Música
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Atenea (Minerva) y las Nueve Musas inspiradoras. De la
palabra «musa» proviene «música».
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La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], «el arte de las musas») es,
según la definición tradicional del término, el arte de crear y organizar sonidos y
silencios respetando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo,
mediante la intervención de complejos procesos psicoanímicos. El concepto de
música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin
distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias
décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya
que destacados compositores en el marco de diversas experiencias artísticas
fronterizas han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden
los límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural con múltiples
finalidades, entre otras, la de suscitar una experiencia estética en el oyente, la de
expresar sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o ideas, y cada vez
más, cumplir una importante función terapéutica a través de la musicoterapia.
La música cumple una función importante en el desarrollo cognitivo del ser humano.
Está relacionada con el pensamiento lógico matemático, la adquisición del lenguaje, el
desarrollo psicomotriz, las relaciones interpersonales, el aprendizaje de lenguas no
nativas y ayuda a potenciar la inteligencia emocional, entre otros. [1] [2]
La música es un estímulo sonoro que afecta al campo perceptivo de la persona; así, el
flujo sonoro puede cumplir variadas funciones (entretenimiento, comunicación,
ambientación, diversión, etc.). En muchas culturas, la música es una parte importante
del modo de vida de la gente, ya que desempeña un papel fundamental en rituales
religiosos, en las ceremonias de rito de paso (por ejemplo, la graduación y el
matrimonio), en las actividades sociales (por ejemplo, en el baile) y en las actividades
culturales que van desde el canto aficionado en el karaoke hasta tocar en una banda
amateur de funk o cantar en un coro comunitario. La gente puede hacer música por
afición, como, por ejemplo, un adolescente que toca el violonchelo en una orquesta
juvenil, o trabajar como músico o cantante profesional. La industria musical incluye a
las personas que crean nuevas canciones y piezas musicales (como los cantautores y
los compositores), a las personas que interpretan música (que incluyen a los músicos
de orquesta, de bandas de jazz y de bandas de rock, a los cantantes y a los directores
de orquesta), a las personas que graban música (productores musicales e ingenieros
de sonido), a las personas que organizan giras de conciertos y a las personas que
venden grabaciones y partituras a los clientes. Incluso una vez que se ha interpretado
una canción o pieza, la crítica musical, el periodismo musical y la musicología pueden
valorar y evaluar la pieza y su interpretación.
Etimología
En la mitología griega, las nueve musas fueron la
inspiración de muchos esfuerzos creativos, incluidas las artes.
La palabra «música» deriva del griego μουσική (mousike; «(arte) de las musas»)[3] En la
mitología griega, las nueve musas eran las diosas que inspiraban la literatura, la
ciencia y las artes y eran la fuente del conocimiento plasmado en la poesía, los cantos
y los mitos de la cultura griega.
Según el Diccionario etimológico en línea:
El término «música» deriva de «musike, de mediados del siglo XIII, del francés antiguo musique
(siglo XII) y directamente del latín musica "el arte de la música", que también incluye la poesía
(también la fuente del español música, italiano musica, alto alemán antiguo mosica, alemán Musik,
holandés muziek, danés musik)». Se deriva del «...griego mousike (techne) "(arte) de las musas", del
femenino de mousikos «perteneciente a las musas», de Mousa «Musa».
La ortografía moderna data de la década de 1630. En la Grecia clásica, el término
«música» se refiere a cualquier arte en el que las musas presidían, pero especialmente
la música y la poesía lírica.[4]
Definición
La música académica occidental ha desarrollado un
método de escritura basado en dos ejes: el horizontal representa el transcurso del tiempo, y el
vertical la altura del sonido; la duración de cada sonido está dada por la forma de las figuras
musicales.
Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las
expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales
e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser
válidas en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo,
puede ser considerada como perfecta o absoluta.
Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según
una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que —
en aquello a lo que consensualmente se puede denominar «música»— se pueden
percibir ciertos patrones del «flujo sonoro» en función de cómo las propiedades del
sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran
que también por los animales). La definición que se atribuye a Edgard Varese de
música como sonido organizado,[5] y también la de la Enciclopedia Británica que en su
decimoquinta edición describe que «aunque no haya sonidos que no puedan ser
descritos como inherentemente no-musicales, en cada cultura los músicos han
tendido a restringir la gama de sonidos que estaban dispuestos a admitir». John
Blacking añadió este detalle importante a la definición de Varèse: «la música es sonido
organizado humanamente».[6]
Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos
esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido,
artificial) y que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos
primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En
cuanto a la función «estética», se trata de un punto bastante discutible; así, por
ejemplo, un «jingle» publicitario no deja de ser música por cumplir una función no
estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función
«estética» presupone una idea de la música (y del arte en general) que funciona en
forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la
teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.
Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot,
después recogidas en su Dictionnaire de la Musique,[7] la definió como el «arte de
combinar los sonidos de una manera agradable al oído». [8]
Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas dispersas
expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el
creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor».
La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la
música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no se
detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones «bien hechas»
y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.
Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos
ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura
que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por ejemplo,
presente en las aseveraciones del filósofo alemán Johann Wolfgang von Goethe
cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la
arquitectura como «música congelada». La mayoría de los estudiosos coincide en el
aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una
organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser
placentero o agradable.
Parámetros del sonido
Véase también: Nota musical
Distribución de las notas musicales en el teclado de
un piano. Cada nota representa una frecuencia de sonido distinta.
El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión
generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el
medio que los envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia
perceptible de sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa, ya que el
silencio absoluto no se da en la naturaleza.
Los cuatro parámetros principales del sonido son: intensidad, altura, duración y
timbre. La intensidad describe si un sonido es fuerte o suave, la altura determina si es
agudo o grave, la duración se refiere a si el sonido es largo o corto, y el timbre permite
distinguir entre fuentes sonoras diferentes.
El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:
• La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir,
de la cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se
emiten. De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como graves y agudos.
Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de
onda es la distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos
puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus
máximos y mínimos en el mismo instante.[9]
• La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un
sonido. La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene
representada en la onda por los segundos que esta contenga.
• La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía.
La intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
• El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a
pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e
intensidad. Los sonidos que escuchamos son complejos; es decir, son el resultado
de un conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que
nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la
cantidad de armónicos o la forma de la onda que tenga un sonido y de la intensidad
de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en
una onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada
sobretono, se representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido
complejo es la suma de ondas senoidales puras. El espectro es una sucesión de
barras verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que representan a
cada una de las senoides correspondientes a cada sobretono, y su altura indica la
cantidad que aporta cada una al sonido resultante.
Elementos de la música
Un ejemplo de las escalas de la antigua Grecia es la
octava hipofrigia de género enarmónico (en mi). Ya existía el concepto fundamental de octava. La
nota varía según la armonía (αρμονία), transcritas como modos griegos. La polifonía y variedad de
instrumentos aerófonos, cordófonos y membranófonos, han sido documentadas en infinidad de
grabados y dibujos.
La música contiene dos elementos: el material acústico y la idea intelectual. Ambos no
se hallan yuxtapuestos como forma y contenido, sino que se combinan, en la música,
para formar una imagen unitaria. Para convertirse en vehículo de la idea intelectual, el
material acústico experimenta una preparación pre-musical, mediante un proceso de
selección y ordenamiento.[10]
La estructura del sonido, la escala de sonidos armónicos, exhibe ya un ordenamiento
que la predestina para ser el vehículo de la intención intelectual. Con el fin de un
entendimiento general previo, dentro del material acústico para la organización de la
música, encontramos diversas clasificaciones, dentro de las cuales la más habitual en
ambientes académicos es la que divide la música en melodía, armonía y ritmo. [11] La
manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra
(también hay variaciones temporales).
• La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro
particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción
horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. Los silencios también
forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al «discurso
melódico». El resultado es como una frase bien construida semántica y
gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica
podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías
simultáneas se denomina contrapunto.
• La armonía bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es
el acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan
simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.
• El ritmo es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones
muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de
generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas,
timbres, texturas y sonidos. En la práctica se refiere a la acentuación del sonido y la
distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra
manera, su duración.
• La articulación refiere a cómo un sonido es ejecutado, así como la transición entre
dos (o más) notas. Entre las variadas formas de articulación elaboradas a lo largo
de la historia, destacan principalmente el legato, el staccato, el portato, el tenuto,
el acento, el marcato y el calderón.
