PSICOLOGÍA del COLOR en el DISEÑO GRÁFICO

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Hola público, reconoces este logo, ¿verdad? ¿Sabrías decirme por qué los creadores de Twitter
se decantaron por este color? ¿Por qué no optaron por otros como el naranja o el morado?
¿Alguna vez te has preguntado por qué un logo es de ese color en concreto? Es muy probable
que la psicología del color tenga algo que ver. Si no la conoces, no te preocupes, porque vamos
a verla al detalle y al final del vídeo voy a proponeros un ejercicio divertido a la par que
interesante. Los colores son nuestros aliados, son una estupenda herramienta para potenciar
nuestra identidad de marca o nuestras piezas de comunicación.

Por si no lo sabías, cada color puede evocarnos un significado diferente. Se hace de forma
inconsciente, pero podemos llegar a asociar cada color con una serie de conceptos o
sensaciones. A esto se le conoce como psicología del color o psicología cromática.

Vamos a verla con calma para que no se nos escape ningún detalle. La psicología del color es
una disciplina que estudia los efectos que pueden producir los colores sobre nosotros y de qué
manera emocional o mental pueden influir en nuestras decisiones. No se trata solamente de
escoger colores para que se vean bien combinados.

En diseño gráfico debemos valorar también qué significados pueden evocarnos estos colores.
Por cierto, si estás buscando aprender a combinar colores para crear una paleta de colores
corporativa, no te pierdas mi vídeo sobre la teoría del color. Te lo dejo también por aquí.

Antes de que profundicemos en los conceptos que nos puede evocar cada color, necesitamos
comprender que la percepción de los colores puede deberse a cuestiones culturales, a nuestra
propia experiencia o al uso tradicional que se le hayan dado a los colores hasta ahora. Para que
entendáis esto un poco mejor, el color blanco es un color que en Europa nos puede evocar paz
y tranquilidad, pero en Asia este color está ligado a la muerte. En cambio en Occidente
asociamos más la muerte con el color negro, que por otro lado este color se utilizaba en el
Antiguo Egipto para representar la fertilidad y el crecimiento.

Por lo tanto, queda claro que muchas connotaciones pueden variar según la cultura, sobre todo
entre Oriente y Occidente, e incluso también por creencias religiosas. Otro ejemplo más ligado
al uso tradicional que se le han dado a los colores hasta ahora podría venir de la mano de la
señalética del tráfico. Conduciendo sabemos que el rojo evoca alerta o peligro, mientras que el
verde nos transmite vía libre paz y seguridad.

En este escenario la evocación de los colores es muy clara, pero en otros puede llegar a ser
muy sutil. Por si no lo sabías, los colores a tu alrededor pueden estar influenciándote también
sobre tus emociones y tu estado de humor. Estar rodeado de ciertas tonalidades puede facilitar
que nos irritemos, mientras que otras pueden favorecer nuestra relajación.
Incluso ciertos colores pueden ayudarnos a descansar la vista. Seguro que la próxima vez que
tengas que pintar las paredes de tu casa te lo vas a pensar dos veces, ¿eh? Aquí va un ejemplo
para que tendáis un poco lo que os estoy comentando. Por si no lo sabías, las paredes y los
uniformes de los quirófanos no son precisamente verdes por una cuestión de azar, sino por
varias razones.

La primera es que el color verde es el complementario al rojo, lo que puede ayudar a que las
manchas de sangre sean menos visibles. Además, este color puede transmitir una sensación de
paz, por lo que el nerviosismo de los pacientes disminuye. Y por último, este color puede
repercutir también en la concentración de los cirujanos.

Y ahora que caigo, además de la psicología del color, también debemos de tener en cuenta los
aspectos puramente ópticos de los colores. Por ejemplo, los colores más cálidos, rojos,
naranjas, amarillos, pueden producir un efecto óptico de expansión en nuestro ojo y dar la
impresión de que un elemento visual relleno de un color cálido cuenta con un tamaño mayor.
En cambio, los colores fríos, como el verde, el azul o el añil, otorgan un efecto contrario y
pueden evocarnos o darnos la sensación de que un elemento visual cuenta con un menor
tamaño que la superficie real.

Venga, vamos a conocer qué conceptos o sensaciones puede evocarnos cada color. El
significado de los colores en la psicología del color. Me repito, la psicología del color y todo lo
que os voy a comentar en este vídeo no puede ser tomado como una ciencia exacta.

Se trata de una disciplina bastante subjetiva. La psicología cromática va a depender siempre del
filtro de la subjetividad de cada persona que observa el color y de lo que le transmite a esta en
particular. Todo está abierto a matices o a interpretación.

No obstante, sí podemos llegar a generalizar algunas evocaciones, como las que os voy a listar
ahora. Venga, vamos con el primero. Blanco.

En culturas occidentales, el blanco representa la inocencia y la pureza. Puede transmitir

limpieza, paz y virtud. En cambio, como he citado antes, en algunas culturas orientales y
africanas, el color blanco representa el color de la muerte.

Amarillo. El color amarillo representa el oro, la luz del sol o la inteligencia. Según la psicología
del color, el amarillo puede transmitir también energía, alegría, felicidad, riqueza, poder,
abundancia, fuerza y acción.

El amarillo resulta uno de los colores más ambiguos porque también puede evocar envidia, ira
o traición. Por si no lo sabías, la presencia excesiva del amarillo puede llegar a irritar nuestro
estado de humor, porque nuestro ojo está habituado a verlo en pequeñas cantidades. Rojo.

Se trata de un color muy agresivo que capta mucha atención. El tono rojo se puede asociar con
el amor, la pasión, estimulación, fuerza, virilidad e incluso con el peligro. Se cree que al ser el
color de la sangre, lo asociamos también con la vitalidad, la energía y la agresividad.
Ah, y vestir el color rojo puede llevarnos a comportarnos de una forma algo más extrovertida a
lo que estamos habituados. Y ahora viene mi color favorito, naranja. Los tonos naranjas son
colores enérgicos, atrevidos y cálidos, especialmente los que cuentan con los tonos más
intensos.

Transmiten creatividad, vitalidad, entusiasmo, acción y juventud. También se puede asociar con
sensualidad, la divinidad y la lujuria. Y es un color que suele ligarse también con el optimismo.

Azul. Los tonos azules se asocian con la seriedad y la limpieza. Transmiten libertad y confianza,
por eso son comúnmente utilizados por bancos, aseguradoras y compañías tecnológicas como
Facebook o Twitter.

Al ser el color del cielo y el agua, representa también tranquilidad, frescura y pureza. Verde. Los
tonos verdes nos evocan naturaleza, frescura, salud, ecología, pero también pueden
representar la juventud, abundancia y esperanza.

Los verdes más oscuros transmiten calma o estabilidad, mientras que los más vivos se
relacionan más con la vitalidad y la energía. Rosa. Los tonos rosas suaves o rosas pálido nos
evocan infancia, dulzura, timidez e inocencia.

En cambio, los rosas fuertes, como el rosa fucsia, se asocian más con amor, pasión y romance.
Morado. Los tonos morados están asociados con la imaginación, la nostalgia y la espiritualidad.

También se relaciona con la realeza y evoca alta calidad. Puede representar sofisticación y
elegancia. Marrón.

El color marrón es adecuado si queremos transmitir elegancia, neutralidad, sobriedad y

sentillez. Al ser un color ligado a la tierra, también puede evocarnos naturaleza, tradición y
origen. Y por último, el negro.

El color negro evoca elegancia, lujo, sobriedad, autoridad. Es un color con mucha fuerza, que
contribuye también a captar mucho la atención. Por eso, junto con el color rojo, suele utilizarse
en los botones y CTAs del diseño web.

Como hemos visto antes, el color negro también cuenta con algunas connotaciones negativas,
pues se asocia con la muerte, lo malvado y la destrucción. Debido a su estrecha relación con la
oscuridad, el negro también puede simbolizar el misterio y lo desconocido. ¡Y listo! Ya habéis
recibido una primera impresión del significado de los colores, según la psicología del color.

