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Crear y comprender el arte

T
Dedique un momento a estudiar el
cuadro creado por Gabriele Münter.

¿Cree que es una obra de arte? Para obtener

información sobre las obras de arte, hay que
saber formular las preguntas adecuadas. En las
páginas que siguen, descubrirá cuáles son esas
preguntas y aprenderá a utilizarlas para
defender sus propias decisiones sobre el significado y
el valor del arte.

Actividad Busca en la colección por artista o periodo. Lea el

perfil de Gabriele Münter y vea otro cuadro de esta artista
progresista. ¿Qué acontecimientos históricos influyeron en
su carrera?

Gabriele Münter. Staffelsee en otoño. 1923. Óleo sobre tabla.

34,9 × 48,9 cm (133⁄4 × 191⁄4"). National Museum of Women in the
Arts, Washington, D.C. Donación de Wallace y Wilhelmina.
Holladay. 2002 Sociedad para los Derechos de los Artistas (ARS)/VG Bild-Kunst, Bonn.

001
 1
El Arte y tu
H ¿alguna vez has pintado un cuadro o moldeado un trozo de arcilla? ¿Cuáles
son algunos de los tipos de arte que has visto? ¿Por qué crees que
¿los artistas crean arte? Las artes visuales son un lenguaje universal. A través de
ellas, la gente ha retratado su mundo y expresado sus sueños, ideas y sentimientos.
Cada obra de arte refleja la época y el lugar en que fue creada. Por esta razón, el
arte nos ofrece una oportunidad única de viajar al pasado. Podemos detenernos un
momento en los ojos de La joven de la perla (figura 1.1) e imaginar cómo habría
sido su vida. ¿Qué significado pudo tener el cuadro para el artista, Jan Vermeer?

Leer para descubrir A medida que leas este capítulo, establece

conexiones entre las obras de arte y las personas, lugares y
acontecimientos de tu vida. Fíjate en la joven de la figura 1.1. ¿Quién crees
que era? ¿Quién crees que es? Tal vez su expresión te recuerde a alguien
que conoces. ¿Qué emociones sugiere su expresión facial?

Actividad central La joven de la perla fue pintada entre 1665 y 1667.

¿Cómo crees que era la vida en el siglo XVII?
¿Hollanda? En una hoja aparte, escribe un pie de foto que cuente algo
sobre la chica del cuadro. Relacionar una obra de arte con tu propia vida
te ayudará a apreciar mejor las artes visuales.

Utilizar la línea del tiempo La línea del tiempo muestra detalles de

algunas de las obras de arte que estudiarás en este capítulo. Localiza las
imágenes en la línea del tiempo mientras lees y piensa en la época y el
lugar en que trabajó cada artista.

c. 1425 A.C.
Las pinturas murales de
las tumbas del antiguo
Egipto muestran
1542
costumbres de la vida
Tiziano pinta c. 1633
egipcia c. 1665-1667
Ranuccio Farnesio Judith Leyster
Jan Vermeer
pinta El Concierto
pinta La joven
de la perla

Arte de civilizaciones antiguas Pinturas de artistas europeos

002
 ■ FIGURA 1.1 Jan Vermeer. Muchacha con pendiente de perla. c. 1665-1667. Óleo sobre lienzo. 146,5
⁄4 × 40 cm (18
× 151
⁄4") Royal Cabinet of Paintings, Mauritshuis, La Haya, Países Bajos. Scala/Art Resource, Nueva York.

1954
1934 1940 Jacob Lawrence
Uemura Shoen crea Madre e hijo, Marie Apel crea la crea Hombre con
explorando el tema de las mujeres escultura de bronce flores
bellas en el arte japonés Grief (Detalle. Crédito p. 22)
(crédito p. 8)

1930 1940 1950 1960

003
 PRIMERA LECCIÓN

Explorar el arte
Vocabulario
■ artes visuales W or qué la gente decide crear, interpretar y responder al arte? Al fin y al
cabo, no es necesario crear o experimentar el arte para
■ bellas artes garantizar la supervivencia física. El arte no es necesario para mantener la vida
■ artes aplicadas como lo son la comida, la ropa y el cobijo. Sin embargo, el ser humano ha
persistido en la creación de todas las formas de arte desde los tiempos más
Descubra remotos (Figura 1.2). El deseo de crear, interpretar y apreciar obras de arte es
Después de completar esta universal entre los humanos. ¿Qué es lo que ha hecho y sigue haciendo que el
lección, serás capaz de: arte sea tan especial en la vida de todas las personas? Para responder a esta
■ Identificar la diferencia entre pregunta, primero debemos definir el arte en general y, más concretamente, las
bellas artes y artes aplicadas.
artes visuales.
■ Discutir por qué las culturas y los
artistas crean arte.
■ Explica los beneficios de
estudiar arte.
¿Qué es el arte?
■ Identificar las fuentes Las artes son una forma básica de comunicación humana. Las artes visuales,
artísticas de una comunidad. la música, la literatura y la poesía pueden considerarse los medios por los que
las personas, pasadas y presentes, se expresan en imágenes y sonidos únicos que
captan el interés, la imaginación y el aprecio de los demás.

■ FIGURA 1.2 Las pinturas de las paredes de las tumbas nos cuentan muchas cosas sobre la vida
en el antiguo Egipto hace más de tres mil años. Puedes identificar los diferentes tipos de tributo o
pago que se hacían? ¿A quién cree que va dirigido?

Presentación del tributo nubio a Tutankamón (restaurado). Detalle de una pintura mural de la Tumba de
Amenhotpe Huy, dinastía XVIII. Egipcio, Tebas, Qurnet Murai. c. 1360 a. C. 182 × 524 cm (71

004
■ FIGURA 1.3 Este artista estadounidense es inmensamente popular desde 1948, cuando expuso su
famoso cuadro titulado El mundo de Christina. ¿Considera que el artista ha conseguido crear un retrato
realista?
imagen? ¿Qué características le parecen especialmente realistas?

Andrew Wyeth. Soaring. 1950. Temple sobre masonita. 130 × 221 cm (48 × 87"). Museo Shelburne, Shelburne, Vermont.

Llegar a una definición más específica de las

artes visuales puede no parecer demasiado
difícil a primera vista, hasta que uno se da cuenta
de que esta tarea ha desafiado a los estudiosos a
lo largo de la historia. Grandes filósofos, como
los antiguos griegos Platón y Aristóteles, han
intentado definir la naturaleza del arte y
comprender su contribución única a la vida
humana. En sus esfuerzos por definir el arte, los
estudiosos han tratado de establecer las
cualidades que identifican un objeto como obra
de arte. Es posible que sus propias ideas sobre
el arte tengan en cuenta algunas de las
cualidades señaladas por los estudiosos:
• El arte debe reflejar la realidad. Debe
parecerse a algo visto en el mundo real
(Figura 1.3).
• El arte debe ser agradable a la vista, aunque
no es realista (Figura 1.4). ■ FIGURA 1.4 Esta escultura está hecha con piezas metálicas de
colores soldadas entre sí. ¿Le recuerda esta obra a algo
• El arte debe expresar las ideas, creencias y
en la naturaleza? ¿Cree que puede haberse inspirado en algo del
sentimientos del artista para que los demás mundo natural? Si es así, ¿qué podría ser?
puedan entenderlos (Figura 1.5, página 8).
Nancy Graves. Interconexión palpable. 1990. Hierro, bronce, aluminio, acero inoxidable y car-
Tal vez piense que todas estas cualidades son
bon con pátina policromada. 154 × 134,6 × 53,4 cm (603 ⁄4 × 53 × 21"). The Lowe Gallery,
importantes, aunque no todas tienen por qué Atlanta, Georgia. © Nancy Graves Foundation/Licencia de VAGA, Nueva York, NY.
serlo.

005
 evidente en la misma obra. Al fin y al cabo,
algunas obras tienen éxito porque parecen reales.
Otras no reflejan la realidad, pero son agradables a
la vista. Otras no parecen reales y no son
visualmente atractivas, pero logran comunicar ideas
o sentimientos. Si tenemos en cuenta todas estas
cualidades, podemos definir las artes visuales
como expresiones únicas de ideas, creencias,
experiencias y sentimientos plasmados en formas
visuales bien diseñadas.

Diversas formas de arte

Los artistas utilizan su imaginación,
creatividad y habilidades para expresarse de
forma tangible y visualmente atractiva. Cada vez
que pintan un cuadro, esculpen una figura con
arcilla o expresan

■ FIGURA 1.5 El artista ha creado una

obra expresiva que intenta
muestran el aislamiento y el dolor que
acompañan a la pérdida de un ser
querido. ¿Qué características le
parecen especialmente eficaces para
transmitir este sentimiento?
de pena?

Marie Apel. Duelo. 1940. 50,8 × 17,8 × 15,2 cm

(20 × 7 × 6"). Bronce. National Museum of
Women in the Arts, Washington D.C. Donación de la
hija de la artista.

■ FIGURA 1.6 La cálida e íntima relación entre

madre e hijo queda plasmada en esta talla de
madera.
¿Qué es lo que más le impresiona de esta obra: su
atractivo visual o la fuerza con que expresa sus
emociones? ¿Cree que la apariencia de la obra y su
impacto emocional tienen la misma importancia?

Elizabeth Catlett. Mother and Child. 1933. Caoba. 171.5 × 41.9

× 39,4 cm (671 ⁄2 × 161 ⁄2 × 151 ⁄2 "). Colección del Studio Museum de
Harlem, Nueva York. © Elizabeth Catlett/Licencia de VAGA,
Nueva York, NY.

006
Si te expresas en una canción, un baile o un es proporcionar cobijo y atender otras necesidades
poema, estás creando arte. Sin embargo, el arte humanas. Por tanto, la arquitectura también se
puede adoptar distintas formas. Dos formas considera una forma de artes aplicadas.
principales son las bellas artes y las artes
aplicadas. Artes Aplicadas
No existe una línea divisoria clara entre bellas
Bellas Artes artes y artes aplicadas. El término artes
En las artes visuales, las bellas artes se aplicadas se utiliza con mayor frecuencia para
refieren a la pintura, la escultura y la describir el diseño o la decoración de objetos
arquitectura, artes que no tienen una función funcionales para hacerlos agradables a la vista.
práctica y que se valoran. Realizadas a mano o a máquina, las obras de
en función del placer visual que proporcionan artes aplicadas están destinadas principalmente a
o de su éxito a la hora de comunicar ideas o cumplir una función útil (Figura 1.7). Los
sentimientos (Figura 1.5). La única excepción artistas que crean artes aplicadas o artesanía
es la arquitectura, que implica el diseño de suelen denominarse diseñadores, artesanos o
estructuras. artesanos.
turas que pretenden ser a la vez atractivas y
funcionales. Sin embargo, el objetivo principal de un
edificio

■ FIGURA 1.7 Los diseños creados por los artesanos son a menudo muy complejos y hábiles. ¿Qué
le impresiona más de esta obra, su diseño o su utilidad práctica?

007
Por qué se crea el arte
Las culturas han creado algún tipo de arte a lo
largo de la historia. Esto nos lleva a preguntarnos
¿Por qué crean arte las culturas?
Aunque sería imposible enumerar todas las razones,
merece la pena considerar las siguientes:
• Estética. Algunas culturas crean arte
simplemente por su atractivo visual y por el
placer que proporciona a quienes
comprenden y aprecian los esfuerzos
creativos de los artistas. En el capítulo 4
aprenderá a identificar las distintas
cualidades estéticas inherentes a las obras de
arte. Estas cualidades estéticas deben tenerse
en cuenta para comprender y juzgar las obras
de arte.
• Moral/ética. En muchas culturas el arte es
utilizado para representar a personas y
comportamientos que se consideran nobles
y buenos. (Véase la Fig. 20.7, página 451.)
• Espiritualidad. Las obras de arte suelen crearse
con fines religiosos, lo que permite a la gente
conectar con el mundo de los espíritus. Por
ejemplo, una cabeza tallada procedente de una
isla del Océano Pacífico (Figura 1.8) se
fabricó para un festival que conmemoraba la
muerte de un miembro de la comunidad. Estas
figuras desempeñaban un papel importante en
las ceremonias funerarias de esta cultura.
■ FIGURA 1.8 Las cabezas esculpidas como
Otras culturas recurren al arte para contar ésta combinan una talla intrincada con formas
salientes,
historias y proporcionar lecciones asociadas a y colorida pintura. Identifique cualquier criatura
sus creencias religiosas. familiar incorporada a esta talla. ¿Cómo influye en
• Historia. Muchas obras de arte aportan valiosos tu apreciación de esta obra la comprensión de su
información sobre personas, lugares y finalidad?
acontecimientos importantes. (Véase la Escultura malagueña, cabeza. Oceanía, Nueva Irlanda, región
Figura 10.25, página 234.) Las pinturas y las noroeste. Principios del siglo XX. Madera, pintura y opérculos. 97.8 ×
esculturas revelan a menudo el aspecto y la 46,4 × 31,1 cm (381 ⁄2 × 181 ⁄4 × 121 ⁄4"). Museo de Arte de Dallas,
Dallas, Texas. Fondo Roberta Coke Camp.
forma de vestir de las personas, e incluso
recogen su comportamiento y sus logros.
Los cuadros también ilustran lugares y
acontecimientos significativos y revelan Saber por qué se creó una obra de arte puede
cómo se sentían los artistas al respecto. ayudarle a comprender mejor al artista como
• La política. El arte sirve como herramienta de individuo y la cultura en la que trabajó.
persuasión
o propaganda cuando se utiliza para Por qué crean los artistas
convencer a la gente de que adopte un
Conocer los distintos fines que persigue el arte
determinado punto de vista o para aumentar
no explica por qué los individuos crean arte.
el poder de un gobernante o partido político.
¿Están motivados por la promesa de una gran
(Véase la figura 21.3.)
riqueza? Este podría parecer el caso de
página 468.) El poder del arte para inspirar
patriotismo o espíritu cultural es innegable.
(Véase la figura 5.2, página 107.)

008
algunos artistas de gran éxito. Uno de ellos fue el El impulso de crear
pintor italiano del siglo XV Tiziano
Parece poco probable que los artistas creen sólo
(tish-un) (Figura l.D). La fama de Tiziano como
por un deseo de riqueza o de gloria.
pintor de reyes y nobles le permitió ganar
Independientemente de su cultura o nacionalidad,
enormes encargos y vivir como un príncipe.
todos los artistas parecen tener un rasgo en común:
Sin embargo, no todos los artistas fueron tan
les mueve el impulso de crear. La mayoría
afortunados. El artista holandés Rembrandt (rem-
admitiría que siguen creando arte simplemente
brant) pasó sus últimos días en la bancarrota,
porque tienen que hacerlo; no son felices haciendo
viviendo como un solitario escondido. Su
otra cosa.
compatriota, Frans Hals (frahns hahls), murió en
A lo largo de la historia del arte se encuentran
un asilo de pobres y fue enterrado en la tumba de
ejemplos de esta dedicación absoluta. El
un indigente.
orgulloso, inquieto e irritable artista japonés
¿Crean los artistas para obtener
Katsushika Hokusai (kah-tsoo-shee-kah ho-koo-
reconocimiento y gloria? En realidad, la búsqueda
sigh),
del reconocimiento personal que vemos hoy en
por ejemplo, estaba tan obsesionado con la
las culturas occidentales es relativamente nueva en
necesidad de crear que ilustraba novelas,
el arte. Durante la Edad Media, los nombres de la
poemas, calendarios, tarjetas de felicitación e
mayoría de los artistas eran desconocidos. Los
incluso publicaciones populares de bajo coste.
artistas querían crear arte que glorificara a Dios,
no a sí mismos.
Esto cambió durante el Renacimiento, cuando
los artistas esperaban ganar fama a través de su
arte. Muchos se ganaron el respeto y la
admiración de la sociedad. Sin embargo, no
todos lo consiguieron. Por ejemplo, Judith
Leyster fue completamente ignorada durante
generaciones después de su muerte.
murió en 1660 porque, al ser mujer, se la
consideraba incapaz de producir arte significativo.
Sus cuadros se atribuían a otro artista holandés,
Frans Hals, hasta que se descubrió
accidentalmente su firma en una obra atribuida
anteriormente a Hals. Esto llevó a los estudiosos a
reexaminar sus cuadros. Reconocieron que
cuadros como El concierto de Leyster (figura
1.10, página 12) eran obra de una artista muy
consumada.

■ FIGURA 1.9 Los retratos de Tiziano eran muy

solicitados porque utilizaba una pintura brillante
para captar tanto la apariencia como el carácter de
sus retratados. Aquí retrata a un niño de 12 años
miembro de una poderosa y aristocrática familia
italiana. A partir de este retrato, ¿cómo describiría
la personalidad de este niño? ¿De qué manera
muestra la confianza necesaria para asumir las
responsabilidades de un adulto?

Tiziano. Ranuccio Farnese. 1542. Óleo sobre lienzo. 89,7 × .73,6 cm

(351 ⁄4 × 29"). Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.
2004 Junta de Síndicos. 1952.2.11.

009
■ FIGURA 1.10 En la actualidad, Judith Leyster es reconocida como una artista de talento por su habilidad
para inventar composiciones visualmente atractivas. Estas composiciones suelen mostrar temas familiares
desde el punto de vista de una mujer.
¿Qué ha hecho el artista para que el espectador se sienta parte de esta alegre escena?

Judith Leyster. El Concierto. c. 1663. Óleo sobre lienzo. 60,96 × 86,99 cm (24 × 341 ⁄4"). National Museum of Women in the Arts, Washington,
D.C. Donación de Wallace y Wilhelmina Holladay.

similares a los cómics modernos. Se calcula

que ilustró 437 volúmenes diferentes y
Arte en tu vida
enriqueció el arte de Japón con no menos de Quizá te preguntes por qué deberías implicarte
30.000 imágenes. (Véase la figura 10.34, en la creación artística. Cuando creas obras de
página 239.) arte originales, experimentas el proceso creativo
Evidentemente, para un artista como y desarrollas tus propias capacidades de expresión.
Hokusai, el arte no es un medio de vida o de Cuando se te presenta un problema visual
gloria. El arte es la vida misma, una vida desconcertante, aprendes a abordarlo y
dominada y a menudo complicada por el resolverlo como lo haría un artista.
poderoso impulso de crear.

010
Autoexpresión Un artista utilizó su pintura para comunicar
emociones personales de forma sutil y poética
Suponga por un momento que quiere expresar
(Figura 1.11). Con colores limitados y formas
una idea o emoción en una obra de arte. Mientras
simplificadas, retrató un mundo marcado por la
pinta, dibuja o esculpe, busca la manera de
melancolía y la soledad que experimentó a lo
transmitir esa idea o sentimiento a los demás.
largo de su vida.
Esta tarea implica algo más que manipular el
El otro artista utilizó pinceladas vigorosas,
material con las manos; también requiere que
colores puros y la distorsión de formas
utilices tu mente y recurras a tus emociones. Para
naturales para ilustrar una reacción emocional
ilustrar este punto, supongamos que dos artistas
diferente ante el cielo nocturno (Figura 1.12).
deciden pintar el mismo tema: un paisaje que
Su cuadro capta la energía y las fuerzas
ambos identifican con el mismo título: Noche
creativas de la naturaleza: estrellas que giran y
estrellada. Sin embargo, los cuadros terminados
se arremolinan violentamente sobre un pueblo
tienen poco en común. ¿Por qué?
tranquilo y desprevenido.
Porque cada artista creó una versión de la
Crear arte te ofrece la oportunidad de expresar
escena que reflejaba sus ideas y sentimientos
tus propias ideas y emociones. Estudiar el arte creado
personales.
por otros te permite compartir

■ FIGURA 1.11 Munch

vendió pocos cuadros
durante
su vida. Dejó casi todas
sus obras en su ciudad
natal de Oslo, Noruega.
¿Qué color predomina en
este cuadro? ¿Cómo
ayuda este color a
expresar el estado de
ánimo de la obra?

Edvard Munch. Noche estrellada. 1893.

Óleo sobre lienzo. 135 × 140 cm
(533 ⁄8 × 551 ⁄8"). Museo J. Paul
Getty, Los Ángeles, California.
2004 The Munch Museum/ The
Munch Ellingsen Group/Artists
Rights Society (ARS), Nueva York.

011
 las ideas y emociones expresadas por los demás- y decisiones que ambos artistas tomaron antes de
en el proceso a reconocer y apreciar las dejar a un lado sus pinturas y pinceles. Son el
diferencias que nos distinguen a todos como mismo tipo de decisiones a las que debes
individuos únicos. enfrentarte cada vez que te involucras en la
creación artística.
Toma de decisiones y Crear arte también requiere capacidad para
resolución de problemas resolver problemas. La creación artística implica
la explotación de un problema abierto que no
Siempre que se crea arte o se examina el arte
tiene una respuesta "correcta". Con cada dibujo,
creado por otra persona, se realizan dos
cada escultura y cada obra que creas, intentas
actividades importantes: la toma de decisiones y
resolver los problemas que supone aclarar,
la resolución de problemas. Crear una obra de
interpretar y comunicar lo que es importante
arte implica tareas de toma de decisiones para
para ti.
todos los artistas. Estas son algunas de las
El examen crítico de una obra de arte implica
decisiones a las que te enfrentas:
actividades similares de toma de decisiones y
• ¿Qué tema debo pintar o esculpir? resolución de problemas. Éstas son algunas de las
• ¿Qué medio y técnica debo utilizar? tareas del espectador serio:
• ¿Qué colores, formas, líneas y texturas debo
resaltar?
• Identifica el tema representado en la obra
de arte.
• ¿Cómo puedo organizar esos colores, formas,
• Determinar el medio y la técnica
líneas y texturas?
usado.
• ¿Cómo reconoceré que el trabajo ha terminado
y que el proceso creativo ha concluido?
• Identifica los colores, las formas, las líneas y
los textos, y observa cómo están
Ya has visto cómo dos artistas que pintaban el organizados.
mismo tema -el cielo nocturno- llegaban a dos
• Decidir si el trabajo tiene éxito,
soluciones diferentes tras tomar este tipo de
y estar preparado para defender ese juicio
decisiones. Considere todas las
con buenas razones.

■ FIGURA 1.12 Al igual que

Munch, van Gogh recibió poca
atención pública.
reconocimiento en vida.
Sólo vendió un cuadro. ¿En qué se
parece este cuadro al de Munch
del mismo título? ¿En qué se
diferencian?

Vincent van Gogh. La noche estrellada.

1889. Óleo sobre lienzo. 73,7 × 92,1 cm (29 ×
361 ⁄4"). Museo de Arte Moderno de Nueva
York. Adquirido gracias al legado de Lillie P.
Bliss.

012
Conexiones con el mundo real obras de arte notables. Muchas personas afirman que
contemplar arte les proporciona una sensación de
Hay otra razón más práctica para crear y
placer y añade significado a sus vidas.
contemplar el arte de forma crítica, una razón que
No es de extrañar, por tanto, que casi todas las
se expresa cada vez con más frecuencia en el
comunidades ofrezcan oportunidades para ver y
lugar de trabajo. Los líderes empresariales e
aprender sobre arte. Estas oportunidades incluyen
industriales señalan la necesidad de creatividad
museos, exposiciones, bibliotecas y otros lugares.
en el lugar de trabajo moderno. Señalan que las
artes ayudan a construir ideas y a alimentar un
lugar en la mente para que las ideas originales Museos
se afiancen y crezcan. Los museos ofrecen espacios para conservar,
Las empresas de hoy en día necesitan exponer y contemplar obras de arte. A menudo,
trabajadores con conocimientos y el propio edificio del museo es una obra de belleza
sensibilidad, con una amplia gama de arquitectónica. Los visitantes de los museos
habilidades de pensamiento de orden superior, el encontrarán una gran variedad de oportunidades
tipo de para aprender sobre la
habilidades de pensamiento que se adquieren al
crear y contemplar arte.
La educación artística ayuda a desarrollar
una serie de importantes habilidades de
pensamiento que pueden aplicarse a situaciones
del mundo real. Proporciona una experiencia
importante en el seguimiento de cada paso del
proceso de resolución de problemas:
• Aclare el problema.
• Identificar posibles soluciones.
• Prueba cada solución posible.
• Seleccione la solución que le parezca
más adecuada.
• Aplique la solución elegida.
• Determina si la solución resuelve el
problema.
La educación artística también fomenta la
apreciación de distintos puntos de vista, el
pensamiento flexible y la autodisciplina.
Además, te ayuda a reconocer la importancia de la
colaboración y el trabajo en equipo. Las
experiencias artísticas pueden ayudarte a tomar
■ FIGURA 1.13 Hoy en día, los museos permiten a las
decisiones, a resolver problemas y a ser un personas involucrarse personalmente con obras de arte
reales que representan
pensador imaginativo y creativo.
todas las edades y épocas. ¿Qué se puede aprender durante una
Éstas son precisamente las competencias que visita a un museo?
valoran hoy las empresas. Estas habilidades
explican por qué una educación artística se J. Paul Getty Museum en el Getty Center, Los Ángeles, California.

considera ahora generalmente básica y vital.

Arte en su comunidad
El arte es hoy más popular que nunca. Todos
los días, la gente visita galerías y museos para
ver obras creadas por artistas famosos y no tan
famosos.
artistas tan famosos. Las películas y los programas
de televisión presentan las vidas de los artistas, y
los periódicos registran regularmente la venta de

013
 obras expuestas. Suelen ofrecerse visitas guiadas y los estudiantes avanzados pueden encontrar
o con dispositivos de audio. Los museos también libros que explican diversas técnicas de
invitan a conferenciantes y patrocinan clases y utilización de los medios artísticos. Los libros de
talleres especiales, muchos de los cuales incluyen historia e historia del arte presentan distintos
actividades de estudio. enfoques del estudio del arte, desde la prehistoria
hasta la actualidad. Las revistas y publicaciones
Recursos en línea y bibliotecas periódicas de arte presentan artículos sobre
Hoy en día encontrarás formas apasionantes artistas, periodos artísticos y estilos artísticos.
de explorar el mundo del arte utilizando Encontrarás ejemplos de estos artículos en el
ordenadores y recursos en línea. Con un apartado TIME Art Scene de este libro.
ordenador puedes ver CD-ROM con colecciones Además de sus colecciones permanentes, los
de arte de museos. También puede acceder a museos suelen presentar exposiciones especiales
Internet para obtener información sobre artistas y con obras de un artista concreto u obras
obras de arte concretos. Es fácil visitar las páginas prestadas por otras colecciones.
web de museos y galerías de cualquier ciudad del Estas exposiciones especiales suelen incluir
mundo. Incluso se pueden hacer visitas virtuales presentaciones a cargo de artistas, historiadores
a los estudios en las páginas web personales de del arte, críticos de arte u otros ponentes que
los artistas. comparten información y puntos de vista sobre
Otra fuente importante de información sobre las obras expuestas.
arte y artistas es el centro multimedia de tu
centro de estudios o la biblioteca local. Además Exposiciones
de amplias colecciones de libros de consulta, las En casi todas las comunidades se organizan
bibliotecas suelen estar equipadas con exposiciones de arte de muy diversa índole. Los
ordenadores a disposición del público. artistas locales pueden exponer sus obras en
Utilizando los recursos de la biblioteca, puedes galerías, centros comerciales, escuelas, bibliotecas,
encontrar datos sobre la vida y la obra de los edificios de oficinas y otros lugares. Visitar estas
artistas. Para obtener información más detallada, exposiciones te da la oportunidad de ver qué temas
también hay biografías disponibles. Inicio eligen los artistas para pintar y cómo trabajan con
diversos medios para interpretar esos temas.

REPASO DE LA PRIMERA
LECCIÓN
Repasar los hechos artísticos
Determinar la función y el significado La cuestión de por
1. Explique ¿En qué se diferencian las
qué las culturas y los artistas crean arte se ha estudiado a lo largo
bellas artes de las artes aplicadas?
de la historia. Las cinco razones enumeradas en el texto -estética,
2. ¿Qué actividades valiosas se realizan al
moral/ética, espiritualidad, historia y política- son un buen punto de
crear o examinar obras de arte?
partida para comenzar a explorar este tema.
3. Explicar ¿Por qué valoran los líderes
empresariales e industriales de hoy en día Actividad Elige cinco obras de arte del texto que representen a
la educación artística? diferentes artistas, épocas y temas. Anota en tu diario los créditos
4. Identifique Nombre tres lugares de cada obra junto con un esbozo. A partir del texto, determina la
donde una persona puede obtener época de creación de cada una de ellas y anota tu respuesta en el
información sobre arte y artistas. diario.

014
 SEGUNDA LECCIÓN

Entender el arte
Vocabulario
■ estética C a creación de una obra de arte que consiga expresar tus ideas y
sentimientos puede ser gratificante y satisfactoria. Comprender
■ criterios y la apreciación de una obra de arte creada por otro artista pueden ser igualmente
satisfactorias. Sin embargo, ambos tipos de experiencias requieren preparación,
Descubra el tipo de preparación que este libro pretende proporcionar.
Después de completar esta
lección, serás capaz de:
■ Explicar la distinción entre El vocabulario visual del arte
medios artísticos y proceso
Este libro le ayudará a adquirir las habilidades necesarias para comprender, juzgar
artístico.
■ Explique en qué consisten la
y apoyar sus decisiones personales sobre una variedad de formas de arte visual.
crítica y la historia del arte. Tendrá la oportunidad de participar en actividades de toma de decisiones y
■ Discutir las ventajas de incluir resolución de problemas mientras crea sus formas artísticas. Sin embargo, para
experiencias de estudio en un poder hacer ambas cosas, primero debes aprender el vocabulario del arte.
estudio
Los artistas utilizan muchos colores, valores, líneas,
del arte.
texturas, formas y relaciones espaciales diferentes para
crear sus obras. Son los llamados elementos del arte, que
los artistas utilizan en innumerables combinaciones. Si
quiere comprender un cuadro, una escultura o un edificio,
tendrá que reconocer los elementos artísticos de cada uno
de ellos y descubrir por sí mismo cómo se utilizan (figura
1.14). En el capítulo 2 aprenderá a hacerlo. Este
conocimiento no sólo
Además de ayudarte a comprender cómo crean los demás,
también te ayudará a expresarte a través del arte. Por tanto,
un vocabulario visual es esencial para lo siguiente:
• Conozca las obras de arte realizadas por otros.
• Crea tus propias obras de arte con diferentes medios
y técnicas.

Medios y procesos
Para crear arte, los artistas utilizan diversos materiales.
Casi cualquier material puede servir como soporte artístico,
siempre que el artista sea capaz de marcarlo, doblarlo o
moldearlo para adaptarlo a sus propósitos. Los medios
artísticos suelen ser
■ FIGURA 1.14 Esta artista combina con éxito rasgos Los lápices, los carboncillos, la pintura, la arcilla, la piedra
tradicionales y contemporáneos en sus cuadros de
mujeres hermosas, un tema muy popular en el arte y el metal son medios artísticos comunes. Los lápices, el
japonés. ¿Cuántos elementos artísticos puedes carboncillo, la pintura, la arcilla, la piedra y el metal son
identificar en este cuadro? ¿Hay alguno más todos medios artísticos comunes. Los ordenadores ofrecen a
importante que los demás? los artistas muchas más opciones creativas.
Uemura Shoen. Madre e hijo. 1934. Color sobre seda. 170 cm × 117 cm (67
× 46"). Museo Nacional de Arte Moderno, Tokio, Japón.