• La textura es la estructura y se divide en partes, movimientos o secciones. También
se puede fraccionar aún más en frases y motivos. La mayoría de géneros tienen una
forma definida y secciones que las caracterizan. Es importante tener este elemento
de la música presente a la hora de empezar a crear una pieza sonora porque ayuda
a entender y visualizar de manera global una composición. [12]
La incorporación de un material acústico ampliado en el siglo XX, produjo a veces
dificultades de información, por falta de un sistema válido de entendimiento previo, y
es por eso que otros elementos se toman en cuenta a la hora de analizar y estudiar el
fenómeno de la música, como son la forma, la instrumentación, la textura, etc. A partir
de todos estos elementos, se originan nuevos principios de ordenamiento y
posibilidades de composición.[10]
Historia
La historia de la música abarca desde la prehistoria, donde se cree que surgió a través
de la imitación de sonidos y ritos, hasta la actualidad, con una gran diversidad de
géneros. Se divide en diferentes períodos, como la Edad Media (con el canto
gregoriano), el Renacimiento, el Barroco, el Clasicismo (Mozart, Haydn), el
Romanticismo (Chopin) y el siglo XX y XXI, donde se diversificaron géneros como el
jazz, el rock, el pop y la música electrónica.
Artículo principal: Historia de la música
Prehistoria
Artículo principal: Música en la Prehistoria
La flauta de hueso encontrada en Divje Babe (Eslovenia),
con más de 40 000 años de antigüedad.
La música prehistórica solo se puede teorizar sobre la base de los hallazgos de los
sitios arqueológicos paleolíticos. A menudo se descubren flautas talladas en huesos
en los que se han perforado agujeros laterales; se cree que se soplaban en un extremo
como el shakuhachi japonés. Se piensa que la flauta de Divje Babe, tallada en el fémur
de un oso de las cavernas, tiene al menos 40 000 años. Se han recuperado
instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda,
como el ravanahatha, de los yacimientos arqueológicos de la civilización del valle del
Indo.[13] La India tiene una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo; las
referencias a la música clásica india (marga) se encuentran en los Vedas, antiguas
escrituras de la tradición hindú.[14] La colección más antigua y más grande de
instrumentos musicales prehistóricos se encontró en China y data de entre el 7000 y el
6600 a. C.[15] El «Himno hurrita a Nikkal», que se encuentra en tablillas de arcilla que se
remontan aproximadamente al 1400 a. C., es la obra musical escrita más antigua que
se conserva.[16] [17]
Antiguo Egipto
Artículo principal: Música de Egipto
Los antiguos egipcios atribuyeron a uno de sus dioses, Thoth, la invención de la
música, y Osiris, a su vez, lo utilizó como parte de su esfuerzo por civilizar el mundo. La
evidencia material y representativa más antigua de los instrumentos musicales
egipcios data del período predinástico, pero la evidencia está atestiguada con mayor
seguridad en el Imperio Antiguo cuando se tocaron arpas, flautas y clarinetes dobles.[18]
Durante el Imperio Medio se agregaron instrumentos de percusión, liras y laúdes a las
orquestas. Los platillos[19] frecuentemente acompañaban a la música y danza, como lo
hacen todavía hoy en Egipto. La música folclórica egipcia, incluidos los rituales
tradicionales sufíes dhikr, es el género musical contemporáneo más cercano a la
música del antiguo Egipto y han conservado muchas de sus características, ritmos e
instrumentos.[20] [21]
Culturas asiáticas
Mujeres indias vestidas con atuendos regionales tocando
una variedad de instrumentos musicales populares en diferentes partes de la India.
Categoría principal: Música de Asia
La música clásica india (marga) es una de las tradiciones musicales más antiguas del
mundo.[22] La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran danzas[23] e
instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado
varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo-Daro
mediante excavaciones realizadas por Mortimer Wheeler.[24] El Rigveda tiene elementos
de la música india actual, con una notación musical para denotar la métrica y el modo
de cantar.[25] La música clásica india es monofónica y se basa en una sola línea
melódica o raga, organizada rítmicamente a través de talas. Silappatikaram de Ilango
Adigal proporciona información sobre cómo se pueden formar nuevas escalas
mediante el cambio modal de la tónica de una escala existente.[26] La música hindi
actual fue influenciada por la música tradicional persa y por los mogoles afganos. La
música carnática, popular en los estados del sur, es en gran parte devocional; la
mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. También hay muchas
canciones que enfatizan el amor y otros temas sociales.
La música clásica china, el arte tradicional o la música de la corte de China, tiene una
historia que se remonta a unos tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de
notación musical, así como afinación y tono musical, instrumentos y estilos musicales
o géneros musicales. La música china es pentatónica-diatónica, con una escala de
doce notas a una octava (5 + 7 = 12) al igual que la música de influencia europea.