¿Qué os ha parecido? Esta disciplina también es aplicable al diseño de logos e identidades

visuales, ya que todas las marcas impresas deben de contar con un branding que les
identifique. ¿Qué debemos de tener en cuenta entonces a la hora de escoger un color como
color principal para nuestro proyecto? A la hora de diseñar una identidad corporativa, es
importante que busquemos un color que nos permita diferenciarnos de la competencia, pero
también un color que nos ayude a transmitir nuestros valores. Para lograrlo, siempre
necesitaremos desarrollar un proceso de investigación, donde vamos a analizar los logos de la
competencia y podremos estudiar los colores ausentes o nuevos colores que podríamos
adoptar valorando el escenario de nuestro mercado.

La psicología del color jugará un papel decisivo a la hora de escoger el color corporativo para
una marca. Por eso necesitamos informarnos antes y estudiar los aspectos y cualidades que se
le atribuyen a cada color. Como hemos visto, vamos a necesitar conocer bien a nuestra
audiencia y también su procedencia.

Solo así podremos estudiar junto con la misión, valores y visión de la empresa que queremos
comunicar qué color puede ayudarnos a transmitir ese mensaje y al mismo tiempo a
diferenciarnos de la competencia y del resto de empresas del sector. Y por último, si quieres
conocerte un poco más y saber qué te puede transmitir cada color a ti, te voy a proponer un
ejercicio de lo más interesante. En lugar de valorar qué te transmite cada color, vamos a
realizar el proceso inverso y a valorar qué emoción le asignarías tú a un color determinado.

Para conseguirlo, vamos a ayudarnos de la música. Descárgate la plantilla que voy a dejar abajo
en la descripción del vídeo. Con la plantilla de colores frente a ti, tómate 5 minutos para
escuchar a todo volumen la Sinfonía 25 de Mozart.

Reflexiona y valora qué color te viene a la cabeza en cada parte de la canción. Varía mucho, así
que prepárate a cambiar de color. Y público, hasta aquí el vídeo de hoy.

Recordad que siempre vais a poder leer gran parte del contenido de mis vídeos desde mi blog y
suscribiros a mi canal y pulsar sobre la campanita si no queréis perderos mi siguiente vídeo
sobre diseño gráfico. Público, muchas gracias por escucharme, cuidaros mucho y nos vemos en
el próximo vídeo. ¡Hasta luego!

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La guía definitiva de TIPOGRAFÍA para principiantes
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Hola público, en el vídeo de hoy quiero profundizar en el maravilloso mundo de las tipografías.
Podría contarte que si yo he terminado como diseñador gráfico, desde luego ha sido gracias a
ellas. Voy a presentaros los cuatro grandes grupos de tipografías que existen teniendo en
cuenta su forma.

Repasaremos también qué es una familia tipográfica y todas las variables que pueden darse en
las tipografías. Además, al final del vídeo dejaré las webs a las que más recurro yo cuando
necesito encontrar la tipografía perfecta. A día de hoy resulta imposible no tener contacto
directo constante con tipografías.

Nos acompañan en todo momento, desde nuestras webs favoritas, los periódicos, están en
nuestras apps, en la publicidad, en los títulos de crédito... Hablamos, por tanto, de un elemento
visual que es casi omnipresente, del que podemos hacer uso desde el diseño gráfico. Venga,
vamos a profundizar un poco más para conocer a fondo a esta estupenda herramienta. La
tipografía en diseño gráfico.

La palabra tipografía proviene de dos términos griegos. Tipos, que significa golpe, marca o
forma. Y grafía, que significa cualidad de escribir.

Podemos definir la tipografía como el arte de diseñar las letras. Una disciplina que estudia la
representación gráfica de las letras para que el lenguaje escrito sea efectivo. Al mismo tiempo,
también se denomina como tipografía a la escritura con un conjunto de caracteres
alfanuméricos que han sido elaborados previamente y que cuentan con un estilo y unas
características en común.

Para que te quedes con el término, que sepas que al autor de la tipografía lo denominamos
tipógrafo. Tras ser diseñadas, las tipografías se incluyen en un archivo contenedor. Los más
conocidos son OpenType, que fue desarrollado por Microsoft y Adobe, o TrueType, que fue
desarrollado por Apple.

Gracias a estos archivos, podremos instalar las tipografías en nuestro ordenador para usarlas
después con cualquier programa que permita la edición de textos. Eso sí, no confundas la
tipografía con el lettering, que se podría definir como el arte de dibujar las letras, o la caligrafía,
el arte de escribir las letras. Aunque cuenten con similitud, estas tres técnicas difieren en cómo
se concibe y se aborda la creación de las letras.

Al igual que ocurre con las formas, los colores o las imágenes, las tipografías también pueden
llegar a abocarnos conceptos o emociones. A esto se le denomina como psicología tipográfica o
personalidad de la tipografía. Por ejemplo, si queremos que una empresa se muestre como
moderna o cercana, igual podemos usar tipografías de palo seco en sus comunicaciones.
En cambio, si preferimos evocar un aire más tradicional y serio, una tipografía con serifa podría
ser mejor opción. Pero todo esto lo veremos más adelante en un nuevo vídeo dedicado
exclusivamente a la psicología tipográfica. Venga, vamos a conocer los cuatro tipos de
tipografías que podemos encontrar si tenemos en cuenta su forma, sin profundizar demasiado
dentro de cada categoría de tipografías.

Lo cierto es que podemos clasificar a las fuentes tipográficas por su morfología en cuatro
grandes grupos. Tipografías con serifa, tipografías sin serifa, tipografías manuscritas o
tipografías decorativas. Vamos a repasarlas una por una para que puedas aprender a
diferenciarlas por su forma.

Tipografías con serifa o romanas. Las tipografías con serifa son aquellas tipografías que
cuentan con remates o terminales que son esos pequeños adornos ubicados en los extremos
de los trazos de los carácteres. Las tipografías con serifa son idóneas para párrafos o textos
largos, ya que esos pequeños terminales o serifas contribuyen a que se cree una línea
imaginaria bajo el texto que facilita mucho la lectura a nuestro ojo.

Las tipografías con serifa cuentan con un alto contraste en sus trazos, lo que contribuye a
darles una personalidad algo más refinada. Suelen concebirse como serias y tradicionales. Os
dejo por aquí algunos ejemplos de tipografías con serifa o romanas.

El siguiente tipo serían las tipografías sin serifa o de palo seco. Las tipografías sin serifa o de
palo seco se caracterizan por la ausencia de remates y terminales. Se diseñan sin serifas y sus
trazos apenas presentan contrastes.

Las tipografías de palo seco ofrecen un resultado muy bueno para la impresión de titulares en
carteles y publicidad. Este estilo de fuente evoca modernidad, seguridad, neutralidad y
minimalismo. Aunque esta tipografía no cuente con la línea invisible que consiguen las
tipografías con serifa, es muy recurrida para textos en pantalla y textos en pequeños tamaños.

Gracias precisamente a la ausencia de terminales y de remates, esta tipografía puede resultar

más legible en textos pequeños que su hermana mayor. Os dejo por aquí algunos ejemplos de
tipografías sin serifa o de palo seco. El siguiente tipo serían las tipografías manuscritas.

Las tipografías manuscritas, conocidas también como tipografías cursivas o rotuladas, son
tipografías que representan o imitan la caligrafía a mano, por lo que en ocasiones también se
les puede denominar como tipografías caligráficas. Generalmente este estilo de tipografías
cuenta con una tendencia itálica o cursiva. Las letras se ligan entre sí y encontramos curvas
más pronunciadas que las tipografías con serifa o de palo seco.

Como se relacionan con la caligrafía, cuentan con una personalidad algo más humana y
cercana. Os dejo por aquí algunos ejemplos de tipografías manuscritas. Y por último
tendríamos a las tipografías decorativas.

Dentro de las tipografías decorativas entrarían las tipografías cuyas características no se

ajustan a los tres conjuntos anteriores. A estas tipografías se les denomina también como
tipografías de exposición o tipografías display. Están consideradas como tipografías divertidas,
más desenfadadas, pero pueden transmitir una gran variedad de sensaciones.