015
 Los artistas pueden utilizar casi cualquier cosa para
expresarse de forma visual (Figura 1.15).
Entender la estética
La diferencia entre los medios artísticos y el ¿Qué se entiende por estética?
proceso artístico es importante. Los medios La estética es una rama de la filosofía que se ocupa
artísticos son los materiales que el artista utiliza de identificar los criterios que se utilizan para
para crear sus obras. comprender, juzgar y defender juicios sobre las
El proceso artístico es la acción de crear arte. obras de arte. Un esteticista es un erudito
Algunos ejemplos de procesos artísticos son el especializado en identificar los criterios que deben
dibujo, la pintura, el grabado, el modelado, el emplearse para determinar el significado de las
tejido, la digitalización y la fundición. obras de arte.
Una vez que domine el vocabulario artístico y Los esteticistas comparten la preocupación por
conozca los distintos medios y procesos el estudio del arte con los críticos e historiadores
artísticos, estará preparado para aprender a del arte. Sin embargo, críticos e historiadores del
utilizar la estética, la crítica y la historia del arte arte operan desde dos puntos de vista diferentes.
para obtener información sobre las obras de arte. Los críticos de arte dirigen su atención a un
examen minucioso de las obras de arte. Plantean
y responden preguntas que les permiten obtener
información de esas obras. Con esta información,
pueden emitir juicios inteligentes sobre el éxito de
las obras de arte. Los historiadores del arte, por
su parte, buscan hechos objetivos sobre las obras
de arte y los artistas que las crearon. Para ello,
recopilan información sobre los principales
periodos artísticos y los estilos de distintas
épocas y lugares. Los historiadores investigan la
vida y obra de los artistas más destacados y hacen
una crónica de la evolución del arte desde un
pasado remoto hasta nuestros días.

Estudiar crítica de arte

¿Alguna vez le han pedido que exprese su
opinión sobre una obra de arte? Imagina que,
mientras visitas un museo de arte con un amigo,
■ FIGURA 1.15 Este te detienes a observar detenidamente un cuadro
artista destaca por cre-
obras de arte con
en particular. Al notar tu interés, tu amigo te
materiales inusuales. pregunta: "Bueno, ¿qué te parece?". En
Aquí utiliza tubos de situaciones como ésta, cuando se le pide que
pintura y pintura emita un juicio sobre una obra de arte, se le
incrustada en resina
asigna el papel de crítico de arte. Asumes este
sintética. ¿Qué crees
que intentaba decir con papel siempre que intentas aprender todo lo que
esta obra tan inusual? puedes de una obra de arte para determinar si
tiene éxito o no.
Arman. Tubos. 1966. Tubos de
pintura y pintura en resina sintética.
84,45 × 29,85 cm (331 ⁄4 × 113 ⁄4"). Operaciones de crítica de arte
Hirshhorn Museum and
Sculpture Garden, Smithsonian
Mucha gente cree que la crítica de arte es muy
Institution, Washington, D.C. complicada y difícil. Esto no es cierto. La crítica de
The Joseph H. Hirshhorn arte se aprende fácilmente y es muy interesante.
Bequest, 1981 (86.145).

016
y emoción a sus encuentros con el arte. La
crítica de arte es una forma ordenada de ver y
hablar de arte. Es un método utilizado para
recabar información de la propia obra de arte.
Para obtener información de una obra de arte,
debe saber dos cosas: qué buscar y cómo
buscarlo. En el capítulo 4 se familiarizará con las
cualidades estéticas que debe estar preparado
para buscar al examinar una obra. Estas
cualidades representan los criterios o normas de
juicio que necesitará para tomar y fundamentar
decisiones sobre arte. También aprenderá a
utilizar un
una estrategia de búsqueda que facilite la tarea de
encontrar esas cualidades en las obras de arte. La
estrategia de búsqueda para la crítica de arte
consta de cuatro operaciones o pasos. Estas
operaciones se presentan en el capítulo 4.

El valor de la crítica de arte

Utilizar las operaciones de crítica del arte permite ■ FIGURA 1.16 Angelica Kauffmann fue una de
las pocas artistas de su época que creó cuadros con
temas clásicos y medievales. Por qué cree que
cuadros como éste hicieron de Kauffmann un
retratista de tanto éxito?
examinar y responder a una variedad de
Angelica Kauffmann. Retrato de una joven (Duquesa de Kurland).
formas de arte visual con un ojo más crítico.
1785. Óleo sobre lienzo. 76,84 × 63,5 cm (301 ⁄4 × 25"). Museo de
Podrá descubrir por sí mismo las cualidades estéticas Arte del Condado de Los Ángeles, Los Ángeles, California.
que elevan ciertas obras de arte por encima de Donación de Zacharie Birtschansky. 2004 Artists Rights Society (ARS),
Nueva York/VBK, Viena.
otras, y experimentar la satisfacción y el placer que
esas obras pueden proporcionarle. Al mismo
tiempo, será menos probable que acepte pasivamente
los juicios de los demás. En lugar de ello,
formulará y explicará sus propios juicios. Operaciones de Historia del Arte
Las obras de arte no se crean en el vacío. Su
Estudiar Historia del Arte comprensión no puede ser completa a menos que
se determine quién las hizo, así como cuándo,
¿Alguna vez te has encontrado con una obra dónde, cómo y por qué se hicieron. Para
de arte sobre la que has querido saber más? Usa comprender una obra en su totalidad, hay que
tu imaginación para situarte en la siguiente escena. aprender todo lo posible sobre el artista y las
Mientras ayudas a limpiar un desván, encuentras circunstancias que le llevaron a pintar
un cuadro escondido en un rincón oscuro. Al determinados temas de determinadas maneras.
examinarlo de cerca, ves que se trata del retrato de La mayoría de las personas que observan las
una elegante joven que te devuelve la mirada con colinas que rodean la ciudad de Aix-en-Provence,
una sonrisa (Figura 1.15). Le vienen a la mente en el sur de Francia, las encontrarían poco
varias preguntas: ¿Quién pintó el cuadro? interesantes. Sin embargo, el artista Paul
¿Cuándo y dónde se pintó? ¿Es una obra Cézanne pintó esas montañas una y otra vez
importante? En situaciones como ésta, cuando se (Figura 1.17). ¿Por qué? Porque vio algo en
intenta saber más sobre una obra de arte y el esas montañas que otros no vieron. Sus repetidos
artista que la creó, se asume el papel de esfuerzos por captar lo que veía
historiador del arte.

017
le permitió llegar a un nuevo estilo pictórico. Si cuatro operaciones o pasos. Es importante tener
se fija bien, verá que Cézanne utiliza manchas de en cuenta, sin embargo, que cuando se aplica a la
color superpuestas para dar a su cuadro un historia del arte, esta estrategia de búsqueda opera
aspecto sólido y tridimensional. Esto no se había desde un punto de vista diferente. Se trata de
hecho nunca antes. utilizadas para recopilar información sobre una
Aunque la mayoría de la gente daría poca obra de arte en lugar de información de la obra.
importancia a un grupo de campesinos Las cuatro operaciones utilizadas en la historia del
marchando (figura 1.18), José Clemente Orozco arte se explicarán con detalle en el capítulo 5.
reconoció la importancia de una escena así que tenía
lugar en México a principios de la década de 1930. El valor de la historia del arte
Para él, estas personas simbolizaban el valiente A menudo se considera que el arte es una especie
esfuerzo de un pueblo oprimido decidido a de espejo del pasado, una forma de obtener
superar la tiranía. información valiosa sobre épocas pasadas. Después
Para comprender y apreciar plenamente estas de todo, ¿cómo podría alguien comprender
dos obras -o cualquier otra- hay que conocer las plenamente la civilización del antiguo Egipto sin
circunstancias que influyeron en la visión y la estudiar las pirámides? Del mismo modo, un
perspicacia de los artistas que las crearon. estudio del Renacimiento estaría, en el mejor de los
Una estrategia de búsqueda puede ser tan útil casos, incompleto sin hacer referencia a las obras
para recopilar información sobre historia del arte de Miguel Ángel o Leonardo da Vinci.
como para recopilar información sobre crítica de Si estamos de acuerdo en que el estudio del
arte. La estrategia de búsqueda para la historia del pasado puede mejorar la comprensión de lo
arte también consiste en preexistente, el examen cronológico del arte se
convierte en un elemento esencial para la
comprensión de lo preexistente.

■ FIGURA 1.17 Cézanne se concentraba en utilizar pinceladas cuidadosamente

colocadas para estructurar sus composiciones, haciendo que las escenas que pintaba
parecieran firmes y sólidas. Por qué
¿cree que eligió pintar los mismos temas repetidamente?

Paul Cézanne. Montañas en Provenza. 1886-90. Óleo sobre lienzo. 63,5 × 79,4 cm (25 × 313 ⁄8 "); National Museum and
Gallery of Wales, Cardiff/Bridgeman Art Library.

018
sentido común. Empezando por el principio y Quizá le sorprenda saber que estudiando arte se
observando el desarrollo del arte año tras año, prepara para desempeñar un papel activo en el
década tras década, siglo tras siglo, podemos ver mantenimiento de su cultura. Artistas,
que los orígenes del arte actual se encuentran en el escritores y músicos no pueden realizar esta tarea
arte del pasado. Cada periodo de la historia es una solos. Necesitan su apoyo como parte de un
mezcla del pasado y el presente, y las público entendido y agradecido.
proporciones del pasado y el presente dentro de Al utilizar este libro, descubrirá que el arte
esa mezcla determinan la calidad del mundo en tiene el poder de enriquecer, inspirar e
un momento dado. La historia del arte nos ofrece una iluminar. Tiene el poder de despertar la
forma de medir esas proporciones y de comprender imaginación, despertar la curiosidad, infundir
mejor nuestro tiempo, nuestro lugar y a nosotros asombro y deleite e incluso incitar fuertes
mismos. reacciones emocionales. ¿Puede haber mejor
razón para estudiarlo?
Combinar la crítica y la
historia del arte Producción de estudio
En el capítulo 5 aprenderá a combinar las
El aprendizaje del arte no se limita al examen
operaciones de crítica de arte y las de historia del
de las obras realizadas por otros. También implica
arte para crear una estrategia de búsqueda
planificar, probar, modificar y completar tus
exhaustiva. Al examinar una obra de arte,
propias obras de arte con diversos materiales y
empezará por recurrir a sus conocimientos de
técnicas (Figura 1.19, página 22). En este libro, al
crítica de arte para obtener información de la
final de cada capítulo, encontrará lecciones de
obra. A continuación, recurrirá a la historia del
estudio que le proporcionarán este tipo de
arte para obtener información sobre la obra y el
experiencias. Esperamos que le sirvan de
artista que la creó. La combinación de la
trampolín para una exploración más profunda.
información procedente de la crítica y la historia
Recuerde que, para que sus esfuerzos con estas
del arte le permitirá emitir un juicio final sobre
experiencias de estudio sean fructíferos y
la obra.
satisfactorios, debe hacer lo siguiente

¿Por qué estudiar arte?

Además de la satisfacción y el placer que
proporciona, el estudio del arte le ayudará a
comprenderse mejor a sí mismo y a los que le
rodean. Puedes empezar estudiando obras creadas
por artistas que representan culturas y épocas
distintas de la tuya. Estudiando las expresiones
creativas de artistas de todas las procedencias,
puede tomar conciencia de las creencias, ideas y
sentimientos de personas de diversos orígenes
étnicos, religiones o culturas.

■ FIGURA 1.18 Esta pintura muestra a

campesinos decididos que marchan hacia
adelante para participar en el
revolución bajo el liderazgo de Zapata. Cómo
sugirió el artista el implacable avance de estos
campesinos?

José Clemente Orozco. Zapatistas. 1931. Óleo sobre lienzo.

114,3 × 139,7 cm. (45 × 55"). Museo de Arte Moderno de Nueva
York. Cedida anónimamente. © Estate of José Clemente
Orozco/Licencia de VAGA, Nueva York, Nueva York.

019
 Utiliza al máximo tu imaginación y tu entusiasmo. Son
tan esenciales para el proceso creativo como las pinturas,
los pinceles, la arcilla y la habilidad necesaria para
manipular estos y otros medios artísticos.
El conocimiento y la destreza en estética, crítica de arte e
historia del arte le serán de gran utilidad a la hora de crear
su propio arte. La estética y la crítica le ayudarán a medir
la calidad de sus creaciones. Cada ejercicio de estudio
incluye una serie de preguntas de crítica de arte que le
ayudarán a evaluar su trabajo.
El conocimiento de la historia del arte le permitirá
identificar a artistas que se han enfrentado -y resuelto- el
mismo tipo de problemas a los que usted se enfrentará al
crear arte.
Las referencias a la historia del arte también te ayudarán a
encontrar ideas para los temas, a ilustrar cómo otros
artistas utilizaron y organizaron los elementos del arte y
a señalar las distintas técnicas que emplearon para
comunicar sus ideas y sentimientos.

Carreras artísticas
Si le gusta estudiar o crear arte, le interesará
familiarizarse con las numerosas salidas profesionales en el
campo del arte. Escuelas, museos, galerías de arte,
pequeñas empresas y grandes corporaciones buscan
personas creativas para ocupar diversos puestos
relacionados con el arte. Conocer algunas de estas
oportunidades puede ayudarte a pensar en tus propios planes
■ FIGURA 1.19 Lawrence recibió sus primeras lecciones de arte
en Harlem durante la Depresión. ¿Qué adjetivos utilizaría profesionales. Por esta razón, la información relativa a las
para describir los colores y las formas de este cuadro? oportunidades profesionales
en las artes visuales figura en el Manual de carreras
Jacob Lawrence. Hombre con flores. 1954. 40 × 29,8 cm (153 ⁄4 × 113 ⁄4"). Temple
sobre masonita gessoed. Norton Museum, West Palm Beach, Florida. © 2004
artísticas al final de este libro.
C. Herscovici, Bruselas/Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

REPASO DE LA SEGUNDA
LECCIÓN
Repasar los hechos artísticos
Carreras artísticas Todos los objetos que utilizamos en
1. Explique ¿Cuál es la diferencia entre
nuestra vida cotidiana han sido tocados por un artista en algún
los medios artísticos y el proceso
momento. Los envases que contienen los productos que
artístico?
utilizamos han sido diseñados por artistas.
2. Defina el término estética.
Miles de productos y servicios se identifican mediante símbolos
3. ¿Qué dos cosas debe saber un individuo
creados por artistas. Estos símbolos de identificación forman
antes de intentar obtener información de
parte de nuestra vida cotidiana.
una obra de arte?
4. Explique ¿En qué se diferencia el Actividad Los logotipos son diseñados por artistas llamados
enfoque de un crítico de arte del enfoque diseñadores gráficos. Recoge ejemplos de logotipos de periódicos,
de un historiador del arte? revistas, Internet u otros medios. Crea un logotipo que sea un
símbolo visual de un producto imaginario. Describe tu logotipo a la
clase.

020
Repasar los hechos
1 REVISIÓN

2. ANALICE. Estudie El hombre de Lawrence con flores

(figura 1.19) trazando cuidadosamente con un dedo
Primera lección
las líneas horizontales, diagonales y verticales del
1. ¿Qué son las artes visuales?
cuadro. Explique cómo estas líneas ayudan a guiar
2. En sus propias palabras, defina la palabra artista.
el ojo del espectador por el cuadro.
3. Nombra un rasgo que tengan en común todos los
artistas.
4. ¿Cuáles son sus motivos para estudiar arte?
Segunda lección
5. ¿Qué son los medios artísticos? Pon tres ejemplos.
5. ¿Qué son los procesos artísticos? Pon tres Guarda tus mejores obras en tu carpeta para
ejemplos.
mantener un registro de tu crecimiento y
7. ¿Quiénes son los esteticistas y qué hacen?
desarrollo como artista. Escoge para tu carpeta
8. ¿Cómo puede ayudarte el conocimiento de la
las obras que muestren tus puntos fuertes y que
historia del arte a la hora de crear tus propias
obras? demuestren tus mejores habilidades y el uso de
distintos medios. A medida que vayas creando
Pensar críticamente obras de arte de las lecciones de este texto,
1. AMPLIAR. Observa a los zapatistas de Orozco (Figura ten en cuenta cuáles te gustaría añadir a tu
1.18).
carpeta. Incluye tu nombre y la fecha en que
¿Cómo podría cambiar esta escena si de repente se
terminaste cada obra.
oyera un disparo de rifle? Comparte tus ideas con los
Los portafolios digitales se describen en tu
demás miembros de la clase. A continuación,
Manual de Arte, página H8.
investiga si los seguidores de Zapata encontraron
oposición en su búsqueda de justicia. ¿Tuvieron éxito?

s
1. ¿Qué afirmación resume mejor la idea
principal de este pasaje?
El vínculo entre madre e hijo no puede
Lee el párrafo siguiente relativo a la Figura 1.6, página 8, y romperse.
responde a continuación a las preguntas que se plantean.
La escultura de Catlett cuenta una historia.
La escultura de Elizabeth Catlett cuenta una
La escultura tiene pocos adornos. Catlett
historia cálida y tierna. Es la historia del vínculo
inquebrantable que une a una madre con su hijo. debería ser escritor.
Como buena narradora, Catlett utiliza las imágenes
con economía. No hay florituras ni adornos 2. La personificación es un recurso literario en el
visuales, no se recurre a colores chillones ni a que se atribuyen cualidades humanas a un
detalles superfluos. Hay poco más que fluidez de sujeto no humano. ¿Qué afirmación describe
líneas y gracia. Sin embargo, la escultura habla mejor la personificación del pasaje?
mucho de las relaciones humanas más profundas. El vínculo entre madre e hijo se describe
como irrompible.
Se describe una escultura como hablante.
El artista se describe como un narrador.
Una escultura no tiene adornos.

021
 2
Desarrollar un
vocabulario visual
H ¿Has hecho alguna vez una rueda de colores? ¿Has utilizado líneas o
colores para crear un cuadro? Examina atentamente el cuadro de la Figura 2.1.
¿Qué palabras o frases se te ocurren para describir las partes de esta obra de arte?
¿Cómo ha creado el artista un cuadro complejo, visualmente atractivo y
cuidadosamente equilibrado? Para comprender y apreciar mejor la obra del artista,
debes aprender el vocabulario visual que emplean todos los artistas al crear obras
de arte. Una vez que conozcas ese vocabulario visual, podrás reconocer cómo este
artista creó la obra de arte y podrás hablar de ella con los demás.

Leer para descubrir Al leer este capítulo, recuerda que el objetivo

principal es desarrollar tu vocabulario visual. Detente en cada obra de arte y
pregúntate: ¿Qué utilizó el artista para crear las personas, los objetos y los
acontecimientos representados? ¿Utilizó líneas, colores o formas? Lee para
descubrir los términos que se utilizan para describir las partes básicas de
una obra de arte.
Descubre los elementos y los principios del arte.

Actividad de e n f o q u e Observe detenidamente el cuadro de Emily Carr

(figura 2.1). Observa que es un cuadro compuesto por colores, valores,
líneas, texturas, formas y espacios. Estos términos forman parte de un
v o c a b u l a r i o visual. Estudia los términos del vocabulario en negrita y las
definiciones en cursiva mientras lees el capítulo.

Utilización de la línea del tiempo Observa la variedad de obras de arte

que aparecen en la línea del tiempo de estas páginas. Utiliza los términos
1153-1260
del vocabulario visual al examinar cada una de ellas.
Vidriera
(Rosetón del
Oeste) de 1788
Chartres Marie-Louise-Élisabeth
Catedral, Francia Vigée-Lebrun María 1912
Antonieta y sus hijos Marcel Duchamp pinta
1936
Desnudo bajando una
escalera nº 2 Antonio M. Ruiz
pinta Desfile de
escolares

(Detalle) (crédito, p. 44) (Detalle. Crédito, p. 45)

1000 1500 1900 1930

24 El color añade interés a La textura confiere a los

las iglesias medievales cuadros planos una
superficie rica

022
■ FIGURA 2.1 Emily Carr. Formas abstractas de árboles. 1931- 32. Óleo sobre papel. 61,1 × 91,1 cm (24 × 359 ⁄10") Vancouver Art
Gallery, Emily Carr Trust, VAG 42.3.54.

1947
Marie Laurencin
pinta Mujer con
sombrero
1953
Henry Moore crea el bronce
Gran forma interior
1971
Jessie Oonark
pinta Los espíritus
(crédito, p. 32) ayudantes de un
(crédito, p. 33) chamán
(crédito, p. 40)

El equilibrio en cualquier Manual de Arte para

1950 1970 obra de arte más detalles.
proporciona
estabilidad

La línea también puede crear

estados de ánimo y
sentimientos en e l a r t e

023
 PRIMERA LECCIÓN

Los elementos del arte

Vocabulario
■ elementos de arte W as obras de arte son combinaciones únicas de lo obvio y lo no tan
obvio. Para entender cualquier objeto de arte, hay que estar dispuesto a
■ principios del arte ir más allá de lo obvio y examinar también lo no tan obvio. Hay que saber qué
■ unidad buscar; hay que entender el lenguaje del arte. El arte tiene un lenguaje propio:
■ color palabras que se refieren a los elementos visuales, o partes básicas, y a los
■ intensidad principios, las distintas formas de unir esas partes.
■ valor
■ línea
■ línea de eje Elementos y principios del arte
■ textura
Una de las cosas más importantes que hay que buscar en las obras de arte es
■ forma
la forma en que han sido diseñadas o planificadas. Esto implica saber cuáles son
■ formulario
los elementos y principios del arte y cómo se utilizan para crear...
■ espacio
objetos de arte.
Los elementos del arte son los componentes básicos: color, valor, línea, textura,
Descubra
forma y espacio. Los artistas utilizan los elementos del arte para expresar sus
Después de completar esta
lección, serás capaz de: ideas. Estos elementos no son los medios que utiliza el artista (pintura, arcilla
■ Discutir la importancia de conocer o piedra, por ejemplo), sino el vocabulario visual que emplea.
el lenguaje del arte. Los principios del arte son las distintas formas en que pueden utilizarse los
■ Identificar los elementos del arte. elementos en una obra de arte: equilibrio, énfasis, armonía, variedad, gradación,
movimiento, ritmo y proporción.
Podemos hacer una comparación con los escritores, que deben hacer algo
más que seleccionar y ordenar palabras al azar si quieren comunicar sus ideas a
los demás. Los elementos del arte pueden compararse con las palabras. La
forma en que los escritores organizan esas palabras es similar a la utilización de
los principios del arte. Los escritores forman frases, oraciones y párrafos. A
continuación, deben ordenarlas cuidadosamente en secuencias significativas.
Las palabras deben estar organizadas de modo que los lectores puedan entender
y apreciar sus ideas.

Unidad
Al organizar sus obras de arte, los artistas utilizan los principios de
equilibrio, énfasis, armonía, variedad, gradación, movimiento, ritmo y
proporción. Seleccionan y utilizan estos principios artísticos para organizar
las
elementos. De este modo, consiguen la unidad en sus obras. La unidad es el
aspecto y la sensación de totalidad o unidad en una obra de arte. En las obras
donde la unidad es evidente, los elementos y principios funcionan juntos.
Cuando falta unidad, las obras pueden parecer desorganizadas, incompletas o
confusas.
Cuando los artistas reconocen que un color, una forma o cualquier otro
elemento no contribuye a la unidad de una obra, lo eliminan o lo cambian. Los
artistas se esfuerzan por que sus obras resulten atractivas a los espectadores, y
pocas personas están dispuestas a ver y responder favorablemente a obras de arte
desorganizadas.

024
Estilo El hecho de que un cuadro esté compuesto por
colores, valores, líneas, texturas, formas y espacios
Las obras de arte deben gran parte de su
(Figura 2.2).
singularidad a la forma en que los artistas han
En un paisaje realista, por ejemplo, los
utilizado los elementos y principios. Seguro que
elementos artísticos se combinan para que
alguna vez has oído hablar del "estilo" de un
parezcan árboles, colinas, campos y cielo. Aunque
artista. La mayoría de las veces, se refieren a la
admires el realismo de la escena, no debes
forma especial en que un artista utiliza los
limitar tu atención sólo al tema. Si lo hace,
elementos y principios para orga- nizar una obra. Al
podría perderse otras cosas importantes e
igual que existen diferentes estilos en la escritura,
interesantes, como el modo en que se utilizan los
hay diferentes maneras de lograr la unidad en la
elementos artísticos para crear esa escena realista.
pintura, la escultura o la arquitectura.
Si el tema de un cuadro no es evidente, debe
Algunos artistas seleccionan y organizan
estar preparado para examinar lo que se muestra
deliberadamente los elementos utilizando los
en términos de color, valor, línea, textura, forma y
principios. Estos artistas no se dan por satisfechos
espacio.
hasta que una determinada combinación de
Usted ya está familiarizado con los elementos del
elementos y principios les parece adecuada. Otros
arte, aunque nunca haya hecho un curso de arte ni
artistas optan por utilizar los elementos del arte
leído un libro sobre arte. Imagine que, en una
de forma más espontánea o intuitiva. No toman
conversación telefónica, escucha la descripción de
decisiones deliberadas sobre los principios del
un objeto. ¿Serías capaz de adivinar qué objeto es
arte.
tras escuchar una descripción que incluye la
Más bien, estos artistas seleccionan y organizan
siguiente lista de elementos artísticos?
instintivamente los elementos artísticos de sus
obras. • Tiene altura, anchura y profundidad y ocupa
un espacio real.
• Cambios bruscos en los valores claros y oscuros
Los elementos del arte indican que está formado por planos
Las personas que contemplan un cuadro u otra perpendiculares entre sí.
obra de arte suelen dejar de mirar una vez que han • Es una forma plana y tridimensional con
examinado el tema. Reconocen a las personas, los seis lados.
objetos y los acontecimientos representados, pero
prestan poca atención a los elementos artísticos
que los crean. Pasan por alto los

■ FIGURA 2.2
Obras de arte como
Los elementos que
componen este cuadro
son el color, el valor,
la línea, la textura, la
forma y el espacio.
¿Puedes identificar
los distintos colores,
líneas, formas y
figuras de este
cuadro?

Thomas Hart Benton. Las

fuentes de la música
country. 1975. Acrílico
sobre lienzo.
1.8 × 3 m (6 × 10'). El sitio
Country Music Hall of fame
and Museum, Nashville,
Tennessee. © T.H. Benton y
R.P. Benton, Testamentary
Trusts/UMB Bank
Trustee/Licensed by VAGA,
Nueva York, NY.

025
 • Tiene forma rectangular cuando se mira Hue
directamente desde cualquier lado o desde El matiz se refiere al nombre de un color. El
arriba o abajo. término se utiliza para señalar la diferencia entre un
• Tres de sus lados son de color marrón cuero. azul y un verde, o entre un rojo y un amarillo.
color; los tres lados restantes son blancos. Imagine que ha entrado en unos grandes
• Tres de sus lados son duros y lisos, lo que almacenes y ha pedido ver una selección de jerséis
contrasta con la fina textura estriada de los azules. La palabra azul debe ser una descripción
otros tres. lo bastante clara como para que el vendedor sepa
• Los tres lados con textura estriada son qué color tiene usted en mente. En la Rueda del
formado por una serie de líneas finas y Color de la Figura 2.4 se muestran ejemplos de
paralelas. 12 tonalidades diferentes.
¿Has identificado correctamente el objeto
como un libro?
Intensidad
Cualquier lenguaje puede plantear problemas de
Supongamos ahora que, mientras comprueba
interpretación, pero esto parece ser especialmente
las existencias de jerséis de la tienda, el
cierto en el caso de los lenguajes visuales. Cuando
vendedor le muestra varios jerséis azules de su
se utiliza el término "línea", por ejemplo, hay que
talla. Algunos parecen de un azul más brillante y
estar seguro de que la persona con la que se habla
puro que otros. Esto es la intensidad de un color,
entiende lo mismo que uno. Si falta este vínculo
o la cualidad de brillo y pureza.
de comprensión, habrá confusión. Para evitar
Cuando un tono es fuerte y brillante, se dice
confusiones y malentendidos, en este capítulo se
que tiene una intensidad alta. Cuando ese mismo
define y examina cada uno de los elementos del
color es tenue y apagado, se dice que su
arte.
intensidad es baja. Puede que el vendedor te
muestre una selección de jerséis azules. Como no
Color está seguro de cuál le gusta más, los coloca en fila
sobre el mostrador, desde los más brillantes hasta
El color es un elemento compuesto por tres los más apagados. Las diferencias de intensidad de
cualidades distintas: matiz, intensidad y valor. color de estos jerséis podrían parecerse a la gama de
Cuando se habla de un color o de las diferencias intensidades que se muestra en la Figura 2.3.
entre dos o más colores, se puede hacer
referencia a cualquiera de estas cualidades o a
todas ellas. Valor en color
El vendedor saca ahora más jerséis azules.
Algunos de estos jerséis son más oscuros y otros
Intensidades de azul más claros que los que acabas de ver. Coloca
este segundo grupo de jerséis en fila del más
oscuro al más claro.
Tu conciencia de la claridad y oscuridad de los
azules significa que has reconocido las
diferencias en sus valores cromáticos.
Cuando se describe un tono, el término valor
Alta intensidad Baja intensidad
se refiere a la claridad u oscuridad de ese tono.
Los cambios de valor suelen obtenerse
Valores del azul
añadiendo blanco o negro a un tono concreto. La
tabla de valores de la Figura 2.3 muestra la gama
de valores oscuros y claros que se crea al añadir
distintas cantidades de blanco y negro al azul.
Las diferencias en el valor del color que

Sombra Tinte

■ FIGURA 2.3 Escala de valor e intensidad

026
La rueda de colores
a comprensión del color es
con la ayuda de una rueda de
A rt
colores.
AN
AL
OG
erde Verd
rillo-v e O
Ama U
S

Az
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EDIO SECUNDA
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Azul
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lemen
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Viole-
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Azul
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DIO

UND
SEC
PRIMARIO EDIO
INTERM
R
oj
o-

et
na

a iol
■ FIGURA 2.4 Rueda de colores
ra

V
nj
a

Roj -
o Rojo ta
Viole
1 4
Observa los tres colores primarios: rojo, amarillo y azul. Los colores opuestos en el círculo cromático se
Se llaman colores primarios porque se mezclan para denominan colores complementarios. Así, el rojo y el
crear todos los demás colores, pero no se pueden crear verde son colores complementarios. Sin embargo, estos
mezclando los demás colores. tonos son opuestos de una forma más fundamental: No
hay un matiz verde en el rojo ni un matiz rojo en el verde.

2 5
Los colores secundarios, naranja, verde y violeta, están La adición de una pequeña cantidad del complemento de
situados a medio camino entre los colores primarios de un tono disminuye su intensidad. En otras palabras, un
la rueda. Cada uno de los colores secundarios se obtiene verde puede parecer menos verde -y acercarse cada vez
mezclando dos colores primarios. El naranja se obtiene más a un tono neutro- añadiendo su complemento, el
mezclando rojo y amarillo; el verde, mezclando azul y rojo.
amarillo; y el violeta, mezclando azul y rojo.

3 6
Si se añade más rojo a la combinación de rojo y Los colores que están uno al lado del otro en la rueda
amarillo, se obtiene un rojo-naranja. Si se añade más cromática y están estrechamente relacionados se
amarillo, se obtiene un amarillo-naranja. El rojo- denominan colores análogos.
naranja y el amarillo-naranja son ejemplos de colores Ejemplos de colores análogos son el azul, el azul verdoso
intermedios. Variando las cantidades de los dos colores y el verde.
primarios utilizados, es posible crear varios de estos
colores intermedios.
o colores terciarios. Ambos términos, intermedios y
terciarios, se refieren a los colores que se encuentran
entre los primarios y los secundarios.

