1) El canto antifonal y el canta responsorial son 2 formas de canto litúrgico, que
Implican la alternancia de voces o grupos de cantores. Ambas Se utilizan
principalmente en la tradición cristiana y sirven para expresar una estructura de
diálogo o interacción durante el canto. En el canto antifonal este tipo de canto son 2
grupos de cantores pueden ser coros secciones del mismo coro o el celebrante y el
pueblo alternan entre sí los grupos cantan de manera alternada a menudo con un
grupo iniciando una sección y el otro respondiendo o complementando la melodía.
Mientras que en el canto responsable el solista canta una estrofa y la congregación
responde generalmente con un estribillo o una frase repetitiva este formato favorece
la participación activa de los fieles y crea un sentido de diálogo entre sí.
2) El canto gregoriano pasó por 4 etapas bien definidas:
1- Formación (San Gregorio y su tiempo)
2- Difusión (siglo VIII al XIII)
3- Decadencia (siglo XIV al XIX)
4- Restauración (siglo XX)
Sus 3 estilos están muy bien diferenciados Y están relacionados directamente con el
grado de dificultad con respecto a su interpretación
-Silábico: A cada sílaba le corresponde una nota.
-Neumático: A cada sílaba le corresponde un grupo de 2 3 o 4 notas.
-Melismática: A cada sílaba le corresponde un grupo de 5 o más notas.
3) La edad media fue el período más extenso en la historia de la humanidad; Tuvo 3
subperíodos:
A) Patrístico (siglo V al IX): Los padres de la iglesia (sacerdotes) Ordenan y
clasifican el canto cristiano primitivo.
B) Románico (siglo X al XIII): El Canto Cristiano continúa su evolución.
Comienza a tener importancia el Canto Secular o Profano. Se inicia la
práctica de la música polifónica.
C) Gótico (siglo XIV al XV): Se desarrolla la Polifonía. Aparecen Formas
musicales muy valiosas de expresión religiosa. Crece la práctica de la música
Secular o Profana.
4) El latín se transformó lentamente en una lengua muerta y el Canto Gregoriano fue
perdiendo hegemoní[Link] lado de los textos con temática religiosa comenzaron a aparecer
aquellos que se referían a situaciones de la vida cotidiana.
- Bardos: Cantores errantes de Inglaterra, Escocia, Irlanda y Gales. Origen: Siglo VII.
Admirados por el pueblo. Protegidos por las leyes de los celtas. Actuaron en aldeas,
ciudades, plazas y palacios. Cantaban las gestas y hazañas de los héroes.
- Goliardos: Nombre proveniente del obispo Golías. Estudiantes y clérigos
mendicantes que viajaban de una escuela a otra, solos o en grupo, cantando en
coro. Vida vagabunda reprobada por la gente. Temática: vino, mujeres y sátira con
un espíritu juvenil, mordaz e informal, a veces moralizante Tenían muy buena
formación humanística. La colección de cantos goliardos se conoce como “Carmina
Burana” (Canto de los Beurones)
- Trovador: los que encuentran o inventan. Músicos poetas de origen noble aunque no
en todos los casos. La música de ambos tenían similitudes: baladas sencillas
interpretadas con instrumentos a a cappella (solo la voz, sin acompañamiento de
instrumentos).
- Meintersinger: (Maestros Cantores) Músicos poetas de Alemania. Derivaron de los
Minnesinger (Cantores de Amor). Burgueses y artesanos.
5) Las cantigas son canciones religiosas españolas que destacan por su profundidad
cultural e histórica. Aunque el término también se utiliza para designar canciones folclóricas
portuguesas, las cantigas españolas tienen características propias, como la influencia de los
trovadores, los modos litúrgicos, la danza secular y ciertos elementos de origen árabe.
Las Cantigas de Santa María, creadas en el siglo XIII, son una colección de
canciones marianas que relatan milagros atribuidos a la Virgen María. Estas obras
fueron promovidas por el rey Alfonso X "El Sabio", quien demostró un gran interés
en la cultura y la ciencia de su época. Alfonso X trabajó con equipos multiculturales,
compuestos por cristianos, judíos y musulmanes, para recopilar y componer estas
cantigas, las cuales representan testimonios de la poesía y música medieval.
Además de su contenido religioso, las cantigas reflejan la riqueza cultural de la
España medieval, uniendo tradiciones de Oriente y Occidente y consolidándose
como una de las colecciones más admirables de su tiempo.