Cuentan con un carácter y personalidad muy fuerte. Desde el punto de vista de la psicología
tipográfica, son transgresoras y contribuyen a llamar más la atención. No obstante, la
elegibilidad que se puede obtener con este tipo de fuentes es algo pobre.

Suelen ser tipografías creadas para fines específicos donde la elegibilidad no se tiene
demasiado en cuenta. Como por ejemplo, para el branding de producto en el sector de la
alimentación. Son muy expresivas y suelen contar con atributos algo temáticos.

Ten en cuenta que las tipografías decorativas pueden llegar a transmitir falta de cuidado o
desinterés en el diseño. Por eso, piensa bien cuándo utilizar este tipo de fuentes tipográficas.
Eso sí, definitivamente no son tipografías idóneas para párrafos de texto.

Os dejo aquí algunos ejemplos de tipografías decorativas o de exposición. Os ya conocéis los

cuatro grandes grupos de tipografías que podemos encontrar si las clasificamos por su forma.
Vamos ahora a conocer qué es exactamente una familia tipográfica.

La familia tipográfica en diseño gráfico. Una familia tipográfica es un conjunto de caracteres,

alfabéticos o no, que cuentan con unas características comunes en su estructura y en su estilo.
Esto es lo que nos permite identificarlas como de una misma familia.

Existen multitud de familias tipográficas. Originalmente surgieron con la creación de la

imprenta, pero otras han ido apareciendo como resultado de la digitalización de todo el
proceso de diseño de tipografías. Por ejemplo, las familias Gotham, Futura o Swift son algunas
de mis familias tipográficas favoritas.

Las uso con bastante frecuencia. Los miembros que integran una misma familia tipográfica se
parecen entre sí, pero con algunos rasgos propios como variaciones de peso, ancho o
inclinación. A esto se le conoce como variables tipográficas.

Vamos a verlas en profundidad para que podáis conocer qué tipo de variables tipográficas
podemos encontrar dentro de una misma familia tipográfica. Variables tipográficas en diseño
gráfico. Bueno, como os decía, las variables tipográficas son las opciones que podemos
encontrar dentro de una misma familia tipográfica.

Hablamos de modificaciones de la morfología de la tipografía, es decir, de su forma. Actúan

sobre el grosor del trazo, el ancho o la inclinación del eje vertical de los caracteres de una
misma familia. Gracias a estas variables tipográficas vamos a poder establecer una jerarquía
visual en nuestras composiciones y a satisfacer las necesidades que nos puedan surgir a la hora
de comunicar visualmente con tipografías.

La primera variable tipográfica a presentar sería el peso. A la variable tipográfica de peso se le

denomina también como variable de grosor o de tono y es la que afecta directamente al trazo
de los caracteres. Se modifica la relación entre el ancho del trazo y los espacios vacíos dentro
de cada signo tipográfico.

Por ejemplo, una tipografía bold o negrita presentará un grosor de trazo mayor mientras que
una tipografía light presentará un grosor de trazo más estrecho. En pantalla os dejo algunos
ejemplos donde podemos observar cómo influye la variable tipográfica de peso en una
tipografía. La segunda variable tipográfica a presentar sería el ancho.

La variable de ancho o proporción afecta directamente a la estructura de los caracteres. Hace

referencia a la modificación del ancho de una letra. En principio, el trazo no varía.

Las tipografías condensadas y expandidas son tipografías que han sido diseñadas desde cero al
igual que las tipografías regulares. Por eso, tampoco debemos deformar la escala de nuestras
tipografías si necesitamos tipografías condensadas o expandidas. Ten en cuenta que la
variación de tamaño en sentido vertical no se considera como una variable tipográfica ya que
se corresponde con una simple modificación del cuerpo tipográfico.

Y la última variable tipográfica es la variable de inclinación. La variable tipográfica de inclinación

modifica el eje de los caracteres. Hace referencia al ángulo de inclinación de la tipografía.

Contribuye a alterar la estructura y a cambiar el ritmo. La inclinación del eje vertical puede
variar según el diseño de la familia tipográfica, pero generalmente se encuentra entre los 8 y
los 16 grados de inclinación. Ahora, debes saber que dentro de las variables tipográficas de
inclinación podemos reconocer dos tipos.

Las tipografías oblicuas y las itálicas. Las puedes distinguir porque las tipografías con variable
oblicua cuentan con la misma morfología que la tipografía regular. Tan solo se difiere del eje
inclinado.

En cambio, las tipografías con variable itálica presentan además una forma propia que cuenta
con algunas reminiscencias a la caligrafía. Vale, y ahora que te he descrito exactamente qué
son las variables tipográficas, es buen momento también para mencionar las tipografías
versalitas. Las tipografías versalitas cuentan con alfabetos que mantienen la altura de la caja
alta, es decir, de las mayúsculas, a la misma altura que las de caja baja, es decir, las minúsculas.

Las versalitas son tipografías que pueden ser de gran utilidad si, por ejemplo, lo necesitamos
por valor estético. Podrás reconocerlas en tu catálogo tipográfico porque la mayor parte de las
tipografías versalitas terminan en las letras SC. Bueno, después de conocer las variables
tipográficas, ten en cuenta lo siguiente.

Si necesitamos incluir una tipografía negrita, una condensada o una itálica, recuerda escoger
siempre la fuente con la variable tipográfica. Evita hacerlo digitalmente con software que
modifique la tipografía. Este software suele incluir botones para añadir o quitar negrita o
cursiva.
Recuerda, la manipulación de las tipografías debes realizarla siempre con cuidado y respetando
la forma de la tipografía, ya que son el resultado final de un extenso y complejo proceso de
diseño por parte del tipógrafo. Y por último, para localizar tipografías, yo las webs que visito
con más frecuencia son MyFonts, que es de pago, y Google Fonts, que es gratuita. Son
comúnmente conocidas por cualquier diseñador gráfico, así que está claro que yo no te he
descubierto nada nuevo.

¡Pero espera, espera, espera! ¡No te vayas! Porque lo cierto es que cada cierto tiempo descubro
páginas muy curiosas de pequeños tipógrafos que cuentan con trabajos muy interesantes.
Como estas webs van y vienen, creo que lo mejor es que os deje todos los enlaces directamente
abajo en la descripción del vídeo. Así podré ir añadiendo o modificando nuevas páginas a
medida que me vaya topando con ellas.

Así que ya sabes, abajo tienes un primer listado. Y público, hasta aquí el vídeo de hoy. No
puedo englobar en un solo vídeo todo lo que os voy a contar de tipografía.

Es todo un submundo y hay mucho que desarrollar. Quiero hablaros de anatomía tipográfica,
de la personalidad de las tipografías, profundizar aún más en su clasificación y hasta enseñaros
algunos tips y consejos para que podáis combinar tipografías como todo un maestro tipógrafo.
Recuerda darle like al vídeo si lo has encontrado práctico y no olvides suscribirte a mi canal y
pulsar sobre la campanita para no perderte los siguientes vídeos sobre diseño gráfico.

Muy pronto más. Público, gracias por verme. ¡Hasta luego!

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7 Consejos para COMBINAR TIPOGRAFÍAS en diseño gráfico +
FlexiSpot EC5
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Hola público, hoy volvemos a hablar de tipografía, y más concretamente de parejas

tipográficas. Y es que algo tan simple como emparejar tipografías puede delatar a los
diseñadores menos experimentados. Te puede parecer algo trivial, pero tiene su truco.

En este vídeo te voy a dar a conocer 7 consejos prácticos para escoger parejas tipográficas que
te ayudarán a ser más ágil y ahorrarte algo de tiempo. Y al final te presentaré algunos
conocidos matrimonios tipográficos. Venga, vamos con ello.

En nuestra rutina, cómo cambiar de posición cada hora o cada par de horas al trabajar nos
puede ayudar a proteger la salud de nuestra columna y a romper esa tediosa monotonía. Y
tengo que decir que el escritorio te lo pone muy fácil. Me ha sorprendido su robustez y la
primera impresión de los materiales ha sido estupenda.

La mesa llega en un par de paquetes, eso sí, algo pesados. Las partes del escritorio son de
acero sólido y pesan lo suyo, así que necesitarás un par de manos extra para el montaje. Vamos
con detalles algo más técnicos.