Referencias en la Biblia
Artículo principal: Anexo:Música en la Biblia
David componiendo salmos, Salterio de París, c. 960
(Constantinopla).
El conocimiento del período bíblico proviene principalmente de referencias literarias
en la Biblia y fuentes posbíblicas. El historiador de religión y música Herbert Lockyer
escribió que «la música, tanto vocal como instrumental, fue bien cultivada entre los
hebreos, los cristianos del Nuevo Testamento y la iglesia cristiana a través de los
siglos». Agrega que «una mirada al Antiguo Testamento revela cómo el pueblo antiguo
de Dios se dedicó al estudio y la práctica de la música, que ocupa un lugar único en los
libros históricos y proféticos, así como en el Salterio».[27]
Los estudiosos de la música y el teatro que estudian la historia y la antropología de la
cultura semítica y judeocristiana temprana han descubierto vínculos comunes en la
actividad teatral y musical entre las culturas clásicas de los hebreos y las de los griegos
y romanos posteriores. El área común de actuación se encuentra en un «fenómeno
social llamado letanía», una forma de oración que consiste en una serie de
invocaciones o súplicas. Journal of Religion and Theatre señala que entre las primeras
formas de letanía, «la letanía hebrea estuvo acompañada de una rica tradición
musical»:[28]
Genesis 4.21 indicated that Jubal is the "father of all such as handle the harp and pipe", the
Pentateuch is nearly silent about the practice and instruction of music in the early life of Israel. In I
Samuel 10, there are more depictions of "large choirs and orchestras". These large ensembles could
only be run with extensive rehearsals. This had led some scholars to theorize that the prophet
Samuel led a public music school to a wide range of students. [28]
El Génesis 4.21 indicaba que Jubal es el «padre de todos los que manejan el arpa y la flauta», el
Pentateuco casi guarda silencio sobre la práctica y la instrucción de la música en la vida temprana
de Israel. En I Samuel 10, hay más representaciones de «grandes coros y orquestas». Estos grandes
conjuntos sólo podían ejecutarse con ensayos extensos. Esto había llevado a algunos estudiosos a
teorizar que el profeta Samuel dirigió una escuela pública de música para una amplia gama de
estudiantes.
Antigua Grecia
Epitafio de Sícilo
Duración: 50 segundos.0:50
La inscripción cantada, según la
pronunciación del griego koiné.
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Artículo principal: Música de la Antigua Grecia
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la Antigua Grecia. Los
músicos y cantantes desempeñaron un papel destacado en el teatro griego.[29] Se
realizaban interpretaciones de coros mixtos para el entretenimiento, la celebración y
ceremonias espirituales.[30] Los instrumentos incluían el aulós de doble lengüeta y un
instrumento de cuerda pulsada, la lira, principalmente del tipo especial llamado
kithara. La música era una parte importante de la educación y a los niños se les
enseñaba música a partir de los seis años. La alfabetización musical griega creó un
florecimiento del desarrollo musical. La teoría de la música griega incluía los modos
musicales griegos, que finalmente se convirtieron en la base de la música clásica y
religiosa occidental. Más tarde, las influencias del Imperio Romano, Europa del Este y
el Imperio Bizantino cambiaron la música griega. El Epitafio de Sícilo es el ejemplo más
antiguo que se conserva de una composición musical completa, incluida la notación
musical, de cualquier parte del mundo.[31] La obra escrita más antigua que sobrevive
sobre el tema de la teoría musical es Harmonika Stoicheia de Aristóxeno.[32]
Antigua Roma
Trío de músicos tocando aulós, cymbala y tympanum
(mosaico de Pompeya).