027
■ FIGURA 2.5 Observa cómo la pincelada suelta y colorida y los cambios repentinos de
tono contribuyen a la sensación de energía de este cuadro. ¿Por qué crees que el artista
hizo este
¿la pintura parece tan plana?

Jasper Johns. Mapa. 1961. Óleo sobre lienzo. 198,2 × 312,7 cm (78 × 1231 ⁄8"). Colección, Museum of Modern Art, Nueva
York, Nueva York. Donación del Sr. y la Sra. Robert C. Scull. © Jasper Johns/Licencia de VAGA, Nueva York, NY.

que se encuentran en los jerséis podrían parecerse enfatizar un determinado sentimiento.

a la gama de valores de color que se muestra en
este gráfico. o estado de ánimo. Por ejemplo, observe cómo el artista
estadounidense Jasper Johns utiliza colores contrastados y
Los términos cálido y frío se aplican a complementarios para crear una composición dinámica sin
determinados colores de la rueda cromática. Los hacer hincapié en el tema (Figura 2.5). Los repentinos e
colores fríos suelen asociarse con el agua y el inesperados cambios de color de zonas azules a zonas
cielo. amarillas, naranjas y rojas llevan al ojo en una animada danza
Son colores que contienen azul y verde y a través de la superficie de su cuadro. La principal
aparecen en el lado de la rueda opuesto a los preocupación del artista era el color y el impacto
colores cálidos. Los colores cálidos se asocian a emocional de los cambios repentinos de color.
menudo con el fuego y el sol. Son colores que
contienen rojo y amarillo y aparecen en el lado
de la rueda opuesto a los colores fríos. Los
Valor
colores fríos parecen retroceder en el espacio, A veces el valor es un elemento importante en las obras de
mientras que los cálidos parecen avanzar. arte aunque el color parezca estar ausente. Es el caso de los
dibujos, las xilografías, las litografías y las fotografías.
A lo largo de los siglos, los artistas han También ocurre con la mayor parte de la escultura y la
utilizado el color de muchas maneras diferentes. arquitectura.
Algunos han intentado reproducir exactamente
los colores de los objetos que han pintado. Otros
han cambiado libremente los colores para

028
 Los cambios bruscos o graduales de valor El cambio del valor claro al oscuro hace que la
pueden contribuir en gran medida al efecto manzana parezca redonda, sólida y más real. El
visual de estas formas artísticas. Los cambios resultado es una imagen que desafía al espectador
bruscos de valor pueden sugerir planos o a cuestionar su posible significado.
superficies planas en distintos ángulos entre sí.
Los cambios graduales de valor pueden indicar
superficies cóncavas o convexas. Pero pueden Línea
hacer aún más. Los cambios de valor pueden La línea es un elemento difícil de describir,
ayudar al artista a expresar una idea. Muchos de aunque la mayoría de la gente sabe lo que es y
Los cuadros de René Magritte muestran la puede pensar fácilmente en varias formas de
sorprendente y a menudo inquietante colocación crearla. Quizá la forma más sencilla de definir una
de objetos ordinarios en escenarios inesperados. línea sea referirse a ella como una marca
En La sala de escucha, utilizó el cambio gradual continua hecha sobre una superficie por un
de valor para pintar una manzana tan grande que punto en movimiento. Las marcas hechas por un
llena toda una habitación (Figura 2.5). El bolígrafo que se desplaza por un
cambio

■ FIGURA 2.6 Observa cómo el cambio gradual de valor enfatiza la forma redonda
de la manzana gigante. ¿Puedes identificar también cambios bruscos de valor en este
cuadro?
¿Qué idea cree que intentaba expresar el artista con esta obra?

René Magritte. La sala de escucha. 1952. Óleo sobre lienzo. 45 × 55 cm (173 ⁄4 × 212 ⁄3"). The Museum of Modern
Art, Nueva York, Nueva York. Photothètique R. Magritte-ADAGP/Art Resource, NY. ©2004 Herscovici, Bruselas/
Artist Rights Society (ARS), NY.

029
 hoja de papel son líneas. También lo son las sus dibujos y pinturas. Lo hacen aun sabiendo
marcas que deja en el lienzo un pincel en que esos contornos no forman parte del objeto
movimiento, o las que deja el dedo del escultor real. La línea de contorno separa el objeto del
sobre la superficie de arcilla. fondo y de otros objetos de la misma obra.
Los artistas utilizan distintos tipos de línea en Algunos artistas conceden gran importancia a
sus obras para identificar y describir los objetos los contornos. Los utilizan para añadir interés o
y sus movimientos. El uso de estos distintos tipos unidad a sus cuadros. Las obras de estos artistas
de línea produce efectos diferentes. suelen denominarse lineales. Observe, por
ejemplo, cómo la artista francesa Marie
Línea de énfasis Laurencin (law- rahn-san) ha utilizado
Un tipo de línea se utiliza para mostrar los contornos negros para añadir claridad e interés a
bordes, o contornos, de un objeto. Se denomina su retrato de una mujer con sombrero (Figura
línea de contorno. Este tipo de línea resulta 2.7). Gracias a estos contornos, cada objeto está
familiar a cualquiera que haya intentado dibujar. claramente definido y destaca por sí mismo. Y
De hecho, es uno de los tipos de línea más lo que es más importante, los contornos negros
utilizados por los niños. Cuando los niños cogen añaden un acento decorativo que aumenta el
lápices o ceras para dibujar, utilizan líneas para atractivo del cuadro.
crear figuras, casas, árboles y flores.
Normalmente, los niños dibujan estos objetos en Desenfatizar la línea
forma de contorno. Algunos artistas intentan eliminar u ocultar el
Los artistas suelen utilizar las curvas de nivel contorno de los objetos en sus cuadros. El
de forma muy parecida para identificar y término "pictórico" se utiliza a menudo para
describir objetos. describir las obras de estos artistas. Claude Monet
(kload mow- nay) era un artista de este tipo, y
puedes ver por qué cuando observas sus cuadros
de pajares (Figuras 21.14 y 21.15, página 481).
A Monet le interesaba registrar el efecto fugaz
de la luz sobre las distintas superficies de los
objetos. Utiliza pinceladas cortas para crear un
efecto de brillo en el que las líneas de contorno
parecen desaparecer.

Línea y escultura
Los términos "lineal" y "pictórico" no se
reservan únicamente a la pintura. También se
aplican a las esculturas. Henry Moore, por
ejemplo, utilizó una línea de contorno continua
en su escultura de una figura de pie (Figura
2.8).
Términos como "lineal" o "pictórico" pueden
ayudarle a ver con mayor claridad una cualidad
particular de las obras de arte. Así, cuando una
pintura o escultura se describe como lineal, se
sabe inmediatamente que se ha hecho hincapié en
el elemento de la línea. La palabra lineal produce
una imagen mental muy diferente de la que viene a
la mente cuando se describe una obra como
pictórica.
■ FIGURA 2.7 Los contornos negros ayudan a definir las formas
en este retrato. ¿Cómo sería el impacto del cuadro sin el
uso de estas líneas?
Marie Laurencin. Mujer con sombrero (Femme au Chapeau). 1911. Óleo sobre
lienzo. 35 × 26 cm (133 ⁄4 × 101 ⁄4"). Museo de Bellas Artes de Houston, Texas.
Colección John A. Jones y Audrey Jones Beck.

030
Línea y movimiento ■ FIGURA 2.8
Observe cómo el
Además de definir los objetos en las obras de arte, escultor ha
la línea también puede sugerir movimiento. Este utilizado el
movimiento puede ser horizontal, vertical, diagonal o elemento de la
curvo. A cada uno de estos movimientos se asocian línea en esta obra.
Describe el
determinados sentimientos o sensaciones.
movimiento que
Vertical, o de arriba abajo, sugiere fuerza y haría tu mano si
estabilidad. Horizontal, o de lado a lado, sugiere calma. pudieras trazar
Diagonal sugiere tensión. Las curvas sugieren un alrededor de esta
movimiento fluido. A veces, los sentimientos que sugieren escultura.
¿Cambia de
las líneas de una imagen pueden influir en tus reacciones dirección
ante ella. Las líneas de una imagen pueden ayudarte a repentinamente o
sentirte tranquilo y relajado (Figura 21.9, página 474), se mueve de forma
mientras que las líneas de otra pueden crear una suave y fluida?
sensación de tensión e inquietud (Figura 19.9, página
Henry Moore. Gran
427). forma interior. 1953,
Una línea de eje, una línea imaginaria que se traza Fundición 1981. Bronce.
5 × 1.4 × 1.4 m
a través de un objeto o varios objetos en una imagen, puede
(195 × 561 ⁄4 × 561 ⁄4").
ser útil cuando se trata de identificar el movimiento y la Museo de Arte
dirección del movimiento en una obra de arte. Puede Nelson-Atkins, Kansas
City, Missouri.
mostrarle si el objeto u objetos se han organizado en Colección de la
una dirección determinada. Por ejemplo, examine el Fundación de la
cuadro de John Biggers en Familia Hall.

Figura 2.D. Trace con el dedo el movimiento y la

dirección de las figuras que caminan. Observa que tu
dedo se mueve en una curva suave desde la figura del
extremo izquierdo hasta la figura más pequeña de la
parte superior derecha, enfatizando la dirección en la
que caminan las mujeres. La línea del eje es la línea
que habría trazado tu dedo si hubiera dejado una
marca en el dibujo. Es la forma de trazar la dirección
del movimiento en una obra de arte.

■ FIGURA 2.9 La línea del eje en este cuadro comienza en el

extremo izquierdo con la figura más grande y retrocede en el
espacio a través de la
figuras restantes. Termina con la figura más pequeña en la distancia.
¿De qué manera ayuda al espectador esta línea de eje? ¿Qué otro
elemento artístico ayuda a enfatizar la sensación de movimiento
en esta obra?

John Biggers. Climbing Higher Mountains. 1986. Óleo y acrílico sobre lienzo.
101,6 × 91,4 cm. Museo de la Universidad de Hampton, Hampton, Virginia.

031
 Algunas obras utilizan una sola línea de eje; pueden ayudarle a reconocer la postura rígida y
otras, varias. En una obra con más de una línea vertical de una escultura (Figura 8.15, página 178) o
de eje, debe determinar cómo se relacionan las la postura activa y giratoria de otra (Figura 8.18,
líneas entre sí. Por ejemplo, en la figura 2.10, página 182). En arquitectura, las líneas de eje
cuatro líneas de eje se combinan para formar una también pueden ayudar a definir el énfasis vertical
gran W que une las distintas partes del cuadro y principal de un edificio o el énfasis horizontal de
señala las figuras más importantes. Observe otro.
cómo dos líneas diagonales sirven para ordenar
las figuras a ambos lados del cuadro. Éstas se
unen a otras dos líneas de eje diagonal que se Textura
dirigen hacia arriba para completar la W. En el Cuando hablamos de la calidad de la superficie
punto central están el Niño Jesús y su madre. de un objeto, estamos hablando de su textura. La
Aunque no son las figuras más grandes de la textura es el elemento del arte
obra, son las más importantes. El artista ha que se refiere a la forma en que las cosas se
utilizado hábilmente las líneas sienten o parecen que podrían sentirse si se
para guiar tu mirada hacia ellos. tocaran. En pintura, algunas obras tienen una
Las líneas de eje pueden ser tan importantes en superficie general lisa en la que incluso las
la escultura y la arquitectura como en la pintura. marcas del pincel se han ocultado
En cuidadosamente. No hay "barreras" ni
"distracciones" texturales que se interpongan.

■ FIGURA 2.10 Las figuras religiosas de este cuadro están vestidas con ropas de la
época del artista. Además de las líneas de eje comentadas, ¿puedes encontrar otras líneas
reales,
tanto diagonales como verticales, que dirijan la atención hacia las figuras principales?

Sandro Botticelli. La Adoración de los Magos. c. 1481-82. Témpera sobre madera. Aprox. 70,1 3 104,1 cm (275 ⁄8 × 41").
National Gallery of Art, Washington, D.C. Board of Trustees, Andrew W. Mellon Collection.

032
mientras sus ojos recorren la superficie lisa y prendas de vestir. Otros tipos de texturas se aprecian
brillante. en la pesada alfombra tejida, el mobiliario de
Otros cuadros tienen una superficie más irregular. madera y la piel lisa y suave de las figuras. Sin
Este es el caso cuando una fuerte aplicación de embargo, si pasáramos ligeramente los dedos por
pintura produce una textura rugosa que se percibe este cuadro, veríamos que es liso por todas partes.
con los ojos y se siente con los dedos. Ambos tipos Cuando los pintores intentan que los distintos
de pintura son ejemplos de textura real porque se objetos parezcan rugosos o lisos, utilizan una
siente la superficie lisa de uno y la superficie técnica conocida como simulación,
rugosa del otro. o artificial.
Sin embargo, hay muchos cuadros en los que la Otro ejemplo similar de textura es el retrato
superficie es lisa al tacto, pero la sensación de de la princesa de Broglie (figura 2.11a). Es
diferentes texturas queda sugerida por la forma en evidente que al artista, Jean-Auguste-
que el artista pintó algunas zonas. En su retrato de Dominique Ingres, le encantaba pintar con la
la malograda reina francesa, María Antonieta y sus mayor precisión posible una serie de texturas
hijos (figura 2.11), la artista Marie-Louise- simuladas. El rico satén y el encaje del vestido
Élisabeth Vigée-Lebrun pintó una amplia gama de de la mujer dan la sensación de que se puede oír
texturas diferentes. Los distintos materiales el susurro de la tela al moverse. Compárese con
utilizados para el retrato tienen un "tacto" la suave piel y el brocado de la silla.
característico.

■ FIGURA 2.11 La artista, conocida por su belleza,

ingenio y encanto, disfrutó de una estrecha relación ■ FIGURA 2.11a Observa la variedad de texturas
personal simuladas en este cuadro. ¿Qué otros elementos
con la reina María Antonieta y la pintó muchas veces. de
¿Cuántas texturas diferentes puedes identificar en arte utilizó el artista para añadir variedad a las
este cuadro? ¿Qué te dice este cuadro sobre la numerosas superficies?
reina?
Jean-Auguste-Dominique Ingres. Princesa de Broglie. 1853. Óleo sobre
lienzo. 121,3 × 90,8 cm (473 ⁄4 × 353 ⁄4"). The Metropolitan Museum of
Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun. María Antonieta, reina de
Art, Nueva York, Nueva York. Colección Robert Lehman, 1975.
Francia, con sus hijos. 1789. Óleo sobre lienzo. 271 × 195 cm
(1975.1.186)
(1062 ⁄3 × 763 ⁄4"). Réunion des Musées Nationaux /Art Resource, NY.

033
■ FIGURA 2.12 Observa cómo la
luz resalta las texturas en este tríptico.
pieza dimensional. ¿Qué otro elemento
artístico se ha utilizado para aportar
variedad?

José de Creeft. La Nube. 1939. Piedra verde.

42,5 × 31,4 × 25,4 cm (163 ⁄4 × 123 ⁄8 × 10").
Colección del Whitney Museum of American Art,
Nueva York, Nueva York. Adquisición. 41.17a-b.
© Estate of José de Creeft/Licencia de VAGA,
Nueva York, Nueva York.

Textura y escultura textura y espacio. Las formas son planas. Sólo

Dado que las formas tridimensionales tienen dos dimensiones: longitud y anchura.
parecen invitar al tacto, la textura es Este carácter bidimensional de la forma la
especialmente importante para los escultores. distingue de la forma, que tiene profundidad
Reconocen la necesidad de tocar una superficie además de longitud y anchura. Por tanto, una
esculpida y a menudo animan a los escultores a forma es un objeto con tres dimensiones.
tocarla. Las formas pueden crearse deliberadamente en
Esto se consigue mediante ricos efectos dibujo y pintura uniendo una o varias líneas
texturales. José de Creeft crea contrastes continuas para delimitar un área.
evidentes de texturas rugosas y lisas en su Por ejemplo, cuando dos líneas horizontales
escultura La nube (figura 2.12). Estas diferentes paralelas se unen a dos líneas verticales
texturas se acentúan por el efecto de la luz que paralelas, se obtiene una forma cuadrada o
juega a través de la superficie de la obra. rectangular.
Los escultores reconocen que la madera, el Normalmente, cuando se intenta visualizar una
mármol y el bronce tienen cualidades texturales forma, lo primero que viene a la mente es un área
únicas. Deben tener en cuenta esta cualidad rodeada de líneas. Sin embargo, las líneas no
textural a la hora de elegir el material para una siempre son necesarias para crear formas.
obra concreta. Muchas formas se forman de manera más
indirecta, sin la ayuda de líneas. Cuando un
artista pinta una zona de un cuadro con un color
determinado, se crea una forma. Un artista
Forma y figura también puede crear una forma aislando o
El término forma se refiere a un área destacando una zona con una textura diferente a
bidimensional claramente delimitada por uno o la de su entorno.
varios de los demás elementos visuales, como el
color, el valor o la línea,

034
 Muchos pintores han intentado crear en sus edificio. A veces el volumen puede ser pequeño y
obras la ilusión de formas sólidas y estrecho, como en una capilla diminuta. Otras
tridimensionales. A menudo, el aspecto de veces puede ser enorme y expansivo, como en una
solidez y profundidad se consigue pintando enorme catedral. Sin embargo, la preocupación por
formas con valores claros y oscuros. Por el volumen no debe limitarse a los edificios.
ejemplo, una forma circular puede parecer También puede referirse a los volúmenes que se
tridimensional cambiando gradualmente su valor crean entre y dentro de las masas escultóricas.
de claro a oscuro. Esta técnica permite En ocasiones, resulta útil describir una escultura
reproducir el efecto de la luz sobre la superficie o un edificio tanto por su forma como por su
de un objeto redondo. Cuando se combina con contorno. Por ejemplo, puede interesarle el
una sombra oscura proyectada por el objeto contorno o la silueta bidimensional de una
redondo, se crea el efecto tridimensional deseado escultura o un edificio vistos desde una posición
(Figura 2.13). fija. De este modo, una escultura puede ofrecer
Al poseer la dimensión añadida de la varias formas interesantes al caminar a su
profundidad, una forma puede considerarse alrededor y verla desde distintos ángulos. Un
tridimensional. En un cuadro no se puede palpar edificio que parece pequeño y cuadrado visto
una forma, pero sí en la escultura y la directamente de frente puede resultar grande y
arquitectura. rectangular visto desde un lado.

Masa y volumen
Dos características importantes de la forma
son la masa y el volumen. La masa se refiere al
tamaño exterior y al volumen de una forma,
mientras que el volumen se refiere al espacio
dentro de una forma.
Cuando se habla de la masa de una escultura o
de un edificio, se utiliza el vocabulario de la
geometría de los sólidos. Esto permite describir
más claramente una obra tridimensional como
semejante a un cubo, una esfera, una pirámide,
un cilindro o un cono. Esto no significa que una
escultura o un edificio deban ser macizos.
También puede describir una escultura
contemporánea hecha de plástico transparente y
alambre como si tuviera masa y se pareciera a
una esfera, un cilindro o un cono.
El término volumen se utiliza cuando se habla de
espacio interior. En arquitectura, el volumen se
refiere al espacio interior de un edificio. Este
espacio interior viene determinado por la masa
exterior del

■ FIGURA 2.13 Es posible que sientas que

podrías coger una de las naranjas de este cuadro.
Cómo
¿Hizo el artista que las formas planas parecieran
redondas y tridimensionales?

Luis Meléndez. Bodegón con naranjas, tarros y cajas de dulces.

c. 1760-65. Óleo sobre lienzo. 48,2 × 35,3 cm (19 × 137 ⁄8"). Museo
de Arte Kimbell, Fort Worth, Texas.

035
 Espacio espacio. Es el tipo de espacio que se encuentra
en las formas de arte que son tridimensionales,
El espacio puede considerarse como la como la escultura, la cerámica y la arquitectura.
distancia o el área entre, alrededor, encima, debajo Por ejemplo, si pudiera estudiar la escultura La
o dentro de las cosas. En el arte, el espacio es un nube de José de Creeft (Figura 2.12, página 36)
elemento que puede ser tridimensional o en su entorno museístico, podría moverse
bidimensional. libremente por el espacio que rodea la escultura.
El espacio tridimensional, que tiene altura, Podría ver la forma en que esta
anchura y profundidad, se conoce como espacio
real.

MIRAR DE CERCA
➤
CREAR LA ILUSIÓN DE UN ESPACIO TRIDIMENSIONAL
Giorgione creó una sensación de espacio tridimensional utilizando las técnicas que se describen a continuación:
• Tamaño. Las formas lejanas se hacen más • Color. Las formas lejanas se colorean con
pequeñas; las más cercanas, más grandes. tonos más apagados y parecen más azules
• Colocación. Las formas de la obra se para sugerir las capas de atmósfera entre
superponen, sugiriendo que unas están el espectador y esas formas.
delante de otras. Las formas distantes se • Línea. Las líneas horizontales de las
sitúan más arriba en el cuadro; las más formas (edificios y otros objetos) están
cercanas, más abajo. inclinadas para que parezca que se
• Detalle. Las formas distantes se muestran extienden hacia el espacio.
con menos detalle; las formas más
cercanas se muestran con mayor detalle.

■ FIGURA 2.14 Giorgione.

La Adoración de los Pastores.
c. 1505-10. Óleo sobre tabla. Aprox.
91 × 111 cm (353 ⁄4 × 431 ⁄2"). National
Gallery of Art, Washington, D.C.
Board of Trustees, Samuel H. Kress
Collection.

036
La obra cambia cuando se mira desde distintas transportado a lo que parece ser un mundo de
posiciones. La obra no sólo presenta diferentes espacio real, atmósfera y formas tridimensionales.
formas, sino también diferentes imágenes y El cuadro de Giorgione es una ilustración, pero muy
significados. Desde un ángulo, la escultura convincente.
parece una nube. Desde un segundo ángulo,
cambia y parece una mujer. Desde un tercer
ángulo, parece una madre con su hijo. La obra no Trabajar con los
se limita a ocupar un espacio. El espectador que
insistiera en examinarla desde un único punto de elementos
vista no entendería esta escultura. Normalmente, los artistas se enfrentan al reto de
La arquitectura es una forma de arte dedicada considerar varios elementos en cada paso que dan
al cerramiento del espacio. Para apreciar realmente en la creación de una obra de arte. Por ejemplo, no
esta forma de arte, hay que considerar pueden trabajar eficazmente con el color sin tener
detenidamente el modo en que se trata el espacio en cuenta otros elementos. Se dan cuenta de que la
en las distintas estructuras. selección y aplicación de un tono en una parte del
A diferencia de las obras de arte cuadro repercutirá en los tonos, formas, líneas y
tridimensionales, el espacio de las obras planas texturas utilizados en otras partes de la obra.
bidimensionales se limita a la altura y la anchura. En Algunos artistas responden a este reto de
estas obras no hay profundidad ni distancia reales. A forma deliberada y reflexiva, mientras que
pesar de ello, los artistas han ideado varias técnicas otros son más espontáneos e intuitivos.
para crear la ilusión de profundidad o distancia en Para comprender y apreciar las distintas respuestas
superficies planas o casi planas. Giorgione utilizó de los artistas, no sólo hay que conocer los
muchas de estas técnicas cuando pintó La elementos del arte, sino también entender cómo
adoración de los pastores (figura 2.14). se utilizan los principios artísticos para organizar
Estas técnicas parecen destruir la planitud del esos elementos.
plano de la imagen. El espectador se

REPASO DE LA PRIMERA
LECCIÓN
Repasar los hechos artísticos
1. Recuerda Enumera los siete elementos Trabajar con elementos y principios La combinación de
del arte. elementos y principios tiene infinitas variaciones que hacen de la
2. Describa Dé un ejemplo de una creación artística un reto apasionante y maravilloso para el artista.
combinación de colores analógica. En cualquier época o lugar, el artista siempre trabaja con estas
3. Explique ¿Cuál es la ventaja de herramientas y reglas básicas.
identificar la línea de eje en una obra de Actividad Elige cinco elementos y crea un diseño utilizando
arte? materiales artísticos sencillos. Evalúa tu diseño para determinar
4. Identifique Nombre cuatro técnicas cómo has utilizado las herramientas de equilibrio, énfasis,
que pueden utilizar los artistas para armonía, variedad, gradación, movimiento/ritmo y proporción.
crear la ilusión de espacio Muestra tu diseño y describe cómo has utilizado los principios
tridimensional en una obra de arte para crearlo.
bidimensional.

037
 SEGUNDA LECCIÓN

Los principios del arte

Vocabulario
■ diseño ■ gradación A os artistas "diseñan" sus obras controlando y ordenando de algún modo los
elementos del arte. Al intentar combinar estos diferentes elementos
■ balanza ■ movimiento Para crear un conjunto organizado, utilizan ciertos principios o directrices. Estos
■ énfasis ■ ritmo principios artísticos son el equilibrio, el énfasis, la armonía, la variedad, la
■ armonía ■ proporción gradación, el movimiento, el ritmo y la proporción. Un diseño unificado -una
■ variedad hábil mezcla de elementos y principios- resulta cuando todas las partes se unen
para producir el mejor efecto posible. Sin este principio general de unidad, la
Descubra obra "se desmoronaría" o parecería desorganizada y confusa para el espectador.
Después de completar esta Así pues, los principios del arte describen las distintas formas en que los
lección, serás capaz de: artistas pueden utilizar cada elemento. Al trabajar con cualquier elemento, los
■ Explicar cómo se utilizan los artistas buscan la variedad sin caos y la armonía sin monotonía. Los elementos
principios del arte para
deben encajar y funcionar juntos para formar un todo completo y unificado.
organizar los elementos del
arte. Para entender las obras de arte, hay que saber cómo se utilizan los principios
■ Analizar cómo las obras de arte artísticos. Este conocimiento le servirá tanto si examina obras de artistas que
de éxito consiguen la unidad utilizan deliberadamente diversos principios artísticos como obras de artistas
utilizando los elementos y que utilizan su instinto. Aprender los principios le ayudará a reconocer y
principios del arte. disfrutar de una de las cosas más fascinantes de las obras de arte: cómo están
■ Demostrar cómo puede utilizarse
compuestas.
un gráfico de diseño para
Los siguientes principios deberían ayudarte a determinar cómo pueden
identificar los elementos y
utilizarse los elementos del arte para crear arte. Recuerda que cada uno de
principios de una obra d e arte.
estos principios describe una forma única de combinar o unir elementos
artísticos para conseguir distintos efectos.

Saldo
El equilibrio se refiere a una forma de
combinar elementos para añadir una
■ FIGURA 2.15 sensación de equilibrio o estabilidad a una
Observe que todas las partes obra de arte. El equilibrio puede ser de tres
de este cuadro se tipos: simétrico, asimétrico,
distribuyen por igual
a ambos lados de o radial.
una línea vertical Por equilibrio simétrico se entiende un
imaginaria trazada a equilibrio formal en el que dos mitades de una
través del centro. obra son idénticas; una mitad refleja la otra mitad
¿Puedes encontrar
otros cuadros en
(Figura 2.15). Es el tipo más sencillo
este libro que de equilibrio.
utilicen este mismo El equilibrio asimétrico es más informal y
equilibrio simétrico? tiene en cuenta cualidades como el tono, la
¿Por qué crees que
tan pocas obras de
intensidad y el valor, además del tamaño y la
arte utilizan este forma. Todas estas cualidades influyen en el
tipo de equilibrio? peso aparente de los objetos de una obra de
arte. Es posible equilibrar una gran área de
Jessie Oonark. A Shaman's
Helping Spirits. 1971.
color brillante en un lado de un cuadro con
Stonecut y stencil sobre otra forma de gran tamaño.
papel. 94,2 × 63,8 cm
(37 × 25"). Galería de
Arte de Ontario, Toronto,
Canadá. Donación de la
familia Klamer, 1978.

038
■ FIGURA 2.16 El artista presenció este desastre
desde un barco en el río Támesis. Obsérvese
cómo
los edificios envueltos en llamas a la izquierda están
equilibrados por el puente y su reflejo a la derecha.
¿Considera que el equilibrio "sentido" es más o
menos interesante que el equilibrio simétrico de
la figura 2.15?

Joseph M.W. Turner. Quema de las Cámaras de los Lores y los

Comunes. 1834. 92 × 123,19 cm (361 ⁄4 × 481 ⁄2"). Óleo sobre lienzo.
Museo de Arte de Filadelfia. Colección John H. McFadden. M1928-
1-41.

de un tono claro en el otro lado (Figura 2.15).

Sin embargo, una forma oscura más pequeña
puede lograr el mismo resultado. El valor oscuro
de la forma más pequeña la hace parecer más
pesada e igual a la tarea de equilibrar la forma
blanca más grande. El resultado es un equilibrio
"sentido".
El equilibrio radial se produce cuando los
objetos se colocan alrededor de un punto central.
■ FIGURA 2.17 Las formas de cristal de colores de esta ventana irradian
La margarita, con sus pétalos irradiando desde el desde el centro como los radios de una rueda. ¿Qué otro tipo de
equilibrio es
centro de la flor, es un buen ejemplo. Observe
demostrado en este trabajo?
cómo la vidriera (Figura 2.17) se diseñó
utilizando el equilibrio radial. Vidriera (rosetón oeste). Catedral de Chartres, Francia. 1153-1260.

039
Énfasis
El énfasis o contraste es una forma de
combinar elementos para resaltar las
diferencias entre ellos. Los elementos
contrastados se utilizan a menudo para dirigir
y centrar la atención del espectador en las
partes más importantes de un diseño. Los
artistas intentan evitar hacer obras de arte en
las que se utilicen una y otra vez los mismos
colores, valores, líneas, formas, texturas y
relaciones espaciales. Saben que esas obras
pueden resultar monótonas y poco interesantes.
Para evitarlo, los artistas introducen contrastes
obvios que establecen centros de interés en
sus obras.
En Rainy Night Downtown (Figura 2.18),
Georgia Mills Jessup crea un centro de interés
pintando una colección compacta de formas
■ FIGURA 2.18 Las formas verticales del centro de esta
verticales abstractas para representar las obra contrastan con las formas redondas más grandes de
los lados.
multitudes de gente en una concurrida zona del ¿Puedes encontrar también contrastes de tono y línea en este cuadro?
centro de la ciudad por la noche. En los bordes
utiliza formas más grandes, brillantes y sueltas. Georgia Mills Jessup. Rainy Night Downtown. 1967. Óleo sobre lienzo.
111,8 × 120 cm (44 × 48"). The National Museum of Women in the Arts,
definida. El contraste entre los colores y las formas
Washington, D.C. Donación de Savanna M. Clark.
da vitalidad a la escena. Trata de imaginar cómo
sería esta imagen sin estos contrastes: carecería
de interés visual. similitudes. Se consigue mediante el uso de
repeticiones y cambios sutiles y graduales. A
Armonía menudo se utiliza un número limitado de
elementos similares en un esfuerzo por unir las
La armonía se refiere a una forma de
partes de la imagen en un todo armonioso. Esto
combinar elementos similares en una obra de arte
resulta evidente en el colorido bodegón portugués
para acentuar su
de Robert Delaunay (figura 2.1D). Observe cómo
la repetición de determinados colores, valores,
líneas y formas confiere a la obra una sensación
general de unidad o totalidad.