El escritorio cuenta con dos motores eléctricos, lo que le permite soportar un peso de hasta 1
kg, de sobra para colocar múltiples monitores, ordenadores, accesorios o libros. El movimiento
de subida y bajada del escritorio es muy suave y la altura es ajustable en apenas 14 segundos.
Puede ir desde los 62 hasta los 127 cm, lo que lo hace adecuado para personas de diferentes
alturas.

A mí me han enviado las patas en negro y el cabrero laminado de arce, pero están disponibles
también en gris en tracita y blanco y con una variedad muy amplia de tableros en diferentes
estilos y tamaños. Cualquier escritorio cuenta con un rango de ajuste ultra amplio, que lo hace
compatible con tableros de hasta 180 cm de largo. El panel de control se puede poner en el
lado que prefieras y cuenta con tres teclas de memoria de altura donde podemos almacenar
alturas predefinidas para ajustar la altura de nuestro escritorio con un solo golpe de teclado.

Y también cuenta con un práctico temporizador que podemos ajustar para que nos avise
cuando queramos cambiar de posición. Y una última curiosidad, el escritorio viene equipado
con una función anticolisión que detendrá el ascenso o el descenso del escritorio de forma
automática si detecta cambio de peso mientras está en movimiento. ¡Una pasada! Han pensado
en todo.

Tengo que confesar que me ha resultado muy agradable cambiar de postura y contar con esta
libertad en mi trabajo. Os dejo abajo, en la descripción del vídeo, el enlace directo a su perfil de
Amazon donde podréis conocer algo más de información sobre este práctico escritorio.
Seguimos.

Antes de seguir con el vídeo, doy por hecho de que conoces bien los cuatro grupos principales
de tipografías en cuanto a su morfología, ¿no? Hablamos de las tipografías con serifa o
romanes, tipografías sin serifa o de palo seco, tipografías manuscritas y tipografías decorativas
o de exposición. Como acabo de apuntar, combinar tipografías que funcionen bien juntas no es
algo aleatorio. Estamos buscando crear una experiencia visual cohesiva y mantener la armonía
de la composición y en muchas ocasiones te vas a encontrar siguiendo tu auténtico instinto de
diseñador gráfico.

Y eso está bien, pero en este vídeo quiero abordarte con 7 consejos que te ayudarán a
combinar tipografías como un auténtico tipógrafo. Tus diseños y composiciones respirarán más
profesionalidad si vigilas lo que voy a presentarte. Eso sí, antes de arrancar me gustaría
aconsejarte que siempre que puedas hagas uso de la menor cantidad de tipografías posible.

Hazte siempre la siguiente pregunta, ¿realmente necesito otra tipografía? Y ten en cuenta que
las siguientes reglas tendrán que adaptarse a cada contexto y situación claro. Venga, vamos
con el primer consejo. 1. Asegura el contraste Cuando se trata de combinar tipografías la regla
general es que deben de ser complementarias pero no idénticas.

Si necesitamos combinar dos tipografías o utilizar tipografías para diferentes usos como
titulares o párrafos es importante valorar que las dos tipografías cuentan con suficiente
contraste. Por ejemplo, no tendría mucho sentido que emparejemos dos tipografías de palo
seco especialmente si éstas no llegan a contrastar suficiente, ¿no te parece? No combines dos
tipografías diferentes si son muy similares y no cuentan con contraste suficiente. ¿Por qué?
Pues porque si combinamos fuentes diferentes pero visualmente muy parecidas apenas se
distinguirán visualmente y nos costará algo más definir bien una jerarquía visual.

Así que recuerda, las tipografías deben de complementarse pero no confundirse para lo que
necesitaremos, algo de contraste. Vamos con el consejo número 2. Respeta la jerarquía visual.
Gracias a la jerarquía visual conseguimos guiar al ojo del espectador aclarándole qué es lo más
y lo menos importante de nuestra pieza.

Por lo que cuando estemos buscando tipografías para combinar necesitaremos encontrar
tipografías que permitan establecer una separación visual entre los diferentes niveles
jerárquicos. Para conseguirlo, tendremos en cuenta la fuente tipográfica pero también otras
cualidades de la tipografía como las variables tipográficas el tamaño y hasta el espacio con
ayuda del interlineado y el interletrado. Ya lo he mencionado antes, si quieres aprender más
sobre jerarquía visual te puede ayudar echar un vistazo rápido a revistas y a periódicos.

Vas a comprobar que existe un contraste visual entre titulares y subtítulos y textos de párrafo y
que lo más importante cuenta siempre con mayor tamaño y contraste. Por ejemplo, aquí
puedes ver dos composiciones que incluyen dos parejas de tipografías diferentes. ¿Crees que
alguna cuenta con una jerarquía visual más definida? La 1, la 2, te leo en los comentarios.
Así que cuando vayas a realizar un diseño que incluya tipografías diferentes ten presente
siempre que vamos a necesitar definir bien la jerarquía visual. Medita qué texto o información
es lo que quieres que los lectores observen primero y asegúrate de que la tipografía escogida
para ello contrasta lo suficiente del resto. Vamos con el consejo número 3. Vigila la legibilidad.

Cuando vayamos a jugar con diseño gráfico y tipografía debemos tener siempre presente que
todo contribuye a su legibilidad. Claro, ¿qué sentido tiene modificar la forma de las letras
buscando generar más contraste si al final no se van a leer correctamente? Ten presente dónde
van a aparecer las tipografías. Por ejemplo, si la tipografía va a ir sobre un soporte de pequeño
tamaño como una etiqueta, valora qué estilo puede contribuir a que se lea mejor.

En cambio, si va a ir a una de las marquesinas de un aparado autobús y a buen tamaño, igual te

interesaría escoger una que capte más atención, como por ejemplo una tipografía decorativa o
de exposición. O mismamente, si necesitas añadir algo de código en tu web o fórmulas o
secuencias numéricas, ya hemos visto que las tipografías monospaciadas tienen utilidad para
ello. El contexto jugará por tanto un papel clave a la hora de decantarnos por una tipografía.

Conocer las características de los cuatro grupos principales de tipografías según su morfología
nos puede ayudar también a evitar tomar malas decisiones que afecten a su legibilidad. Por
ejemplo, las tipografías con serifa, gracias precisamente a estos remates al final del trazo de las
letras, establecen una línea horizontal en todas las palabras y oraciones. Esta línea horizontal
contribuye mucho a mantener la continuidad entre las palabras, agilizando la lectura del texto.

Eso sí, son ideales para textos de por lo menos 10-12 puntos. En cambio, las tipografías de palo
seco, al no contar con remates, pueden ser una estupenda opción para textos aún más
pequeños, por ejemplo para pantallas y dispositivos digitales. Por otro lado, las tipografías
manuscritas o las decorativas no cuentan con demasiada elegibilidad, así que definitivamente
no me decantaría usar estas para tipografías en párrafos o textos más largos.

4. Valora una misma familia tipográfica. Solo porque dos tipografías pertenezcan a familias
diferentes no quiere decir que combinen mejor juntas. Si quieres acertar sin mucho esfuerzo a
la hora de combinar tipografías, puedes emparejar dos fuentes que pertenezcan a una misma
familia tipográfica.

Esta es una opción estupenda para aquellos diseñadores que no cuenten con suficiente
experiencia o que prefieran asegurar una armonía para su composición. Vamos a lograr
resultados estupendos sin comernos demasiado la cabeza. Piensa que todas estas tipografías
se han concebido para combinarse juntas.

Eso sí, no olvides vigilar el contraste como hemos visto en el consejo número 1. Podemos
ceñirnos a una misma tipografía haciendo uso de las variables tipográficas o podemos
aprovecharnos de una familia tipográfica perteneciente a la misma superfamilia. Y es que
existen familias tipográficas enormes que contienen una variedad de destinos muy amplia.
Algunas de las que me vienen a la cabeza a la hora de realizar este vídeo son las siguientes.
Así que ya sabes, las familias tipográficas son una excelente forma para combinar tipografías
sin preocuparnos de escoger mal. Simplificaremos el proceso, nos ahorraremos algo de tiempo
y garantizaremos una apariencia visual armoniosa y coherente. 5. Contempla el esqueleto de
las tipografías Si la estructura o esqueleto de los caracteres es otro factor que podemos tener
en cuenta a la hora de emparejar dos tipografías correctamente, el esqueleto es el trazo
interno que define la estructura básica de las letras y caracteres.