Artículo principal: Música de la Antigua Roma
La música de la Antigua Roma fue parte de la cultura romana desde los tiempos más
remotos. Las canciones (carmen) eran una parte integral de casi todos los eventos
sociales.[33] El Carmen saeculare de Horacio, por ejemplo, fue encargado por Augusto e
interpretada por un coro mixto de niños en los Juegos Seculares del 17 a. C.[34] La
música era habitual en los funerales y la tibia (el aulós griego), un instrumento de
viento-madera, se tocaba en los sacrificios para protegerse de las malas influencias. [35]
Bajo la influencia de la teoría griega antigua, se pensaba que la música reflejaba el
orden del cosmos y se asociaba particularmente con las matemáticas y el
conocimiento.[36]
La música etrusca tuvo una influencia temprana en la cultura de los romanos. Durante
el período imperial, los romanos llevaron su música a las provincias, mientras que las
tradiciones de Asia Menor, África del Norte y la Galia se convirtieron en parte de la
cultura romana.[37]
La música acompañaba espectáculos y eventos en la arena, y era parte de la forma de
artes escénicas llamada pantomima (pantomimus), una forma temprana de ballet
narrativo que combinaba danza expresiva, música instrumental y un libreto cantado.[38]
Edad Media
El introito de Gaudeamus omnes, escrito en notación
neumática en el Graduale Aboense de los siglos XIV y XV, rinde homenaje a Enrique, patrón de
Finlandia.
Gaudeamus omnes
Duración: 3 minutos y 0 segundos.3:00
Artículo principal: Música de la Edad Media
La Edad Media (476 a 1400) comenzó con la introducción del canto monofónico (línea
melódica única) en los servicios de la Iglesia católica. La notación musical se usó
desde la antigüedad en la cultura griega, pero en la Edad Media, la notación fue
introducida por primera vez por la Iglesia católica para que las melodías de los cánticos
pudieran escribirse, para facilitar el uso de las mismas melodías para la música
religiosa en todo el mundo católico.[a] [39] El único repertorio medieval europeo que se
ha encontrado en forma escrita desde antes del 800 es el canto llano litúrgico
monofónico de la Iglesia católica, cuya tradición central se llamaba canto gregoriano.
Junto a estas tradiciones de música sacra, existía una vibrante tradición de canto
secular. Ejemplos de compositores de este período son Léonin, Perotín, Guillaume de
Machaut y Walther von der Vogelweide.
Renacimiento
Artículo principal: Música del Renacimiento
Amicus meus
Duración: 2 minutos y 47 segundos.2:47
De Tomás Luis de Victoria.
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La música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) se centró más en temas seculares, como
el amor cortés. Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, que hacía partituras
impresas mucho menos costosas y más fáciles de producir en masa. [b] La mayor
disponibilidad de partituras ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y
en un área más amplia. Los músicos y cantantes a menudo trabajaban para la iglesia,
las cortes y las ciudades. Los coros de la iglesia crecieron en tamaño y la Iglesia siguió
siendo un mecenas importante de la música. A mediados del siglo XV, los
compositores escribieron música sacra ricamente polifónica, en la que se
entrelazaban simultáneamente diferentes líneas melódicas. Entre los compositores
destacados de esta época se incluyen Josquin des Prés, Guillaume Dufay, Giovanni
Pierluigi da Palestrina, Tomás Luis de Victoria, Thomas Morley y Orlando di Lasso. A
medida que la actividad musical pasó de la Iglesia a las cortes aristocráticas, reyes,
reinas y príncipes compitieron por los mejores compositores. Muchos compositores
importantes provenían de los Países Bajos, Bélgica y el norte de Francia. Se les llama
compositores franco-flamencos y ocuparon cargos importantes en toda Europa,
especialmente en Italia. Otros países con una gran actividad musical fueron Alemania,
Inglaterra y España.
Barroco
Johann Sebastian Bach fue un destacado compositor de
la era barroca de la música.
Tocata y fuga en re menor, BWV 565
Duración: 8 minutos y 34 segundos.8:34
Artículo principal: Música del Barroco
La era barroca de la música tuvo lugar entre 1600 y 1750, cuando el estilo artístico
barroco floreció en toda Europa y durante este tiempo la música se expandió en su
rango y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las primeras
óperas (música vocal dramática solista acompañada de orquesta). Durante la época
barroca, la música polifónica contrapuntística, en la que se utilizaban múltiples líneas
melódicas independientes simultáneas, siguió siendo importante. [c] Los compositores
barrocos alemanes escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas,
metales y viento-madera, así como para coros e instrumentos de teclado, como
órgano, clavecín y clavicordio. Durante este período se definieron varias formas
musicales importantes que perduraron en períodos posteriores cuando se expandieron
y evolucionaron aún más, incluida la fuga, la invención, la sonata y el concierto.[40] El
estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Entre los
compositores importantes de la época barroca se encuentran Johann Sebastian Bach,
Georg Friedrich Händel, Jean Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann, Domenico
Scarlatti y Antonio Vivaldi.
