ARTES DECORATIVAS

-TEMA 1-
1.1. CONCEPTOS Y ESPECIFIDAD
Tienen un fin o sentido utilitario. Utensilios u objetos que le ayudan a sobreponerse en el
medio. Gracias a estos objetos el hombre se extendió. Tecnología como parte fundamental
de la cultura. Primeras obras de arte mueble. Gran explosión artística, con nuevos tipos
de materiales, paralelo al surgimiento de las grandes civilizaciones del mediterráneo
oriental. No solo da respuesta a necesidades personales, también busca estar rodeado de
belleza, armonía, proporciones.
DEFINICIÓN: Todo aquello que el hombre ha inventado para expresar la riqueza,
cautivar la vista y alagar al tacto.
Van a señalar a sus poseedores dentro de la estructura social. Aparecen en la Edad Media,
lo anterior son catalogados como objetos arqueológicos. Son la más alta expresión de una
cultura. El ser humano tiene la necesidad de transformar todo aquello que le rodea. Van a
servir como soporte para crear obras de arte. El artista tiene poco margen ya que el objeto
tiene que ceñirse a su función. El uso continuo de estas obras, la versatilidad del gusto y
las modas van a permitir estudiar a las sociedades que las crearon y las usaron. El cambio
en el gusto se va a presentar más visible en estas obras que en las llamadas artes mayores,
representado además los modos de vida de la población. Carácter de conjunto.
En España estas artes van a quedar influenciadas principalmente por la presencia islámica,
la expansión de la corona de Aragón en el Mediterráneo, la aventura americana, el ascenso
de la casa de Austrias como gran potencia marina, la aparición de los Borbones con gusto
afrancesado e italianizante, la decadencia del imperio y el carácter de testigo de la
revolución industrial.
Doble naturaleza del objeto. Este arte existe cuando se dan estas circunstancias:
- Tiene o tuvo creadores.
- Tiene o tuvo admiradores.
- Hubo o hay coleccionistas.
Arte decorativo debe tener un sentido plural por lo que tiene que ser artes decorativas.
Encontramos distintas artes cada una con una tradición, unas técnicas, unas formas y unos
estilos propios. Las artes decorativas dependen, ya que proceden de una interpretación
por la que se consigue una superación para que quede por encima del objeto del que se
parte. Todos estos objetos se deben a su función y a su forma. Se debe a su forma porque
siempre va a estar destinado a formar parte de un conjunto.
GRANDEZA Y SERVIDUMBRE DEL ARTE DECORATIVO
El objeto debe ser bello y tiene que proceder de la armonía de la forma y al mismo tiempo
de su sitio dentro de una armonía de conjunto. No deben desentonar unas piezas con otras.

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La percepción es en conjunto en cuanto al arte decorativo. A pesar de ser más discreto
que una pintura al estar en conjunto alcanza un efecto comparable a las grandes artes.
MOTIVOS Y ESTILOS
Estos objetos recogen las transformaciones sociales y económicas y dejan ver el cambio
de mentalidad. También los estilos se ciñen al ámbito geográfico. Las fronteras artísticas
no se corresponden con las barreras políticas. El mundo de la forma es más reducido que
el mundo del pensamiento abstracto. Que las artes decorativas estén ligadas a una función
limita la creatividad posible, teniendo una forma útil con apenas variantes. Se añade el
decorado que son formas gratuitas que se añaden a la forma útil sin comprometerla. En
ese juego de diferencia encontramos el gusto. Artes decorativas entendidas como el
dominio de las formas: La vida de las formas de Focilón. Puso en relieve la conveniencia
de diferentes estilos. Un estilo domina elementos formales diferenciados de una manera
particular, vive en un especio y un tiempo concreto, pero consiguen coordinar esos
cambios que constituyen la historia del arte y la evolución de las artes. Este formalismo
es motivo de búsqueda de algo superficial.
1.2. LA CUESTIÓN TERMINOLÓGICA. PRINCIPALES MUSEOS DE ARTES
DECORATIVAS
Las artes menores fueron llamadas incluso artes aplicadas. Poco a poco empezará a surgir
el concepto de artes decorativas. Artes menores frente a artes mayores. Para ejecutar a
estas menores se necesita en ocasiones más pericia o formación. Hay que destacar el papel
de los coleccionistas y los anticuarios en su conservación y restauración. Se buscan las
distintas funciones y valores que los objetos han tenido a lo largo del tiempo, ya que en
ningún sitio como en las artes decorativas ha sido más clara la evolución mental de la
sociedad.
CONCEPTOS:
- Artes mayores/menores: concepto peyorativo.
- Artes suntuarias: objetos muy ricos contrarios s las leyes que rigen los objetos
cotidianos. Sustituyen su valor como elemento de uso por su inutilidad. Sirven
para decorar.
- Artes aplicadas: arte considerado como manual o artesanal y que posee una
ornamentación. Surge en Inglaterra en el siglo 19 (victoriana) en el debate entre
la artesanía y la industria que producía productos menos en serie. Para
embellecerlos se comenzaron a añadir decoraciones.
- Artes industriales: (industrial: maña y destreza o artificio para hacer algo) surgen
en el siglo 19 y no definen a las artes decorativas anteriores a ese siglo. No
pensados en cuanto al trabajo en serie.
- Artes utilitarias/arte del objeto: matiz peyorativo. Son cosas con una función clara
que se contrapone al concepto de las bellas artes (no responden a una necesidad
practica). Las utilitarias deben tener una función practica que, por un lado, niega
la belleza.

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 - Artes decorativas: pintura o escultura en cuanto no son independientes
(decoración). Arte que estudia la combinación de los elementos ornamentales. Se
va a utilizar con doble acepción: decoración u ornamentación añadido a un objeto
funcional; o relación de los objetos con el conjunto y su ambiente.
MUSEOS DE ARTES DECORATIVAS
La creación de estos museos de artes decorativas responde en el siglo 19 a esa idea que
llevaba aparejada la industria de que no se perdieran las manufacturas cuyas técnicas
pensaban que se ponían en un grave peligro si la industria seguía avanzando.
- Victoria and Albert Museum a raíz de The manufactures (1852, Londres). Ha
crecido con la idea de interpretar el arte decorativo y el diseño. También presentan
objetos arqueológicos y copias de monumentos y pequeñas esculturas. Sede en un
edificio victoriano.
A partir de esta base se crean otros museos en Europa.
- Museo Imperial Real de Arte e Industria (1863, Viena).
- Museo de Artes Aplicadas (1872, Budapest). Tras el ejemplo de los museos
anteriores se busca crear uno en el país. Las piezas proceden principalmente de
los museos históricos de Hungría, mientras que las piezas más contemporáneas
son de compras en ferias de arte y regalos de empresas nacionales.
- Museo de Artes Decorativas (1885, Praga). A raíz de la idea de la producción
industrial. Abierto tras una pequeña exposición (1875) de la Cámara de Comercio
que también creo una escuela profesional de arte orfebre. Tiene 4 edificios.
- Museo Nacional de Artes Decorativas (1912, Madrid). Se crea bajo el nombre de
Museo Nacional de Artes Industriales. En 1934 pasa a su actual emplazamiento.
En esta carrera España consigue crear un pequeño nicho con la creación de una
serie de productos artesanales de mediana-alta calidad. Unos activistas
intelectuales reformaron los métodos de enseñanza, organizaron exposiciones,
crearon nuevas revistas... convirtiendo a este museo en una pieza más. Su teoría:
Ni teoría sin práctica, ni práctica sin teoría. Museo como lugar para aprender con
biblioteca y talleres para promover la cultura artística y dar a conocer las técnicas
de estas artes decorativas. Lo bello, lo útil, lo práctico… se enlazaban para
modernizar la producción artesanal e industrial provocando una mejora de vida de
los ciudadanos, así como el acrecentó del país.
- Museo Nacional de Artes Decorativas (Buenos Aires). Artes decorativas y diseño.
Piezas fundamentalmente procedentes de Europa, aunque también tiene piezas de
carácter oriental. Este museo se encuentra en una casa. Sus dueños habían vivido
en Europa y adquirieron estos objetos para disponerlos en su casa a la vuelta. El
gobierno de Argentina compró mas adelante la casa y los objetos que contenía.
- (1964, La Habana). Una mujer fue comprando a lo largo de su vida este tipo de
objetos (anticuariado) del mercado europeo fundamentalmente.