A través de ella nos permite revivir aquel tiempo en el que España en nexo entre
Oriente y Occidente
6) La escuela franco-flamenca es el nombre que se le da al núcleo de donde salieron
varios compositores de la mitad del siglo XV y finales del XVI en la región comprendida
entre Saint-quentin y Ámsterdam. Se caracterizó por su dominio del contrapunto y la
creatividad técnica, con compositores como Johannes Ockeghem, Josquin des Prés y
Jacob Obrecht a la cabeza. Esta escuela se distinguió por su enfoque en la polifonía vocal,
evolucionando de tres a cuatro o más voces reales. Además, tuvo un impacto significativo al
conectar a jóvenes músicos con Italia, logrando un nuevo aire en las obras debido a un
intercambio cultural que enriqueció la música renacentista. Josquin des Prés, figura clave
del Renacimiento musical, es reconocido por su genialidad comparable a Miguel Ángel.
Nació cerca de Saint-Quentin en 1440, se destacó en el coro y trabajó en cortes italianas y
francesas. Transformó la música al vincular texto y sonido con una expresividad única,
alejándose de la ornamentación excesiva. Su obra combina la técnica del contrapunto con
melodías accesibles y emocionales. Entre sus composiciones destacan misas, motetes y
piezas profanas como El Grillo. Su legado marcó una cumbre en la música renacentista,
influyendo en generaciones posteriores. Josquin abrió y apresuró el desarrollo de las cosas
dándole una conducta expresiva a varios compositores que le sucedieron, el mismo tuvo
sus propios discípulos que hicieron sus propios caminos posteriores a él.
7) El Renacimiento fue un movimiento artístico originado en Florencia, Italia, que
transformó profundamente la ciencia, las formas de gobierno y las costumbres. Se inspiró
en el contacto apasionado con las obras de la antigüedad grecorromana, de donde toma su
nombre.
Las causas fueron varias:
1. Influencia cultural de los siglos XIII y XIV.
2. Invención de la imprenta: Por Johann Gensfleisch, conocido como Gutenberg.
Invención de la imprenta musical por Ottaviano Petrucci.
3. Aporte de los eruditos en Italia: Expulsados de Constantinopla, contribuyeron al
desarrollo cultural. Apoyo de mecenas como los papas Julio II y León X, los Medici
de Florencia, los Sforza de Milán y los Gonzaga de Mantua que protegieron a los
músicos, pintores, poetas, etc
4. La llegada de Cristóbal Colón a América.
Consecuencias
1. Cambio de visión del mundo: Surge un nuevo espíritu y forma de ver la vida.
2. Enfoque en el sentido de las cosas: Se busca progreso en los métodos que
favorecen la razón humana.
3. Auge de grandes figuras: Destacan en casi todos los campos del quehacer
cotidiano.
4. Avance intelectual y artístico: Se impulsa la exploración y el desarrollo cultural.
8) En la Reforma, Martín Lutero revolucionó la música religiosa al introducir el coral
luterano, con melodías sencillas y textos en la lengua nativa para que toda la congregación
pudiera participar en el canto. Su objetivo era democratizar la música y usarla como
herramienta de enseñanza religiosa. Este enfoque se alejó de la complejidad de la música
católica, priorizando la claridad y accesibilidad. pretendía que la música fuera simple, con
ritmos y melodías sin dificultades vocales fáciles de recordar. Se establecieron en las
iglesias reformistas.
Entre 1545 y 1563 la iglesia trató de poner orden en varios aspectos, entre ellos la
música, de ese modo se produjo la Contrarreforma. La Iglesia Católica respondió a
la reforma de Lutero reforzando la música sacra a través de la polifonía. Giovanni
Pierluigi da Palestrina defendió este estilo mostrando que podía ser clara y espiritual.
El exceso de polifonía había estado preocupando a la iglesia debido a su
complejidad y falta de acceso, con su obra la Misa para el Papa Marcelo, pretendió
demostrar que los vicios y errores que criticaban (el Papa Marcelo entre ellos) eran
propios de los compositores y no de los recursos técnicos de la música. De este
modo equilibró complejidad técnica y claridad textual, restauró el espíritu pasado
salvando la polifonía y marcando el Siglo de Oro de la Polifonía.
9). Los compositores del ars antiqua son en su mayoría anónimos, Leonin y Perotin son
los más conocidos gracias a la escuela de Notre Dame.
Del Ars Nova en cambio, tenemos a Philippe de Vitry, compositor, teórico musical t poeta
francés, escribió el tratado Ars Nova y algunas de sus obras son: motetes a 3 voces: "pétreo
clemens tan re quam nomine", " tribum que non abhorruit", " tuba sacre fidei", "virgo sum".