■ FIGURA 2.19 La preocupación de Delaunay por el

color queda patente en esta obra. ¿Qué colores ha
¿Se han utilizado repetidamente para dar armonía a
este cuadro? ¿Puedes identificar otros elementos
artísticos que se hayan repetido para dar a la obra un
aspecto más uniforme?

Robert Delaunay. Naturaleza muerta portuguesa. 1916. Óleo sobre lienzo.

89,2 × 111,8 cm (351 ⁄8 × 44"). Museo de Arte Norton, West
Palm Beach, Florida. Donación de la Sra. Jeanne Levin. 92.1

040
Variedad
La variedad es una forma de combinar
elementos de maneras implicadas para crear
relaciones intrincadas y complicadas. Se consigue
mediante la diversidad y el cambio (Figura 2.20).
Los artistas recurren a este principio cuando
quieren aumentar el interés visual de sus obras. Un
cuadro compuesto por muchas tonalidades,
valores, líneas, texturas y formas diferentes se
calificaría de complejo.
Una mezcla cuidadosamente determinada de
armonía y variedad es esencial para el éxito de
casi cualquier obra de arte. Ambos principios
deben tenerse en cuenta durante el proceso
creativo. La armonía combina las partes de la
imagen para formar un todo unificado, y la
■ FIGURA 2.20 En este cuadro, el artista ensambla un complejo
variedad añade interés visual a este todo conjunto de formas grandes y pequeñas en una variedad de valores claros
y oscuros para crear
unificado. Este interés visual es lo que atrae y un paisaje inquietante como ningún otro en este planeta. Si tú fueras el
mantiene la atención de los espectadores. artista y quisieras añadir armonía a esta composición, ¿qué podrías
hacer? Al hacerlo, ¿qué tendrías que tener en cuenta?

Gradación Yves Tanguy. La multiplicación de los arcos. 1954. Óleo sobre lienzo. 101,6 × 152,4 cm (40 ×
60"). The Museum of Modern Art, Nueva York, NY/Licencia de SCALA/Art Resource, NY. Sra.
La gradación es una forma de combinar Fondo Simon Guggenheim (559.1954). 2004 Estate of Eves Tanguy/Artists Rights Society (ARS),
Nueva York.
elementos mediante una serie de cambios
graduales. Ejemplos de gradación son el cambio
gradual de formas pequeñas a formas grandes o de
un tono oscuro a un tono claro.
A diferencia del énfasis, que suele hacer hincapié
en los cambios bruscos y repentinos de los
elementos, la gradación se refiere a un cambio
ordenado, paso a paso (Figura 2.21).

■ FIGURA 2.21 Obsérvese el

cambio paso a paso de grande a
pequeño
formas. ¿Qué se consigue con este
cambio gradual de formas grandes a
más pequeñas?

Antonio M. Ruiz. Desfile de escolares. 1936. Óleo

sobre lienzo. 24 × 33,8 cm (91 ⁄2 × 131 ⁄4").
Secretaría de Hacienda y Crédito Público,
Ciudad de México, México. Antonio M. Ruiz/
SOMAAP México, 1999.

041
Movimiento colores, formas, líneas y texturas de las obras de
arte.
El movimiento es el principio del arte que se El movimiento también se utiliza para dirigir
utiliza para crear el aspecto y la sensación de la atención del espectador hacia un centro de
acción y para guiar la mirada del espectador a interés, o para asegurarse de que se observan las
través de la obra de arte. Por supuesto, en una obra partes principales de la obra. Este movimiento se
de arte bidimensional, cualquier apariencia o consigue
sensación de acción o movimiento es sólo una mediante la colocación de elementos para que el
ilustración: Un caballo al galope sólo da la ojo siga un determinado recorrido, como la curva
impresión de movimiento. Sin embargo, hay de una línea, los contornos de una forma o la
obras de arte tridimensionales que realmente se repetición de ciertos colores, texturas o formas.
mueven. Permiten al espectador estudiar las
relaciones constantemente cambiantes de
Ritmo
El principio del ritmo está estrechamente
relacionado con el movimiento. El ritmo se crea
mediante la colocación cuidadosa de elementos
repetidos en una obra de arte para provocar un
tempo o compás visual. Estos elementos repetidos
invitan al ojo del espectador a saltar rápidamente o
deslizarse suavemente de uno a otro.

■ FIGURA 2.22 Este cuadro muestra el interior de ■ FIGURA 2.22a Las líneas verticales repetidas y
una iglesia de París. ¿Qué ha hecho el artista para los contrastes de valores claros y oscuros crean un
guiar la mirada del espectador hacia el cuadro? ritmo que atrae la mirada del espectador hacia la
pintura. ¿Cuál es el centro de interés de esta
Marcel Duchamp. Desnudo bajando una escalera #2. 1912. Óleo sobre obra?
¿Por qué es importante?
lienzo. 147,3 × 89 cm. (58 × 35"). Museo de Arte de Filadelfia,
Filadelfia, Pensilvania. Colección Louise y Walter Arensberg. Robert Delaunay. Saint-Séverin nº 3. 1941. 114,1 × 88,6 cm (45 ×
©2004 Artists Rights Society (ARS), Nueva York? ADAGP, 347 ⁄8"). Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Nueva
París/Sucesión Marcel Duchamp. York. Donación, Solomon R. Guggenheim. 41.462.

042
■ FIGURA 2.23 El tamaño de las figuras de esta
obra indica su importancia. Además de sus grandes
tamaño, ¿qué otras pistas se ofrecen para ayudar a
identificar al poderoso rey de Benín?

Africano. Nigeriano. Reino de Benín. Placa de guerrero y ayudantes.

Siglo XVII. Latón. 37,46 × 39,37 cm (143 ⁄4 × 151 ⁄5"). Museo de Arte
Nelson-Atkins, Kansas City, Missouri. Adquirido: Nelson Trust. 58.3

La misma forma puede repetirse varias veces y

disponerse a lo largo del cuadro para crear la
sensación de movimiento en una dirección El ojo del espectador es atraído automáticamente
determinada (Figura 2.22a). A medida que el ojo por la forma más grande y dominante.
del espectador se desplaza de una forma a otra, esta En el pasado y en otras culturas, los artistas
sensación se acentúa, como se aprecia en la obra de solían basarse en el principio de proporción para
Marcel Duchamp Desnudo bajando una escalera nº señalar las figuras u objetos más importantes de sus
2 (figura 2.22). obras. Las figuras más importantes se hacían
A veces los contrastes visuales establecen un parecer más grandes que las otras, menos
ritmo, en el que los elementos se repiten y importantes. Este fue el caso de la escultura de
combinan con colores, valores, formas, líneas o bronce creada por un artista del Imperio de Benín,
texturas contrastados. Un determinado color en África (figura 2.23). Este relieve se realizó para
puede precipitarse hacia delante y luego hacia decorar los pilares de madera del palacio de la Corte
atrás, o los valores claros pueden chocar con los de Benín. El poderoso rey de la tribu está en el
más oscuros, todo ello mientras el ojo del centro. El escultor ha hecho del rey la figura más
espectador se desplaza por la obra. grande, subrayando su importancia.

Proporción Lograr la unidad

La proporción es el principio del arte que se Aunque la unidad ya se trató en la Lección
ocupa de la relación de ciertos elementos con el Uno, su importancia exige un comentario
conjunto y entre sí. A menudo, la proporción está adicional. La unidad puede considerarse un
estrechamente relacionada con el énfasis. Si en concepto o principio global. Se refiere al efecto
una determinada parte de un cuadro hay más tonos total de una obra de arte. Todos los artistas se
intensos que apagados, o más texturas rugosas que nutren de la misma reserva de elementos y
lisas, se sugiere énfasis. Del mismo modo, el gran principios, pero pocos son capaces de tomar esos
tamaño de una forma en comparación con el elementos y principios y crear obras de arte que
tamaño más pequeño de otras formas crea énfasis sean únicas, emocionantes y logren la unidad.
visual. En

043
 Descubrir las • ¿Alguna de las tonalidades cambia
gradualmente, o en una gradación de una a
relaciones de diseño otra?
• ¿Están los tonos dispuestos para crear una sensación
en el arte de movimiento o ritmo?
El diagrama de diseño (figura 2.24) puede • ¿La presencia de algún tono es
ayudarle a identificar las múltiples relaciones desproporcionada con respecto a los
posibles entre elementos y principios en las obras demás tonos utilizados en la imagen?
de arte. El primer paso para determinar cómo está Una vez que hayas examinado el tono, pasa a la
compuesta una obra es plantearse las preguntas siguiente cualidad del color, que es la intensidad, y
adecuadas. El diagrama de diseño le ayudará a repite el procedimiento con todos los principios.
identificar esas preguntas. Un análisis realizado de este modo puede
Empiece por un elemento cualquiera y, a ayudarte a adquirir los conocimientos y la
continuación, consulte el cuadro y pregúntese comprensión necesarios para determinar cómo se
cómo se utiliza ese elemento en una obra. Las han unido las partes de una imagen para lograr la
preguntas relacionarán el elemento con cada unidad.
principio. Por ejemplo, puede empezar a examinar Una obra de arte se compone de muchos
un cuadro fijándose en el tono. A continuación, colores, valores, líneas, texturas, formas y
refiriéndose a cada principio en orden, plantee y relaciones espaciales diferentes. El artista que la
responda preguntas como las siguientes sobre la crea debe combinar estos elementos en un todo
obra: organizado, lo que requiere un gran conocimiento y
• ¿Están equilibrados los tonos de la imagen? habilidad. Al contemplar una obra de arte, hay que
¿formal o informalmente? determinar cómo lo ha hecho el artista, y eso
• ¿Se utilizan tonos contrastados para también requiere mucho conocimiento y
dirigir la mirada hacia las zonas de habilidad. Cuando se tienen estos conocimientos
énfasis? y esta habilidad, se es capaz de hacer algo más
• ¿Se logra la armonía mediante el uso de que mirar el arte: se puede ver y apreciarlo
tonos similares que se repiten a lo largo del plenamente.
cuadro?
• ¿Se utilizan diferentes tonos para añadir
variedad a
¿la composición?

REPASO DE LA SEGUNDA
LECCIÓN
Repasar los hechos artísticos
Utilización de elementos y principios Los artistas siempre han
1. Explique ¿Cómo se utilizan los
utilizado el color como herramienta para expresar pensamientos,
principios del arte en la creación de obras
ideas y sentimientos. Utilizando imágenes o grabados
de arte?
disponibles, busca una obra de arte que te hable a través del uso
2. Identifique Nombre y defina los tres
del color. ¿Cómo habla el color? ¿Es cálido o frío? ¿Es fuerte o
tipos de equilibrio.
suave? ¿Puedes crear una obra que exprese un pensamiento o un
3. Explique ¿Cómo se puede lograr la
estado de ánimo a través del color?
armonía en la creación de una obra de
arte? Actividad Utilizando pequeños trozos de esponja, sumérgelos
4. Recordemos ¿Qué principio del arte en colores primarios y en blanco y negro para crear tu pintura.
lleva al espectador a percibir la acción Crea un cuadro utilizando el color como medio para expresar
en una obra? un estado de ánimo.
o pensamiento. Exponga su cuadro y describa el uso que hace
del color.

044
 Pintar un cuadro utilizando
el diagrama de diseño
Materiales como guíaProceso
• Lápices y papel de dibujo 1. Completa varios bocetos a lápiz de una obra de arte en
• Cartulina blanca o cartulina para ilustraciones, 9 × 12 Art in Focus. Intenta reproducir la obra con la mayor
". exactitud posible.
• Pinceles, bandeja de mezcla y paño de pintura 2. Reproduce tu mejor boceto en el tablero.
• Pintura al temple o acrílica 3. Utiliza témperas o acrílicos para pintar tu dibujo. Excepto
• Contenedor de agua el blanco y el negro, todos los colores deben mezclarse
Consulte el Cuadro de diseño (Figura 2.24), que en lugar de utilizarlos directamente del tarro o tubo.
identifica las relaciones entre elementos y principios. 4. En cada paso del proceso, consulte las seis decisiones
Marque seis opciones en este cuadro indicando cómo anotadas en el Cuadro de diseño.
piensa utilizar los elementos y principios en una pintura. 5. Exponga su cuadro y el Cuadro de diseño completado.
Complete un cuadro basado en una obra de arte ilustrada
en Art in Focus. Utiliza los
decisiones para guiarle en la cre- ación PRINCIPIOS DEL ARTE

de este cuadro. Movimiento/

Saldo Énfasis Armonía Variedad Gradación Proporción
Ritmo

Inspiración Color:
Hue
Busca en Art in Focus una ilustración
de una obra de arte bidimensional que Intensidad

te parezca interesante. Evita las obras

demasiado complicadas que serán Valor
UNITY
difíciles de reproducir.
ELEMENTOS DE ARTE

Valor
Copie el Cuadro de diseño e (Sin color)

identifique los elementos y principios

Línea
que utilizará al crear su versión del
cuadro seleccionado. Para ello,
Textura
marque seis intersecciones que
relacionen elementos y principios. Forma

Nota: No escriba en este cuadro

Espacio
■ FIGURA 2.24 Gráfico de diseño

Examinar su trabajo
Describe ¿Es tu cuadro una representación exacta de la Interpretación ¿Expresa tu dibujo el mismo estado de ánimo
obra de arte que has seleccionado? ¿Pueden los demás o sentimiento que el cuadro en el que se basa? Si no es
ver las similitudes entre tu cuadro y el original? así, ¿qué estado de ánimo o sentimiento transmite tu cuadro?
Analiza ¿Utilizaste las seis relaciones de diseño ¿Qué factores han contribuido a las diferencias de
identificadas en tu Tabla de diseño al completar tu humor entre tu cuadro y el original?
cuadro? ¿Puedes señalar lugares de tu obra que Juez ¿Considera que su cuadro es un éxito? ¿Cuáles son
demuestren que has utilizado las seis relaciones de sus mejores características? Si volvieras a pintarlo,
diseño? ¿qué harías de forma diferente?

045
 Derribar muros con arte
Judith Baca une a la gente con sus murales.

L
os Ángeles es conocida tanto por sus autopistas como por sus museos. Por eso no es
de extrañar que la artista Judith Baca (1946) pinte sobre hormigón.
Desde 1974, el artista ha dirigido la creación de unos 550 murales en espacios públicos.
Han proporcionado trabajo de verano a jóvenes de barrios marginales y han dado color
a pasos subterráneos de autopistas y parques. "Quiero que continúe", dice Baca de su
trabajo. "Quiero que lo vean las generaciones futuras". Si no pueden ver su obra en
muros de hormigón, pueden verla en las paredes de un museo. Sus cuadros forman
parte de la colección del Instituto Smithsoniano.

JUDITH BACA
Judith Baca. La Memoria
Ahora Baca está restaurando su obra más famosa, la Gran Muralla de Los de Nuestra Tierra. 2000.
Ángeles, de 13 pies de altura y media milla de longitud. Realizado sobre un Este mural está colgado
en el Aeropuerto
muro de canal de inundación, el mural representa Los Ángeles y la historia del Internacional de Denver.
mundo desde un punto de vista étnico. La Gran Muralla exhibe un intenso
colorido y una estimulante sensación de movimiento.
Baca enseñaba arte en un parque del centro de la ciudad cuando empezó a
planificar murales para tender puentes entre distintos grupos étnicos. Unos 400
jóvenes -muchos de ellos procedentes de zonas de bajos ingresos y azotadas por la
delincuencia- trabajaron cinco veranos
en el mural original. Ahora, algunos de sus hijos trabajan en su restauración. Ella
espera que el enorme proyecto alcance el mismo objetivo.

CORBIS
"Todas estas personas construyeron juntas el muro", dice. "Esa
es la historia: lo que hicieron juntos".

TIEMPO DE CONECTAR
El mural de Judith Baca en el aeropuerto de Denver cuenta la historia
de sus padres, que emigraron de México a Estados Unidos, así como
la de los inmigrantes mexicanos que trabajaron como obreros en
Colorado.
• Investiga sobre un grupo étnico que llegara a Estados Unidos en
el siglo XX. ¿Por qué abandonaron su tierra natal? ¿A qué
problemas se enfrentaron en su viaje? ¿Qué problemas
encontraron al llegar a Estados Unidos?
• Comunique sus conclusiones a la clase y elabore una lista de las
razones que los grupos tienen en común para venir a Estados
Baca y sus ayudantes trabajan en la
Unidos y si existe algún problema al que se enfrenten en la Gran Muralla de Los Ángeles. Espera
actualidad. que la restauración dure tres
veranos, con la ayuda de 250
48 Capítulo 2 Desarrollar un vocabulario visual jóvenes artistas.

046
Repasar los hechos
Primera lección
2 REVISIÓN
Pensar críticamente
1. ANALIZA. ¿Qué harías si te interesara cambiar la
1. ¿Cuál es la relación entre los elementos y los intensidad de un color? ¿Cómo cambiarías el valor
principios del arte? de un color?
2. ¿Cuál de las tres cualidades del color hace 2. COMPARAR Y CONTRASTAR. Observa la figura 2.10
referencia al nombre de un color y a su ubicación en en la página 34 y la Figura 2.14 en la página 38.
la rueda cromática? Enumera las técnicas utilizadas por los dos artistas para
3. ¿En qué se diferencian las obras de arte calificadas crear la ilustración de la profundidad o la distancia.
de lineales de las calificadas de pictóricas?
4. Identifica los cinco tipos de línea y describe el
efecto que se pretende conseguir con cada uno
de ellos en una obra de arte.
Hoy en día, muchos estudiantes de arte
5. ¿En qué se diferencia la textura real de la
tienen portafolios digitales o en línea. Se trata de
simulada?
sitios web o CD que muestran reproducciones
5. ¿Cómo pueden los pintores crear la ilusión de
digitales de obras de arte u obras creadas
objetos sólidos y tridimensionales?
digitalmente. Un portafolio digital elimina las
Segunda lección
limitaciones de espacio de un portafolio
7. ¿Qué tipo de equilibrio se muestra en una obra con
tradicional. Cuando seleccione obras para un
una mitad que refleja la otra?
portafolio digital, asegúrese de que dispone del
8. ¿Qué puede ocurrir cuando un artista evita el uso del
hardware necesario. Para fotografiar obras
énfasis en una obra?
tridimensionales se necesita una cámara
D. ¿Cómo se consigue la unidad?
tradicional o digital.

Prácticas de exámenes estandarizados

Coloque la cabeza aquí para 1. La intersección en la cuadrícula en el punto más
bajo de la línea se representa como (1,1). Esto
ser sólo se lee "1 espacio arriba del eje x y 1
Lealospárrafos responda
y alaspreguntas.
espacio a la derecha del eje y". ¿Cómo
Una línea, como has aprendido, es una marca designarías el punto más alto de la curva?
continua que representa un punto en movimiento.
(4,7) (2,4)
Los matemáticos son capaces de trazar la
longitud y dirección de las rectas utilizando (4,2) (7,4)
cuadrículas cartesianas.
2. Si empezaras a trazar una línea recta sobre la
Esta cuadrícula muestra cuadrícula en el punto (6,0) y terminaras en
(6,5), ¿cuál de las siguientes afirmaciones sería
la trayectoria de una línea cierta?
movimiento vertical en el
y curva:
eje y, horizontal La línea será diagonal.
movimiento en el eje x.
La línea tendrá una longitud de cinco
x unidades. La línea será horizontal.
La línea se extenderá fuera de la red.

047
 3
Crear Arte

H ¿Has hecho alguna vez un dibujo con tiza o carboncillo? ¿Qué tipo de
fotos has hecho con una cámara? ¿Qué opinas de
cuando tienes un trozo de arcilla en las manos? Un artista puede elegir entre
una gran variedad de materiales. La decisión del artista sobre qué materiales, o
qué medio, utilizar tendrá un impacto dramático en la apariencia de la obra
acabada. Los distintos procesos, o formas en que los artistas utilizan ese medio,
pueden producir resultados sorprendentemente diferentes.

Lee para descubrir A medida que leas este capítulo, compara y contrasta
los materiales y procesos de obras creadas en la misma forma de arte.
Compara los dos dibujos de la página 52. ¿En qué se parecen? ¿En qué se
diferencian? Compara las dos fotografías de la página 63. ¿En qué se
parecen? ¿En qué se parecen? ¿En qué se diferencian?

Actividad de enfoque Dibuja dos círculos superpuestos para crear un

diagrama de Venn. Observa las obras de arte de la página 66. Organiza
la información que deseas comparar y contrastar. Enumera los rasgos
exclusivos del Árbol de la Vida (Figura 3.1) en un círculo y los rasgos
exclusivos de la Virgen con el Niño (Figura 3.24) en el círculo opuesto.
Enumera los rasgos similares de ambas obras en el espacio creado por
los círculos superpuestos. Ambas esculturas están hechas de arcilla, pero
cada artista utilizó el medio de la arcilla y los procesos de la escultura de
maneras muy diferentes.

Utilización de la cronología Observa algunas de las otras obras de

arte de este capítulo que se presentan en la cronología. ¿Qué medios y
procesos puedes identificar?

c. 1501
1248 Erasmo por Alberto Durero
Sainte-Chapelle c. 1470-75 1897
Virgen con el Niño de Reflexión-Venecia de
Andrea della Robbia Alfred Stieglitz

La fotografía antigua capta un

La escultura y el grabado
momento en el tiempo
representan temas variados
1200 1500 1800

La arquitectura incorpora
vidrieras

048
 ■ FIGURA 3.1 Oscar Soteno Elias. Árbol de la vida. 1997. Arcilla, moldeado y modelado, policromía aplicada.

1921 1935 1967

Sombras Robert Silvers crea un Cúpula geodésica 1997
nocturnas de collage fotográfico Buckminster Fuller Árbol de la vida de
Edward Hopper (Detalle. Crédito, p. 65) (crédito, p. 79) Óscar Soteno Elías

1900 1950 2000

Grabado en Manipulación Experimental
perspectiva fotográfica Modelizac

049
 PRIMERA LECCIÓN

Dibujo y pintura
D
Vocabulario a pintura y la pintura son dos medios importantes a través de los cuales los
■ medios artistas dan forma visible a sus ideas y sentimientos. El conocimiento de
secos la
■ medios Los medios y procesos utilizados para crear dibujos y pinturas te prepararán para
húmedos reconocer y responder a esas ideas y sentimientos. También te ayudará a dar forma
■ naturaleza a tus propias ideas y sentimientos.
muerta
■ pigmento
■
■
carpeta
disolvente
Dibujo
Descubra
Después de completar esta El dibujo es un proceso de representación de un objeto, escena o forma de
lección, serás capaz de: significado decorativo o simbólico mediante líneas, formas, valores y
■ Discutir los procesos del dibujo y la texturas en uno o varios colores. Este proceso consiste en mover un
pintura. instrumento puntiagudo, como un lápiz, un crayón o una barra de tiza, sobre
■ Explica cómo los artistas una superficie lisa, dejando las marcas de su paso. El nombre generalmente
encuentran ideas para sus obras.
aceptado para esta marca es línea. Aunque sus estilos difieren (Figuras 3.2 y
■ Nombra y describe los tres
ingredientes básicos de la 3.3), todos los dibujos tienen un propósito común: dar forma a una idea y
pintura. expresar los sentimientos del artista al respecto.

■ FIGURA 3.2 El artista utilizó este dibujo a tinta para

expresar sus ideas y sentimientos sobre un tema religioso.
¿Qué adjec-
¿Cómo describiría la línea utilizada aquí? ¿Qué partes del ■ FIGURA 3.3 La mano levantada de Santa Ana en
dibujo se han resaltado? ¿Cómo se consigue este énfasis? esta obra inacabada se ha dibujado utilizando líneas
de contorno.
Guercino. San Jerónimo y el ángel. c. 1640. Tinta marrón sobre papel. 24 × ¿En qué se diferencia la mano del resto del dibujo?
21,6 cm (97 ⁄16 × 81 ⁄2"). University Purchase, Museo de Arte de la Leonardo da Vinci. Virgen con el Niño y Santa Ana y el Niño San Juan
Universidad de Iowa, Iowa City, Iowa. Bautista. Carboncillo, tiza negra y blanca sobre papel marrón. The National
Gallery, Londres, Inglaterra. Art Resource, Nueva York.

050
 El artista italiano del siglo XVII Guercino Esto ilustra el fuerte vínculo emocional entre las
(gwair-chee-noh) utilizó su habilidad para el figuras. Está claro que el propósito del artista es
dibujo para ilustrar los fuertes sentimientos importante para determinar el estilo de un dibujo.
religiosos que dominaban su época y su lugar. La elección de un medio de dibujo, a menudo
Con un estilo de líneas espontáneas y vigorosas, basada en el propósito del artista, también
da forma visual a su idea de puede contribuir al estilo.
San Jerónimo escucha atentamente a un ángel en
la figura 3.2. En esta obra, los trazos rápidos Medios de dibujo
añaden emoción y acción a la escena. Los medios para dibujar pueden dividirse en
Compare la obra de Guercino con el dibujo dos tipos: secos y húmedos. Los medios secos
inacabado de Leonardo de la figura 3.3. El dibujo son los que se aplican en seco, como el lápiz, el
de Leonardo pone más énfasis en el valor que en carboncillo, el lápiz de color y la tiza o el
la línea. Utilizando carboncillo para producir pastel. Un ejemplo de dibujo creado con un
valores oscuros y claros, consiguió que las medio seco es el pastel de Mary Cassatt (kuh-
figuras parecieran más tridimensionales y reales. sat) de la figura 3.4.

MIRAR DE CERCA
➤

MEDIOS SECOS
Se trata de un tema que la
artista utilizó una y otra vez a lo
largo de su carrera: una madre y
sus hijos.
• Medio. El artista em-
pió un medio favorito: los
pasteles.
• Técnica. Cassatt abandonó
su superficie lisa y
uniforme, que le resultaba
más familiar, en favor de
otra compuesta por
pinceladas rápidas de
colores brillantes.
• Objetivo. El dibujo acabado
parece hecho deprisa, lo que
sugiere que el artista quería
captar un momento fugaz
compartido por una madre y
su hijo.

■ FIGURA 3.4 Mary Cassatt. En el jardín.

1893. Pastel sobre papel. Museo de Baltimore
Arte, Baltimore, Maryland. La Colección Cone,
formada por el Dr. Claribel Cone y la Srta. Etta
Cone de Baltimore, Maryland, BMA 1950.193.

051
 Los medios húmedos son aquellos en los que el Dibujos en cuadernos
agente colorante está suspendido en un líquido;
Los artistas llevan mucho tiempo
incluyen la tinta y las pinturas. El medio húmedo
reconociendo el valor de mantener cuadernos de
más utilizado en dibujo es la tinta de varios colores,
bocetos para registrar sus ideas. Los primeros
aplicada con pluma o pincel. Las pinturas también
artistas utilizaban dibujos principalmente
pueden utilizarse como medio de dibujo. El dibujo
como forma de desarrollar las ideas que deseaban
de las cabañas (Figura 3.5) demuestra la habilidad
expresar en sus pinturas y esculturas. Más
del artista Rembrandt con el medio húmedo. Una
recientemente, los artistas han utilizado los
variedad de líneas realizadas con trazos rápidos
dibujos de dos maneras: como obras de arte
de una fina pluma de ave capta no sólo la
acabadas y como estudios pre liminares para
apariencia de una sencilla escena rural, sino
desarrollar ideas.
también el ambiente tranquilo y apacible
Georges Seurat visitó la Grande Jatte todos los
asociado a ella.
días durante seis meses. Realizó dibujos preliminares
Conscientes de las ventajas que ofrecen tanto los
del paisaje y esbozó numerosas figuras para su
medios secos como los húmedos, muchos artistas
cuadro de un día de verano en la isla cercana a
los han combinado en sus dibujos.
París. Estudios detallados como el de la figura 3.5
fueron consultados a menudo durante los dos años
necesarios para pintar el gran cuadro.

■ FIGURA 3.5 Rembrandt realizó miles de dibujos a lo largo de su carrera, muchos de ellos con su medio
de dibujo favorito, la tinta. A juzgar por las líneas utilizadas, ¿cómo describirías el método o
técnica utilizada por el artista para realizar este dibujo?

Rembrandt van Rijn. Cabañas bajo altos árboles. c. 1657-1658. Pluma y pincel con bistre, aguada, sobre papel. 19,5 × 31 cm (71 ⁄2 × 12"). Kupferstichkabinett,
Staatliche Museen zu Berlin, Berlín, Alemania. Bildarchiv Preussischer Kulteurbesitz. Art Resource, Nueva York.

052
■ FIGURAS 3.6 Y 3.7 ■ FIGURA 3.6
Muchos artistas preparan pre Georges Seurat. Estudio
lizan bocetos para sus para Una tarde de domingo
cuadros. Planifican y en La Grande Jatte. 1884.
experimentan con ideas Óleo sobre madera. 15,5 ×
antes de empezar a 25 cm
pintar. Georges Seurat, (61 ⁄8 × 93 ⁄4"). Museo de
por ejemplo, realizó Orsay, París, Francia.
Reunión de los Museos
numerosos cuadros de
Nacionales. Art Resource,
detalles antes de
Nueva York.
empezar a trabajar en su
enorme cuadro Una
tarde de domingo en la
isla de La Grande Jatte.
¿Puedes identificar la
parte del cuadro que fue
el resultado de un
boceto?

■ FIGURA 3.7
Georges Seurat. Un domingo
en La Grande Jatte. c. 1884.
Óleo sobre lienzo. 207.6 ×
308 cm (812 ⁄3 × 1211 ⁄4 "). El
Instituto de Arte de Chicago,
Chicago, Illinois. Colección
Helen Birch Bartlett.
1926.224.

mide 70 pies cuadrados (Figura 3.7). Cuando se superficie de maneras que a veces son
expuso en 1886, la creación de Seurat fue recibida visualmente atractivas, a veces chocantes o
con burlas y polémica. Hoy, el cuadro es famoso y incitan a la reflexión. Al presentarnos relaciones
se considera de valor incalculable. de diseño únicas, ofrecernos nuevas ideas y dar
forma a los sentimientos más profundos, el pintor
nos despierta a aspectos de la vida que de otro
Pintura modo podríamos pasar por alto o ignorar.
La pintura es una de las artes visuales más
antiguas e importantes. Un artista crea un cuadro
disponiendo los elementos artísticos sobre una
superficie plana.

053
Materias en
A rt
Los temas que los artistas eligen para sus cuadros dependen a menudo de la época y el lugar en
que viven. Están influidos por sus propias experiencias personales, por las vidas
de la gente que les rodea y por los intereses y actitudes de su sociedad. A lo largo de la
historia, los artistas han encontrado temas para sus cuadros en el mundo real de las personas,
los lugares y los acontecimientos que les rodeaban, y en el mundo imaginario que llevaban
dentro.
➤
1
Paisajes. Los paisajes sin figuras eran raros
en Europa antes del siglo XVII. Aunque los
artistas utilizaban paisajes como fondo para
sus figuras, rechazaban la idea de utilizar
escenas naturales como tema principal de sus
pinturas. Esto no ocurría en Asia, donde la
pintura de paisaje gozaba de una larga y
gloriosa tradición.
Las prácticas europeas cambiaron en el
siglo XVII, cuando los pintores holandeses
reconocieron que la naturaleza podía ser un
tema bello y a menudo dramático para su arte
(véase la figura 19.15, página 432). Los
paisajistas más recientes han tratado el tema
de muchas maneras diferentes para expresar
una variedad de temas.
de ideas y creencias. El artista
estadounidense George Inness, por ejemplo,
se basaba en una visión muy personal y
espiritual de la naturaleza para crear cuadros
que expresaban lo que sentía y no sólo lo que
veía.