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 - Museo Municipal de Arte Decorativo (1968, Rosario-Argentina). Doña Firma
dejó en testamento que tanto la casa como los objetos pasaban a la ciudad de
Rosario. Colección de carácter heterogéneo en una imponente casa.
- Museo de Artes Decorativas y Diseño (1989, Riga). Es el edificio en piedra más
antiguo del país.
- Museo Marton (2003, Croacia). Surge con interés de su propietario que es
coleccionista y en 2002 hizo una colección temporal en el museo de Zagreb. Tras
su éxito el gobierno le propuso crear un museo con su colección. Son artes
decorativas procedentes de Europa hechas entre la segunda mitad del siglo 18 y
primera mitad del 19.
- Museo Calouste Gulbenkian (1969, Lisboa). Todo guarda una relación íntima.
Calouste Gulbenkian era un magante petrolífero que amaba el arte sobre todo el
oriental. Antes de morir en Lisboa crea su propia fundación y dejo por escrito su
interés por que todas las piezas se pusieran a disposición de la fundación para
crear un gran museo. Denota un profundo conocimiento de la HDA.
- Ludovisi (1995, Roma). El edificio pertenecía a esta familia. Es concebido no
como museo de artes decorativas sino como un centro de promoción y
documentación de la moda y el traje. No solo hay textiles, sino que también
muebles, decoración, pinturas… pero lo singular es la dedicación al textil.
- Museo de Bordado Chung Young Yang (Seúl). Una maestra bordadora con alta
posición económica dentro del país hizo su tesis sobre el bordado de la zona.
Intenta desafiar la idea del “bordado de mujeres” en China. La colección se divide
por países y dentro de ellos por regiones. Con labores de divulgación y educación
el museo pretende dar un salto técnico de los bordadores que siguen dedicándose
a estas labores, ampliar la compresión de los roles sociales y culturales que los
textiles han tenido a nivel mundial, establecer esa labor del bordado y cómo ha
contribuido a la cultura mundial.
- Museo del Diseño (1895, Copenhague). Grandes superficies de muebles con
distintos tipos de sillas, que causan gran interés en Dinamarca. Tiene su inicio en
la Confederación de Industrias Danesas en 1880. Cambia su sede en 1926. Su
objetivo es comunicar la idea de la calidad que había dentro de diseño de muebles
en Dinamarca. Exposiciones de distintos objetos. Pretende que los consumidores
finales sean más críticos acerca de la calidad de los objetos.
1.3. EL VALOR DE LOS OBJETOS DE ARTE DECORATIVOS DURANTE LA
EDAD MODERNA
En las épocas pasadas se tuvo un ideario propio sobre lo que era y lo que no importante.
No podemos reducir los hechos históricos al pensamiento actual. La autoría y el elemento
estético van a influir notablemente en el valor que se otorga a la obra. La superioridad de
la pintura como arte es relativamente reciente y viene de la mano de Giorgio Vasari que
afirmo que la pintura se encontraba por encima de las otras artes. El gusto por el oro y los
metales preciosos era superior a los demás, el material daba el precio al objeto antes (no
la singularidad).

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Con el paso del tiempo Carlos I y Felipe II gastaron grandes cantidades de dinero en
comprar tapices, más dinero del que gastaron en pinturas de Tiziano. No hubo cambio en
los reinados de Felipe III y Felipe IV. Al finalizar el siglo 18 la pintura se considera la
mas importante de las artes. Lo material ya no era tan importante hasta el punto de que se
llega a menosprecias, era conocidas las artes del diseño. El pintor es considerado un
caballero y su arte es como el del filósofo o el literato. La labor del pintor estaba alejada
de toda labor física, por eso es considerada superior. Francisco de Goya dio un giro a esta
idea, al realizar cartones para tapices a lo que el artista se negó, ya que no consideraba
esa labor propia de un pintor de cámara, ya que lo importante era el tapiz y no el cartón
que goya ejecutaría. Consideraba que su pintura se perdía cuando se convertía en tapiz.
Los tapices empiezan a perder importancia dando el primer lugar en la pintura (a partir
del 1800). A partir del romanticismo los tapices dejan de ser considerados obras de arte.
Frederic Marés compró tapices por muy poco dinero para lo que es el valor de estas obras
(ni materia siquiera). El triunfo de la pintura ya esta plenamente consolidado en esta
época, pero en la Edad Moderna fue algo secundario frente al valor que habían presentado
esos tapices. La escultura y la arquitectura van a seguir la este de la pintura (artes del
diseño), pero un paso por detrás. No se le daba el mismo uso a las obras de arte que el
que se le da en la actualidad, las vajillas de oro y plata se exponían en aparadores mientras
las salas principales se cubrían con tapices. Mientras que este tipo de objetos decorativos
si formaban parte mas o menos del día a día no pasaba asi con la pintura que fuera de
corte profano (ej: Las Meninas, colocadas en el despacho del rey). Se extendió el uso del
lienzo como soporte artístico para la pintura, aunque en el siglo 16 sigue habiendo más
tapices (la Capilla Sixtina se completaban con tapices de Rafael). Lo que se entendía por
arte en la Edad Moderna no se corresponde con lo que se entiende hoy. Hoy se aprecia la
singularidad y la creatividad, en el pasado se valoraba el lujo ya que el arte no dejaba de
ser una habilidad.
1.4. CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES DECORATIVAS
ARTE DEL HIERRO
El hierro era conocido en la península ibérica desde la edad del bronce. La mejora de las
técnicas a lo largo del tiempo da lugar a la creación de importantes obras de arte (rejerías
de coro). Estas rejerías van a estar aplicadas a la arquitectura (tabique que permite ver,
pero no pasar. Se va a retrasar con respecto a la incorporación de las formas del gótico.
En España la etapa gótica de la rejería va desde finales del siglo 13 a finales del 15.
Durante la última década del siglo 15, primer tercio del 16, los artistas italianos pasaron
a la industria rejera (plateresco). En el siglo 16 durante la transición al renacimiento se
publica la obra Medidas del romano, 1526 (primera obra divulgadora de las formas del
renacimiento italiano en la Península Ibérica). Sus distintas paginas recogen elementos
concretos de esa arquitectura que van a ser utilizados por los maestros rejeros para
componer sus grandes obras. Ej: Reja principal de la Capilla Real de Granada, 1518-
1520; tiene una configuración parecida a un retablo, con un programa iconográfico en
escultura en el que participa esa exaltación a los reyes católicos.
En el Pleno Renacimiento (1535-1575) nos vamos a encontrar con rejas como verdaderos
elementos arquitectónicos, que pretende eliminar la idea de verja a cambio de fachada.
Se busca la proporción de forma italianizante. Ej: Altar Mayor de la Catedral de Toledo.

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Aparecen, aparte de santos; cariátides, atlantes… El montante (parte superior en rejería)
tiene una gran cantidad de elementos que se podrían resumen en una especie de
compendio de todas las formas decorativas del Remamiento español.
El siglo 17 viene marcado por un bajón en los talleres de forja (ya están las grandes
catedrales construidas y había empeorado la condición económica del país). Ej: Rejería
de la Puerta de los Leones de la Catedral de Toledo. Nos puede recordar a la arquitectura
escurialense, formas rectas.
Entre 1680 y 1800 se produce una época de gran ostentación basada en una corriente
extranjera, basándose en artistas extranjeros establecidos en la Corte. va a ser el resurgir
de la rejería y se va a producir el paso de esta a los grandes palacios y otras viviendas más
modestas. Abundan rocallas, decoraciones fluyentes, asimétricas que se corresponde con
lo que se está haciendo en el resto de Europa. La rejería en España ha perdido e carácter
de original.
El paso del tiempo y la industrialización va a provocar que sean producto de empresas
industriales y no de talleres artísticos de forja. Pasa por dos momentos, rejería de etilo
neoclásica y ecléctico (siglo 19).
En el siglo 20 tiene gran importancia el Modernismo que se va a desarrollar hasta los años
20 siguiendo el estilo de Gaudí o Francisco Molla Berenguer. A finales aparecen …….
Rescatando métodos en beneficio del arte.
ARMAS Y ARMADURAS
La Península Ibérica tiene una gran importancia en el desarrollo de armas y armaduras.
Durante los siglos XVI y XVII las armas se van adaptando a los cambios del arte militar,
llegando a la Espada de lazo (1500-1600) con un poco redondo o cuadrado, con
empuñadura recta y maciza, con brazos formando una cruz, y una guarda y contraguarda
que rodean el arranque. Se desarrolla a la Espada de taza o cazoleta (siglo XVII).
La Armadura de Mülhberg para Caballería (1544) destaca la decoración de las piezas con
festones ojivales que incluyen grabados. Se trataba de hacer una armadura útil y bonita.
Las armas de fuego como el Arcabuz de mecha (1570-1600), dedicada a la caza. No eran
cómodas por su gran tamaño y peso, por lo que se desarrolla al Arcabuz de rueda y
mosquete (1600-1700) con la introducción de dicha técnica que hacía que el proceso fuese
más cómodo. Encontramos elementos como amatistas, esmaltes… es un tipo de carácter
decorativo. Esto hace que la pieza se vea más allá de su funcionalidad.
En el siglo XVIII y la llegada de los Borbones se da unos cambios, entre ellos la
contratación de Nicolás Bis como arcabucero (armador). Entre las innumerables armas
que hizo destaca la Pistola de arzón par Felipe V (1730), un arma corta que se utiliza con
una sola mano.
Por otro lado, en Ripoll tuvo lugar una industria armamentística peculiar principalmente
por su energía hidráulica y minas de hierro. Destacaron la fabricación de armas blancas,
ballestas, armas de fuego… era un tipo de industria a la castellana ya que cada armero se
ocupaba de una pieza del arma. Estaba el maestro cañonero, el herrero o cerrajero y por
último el encepador, el que unía todos los elementos. En el primer cuarto del siglo XVII