Simplemente para un momento y estudia las letras con algo de calma. ¿Cómo he solucionado el
ojal inferior de la letra G? ¿El extremo inferior de la letra E es más cerrado o abierto? Observa la
estructura, ¿es más dinámica o quizás más geométrica? Intentaremos buscar que la estructura
y apertura de las letras sea algo similar entre ambas tipografías. Idealmente, pese a que
buscamos contraste, es más apropiado escoger tipografías que cuenten con cierta semejanza
sobre el esqueleto de sus caracteres.

6. Encontrar cierta similitud en su estructura Vamos a verlo rápidamente con un ejemplo.

¿Conoces la tipografía EXARC de Google Fonts? Se trata de una preciosa tipografía con serifa
con una fuerte personalidad, pero que quizás dificulta un poco la legibilidad en párrafos y
textos más largos. Una opción más segura sería combinarlo con la tipografía de Paloseco, ¿no?
¿Tienes alguna en mente? ¿Estás pensando en el Bética? Pues si comparamos ambas
tipografías, vamos a observar que cuentan con una estructura y esqueleto de forma y apertura
bastante diferente.

Vamos a darle una nueva oportunidad a otra tipografía. ¿Qué tal lo pensamos? Comparando
ambas tipografías, vas a poder valorar que cuentan con un esqueleto algo más similar, y por
tanto que ambas tipografías pueden funcionar mejor en pareja que con el Bética. ¿Qué te
parece a ti? Pero también hay otras cualidades que debemos de tener en cuenta, como si esas
dos tipografías cuentan con proporciones similares.

Aunque su aspecto sea diferente, si la altura de la X es la misma, puede ser un buen punto de
partida para valorar si merece la pena emparejarlas. 6. Hazlo simple, no te compliques. Usar
muchas tipografías diferentes puede contribuir a que tu diseño se vea como el de un
principiante.

Antes de lanzarte, para un momento y reflexiona. Puedes comenzar combinando dos

tipografías, y solo si lo ves indispensable, puedes plantearte incluir una tercera. No vas a tener
necesidad de abusar de tipografías diferentes en una misma creatividad.

Medítalo bien, ya que podemos llegar a crear la pieza e interferir una vez más en su legibilidad.
Yo te recomiendo que siempre que sea posible, lindes el uso solo a dos tipografías. Ya has visto
que podemos hacer uso de un buen diseño sin complicarnos demasiado.

Y vamos con el último consejo. 7. Ten presente la personalidad tipográfica. Personalidad, sobre
todo de la tipografía más dominante de la jerarquía, y es que todas las tipografías cuentan con
diferente carácter y personalidad.
Observa cómo nuestra percepción del texto se modifica con el cambio de fuente en el titular.
¿No te parece curioso? La tipografía no es más que una forma de comunicación mucho más
sutil que condiciona la primera impresión de un mensaje y consigue evocar una atmósfera que
va más allá de las palabras. Y es que la tipografía nos ayuda a crear un ambiente antes incluso
de que los usuarios hayan comenzado a leer una sola palabra.

Nos vamos a topar con fuentes más serias, informales, alegres, elegantes. Por eso, a la hora de
emparejar tipografías, vamos a necesitar asegurarnos de que sus personalidades son
coherentes con el mensaje que estamos buscando transmitir. Si contamos con un titular bajo
una tipografía con serifa y un párrafo bajo una de palo seco, obtenemos una personalidad algo
diferente al resultado de intercambiar ambas tipografías.

¿No crees? Algo a tener en cuenta es que las tipografías opuestas se atraen. Una tipografía que
cuente con una personalidad muy fuerte quizás combine bien con otra más neutra y suave. O
mismamente, si las tipografías son realmente diferentes, seguro que consigues un resultado
bastante aceptable.

Y hasta aquí los 7 consejos que quería presentaros. ¿Qué te han parecido? Cuando necesites
emparejar tipografías, si tienes en cuenta todo lo que te acabo de mostrar, es poco probable
que llegues a un mal resultado. Y que sepas que desde internet podemos encontrar algunas
herramientas que nos pueden ayudar a combinar tipografías.

Déjame que te presente alguna de mis favoritas. Desde Phonejoy podemos jugar con una
combinación de hasta 3 tipografías diferentes y comprobar que funciona para titulares,
subtítulos o textos de párrafo. Podemos escoger el estilo de la forma de la tipografía
seleccionándolo desde su enorme malla de caracteres.

Es muy recomendable tomarse 5 minutos para conocerla y trastear con ella. Luego está Tide
Connection, una web de citas para tipografías. Nos ayudará a emparejar tipografías como si de
Tinder se tratara.

Además, podremos conocer las parejas más afines para la tipografía seleccionada como
principal. Y luego está Fomper, desde donde podemos encontrar una interminable
combinación de fuentes, además de detallar cómo combinar parejas de tipografías sin
desfallecer. ¡Anímate a practicar! La mejor forma de mejorar a la hora de combinar tipografías
es con la práctica.

Y ya estamos llegando al final del vídeo. ¿Creías que eso era todo? ¿No pensabas que me iba a ir
sin dejarte un buen listado de matrimonios tipográficos, no? ¡Atento, que van a pasar rápido!
Pues ya estaría, público. Espero que hayas aprendido algo con el vídeo de hoy.

Si no quieres perderte mis siguientes vídeos, no olvides suscribirte y pulsar sobre la campanita.
Pero si quieres seguir aprendiendo sobre diseño gráfico, puedes aprovechar para apuntarte
también a mi newsletter, desde donde voy a comenzar a compartir con vosotros todo tipo de
curiosidades. Te dejo un enlace abajo, en la descripción del vídeo.

¡Diseñad mucho!

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 ⚠ PSICOLOGÍA de la FORMA en el DISEÑO GRÁFICO
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Hola público, imagino que ya sabes que la figura del triángulo puede simbolizar precaución,
¿verdad? Pero, ¿sabrías decirme por qué? ¿Cómo es que asociamos precaución con esta figura y
no con otra como un círculo o un cuadrado? Lo cierto es que tiene su ciencia. Las formas que
usamos en el diseño gráfico o en el diseño de logos pueden tener un profundo efecto en el
espectador y en su subconsciente. En el vídeo de hoy aprenderás cómo afectan las diferentes
formas a nuestra percepción y cómo podemos ayudarnos de ellas a la hora de realizar nuestras
composiciones.

Bienvenidos de nuevo a mi canal, para quien no me conozca, yo soy Jaime, diseñador gráfico
detrás de Imborrable. Hoy volvemos a hablar de cómo ciertos rasgos y elementos del diseño
gráfico pueden llegar a transmitirnos emociones. ¿Recordáis cómo desarrollé en mi vídeo
anterior la psicología del color? En este vídeo os explicaba que los colores, además de cumplir
con un papel estético, también podían llegar a transmitirnos ciertos conceptos o sensaciones.

Si no has visto este vídeo, te lo voy a dejar por aquí. Pues hoy vamos a hablar sobre la
psicología de la forma, o lo que es lo mismo, cómo las formas y sus acabados pueden llegar a
abocarnos también conceptos o sensaciones. La psicología de la forma se relaciona
directamente con lo demostrado bajo la teoría de la Gestalt.

Ambas disciplinas estudiaron las formas y cómo incidían directamente sobre la percepción
humana. Combinando las formas con otros elementos visuales podemos ayudar a reflejar más
claramente un mensaje. Y es que la mente humana puede llegar a ser algo impredecible y la
percepción cuenta con un papel protagonista en el éxito de una composición visual.

Por eso es importante que en diseño gráfico podamos echar mano de la psicología y este
estudio de la percepción para lograr enfocar mejor nuestro mensaje. Al menos en un nivel muy
básico, claro. Venga, vamos a profundizar en la psicología de la forma y cómo puede guiarnos a
los diseñadores gráficos en todo el proceso creativo, creando una mejor experiencia de
usuario.