■ FIGURA 3.8 George Inness. Salida temprana de la luna, Florida.

1893. Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de San Petersburgo,
Florida. Donación de Costas Lemonpoulos 1983.6.

2 ➤
Naturaleza. Durante el
En el siglo XVII, los
artistas japoneses
crearon un elegante
estilo artístico que
satisfacía las
demandas de un
creciente número de
ricos terratenientes.
Era la época de la
pintura decorativa y
atrevida, en la que los
pintores creaban
paisajes de ensueño
sobre fondos de oro
resplandeciente.

■ FIGURA 3.9 Artista desconocido. Puente sobre el río en Uji. Periodo Momoyama,
1 1
1568 -1614.
Pantalla séxtuple, color; Pan de oro y tinta sobre papel. 17,5 x 338,5 cm (67 ⁄2 × 133 ⁄4"). La Nelson-
Atkins
Museo de Arte de Kansas City, Missouri. Adquirido: Nelson Trust.

054
 ■ FIGURA 3.10 ➤
Alice Neel. Frank O'Hara. 1960. Óleo sobre lienzo. 3
86,36 × 40,95 cm (34 × 161 ⁄8 "). National
Portrait Gallery, Smithsonian Institution,
Las personas. Sería difícil encontrar
Washington, D.C. National Portrait Gallery, un tema más fascinante para los
Smithsonian Institution. Art Resource, Nueva pintores que las personas. De las
York. páginas de la historia del arte nos
asoman
los innumerables rostros sonrientes,
ceñudos y llorosos de personas pintadas
de muchas maneras diferentes. Algunos
son famosos y fácilmente reconocibles,
pero muchos otros han caído en el
olvido o nunca han sido identificados.

■ FIGURA 3.11
John Frederick Peto. El viejo violín. c. 1890. Óleo
sobre lienzo. 77,2 × 58,1 cm (303 ⁄8 × 227 ⁄8"). ➤ 4
National Gallery of Art, Washington, D.C.
Naturalezas muertas. Pintar una
Donación de la Fundación Avalon.
naturaleza muerta, una disposición de
objetos inanimados como alimentos,
plantas, ollas y sartenes, ha atraído a
muchos artistas. Uno de ellos, el
estadounidense John Frederick
Peto (pee-toh), encantado de presentar
objetos de aspecto auténtico dispuestos
en espacios poco profundos. El violín
era uno de sus temas favoritos porque
admiraba la belleza de su forma y
porque le daba la oportunidad de rendir
homenaje a otra forma de arte que
admiraba y practicaba: la música. Los
cuadros de Peto nos recuerdan la belleza
de las cosas sencillas de la vida, las que
podríamos considerar anticuadas o
insignificantes.

➤
5
Temas históricos. En otros tiempos,
los cuadros históricos se consideraban
la forma más elevada de pintura. A
menudo adoptan la forma de cuadros
dinámicos y llenos de colorido que
representan a gallardos
líderes militares enzarzados en batallas épicas.
Aunque puede carecer de la f u e r z a
dinámica de otros cuadros históricos, la
pintura de John Trumbull La
Declaración
de la Independencia no es menos
importante ni conmovedor. De las 48
figuras incluidas en la obra, 36 fueron
pintadas a partir de la vida real.
Mostradas en un momento de calma, sus
■ FIGURA 3.12 John Trumbull. Declaración de Independencia, 4 de julio de 1776.
rostros revelan el significado de sus
1786. Óleo sobre lienzo. 53,6 × 79 cm (211 ⁄8 × 311 ⁄8"). Galería de Arte de la Universidad de Yale,
acciones.
New Haven, Connecticut. Copyright Galería de Arte de la Universidad de Yale.

055
 Medios y herramientas larga y flexible. Algunos artistas utilizan
también una espátula para extender la pintura.
de la pintura
Este método de pintura da como resultado
Es evidente que los artistas pueden recurrir a
pinceladas ásperas y gruesas que pueden añadir
un gran número de fuentes para obtener ideas.
riqueza a la textura de sus cuadros.
También disponen de una gran variedad de medios
y herramientas para expresar sus ideas de forma
visual. Se pueden utilizar varios tipos de pintura Utilización de medios y
para conseguir diferentes resultados. Todas se
componen de tres ingredientes básicos: pigmento, procesos
aglutinante y disolvente. Tus propios esfuerzos en la creación de formas
El pigmento es el polvo finamente molido artísticas bidimensionales dependen en gran medida
que da color a la pintura. Algunos pigmentos se de lo que aprendas sobre los medios y procesos
producen mediante procesos químicos; otros, presentados en este capítulo. Sin embargo, tan
moliendo algún tipo de tierra, piedra o mineral. El importante como conocer los medios y los
aglutinante es un líquido que mantiene unidos los procesos es saber qué hacer con lo que sabes. El
granos de pigmento en una forma que puede arte te ofrece la oportunidad -y el reto- de tomar
extenderse sobre una superficie, donde se deja decisiones personales en cada fase del proceso
secar. Algunas pinturas al temple utilizan la clara creativo.
de huevo como aglutinante. (Véase la Figura 24.20, Muchas de estas elecciones tienen que ver
página 558.) La encáustica utiliza cera derretida. con los medios y los procesos que utilizas. Para
La pintura al óleo utiliza aceite de linaza. La expresar tus pensamientos, sentimientos e ideas
acuarela utiliza una mezcla de agua y goma de la manera más eficaz, tienes que tomar estas
arábiga. Un medio de pintura relativamente decisiones con cuidado y reflexión. Siempre que
nuevo, conocido popularmente como acrílico, puedas, tómate tu tiempo para experimentar con
utiliza polímero acrílico como aglutinante. El medios y procesos artísticos. Tus experimentos
disolvente es el material utilizado para diluir el te ayudarán a aprender a utilizarlos para
aglutinante. expresar tus ideas de forma única y estimulante.
Los pinceles son, con diferencia, las
herramientas preferidas de los pintores. Las hay
de diversas formas y tamaños: puntiagudas o
planas, cortas y rígidas, o

REPASO DE LA PRIMERA
LECCIÓN
Repasar los hechos artísticos
El arte en tu mundo Los temas que los artistas utilizan para
1. Identificar Nombra al menos tres medios
sus obras nos rodean por todas partes. A lo largo de la historia,
secos utilizados en el dibujo.
los artistas han dejado constancia de las épocas en las que
2. Recordar ¿Qué tipos de temas
vivieron. Estudia los diferentes temas que aparecen en el texto.
representan los artistas en sus
Localiza ejemplos de estos temas en tu entorno inmediato.
obras?
3. Definir ¿Qué es un bodegón? Actividad Crea una serie de cinco bocetos en miniatura del entorno
4. Explique ¿Cuáles son los tres que te rodea en los que utilices el tema que has identificado.
ingredientes básicos de la pintura? Escribe una breve explicación para cada uno de ellos. Prepárate
para compartir y evaluar tus explicaciones con la clase.

056
 SEGUNDA LECCIÓN

Grabado, Fotografía,
Vídeo y medios digitales
Vocabulario
■ impresión en relieve ■ serigrafía P a pintura, la fotografía, el vídeo y los medios digitales se diferencian de
otros medios y procesos artísticos en dos aspectos. En primer lugar
■ calcografía Serigrafía implican la creación de una imagen a través de un proceso indirecto. En
■ buril ■ fotografía segundo lugar, ofrecen al artista la oportunidad de crear múltiples imágenes. En
■ litografía Medios digitales el grabado, el artista lo hace transfiriendo repetidamente un diseño original de
una superficie preparada a otras superficies. El grabador maneja el papel y puede
Descubra "dibujar" directamente sobre el grabado.
Después de completar esta En fotografía, las imágenes se registran como luz en fotogramas de película o se
lección, serás capaz de: graban digitalmente. Estas imágenes pueden reproducirse con fines específicos. Uno
■ Describa los cuatro métodos de estos propósitos es retratar personas, objetos y acontecimientos con precisión en
básicos de impresión.
periódicos, libros y revistas. Otro propósito -el que aprenderás en este capítulo- es el
■ Explique qué es la fotografía y
hable de la fotografía como uso de la fotografía como forma de arte.
forma de arte. El vídeo también se utiliza como medio artístico. Con la ayuda de la
■ Reconocer los avances del vídeo y tecnología informática, los artistas pueden modificar y editar lo que han grabado
los medios digitales en el mundo en una cinta de vídeo. Los artistas pueden capturar una secuencia narrativa de
del arte. acontecimientos u otras imágenes en una cinta de vídeo.
Los resultados pueden revisarse inmediatamente.
El uso del ordenador en la creación artística permite a los
artistas una gran flexibilidad. Al utilizar un ordenador, las
imágenes y objetos imaginarios creados por los artistas se
almacenan en la memoria del ordenador de forma
electrónica. Con el ordenador, los artistas pueden
manipular, transferir y reproducir fácilmente estas imágenes
de diversas maneras. Existen programas informáticos que
permiten a los artistas utilizar el ordenador como
herramienta y medio artístico.

Grabado
La impresión tiene una larga historia. Los artistas chinos ya
imprimían con bloques de madera tallada hace más de 1.000
años. Al principio, el proceso se utilizaba para crear diseños
repetidos sobre textiles. Más tarde se aplicó también al
papel.
El grabado no se desarrolló en Europa hasta el siglo XV,
para satisfacer la creciente demanda de estampas religiosas y
naipes baratos. Más tarde se utilizó para ilustrar libros.
con tipos móviles (figura 3.13). Este proceso de impresión,
■ FIGURA 3.13 Se dice que las obras de este artista inventado por un impresor alemán llamado Johannes
son tan importantes para la historia de las ciencias
naturales como que Gutenberg, permitió imprimir diferentes páginas de un libro
a la historia del arte. ¿Por qué cree que puede ser así?
utilizando una y otra vez el mismo tipo metálico.
Maria Sibylla Merian. Der Raupen Wunderbare Verwandelung und Sonderbare Con el tiempo, los artistas empezaron a reconocer el
Blumen-Nahrung (La milagrosa transformación y la insólita alimentación floral de valor del grabado aplicado a la producción de bellas artes.
las orugas). Nuremberg: Johann Andreas Graffen.
Esto dio lugar a una variedad de procesos de grabado, que van
Fráncfort y Leipzig: David Funken y Adreas Knortzen, 1679 -1683. Colección
especial-Universidad de Wisconsin, Madison. desde

057
 relativamente sencillos a bastante complicados.
Los cuatro métodos básicos de grabado son el
relieve, la calcografía, la litografía y la
serigrafía.

Impresión en relieve
En la impresión en relieve, la imagen
que se va a imprimir se levanta del fondo.
Este método requiere que el artista corte las
secciones de una superficie que no está
destinada a contener tinta. La parte que queda
en relieve se cubre con tinta y se convierte en
la superficie de impresión. Sobre ella se
coloca el papel, se aplica la presión y la tinta
se transfiere al papel.
La impresión con bloques de madera
tallada se originó en China y se extendió a
Japón, donde, en el siglo XVII, se convirtió
en una forma artística muy desarrollada. Al
principio, los grabados asiáticos consistían
en trazos entintados que se rellenaban con
color a mano. Más tarde, se crearon bloques
separados para cada color de un diseño. Cada
bloque se entintaba, se alineaba
cuidadosamente en el papel y se imprimía
para producir un diseño con múltiples y ricos
colores (figura 3.14).

Calcografía
Un proceso de impresión que es
exactamente el inverso de la impresión en
relieve es la calcografía. El nombre viene de la
palabra italiana que significa "cortar en". La
calcografía es un proceso en el que se fuerza a la
tinta a rellenar líneas cortadas en una superficie
■ FIGURA 3.14 ¿Te has fijado en las figuras humanas de esta obra? ¿Por metálica. Las líneas de un diseño se crean por
qué crees que el artista minimizó la importancia de las figuras?
uno de estos dos métodos: aguafuerte o grabado.
Katsushika Hokusai. La cascada de Ono en la carretera de Kiso Koido de "Famosas cascadas en En el grabado, una plancha de cobre o zinc
varias provincias". Japonés, periodo Edo, 1833. Grabado en madera (oban), en y color sobre papel.
37,0 × 25,1 cm (141 ⁄2 × 97 ⁄8 "). Galería de Arte Freer, Institución Smithsonian, Washington,
se cubre primero con una capa hecha de una
D.C. Donación de la familia de Eugene y Agnes E. Meyer, F1974.72. mezcla de cera de abeja, asfalto y resina. El
artista utiliza una aguja fina para dibujar una
imagen a través de esta capa protectora. A
continuación, la plancha se sumerge en ácido,
que muerde -o graba- las líneas de la imagen
en el metal donde se ha eliminado el fondo. A
Explora más técnicas y procesos
utilizados en el grabado, la fotografía y continuación, se retira el esmerilado restante y
una variedad de medios en Enlaces se entinta la plancha. Se limpia la superficie
Web en [Link]. no grabada y se presiona papel húmedo sobre
la plancha.

058
 ■ FIGURA 3.15 Observe la
perspectiva inusual de este grabado.
Describa
los sentimientos o el estado de ánimo
que transmite esta obra.

Edward Hopper. Sombras nocturnas. 1921. Aguafuerte.

17,6 × 21 cm (615 ⁄16 × 81 ⁄4"). Arte McNay
Museum, San Antonio, Texas. Regalo de los
Amigos del McNay.

con una prensa. Esto fuerza al papel a entrar en las

ranuras entintadas, transfiriendo la imagen
(Figura 3.15).
En el grabado, las líneas se cortan
directamente en la placa de metal con un buril o
herramienta de grabado. Las líneas realizadas de
este modo son más pronunciadas y claras (Figura
3.15) que las finas líneas producidas por el
proceso de aguafuerte.
Una vez realizadas las impresiones, se notan
las líneas de tinta en relieve.

Litografía
Otro proceso de impresión se basa en el
principio de que la grasa y el agua no se
mezclan. La litografía es un método de grabado
en el que la imagen que se va a imprimir se
dibuja sobre piedra caliza, zinc o aluminio con
un lápiz graso especial. Una vez terminado el dibujo,
se trata químicamente con una solución de ácido
nítrico. Esto hace que las secciones que no han
sido dibujadas sean resistentes a la tinta de
impresión.
La superficie se humedece con agua y luego se ■ FIGURA 3.16 El grabado de Durero muestra al gran
erudito Erasmo, que dominó la vida intelectual en
entinta. La tinta de impresión grasa se adhiere a
Europa en el siglo XVI. ¿Cómo se comparan las líneas de
las zonas crayonadas igualmente grasas, pero es este grabado con las del aguafuerte de la figura 3.15?
repelida por las zonas húmedas y en blanco. Por
último, se cubre la superficie con papel y se pasa Albrecht Duerer. Erasmo de Rotterdam. 1526. Grabado. Foto Marburg. Art
Resource, Nueva York.
por una prensa para transferir la imagen.

059
 Entre los muchos artistas que se sintieron
atraídos por los métodos de dibujo directo de la
Fotografía
litografía se encontraba el pintor mexicano José Las fotografías aparecen por todas partes: en
Clemente Orozco. Utilizó este método de periódicos, revistas, libros e Internet. De hecho, su
impresión para crear la impactante imagen de un popularidad puede ser una de las principales razones
monje y un indio hambriento que se ve en la por las que la fotografía ha tenido dificultades
figura 3.17. para ser aceptada como una forma de arte seria.
Al fin y al cabo, cualquiera puede apuntar con
Serigrafía una cámara, disparar el obturador y obtener una
imagen bastante precisa. Sin embargo, esta simple
La serigrafía es un proceso de impresión más
descripción no tiene en cuenta los numerosos
reciente. En la serigrafía, la pintura se aplica a
retos que debe afrontar un fotógrafo serio. Entre
través de una pantalla sobre papel o tela. Esta
ellas se incluyen las decisiones relativas al sujeto,
técnica utiliza una plantilla colocada sobre una
las condiciones de luz y el punto de vista, así
pantalla de seda o tela sintética tensada sobre un
como el trabajo creativo realizado por el
bastidor. La pantalla se coloca sobre la superficie
fotógrafo en el revelado y la impresión. Otras
de impresión y se utiliza una rasqueta para hacer
decisiones, que se toman antes de tomar una sola
pasar la tinta a través del tejido poroso en las
fotografía, tienen que ver con el tipo de cámara,
zonas no cubiertas por la plantilla. Si se necesita
película y objetivo que se va a utilizar.
más de un color, se hace una pantalla distinta para
La fotografía es una técnica de captura de
cada color. Una serigrafía es una impresión
imágenes ópticas en superficies sensibles a la luz.
hecha a mano por un artista (figura 3.18).
Los mejores fotógrafos utilizan esta técnica para
crear una forma de arte lo suficientemente
poderosa como para enseñar a otros a ver, sentir y
recordar. Alfred Stieglitz (steeg-litz) utilizó su
talento y su cámara para situar a los
espectadores en un puente sobre un canal de
Venecia. Allí comparten con el artista un momento
breve y mágico en el tiempo (figura 3.1D).

■ FIGURA 3.17 Estas dos figuras se han dispuesto

para que encajen cómodamente en el arco general
forma de la composición. En su opinión, ¿qué ■ FIGURA 3.18 Esta obra utiliza el equilibrio simétrico. ¿Qué problema
diferencias habría habido entre esta obra y un debe superar el artista cuando utiliza este tipo de equilibrio?
cuadro? ¿Cómo ha logrado este artista superar ese problema?

José Clemente Orozco. El franciscano y el indio. 1926.

Litografía. 31,4 × 26,3 cm (123 ⁄8 × 103 ⁄8"). Museo de Arte McNay, Erté. Hermanas gemelas. 1982. Grabado (serigrafía). 86,4 × 124,5 cm (34 × 29"). © 1998
San Antonio, Texas. Fondo Margaret Bosshardt Pace. © Estate of José Sevenarts Ltd. Cedida por Chalk & Vermilion Fine Arts, Greenwich, Connecticut. 2004
Clemente Orozco/Licensed by VAGA, Nueva York, Nueva York. Artists Rights Society (ARS), Nueva York/DACS, Londres.

060
 Obras como ésta inspiraron a ■ FIGURA 3.19 El
otros artistas, entre ellos Ansel fotógrafo evitado
Adams. Stieglitz, viejo y con mala los ajetreados centros
turísticos de Venecia y
salud, instó a Adams a que
captó esta tranquila
continuara donde Stieglitz se había escena en una película.
visto obligado a dejarlo. Adams ¿Cómo consigue esta
respondió con miles de fotografías obra atraer la mirada
que marcaron una carrera de casi del espectador?
medio siglo. Fotografió escenas que Alfred Stieglitz. Reflection-
iban desde la inquietante quietud de Venice. c. 1897. Fotograbado.
la salida de la luna en Nuevo México 17,8 × 12,3 cm (7 × 47 ⁄8 ").
Instituto de Arte de Chicago,
hasta la majestuosidad del pico más Chicago, Illinois. Donación de Daniel,
alto de Norteamérica (figura 3.20). Richard y Jonathan Logan, 1984.
1621. © 2004 The
Fundación Georgia

Vídeo y medios O'Keeffe/Sociedad de Derechos

de los Artistas (ARS), Nueva

digitales York.

El desarrollo de las tecnologías de

vídeo e informática ha ampliado la
capacidad creativa de los artistas. Estas
dos innovaciones han aumentado la
capacidad de los artistas para generar
múltiples versiones de imágenes,
integrar imágenes con otros medios
y procesos artísticos y reproducir
imágenes de muchas maneras.

Tecnología de vídeo
En la tecnología del vídeo, los
artistas utilizan una cámara de vídeo
cargada con un casete de cinta de
vídeo para grabar imágenes. Los
patrones de los haces de luz del
sujeto o los objetos que se graban se
traducen en ondas eléctricas que se
imprimen magnéticamente en la
cinta de vídeo. Los artistas pueden
utilizar un magnetoscopio para
reproducir inmediatamente la cinta.
Desde su desarrollo en la primera
mitad del siglo XX, la tecnología de
vídeo se ha utilizado con profusión
en la industria de la televisión
cinematográfica. Se transmiten
directamente a los telespectadores
reportajes de entretenimiento y
noticias grabados en un estudio de
radiodifusión o en directo en la calle ■ FIGURA 3.20 Adams es quizá el fotógrafo más conocido del siglo XX.
Se formó como concertista de piano y se dedicó a la fotografía.
y otros lugares. en 1930. ¿En qué se diferencia el estado de ánimo o el sentimiento
expresado en esta obra del expresado en la figura 3.19?

Ansel Adams. Mt. Mckinley y Wonder Lake, Parque Nacional de Denali, Alaska. 1948. Impreso: 1980.
Gelatina de plata. Trustees of the Ansel Adams Publishing Rights Trust Collection Center for Creative
Photography, The University of Arizona.

061
■ FIGURA 3.21 Este Medios digitales
artista afirmó que el
El desarrollo de la tecnología informática y
tubo de televisión
sustituiría algún día al de los medios digitales asociados a ella
lienzo en el arte. representa una de las fronteras más apasionantes
¿Qué significado le para los artistas. Los medios digitales son
atribuye al hecho de cualquier tipo de material que pueda ser
que el artista coloque
los televisores en procesado por un ordenador.
forma de catedral? Los ordenadores transforman y leen texto e
imágenes como información traducida en
Nam June Paik. Tecnología.
dígitos, las combinaciones de cadenas de 1 y 0
1991. 25 monitores de vídeo,
3 reproductores de discos láser, que representan los interruptores electrónicos de
en armario de acero y madera "encendido" y "apagado" de un sistema
contrachapada con
informático. Por tanto, cualquier tipo de material
revestimiento de aluminio y
detalles de cobre, bronce, que pueda ser utilizado, procesado y trans-
plástico y otros materiales. formado por un sistema informático se denomina
Aprox. 3,6 × 1,4 × 1,3 m
soporte digital. En realidad, las imágenes se
(11 × 4 × 4"). Nacional
Museo de Arte Americano del almacenan en la memoria del ordenador en forma
Smithsonian, Washington, electrónica y los artistas pueden utilizar
D.C.
programas informáticos para transformar estas
imágenes de diversas maneras (Figura 3.22).
Los artistas son capaces de construir capas de
vídeo o imágenes. Los efectos especiales de las
películas actuales suelen crearse mediante este
proceso. Los medios impresos actuales hacen lo
mismo, pero en dos dimensiones. Muchas de las
imágenes que ves se han construido a partir de
distintas imágenes: fotos, dibujos e infografías.
Los programas tridimensionales permiten a los
artistas crear imágenes en la memoria del ordenador
Las cámaras de vídeo fueron utilizadas que parecen tener tres dimensiones. Los objetos y el
artísticamente por primera vez en la década de espacio se crean mediante una serie de instrucciones
1960 por Nam June Paik, uno de los primeros matemáticas que se asemejan a las técnicas que
videoartistas de América (Figura 3.21). utilizan los artistas en la perspectiva lineal. Mientras
que podemos movernos alrededor de una escultura
El arte del vídeo para contemplarla desde distintos puntos de vista, un
¿Qué ventajas encuentran los artistas en el uso programa tridimensional ofrece la misma oportunidad
de la tecnología de vídeo? La tecnología de vídeo al presentar varias vistas de un objeto en la pantalla
ofrece la emoción de grabar acontecimientos en del monitor. Los programas de animación por
directo. Las cámaras de vídeo pueden captar ordenador permiten a los artistas animar o mover
imágenes, sonidos y la dinámica del movimiento. sus imágenes bidimensionales o tridimensionales.
Los artistas interesados en explorar la narrativa Los artistas pueden utilizar una tableta gráfica
pueden utilizar la tecnología de vídeo como con un lápiz óptico, o un ratón conectado al
medio artístico para contar sus historias como un ordenador, del mismo modo que utilizarían un
flujo continuo de imágenes y sonidos. Además, al lápiz o un pincel. Los movimientos del brazo del
integrar la tecnología de vídeo con la informática, artista al dibujar con estas herramientas se
los artistas pueden importar, alterar y editar sus traducen en trazos de luz electrónica en la
propias imágenes utilizando imágenes y sonidos pantalla del ordenador. El texto, las imágenes y
de otras fuentes. Esto les permite crear muchos de el sonido también pueden introducirse en un
los efectos especiales de las películas sistema informático utilizando diversos
cinematográficas, sin necesidad de costosos dispositivos, como cámaras, escáneres y equipos
equipos. de audio y vídeo.
Siempre que los artistas utilizan las capacidades de
un ordenador para diseñar y combinar texto,
gráficos y vídeo,

062
y sonido en una obra de arte, se denomina
producción artística multimedia.

El arte de los medios digitales

El ordenador es una herramienta y un
medio extraordinariamente versátil para los
artistas. Los artistas pueden ampliar sus
capacidades para resolver problemas
creativos.
El ordenador puede generar una serie de
opciones y soluciones, entre las que se
incluyen las siguientes:
• Eficacia del tiempo en tareas repetitivas.
• Comprobación visual de los colores más
adecuados para un cuadro antes de
pintarlo.
• Guardar una o varias etapas de la imagen
a medida que se desarrolla para futuras
consultas.
• Alteración de elementos y principios
artísticos.
• Ampliar o reducir el tamaño de las
imágenes.
• Animar imágenes para que se muevan en
el tiempo.
• Escanear e introducir imágenes de
otras fuentes para combinarlas con las
■ FIGURA 3.22 Esta imagen se creó importando fotos a un ordenador.
¿Cómo se relaciona el sujeto de todas las fotos pequeñas con la imagen
propias. grande?
de dos trabajadores?
• Distorsionar imágenes para crear
efectos inusuales.
• Reproducción de las imágenes en Robert Silvers. Basado en la obra de Diego Rivera El portador de flores, 1935, de la
colección del Museo de Arte Moderno de San Francisco. Fotomosaico (TM) 1997.
otros soportes artísticos.

REPASO DE LA SEGUNDA
LECCIÓN
Repasar los hechos artísticos
Uso de la tecnología Las múltiples formas de la fotografía
1. Explique ¿Cuál es la diferencia entre
moderna nos permiten ver y manipular imágenes de maneras
los dos procedimientos calcográficos: el
nuevas y emocionantes. Trabajar con imágenes digitales en un
aguafuerte y el grabado?
ordenador proporciona al artista otra forma de alterar las
2. Recordar Explicar la importancia del
imágenes.
principio de que la grasa y el agua no se
mezclan para el proceso de litografía. Actividad Utilizando una cámara digital, toma una serie de
3. Identifique Enumere cinco fotografías tanto en exteriores como en interiores. Las fotografías
preocupaciones de un fotógrafo seriéfilo. deben mostrar buenos ejemplos de los elementos y principios que se
4. Describe Enumera algunas de las encuentran tanto en los objetos naturales como en los fabricados
opciones que un ordenador puede por el hombre. Utilizando un programa informático de imágenes,
presentar a un artista. experimenta creando un "collage digital". Imprime tu trabajo y
comenta las imágenes con tu clase identificando los elementos y
principios que has utilizado en tu trabajo.

063
 LECCIÓN TRES

Escultura
Vocabulario lo largo de la historia, los artistas de todas las culturas y sociedades han
■
■
bajorrelieve
alto relieve T creado algún tipo de escultura. Las obras que han creado son muy
variadas
■ escultura circular tamaños y formas, se fabrican con todo tipo de materiales y procesos, y satisfacen
■ modelado fines muy diversos.
■ talla
■ fundición
■ montaje Calidad única de la escultura
■ arte cinético Como forma de arte, la escultura difiere de la pintura en que existe en el espacio.
Se puede ver, tocar y, a menudo, contemplar desde todos los ángulos. La pintura
Descubra puede sugerir en una superficie plana la ilusión de espacio, pero la escultura se
Después de completar esta ocupa del espacio real. Un escultor se propone llenar el espacio con formas
lección, serás capaz de:
originales y visualmente atractivas. Estas formas pueden hacerse eco de la
■ Identificar los materiales y
herramientas utilizados en realidad, expresar emociones fuertes o comunicar ideas.
escultura.
■ Nombra y describe las cuatro
técnicas principales utilizadas
para crear esculturas.

■ FIGURA 3.23 Aunque se utiliza un relieve ■ FIGURA 3.24 Aquí se utiliza un relieve
muy bajo y plano, las figuras parecen existir en el excepcionalmente alto, que hace que partes de la
espacio. escultura sobresalgan
¿Tienen estas figuras un aspecto real? En caso hacia el espacio. ¿Cree que la adición de color
afirmativo, ¿qué les da ese aspecto? realza esta obra?

Seguidor de Donatello. Virgen con el Niño dentro de un arco. Andrea della Robbia. Virgen con el Niño. c. 1470-75. Terracota
Mediados del siglo XV. Bronce dorado. 20 × 15 cm (8 × vidriada. 95 × 55 cm (373 ⁄8 × 215 ⁄8"). Museo Metropolitano de
6"). National Gallery of Art, Washington, D.C. Colección Arte de Nueva York. Donación de la Fundación Edith y Herbert
Samuel H. Kress. Lehman, 1969. (69-113).

064
Escultura en relieve ■ FIGURA 3.25
Los espectadores ven esto
No todas las esculturas pueden verse desde
enorme figura
todos los ángulos. Las esculturas en relieve, emergiendo de
por ejemplo, se parecen en algunos aspectos a las sombras de
las pinturas. Sus formas tridimensionales se un templo
adhieren a oscurecido. Por
qué
una superficie plana. Al igual que las ¿está claro que
pinturas, estas obras están diseñadas para ser esta figura está
vistas de frente. En bajo relieve, o pensada para
bajorrelieve, las formas esculpidas ser vista sólo de
frente, aunque
sobresalen sólo ligeramente del fondo (figura
sea un ejemplo
3.23). En altorrelieve, las formas de escultura en
escultóricas se extienden audazmente en el bulto redondo?
espacio (figura 3.24).
Buda sentado de Wat
Phanan Choeng.
Escultura redonda Ayutthaya, Tailandia.
c. 14th siglo.
Por escultura en bulto redondo se entiende
cualquier obra exenta rodeada de espacio por todos
lados. Sin embargo, no todas las esculturas exentas
están pensadas para verse desde todos los lados.
Muchas están diseñadas para ser vistas sólo de
frente, como un cuadro o una escultura en
relieve. Un ejemplo de este tipo de obras es la
impresionante imagen de Buda de la figura
3.25. Imagine por un momento que se encuentra
con esta estatua dorada en un templo a oscuras.
Se daría cuenta inmediatamente de que la figura
del líder religioso sentado mira fijamente hacia
delante. Su presencia
en modo alguno perturba su tranquila
meditación, y te encuentras adoptando una
posición directamente frente a él. Allí, como
pretendía el artista, experimentas el impacto total
del Buda que se eleva sobre ti.
En cambio, la cabeza de la figura 3.25,
delicadamente colocada, invita al espectador a
examinarla desde todos los ángulos. Las formas,
muy pulidas y simplificadas, fluyen unas hacia
otras, girando en espiral alrededor de la figura y
tentando al espectador a seguirla.