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las armas como la Pistola de Ripoll tuvo un cambio ya que le cañón fue acortado, con una
culata esférica al final que se escondía en la mano y llave de rueda. Se optó por una
decoración vegetal o de arabescos, teniendo mucho cuidado en su acabado en plata.
RELOJES
Es necesario conocer la maquinaria. Se dice que un pueblo que no haya llegado a conocer
los relojes no ha llegado a un grado perfecto de civilización. La función del reloj es
sustituir a los campaneros humanos.
La esfera es una especie de adaptación tardía dentro de la relojería mecánica.
Los primeros relojes mecánicos en espala fueron realizados por extranjeros. No se
conservan, pero se sabe por fuentes de archivos. Tenían un alto precio. No se han
conservado porque se reutilizaban los materiales de un reloj viejo para uno nuevo.
Dos relojeros flamencos hacen el segundo reloj de la Catedral de Barcelona. A partir de
la segunda mitad del siglo 17 se van incorporando técnicas que hacen que los relojes
tengan una gran fiabilidad de marcha. Esto hace que mucha gente se anime a comprar
relojes, que no necesitaban la figura constante del relojero. Expansión a partir del foco
cortesano. Mas allá del trabajo de artistas foráneos el arte de la relojería va a destacar en
distintos focos regionales: Galicia, Levante… Mediante una publicación se intenta que se
pueda prescindir de la figura del relojero. Con Carlos III se va retomando distintas
cuestiones relativas a la enseñanza de los oficios industriales (fábrica de porcelana, de
tapices, real carpintería…). Para instalar esta escuela de relojería se insta a la Junta de
comercio, - y minas de la función de crearla. Esta se aprueba 1771, y hasta el año 1774
los hermanos Chareau estuvieron trabajando en el Reloj de la Alegoría de las artes. Este
es de tipo de sobremesa y no nos ha llegado completo. Es de bronce dorado con las horas
en números romanos y los minutos en números árabes. Las agujas eran de bronce dorado.
Tiene un diseño de líneas barrocas con adornos de tipo vegetal. Los hermanos querían
ganarse la confianza del rey. Dentro de esta escuela (alumnos españoles) podemos
destacar la labor de Manuel de Frías firmando un reloj de sobremesa que se encuentra
ahora en el museo municipal de Madrid. Es un reloj de tipo chimenea con péndulo corto,
caja de madera con apliques de bronce dorado y de estilo que refleja el estilo inglés,
corriente estilística de segunda mitad del siglo 18.
OBJETOS METÁLICOS
OBJETOS DE LUZ
Elementos vinculados a aportar luz, antorchas, velas… implica gran materialidad: hierro,
bronce, cobre, latón… estos objetos portadores de luces han tenido aspecto muy vario en
cuanto a su función. Pueden ser de carácter utilitario o suntuario.
- Candelero: objeto portavoz de una sola luz, con dimensiones no excesivas, portatil
e idóneo para su correcta ubicación sobre algún mueble.
- Candelabro: objeto portador de luz de mayor tamaño bien para poner sobre un
mueblo o con un pie de mayor tamaño para que su elevación sea desde el suelo.
- Hachones: modalidad de candelabro de uso únicamente religioso, con altos pies y
sobre ellos el hachón (vela de gran tamaño).

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 - Ciriales: objeto luminoso propio del culto religioso, especie de candelero de una
sola luz, alto estrecho sin pie y que debe ser sostenido por un –.
- Tenebrario: objeto luminoso propio del culto religioso con 15 velas. Tenía su
función dentro de los oficios de la semana santa.
OBJETOS DE ESCRITORIO
Carácter decorativo, se busca que más allá de su utilidad sean bellos. Tipos de objetos:
- Tintero: objetos para contener tinta. Las escribanías solían tener un solo tintero,
aunque los más ricos tenían dos (uno para tinta negra y otra roja). Pasa con el
tiempo están en la mesa, tener decoración y tener tapa. Incluso puede tener tapa
con garras ganado en distinción.
- Pluma: hasta el siglo 18 solían ser plumas de ave preparadas. También se usaban
las cañas de origen vegetal y por su utilización para la escritura se hizo necesario
la utilización de portacañas. Derivan de esta las plumillas.
- Salvadera: tenia tierra en su interior y se esparcía sobre el soporte para que no se
manchara todo.
- Escribanía: hay muchos tipos de estas, aunque solían conformarse por los
elementos anteriores. Había dos tipos, una con carácter portatil que era una caja
de madera, hueso o metal; o la escribanía de mesa, mas monumental y ornamental
y que tenia una bandeja o pie que la separaba del escritorio donde se pusiera, se
solía hacer de bronce o peltre sobredorado.
- Atriles: en muchos casos van a guardar relación con formas de la rejería. Se
fundían en ocasiones y se hacían otros nuevos por lo que no nos han llegado
muchos.
OBJETOS PARA CONTACTO CON EL FUEGO
Para calentar habitaciones, para acumular troncos para una chimenea, para usarlo en una
cocina o en sus fogones…
- Brasero: a partir del siglo 16 adquieren el carácter de mueble domestico
aumentando su dimensión y siendo cada vez más altos. La sujeción y apoyo donde
se van a disponer las brasas tienen gran importancia.
- Morillos: son una especie de caballetes de hierro que se colocan en el interior de
una chimenea, bien para sostener la leña o bien para colocar una barra transversal
y un caldero para cocinar. Mas allá de hacer una simple pieza de metal se busca
un carácter ornamental.
- Guardafuegos (placas de chimenea): chapas metálicas de la parte exterior de la
chimenea que se colocaban en la capa exterior de la chimenea con objeto de
protección para que no salgan chispas o carbón al exterior.
OBJETOS PARA PUERTAS DE MADERA
Las puertas de madera que se ven como una parte de la arquitectura llevan a veces
incorporados una serie de objetos metálicas que aparte de su función dan personalidad a
una puerta.

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 - Chapa: con la llegada del renacimiento michas cerradoras empezaron a realizarse
con bronce dorado. Mas allá de la función (abrir y cerrar) tienen una gran cantidad
de decoración, con formas cercanas a la rejería.
- Aldabón o llamador: compuesto tanto de placa martillo que golpea. En el siglo
16-17 fueron principalmente los templos y palacios quienes tenían estos
elementos en sus puertas.
- Clavos (cabezas de clavo): se repite el mismo motivo ornamental, aunque más allá
de la función decorativa tiene otra que es reforzar la puerta. Formas abullonadas,
forma de estrella, forma de cruces, símbolos de órdenes religiosas…
OTROS OBJETOS
- Brocales de pozos: cumple la función de pasar a través de ellos una cuerda para
sacar agua. Mas allá de esto se le da cierta decoración en el Renacimiento y que
se recargará en el Barroco.
- Cerradura de bargueño: si extraemos la pieza del mobiliario al que pertenece tiene
cierta identidad artística por sí misma.
MEDALLAS
Una medalla es un monumento en forma de moneda. – las medallas han surgido para
perpetuar la memoria de un acontecimiento singular, honrar la memoria de un soberano
o persona o aumentar la devoción de los fieles. Podemos clasificarlas de diferentes
maneras, una de ellas es según el material: oro, plata, bronce, estaño… también se pueden
distinguir por procedimiento de –: fundición, --… Pueden obtener por fundimiento del
molde o por cera fundida tras haber sido antes fundida en madera tiene el artista la
posibilidad mediante el buril o el cincel de retocar la pieza además de poder usar barnices.
Suelen ser redondas. La mayoría tiene dos partes, el anverso (principal) destinada a una
o varias figuras de personajes ilustres, representación de un hecho histórico…; y el
reverso cumplimenta al anverso presentando normalmente alegorías o atributos relativos
a lo representado en el anverso. También hay medallas inclusas que solo tienen una cara
(anverso).
Las medallas surgen en Italia estando su nacimiento ligado a Antonio Pisano (Pisanello)
que realizo distintas medallas. En España primero son artistas extranjeros. Gianpaolo
Pollini y Domenico Pollini se trasladan a Madrid, hacen medallas con el rey Felipe II en
el anverso y su esposa en el reverso. Giacoppo – llega a Madrid y busca trabajo dentro
del ámbito cortesano, trabajando en San Lorenzo del Escorial con Juan de Herrera.
Debido a su relación de amistad con él le regala una medalla. Retrato del arquitecto con
texto en el anverso y alegoría de la arquitectura en el reverso. También hizo otra a Juanelo
Turriano con su busto en el anverso y la fuente de la ciencia que alude al agua y al
conocimiento en el reverso. Hasta el reinado de Fernando VI no fue cuando la medalla
consiguió la máxima representatividad. En 1747 Tomás Francisco Prieto se convirtió en
el grabador principal de la Real Casa de la Moneda de Madrid. Se hacen medallas para
los ganadores de los concursos públicos convocados por la Academia de Bellas Artes de
San Fernando, primero de forma anual y luego cada 3 años. Ej: en el anverso aparece San
Fernando, en el reverso encontramos una alegoría donde aparece el emblema de la
academia y la corona real aparte del símbolo de la Fábrica de la Moneda y Timbre.