La psicología de la forma en el diseño gráfico ¿Qué es exactamente la psicología de la forma?

Hablamos de una disciplina que estudia la influencia que tienen las formas sobre las personas.
Sugiere que a cada forma se le puede atribuir un conjunto de significados o de conceptos,
porque éstas tienen un impacto directo sobre nuestra conciencia y nuestra conducta. Sabemos
que es posible percibir y analizar cada elemento visual en términos de forma.

Por ejemplo, el sol a menudo se podía interpretar como un círculo rodeado de líneas rectas,
simbolizando a su cuerpo y a sus rayos solares. O si le pides a un niño que te dibuje un coche,
seguramente te dibujará algo parecido a esto. En ocasiones, las personas no somos
conscientes de las formas y las figuras que nos rodean, pero lo cierto es que las formas pueden
llegar a tener un gran impacto en nuestra conciencia.

La psicología de la forma avala que cada forma cuenta con un significado propio y pueden
llegar a incidir en nuestras mentes de manera diferente. Incluso también existen algunas
pruebas psicológicas como el test de Bender o el test de Bartek que se ayudan de las formas
para definir la personalidad o la condición mental de un individuo. Y es que ya son muchos
años de investigación los que han acabado ayudando a profesionales de la psicología a definir
el significado que cada forma nos evoca y cómo puede influir la forma en la percepción
humana.

Venga, vamos a conocer un poco mejor el significado que nos evoca cada forma. El significado
de las formas según la psicología de la forma. Tómate 5 segundos y piensa en una forma.

¿Ya la tienes? Cuando te piden que pienses en una forma, la mayor parte de la gente pensará
en formas geométricas y no especialmente en formas orgánicas o formas abstractas. Vamos a
comenzar conociendo el significado que nos evocan las formas geométricas y terminaremos
con las formas orgánicas y las formas abstractas. El significado de las formas geométricas.

Venga, comenzamos con el cuadrado. El cuadrado y las formas rectangulares son dos de las
formas que más vemos en nuestro día a día. Piensa en las paredes de tu casa, los muebles,
libros o mismamente la pantalla desde donde estás viendo este vídeo.

Las líneas y los ángulos rectos de los cuadrados producen una sensación de robustez que evoca
fiabilidad y seguridad. Si te pidiera dibujar un edificio, ¿tienes claro cómo lo dibujarías? Casi
seguro que lo dibujarías con una forma rectangular, ¿verdad? Se cree que además de por su
forma, también asociamos comúnmente los cuadrados con los edificios porque esta asociación
contribuye a aportar un sentimiento de fiabilidad y de confianza. Algunos significados comunes
del cuadrado y de las formas rectangulares serían autoridad, disciplina, fortaleza, solidez,
orden, masculinidad, estabilidad, coraje, seguridad y como he añadido antes, fiabilidad y
confianza.

Venga, vamos con el triángulo. El triángulo es una forma muy dinámica, fuerte y enérgica que
se asocia con movimiento y dirección. También se le puede relacionar con la jerarquía o la
divinidad.

Dependiendo de la orientación del triángulo, sus líneas laterales pueden contribuir a desplazar
nuestro ojo hasta la punta. Y es que, como el triángulo es una forma muy dinámica, puede
contar además con significados diferentes en función de cómo esté orientado. Por ejemplo, un
triángulo en posición vertical puede evocarnos sentimientos de estabilidad y de equilibrio.

En la punta invertida nos parece que está a punto de caer, generando una sensación de
tensión. Quizás precisamente por esta sensación de tensión que se consigue al invertir el
triángulo, se instauró esta forma geométrica en la sociedad como signo representativo del
concepto de precaución. Algunos significados comunes de las formas triangulares serían
emoción, poder, avance, vitalidad, crecimiento, dirección, riesgo, peligro y equilibrio.

La siguiente forma a comentar sería el círculo. Como el círculo no cuenta con principio ni fin, a
su forma se le asocia con la eternidad. También se relaciona esta forma con el Sol, la Luna y la
Tierra y con el concepto de unidad.

Las formas ovaladas o redondas, al carecer de ángulos o picos, evocan emociones más
empáticas y cercanas. Son, por tanto, emocionalmente más positivas y menos frías que las
rectangulares. Algunos significados comunes de las formas ovaladas y los círculos serían
adaptabilidad, unidad, movimiento, globalidad, perfección, infinitud, protección, fiabilidad,
eternidad y feminidad.

El logo de los Juegos Olímpicos es un ejemplo estupendo de logo que refuerza los conceptos de
cercanía y unidad con ayuda de las formas circulares. Y si echáis un vistazo al sector
automovilístico comprobaréis que son muchas las marcas de coches que recubren al círculo y a
las formas ovaladas en sus logos. Vamos con las líneas.

Aunque las líneas ayudan a delimitar formas, al agruparse también pueden contribuir a evocar
algunos conceptos o emociones. Ahora, las evocaciones que se consiguen con las líneas
difieren mucho si hablamos de líneas rectas o de líneas curvas, claro. Por ejemplo, para las
líneas rectas, si las líneas están inclinadas, evocarán movimiento, dinamismo, velocidad y una
ligera sensación de tensión.

Si las líneas rectas se encuentran en posición horizontal, evocarán tranquilidad, fiabilidad,

confianza y una sensación de paz. Y si estas líneas rectas se encuentran en posición vertical,
contarán con una posición más enérgica que puede contribuir a llamar más la atención y a
dominar la composición. Evocarán equilibrio, jerarquía, eficiencia y masculinidad.

En cambio, si las líneas son curvas, se evocará más cercanía, feminidad y cierta sensación de
ritmo. Algunos de los significados comunes de las líneas podrían ser unión, enlace,
comunicación, relación, dinamismo y coordinación. Vamos con una forma muy curiosa, la
espiral.

La forma de las espirales está bastante presente en la naturaleza. A mí me viene a la cabeza la

proporción áurea o la espiral de oro, que citaré más adelante si eso en un nuevo vídeo. Quizás
por eso a las formas de las espirales se les asocia también con el crecimiento, la vida,
nacimiento y muerte o la evolución.

En algunas culturas las espirales también pueden representar conocimiento. Algunos

significados comunes de las formas espirales podrían ser creatividad, continuidad, ilusión,
calma, inteligencia, energía, vitalidad e imaginación. Y la última forma geométrica que voy a
comentar es la cruz.

A las formas cruzadas o cruces se les asocia con el equilibrio, la esperanza y la divinidad.
Pueden interpretarse también como un punto de cruce de energías. Se usan para sugerir vida,
salud, unidad, esperanza, relaciones, equilibrio y espiritualidad.

Y hasta aquí el significado de las formas geométricas. Vamos ahora a conocer un poco más
acerca de las formas orgánicas y las formas abstractas. El significado de las formas orgánicas.

Las formas orgánicas son las concebidas como formas naturales. Piensa en las formas creadas
por la naturaleza, como la forma de una gota, de una hoja o de las flores. Las formas naturales
tienen claros significados de las plantas y de los animales que simbolizan, y a menudo aportan
una sensación de frescura y unidad con el entorno natural.

Los animales y las plantas también pueden contar con sus propios significados si los utilizamos
como símbolos, claro. Por ejemplo, una rosa puede ser un símbolo de amor, mientras que un
león es un símbolo de orgullo y valentía. Pero este sería otro tema a discutir.

Algunos de los significados comunes de las formas orgánicas podrían ser originalidad,
equilibrio y frescura. Y por último, tendríamos a las formas abstractas. Se denominan como
formas abstractas a las formas que son manifestaciones o símbolos visuales de conceptos o de
ideas abstractas.

Son representaciones de objetos, personas, acciones o señales. Y es que algunas de las formas
abstractas pueden acabar siendo difíciles de reconocer. Tras sintetizarse, pueden dar solo
pequeñas pistas de qué representan.

A menudo, las formas abstractas representan un solo concepto o una versión simplificada de
una forma orgánica. Las formas abstractas se usan con bastante frecuencia en el diseño de
logos, en la iconografía o en la señalética, ayudándose en ocasiones del espacio negativo. Y las
formas abstractas son una manera muy eficaz de transmitir un mensaje sin texto.