■ FIGURA 3.26 El artista puede

Materiales y haber llegado al diseño en espiral
para
esta obra tras estudiar la pose de
herramientas para una bailarina. ¿Crees que consiguió
dar a su escultura una sensación
escultura de movimiento? Explica tus ideas.
Póngase en la situación de un artista que se Constantin Brancusi. Mlle Pogany (Margen
dispone a transformar una idea en una forma Pogany). (Versión 1, 1913, a partir de un
tridimensional. Antes de empezar, hay que mármol de 1912). Bronce. 43,8 × 21,5 ×
31,7 cm
responder a una serie de preguntas importantes. (171 ⁄4 × 81 ⁄2 × 121 ⁄2 "). Museo de Arte Moderno
Por ejemplo, ¿qué material va a utilizar: arcilla, de Nueva York, Nueva York. Adquirido
madera, piedra, metal? ¿Qué herramientas y gracias al legado de Lillie P. Bliss.

procesos son los más adecuados para el material

elegido?

065
 Las respuestas a este tipo de preguntas
determinarán el aspecto final de la escultura.
Procesos de escultura
Observa de nuevo la escultura ilustrada en la Los artistas utilizan diversos procesos o
Figura 3.26, página 67. Trata de imaginar cómo técnicas para crear esculturas a partir de los
sería esta obra si estuviera hecha de arcilla, materiales que eligen. Estos procesos incluyen
madera o mármol en lugar de bronce. En lugar de el modelado, la talla, el vaciado y el
una obra con una superficie lisa y brillante, ensamblaje.
imagina esta escultura como una pieza de arcilla
con las huellas de los dedos del escultor, o una Modelado
talla de madera tosca. ¿Sería diferente su aspecto El modelado es un proceso en el que se
-y su impacto en el espectador- si hubiera sido construye un material blando y flexible y se le
tallada en un mármol de color claro? da forma escultórica. El artista utiliza un
El artista Constantin Brancusi creó tres material como la arcilla, la cera o el yeso. Dado
versiones en mármol y nueve en bronce de esta que el escultor añade gradualmente más y más
escultura a lo largo de 19 años. material para construir una forma
Tómese un momento para comparar una esculpida tridimensional, el modelado se denomina proceso
en mármol (figura 3.27) con la versión fundida en aditivo.
bronce. ¿Ha reaccionado de la misma manera ante
ambas obras? ¿Cuál de las dos versiones te parece
más atractiva?
Está claro que la elección de los materiales es
importante tanto para el escultor como para el
espectador. Los escultores eligen un material
determinado por lo que pueden hacer con él y
por lo que puede aportar a la obra acabada.

■ FIGURA 3.27 El
artista talló esta versión
de su escultura en mármol.
¿Cuáles son las
diferencias más
significativas entre esta
escultura en mármol y la
obra en bronce (figura
3.26)?
¿Qué prefiere?

Constantin Brancusi. Mlle Pogany.

1913. Mármol blanco.
44,5 × 15,2 cm (171 ⁄2 × 6 ").
Museo de Arte de Filadelfia,
Filadelfia, Pensilvania. Cedida por
la Sra. Rodolphe Meyer de
Schauensee. ©2004 Artists Rights
Society (ARS), Nueva York/
ADAGP, París.

■ FIGURA 3.28 El escultor ignoró los detalles en

favor de la creación de una figura que parece
moverse
en el espacio. Por qué cree que la arcilla fue una buena
elección de material para esta obra?

Gianlorenzo Bernini. Ángel con la Superscripción. 1667-69.

Terracota con restos de dorado. 30,2 cm (117 ⁄8"). Museo de Arte
Kimbell, Fort Worth, Texas. ©2004 Artists Rights Society (ARS),
Nueva York/ADAGP, París.

066
 Hace más de 200 años, el escultor italiano
Gianlorenzo Bernini (jee-ahn-loh-ren-zoh bair- nee-
nee) hizo un excelente uso del proceso de modelado
para crear la figura de arcilla de un ángel que
aparece en la figura 3.28. Se trata de una de
varias figuras pequeñas creadas como modelos
para diez estatuas de mármol de tamaño natural
destinadas a decorar un puente en Roma. Se trata
de una de las pequeñas figuras creadas como
modelo para diez estatuas de mármol de tamaño
natural destinadas a decorar un puente en Roma.
Trabajando en arcilla, Bernini formó la figura
rápidamente, intentando captar la sensación de
■ FIGURA 3.29 Pan, el dios mitológico de los bosques y los pastos,
movimiento. Obsérvese cómo el cuerpo gira en el suele aparecer con torso humano y patas y cuernos de cabra.
espacio, haciendo que sus vestiduras se arremolinen. ¿Cómo ha utilizado el artista la textura para añadir interés a la obra?
Obsérvese también cómo un rico patrón de luces y
Giovanni Angelo Montorsoli. Pan reclinado. c. 1535. Mármol. 63,9 × 134,6 cm (253
sombras parece dar energía a la figura. ⁄16 × 53"). Museo de Arte de San Luis, San Luis, Misuri. Adquirido.

Talla
Tallar es cortar o astillar una forma a partir de
una masa determinada de material para crear una
escultura.
A diferencia del modelado, que es una técnica aditiva,
la talla es sustractiva. El material se retira hasta que
la escultura queda completamente expuesta.
La talla en piedra es un proceso que ha cambiado
poco a lo largo de los siglos. De hecho, incluso las
herramientas siguen siendo esencialmente las
mismas hoy que en la antigüedad. Los talladores de
piedra modernos tienen la ventaja de contar con
herramientas eléctricas que pueden cortar el material
sobrante y pulir las obras acabadas. Esto acelera el
proceso de talla, pero no reduce sus dificultades. A
pesar de su dureza, la piedra puede romperse,
dejando al artista con poco más que los trozos rotos
de un sueño que mostrar durante horas.
de trabajo duro.
Cada tipo de piedra tiene su propio carácter, y los
artistas deben tenerlo en cuenta a la hora de decidir
cuál elegir para sus esculturas. A menudo se elige el
mármol porque ofrece una gran variedad de colores y
vetas interesantes. También puede pulirse hasta
obtener una superficie similar al vidrio, o dejarse en
bruto y con una textura muy marcada. Una figura
mitológica esculpida en mármol por un alumno de
Miguel Ángel ilustra la variedad de texturas posibles
con este material (figura 3.2D).
También se pueden realizar diferentes superficies ■ FIGURA 3.30 Cuando se talló esta obra, era costumbre pintar las
texturadas en otro material favorito para esculturas: la esculturas de madera. Este artista, sin embargo, optó por dejar su
obra sin colorear. ¿Cómo contribuye el material tallado al atractivo
madera. Durante miles de años, los tallistas han
visual de esta escultura?
recurrido a este medio por su calidez, color y
veteado. Una obra de la Alemania del siglo XV Hans Tilman Riemenschneider. Tres hombres santos. c. 1494. Lindenwood. 53,3 × 33 cm (21
muestra lo que un hábil tallista puede lograr con este × 13"). Würzburg, Alemania. Museo Metropolitano de Arte de Nueva York,
Nueva York. The Cloisters Collection, 1961. (61.86).
versátil material (figura 3.30).

067
 Fundición
En la fundición, se vierte un metal fundido u
otra sustancia líquida en un molde para que se
endurezca. Este método permite al artista duplicar
una escultura original realizada en cera, arcilla,
yeso u otro material. Esta técnica se practica hoy
en día como se ha hecho durante cientos de años.
Conocido como el proceso de cera perdida, fue
utilizado hace más de mil años por un desconocido
artista indio para crear la grácil figura de un dios
hindú que se ve en la figura 3.31.
Este complejo procedimiento de fundición
implicaba muchos pasos. Primero se creaba un
modelo de arcilla. A continuación, se aplicaba
yeso (o gelatina) al modelo por secciones. En la
superficie interior de cada sección de yeso se
aplicaba una capa de cera fundida. El grosor de
esta capa de cera determinaba el grosor de las
paredes de bronce de la escultura hueca
terminada. Las secciones de yeso revestidas de
cera se volvieron a ensamblar y se rellenaron con
un núcleo sólido de material ignífugo. Finalmente,
la capa de cera y el núcleo se envolvieron en una
mezcla ignífuga de yeso y sílice. Así se creaba un
molde ignífugo conocido como revestimiento. La
capa de cera se fundía, se vaciaba y se sustituía por
metal fundido que se vertía en la cavidad creada
por la "cera perdida".
La fundición ofrece varias ventajas al escultor,
como la oportunidad de trabajar con un medio
blando y flexible para crear la escultura original. Al
fundir el retrato de arcilla en bronce, el artista puede
mantener la textura de la superficie de la arcilla.
Además, el artista podía hacer varias versiones de la
obra.

Montaje
En el proceso de ensamblaje, el artista reúne y
une diversos materiales para construir una obra
de arte tridimensional. A diferencia de otros
procesos escultóricos, el ensamblaje es una
técnica moderna. Marisol optó por utilizar
madera, yeso y otros materiales comunes para
■ FIGURA 3.31 Las anillas situadas en las cuatro esquinas de la base construir una divertida escultura que se burla de
pueden haber sostenido varas utilizadas para transportar esta imagen en los héroes militares (figura 3.32).
procesiones ceremoniales. Qué
ventajas que aporta al artista el proceso de fundición de metales?

Indio. Vishnu de pie. Tamil Nadu. Dinastía Chola, siglo 10th . Museo Metropolitano de Arte,
Nueva York, Nueva York. Adquisición: John D. Rockefeller, tercera donación, 1962 (62.265).

068
Humor en
A rt
Esta escultura supone una ruptura notable con las estatuas del
pasado, que mostraban a grandes líderes militares
avanzando audazmente a la batalla en sus poderosos corceles.

1
➤
Marisol pinta el serio y digni-
Los rostros de sus "héroes" se dibujan
en bloques de madera que hacen las
veces de cabezas.

2
➤
Su poderoso corcel no es más que
que un barril montado sobre patas que
antes formaban parte de una mesa
normal.

3 ➤
Presentados así, los héroes
parecer ridículos, objeto de humor o
de abucheos más que de vítores.
■ FIGURA 3.32
Marisol. Los Generales. 1961- 62. Madera y técnica mixta. 221 × 72,4 × 193 cm (87 ×
281 ⁄2 × 76"). Albright-Knox Art Gallery, Búfalo, Nueva York. Donación de
Seymour H. Knox, 1962. © Marisol Escobar/Licencia de VAGA, Nueva York,
Nueva York.

Otro tipo de montaje, el arte cinético, es una Los brazos y las formas metálicas de las
forma escultórica que se mueve en el espacio. esculturas de Alexander Calder pueden ponerse
Este movimiento modifica continuamente las en movimiento con una corriente de aire.
relaciones entre las formas ensambladas. (Véase la figura 24.28, página 565.) A medida
El movimiento puede estar causado por fuerzas que se mueven, crean continuamente nuevas
como el viento, chorros de agua, motores relaciones entre sí y con su fondo, ya sea una
eléctricos o las acciones del espectador. Por sala de museo o un escenario al aire libre.
ejemplo, el cable

069
 El movimiento en la escultura no se limita a los
giros de formas reales en el espacio. La escultora
estadounidense de origen griego Chryssa moldeó
y ensambló tubos de luz de neón dentro de una
caja transparente para crear una escultura de
luces móviles (Figura 3.33). Al accionar un
interruptor eléctrico se pone en marcha un patrón
de luces de colores brillantes que cambian
constantemente y se encienden y apagan en una
secuencia predeterminada. Se trata de una forma
de arte claramente arraigada en el siglo XX. Se
dice que sus obras, únicas y llenas de color, se
inspiraron en las luces iluminadas de la famosa
Times Square de Nueva York.
Los escultores de hoy, gracias a los nuevos
materiales y procesos, crean obras de arte que
superan los sueños de los artistas de hace una
generación. Nadie puede predecir cómo serán las
esculturas del futuro. En un aspecto importante,
sin embargo, serán como las del pasado y el
presente: Seguirán registrando toda la gama de la
experiencia humana de formas a veces
impactantes, a veces conmovedoras, pero
siempre emocionantes de ver, tocar y apreciar.

■ FIGURA 3.33 Una parte esencial de esta obra -el patrón

cambiante de luces de colores brillantes- no puede captarse en
un
fotografía fija. ¿Qué elementos y principios del arte nombraría
para describir esta obra?

Chryssa. Fragmento de "Las puertas de Times Square" (Análisis de la letra "A").

1966. Neón, plexiglás, acero y madera pintada. Dimensiones: 191,1 × 88,6 × 1,5 cm.
70,2 cm (751 ⁄4 × 347 ⁄8 × 275 ⁄8"). Whitney Museum of American Art, Nueva York,
Nueva York. Adquirida con fondos de Howard y Jean Lipman.

REPASO DE LA LECCIÓN TRES

Repasar los hechos artísticos
1. Explique Qué proceso de escultura es
aditivo y cuál es sustractivo? Técnicas de resolución de problemas Cada proceso utilizado
2. Recordar ¿Qué materiales se utilizan por los artistas es único y presenta retos y oportunidades para el
en la fundición? artista. El artista debe tomar decisiones sobre qué comunicará
3. Explique Describa el proceso de la obra y cómo y dónde se verá. Para apreciar plenamente los
ensamblaje y enumere cinco posibles distintos tipos de escultura, es importante comprender cada uno
materi- ales adecuados para su uso en un de ellos.
ensamblaje. Actividades Trabajando en pequeños grupos, elige un proceso
4. Definir ¿Qué es el arte cinético? básico de escultura e investiga sobre él utilizando los recursos del
centro multimedia de tu centro escolar. Busca información sobre
los pasos del proceso y ejemplos de obras terminadas que lo
utilicen. Comunica tus conclusiones a la clase.

070
 LECCIÓN CUARTA

Arquitectura
Vocabulario
■ arquitectura A a arquitectura es el arte y la ciencia de diseñar y construir estructuras
que encierran un espacio para diversas necesidades humanas. El sitio
■ resistencia a la tracción La historia de la arquitectura comienza en un pasado lejano, cuando los
■ bóveda de cañón habitantes de las cavernas prehistóricas abandonaron sus cuevas para construir
■ bóveda de arista refugios con ramas de árboles. Desde entonces, los arquitectos de todas las tierras
■ cúpula se han enfrentado al reto de erigir estructuras que sean a la vez funcionales y
visualmente atractivas.
Descubra
Después de completar esta
lección, serás capaz de: Cualidades únicas de la arquitectura
■ Explicar las funciones
La arquitectura, como la escultura, implica la organización y manipulación de
de la arquitectura.
■ Discutir los materiales y
formas tridimensionales en el espacio. Ambas se ocupan de la forma, el espacio,
procesos de la arquitectura. la línea, la textura, la proporción y el color. De hecho, muchos ejemplos de
■ Describir las técnicas arquitectura pueden considerarse grandes esculturas (Figura 3.34).
modernas de construcción. Sin embargo, la arquitectura difiere de la escultura en dos aspectos
importantes. La primera y más obvia es que, además de verse desde fuera
como la escultura, la arquitectura puede verse desde dentro. En segundo
lugar,
La arquitectura es una forma de arte funcional. Los edificios se levantan para
servir a fines prácticos, mientras que las esculturas se hacen para expresar
ideas y sentimientos que susciten una respuesta apreciativa en el espectador.
Por supuesto, los arquitectos también
esperan que los espectadores encuentren sus edificios visualmente atractivos, pero
su primera preocupación es el reto de encerrar espacio para necesidades humanas
específicas.

Materiales y procesos de la
arquitectura
Los primeros arquitectos solían elegir
materiales de construcción fácilmente
disponibles. La estabilidad de estas estructuras
estaba limitada por los materiales disponibles.
La madera fue probablemente el primer material
de construcción utilizado, pero sabemos poco de
las primeras construcciones de madera porque la
madera se quema y se descompone. Como
resultado, quedan pocas estructuras de madera
que indiquen cómo se construyeron o qué
aspecto tenían.
Afortunadamente, los constructores utilizaban
un material más duradero, la piedra, allí donde
estaba disponible. Además de ser permanente
■ FIGURA 3.34 Construido en el puerto de la ciudad, este edificio tiene la e ignífuga, la piedra resultaba idónea para la
aparien- construcción de impresionantes estructuras,
anza de un gran clíper a toda vela. ¿En qué se parece este edificio muchas de las cuales han sobrevivido total o
a una escultura en redondo?
parcialmente hasta nuestros días.
Jörn Utzon. Ópera de Sydney. Sydney, Australia. 1957-73.

071
Arquitectura y
A rt
Tfotografías.
as funciones de la arquitectura pueden identificarse en las siguientes
La arquitectura satisface diversas necesidades humanas.

Algunos edificios están pensados para

1
albergar vida. Este edificio de
➤

apartamentos lo hace de una forma

única, sin líneas rectas ni superficies

➤
planas.
2
Otros edificios son
diseñado para albergar a
los gobiernos. Esta
importante estructura
refleja la importancia de
las actividades
gubernamentales que se
desarrollan en su interior.
■ FIGURA 3.36
Charles Barry y A.W.N. Pugin. Casas del
Parlamento. Londres, Inglaterra. Diseñado en 1835.

■ FIGURA 3.35
Antonio Gaudí. Casa Milà. Barcelona, España. 1905-10.

➤
3
La finalidad de otros
edificios, como este
rascacielos, es albergar
actividades comerciales
o empresariales.

4
➤
Algunos edificios ofrecen
espacio dedicado al
culto de los dioses. Este
Templo del Amanecer
es uno de los
monumentos más
célebres de Bangkok,
■ FIGURA 3.38
Tailandia. Wat Arun (Templo del Amanecer). Bangkok,
Tailandia. c. siglo XVIII

5
➤
Edificios como éste son
diseñado para honrar a los
líderes y sus
contribuciones.
■ FIGURA 3.37
Philip Johnson. Edificio Sony. Nueva York, ■ FIGURA 3.39
Nueva York. 1985. Henry Bacon. Monumento a Lincoln. Washington,
D.C. 1914 -22.

072
■ FIGURA 3.40 Construcción de postes y dinteles. ■ FIGURA 3.41 Arco de medio punto

Construcción de postes y dinteles

Uno de los primeros y más sencillos métodos
de construcción con piedra es el sistema de poste
y dintel, que consiste en colocar una viga
horizontal o dintel a través del espacio abierto
entre dos postes u otros soportes verticales
(Figura 3.40). El tamaño y la forma de un edificio
vienen determinados por el número y la
colocación de estas unidades de poste y dintel.
A lo largo de la historia se han encontrado
ejemplos de construcción con postes y dinteles
en todas las partes del mundo. Los templos
egipcios del 2700 a.C. utilizaban este método de
construcción. Las casas de la Europa medieval y
las cabañas de una sola habitación de los
primeros colonos americanos se construyeron
con este mismo sistema, utilizando madera en
lugar de piedra. También se utilizó en China,
Japón y la India, así como en la península de
Yucatán.
Sin embargo, como material de construcción, la piedra ha
ciertas limitaciones. La más importante de ellas es
su falta de resistencia a la tracción, la capacidad
de un material para resistir la flexión. La piedra,
por supuesto, no se dobla. Sólo puede abarcar un
estrecho espacio antes de resquebrajarse por la ■ FIGURA 3.42 Más tarde convertida en iglesia,
mitad. Si entráramos en un edificio construido este edificio se construyó originalmente para un
rey español como parte de su palacio. ¿Qué método
con postes y dinteles, encontraríamos gran parte
de construcción hizo posible edificios como éste?
del espacio interior lleno de columnas o muros.
Santa María del Naranco, Oviedo, España. Siglo IX.
(Véase la figura 7.6, página 154.) Así pues, el
sistema de montantes y dinteles determina el
aspecto de un edificio tanto desde el interior El arco transfería el peso hacia el exterior desde su
como desde el exterior. centro, o clave, a los soportes verticales (Figura
3.41). El uso de la bóveda de cañón, varios
arcos colocados de adelante hacia atrás para
Construcción de arcos y bóvedas
cerrar el espacio, hizo posible la construcción de
Con el tiempo, los arquitectos descubrieron que
edificios con tejados de piedra que podían abarcar
podían abarcar zonas más amplias colocando un
un amplio espacio, como se ve en la vista de
arco de medio punto hecho con bloques de
Santa María del Naranco (Figura 3.42).
piedra sobre dos soportes.

073
 Al igual que el sistema de postes y dinteles, pilares de apoyo con espectaculares vidrieras
la bóveda de cañón tenía sus limitaciones. Los (Figura 3.45).
constructores eran reacios a perforar los gruesos
muros de los edificios abovedados con
ventanas, pues temían que las aberturas Construcción de cúpulas
debilitaran la bóveda. Una cúpula es una semiesfera colocada sobre
En consecuencia, sin muchas ventanas, los muros que encierran un espacio circular o cuadrado.
interiores de los edificios con bóvedas de Las cúpulas se desarrollaron primero en Oriente
cañón tienden a ser oscuros y sombríos. Próximo y después en la antigua Roma. Una
En el siglo III se encontró una solución cúpula tiene la misma presión descendente que el
parcial a este problema. Los constructores arco y la bóveda, pero el empuje se distribuye
romanos empezaron a utilizar una bóveda de alrededor de su borde circular.
arista, dos bóvedas de cañón colocadas en ángulo Dado que la base de una cúpula es un círculo, es
recto. Una bóveda de arista proporciona cuatro más fácil utilizarla en un edificio cilíndrico. El
aberturas separadas al espacio interior (Figura Panteón romano (Figura 9.17,
3.43). página 205) es una de las estructuras con cúpula
En la Edad Media, los constructores de iglesias más grandes jamás construidas. Esta estructura,
buscaron otras soluciones al problema de dejar junto con la cúpula de Santa Sofía en
entrar la luz y elevar la altura de las iglesias que Constantinopla (figura 13.7, página 292, y figura
construían. Cumplían ambos objetivos utilizando 13.10, página 293) y la cúpula de la catedral de
un arco apuntado en lugar de uno de medio punto. Florencia diseñada por Filippo Brunelleschi
Como la curva de un arco apuntado es más (figura 16.13, página 364), han inspirado a
vertical, el peso se dirige hacia abajo, hacia arquitectos a lo largo de los siglos.
esbeltas columnas de soporte, o pilares, dentro del
edificio. Los contrafuertes exteriores
proporcionan un apoyo adicional (figura 3.44).
Como a menudo se extendían por encima de las
naves laterales de la iglesia, estos soportes se
conocían como arbotantes. El uso de arcos
apuntados, pilas y arbotantes creó un sistema de
empuje y contraempuje que permitía sostener el
techo de piedra de las grandes catedrales sin
necesidad de gruesos muros. También permitía a
los constructores rellenar los espacios entre los
arcos y los contrafuertes.

■ FIGURA 3.43 Bóveda de arista ■ FIGURA 3.44 Características de la construcción gótica.

074
 ■ FIGURA 3.46 Enmarcado de globos

■ FIGURA 3.45 Fíjese en el inmenso tamaño

de las vidrieras de esta capilla. Qué
desarrollo arquitectónico permitió a los de madera, conocido como "entramado en
constructores utilizar tanto vidrio? globo", sustituyó al lento proceso de cortar,
encajar y fijar pesados postes y vigas en su sitio.
Sainte-Chapelle. París, Francia. 1248.
Con este nuevo método, la madera cortada en
fábrica se clava fácilmente en la obra (Figura
3.45). Cada parte del edificio sirve de apoyo a las
demás. Cuando el muro exterior se clava en este
armazón, se añade resistencia.

Procesos modernos de Estructura de hierro y acero

construcción Con el desarrollo de la tecnología del hierro en
La revolución industrial del siglo XIX provocó el siglo XIX, este metal se utilizó cada vez con
grandes cambios en los materiales y procesos más frecuencia para construir el armazón de
utilizados por los arquitectos. Primero el hierro y grandes edificios y monumentos como la Torre
luego el acero se convirtieron en materiales de Eiffel (Figura 23.25, página 536). Los arquitectos,
construcción habituales, y se introdujeron conscientes de su gran resistencia, utilizaron el
técnicas de producción en serie. hierro para construir edificios con interiores
amplios y sin postes, iluminados por la luz que
Estructura de madera entraba a través de grandes superficies
acristaladas.
La construcción en madera, que antes se
El éxito de las primeras estructuras de hierro
basaba en el sistema de poste y dintel, cambió
allanó el camino a los edificios con armazón de
radicalmente a partir del siglo XIX, cuando se
acero introducidos a finales del siglo XIX. Para
empezaron a fabricar clavos metálicos en
construir estos edificios se utiliza un esqueleto
cantidad y los aserraderos empezaron a
completo de vigas de acero ligeras y estrechas con
suministrar madera en tamaños estándar. Un
gran resistencia a la tracción.
método más eficaz de

075
■ FIGURA 3.47 remachadas entre sí. Luego se añaden las paredes, el
Aún se considera suelo y los tabiques intermedios. Este esqueleto de
Este edificio de acero es una jaula autoportante, como el armazón de
oficinas, uno de los
piedra de una catedral medieval. Como las paredes
más
impresionantes de exteriores no tienen soporte estructural, pueden
los primeros ser de cristal o de paneles finos para cerrar el
rascacielos, se espacio y protegerlo de las inclemencias del
eleva por encima tiempo.
de los 300 metros.
¿Cómo se
A principios del siglo XX, se construían
construían estos edificios con estructura de acero en todo el
edificios? mundo. La invención del ascensor y las mejoras
en los métodos de construcción dieron lugar a
William Van Alen.
Edificio Chrysler.
las imponentes estructuras urbanas que
Nueva York, Nueva conocemos como rascacielos (Figura 3.47).
York. 1930.

Construcción de hormigón armado

El hormigón, importante material de
construcción en la antigua Roma, no volvió a
utilizarse hasta finales del siglo XVIII. En esa
época se descubrió que era un material aceptable
para la construcción de faros. Sin embargo, no se
aprovechó todo su potencial hasta el siglo
siguiente, cuando se desarrolló un método para
aumentar su resistencia. Los constructores
descubrieron que podían reforzar el hormigón
incrustando en él varillas metálicas antes de que
se endureciera. Este método dio lugar a lo que se
conoce como ferroconcreto u hormigón armado.
Se pueden hacer secciones de hormigón de varios
tamaños y formas vertiendo el material en moldes y
dejándolo endurecer. Cuando se retiran los
moldes, el hormigón conserva su forma y presenta
las mismas ventajas estructurales de la piedra. El
edificio terminal de la TWA en el aeropuerto
internacional John F. Kennedy de Nueva York,
diseñado por Eero Saarinen,

■ FIGURA 3.48 Eero Saarinen. Interior, TWA Terminal, Aeropuerto

Internacional John F. Kennedy, Nueva York, Nueva York. 1962.

■ FIGURA 3.49 Las formas redondeadas y

el amplio tejado sugieren vuelo, lo que
hace que este
edificio especialmente apropiado como terminal
de aeropuerto. ¿Qué elementos y principios
artísticos contribuyen a la unidad de esta
obra?

Eero Saarinen. Exterior, TWA Terminal.

076
utiliza formas redondeadas moldeadas en hormigón para crear
un espacio interior interrumpido únicamente por balcones
curvos y escaleras (figura 3.48). El exterior de este mismo
edificio revela un diseño amplio con un tejado de hormigón
en forma de ala que sugiere el vuelo (Figura 3.4D).

Sistemas estructurales ligeros

El desarrollo de metales y plásticos ligeros ofrece a los
arquitectos contemporáneos materiales nuevos e
interesantes. Estos nuevos materiales permitieron a
Buckminster Fuller crear la cúpula geodésica por la que es
más conocido (Figura 3.50). Esta estructura utiliza un
armazón ligero pero resistente formado por una intrincada
red de varillas metálicas. Los espacios entre estas varillas
pueden rellenarse con metal, vidrio u otro material ligero.
Una cúpula así formada puede montarse rápidamente para
cubrir una vasta superficie sin soporte interior. Fuller
estaba tan seguro de su novedoso método de construcción
que propuso utilizarlo para construir una cúpula
transparente y climatizada sobre una gran parte de
Manhattan. Considerada poco práctica, su propuesta nunca
fue tomada en serio. En arquitectura, sin embargo, las
"ideas poco prácticas" del presente se convierten a
menudo en las apasionantes innovaciones del futuro.

■ FIGURA 3.50 Este innovador diseño se basa en el

uso de metales y plásticos ligeros. ¿Cuáles son los
ventajas de utilizar este tipo de diseño?

Buckminster Fuller. Cúpula geodésica. Pabellón de Estados Unidos, Expo

1967, Montreal, Quebec, Canadá.

REPASO DE LA LECCIÓN
CUATRO
Repasar los hechos artísticos
Encontrar ejemplos de formas arquitectónicas Las formas
1. Explique ¿En qué sentido el arco de
básicas de construcción arquitectónica (como el poste y el dintel, los
medio punto supone una mejora
arcos, las bóvedas y las cúpulas) tienen cientos de años de
respecto al poste y el dintel?
antigüedad.
2. Explique ¿Por qué es posible abarcar
Los arquitectos siguen utilizando estos métodos, pero a menudo
sólo un espacio estrecho con piedra?
encuentran formas nuevas e interesantes de emplearlos.
3. Describir ¿Cómo se construye una
bóveda de cañón? ¿Por qué los edificios Actividad Haz una lista de todos los materiales, procesos y
con bóvedas de cañón eran oscuros y métodos de construcción tratados en esta lección. Haz una
lúgubres por dentro? pequeña excursión por los pasillos o el exterior de tu colegio.
4. Recordemos ¿Qué provocó el cambio Busca en las inmediaciones del edificio de tu centro ejemplos de
drástico de la construcción en madera en los métodos de construcción tratados en el texto.
el siglo XIX? Marca en tu lista los ejemplos que veas. Evalúa tus conclusiones
con la clase.

077
 Escultura en relieve

Materiales Utilizando trozos de espuma de plástico recubiertos de

yeso, cree una escultura en relieve. Esta escultura puede
• Lápiz y papel de dibujo
realizarse en alto o bajo relieve; puede ser abstracta o
• Lámina de espuma
plástica, 15 × 15 utilizar temas reconocibles. La escultura terminada debe
pulgadas mostrar un patrón interesante de contraste de valores
claros y oscuros creado por formas que se extienden desde
• Hoja de sierra
el fondo. Las marcas de la espátula utilizada para aplicar
• Trozos de espuma de plástico de formas y tamaños
el yeso proporcionan una textura general que añade
variados (el material de embalaje puede cortarse y
armonía a la obra. La superficie debe ser atractiva a la
utilizarse para este fin).
vista y agradable al tacto.
• Varias hojas de papel de lija áspero y liso
• Palillos de dientes, cola blanca
• Yeso de París Inspiración
• Recipiente de plástico grande para mezclar Examine las esculturas en bajo y alto relieve ilustradas en
• Espátula pequeña para aplicar el yeso este capítulo (Figuras 3.23 y 3.24, página 66).
¿Cuáles son las ventajas de esta forma particular de
Materiales opcionales escultura? ¿Cuáles son los inconvenientes? ¿Cuál de las dos
• Pintura al temple en polvo esculturas en relieve te atrae más? ¿Por qué?
(negro, verde azulado y verde)
• Goma laca (blanca o naranja) Proceso
• Cepillo duro
1. Realiza varios bocetos para una escultura
• Alcohol para limpiar el cepillo
en relieve. Esta escultura puede ser
abstracta o realista. A medida que
elabores tu diseño a lápiz, decide si
quieres crear una obra en bajo o alto
relieve.
2. Utiliza la hoja grande de espuma de
plástico para el fondo del relieve. A
continuación, recorta las distintas formas
del relieve con otros trozos de espuma.
Puedes cortarlas fácilmente con una
sierra para metales. Maneja la sierra con
cuidado. Realiza los movimientos de
corte lejos de la cara y mantén la otra
mano alejada de la zona de corte. Utilice
una mascarilla y gafas protectoras.
3. Coloca las piezas de tu relieve sobre la
plancha grande de espuma. Prueba
varias disposiciones fijando las piezas
con palillos de dientes. Cuando estés
satisfecho con el diseño, pega las
secciones con cola blanca.