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En el siglo 19 no encontramos grandes cambios. Félix de Sagau y – hace una
conmemoración de la Pepa. En el anverso esta la cabeza de Fernando VII laureada; y en
el reverso dos figuras alegóricas, la de España y la de América (dos guerreros con sus
respectivos atributos), estos sostienen el libro y se dan la mano por detrás (unión), el libro
de la constitución aparece sobre dos globos terráqueos y junto a uno de ellos aparece un
león y los dos pilares con el lema plus ultra. La composición del reverso se completa con
una inscripción.
Hacia 1900 destaca el trabajo de Bartolomé Maura, podemos destacar la medilla que
conmemora el matrimonio de Alfonso XIII y --. En el anverso aparecen los dos monarcas
representados en busto de perfil, junto con la inscripción unión augusta, hay cierto cambio
estilístico con la representación de rostros comunes. Otro medallista es B/Menllure, con
la medalla de la Exposición Nacional de 1915 realizada entre dos artistas. Este hizo el
anverso en el que aparecen los monarcas de perfil con un carácter impresionista. En el
reverso de Miguel Blay aparece una musa desnuda con un cuerpo bastante estilizado, la
musa sujeta una tabla en blanco y en la otra un laurel (victoria). Se representa además un
paisaje para encuadrar la figura. Gustó mucho y siguió utilizándose hasta 1931.
CORDOBANES Y GUADAMECÍES
Estudio y trabajo artístico sobre cuero. En su día fue introducido por los árabes en la
península (sobre todo en Córdoba como el principal centro de producción). Primero se
sacrifica el animal y se curte bañándola. Unas ordenanzas regulo el proceso por el cual se
tenían que realizar estos distinguidos objetos. Se utilizaban para estuches, cajas, altares
portátiles, sillas de montar, sillas de montar… El cordobán está hecho con piel de cabra
mientras que la bandana es con piel de cordero. Técnicas:
- Trabajar en modelado, labrado y rebajado en el cuero es trabajar por su envés, y
según la presión dada en el lado contrario.
- En el repujado trabajamos por la parte contraria, pero oprimiendo. Tiene que ser
cumplimentado con el modelado.
- El estampado es una variación del modelado. Se utiliza un molde (troquel) para
rebajar los fondos lográndose la decoración en dos superficies, la normal y la que
queda comprimida por los moldes. Distintos tipos:
o Moldeado que emplea moldes de madera y metal para grandes superficies.
o Ferreteado ----- se usa el mismo molde, pero se utiliza de distinta forma,
dentro de este hay dos tipos (gofrado: uso de piel en su color; de hierros
dorados: se le añade pan de oro para que quede adherido de la superficie
pasando a formar parte de esta).
- El tallado se hace por relieve como se trabaja un bloque de madera de manera que
el motivo queda en la flor y el fondo queda ahuecado. Utilización de la taracea,
imitando la taracea en madera, pero únicamente en cuero.
- El calado o recortado, se recorta parte del cuero para ver que hay más allá, dejando
hueco de fondo formando un motivo ornamental.
- Bordado, se bordeo sobre la superficie de cuero o pespunteado, en el que se pasa
un hilo con carácter ornamental.
Los cordobanes se utilizaban para hacer objetos como zapatos, sillas de montar,
estuches… también se usaban como complemento del mobiliario, en la edad media se

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forraban arcas, baúles… al proceso de encubrir un mueble con pieles se llama encorado.
Con el paso del tiempo las incisiones se hicieron mas profundas y con ellos se llego a usar
la técnica del rebajado para acentuar el relieve. Como temas decorativos encontramos
aves, leones, tracerías... mezclados con motivos florales. Este tipo de decoración pasó
luego a América siendo muy importante.
Los guadamecíes era la piel del carnero curtida, y usualmente dorada. Las pieles se
reblandecían, se mojaban y se golpeaba para que se vayan estirando. Una vez consiguen
la fineza y tamaño oportuno se dejaba secar. Una vez seca se encola aplicándole láminas
de plata, bruñéndola para obtener cierto brillo. Mientras mas fuerte y lisa sea la superficie
de la piel mas brillante va a ser la plata. La plata no se usaba en su color, se empleaba un
barniz el cual los guadamacileros llamaban oro porque empleado convenientemente daba
la apariencia de que era oro. A su vez si se quería podía darse que sobre el supuesto oro
se rapase quitando parte del barniz dejando ver arte de la plata inferior, se empleaba
también el dorado falso (oro de Alemania), en vez de emplear la plata se utilizaba estaño
y sobre este se ponía el cobre dorado dando la opción del juego entre lo dorado y lo
plateado por debajo. Cuando ya lo tenemos se imprime el dibujo mediante alguna de las
técnicas interiores. Lo primero era tener antes el diseño ornamental, partiendo de ese
patrón posteriormente se colocan las pieles sobre unas planchas de maderas donde
tenemos el diseño que sele va dar a la composición. Para superficies menos grandes en
vez de planchas de madera se usaban una serie de hierros directamente sobre la piel con
la técnica del ferreteado. Las decoraciones interiores con guadamecíes se usaban desde la
edad media, pero sobre todo desde el siglo 16. Van a empezar a sustituir la utilización de
los tapices (decoración y aislante) siendo más baratos que los segundos además de ser
más resistentes a la humedad. A partir del siglo 17 se dejaron los patrones árabes para
interesarse por el gusto flamenco e incluso francés, dando lugar a una pequeña
industrialización, y se sustituye el ferreteado por el molde en relieve. Los motivos
proceden de marinas que llegan a Francia, es un tipo de rocalla incipiente.
Va a haber retratos realizados en cuero, incluso algún retablo. Ej: retablo de San Miguel.
Tiene 4 metros de altura y está compuesto por 56 piezas de cuero cosidas. Dividido en
dos cuerpos con una serie de representaciones figurativas enmarcadas entre elementos
arquitectónicos. Las calles están delimitadas por guadamecíes ferreteados in candilieri.
Aparece san miguel y sicopompo pisando al demonio y con una pequeña donante en
actitud orante, a sus lados dos arcángeles (Rafael y Gabriel). Muchas parroquias
conservan frontales de altar con estas técnicas como el frontal de Santiago. Este esta
formado por 3 pieles con brocado. Se intenta dar la impresión de que es terciopelo y oro.
En la parte central a modo de cartela aparece el busto de Santiago peregrino enmarcado
dentro de un cuadrado. La decoración se complementa con flores, rocallas y las dos
cartelas de las esquinas superiores adornadas con motivos vegetales. El conjunto con el
galón dorado y la decoración en relieve que a su vez esta pintada con oleo en diferentes
colores, dejando en ocasiones el color propio del cuero.
ENCUADERNACIÓN
Hay algunas que responden solo a la función de resguardar el libro y otras que presentan
a lo largo del tiempo que presenta incluso mayor valor económico la encuadernación que
el libro que acompaña. Los libros pasaron de tener un único pliegue a tener una serie de

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cuadernillos. La evolución del arte de la encuadernación se abre a la dimensión estética
de ciertos libros y al carácter de coleccionismo. Las distintas tipologías de
encuadernaciones se deben a dos fenómenos: -----, y el lugar al que esté destinado ese
libro, la posición y como va a ser contemplado. A veces no tiene nada que ver el contenido
del libro con la encuadernación. En la edad media se concentra todo el poder de la
encuadernación en las tapas del libro porque solían colocarse tumbados. [Partes del libro:
lomo, bisagras, tapas (anterior y posterior).] En el Renacimiento la tapa centra todo el
lujo porque se disponen en estanterías. Los lomos en el siglo 17 contienen más decoración
porque se empiezan a colocar de canto.
Técnicas: la encuadernación más simple está hecha en seco sin oro, hechas de la
impresión sobre la piel de una serie de motivos ornamentales con hierro, bien al frío
(estezado) o bien en caliente (gofrado). En el Renacimiento se usaron técnicas nuevas
como la rueda (en Alemania). Va a surgir un sistema que va a permitir la encuadernación
de varios libros a la vez. Aparece la estampación en oro que transforma el aspecto de las
encuadernaciones. Surge en Budapest (1470-1490) Matías Corvino la desarrolla y pasa a
Italia y luego a toda Europa.
Estas encuadernaciones también usaron otros materiales como terciopelo, marfil… en el
Renacimiento la encuadernación paso por diferentes transformaciones técnicas y
formales llegando a tener una importancia que anteriormente no había conocido. Podemos
mencionar la rueda, la decoración con planchas, el dorado, os nuevos repertorios
decorativos del mundo renacentista como causas del cambio de la apariencia de la
encuadernación.
En el caso de España estas nuevas técnicas no vinieron a sustituir completamente aquellas
heredadas de la tradición. El proceso va a ser mas lento que en otros países. La
encuadernación española siguió una trayectoria diferente a la que encontramos en otros
países de Europa. La tradición no es lo que impera en la encuadernación española.
Encontramos unos patrones uniformes que se van a ir repitiendo, vemos unos juegos
compositivos que proceden de la tradición mudéjar, con un motivo decorativo gofrado
con ruedas de tipo clásico que se vienen a definir en la tradición española como
plateresco. En el caso español no había tradición bibliográfica que estuvieses asentada en
aquellos personajes que tenían un gran interés en adquirir libros para sus colecciones
(bibliófilos). Felipe II va a contratar a Pedro del Bosque y lo va a nombrar – de la Casa y
la Capilla Real de San Lorenzo del Escorial.
Hacia finales del siglo 16 en la decoración la estampación al oro va a ir cobrando cierta
relevancia. Aparecen elementos formales nuevos pero que repite esquemas de la tradición
mudéjar. Aplicación reiterativa de elementos formales con interés por cubrir la totalidad
de la tapa. La encuadernación barroca española tiene su arranque con una serie de tipos
populares que se van a generaliza a finales del 16b y `primeros años del 17. Sistema
compositivo decorado al oro en el cual vemos un tipo de ornamentación que sigue unos
esquemas de tipología fija: decoración en abanico. Ofrece una gran cantidad de modelos,
pero va a presentar unas características que se van a mantener inalterables. No se
abandona la utilización de la orla exterior, motivo presente en toda la época.
En el 18 se produce la irrupción de los borbones que traen un nuevo gusto por el arte
italiano y francés traen a su vez una serie de artistas nuevos que trabajan para la corte.