Clasicismo
1. Luigi Cherubini
2. Carl Philipp Emanuel Bach
3. Joseph Haydn
4. Johann Christoph Friedrich Bach
5. Ludwig van Beethoven
6. Franz Xaver Richter
7. Wolfgang Amadeus Mozart
8. Luigi Boccherini
9. Carl Friedrich Abel
10. Christoph Willibald Gluck
11. Maria Anna Mozart
12. Johann Christian Bach
Artículo principal: Música del Clasicismo
La música del período clásico (1730 a 1820) tenía como objetivo imitar lo que se
consideraba los elementos clave del arte y la filosofía de la Antigua Grecia y Antigua
Roma: los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada. [d] La música del
período clásico tiene una textura más ligera, clara y considerablemente más simple
que la música barroca que la precedió. El estilo principal fue la homofonía,[41] donde
una melodía prominente y una parte de acompañamiento de acordes subordinados
son claramente distintas. Las melodías instrumentales clásicas tendían a ser casi
vocales y cantables. Se desarrollaron nuevos géneros y el fortepiano, el precursor del
piano moderno, reemplazó al clavicémbalo y al órgano de la época barroca como
principal instrumento de teclado, aunque este último siguió utilizándose en la música
sacra, como las misas.
Se le dio importancia a la música instrumental. Estuvo dominado por un mayor
desarrollo de formas musicales inicialmente definidas en el período barroco: la sonata,
el concierto y la sinfonía. Otros tipos principales fueron el trío, el cuarteto de cuerda, la
serenata y el divertimento. La sonata fue la forma más importante y desarrollada.
Aunque los compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo clásico de la
sonata es completamente distinto. Todas las formas instrumentales principales de la
era clásica, desde los cuartetos de cuerda hasta las sinfonías y los conciertos, se
basaron en la estructura de la sonata. Los instrumentos tocaban música de cámara y
la orquesta se volvió más estandarizada. En lugar del grupo de bajo continuo de la
época barroca, que consistía en clavecín, órgano o laúd junto con varios instrumentos
bajos seleccionados a discreción del líder del grupo (por ejemplo, viola, violonchelo,
tiorba o serpentón), los grupos de cámara clásicos usaron instrumentos
estandarizados especificados (por ejemplo, un cuarteto de cuerdas sería interpretado
por dos violines, una viola y un violonchelo). La interpretación de acordes improvisados
de la época barroca del tecladista de continuo o el laudista se eliminó gradualmente
entre 1750 y 1800.
Uno de los cambios más importantes realizados en el período clásico fue el desarrollo
de conciertos públicos. La aristocracia seguía desempeñando un papel importante en
el patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora los compositores podían
sobrevivir sin ser empleados permanentes de reyes o príncipes. La creciente
popularidad de la música clásica llevó a un crecimiento en el número y tipos de
orquestas. La expansión de los conciertos orquestales requirió la construcción de
grandes espacios para espectáculos públicos. La música sinfónica, incluidas las
sinfonías, el acompañamiento musical al ballet y los géneros vocales/instrumentales
mixtos, como la ópera y el oratorio, se hicieron más populares.
Los compositores más destacados del clasicismo son Carl Philipp Emanuel Bach,
Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus
Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Schubert. Beethoven y Schubert también se
consideran compositores de la última parte de la era clásica, ya que comenzó a
moverse hacia el Romanticismo.
Romanticismo
El piano fue la pieza central de la actividad social de los
urbanitas de clase media en el siglo XIX (Moritz von Schwind, 1868). El hombre al piano es el
compositor Franz Schubert.
Artículo principal: Música del Romanticismo
La música romántica (c. 1810 a 1900) del siglo XIX tenía muchos elementos en común
con los estilos románticos en la literatura y la pintura de la época. El Romanticismo fue
un movimiento artístico, literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la
emoción y el individualismo, así como por la glorificación de todo el pasado y la
naturaleza. La música romántica se expandió más allá de los estilos y formas rígidos de
la era clásica hacia piezas y canciones expresivas más apasionantes y dramáticas.
Compositores románticos como Richard Wagner y Johannes Brahms intentaron
aumentar la expresión emocional y el poder en su música para describir verdades más
profundas o sentimientos humanos. Con poemas sinfónicos, los compositores
intentaron contar historias y evocar imágenes o paisajes utilizando música
instrumental. Algunos compositores promovieron el orgullo nacionalista con música
orquestal patriótica inspirada en la música folclórica. Las cualidades emocionales y
expresivas de la música llegaron a prevalecer sobre la tradición.
Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el
sincretismo de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la
literatura), la historia (personajes históricos y leyendas) o la naturaleza misma. El amor
romántico o el anhelo fue un tema predominante en muchas obras compuestas
durante este período. En algunos casos, se siguieron utilizando las estructuras
formales del período clásico (por ejemplo, la forma sonata utilizada en cuartetos de
cuerda y sinfonías), pero estas formas se ampliaron y modificaron. En muchos casos,
se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones existentes. Además,
se crearon nuevos formularios que se consideraron más adecuados para el nuevo
tema. Los compositores continuaron desarrollando música de ópera y ballet,
explorando nuevos estilos y temas.[29]
En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y
Franz Schubert introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven,
los motivos cortos, desarrollados orgánicamente, llegaron a reemplazar a la melodía
como la unidad compositiva más significativa. [e] Compositores románticos posteriores
como Piotr Ilich Chaikovski, Antonín Dvořák y Gustav Mahler utilizaron acordes más
inusuales y más disonancia para crear una tensión dramática. Generaron obras
musicales complejas y, a menudo, mucho más largas. Durante el período romántico
tardío, los compositores exploraron las alteraciones cromáticas dramáticas de la
tonalidad, como los acordes extendidos y los acordes alterados, que crearon nuevos
colores de sonido. A finales del siglo XIX se produjo una expansión espectacular en el
tamaño de la orquesta y la Revolución industrial ayudó a crear mejores instrumentos,
creando un sonido más potente. Los conciertos públicos se convirtieron en una parte
importante de la sociedad urbana acomodada. También vio una nueva diversidad en la
música para teatro, incluida la opereta, la comedia musical y otras formas de teatro
musical.[29]
El piano fue un instrumento representativo de esta época, no solo en el ámbito musical
sino también en el técnico ya que gracias a los avances logrados debido a la
Revolución industrial su mecanismo fue mejorado sustancialmente. De la misma
forma que el capitalismo influyó en el modo de organización jerárquico de las cadenas
de producción, el piano se utilizó como herramienta para conseguir la expresión
musical y como ayuda a la composición. [42] En dicho período hubo importantes
compositores como Félix Mendelssohn, Frédéric Chopin, Franz Liszt, Robert
Schumann, Franz Schubert, Johannes Brahms, Edvard Grieg e Isaac Albéniz que
realizaron obras para piano. Del romanticismo tardío destacan compositores como
Aleksandr Skriabin, Serguéi Rajmáninov y Gabriel Fauré.[43]
Enrico Caruso con un gramófono.
Un gramófono clásico de principios del siglo XX.
Siglo XX y XXI
Artículo principal: Música clásica del siglo XX
En el siglo XIX, una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a
conocer al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música
aficionados de clase media tocaban en casa en su piano u otros instrumentos
comunes, como el violín. Con la música del siglo XX, la invención de nuevas
tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la disponibilidad de discos de
gramófono en el mercado masivo significó que las grabaciones sonoras de canciones y
piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la radio o en su tocadiscos) se
convirtieron en la principal vía para aprender sobre nuevas canciones y piezas. Hubo
un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad y los
fonógrafos se utilizaron para reproducir y distribuir música, porque mientras que en el
siglo XIX, el enfoque en las partituras restringió el acceso de la nueva música a las
personas de clase media y alta que podían leer música y poseían pianos e
instrumentos, en el siglo XX, cualquier persona con radio o tocadiscos podía escuchar
óperas, sinfonías y grandes bandas en su propia sala de estar. Esto permitió a las
personas de bajos ingresos, que no podían pagar una entrada para un concierto de
ópera o sinfónico, escuchar esta música. También significaba que las personas podían
escuchar música de diferentes partes del país, además de diferentes partes del
mundo, incluso si no podían permitirse viajar a estos lugares. Esto ayudó a difundir los
estilos musicales.
El enfoque de la música artística en el siglo XX se caracterizó por la exploración de
nuevos ritmos, estilos y sonidos. Las consecuencias de la Primera Guerra Mundial
influyeron en muchas de las artes, incluida la música, y algunos compositores
comenzaron a explorar sonidos más oscuros y ásperos. Los compositores utilizaron
estilos musicales tradicionales como el jazz y la música folclórica como fuente de
ideas para la música clásica. Ígor Stravinski, Arnold Schönberg y John Cage fueron
compositores influyentes en la música artística del siglo XX.