■ FIGURA 3.51 Carolyn Craig

078
4. Mezcla el yeso en un bol grande; utiliza una mascarilla utilizando pintura al temple en polvo y goma laca
antipolvo cuando mezcles yeso en polvo. Aplique el (blanca o naranja) de la siguiente manera.
yeso rápidamente a la superficie de su relieve con una a. Vierte generosas porciones de pintura al temple en
espátula. El proceso es similar al de glaseado de un pastel. polvo negra, verde azulada y verde en montones
Mantenga la superficie lisa, pero reconozca que las separados sobre hojas de periódico extendidas
marcas de la espátula añaden una textura interesante. sobre una mesa en una habitación grande y bien
Cubra toda la escultura, incluido el fondo, con escayola. ventilada.
Si necesita más de una sesión para terminar el b. Vierta una pequeña cantidad de goma laca en un
enlucido, recuerde humedecer todas las superficies recipiente plano. Limite la cantidad, ya que la laca
previamente enlucidas antes de empezar de nuevo. De no utilizada estará demasiado contaminada para su
este modo se evita la separación y el agrietamiento. uso futuro.
5. Con papel de lija fino, alise ligeramente la superficie de c. Sumerja un pincel duro en la goma laca y luego en
la escultura terminada. Utilice una mascarilla contra el la pintura al temple negra en polvo. Aplique bien
polvo mientras lija y hágalo sólo en una zona bien esta mezcla sobre todo el relieve, incluidos los
ventilada. Después de lijar, examine la escultura y bordes.
decida si un acabado en bronce, o pátina, le añadiría d. Cuando toda la superficie del relieve esté
atractivo visual. La pátina es una película que puede ennegrecida y todavía pegajosa al tacto, aplique
formarse en el bronce y el cobre de forma natural con una brocha una pequeña cantidad de témpera
(mediante una larga exposición al aire) o artificial en polvo verde o verde azulado sobre toda la
(mediante la aplicación de ácido, pintura, etc.). superficie. Esto resalta las partes en relieve del
relieve y le da un aspecto de bronce.
e. Puede repetir el proceso de pátina en cualquier
sección del relieve que no tenga aspecto bronceado.

CONSEJO DE SEGURIDAD Utilice la goma laca y el

alcohol sólo en zonas
con guantes bienprotectores
de goma ventiladas y sólo
mascarilla. Utilice una mascarilla antipolvo y
guantes de goma al mezclar y manipular la goma laca y la témpera en polvo.

Examinar su trabajo
Describa ¿Su obra se describe mejor como abstracta o Interpretar ¿Su escultura atrae el sentido del tacto del
realista? Si es realista, ¿es fácil reconocer el tema? ¿Su espectador?
escultura está realizada en altorrelieve o en bajorrelieve? Juez ¿Considera que su escultura en relieve es un éxito?
Analiza ¿Muestra tu obra un patrón interesante de ¿Cuál considera que es su característica más atractiva?
contraste de valores claros y oscuros? ¿Existe una textura
real creada por las marcas de la espátula?

079
Un corte por

ART RESOURCE, NY
encima
Los collages de Romare Bearden
creaban jazz visual.

A
l estilo innovador del artista Romare
Bearden (1911-1988) allanó el camino a
la pintura.
collages más creativos y originales.
Normalmente, los collages se hacían
cortando y reordenando pequeños trozos de
material impreso. Bearden, sin embargo,
creó un estilo de collage nuevo y más Romare Bearden. Domingo después del sermón. 1969. La vida urbana,
la música y los rituales religiosos desempeñaron un papel
emocionante. Tomaba fotografías, las importante en la obra de Bearden.
ampliaba y las ensamblaba en obras a gran
escala.

PETER POLYMENAKOS
Natural de Carolina del Norte, Bearden
experimentó la vida en el Sur rural, así
como la vida urbana en el Norte. Utilizaba
collages fotográficos para mostrar muchos
aspectos de
La vida afroamericana, desde las escenas callejeras de Harlem
hasta los campos de algodón y las sesiones de jazz. A menudo
recortaba fotos de rasgos humanos, como los ojos, las caras, las
manos y las bocas, en perfiles nítidos y los colocaba apretados
unos junto a otros.
La forma en que están organizadas las imágenes da a sus
collages un aire de jazz, que le encantaba.
Al igual que el artista francés Henri Matisse, a quien admiraba,
Bearden estaba dotado para el uso de los colores. Sus colores
producían un efecto lírico, evidente en obras como Tres músicos
populares (1967). Para Bearden, la figura humana era lo más
importante. Rostros y cuerpos apiñados, gritando, sufriendo,
trabajando, riendo, haciendo música, todos parecen apretujarse
contra el plano de la imagen como personas en el lado opuesto de Romare Bearden crea un collage en su
una ventana. estudio de Nueva Yorken 1968.

Bearden explicaba su obra de esta manera: "Lo que he

intentado hacer es establecer un mundo a través del arte en el
que la validez de mi experiencia negra pudiera vivir y hacer su
propia lógica".

080
Repasar los hechos
Primera lección
3 REVISIÓN
Pensar críticamente
1. EXTENDER. Es posible que haya oído la expresión
1. Nombra dos ejemplos de medios húmedos y dos "La pintura ha muerto". Examina los posibles significados
ejemplos de medios secos. de esta afirmación. A continuación, organiza tus ideas
2. ¿Para qué sirve un aglutinante en la pintura? ¿Qué en forma de esquema para argumentar a favor o en
materiales se utilizan como aglutinantes en la contra de la afirmación.
pintura al temple, la encáustica, la pintura al óleo, 2. COMPARAR. Miguel Ángel sostenía que la escultura
la acuarela y los acrílicos? era la mayor de las formas de arte visual, mientras que
Segunda lección Leonardo da Vinci defendía la pintura. Explica por
3. ¿Quiénes fueron los primeros en desarrollar y utilizar qué estás de acuerdo con Miguel Ángel o con
el proceso de impresión en relieve? Leonardo.
4. ¿Qué oportunidades ofrecen a los artistas los
programas de software tridimensional?
Tercera lección
5. ¿Qué diferencia hay entre la escultura en relieve y Trabajen en pequeños grupos y elijan un
la escultura en bulto redondo? tema y un medio para una escultura
5. Nombra y describe el proceso escultórico utilizado tridimensional. Dibuja un boceto de tu diseño y
por Marisol en Los Generales (Figura 3.32, página describe brevemente el medio y el proceso que
71). has elegido. Intercambien los bocetos. Dibuja
Cuarta lección otro boceto utilizando un medio y un proceso
7. ¿En qué se parece la arquitectura a la escultura? ¿En qué diferentes. De nuevo, describe brevemente el
se diferencia? diseño. Continúa intercambiando y revisando el
8. ¿Qué ventajas tiene la piedra sobre la madera como diseño y discute las nuevas ideas que surjan del
material de construcción? ejercicio. Guarda notas y bocetos o escaneos
de tu trabajo en tu carpeta digital.

exámenes
1. ¿Cuál afirma mejor el propósito del autor?

Los chinos destacaban en la fundición.

Lee el siguiente pasaje y responde a las preguntas.
La fundición existía en las culturas
El método de fundición a la "cera perdida" es
antiguas. Para demostrar que la
un proceso con muchos pasos. Es interesante
saber que la India no fue la única cultura que utilizó fundición es compleja.
este método. Las fundiciones de bronce más Para demostrar que Benín estaba aislado.
antiguas de las que se tiene constancia datan del
año 1700 a.C. y se descubrieron en China. El 2. Si los acontecimientos siguieran
proceso apareció en Oriente Próximo más o una línea temporal, China no
menos en la misma época. El contacto con el reino
aparecería. Benín aparecería
africano de Benín en el siglo XIX reveló que este
pueblo aislado también había ideado de algún primero.
modo el método de esculpir. India sería la única cultura que aparece en la
lista. China y Oriente Próximo aparecen en
primer lugar.

081
 4
Crítica del Arte
H ¿Ha intentado alguna vez describir una obra de arte a otra persona? ¿En qué
se fija a la hora de juzgar si una obra de arte es buena o mala?
¿Le gusta una obra de arte? A menudo, la gente confía en las autoridades artísticas
aceptadas para que le digan qué valorar en una obra de arte y por qué. De este
modo, se pierde la satisfacción y el placer que proporciona la interacción personal
con una obra de arte. Para aprender a ver y comprender una obra de arte, como el
cuadro de la figura 4.1, hay que saber dos cosas. Hay que saber cómo mirar y qué
buscar. La crítica de arte le proporcionará un método para observar las obras de arte con
el fin de aprender lo máximo posible de ellas. La estética le ayudará a identificar lo
que debe buscar al realizar esos exámenes críticos.

Leer para descubrir A medida que leas este capítulo, responde a las
obras de arte. Conoce los cuatro pasos que sigue un crítico de arte para
evaluar una obra de arte. Lee sobre las tres teorías estéticas y cómo
utilizarlas.

Actividad de enfoque Responda a las obras de arte que vea en el

capítulo. Examine el cuadro de Edward Hopper de la figura 4.1. ¿Cuál es
tu primera impresión de Agosto en la ciudad? ¿Qué le parece interesante?
¿Qué detalles concretos explican tu impresión? Escribe tu respuesta. A
medida que descubras más cosas sobre el cuadro, observa si cambia tu
impresión y por qué.

Utilización de la línea del tiempo La línea del tiempo le presenta

detalles de algunas de las obras de arte sobre las que aprenderá en este
capítulo. ¿Sobre cuál d e estas obras le gustaría saber más? ¿Por qué?

1781
1897
Autorretrato de Marie-Louise-
Élisabeth Vigée-Lebrun (Detalle) El gitano dormido
1784-92 por Henri Rousseau
Retrato de
Francisco Goya

1700 1750 1800 1850

Los retratos expresan diversas cualidades Los cuadros tienen distintos significados

082
■ FIGURA 4.1 Edward Hopper. Agosto en la ciudad. 1945. Óleo sobre lienzo. 58,4 × 76,2 cm (23 × 30 "). Norton Museum of Art, West Palm Beach,
Florida. Legado de R.H. Norton. 53.84.

1969
1945 1955 Pintura modular
Agosto en la Berkeley nº 52 en cuatro
ciudad de por Diebenkorn paneles V de
Edward Hopper (crédito, p. 100) Lichtenstein
(crédito, p. 93)

1900 1950 2000

Los detalles de las obras El arte no objetivo tiene atractivo
de arte expresan estados visual
de ánimo o sentimientos

083
 PRIMERA LECCIÓN

Crítica de arte: Una

búsqueda de cualidades
estéticas
Vocabulario os críticos tienen sus propios métodos de estudio de las obras de arte.
■
■
cualidades estéticas
cualidades literales A Utilizan estos métodos para aprender lo máximo posible de las obras de
arte repre
■ cualidades de diseño de diferentes estilos y técnicas. Examinan cuidadosamente estas obras, buscando
■ cualidades expresivas cualidades estéticas, las cualidades que pueden aumentar su comprensión de las
obras y servir como criterios en los que se basan sus juicios. Identificar y evaluar
Descubra estas cualidades estéticas permite a los críticos de arte emitir juicios y defenderlos
Después de completar esta con razones inteligentes. En las páginas que siguen, aprenderá que las
lección, serás capaz de: cualidades estéticas incluyen las cualidades literales, de diseño y expresivas.
■ Identifique los cuatro pasos Los métodos utilizados por los críticos de arte para identificar estas
del proceso de la crítica de
arte.
cualidades suelen implicar cuatro operaciones: descripción, análisis,
■ Utiliza los tres primeros
interpretación y juicio.
pasos -descripción, análisis Aprender cómo se utilizan estas operaciones le ayudará a desarrollar sus
e interpretación- para propias habilidades para examinar y discutir obras de arte. Estos exámenes y
obtener información discusiones le ayudarán a tomar sus propias decisiones personales sobre esas
específica de una obra de obras y aumentarán en gran medida su disfrute de las mismas.
arte.

El enfoque de la crítica de arte

La crítica de arte no es una cuestión de observación casual y expresiones
impulsivas de agrado o desagrado. Es una actividad mental razonada. Los
críticos de arte utilizan las operaciones de descripción, análisis, interpretación y
juicio para obtener información de la obra de arte, en lugar de recopilar datos
sobre la obra y el artista que la creó. Utilizadas por un crítico, estas operaciones
dirigen
atención a las pistas internas, es decir, las
que se encuentran en la propia obra. Al
examinar cualquier obra de arte, los
críticos se plantean y responden
preguntas como éstas:
• ¿Qué se ve en la obra?
• ¿Cómo se diseña el material gráfico?
• ¿Qué significa?
• ¿Es una obra de arte de éxito?
Para comprender mejor cómo un crítico
obtiene información de una obra de arte,
siga a un crítico imaginario llamado Robert
mientras examina un cuadro (figura 4.2).
Aprenderá cómo un crítico utiliza las
operaciones de descripción, análisis,
interpretación y juicio. Es
■ FIGURA 4.2 Cuando Rousseau expuso por primera vez este cuadro, los el mismo enfoque que utilizarás para adquirir
espectadores lo recibieron con sonrisas y risas. ¿Cuál fue su primera una comprensión más completa del arte. Puede
impresión?
ayudarte a mejorar tus propias obras de arte.
Henri Rousseau. La gitana dormida. 1897. Óleo sobre lienzo. 129,5 × 200,7 cm (51 × 79").
Museo de Arte Moderno de Nueva York. Donación de la Sra. Simon Guggenheim.

084
Descripción traje de gitano y la alfombra sobre la que
descansa. En ella se pueden identificar rayas
Robert empieza por hacer un inventario
estrechas de color rojo, azul, amarillo, verde,
exhaustivo de todo lo que ve en la obra. En otras
naranja y violeta. El mismo naranja oscuro que se
palabras, identifica las cualidades literales, la
observa en la mandolina también se utiliza para
presentación realista del tema y los elementos
colorear la jarra. El cielo es azul, y para la arena,
artísticos de la obra.
el león y los pies, brazos y cara del gitano se
utilizan marrones y tostados neutros que rozan el
Identificar las cualidades literales amarillo. En toda la obra se distinguen valores
Centrándose primero en las cualidades literales, claros y oscuros de azul, marrón y tostado.
Robert observa que el cuadro representa un Robert observa que cada forma está
incidente que tiene lugar en un silencioso paisaje claramente definida, lo que hace que destaque
desértico iluminado por una luna perfectamente sobre el fondo. Los cambios graduales de valor
redonda y fría. Algunas estrellas centellean en el en cada una de ellas hacen que parezcan formas
cielo azul de la noche. En primer plano, un león sólidas y tridimensionales. También observa que se
olfatea a un gitano dormido en la arena, junto a las han utilizado líneas largas, cortas, rectas y curvas
aguas tranquilas de un oasis. El gitano, que aún no de distintos grosores en la melena del león y para
se ha dado cuenta de la presencia del león, duerme las rayas estrechas de la vestimenta y la alfombra
plácidamente sobre una especie de alfombra. A su de la gitana. Una serie de líneas rectas representa
lado descansan un man- dolín y una gran jarra. Su las cuerdas de la mandolina.
mano derecha aún agarra Satisfecho de haber hecho una descripción
el bastón que utilizó en su travesía del desierto. minuciosa de las cualidades literales y los elementos
Mirando más de cerca, Robert observa que no del arte, Robert está listo para pasar al segundo paso
hay huellas en la arena alrededor del gitano. del proceso de la crítica de arte: el análisis.
¿Podría tratarse de un descuido, de un detalle que
el artista simplemente olvidó incluir en su
Análisis
cuadro? Robert decide guardar esta pregunta en su
mente, para tenerla en cuenta más adelante cuando Durante el análisis, Robert utiliza los principios
intente interpretar la obra. Dirige su atención del arte para determinar cómo están organizados
Al acercarse al león, se da cuenta de que no se los elementos artísticos utilizados en el cuadro. Al
parece del todo a un animal de verdad. La cola se centrarse en la relación entre principios y
extiende hacia fuera con elegancia, quizá con elementos, espera comprender las cualidades de
demasiada, y la melena parece haber sido diseño de la obra, es decir, lo bien que está
cuidadosamente arreglada. Aunque parece organizada o ensamblada. Esta comprensión le
amenazador -al fin y al cabo, es un león-, a Robert permitirá determinar si la obra tiene un sentido
le recuerda a los animales de peluche que ha visto global de unidad.
en las jugueterías.
El león mira con ojos como botones al gitano, Utilización del gráfico de diseño
que sigue durmiendo a pesar de su aspecto rígido Robert utiliza un gráfico de diseño como ayuda para
y no del todo cómodo. No lleva sandalias y está analizar el cuadro. Con el gráfico, puede identificar
vestido con un traje de rayas de colores que no las relaciones de diseño más importantes que vinculan
muestra signos de un duro día de viaje. los elementos y principios de la obra. Si mirara por
encima de su hombro, vería a Robert anotando estas
Identificar los elementos del arte relaciones de diseño en un gráfico similar al de la
Satisfecho de haber tenido en cuenta los figura 4.3, página 88.
detalles realistas del cuadro, Robert vuelve su Robert revisa el gráfico de diseño y concluye
atención a los elementos del arte, tomando nota que ha identificado las relaciones de diseño más
de los diferentes tonos, valores, líneas y formas y importantes. Sabe que podría haber encontrado
de la forma en que está representado el espacio. relaciones más sutiles.
Robert se sorprende al descubrir que el artista
pintaba con colores simples, sin mezclar. La
mayoría de estos colores se encuentran en
pequeñas cantidades en el

085
Utilizar el diagrama de diseño para analizar

GRÁFICO DE DISEÑO
PRINCIPIOS DEL ARTE

Saldo Énfasis Armonía Variedad Gradación Movimiento/ Proporción

Ritmo

Color:
Hue #1 #2

Intensidad

Valor
#3 #4
ELEMENTOS DE ARTE

Valor
(Sin color) UNITY

Línea #5 #6

Textura
#7

Forma
#8 #9

Espacio

■ FIGURA 4.3 Gráfico de diseño

1 2 3 4
Robert comienza su La siguiente marca de La marca (nº 3) en la Robert hizo otra marca
análisis colocando su Robert (nº 2) relaciona el intersección de valor y énfasis es (nº 4) en la intersección
primera marca (#l) en la tono con el color. Esto importante. Robert reconoce del valor y la gradación.
intersección de tono y refleja su decisión de cómo los contrastes de valores El cambio gradual de
énfasis. Tal vez, como pintar grandes áreas de la claros y oscuros ayudan a valores oscuros a claros
Robert, se haya dado obra con un número destacar no sólo al león y al es evidente. Este cambio
cuenta de que muchos de limitado de tonos. Una gitano, sino también detalles de valor es más claro en
los tonos de este cuadro se disposición relativamente importantes como la mandolina las grandes zonas de
han utilizado en el sencilla de azules, y la luna. Obsérvese, por un cielo y arena y en los
colorido traje y la marrones y tostados lado, cómo la silueta oscura del métodos que utilizó el
alfombra del gitano distribuidos por toda la león se recorta audazmente artista para que el león y
(figura 4.4). Esto subraya obra une las partes en un contra el cielo más claro (figura la gitana parecieran
la importancia del gitano y todo hosco. Al mismo 4.5). De este modo, queda clara tridimensionales.
lo convierte, junto con el tiempo, acentúa el la importancia del animal. Por
león, en el centro de colorido del traje de la otra parte, los valores claros del
interés del cuadro. gitana. gitano, la mandolina y la luna
los hacen destacar sobre los
valores más oscuros que los
rodean.

086
 ■ FIGURA 4.4
Henri Rousseau. La gitana
dormida (detalle). © 2004
Sucesión. H. Matisse,
París/Artists Rights Society
(ARS), Nueva York.

■ FIGURA 4.5
Henri Rousseau. La gitana
dormida (detalle).

5 6 7 8
La decisión de Robert de Otra de las marcas de Al observar la superficie Las dos siguientes marcas de
poner una marca de Robert (nº 6) vincula el lisa del cuadro, Robert Robert (nº 8 y 9) vinculan los
verificación (#5) uniendo elemento de la línea al colocó una marca (nº 7) elementos de forma y figura con
línea y énfasis revela la principio de la variedad. en la intersección entre los principios de énfasis y
importancia que concede al Las líneas gruesas y finas, textura y armonía. Esto grafía. Vio que el artista
principio de énfasis en rectas y curvas, largas y refleja su decisión de acentuaba las formas de la
esta com- posición. Ya ha cortas de la melena del que la superficie gitana y el león haciéndolos
marcado tres veces este león, el traje y la alfombra brillante ayuda a unir el parecer formas tridimensionales.
principio, y aún no ha de la gitana, las cuerdas cuadro para formar un Un cambio gradual de valores
terminado su análisis. La de la mandolina y los conjunto armonioso. oscuros a claros da a cada uno la
marca se refiere a la contornos de las dunas de apariencia de una forma sólida
concentración de líneas o arena proporcionan la que ocupa un espacio real.
rayas que decoran la ropa variedad necesaria para Observa cómo la forma del
y el coche del gitano. que el cuadro resulte gitano se superpone a la del
Estas líneas contrastan visualmente interesante. león, que a su vez se superpone
claramente con las grandes al agua y a las dunas de arena.
zonas de arena y cielo, sin Detrás de las dunas está el cielo
adornos, y ayudan a nocturno. Esta superposición de
resaltar la figura dormida. formas atrae la mirada de Robert
hacia el desierto, que se extiende
hasta d o n d e alcanza la vista.

087
 Otro crítico de arte con una formación distinta parece apoyar la idea de que la imagen
podría elaborar una lista diferente de relaciones de representa un sueño y no la realidad. Los
diseño para la misma obra. Ésta es una de las espectadores que identifiquen la impotencia del
ventajas del análisis. Abre la puerta a interesantes gitano reconocerán su propio sentimiento de
debates que permiten a dos críticos aprender aún impotencia cuando se encuentren solos y se
más sobre la obra en cuestión. enfrenten a lo inesperado en un sueño. Pero, ¿de
Una vez descrita y analizada la pintura, Robert quién es el sueño, del gitano o del espectador?
está listo para la tercera operación de la crítica de Robert no está seguro, pero luego decide que cada
arte: la interpretación. Sabe que éste es el paso persona que mire el cuadro debe tomar esa decisión
más emocionante y personal del proceso de por sí misma.
crítica de arte. Robert ha completado el examen de las cualidades
literarias, de diseño y expresivas del cuadro. Lo único
Interpretación que queda por hacer es determinar si la obra ha tenido
Cuando interpreta el significado de una obra éxito o no.
de arte, Robert debe referirse a todo lo que ha
aprendido de la obra durante la descripción y el Sentencia
análisis. Su preocupación se centra en identificar El juicio es una parte importante del proceso de
las cualidades expresivas, o el significado, el crítica de arte para demostrar un aprecio genuino
estado de ánimo o la idea que se comunica al por el arte. El hecho de emitir un juicio y
espectador. defenderlo con buenas razones demuestra que una
Sin embargo, Robert sabe que una obra de arte persona comprende y aprecia una obra de arte.
puede ser interpretada de distintas maneras por El modo en que Robert o cualquier otro
diferentes personas. Su interpretación del cuadro crítico juzgue una obra de arte depende en gran
será personal y se basará en la información que medida de la teoría o teorías del arte que
ha obtenido del cuadro. defienda.
A medida que describía y analizaba el cuadro, Estas teorías ayudan a identificar las distintas
Robert era cada vez más consciente de su cualidades estéticas que se encuentran en la obra
inquietante atmósfera. Lo atribuyó a la forma en de arte. Son importantes porque representan los
que los elementos y principios se utilizaban para criterios o pruebas en los que se basan los
representar un tema extraño e inquietante: un juicios. Para comprender mejor estas teorías
gitano indefenso dormido en un paisaje estéticas, es necesario examinar el importante
misterioso, inconsciente del león que se cierne papel que desempeña la estética en la crítica de
sobre él. La ausencia de huellas en la arena arte.

REPASO DE LA PRIMERA LECCIÓN

Repasar los hechos artísticos
1. Recordar Durante qué crítica de arte
operación ¿la preocupación se dirige a Utilización de la crítica de arte Cuando utilice el enfoque de la crítica
las cualidades expresivas? de arte, deberá describir los elementos y principios utilizados por el
2. Describir ¿Cuáles son las artista al crear una obra de arte. Recuerda que en el capítulo 2 se
cualidades literales? presentaron y definieron los elementos y principios.
3. Explique ¿Cómo puede un gráfico de Actividad Crea un diseño en papel recortado que utilice tantos
diseño ayudar a alguien a analizar una elementos y principios como sea posible. Responde a tu diseño
obra de arte? utilizando los cuatro pasos de la crítica de arte. Descripción:
4. Explica ¿Cómo demuestra una ¿qué elementos se han utilizado? ¿Cómo? Análisis: ¿qué
persona que comprende y aprecia una principios se han utilizado? ¿Cómo? Interpretación: ¿qué estados
obra de arte? de ánimo, sentimientos o ideas expresa la obra? Juicio: ¿es tu
diseño una obra de calidad? Exponga su crítica del diseño a la
clase.

088
 SEGUNDA LECCIÓN

Estética y crítica de arte

Vocabulario La estética es una rama de la filosofía que se ocupa de identificar los
■
■
estética
arte no objetivo A indicios de las obras de arte que pueden utilizarse para comprender,
juzgar e interpretar las obras de arte.
defender juicios sobre esas obras. Existen muchas teorías estéticas diferentes,
Descubra pero ninguna tiene en cuenta todas las cualidades estéticas de las obras de arte.
Después de completar esta Tres de estas teorías son el imitacionismo, el formalismo y el emocionalismo.
lección, serás capaz de:
■ Identifique y discuta tres grandes
teorías estéticas.
■ Explique en qué se diferencian
Imitación
las manifestaciones de agrado y Algunos esteticistas y críticos de arte consideran que lo más importante de
desagrado de los juicios sobre una obra de arte es la presentación realista del tema o las cualidades literarias.
las obras de arte.
Creen que una obra de éxito debe parecerse a lo que se ve en el mundo real y
■ Utiliza los pasos del proceso de
crítica de arte para examinar una recordárselo al espectador. Las personas con este punto de vista creen que una
obra de arte. obra de arte debe imitar la vida, que debe parecerse a la vida real para que
■ Discuta cómo puede utilizarse el pueda considerarse un éxito (Figura 4.5). Esta teoría, que subraya la importancia
proceso de la crítica de arte para de las cualidades literales, se denomina imitacionismo.
examinar obras de arte no
objetivas.

Formalismo
No todos los esteticistas y
críticos de arte dan importancia a
las cualidades literales. Muchos
consideran que el éxito de una
obra depende de sus cualidades
de diseño, o de la forma en que
está organizada. Están a favor de
una teoría del arte conocida
como formalismo, que sostiene
que el aspecto más importante de
una obra de arte es el uso eficaz
de los principios del arte para
■ FIGURA 4.6
Imitación organizar los elementos
requiere que una artísticos. Creen que un diseño
obra de arte eficaz depende de lo bien que el
parezca real, o artista haya dispuesto los
realista, para que
se considere un
colores, valores, líneas, texturas,
éxito. formas y relaciones espaciales
Explique por qué utilizados en la obra (Figura 4.7,
este cuadro sería página 92). Para estos críticos,
apreciado por
una obra de arte de éxito no tiene
alguien que
utilizara esa teoría por qué parecer realista, pero
del arte. debe utilizar
los elementos y principios de
Marie-Louise-Élisabeth
forma eficaz para lograr una
Vigée-Lebrun.
Autorretrato. c. 1781. unidad global.
Óleo sobre lienzo. 65 ×
54 cm (251 ⁄2 × 211 ⁄4 ").
Museo de Arte Kimbell,
Fort Worth, Texas.

089
■ FIGURA 4.7
Obsérvese el uso que Emocionalismo
hace el artista del
elementos y principios del
Otros esteticistas y críticos de
arte en este cuadro. Por arte sostienen que el éxito de una
qué apreciaría esta obra obra de arte depende de su
un espectador que capacidad para comunicar una
utilizara la teoría del arte
emoción o idea al espectador. Esta
conocida como
formalismo? teoría, denominada emocionalismo,
concede la máxima importancia a
Henri Matisse. La blusa rumana. las cualidades expresivas, es decir,
1937. Óleo sobre lienzo.
a los sentimientos, estados de
73,3 × 60,6 cm (29 × 24").
Museo de Arte de ánimo e ideas que una obra de arte
Cincinnati, Cincinnati, comunica al espectador (Figura
Ohio. Legado de Mary E.
Johnston.
4.8).
Estas tres teorías del arte,
resumidas en la figura 4.D, pueden
ser útiles a la hora de buscar
distintas cualidades estéticas en
las obras de arte. No obstante,
hay que tener en cuenta que cada
teoría acepta ciertas cualidades
estéticas y rechaza otras.

Utilizar más de una

teoría
Durante el juicio, la última
operación de crítica de arte,
Robert debe tomar una decisión
■ FIGURA 4.8 sobre los méritos del cuadro La
Esta pintura realista
También consigue gitana dormida (Figura 4.2, página
expresar un 86). Robert se da cuenta de que si se
determinado basa en una única teoría del arte, con
sentimiento o su énfasis en las cualidades literales,
estado de ánimo.
de diseño o expresivas de la obra,
¿Cuál es ese
sentimiento o puede estar cometiendo una
estado de ánimo? injusticia. Podría tener en cuenta las
¿Qué ha hecho el cualidades estéticas favorecidas por
artista para la teoría seleccionada, pero al
centrar tu
atención en el hacerlo pasaría por alto otras
rostro y la cualidades importantes destacadas
expresión de la por las otras dos teorías.
mujer?

Georges de la Tour.
Magdalena con llama
humeante.
1638-1640. Óleo sobre
lienzo. 117 × 91,76 cm
(461 ⁄16 × 361 ⁄8 "). Los
Museo de Arte del
Condado de Los
Ángeles, Los Ángeles,
California. Donación de
la Colección Ahmanson.

090
 Tenga presente la preocupación de
Robert cuando examine obras de TEORÍAS DEL ARTE
arte. Si se basa en una única teoría
estética, limitará su búsqueda de Imitación Formalismo Emocionalismo
información a las cualidades
favorecidas por la teoría que esté Cualidades Cualidades literales: Cualidades de diseño: Cualidades expresivas:
utilizando. Esta limitación le estéticas
Presentación realista Organización eficaz Comunicación vívida
coloca en desventaja,
del tema. de los elementos del de estados de ánimo,
especialmente cuando examina arte mediante el uso sentimientos e ideas.
obras que representan estilos de los principios del
diferentes. arte.
El imitacionismo, por ejemplo,
puede ser útil cuando se examinan
obras pintadas con realismo. Sin
embargo, sería inútil si examinara ■ FIGURA 4.9 Teorías del arte y cualidades estéticas
cuadros sin tema realista. En tales
casos, sería prudente recurrir a una
de las otras teorías, o a ambas.