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algunos motivos, aunque mantienen el sentido barroco de la decoración se van a convertir
en una serie de filigranas en dorado. En esta época se emplea la técnica del bordado en
encuadernación.
Con el reinado de Carlos IV se va a producir un cambio de gusto no solo orientado a la
idea neoclasicista del momento, sino que va a haber además un gran interés por los
motivos franceses e ingleses. Se producen cambios en la encuadernación y se
generalizaron nuevos modelos: modelo cortina. En este vemos la idea de los modelos
neoclásicos junto con la introducción de una serie de formas que se pueden relacionar con
el romanticismo. Ambas tapas llevan el mismo tipo de decoración. El marco nos remite
al estilo cortesano francés. Este es uno de los tipos mas valorados de nuestra
encuadernación y bastante original. Dentro de las corrientes romanticistas que se están
introduciendo en las técnicas de la encuadernación se encuentra la corriente europea de
los revival. José Thouvenin es el promotor de la decoración tipo catedral. Esta es una
técnica que se realiza mediante planchas con un patrón y por presión pasa a la propia
portada.
TELAS, ALFOMBRAS Y TAPICES
El ser humano desde el principio de su existencia ha tenido la necesidad de rodearse de
telas tanto para vestirse como para adornar sus casas y sus lugares de culto, además
muestran las modas de la época. Se realizan en telares (horizontal, más utilizado; vertical,
para alfombras y tapices) hay telas de tipo animal: seda y lana; y vegetal: lino, cáñamo y
algodón. Materiales:
- Seda: filamento que segrega el gusano de la morera. Se usa desde hace mucho
tiempo en China y en Europa se introduce en Bizancio en el siglo 6/7, y luego lo
van a extender los musulmanes. Material que brilla, fino pero resistente, muy
suave y fácil de tintar.
- Lana: sobre todo para alfombras y tapices. En países como España es muy
abundante y de calidad muy diversa. Una vez limpia se va a lavar varias veces en
agua caliente para quitarle suciedad e impurezas (escaldado). Después la vamos a
hilar para conseguir ovillos. Es elástica, confortable y fácil de tintar.
- Lino: se seca en fardos. Se empleaba desde los romanos.
- Algodón: se conoce desde la época musulmana.
- Cáñamo: no se suele utilizar solo, se acompaña de seda o lana. Hace que estos
sean mas resistentes. Los textiles realizados con este material se usan para el
tapizado de muebles.
Las fibras textiles se pueden usar en su color natural, aunque lo normal era teñirlas. Sus
técnicas eran secretas y estaban ligadas a grupos de judíos ya que estos tenían una relación
laboral con el tinte. La calidad de los productos textiles era importante para el tinte. Se
promulgaron una serie de normas, entre tejedores y tintoreros prohibiendo el uso de
determinados tintes considerados fraudulentos porque desaparecían con el paso del
tiempo o causaban la destrucción de los propios tejidos. Los tejidos son elaborados con
fibras hiladas que se cruzan, ese cruce se lleva a cabo en un telar.
Dos partes: urdimbre (hilos del largo del textil) y la trama (hilos que se cruzan
conformando el ancho). Todo textil está formado por estos dos puntos. En un telar se

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coloca primero la urdimbre y luego poco a poco se va pasando el hilo de la trama. Según
como nosotros relacionemos ese hilo nuevo en la urdimbre que ya estaba hecho podemos
obtener diferentes tipos de tejido: hilo simple (tafetán [pasa por los hilos pares], sarga
[pasamos sobre la trama dos o más hilos de urdimbre y por debajo uno sobra, en las
siguientes pasadas era el inmediato dando lugar a líneas diagonales], satén [tela satinada
caracterizada por la elegante caída que da el resultado producida por el peso del textil, el
algodón es brillante porque las fibras son separadas, peinadas y estiradas para ser más
sedoso] y raso) y tipos compuestos.
A principios del siglo 19 se inventa el telar -- -----------
En la época renacentista se siguieron utilizando los terciopelos que se emplearon en los
siglos anteriores, con decoración de piña o de granada (motivos vegetales que se iban
repitiendo). Poco a poco van a ir desapareciendo los patrones asimétricos y se van a air
ordenado, por ello el principal avance fue la fabricación de los tejidos llamados
brocateles, complementando con cáñamo para abaratar los costes al reducir el uso de la
seda. Fueron muy utilizados en tapicerías sustituyendo principalmente a los brocados
(seda) y tuvieron una amplísima difusión en España. Surgen el siglo 16 pero se siguen
empleando en el siglo 17, cuando van a ampliar el tamaño de los motivos geométricos y
ornamentales representados con grandes hojas, florones, jarrones, pájaros… con motivos
típicos del barroco español y la idea de simetría.
Los tejidos utilizados para la indumentaria son terciopelo y brocados. En el día a día
usaban brocateles y damasco, con un motivo decorativo de flores y frutas, con un patrón
que se va repitiendo. También se le llego a introducir hilos de palta y de oro. Muchos de
estos tejidos han desaparecido.
A lo largo del siglo 17 la industria textil española fue cayendo. Los moriscos en muchas
ocasiones se dedicaban a estas labores antes de ser expulsados. Desapareció
completamente por ello la industria de la seda en España. Con la llegada de Felipe V se
produjo una revitalización, con la introducción de lo italiano, lo francés. La industria textil
de Lyon tenía gran importancia, siendo grandes exportadores para las grandes cortes
europeas, llegando hasta España.
En el siglo 18 se produjo en Valencia una gran revitalización, ya que antes tenía una
tradición de industria textil y el rey llevo a cabo una labor de protección laboral. Se hacían
los espolines que se usaban para tapizados y fabricación de ornamentos litúrgicos.
Se creó también la Real Fábrica de Seda de talavera de la reina por patrocinio de Fernando
VI, trayendo a un artesano textil de Lyon (Rubier) al que mando director de esta. Con el
paso de los años llego a contar con gran cantidad de trabajadores. Se dedico
principalmente a la confección de tejidos en seda para hacer brocados para confeccionar
vestuario litúrgico. Va a haber un gran aumento de la producción y la calidad.
Hay dos estilos: los temas florares ondulados propios del Rococó y los procedentes de la
decoración de tipo pompeyano, aunque es más fría. Para esta segunda línea se va a pasar
a una gama cromática decolores pálidos: blanco, gris perla… En la decoración van a
aparecer coronas de laurel, palmetas, imitación de bustos… A finales del siglo va a bajar
la demanda y la cantidad de materiales que sumado a otros problemas de la época se
cerrará la Real Fábrica.

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Las alfombras en España tienen su origen desde la etapa musulmana. Fue también desde
la Península Ibérica donde se recibieron esas técnicas por parte de los musulmanes y sin
embargo en la Península se van a seguir unas técnicas propias.
Las alfombras normalmente tienen tres tipos de nudos. La diferencia entre un tejido
cualquiera y las alfombras son los nudos realizados sobre la urdimbre y la trama. La
urdimbre en el caso de las alfombras está formada por hilos de lana o lino y da
consistencia a la alfombra. La separación de esos hilos es variable. La trama es el
elemento que va formando el tejido de la alfombra al pasar alternativamente al pasar por
los hilos pares e impares de la urdimbre. El hilo de la trama se compone de 2 a 6 fibras
textiles y no se suele colorear. Tenemos un tafetán al que unimos los nudos, que son
agrupaciones de fibras textiles que vamos a realizar en la urdimbre. Es un elemento que
conforma la ornamentación de toda la alfombre, de manera que la calidad depende del
número de nudos por centímetro cuadrado. Tipos de nudos: persa (1), turco (2) y español
(3).
1Se envuelve completamente un hilo de la urdimbre y se deja pasar por detrás el segundo
hilo. Este tipo apenas fue utilizado en España.
2Consiste en rodear dos hilos de urdimbre y pasar el hilo por le hueco que hay entre ellos.
Se encuentran algunos ejemplos en España.
3Ocupa únicamente un hilo de urdimbre (uno con nudo y otro libre). Se envuelve un solo
hilo cruzándose los extremos por detrás y volviendo a la superficie por ambos lados de
este. Es una forma de tejer que tiene la peculiaridad de que solo usa los hilos pares dejando
libres los impares. Por este motivo los nudos se forman en zigzag y cuando tienen líneas
verticales no pueden conseguirse líneas tan definidas como con el hilo turco. Se van a
realizar con telares de bajo lizo y de alto lizo. Se crea una especie de gran estructura que
se fija al suelo o a la pared sobre la que se sostienen dos cilindros que giran en la parte
superior se va tejiendo y en la inferior se va recogiendo una vez tejido. El material
normalmente utilizado era la lana de oveja.
Ejemplos:
- En el Renacimiento entre otros se utilizan brozados como motivo decorativo y
motivos guadamecíes. El colorido es poco frecuente. Presenta un campo de fondo
de color castaño con decoración ojival, tallos, piñas esquemáticas, y perfilado con
un contorno amarillo. Toda la alfombra queda enmarcada por finas líneas de color
amarillo pajizo.
- Alfombras tipo/serie loto realizada en Cuenca con nudo español sobre un fondo
anaranjado sobre el cual se desarrolla una decoración afrontada con formas
vegetales. Colores azul y verde. El patrón se va repitiendo. En Asia menor se hizo
famosa este tipo de alfombra y llegan a España. Francisco Loto solía utilizar ese
tipo de alfombra en muchas de sus composiciones.
- En el siglo 19 el patrón se simplifica mucho más con una parte central divida por
distintas grecas. La primera son flores octofolias separadas por unos marcos lisos.
En el otro nivel nos encontramos motivos de almenillas. Dentro de este tipo de
alfombra lo peculiar es que apenas hay espacio vacío. Sigue unas líneas propias