Guillaume de Machaut
Compositor francés del siglo XIV, considerado uno de los más grandes de la época.
Compuso motetes, canciones seculares y la Messe de Nostre Dame, la cual fue la primera
misa compuesta por completo por un solo compositor.
10) La teoría de los afectos hace referencia a la representación de las pasiones y estados
de excitacion anímica. En 1649, Descartes mencionó los principales afectos: admiración,
amor, odio, deseo, alegría y tristeza.
Desde la antigüedad la música se combina con los estados del alma, así podemos expresar
musicalmente alegría o tristeza.
Ya sea con movimientos rápidos, registros agudos, modos mayores, consonancias y
stacatos para expresar alegría, o modos menores, registros graves, notas ligadas y
movimientos lentos para expresar tristeza.
11) La Camerata Fiorentina fue una agrupación, compuesta por destacados músicos y
compositores que nacio en torno a la figura de Giovanni Bardi, conde de Vernio (poeta,
musico y mecenas) que contribuyo significativamente al desarrollo de la ópera y la música
barroca.
Entre sus integrantes se encontraban:
Vincenzo Galilei Cantante, violinista, laudista, compositor y poeta. Padre del astrónomo
Galileo
Galilei.
Giulio Caccini Cantante y compositor.
Jacopo Peri Compositor.
Emilio del Cavalieri Compositor. Autor de la primera ópera sacra: “La Rappresentazione
dell’anima
e del corpo”.
Ottavio Rinuccini Poeta.
Marco da Gagliano Compositor.
Giovanni Battista Doni Teórico musical. En el siglo XVII, la primera sílaba de su apellido -Do-
sustituyó
la sílaba latina Ut como nombre de la primera nota musical.
Vittoria Archilei Cantante, laudista y bailarina.
Septimia Caccini Cantante, Hija de Giulio Caccini.
Cecchina Caccini Poetisa, cantante y compositora. Hija de Giulio Caccini.
Laura Guidiccioni Poetisa. Libretista de la ópera sacra de su amante, Emilio del Cavalieri.
12) Primero y ante todo, el hombre del Barroco es sensible, pasional, lo que está
relacionado con los afectos y fantasioso, con lo que demuestra poseer un espíritu
romántico que se opone a la racionalidad del Renacimiento.
El Barroco cultiva el lujo y el esplendor, gusta de la abundancia y lo extremo y amplía
las fronteras de la realidad gracias a un ilusionismo fantástico.
El Barroco resulta dionisíaco en su impulso vitalista.
Sin embargo, la cosmovisión barroca está ordenada de modo armónico y racional.
Intenta alcanzar el orden a pesar de las disidencias religiosas, las luchas de la nobleza
por el poder, la Guerra de los 30 años, etc. Y su conciencia determina Ia relación con la
Naturaleza, en la que la tradición y la fe -a pesar de su estrecha relación con Dios- no
conducen a la nueva visión del mundo. Este papel lo juegan el empirismo (el uso
exclusivo de la experiencia, sin teorías ni razonamientos) y la crítica (el arte de juzgar o
censurar).
De este modo, científicos como Copérnico, Galileo y Kepler demuestran que la tierra ya
no es el centro del universo. Y filósofos como Descartes, Pascal y Spinoza predican una
ética y una moral a partir de la experiencia humana.
Así, se fundan academias científicas y culturales con el fin de elevar ei nivel artesanal Y
artistico. Por otro lado, el orden no pierde cierto predominio, lo que se observa en la
construcción de palacios y jardines geométricos.
La vida barroca, además, es artificiosa y poco natural, lo que queda demostrado a través del
ceremonial cortesano, el uso de la peluca, el discurso erudito y la aparición del
castrato, novedad ésta en la que mucho tuvo que ver el Conservatorio de Nápoles.
Asi, el mundo es un teatro con actores, maestro de ceremonias y música.
La realidad político-social muestra varias característi cas:
El estado barroco es una sociedad estamental: rey, aristocracia, clero, burguesía y
campesinado, en éste orden, jerarquía que sólo se puede sostener a la fuerza.
En las ciudades reside la clase burguesa- acomodada y culta.
EI campo es cada más pobre: 4 de cada 5 habitantes es analfabeto, el hombre esta
sometido a gravísimas epidemias, gran mortandad infantil y de las parturientas, Ia vida
humana no alcanza siquiera un promedio de 30 años y el beneficio del sembrado de la
tierra es ínfimo, por lo que el hambre y la miseria son incontrolables.
Esto lleva al hombre a solicitar la intercesión de las fuerzas espirituales: el camino es la
iglesia o la hechiceria. Los resuitados quedan librados al azar.