Por ejemplo, yo cuando pienso en formas abstractas, lo primero que me viene a la cabeza son
todos los símbolos que diseñó Lainz Weimann para el Metro de Ciudad de México. Te
recomiendo que leas sobre el proyecto. Y hasta aquí el significado de las formas según la
psicología de la forma.

Así que ya sabes, las formas son elementos visuales claves en el diseño gráfico. Pueden
ayudarnos a realizar una composición visual estructurando la información o relacionando otros
elementos. Pero si queremos realizar un diseño más sofisticado, deberemos tener en
consideración su significado.

Algunas de las composiciones que pueden aprovechar mejor las formas serían por ejemplo el
diseño de logos, la iconografía o incluso las tipografías. Porque la psicología de la forma está
estrechamente relacionada con la psicología de la tipografía o personalidad tipográfica, que os
explicaré más adelante en un nuevo vídeo. Volviendo al diseño de logos, sabemos que la
funcionalidad de un logo puede estar ligada en muchas ocasiones a la forma en que la gente lo
percibe.
Un logo es una herramienta clave para cualquier empresa. Debe contribuir a transmitir y
evocar un mensaje o significado acorde a la marca. Por eso, si escogemos bien las formas para
el diseño de un logo, contribuiremos a transmitir la sensación deseada sin tener que recurrir a
incluir texto o información adicional.

Por ejemplo, imaginemos que necesitamos desarrollar un logo para una entidad bancaria.
Quizás un enfoque positivo podría ser intentar aplicar en el diseño del logo el uso de alguna
forma que nos transmita confianza y seguridad. Sí, si estás valorando el cuadrado es que estás
razonando correctamente y que has prestado atención al vídeo.

Por aquí os dejo algunos logos de entidades bancarias que hacen uso de la psicología para esta
forma. Por otro lado, como os acabo de comentar, la psicología de la forma toma un papel muy
importante también en la tipografía. Para entender mejor la personalidad de la tipografía o la
psicología tipográfica, es necesario estudiar la forma de sus caracteres.

Valorar si cuentan con formas más geométricas o quizás formas más orgánicas. Si cuentan con
formas más rectas y puntiagudas, como las formas que podríamos encontrar en una tipografía
de palo seco, evocarán más seguridad, más fuerza y en ocasiones algo de agresividad. En
cambio, si las formas son más curvas y suaves, como las que podemos encontrar en una
tipografía manuscrita, pueden evocar algo más de cercanía e incluso feminidad.

Por eso es clave que prestemos siempre atención a las formas dominantes de cualquier
tipografía. Así podremos seleccionar una tipografía que favorezca el contexto de nuestro
mensaje. Y público, hasta aquí el vídeo de hoy.

Espero que hayas encontrado de utilidad la psicología de la forma y que puedas llegar a
aplicarla en los campos que domines dentro del diseño gráfico. Si te ha gustado el vídeo, te
agradeceré el like y muy pronto más vídeos de diseño gráfico. Si no quieres perderte ninguno,
anímate a suscribirte a mi canal y pulsar sobre la campanita.

Gracias por todo público y cuidaos mucho. Hasta luego.

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 ESPACIO NEGATIVO: Qué es y cómo aplicarlo en el DISEÑO DE
LOGOS
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Hola público, a ver si sois capaces de reconocer los símbolos dentro del espacio de estos logos.
Sí, hoy voy a hablaros del espacio negativo. Y es que cuando un diseñador gráfico hace uso del
espacio negativo de forma inteligente, podemos toparnos con diseños tan originales e
ingeniosos como los que acabas de ver.

En el vídeo de hoy vamos a verlo a fondo y además, al final, os presentaré de qué tres formas
podemos aprovecharlo mejor en el diseño de logos. Venga, vamos con ello. Ya habéis visto que
gracias al espacio negativo podemos conseguir diseñar logos originales que llamen más la
atención.

Pero es que además, si lo usamos de manera estratégica, también podemos aportarles más
significado. No te preocupes, que te lo voy a dejar todo muy bien explicado. Aprovecharse del
espacio negativo no es imposible, pero sí requiere de entrenar un poco el ojo y quizás de algo
de inspiración.

Recuerda, no se trata solamente de rellenar espacios con cualquier elemento. Si queremos

hacerlo bien y otorgar de más significado a nuestro diseño, necesitamos realizar una reflexión
previa y aprovecharnos de las formas de nuestra composición. Pero tanto si haces uso del
espacio negativo o no, siempre debes de tenerlo en cuenta, ya que el espacio negativo
contribuye también a definir y marcar los límites del espacio positivo.

Sin espacio negativo no existiría el espacio positivo. Y que sepas que el espacio negativo no solo
está ligado al diseño gráfico. También podemos encontrar algunos fotógrafos o artistas que
han sabido aprovecharlo muy bien.

Por ejemplo, a mí me viene a la cabeza Escher, el maestro de las figuras imposibles y las
ilusiones ópticas. Seguro que lo conoces. Pero antes de citaros las tres formas de aprovechar
mejor el espacio negativo en el diseño de logos, convendría que repasásemos un poco el
concepto del espacio como elemento visual del diseño gráfico, y cómo se relaciona el uso con la
percepción gracias a las leyes de la Gestalt.

El espacio como elemento visual en el diseño gráfico. Para que podáis entender bien el
concepto de espacio negativo, primero necesitamos definir bien qué es el espacio cuando
hablamos de una composición de diseño gráfico. El espacio es la distancia o el área que se
encuentra alrededor o entre los elementos de nuestro diseño.

Cuando nos ponemos a diseñar necesitamos plantearnos no solo qué vamos a incorporar a
nuestro lienzo, sino también cómo vamos a ordenar todo. Ahora ya sabemos que podemos
encontrar dos tipos diferentes de espacio, el espacio positivo y el espacio negativo. El espacio
positivo es la parte donde recae principalmente la atención del diseño, donde se incluyen las
formas de los objetos que llaman la atención del espectador.

El espacio negativo, en cambio, es la parte del diseño que no está ahí, el resto del espacio que
se encuentra entre los elementos. Os dejo por aquí un ejemplo donde remarco en color negro
cada espacio para ayudaros a diferenciarlos mejor. Recuerda que gracias al espacio negativo se
da la existencia de la forma en el positivo.

En diseño gráfico hacemos uso de estos dos espacios para generar un punto focal, marcar
equilibrio y definir un estilo visual. Así que podemos crear espacio positivo y negativo mediante
la disposición y apariencia visual de las formas dentro de una composición. ¿Qué tal hasta
ahora? No tiene mucho misterio, ¿verdad? Vamos a repasar brevemente cómo incide el espacio
negativo en nuestra percepción gracias a la teoría de la Gestalt.

El espacio negativo y la teoría de la Gestalt. Dentro de la teoría de la Gestalt podemos encontrar

un par de ideas clave y un par de principios que están estrechamente relacionados con el
espacio negativo. Por eso me ha parecido muy importante mencionarlo todo de nuevo en este
vídeo.

Ahora, si ya has visto mi vídeo sobre la teoría de la Gestalt, puedes adelantar al siguiente
capítulo abajo desde el propio reproductor de YouTube o puedes quedarte y aprovechar para
repasar un poco más con nuevos escenarios y nuevos ejemplos. Si recordáis bien, la teoría de la
Gestalt estudió principalmente la percepción humana y cómo nuestras mentes perciben ciertos
elementos como parte de un conjunto en lugar de individualmente. Existen dos ideas clave de
la teoría de la Gestalt que se relacionan directamente con el espacio negativo.

La primera idea sería la idea de la cosificación. Esta idea clave reflexiona sobre cómo somos
capaces de reconocer objetos y otras formas aunque falten partes de ellos. Nuestra mente
analiza lo que estamos observando y lo hace coincidir con patrones familiares almacenados en
nuestra memoria para llenar esos vacíos.

Aquí ve un ejemplo. En cada una de estas tres figuras nuestra mente construye nuevas formas
en el espacio negativo. Comprobarás que en el primer ejemplo llenamos la figura con un
círculo, en la segunda con un triángulo y en la tercera con un cuadrado.