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 del siglo 19. Al ser dos colores principales apenas hay un espacio vacío. El color
verde es un añadido sobre la trama. Los telares de la Real Fábrica de Santa Bárbara
también hicieron alfombras. La mayoría se hicieron para los palacios del Pardo y
Aranjuez, pero solo se usaban para grandes solemnidades. En el año 1800 el jefe
de aquella manufactura pidió permiso para que se permitiese a un artista de aquella
fabrica (Stuyck) el realizar una serie de cartones para que el diseño de esas
alfombras tuviese mayor calidad. Los patrones de alguna manera copian ideas
francesas y tienen de peculiar que suelen estar firmadas. Doble autoría: diseño de
Stuyck y realización de la Real Fábrica de Tapices. Relación con el mundo francés
en la decoración concierto carácter retardatario volviendo a la idea de los petit
palais con un cierto toque neoclásico y rocallas muy difuminadas.
Los orígenes de los tapices ligan con las antiguas civilizaciones orientales que, aunque
no se hayan conservado, sabemos por fuentes que los persas y los babilonios decoraban
los palacios con grandes tapices. Los griegos y romanos también usaron la técnica del
tapiz. En la obra de Velázquez se puede ver en la fábula de Aradne, en la que aparece la
diosa atenea y Aradne compitiendo por ver quien tiene mayores habilidades en el mundo
de la tapicería. En el tapiz que hacen se muestra el rapto de Europa.
En España se introduce el arte del tapiz en la Edad Media, usándose tanto en iglesias
como casas nobles en ocasiones solemnes. El tapiz más antiguo se conserva en la catedral
de Girona, siendo un tapiz de la Creación, aunque realmente no es un tapiz, sino una pieza
bordada en lana e hilo bordada sobre tela roja. Se llama tapiz por su gran tamaño además
por la tradición que le otorgo este nombre. Tiene un siglo de historia y aparece la escena
de la Creación según el Génesis, escenas del calendario y escenas del descubrimiento de
la santa cruz.
Un tapiz es un tipo de decoración policroma que normalmente copia un modelo o cartón.
Las distintas tramas van copiando esa representación pictórica que aparece en la pintura
o cartón que tome como base. Podemos tener tapices que copien obras ya conocidas o
otros que exprofeso sigan un modelo que se han creado desde nuevo. Se conservan
muchos cartones realizados por Goya. En cuanto a su función decorativa normalmente
venía a imitar la pintura. Con el paso del tiempo se desarrolla el colorido pasando de unas
gamas cromáticas muy limitadas a otras mas amplias. Especialmente los tapices al estar
realizados con seda son elementos que cucando están expuestos se encuentran dentro de
grandes vitrinas para evitar que los colores desaparezcan. Al principio la función de todo
tapiz era ser colgado (en el muro), pero con el cambio de gusto en el Barroco y el Rococó
muchos pasaron a estar enmarcados.
En el caso español tiene una de las mejores colecciones de tapices del mundo. Hay que
señalar que debido al interés de los Austrias y su relación historia con los territorios para
los que estos tapices tenían mucha importancia hay muchos tapices de primera calidad
procedentes de Bruselas. Se siguen creando tapices en España para el encargo de la
familia real y altos cargos. En el siglo 16 encontramos sus orígenes. Los primeros
ejemplos de tapices son dedicados a – de la Virgen de Joan Ferrer (catedral de Girona).
Se conservan de forma íntegra pero no destaca en cuanto a la calidad. Se observa en ellos
un gusto e interés por seguir la estética flamenca, la composición con la figura central que

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sube en ascenso de la virgen. Los modelos flamencos se ven en la forma de realizar las
ropas y la decoración de flores.
En el siglo 16 en Madrid se crea la Fábrica de Tapices de Santa Isabel regentada por
Antonio Cerón como responsable. No ha quedado nada de ella, pero fue la que representó
Velázquez. Antonio Cerón llega Madrid desde salamanca para cubrir la demanda que
había en la ciudad llegando a instalar 4 telares más. La RFT de Santa Bárbara llega más
adelante (1720) por el interés de encontrar con una fabrica real. Desde el tratado de
Utrecht ya no se podían realizar encargos a Bruselas, que sumado al interés de Felipe V
(corte francesa), dio lugar al favorecimiento de las artes nacionales. Este monarca estando
muy familiarizado con los tapices franceses a la hora de decidir sobre la RF no llamó a
franceses apara trabajar, sino a tapiceros flamencos. El cardenal Alberoni tuvo que ver
con la elección de los trabajadores flamencos.
- FALTA 17 OCTUBRE
BORDADO
- Bordado erudito.
o Bordado religioso.
o Bordado cortesano.
- Bordado popular.
Monasterio de Guadalupe: va a destacar por su gran importancia y colección. Frontal Rico
o de San Jerónimo. Este frontal fue bordado en Toledo, lo que son las escenas; lo demás
si se trabajó en Guadalupe. Esta pieza fue tenida en alta consideración, por lo que se le da
la denominación de frontal rico. Lo que corresponde al trabajo de Guadalupe fueron obras
de un fraile que se llamaba Fray Francisco. En cuanto a su disposición sigue la misma
estructura que el frontal anterior con un formato apaisado con una flequería y una serie
de escenas de la vida de la Virgen.
Otro ejemplo destacado es el Pontifical de Fernando VI (m siglo 18), no es un encargo,
sino que el bordador de cámara por voluntad propia decidió comenzar a realizar una serie
de piezas para formar un gran pontifical para usar en la Capilla Real. Estos ornamentos
están bordados sobre una tela blanca, los bordados se realizan con sedas de distintos
colores. Aparecen distintos emblemas aludiendo al rey y a Bárbara de Braganza (reina
consorte). Esos bordados en oro son hilos de plata sobre dorado. Motivos decorativos del
terno: castillos, leones, flores de Lis, las cinco quinas. Este terno se compone de 40 piezas.
Estilo barroco. Va a representar distintos personajes relacionados con la religión,
principalmente personajes del antiguo testamento y también predomina la presencia de
ángeles. Dentro del capillete los bordados están realizados con la técnica de la pintura a
la aguja. Muchos de los personajes representados formaban parte de las pinturas de la
colección del monarca.
Bordado cortesano
En la segunda mitad el siglo 18 tanto Carlos III como María Luisa de Parma impulsaron
y protegieron el bordado cortesano.
Destacan en estas labores los talleres de Gasparini y Juan López de Robredo.
Características generales: mayor participación de la mujer, multiplicación ded los talleres

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de bordado en distintas ciudades. En esta época se va a crear la Escuela de Bordado de la
Real Sociedad Económica de Madrid bajo la protección real.
En el salón Gasparini el rey se revestía y recibía a cierta audiencia de carácter reservado,
por lo que se tenia que hacer presente ese poder del monarca. Carlos III la quiso decorar
con gran primor encargado todos los elementos al pintor de cámara Matías Gasparini, al
cual conocía de Nápoles. Una vez fallece Gasparini sus obras siguieron bajo el diseño del
su hijo. Se le nombro también adornista de cámara. Bordados en sillones, paredes y techo.
También encontramos bordado en el Baldaquino de María Luísa de Parma. Tiene una
serie de colgadores de color verde manzana con un dosel a juego. El origen tenía también
consolas, espejos… El dosel incluye un elevado número de componentes: cielo con
gotereas, paño de caída y alfombra. Se realiza el tejido en la RF de Tejidos de Seda
(Valencia) y sobre este tejido en el taller de bordados de la Corte se van a realizar con hilo
de plata sobre dorado. Encontramos el escudo de la monarca y una serie de elementos que
nos llevan a la decoración de tipo neoclásica: lazos, aves, guirnaldas, flores, plantas…
esta pieza tenía un interés claro, presentarla ante la monarca para que recibirse de manera
privada a distintos invitados. Cuando ella no esta cae en desuso y se almacena, y a la
estancia de recibir de María Luisa de Parma se adapta al nuevo uso.
El bordado cortesano del siglo 19 no va a tener grandes avances, aunque los motivos
decorativos van a intelectualizarse buscándose un gran preciosismo y refinamiento.
Bordado popular
En cada región se da una serie de bordados característicos. Estaba en mano de las mujeres
y se transmitía de manera oral de madres a hijas, dentro de la comunidad. Ese valor de
bordado que pertenece a una comunidad es muy importante desde el punto de vista de la
antropología. Son muchos bordados de los cuales podemos sacar la importancia de la
comunidad. Los materiales empleados van a ser más sencillos usando hilos de oro aunque
en muchas ocasiones los patrones de bordado son muy relevantes. Valor ritual para
festividades, acontecimientos importantes en familias… La función del adorno personal
es otra finalidad. Uno de los problemas principales es la dificultad para fechar las piezas.
La existencia de estos bordados debe existir por lo menos desde la Edad Media. Se sabe
por elementos que se utilizan con una simbología de esta época y se han ido
transmitiendo.
En el siglo 16 y 17 van a mantener los modelos. En el 18 se introduce algún cambio y en
el 19 se mantiene.
PASAMANERÍA Y ENCAJES
Pasamanerías: es el genero de cosas que se hace entre------------. Bordas, galones y flecos.
Borlas: se forman por una especie de cordones que penden de un nudo que se recubren
con labores trenzadas o con nudo y suelen aparecer en el extremo inferior de cordones,
esquinas de cojines, manteles, colchas…
Galones: remates corridos que se aplican sobre superficies lisas para fijar los tejidos,
delimitar espacios y adornar.
Flecos: hilos que están colgones.