El Barroco tuvo tres etapas (comienzo, desarrollo y fin):
Barroco temprano: se dio desde 1570 a 1620.
Barroco pleno: entre 1620 y 1680.
Barroco tardio: a partir de 1680 hasta 1740/1750.
Hay un encuadre más general con respecto a su extensión total.
Comienzo: 1600 - estreno de la opera "Euridice" de Jacopo Peri y Ottavio Rinuccini
Final: 1750 - fallecimiento de Johann Sebastian Bach.
13) La Obertura Italiana fue creada por Alessandro Scarlatti y la Obertura Francesa por
Jean-Baptiste Lully
Las diferencias entre ellas son las secciones y las características de las mismas.
La Obertura Italiana tiene las siguientes secciones y características:
Rápido (A) (Mov I) Que es de carácter alegre y rítmicamente preciso.
Lento (B) (Mov II) Que es muy breve y de transición
Rapido (C) (Mov III) Que es Danzable y muy dinámico
La Obertura Francesa en cambio tiene estas siguientes secciones y características:
Lento (A) Solemne, pausado y muy expresivo
Rápido (B) Alegre y brillante
Lento (A´) Optativo. A veces, repetición de I.
14) L’Orfeo.
Il ritorno di Ulisse in Patria
L'Incoronazione di Poppea
15) Concerto Grosso (Concierto grande): Deriva del Concerto da camera. Creado por el
compositor italiano ArcangeloCorelli (1653-1713). Dos grupos instrumentales que conciertan
entre sí
Concertino: Grupo solista con dos, tres o más instrumentistas integrado solo por cuerdas,
solo por vientos o por una combinación de ambos en las que a veces se incluye un teclado.
Ripieno (relleno) o Tutti (todos): Grupo acompañante más numeroso (orquesta) que dialoga
con el Concertino. Oscila entre los tres y cuatro movimientos:
Tres: Rápido-Lento-Rápido Cuatro: Lento-Rápido-Lento-Rápido
16) La orquesta barroca no era una orquesta estandarizada como las que conocemos hoy.
Dependía en gran medida del tipo de música y el lugar donde se tocaba (corte, iglesia,
teatro, etc.), pero generalmente estaba compuesta por los siguientes grupos:
1. Cuerdas
Las cuerdas eran el núcleo central de la orquesta barroca. El número de músicos podía
variar, pero generalmente incluía:
Violines: Los violines eran muy importantes, y en muchos casos había dos secciones de
violines: los primeros violines, que tocaban las melodías principales, y los segundos
violines, que tocaban armonías o acompañamientos.
Violas: Menos prominentes que los violines, pero también eran fundamentales en la
armonía de la orquesta.
Cellos: Enormemente importantes para la base armónica de la música barroca. A menudo,
el violonchelo llevaba una parte de bajo continuo.
Contrabajos: Aunque en menor número, se utilizaban también en el bajo continuo.
2. Instrumentos de Viento
Aunque los instrumentos de viento no eran tan numerosos como en las orquestas
modernas, eran fundamentales para dar color y variedad tímbrica:
Flautas traveseras: Instrumento de viento madera muy popular, especialmente en la música
de cámara y orquestal barroca.
Oboes: Instrumento de viento madera con un tono claro y brillante.
Fagotes: Instrumentos de viento madera más graves, que en el barroco se utilizaban
principalmente para reforzar el bajo continuo.
Trompetas y trombones: Utilizados en la música festiva o ceremonial, especialmente en
composiciones de gran pompa como las de Handel o Lully.
3. Teclados
Los instrumentos de teclado eran fundamentales en la orquesta barroca, sobre todo porque
el bajo continuo, uno de los pilares de la música barroca, requería de un instrumento capaz
de proporcionar tanto el bajo como los acordes:
Órgano: Principalmente en música sacra, era común en las iglesias, especialmente en
obras religiosas.
Clavecín: El instrumento más comúnmente usado para el bajo continuo en la música de
cámara y en las orquestas. El clavecín tenía un sonido más brillante y menos resonante que
el órgano, lo que lo hacía ideal para la música de cámara.
Clavicordio: Aunque menos frecuente en las orquestas grandes, el clavicordio se usaba en
ciertos contextos, principalmente en música de cámara.
4. Otros Instrumentos
Laúd: Usado ocasionalmente, sobre todo en música de cámara o en el contexto de la
música de cortes.
Tiorba: Instrumento de cuerdas con una gran caja de resonancia, que tocaba el bajo
continuo junto con el clavecín.