lo roto que aún vibra. que ese modelo ejerce sobre los cuerpos feminizados,
cuerpos convertidos en vitrinas, moldeados por exigen-
Y si hablamos de estética, también hablamos de agencia. cias externas, domesticados por la estética patriarcal.
«Esta es una banda de brillos. Nos preocupamos de Al respecto, Ilse es enfática al decir que «como banda

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de mujeres también estuvimos expuestas. Al principio producción. Sirena, en un giro íntimo y político, baja el
nos subimos al escenario todas con minifalda, y era una relato desde lo metafórico hacia una realidad lacerante:
[Link] las fotos de hace 15 años y digo, “¡cómo la violencia feminicida. «Esa canción tomó un vuelco en
chucha si nunca he usado vestido en mi vida!”». Lo que la letra. No sabíamos cómo resolverla, pero finalmente
podría parecer un detalle trivial se convierte en decla- Sirena decidió bajarla hacia esas mujeres asesinadas».
ración: incluso en espacios de rebeldía, el mandato de
género se cuela como un susurro insistente. Es aquí donde Aurora Voraz se despoja de todo artifi-
cio y se muestra en carne viva. Las letras no solo son

La canción que espejo de sus vivencias, sino también testimonio de una

sociedad que normaliza la violencia de género. “Rota” no

nombra a las
es solo una metáfora emocional: es un grito colectivo, un
duelo permanente.

desaparecidas «Es algo que está siempre presente –remata Ilse–. Las
letras de Aurora reflejan cómo, siendo mujeres, vamos
Entre las canciones más conmovedoras del álbum está viendo y sintiendo la sociedad». En esa manera de
‘Perdida’, una pieza que lleva años latiendo en el co- sentirla, con rabia, con brillo y con ternura, se abre una
razón de Aurora Voraz. Esta canción tiene dos partes, grieta por donde entra la luz. Una luz que no viene a
en palabras de Ilse: «la primera es bien ondera, donde curar, sino a visibilizar lo que el silencio quiso borrar.
Sirena habla de estar perdida en el desierto, como una Y es que las mujeres también hacen historia desde el
búsqueda personal. Pero la segunda es más oscura. Habla margen, desde la herida, desde el escenario. “Rota” no
de mujeres desaparecidas… y más que desaparecidas, busca la perfección, sino la verdad.Y en su crudeza, en
asesinadas». su fractura, en su voz que no pide permiso, nos recuerda
que hay músicas que no se escuchan solo con los oídos,
La canción, que originalmente nació de una impro- sino con la memoria colectiva de quienes aún se niegan
visación, fue resignificada durante la última etapa de a desaparecer.

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