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Suele haber tantas escuelas de encajes como de bordados. El encaje es un tejido de mallas
entrelazadas o calados con flores, figuras u otras labores que se hacen bien con bolillo
con una aguja de coser o gancho.
TRABAJO DE LAS PIEDRAS DURAS
Conjunto de piedras artísticas que tuvieron su desarrollo en Milán y en Florencia durante
el Renacimiento. Ya sabemos que los griegos y los romanos ya usaban estos materiales.
Se usaban para hacer una especie de pequeñas pinturas para crear auténticos cuadros, una
labor de embutido de distintos materiales que vemos por ejemplo en el púlpito de la iglesia
del convento de las Agustinas de Salamanca. Este trabajo es muy delicado y necesita de
un trabajo muy preciso. Materiales muy delicados y caros. Gran dureza de los materiales
clasificados entre el 5º y el 6º grado en la escala de dureza. Carlos III cuando era rey de
Nápoles dio impulso a estos trabajos allí. Se va a traer a España a estos artesanos desde
Nápoles que previamente se habían trasladado desde Florencia. Va a fundar el Taller del
Buen Retiro. Han quedado algunas obras de muy buena calidad repartidas entre el Museo
del Prado y las Colecciones de Patrimonio Nacional. Los diseños de estas mesas llevan
directamente desde Italia, aunque algunos detalles son propios del taller del Buen Retiro
y algunos con influencias de los cartones de la RF de Tapices. Florencia se va a
especializar en el tipo de objetos que se asemejan a pinturas. Los cartones que se utilizan
para realizarlos se conservan en gran medida.
Vista del Puerto de Bermeo. Es un ejemplo de objeto de marquetería lapidaria. Hay
también templetes en el Museo Arqueológico Nacional.
VIDRIO Y CRISTAL
Vidrio: es la imitación por parte del hombre de algo que existe en la naturaleza: cristal de roca
(cuarzo cristalizado: considerado como piedra dura en orfebrería). Se ha ido perfeccionando,
buscando cada vez más poder parecerse al cristal de roca. Busca la transparencia, la dureza y la
brillantez. El hombre comienza ha realizarlo hace 5000 años. El vidrio actualmente se realiza en
grandes fábricas. Se consigue gracias a la fusión en grandes hornos (a 1500 grados) a través de
la unión de una serie de materiales: arena, carbonato sódico o de potasa, y otras pequeñas
cantidades de carbonato cálcico, magnesio, aluminio y otros. Quizás apareció por primera vez en
Siria, aunque luego pasó a otros lugares como Egipto. El vidrio se conoce en todo el Mediterráneo
gracias a la llega a Egipto por parte de Julio César, que en su viaje de vuelta se llevó vidrieros.
La técnica se ha guardado muy celosamente por parte de los artesanos. Por este motivo se habla
del descubrimiento de la técnica por parte de artesanos de Venecia y se guardaron el secreto, de
aquí la importancia del cristal de Venecia. La República de Venecia impedía que se revelase la
formula si no formabas parte de un taller. Los productos son bastante sencillos y se encuentran en
abundancia. No se encuentra puro, siempre va a haber una serie de aleaciones, dando lugar a
vidrios de distintas características. Tiene muchos usos. Según la función que le demos al objeto se
utiliza una mayor o menor presencia de sus componentes. La más común es la sílice que se funde,
pero necesita otro material fundente (sosa o potasio). Hace falta fuego para llegar a la combustión
necesaria. El vidrio es más barato de conseguir que el cristal.

Cristal de roca: fue llamado así por los griegos. Creían que eran trozos de hielo que habían
quedado prisioneros dentro de rocas. Estas piezas solo se conservan solo en museos o colecciones.
Es muy difícil de trabajar.

Cristal: es más refinado. No llega hasta el siglo XVII en Inglaterra al descubrir la hulla. Esta fue
empleada para fabricar el vidrio. Los humos eran bastante nocivos para la pasta de vidrio cuando
se estaba haciendo. Por ello, un vidriero alemán Rabencraft uso como fundente en vez de sosa o
potasa va a usar minio o óxido de plomo. Esto crea un nuevo producto con mas brillo y dureza

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 que el vidrio. Se hacen productos de gran brillo como piezas de vajilla muy selectas, piezas de
adorno de gran lujo,

Dentro de España hay gran producción de cristal en Cataluña. Más haya tiene gran
importancia Cadalso de los Vidrios. Destaca por sus hornos de vidrio (est. desde el siglo
XVI). Su característica principal es que son bastante transparentes, incoloros y con
adornos de colores. Las formas son más cerradas, menos aéreas, con formas más
funcionales.
Otro ejemplo es el vidrio de Recuenco que gozó de la misma fama que Cadalso de los
Vidrios. Tenia la misma fama por la cantidad de ventas y fabricación, aunque era de
calidad inferior. Hacia 1800 había tres hornos, en 1832 se hizo un cuarto horno del que
se hizo cargo Diego Dorado. En mano de la familia estuvo la industrial del vidrio hasta
el siglo XIX. Cuando instala el horno solicita mejoras: liberta de aljaba. Dorado logra
esos beneficios e hicieron que la industria del cristal de esta localidad tuviese bastante
importancia. Llego a conseguir que la casa real se surtiera de sus productos. Ejemplo:
vaso forma acampanada tipo ánfora, con función de vaso. Vidrio ligeramente melado
(color similar a la miel), cuerpo globular y cuello de boca expansionada. La base incluye
un pequeño fuste, pie de forma troncocónica y dos pequeñas asas entre el cuello y el
cuerpo hecha con pinzas mientras el material sigue caliente. El vidrio en este pueblo
mantuvo sus características a lo largo del tiempo gracias a Dorado. Tenía un gran interés
por el trabajo y un gran sentido comercial.
Otro lugar es Nuevo Baztán. José de – va a tener intereses empresariales por lo que
solicito a la monarquía un privilegio para establecer una fábrica de vidrio y cristal en el
lugar donde considerasen oportuno. Para ello construyó una especie de pequeña ciudad
que es un complejo fabril (planos de Churriguera). Una vez se construye la fabrica se
monta le negocio y encuentra grandes problemas hasta llegar al derrumbe de los hornos
hasta en dos ocasiones. A la tercera si se consiguió dando lugar a una fabrica de vidrio y
cristal de gran calidad. Se llegó a exportar incluso a América. El gran éxito que tuvo le
dio grandes privilegios desde la monarquía (prohibición de importar productos de vidrio).
Consiguió la enemistad con las fábricas de otros países y se pusieron de acuerdo para
poner todo el cristal que tenía fabricada para crear conflictos en España para que termine
entrando. De esta forma la fábrica de Nuevo Baztán se quedó con todo el género
almacenado. Cuando la situación económica mejoró se dio una gran sequia que produjo
la carestía de la leña que era necesaria, dando lugar al cierre de la fábrica. Vaso
troncocónico con cristal incoloro, decoración grabada (una vez fría la pieza) y con
distintos motivos que se repiten en la fábrica (soles, vistas arquitectónicas, óvalos y
motivos vegetales, con cenefas que las enmarcan).
A finales del XVII Francia el arquitecto Robert de Court puso en marcha la colocación de
espejos sobre la chimenea. A través de esos diseños que se van a divulgar por las grandes
casas de París (hôtels). Un ejemplo es la galería de los espejos de Versalles. A partir de
este momento todo noble decoraba su casa o algún salón con espejos de este tipo. Por
ello, Felipe V que añoraba los jardines y palacios hizo construir un palacio en mitad del
bosque en la sierra de Navacerrada, la Granja de San Idelfonso. Tras el incendio del
antiguo Alcázar Real se hizo necesario construir un nuevo palacio que necesitaba cristal
para las ventanas y para la decoración. Por esto dentro de la necesidad de crear vidrio y
cristal para estos nuevos palacios crea el rey una nueva fábrica de cristal (1727). Se creó