La segunda idea clave de la Gestalt ligada con el espacio negativo es la idea de la

multiestabilidad. La idea clave de la multiestabilidad reflexiona cómo podemos interpretar con
frecuencia objetos ambivos en más de una forma. Podemos quedarnos tiempo observando un
mismo diseño intentando valorar cuál es la forma acertada.

Aquí os dejo un par de ejemplos donde podemos observar cómo nuestra mente se decanta por
encontrar la forma correcta entre el espacio positivo y el espacio negativo. Vamos ahora a
conocer los dos principios de la teoría de la Gestalt que están más ligados al espacio negativo y
también relacionados con las dos ideas clave que acabamos de ver. Nos tocaría hablar primero
del principio de cierre.

Según la teoría de la Gestalt, cuando percibimos una figura que no está cerrada o delimitada
por líneas, nuestra mente tiende a transmitir una sensación de cierre o de forma completa. Y lo
hace porque las formas cerradas son percibidas como formas más estables. Nuestro cerebro
trabaja por rellenar la información que falta.

Así que tendemos a cerrar o completar las formas abiertas buscando otorgarles más
estabilidad. El principio de cierre es una técnica muy recurrida en el diseño de lobos. Por aquí
os dejo unos cuantos que hacen uso de este principio para que podáis entenderlo bien.

Logotipos como el de IBM, Submicrosystems, Adobe, Carrefour o incluso Pepsi hacen uso del
principio de cierre de la teoría de la Gestalt. Y por último vamos a hablar del principio de figura
y fondo. El principio de figura y fondo es muy similar al principio de cierre porque como éste
aprovecha también la forma en que nuestra cabeza procesa el espacio negativo.

Este principio reflexiona sobre cómo el ojo humano tiende a observar un objeto separado de lo
que le rodea. Nuestra mente no es capaz de interpretar un objeto como figura o como fondo al
mismo tiempo. ¡Genial! Pues hasta aquí ya hemos repasado un poco de teoría y cómo afecta el
espacio negativo a nuestra percepción según la teoría de la Gestalt.

Vamos a ver cómo podemos hacer uso del espacio negativo en el diseño de lobos. Diseñar un
logo que use correctamente el espacio negativo puede contribuir a que este impacto llame más
la atención y sea más memorable. Cuando se hace bien, este espacio añade más profundidad y
más perspectiva al logo de una marca.

Pero primero debemos de valorar si un logo que haga uso del espacio negativo es idóneo o no
para cada caso en concreto y partiendo del briefing que se nos haya facilitado. Ahora, ¿el
espacio negativo no se aprovecha en el diseño de logos por una función meramente estética?
No. Nos ayudamos del espacio negativo porque nos permite añadir más significado al logo.

Además, también puede ayudarnos a realizar una mejor síntesis gráfica para conseguir
agrupar varios significados en una sola imagen. ¿Que qué quiero decir cuando hablo de síntesis
gráfica en el diseño de logos? Con síntesis gráfica me refiero a la capacidad de simplificar las
formas para otorgarles una mayor fuerza expresiva y una comunicación más clara. Se trata de
un proceso de reduccionismo o de minimalismo que usamos en el desarrollo de un logo y que
nos facilita cumplir también con la característica de simplicidad.

Pero este no es el tema del vídeo de hoy así que la síntesis gráfica la veremos si eso en un
nuevo vídeo más adelante. Si te interesa, no olvides pulsar sobre la campanita. Volviendo a lo
que tenemos que hablar.

Los logos que mejor se aprovechan del espacio negativo son aquellos que lo usan de manera
creativa dentro de una forma de un símbolo o de una letra. Ahora, saber aprovecharse bien del
espacio negativo no es una cualidad que se adquiere de la noche a la mañana. Quizás puedas
tener un golpe de suerte, pero como os he indicado antes, vamos a necesitar a entrenar un
poco el ojo y la cabeza.

Te puede ayudar a repasar conscientemente todos los espacios alrededor de las diferentes
formas de un logo. Valora qué diseños podrían encajar dentro de esas formas, pero estudia
siempre qué valores pueden comunicar aportándolos al espacio negativo. El uso de este
espacio debe estar justificado a nivel de significado.

No lo incluyas solo por dar un valor estético, ¿vale? Por aquí os dejo algunas formas con las que
a los diseñadores gráficos nos gusta aprovecharnos del espacio negativo en el diseño de logos.
La primera forma sería con ayuda de un logotipo. Partimos de un logotipo, es decir, de una
marca denominativa.

Podemos incorporar símbolos o pequeñas formas que sean relevantes a la marca dentro de la
tipografía. Hacemos uso del espacio negativo dentro de las diferentes combinaciones de letras
o de las contraformas, que son las áreas de espacio dentro de las letras. Un ejemplo que ya os
he mencionado otras veces y que representa el uso correcto del espacio negativo es el logo de
FedEx.

Entre la E y la X se forma una flecha evocando velocidad y precisión. O si conocéis el portal

tipográfico MyFonts, quizás no os habéis fijado que la M y la I de la izquierda se han diseñado
para que junto con el espacio negativo parezca una mano derecha que intenta alcanzar la
palabra fonts. Curioso, ¿no? Por aquí te dejo algunos otros ejemplos.

Vamos con la segunda forma, con ayuda de caracteres tipográficos. También podemos llegar a
diseñar un logo combinando la forma de una sola letra o más con el espacio negativo.
Normalmente se usa la primera letra del nombre de la marca, claro, para favorecer la
pregnancia y el recuerdo del nombre.

Se puede mantener la forma de la letra desde el espacio positivo o no, pero siempre se busca
otorgar de más significado al logo desde el espacio negativo. Obteneremos como resultado un
símbolo que contribuirá a formar un isotipo, un imagotipo o un isólogo. Por aquí os dejo
algunos ejemplos.

Y la última forma de aprovechar el espacio negativo sería con ayuda de otros símbolos. No
necesitamos tipografía para poder hacer uso del espacio negativo de forma correcta. Podemos
combinar dos formas diferentes para crear un único símbolo.

Ya solo nos hace falta algo de ingenio. Valora cómo podemos combinar dos ideas y
mantenerlas separadas de forma correcta. Los espectadores quedarán atrapados en el logo
tratando de descifrar el mensaje que hay detrás.

Valorarán el ingenio y como hemos visto se favorecerá su recuerdo. Aquí os dejo algunos otros
ejemplos de logos que hacen uso del espacio negativo de esta forma. Como os he mencionado
antes, el espacio negativo nos puede ayudar a otorgar de más significado a un logo.
Por eso, algunos diseñadores de logos hacen uso también de la psicología de la forma e
introducen determinadas formas en el espacio negativo, buscando que el logo final se
relacione con las sensaciones que evocan. Por aquí os dejo algunas entidades financieras que
han incluido una forma cuadrada en el espacio negativo porque esta figura suele evocar
seguridad y confianza. Eso sí, es importante que estudiemos siempre la escalabilidad del logo.

Recuerda que un buen logo debe de ser reproducible a cualquier tamaño y adaptable a varios
formatos. Y no, no podemos olvidarnos de la legibilidad. Por lo tanto, si hacemos uso del
espacio negativo, necesitaremos garantizar que no se ven afectados ni la escalabilidad ni la
legibilidad del logo.

Si quieres conocer un poco más acerca de las 7 características con las que debe de contar un
buen logo, no te pierdas el vídeo que te dejo por aquí. Así, además, podrás ver que he
mejorado un poco en todo esto de la grabación. Por cierto, no sé si te has fijado, pero cada logo
incluido en este vídeo viene siempre junto al nombre del autor.

Así que, si te ha llamado la atención alguno, no tienes más que volver y consultar sobre el pie
de la imagen. Y público, hasta aquí el vídeo de hoy. Espero que te hayas pasado bien
aprendiendo un poco más acerca del espacio negativo.

Ya vas comprobando que en diseño gráfico todo está relacionado. Muy pronto subiré más
vídeos. Si no quieres perderte ninguno, ya sabes lo que te toca hacer.

Muchas gracias desde Madrid. Nos vemos pronto. Hasta luego.

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