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una fábrica para crear cristales planos. En 1736, esa pequeña fábrica que se había creado
en la Granja de San Idelfonso consiguió privilegios reales para conseguir todas las líneas
que necesitasen, beneficiando a la obra de los palacios reales. Esta fábrica bajo protección
real crea otra serie de cristales donde participa José de Carvajal y --, buscando en Francia
maestros que trabajasen en cristal. Había gran interés por fabricar lámparas de cristal.
Hasta el momento había lámparas en bronce (holandesas). En el 1750 se va a comenzar a
trabajar plenamente con todo tipo de objetos realizados en vidrio, manteniéndose la
producción hasta la guerra de la independencia. Llegan maestros franceses que van a
atender preferentemente a los encargos de Patrimonio Nacional. Con la llegada de estos
maestros se buscaba que se realizara vidrio al estilo ingles (cristal). Desde el punto de
vista técnico el cristal era más fácil de trabajar para hacer lámparas, lunas para espejos y
vajillas de alta categoría. El cristal era más caro que el vidrio. Silver trabajaba con cañas
de soplar tanto ordinario como fino, trabajando desde piezas para mesas, de adorno, de
óptica e iluminación. En un manuscrito hablaba del cristal transparente, del vidrio
(denominado por el cómo ordinario), y de los vidrios opalinos o blanco de leche (el
material es blanco). Según los materiales utilizados da de resultado un tipo de cristal u
otro. Vaso troncocónico invertido completamente transparente con decoración dorada y
filetes en la boca, va a ser la decoración típica de los cristales de la Granja de San
Idelfonso. Copas en las que aparece la decoración con base a grabados que se han
dorado. Plato circular, hondo con tres compartimentos y decoración del mismo estilo
dorado. Vasos con motivo heráldico, de vidrio u opalinos, obtenidos por soplado; con
decoración esmaltada policromada.
LÁMPARAS DE ARAÑA
El precedente de estas son las lámparas colgantes. Es una forma de lampara colgada del
techo que ene le Renacimiento va a ir avanzando, haciéndola más funcional. Seguramente
en Venecia se intento por primera vez esa transposición de las lámparas en bronce al
cristal. En Francia bajo el reinado de Luis XV se empezaron a combinar los dos modelos
(lámpara de países bajos y Venecia) dando como resultado la lampara María Teresa. En
España comienzan a fabricarse para cumplir las necesidades de la corte. en sus primeros
años comenzaron a ser llamadas lámparas de araña. Estos brazos se pueden hacer por
medio de moldes o dándole forma a la propia masa caliente. En ambos casos todas pasaba
por el mismo proceso final: pulido del cristal para darle brillo, y por ultimo se tallaban.
Buscaban un gran detalle y preciosismo. Más tarde, se decidió que también se vendiesen
al público creando un catálogo con diversos modelos que podían hacerse de distintos
tamaños. Este hecho contribuyó a la ruina de este negocio debido a las grandes pérdidas
que perdía por la minuciosidad del trabajo. Lámpara compuesta tanto de vidrio como de
cristal con un vástago central, tres cazoletas y cuatro bulbos, dos cuerpos de luces con
un total de doce brazos. De la cazoleta superior parten una serie de bastones de los que
parten doce pinjantes. Tiene una pieza soplada en forma bulbosa que remata en la parte
inferior con un nuevo bulbo esférico. En la parte superior hay brazos de superficie lisa.
En la parte inferior hay otro bulto y otra serie de derrames que finalizan en un punto
central.
VIDRIERAS

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Esta íntimamente relacionado con la arquitectura ya que cu0le una función concreta
dentro de un espacio. Es bastante frágil. Se colocan en la cerradura de muchos edificios.
Este carácter delicado tiene que ver con su materialidad, siendo determinante tanto en el
control con el juego de la luz que va a crear dentro de los espacios arquitectónicos de los
que participe. A pesar del momento de auge del siglo XIX, en el siglo XVIII se retiraron
muchas vidrieras de muchas catedrales. En este momento se buscan vidrieras sin ninguna
figuración y de color completamente blanco (ej: catedral de Ávila y Segovia), dando más
luminosidad. La vidriera ha sido estudiada al final del XIX, muchas han llegado muy
deterioradas ya que solían cubrir ventanales muy grandes. Se han sometido muchas de
ellas a intervenciones que no han sido correctas. La vidriera en el siglo XV y XVI tuvo
en nuestro país una gran importancia y especialización que requería mayor conocimiento
que el necesario para trabajar en alguna de las artes mayores. El coleccionismo de estas
piezas era muy complicado.
Hay que entender la vidriera sobre una pintura que se aplica sobre un soporte de vidrio.
Ambas no han sido autónomas hasta hace poco, siendo las dos exigencias de la
arquitectura.
Desde el punto de vista técnico esta compuesta por una serie de piezas de vidrio que se
van ensamblando con plomo que tiene una sección de doble T para que los vidrios no
puedan caer. Esos plomos se pueden ir moldeando al principio, luego se sueldan. La
dificultad de este procedimiento tiene su color concreto desde su fabricación, aunque
finalmente se pueda matizar. La forma de los calibres de plomo que hay entre los vidrios
y el plomo indica la participación del maestro y su taller. Es vidrio soplado por lo que su
grosor es bastante desigual, según sea más o menos grueso va a determinar el color que
va a producir en el interior. Durante la Edad Media el procedimiento de diseño estuvo
invariables. Se hacía primero el cartón que siempre tiene la misma dimensión que la
vidriera final. A ese soporte se va a ir pasando el diseño para luego ir cortando los vidrios.
Una vez realizado se pueden pintar con grisalla. Una vez que se ha cocido se emploma
para asentar la vidriera. Los efectos finales del Renacimiento en cuanto a su apariencia
aparecen un tipo de vidrieras donde va a primar una composición y unos elementos
formales que proceden de la vidriera de tipo flamenco. Son unos motivos principales de
enmarcamiento ligados a la arquitectura, con efectos de tipo italiano. En el siglo XVI se
va a introducir un gran cambio dentro de la vidriera española. Hasta el plateresco
encontramos la pervivencia de los elementos del gótico. En el siglo XVI se mueven por
una doble condición, tienen una alta calidad y maestros, aunque las formas con las que se
trabajaban eran algo retardatarias; sin embargo, el siglo XVI esta intentado eliminar ese
lenguaje goticista de los espacios. Los componentes del lenguaje figurativo del
Renacimiento se contraponían con la función de una vidriera en un espacio religioso,
convirtiendo al ventanal anterior en una especia de espacio teatral que se propaga más
allá de los límites de la arquitectura, completamente opuesto al espacio diáfano que se
defendía en este momento. Van a llegar maestros de los Países Bajos. El clasicismo y el
manierismo procede de lo que traen estos maestros, y no de Italia. Al principio del nuevo
estilo lo habitual era enmarcar una serie de figuras con estructuras que nos recuerdan al
gótico. Los mismos maestros a veces no permiten la introducción de ese nuevo lenguaje.
Diego de Santillana realiza las vidrieras de la actual capilla de Santiago de la catedral de
León. Sus vidrieras presentan superposición de personajes dentro de arquitecturas, los

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espacios representados ya no tienen elementos del lenguaje góticos sino del renacentista.
La catedral de Toledo no va a interrumpir su creación de vidrieras entre el todo el siglo
XVI. Hay una contraposición entre los maestros y el nuevo lenguaje. Encontramos aquí
a Diego de Córdoba. Se elimina por primera ver la vidriera de gusto goticista, sino que
dentro de una misma configuración se olvidan de la separación de los parteluces
introduciendo medallones. Se añaden una serie de tondos. El lenguaje figurativo está
plenamente inscrito dentro del Renacimiento.
Las formas del remamiento se habían impuesto en las vidrieras españolas al igual que en
otras artes. Asi deja de ser u mito y un modelo para convertirse en parte de la propia
cultura. Los principales maestros de talleres se desentienden del conocimiento previo para
hacer cosas nuevas. Estos talleres no dejan de ser renovación de los de la Edad Media.
Arnau de Vergara hace vidrieras en la catedral de Sevilla, aunque para algunas de sus
obras tiene un modelo medieval ya que tenía que seguir el programa anterior que tenía la
catedral. En 1538 se fue a Granada, donde realizó muchas vidrieras para la iglesia del
monasterio de San Jerónimo. Estas fueron luego eliminadas más adelante, y ahora
algunas se conservan museos. Una está en el Museo de Santa Cruz de Toledo, en esta
aparecen motivos de la obra de Diego de Siloé, y abandona las líneas planamente
clásicas e introduce esa especie de juego que llegara con el manierismo. La presencia
arquitectónica es muy teatral.
El hermano de este, Arnau de Flandes estuvo trabajando en la catedral de Sevilla entre
1534-1557. Va a ir introduciendo novedades que podemos decir anticlasicista en un
compromiso por alcanzar un nuevo lenguaje. Tiene un lenguaje formal nuevo con
decoraciones que nos remiten al mundo del relieve. Una de las series estuvo condicionada
para seguir un programa anterior. Sin embargo, también hace un ciclo que el inicia,
mostrando su nuevo lenguaje. Son ventanales de vano único, por lo cual la vidriera se
ofrece con una visión de una dimensión diferente. La parte central queda reservada para
una gran escena.
Ya en el manierismo en la catedral de Sevilla hubo una serie de maestros que trabajaron
tras la muerte de Arnau de Flandes como Carlos de Brujas, Vicente Menardu,
A pesar del gran florecimiento que tuvo la vidriera española cayó en desuso al perder la
función dentro de la arquitectura. En los últimos años se desplaza hacia nuevas funciones.
Algunos tratadistas eliminaron tras el Concilio de Trente la inclusión de vidrieras dentro
de los edificios religiosos.

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