Para ilustrar este último punto,

examinemos el cuadro del artista
estadounidense Roy Lichtenstein de la figura
4.10. Es evidente que no hay un tema
reconocible en él. Es evidente que no hay un
tema reconocible en este cuadro.
pintura. Se utilizan colores, valores, líneas,
formas y texturas para crear un diseño
formado por varias unidades geométricas. El
mismo diseño se repite en cuatro paneles
cuadrados idénticos. Como no hay tema, el
imitacionismo, que hace hincapié en las
cualidades literales, no sería útil en este caso.
Insistir en esa teoría supondría rechazar el
cuadro de Lichtenstein como obra de arte de
éxito porque no representa un tema realista.
Para entender este cuadro, habría que recurrir
a otra teoría del arte: el formalismo o el
emocionalismo.
El formalismo, con su énfasis en los
elementos y principios del arte, es claramente
la teoría más apropiada para aplicar aquí.
¿Por qué? La razón es que el cuadro de
Lichtenstein carece de un tema realista y de la
expresión de un estado de ánimo o sentimiento.
En su lugar, utiliza elementos artísticos
■ FIGURA 4.10 El artista afirma que la inspiración para dividir esta obra
cuidadosamente seleccionados y dispuestos de en cuatro partes le vino de una tarea de dibujo de la escuela primaria...
tal manera que consiguen una sensación ment en el que se le pedía que dividiera su trabajo en cuatro secciones
y repitiera el mismo dibujo en cada una de ellas. ¿Por qué conviene
general de unidad. Su único propósito es recurrir al formalismo y no al imitacionismo al examinar esta obra?
agradar a la vista.
Roy Lichtenstein. Pintura modular en cuatro paneles V. 1969. Óleo y magna sobre lienzo.
137,16 × 137,16 cm (54 × 54 "), cada uno de 4. Colección del Lowe Art Museum, Coral Gables,
Florida. Donación de Jay I. Kislak Mortgage Corporation. 92.0075.

091
 Por otra parte, consideremos el cuadro de emocionalismo. De hecho, este cuadro consigue
Giorgio de Chirico de la figura 4.11. Aunque el transmitir una sensación de gran tensión. La
tema es reconocible, no es cierto sobrecogedora sensación de ansiedad que genera
a la vida. Obsérvese la extraña perspectiva de los el cuadro pretende despertar nuestras emociones.
insólitos edificios, el vagón que parece Es importante recordar que hay que tener en
demasiado frágil para llevar una carga sustancial cuenta las tres teorías en cada investigación
y la luz antinatural que crea zonas brillantes que crítica sobre arte. Tenga en cuenta que una sola
contrastan dramáticamente con zonas de sombra teoría del arte no sólo puede señalar ciertas
oscura. Al mismo tiempo, el cuadro parece cualidades en algunas obras de arte, sino que
ignorar muchas de las reglas del buen diseño en también puede señalar todas las cualidades en
las que insiste el formalismo. Sin embargo, todas las obras de arte.
seguiría considerándose una obra de arte
excepcional si se aplicara otra teoría,
El juicio de un
crítico de arte
Robert ha decidido que La gitana
dormida de Rousseau es una obra de arte
lograda. Además, confía en poder
defender esa decisión refiriéndose a las
cualidades estéticas favorecidas por cada
una de las tres teorías del arte. Se dio
cuenta de cada una de estas cualidades
mientras describía, analizaba e
interpretaba la obra.
Al centrarse en las cualidades literales
durante la descripción, Robert observó
que los objetos representados en el cuadro
podían identificarse fácilmente, aunque no
fueran del todo convincentes. Reconoció
cierta rigidez en la figura del gitano
dormido, y consideró que el león se
parecía al peluche de un niño. Esto
contribuyó a reforzar la idea de que la
escena tenía lugar en un sueño y no en el
mundo real. Robert dudaba de que un
león y un gitano pintados con precisión
hubieran logrado captar la misma
cualidad mágica y onírica.
Robert estaba satisfecho con el diseño
cualidades que identificó durante el
■ FIGURA 4.11 Utilizando la emotividad como guía, el espectador puede percibir análisis. La obra mostraba armonía y
la sensación de inquietud que transmite esta obra perturbadora y estar mejor
variedad en el uso del tono, la textura y
el valor. También le impresionó el modo
en que el tono, el valor, la línea y la
En este cuadro se perciben ciertos sonidos forma se utilizaban para resaltar las
que añaden dramatismo a la escena. ¿Puedes identificar esos sonidos y explicar partes más importantes de la
por qué son importantes? composición, el gitano dormido y el
Giorgio de Chirico. El misterio y la melancolía de una calle. 1914. Óleo sobre lienzo. Colección león.
privada/Bridgeman Art Library. © 2004 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/ SIAE, Roma.

092
Lo que más le gustó fue la forma en que las Gracias a su amplia formación en arte, Robert sabía
gradaciones de valor creaban la ilusión de formas muchas de estas cosas antes de empezar a
tridimensionales que existían en el espacio real. examinar la obra. Reconoció que se trataba de un
Esto hacía que la escena pareciera increíblemente óleo pintado en Francia a finales del siglo XIX.
real, aunque no lo fuera del todo. En opinión de También sabía que la había pintado Henri
Robert, se trata de un cuadro en el que los Rousseau, funcionario de aduanas jubilado.
elementos y principios artísticos se combinan que empezó a pintar a los 40 años. Rousseau era un
eficazmente para producir una imagen artista de los llamados primitivos, sin formación o
sorprendente que es también una composición autodidacta. Rousseau conocía
unificada. poco sobre cómo dibujar, y no estaba
Las cualidades expresivas observadas durante familiarizado con la teoría del color. Pero los
su interpretación del cuadro atrajeron cuadros que creaba eran tan sencillos,
especialmente a Robert. Al principio, mientras inocentes y poéticos que, con el tiempo,
i n t e n t a b a interpretar la obra, trató de Rousseau llegó a ser considerado un genio.
determinar qué estaba ocurriendo en este Aunque Robert pudiera considerar estos y
misterioso y silencioso paisaje desértico. otros indicios externos después de examinar el
Finalmente, decidió que la obra ilustraba un cuadro de Rousseau, es importante señalar que
sueño, aunque hizo un esfuerzo consciente por ignorarlos
no es en absoluto un sueño ordinario. Es un durante su crítica de la obra. Sabía que si los
sueño tan vívido y cautivador que su tenía en cuenta al criticar la obra, podrían influir
Las imágenes y los sentimientos que evocan en su percepción y, en última instancia, en su
permanecen fijos en la mente mucho después de juicio.
que el sueño haya terminado. El principal objetivo de Robert al criticar una
obra de arte es comprenderla a fondo. Usted debe
fijarse el mismo objetivo cada vez que decida
Aprender de examinar de cerca una obra de arte. El
planteamiento en cuatro pasos de descripción,
pistas externas análisis, interpretación y juicio que aquí se
Una vez concluido el examen del cuadro, resume puede ayudarle a alcanzar este objetivo
Robert querrá saber qué han dicho de él otros (figura 4.12). Este enfoque le permitirá
críticos. También querrá saber qué han escrito identificar las cualidades estéticas de una obra y
los historiadores del arte sobre la obra. En este le preparará para tomar y defender sus propias
punto, Robert dirige su atención a pistas decisiones al respecto. Y, lo que es igual de
externas, hechos e información sobre la obra y el importante, hace que tus encuentros con el arte
artista que la creó. Esta información incluye el sean más gratificantes desde el punto de vista
nombre del artista, cuándo y dónde se pintó y el personal.
estilo artístico que representa. Por supuesto,
como crítico experimentado con
OPERACIONES DE CRÍTICA DE ARTE
Descripción Análisis Interpretación Sentencia

Interno Enfoque: Enfoque: Enfoque: Enfoque:

Cues Asunto Organización- Estados de Decisión-
ánimo,
materia y/o cómo los sentimientos, haciendo sobre
principios
elementos de de arte han e ideas de la obra
arte señalado en utilizado para comunicado mérito artístico. ■ FIGURA 4.12
el trabajo. organizar el por el trabajo. Operaciones de crítica de arte
elementos
del arte.

093
 Uso de la estética y las Ahora que está familiarizado con las cualidades
literales, de diseño y expresivas, puede
operaciones de crítica de arte determinar si esas cualidades están presentes en
la obra. Las cuatro operaciones de la crítica de
El crítico de arte utiliza los pasos de la crítica
arte -descripción, análisis, interpretación y juicio-
de arte para identificar las cualidades estéticas de
forman una estrategia de búsqueda que le ayudará
una obra.
a encontrar esas cualidades estéticas. Las tres
Estas cualidades estéticas, a su vez, son claves
primeras operaciones sirven para identificar las
para juzgar el éxito de la obra. Considera ahora
distintas cualidades estéticas que destacan el
la posibilidad de utilizar este proceso en tu
imitacionismo, el formalismo y el
propio beneficio a la hora de examinar y juzgar
emocionalismo. Asegúrate de que tienes en
una obra de arte.
cuenta las cualidades estéticas que favorece
cada una de estas teorías cuando examines el
Actuar como crítico de arte cuadro. Este método le ayudará a emitir juicios
Imagine que se encuentra delante del cuadro inteligentes sobre la obra y a defenderlos con
ilustrado en la figura 4.13. Como razones sólidas.

Reacciones emocionales ante el arte

Antes de empezar a examinar el cuadro de la
figura 4.13, pregúntese si le gusta o no le gusta.
Esta expresión de agrado o desagrado es una
reacción emocional a la obra de arte; todos los
espectadores hacen lo mismo cuando se
enfrentan a una obra de arte. La reacción
emocional ante una obra de arte suele ser muy
profunda y merece ser apreciada.
¿Por qué, entonces, es necesario estudiar la
obra más a fondo, utilizando tus conocimientos
sobre las operaciones de la crítica de arte y las
cualidades estéticas? A menudo, la comprensión
que se obtiene del estudio minucioso de una obra
de arte puede aumentar el placer que se siente al
contemplarla. A veces, un examen minucioso
puede revelar cosas sobre la obra que cambien tu
reacción inicial ante ella. Por ejemplo, puede
descubrir que una obra que al principio
consideraba aburrida y poco emocionante es en
realidad viva y satisfactoria.
Sin embargo, hay una diferencia entre
expresar agrado o desagrado y juzgar. Las
declaraciones emocionales no requieren buenas
razones que las respalden. Los juicios son una
actividad razonada de la mente y, como tales,
pueden cuestionarse. Por eso, los juicios
requieren el apoyo de buenas razones. Es posible
que no te guste un cuadro y que lo consideres una
obra de arte de éxito, del mismo modo que es
posible que te guste un cuadro que consideras de
fracaso. Una reacción emocional ante una obra
■ FIGURA 4.13 Señala cosas en esta obra que sugieran inocencia. difiere de un juicio razonado, pero ambos son
¿Qué ha añadido el artista para sugerir las fuerzas del mal? ¿Por qué
importantes.
¿Es posible decir que este cuadro alude al paso del tiempo?

Francisco Goya. Don Manuel Osorio Manrique de Zúñiga. 1784-1792. Óleo sobre lienzo.
127 × 101,6 cm (50 × 40"). The Metropolitan Museum of Art, Nueva York. Colección
Jules Bache, 1949. 49.7.41.

094
Descripción en la página 88, puedes formular el tipo de
preguntas que debes hacer y responder para
Comience su examen del cuadro de la figura
entender cómo está estructurado este trabajo.
4.13 describiendo las cualidades literales o el tema
(Consulte el capítulo 2, páginas 46 y 47, para
observado en el cuadro. Para ello, responda a las
repasar la forma de formular preguntas utilizando
siguientes preguntas de descripción:
el gráfico de diseño). Plantee y responda preguntas
• ¿Cómo va vestido el niño de este cuadro? sobre el uso de los principios de equilibrio, énfasis,
• ¿El niño parece relajado y natural, o rígido armonía y gradación de valor en esta obra. ¿Las
y posado? ¿Hacia dónde mira?
formas están equilibradas simétrica o
• ¿Dónde se encuentran los gatos en la imagen? asimétricamente? ¿Cómo contribuyen los colores
¿Qué están haciendo? de fondo a la armonía?
• ¿Qué tiene el niño en las manos? ¿A qué ¿Tienen en cuenta sus preguntas todos los
está unido? principios empleados en este cuadro? Puede que
• El pájaro sostiene una carta en el pico. ¿Cuál pienses que hay otros principios en juego en esta
es obra. Si es así, anótalos antes de pasar a la
que aparece en esa tarjeta (Figura 4.14)? siguiente operación de crítica de arte.
• ¿Qué se ve en el suelo a la derecha del
niño?
Su descripción de esta obra también debe Interpretación
incluir un inventario de los elementos artísticos Sus esfuerzos interpretativos se centran en
de la misma. Para ello, pregúntese qué colores y identificar las cualidades expresivas de la obra.
formas se han utilizado. ¿Cuál es el más intenso Las preguntas de interpretación pretenden revelar
o brillante de estos tonos? ¿El espacio es profundo los sentimientos, estados de ánimo e ideas que la
o poco profundo? Responde a las preguntas sobre obra de arte comunica al espectador.
el uso del tono, la forma y el espacio en esta Responda a las siguientes preguntas de interpretación:
obra. • ¿Por qué crees que el niño de esta foto
parece tan rígido y antinatural?
Análisis • Has identificado al chico, los gatos y
Durante el análisis, su atención se dirige a los pájaros de este cuadro. ¿Qué indicios
identificar las cualidades de diseño del cuadro. sugieren que hace poco había otra persona?
Las preguntas de análisis pretenden ayudarle a • El niño parece estar mirando algo...
identificar los principios artísticos utilizados para cosa o alguien fuera de la imagen.
organizar los elementos artísticos observados
durante la descripción. Consultando el cuadro de
diseño

■ FIGURA 4.14
Francisco Goya. Don Manuel
Osorio Manrique de Zúñiga
(detalle).

095
 ¿Las pistas del cuadro sugieren qué o quién descubrió que un cuadro puede juzgarse en
podría ser? función de las tres teorías estéticas. Es decir, puede
• ¿Cómo proporcionan los tres gatos un indica- considerarse un éxito por las cualidades literales
de lo que es probable que ocurra en unos que defiende el imitacionismo, por las cualidades
instantes? de diseño que subraya el formalismo y por las
• ¿Cómo ha sugerido el artista el pasaje cualidades expresivas que destaca el
de tiempo en esta obra? ¿Puedes explicar lo emocionalismo. Es importante señalar que
que ha ocurrido antes y lo que es probable algunas obras pueden considerarse un éxito
que ocurra dentro de uno o dos minutos? incluso si presentan las cualidades estéticas
defendidas por sólo dos o incluso una de estas
teorías.
Sentencia
Juzgar implica tomar decisiones
cuidadosamente meditadas. Recuerde que juzgar Obras de arte no objetivas
no significa expresar agrado o desagrado. Se le El arte no objetivo es cualquier obra de arte
pide que tome una decisión personal sobre el que no contenga ninguna referencia aparente a la
éxito o la falta de éxito de una obra. Además, realidad. Los artistas que crean estas obras dan
debe estar preparado para ofrecer buenas razones una importancia primordial a la forma en que se
que respalden su juicio. utilizan los elementos y principios del arte.
Las preguntas de juicio deben centrar la Cuando examine obras de arte no objetivo, siga
atención en las cualidades estéticas identificadas el mismo procedimiento que utilizaría con una
durante la descripción, el análisis y la obra realista. La única diferencia se produce
interpretación. durante la descripción. Dado que no hay un tema
Estas cualidades estéticas constituyen la base de reconocible que identificar, comience esta
un juicio inteligente y le proporcionan las pruebas operación con un inventario de los elementos
que necesita para defender ese juicio. Responda artísticos.
a las siguientes preguntas: ¿Se trata de una obra Observe la obra de arte no objetiva de la
de arte lograda? ¿Tiene éxito por sus cualidades figura 4.15. ¿Es este cuadro tan diferente de otro
literales, de diseño o expresivas? Tal vez, después que sea una representación literal de alguna parte
de plantear y responder a todas las preguntas de del mundo, como la obra
crítica de arte, tenga

■ FIGURA 4.15.
La superficie tormentosa de este
La pintura pulverizada y
salpicada proporciona una
pista sobre la manera en que
fue creada. ¿Cree que el
cuadro se pintó lenta y
deliberadamente, o rápida e
impulsivamente?

Lee Krasner. Noche de cobalto.

1962. Óleo sobre lienzo. 2,375 ×
4,099 cm (931 ⁄2 × 1613 ⁄8 "). Galería
Nacional de Arte, Washington.
Donación de Lila Achenson Wallace.
2004 Pollock- Krasner
Foundation/Artists Rights Society
(ARS), Nueva York.

096
 ■ FIGURA 4.16
Obsérvese que el
Los detalles de
los edificios
expuestos a
pleno sol parecen
borrosos. ¿Cómo
te sentirías si te
encontraras en
el primer plano
de esta imagen?
¿Te sentirías
diferente si
estuvieras en la
zona del fondo?
¿Por qué?

Jean-Baptiste-Camille
Corot. Vista de Génova.
1834. Óleo sobre papel
montado sobre lienzo.
29,5 × 41,7 cm (111 ⁄2 ×
161 ⁄2"). Art Institute of
Chicago, Chicago,
Illinois. Colección del
Sr. y la Sra. Martin A.
Ryerson, 1937.1017.

Lo que se muestra en la figura 4.15? Ambas

pueden describirse como una cuidadosa disposición
No tiene ningún parecido con un par de
de colores y formas, líneas y texturas utilizadas
zapatos elegantes o un roble majestuoso, y
para crear un efecto visualmente agradable. En
nunca se te ocurriría compararlo con ellos. La
uno, esta disposición de los elementos artísticos se
valoras como una flor, por su color, su forma,
utiliza para crear una imagen que refleja el mundo
sus valores claros y oscuros y su textura.
real. En el otro, el reto de utilizar los elementos
artísticos para crear una composición visualmente A continuación, la artista puede explicar que
estimulante es más importante que tratar de su pintura no objetiva también utiliza colores,
representar un tema de aspecto realista. formas, valores y texturas. Puede que te pida que
lo aprecies por las mismas razones por las que
Suponga por un momento que tiene la
aprecias el tulipán. Probablemente le disuada de
oportunidad de interrogar a la artista que creó el
comparar su obra con otra. Al fin y al cabo, se
cuadro no objetivo de la Figura 4.15. Si le preguntara
trata de un cuadro, ni más ni menos, y como tal
por qué pintó su obra no objetiva, ella podría
debe verse y valorarse.
responderle con su propia pregunta. Si le preguntara
por qué pintó su obra no objetiva, ella podría Un examen cuidadoso puede ayudarle a
responderle con una pregunta. Señalando una comprender y apreciar las pinturas no objetivas y a
flor, quizá un tulipán, podría preguntarte por qué distinguir entre las obras de los distintos artistas
te parece atractiva. que emplean este estilo.
Tal vez mencione el color rojo rubí de la flor, la
forma de los pétalos y el modo en que se unen Los tres cuadros de las figuras 4.17, 4.18 y
para crear una atractiva forma simétrica. También 4.1D de la página 100 tienen algo importante en
podría mencionar el cambio gradual de valores común: rechazan los temas realistas. Para
claros a oscuros evidente en cada pétalo, la suave entenderlos, hay que hacer lo mismo. Cuando lo
textura general de la flor y la graciosa curva del haga, descubrirá que las pinturas y esculturas no
tallo. Por último, podría decir que la admira objetivas pueden proporcionar tanta emoción
simplemente porque es un tulipán, una flor que visual y deleite como cualquier forma de arte
le resulta agradable a la vista. No tiene realista.

097
No objetivo
T stas tres obras comparten un "parecido de familia": Las tres son no objetivas.
Es el mismo tipo de parecido que se puede identificar en tres pinturas de paisajes
realizadas por diferentes artistas.
Los tres pintores no objetivos utilizaron diversos medios y técnicas. Trabajaron
con diferentes elementos y principios del arte para crear tres obras que fueran
visualmente atractivas. En el proceso, crearon pinturas que difieren entre sí tanto
como podrían diferir tres pinturas de paisajes.

2
➤
En este caso, el artista utilizó
En esta obra, el colores de pintura al óleo para dividir el
1 lienzo en secciones irregulares que se
artista utilizó pintura
➤

al temple sobre asemejan a las tierras de labranza vistas desde

papel (figura 4.17). un automóvil a gran velocidad. Acentos de
Creó un intrincado naranja y azul combinados con pinceladas
patrón de líneas vivas dan como resultado una composición
blancas y formas no objetiva que sugiere la luz y el color de
que sugieren la California.
forma escrita de
un lenguaje
misterioso.

■ FIGURA 4.18 Richard Diebenkorn.

Berkeley nº 52. 1955. Óleo sobre lienzo. 1.489 ×
1,368 cm (585 ⁄8 × 537 ⁄8"). Galería Nacional de Arte,
Washington. Donación del Comité de Coleccionistas.

El estilo pictórico de Pollock era revolucionario. Después de colocar sus enormes

3
lienzos en el suelo, se colocaba encima de ellos e incluso caminaba sobre ellos
➤

mientras goteaba, vertía y salpicaba pinturas de palos y pinceles, y a veces del

propio recipiente de pintura. El resultado es un complejo laberinto de líneas y
colores sin principio ni fin aparentes. Este cuadro es tan grande que parece
envolver al espectador y captar toda su atención.

■ FIGURA 4.17 Mark Tobey. ■ FIGURA 4.19 Jackson Pollock. Convergencia. 1952. Óleo sobre lienzo. 237,49 × 393,7 cm
Ecos de Broadway. 1964. Témpera sobre (931 ⁄2 × 155 "). Galería de Arte Albright-Knox, Búfalo, Nueva York. Donación de Seymour H. Knox, Jr., 1956.
2004 Fundación Pollock-Krasner/Sociedad para los Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York.
papel. 132,7 × 64,7 cm (521 ⁄4 × 251 ⁄2").
Museo de Arte de Dallas, Dallas, Texas.
Regalo del artista.

098
Crítica de arte Operaciones se han utilizado los principios del arte para orga-
nizar los elementos. Tenga en cuenta el
y arquitectura significado o la finalidad del edificio durante la
interpretación. Llegados a este punto, puede que le
Puede utilizar las mismas operaciones de
sorprenda descubrir que algunos edificios, como
crítica de arte en un examen crítico de la
las pinturas y las esculturas, pueden comunicar
arquitectura. Durante la descripción, concéntrese en
estados de ánimo y sentimientos inconfundibles
identificar las características principales de un
(Figura 4.20).
edificio: puertas, ventanas, torres y materiales de
El juicio sobre cualquier tipo de arquitectura -
construcción.
como el juicio sobre otras formas de arte visual-
A continuación, enumera los elementos artísticos
debe basarse en lo bien que se han utilizado las
utilizados: colores, líneas, texturas, formas y
distintas cualidades estéticas.
figuras. Al analizar un edificio, observa cómo

■ FIGURA 4.20
Este placer real
palacio fue diseñado
para un príncipe que
más tarde se
convirtió en Rey
Jorge IV de Inglaterra.
Utilizando la
descripción y el
análisis, interpreta la
sensación o el estado
de ánimo que te
produce este edificio.

John Nash. The Royal

Pavilion, Brighton, Inglaterra.
c. 1816-22. Topham Picture Source,
Edenbridge, Kent, Reino Unido.

REPASO DE LA SEGUNDA
LECCIÓN
1. Identifique ¿Qué nombre reciben
los esteticistas que consideran que Apreciar el arte La mayoría de los estudiantes de arte comienzan
lo más importante de una obra de su estudio de las artes visuales siendo capaces de apreciar obras
arte son sus cualidades de diseño? de arte muy realistas. A medida que van aprendiendo sobre
2. Explique ¿Por qué es imposible arte, empiezan a comprender y apreciar las obras abstractas o no
considerar las cualidades literales al objetivas.
examinar obras no objetivas? Actividad Busca una foto realista en una revista. Selecciona y
3. Explique ¿Por qué es importante traza dos o tres de las formas de la foto. En una hoja de papel
tener en cuenta las tres teorías del arte de dibujo blanco, traza las formas y repítelas hasta que tengas
a la hora de hacer una crítica artística? un diseño que cubra toda la página. Utiliza rotuladores o
4. Recordar ¿Cuál es la diferencia entre lápices de colores para colorear. El resultado final será muy
una declaración de agrado/desagrado y diferente al de la foto realista. Comparte y compara tu trabajo
un juicio? con el de los demás alumnos de la clase.

099
 El conservador de un museo de arte emite juicios estéticos.

P
ontar una exposición de arte no es tan
sencillo como colgar unos cuadros en una

SEAN BUSHER/MUSEO DE ARTE DE LA

pared.
pared. Si no que se lo pregunten a Carla M.
Hanzal, conservadora de arte contemporáneo
del Museo Mint de Charlotte (Carolina del
Norte). Hanzal estaba a cargo de una
exposición titulada Revelations: Una nueva

MENTA
mirada a las colecciones contemporáneas.
Para crear la exposición hubo que tomar
muchas decisiones difíciles. Hanzal quería
que la exposición contara la historia del
desarrollo del arte contemporáneo, desde los
años sesenta hasta la actualidad. Para
seleccionar a los artistas y sus obras, Hanzal
dijo que
tuvo que responder a las siguientes Los visitantes de la exposición Revelaciones contemplaron dos pinturas
preguntas: ¿Era interesante la obra? ¿Era recientes de amapolas del artista estadounidense Donald Sultan.
conocido el artista? ¿En qué medida la obra
¿ejecutado? (Incluso los artistas famosos producen a veces obras menos que
geniales.) Al tomar decisiones para el Apocalipsis, Hanzal quiso representar lo
regional,
artistas nacionales e internacionales. En la zona de Charlotte existe una fuerte
tradición artesanal. Hanzal pretendía mostrar que Charlotte también produce otro
tipo de artistas. Venga de donde venga la obra de arte, dice Hanzal, "hay que
confiar en el ojo y el instinto" a la hora de elegirla.
Una vez que Hanzal seleccionó las obras, tuvo que decidir cómo ordenarlas.
En lugar de colocar las obras en orden cronológico, Hanzal las
agrupó por temas, como el medio ambiente, la naturaleza y la
SEAN BUSHER/MUSEO DE ARTE DE LA
búsqueda de identidad. Esto, dice, demostró que "artistas de distintas
épocas tratan los mismos temas". Muchas de las obras procedían de
coleccionistas locales. Hanzal se alegró de que los residentes
locales pudieran ver qué obras de arte son importantes para sus
vecinos. A muchos niveles, las exposiciones de arte como ésta son... una
revelación.
MENTA

TIEMPO DE CONECTAR
Imagine que es comisario y le han pedido que presente una exposición
sobre un tema de su elección.
• ¿Cuál sería el tema? ¿Qué artistas y obras elegiría? ¿Cómo ordenaría
las obras: por orden cronológico, por artista, por soporte o de otra
forma?
• Dale un nombre a la exposición y escribe una introducción a tu Un trabajador instala las luces del Jardín
Zen de Chen Zhen, un artista chino. La
"catálogo de la exposición". En ella, explique la idea de la exposición comisaria Carla Hanzal estaba decidida a
y cómo encajan las obras en el marco de su tema. Utiliza ejemplos incluir obras internacionales en
de las obras que incluirías. Revelations.

100
Repasar los hechos
Primera lección
4 REVISIÓN
Pensar críticamente
1. ANALIZAR. Dos esteticistas observan uno de los
1. ¿Cuáles son las cualidades cuadros ilustrados en este capítulo. Uno
estéticas?
2. Al examinar una obra de arte, ¿a qué tipo de afirma que la obra es un éxito porque registra con
preguntas busca respuesta un crítico? precisión los rasgos y la expresión del sujeto. El otro
3. ¿Cómo influyó la falta de huellas en la arena afirma que es un éxito porque el contraste de valores
alrededor de la gitana en la interpretación de Robert de claros y oscuros ayuda a dirigir la atención hacia las
La gitana dormida? partes más importantes de la obra. ¿Qué obra
4. ¿Por qué el juicio es un paso tan importante en el examinan? ¿Qué teoría estética defiende cada
proceso de la crítica de arte? esteticista?
Segunda lección 2. AMPLIAR. Imagina que un día descubres un cuadro en
5. ¿Por qué no hay una única teoría del arte que sea el que parece que sólo hay manchas de pintura, pero
adecuada a la hora de examinar y juzgar diferentes que te resulta agradable. Entonces descubres que has
obras de arte? sostenido el cuadro de lado y que se trata de una cesta
5. ¿Dónde acuden los críticos para saber más sobre de fruta. Explica qué cualidades estéticas te han
una obra después de haberla examinado mediante parecido acertadas en esta obra.
las operaciones de la crítica de arte?
7. ¿Por qué el crítico suele evitar referirse a pistas
externas al criticar una obra?
8. ¿En qué hacen hincapié los artistas no objetivos a la Revisa las críticas que has realizado durante
hora de crear sus obras? el estudio de este capítulo. Organiza tus notas y
guarda un archivo electrónico en tu carpeta
digital. Consulta tus notas de vez en cuando
para revisar tus progresos.

Lee las tres minicríticas de la Figura 4.8, página 92, y ¿Cuál es la crítica que mejor se ajusta al punto
responde a la pregunta. de vista de su autor?
A. Más que contar la historia bíblica de María A: Imitacionalista, B: Emocionalista,
C: Formalista
Magdalena, esta obra se centra en su estado de
ánimo. La vela crea un ambiente dramático.
A: Formalista, B: Emocionalista,
B. Cada detalle de la superficie está pintado con C: Imitacionalista
meticulosa atención. La calavera pulida, los libros A: Emocionalista, B: Imitacionalista,
de cuero, los pliegues de la blusa... cada uno es C: Formalista
distinto y está elaborado con minuciosa precisión.
A: Imitacionalista, B: Formalista,
C. Una composición sencilla de formas verticales C: Emocionalista
y horizontales ayuda al cuadro a lograr un
equilibrio entre forma y luz.

101
 5
Historia del Arte
H ¿Ha estado alguna vez en un museo de arte o ha visto un programa de
televisión sobre la historia del arte? ¿Sabe qué influye en los artistas y
¿Cómo eligen los artistas sus temas? ¿Dónde se puede encontrar información
sobre la vida de un artista o sobre sus obras de arte? Mientras que la crítica de
arte se centra en las cualidades estéticas de una obra de arte, la historia del arte
nos ayuda a conocer las obras de arte y a los artistas que las crearon. La crítica
de arte y la historia del arte centran su atención en las obras de arte, pero desde
puntos de vista diferentes. Como aprenderás en este capítulo, la crítica y la historia
del arte pueden utilizar el mismo enfoque, que incluye la descripción, el análisis,
la interpretación y el juicio.

Leer para descubrir A medida que lea este capítulo, ajuste su

propósito de lectura entre el punto de vista de un crítico de arte y el de
un historiador del arte. Lee para descubrir los pasos del enfoque de la
historia del arte y cómo aplicarlos. Averigua cómo puedes combinar la
crítica de arte y la historia del arte para examinar obras de arte.

Actividad de enfoque Observe el mural de la figura 5.1. En primer lugar,

imagina que eres un crítico de arte. ¿Cuál es el t e m a ? ¿Qué principios
artísticos utilizó el artista para disponer los elementos artísticos? ¿Qué
estados de ánimo, sentimientos e ideas expresó el artista en la obra? Ahora
imagina que eres historiador del arte. ¿Cuándo, dónde y quién creó el
mural? ¿Qué características muestran el estilo artístico del mural? ¿Cómo
influyeron la época y el lugar en el artista? Combina la información de tus
papeles de crítico e historiador. Escribe tus juicios sobre la obra.

Utilizar la cronología Busca más obras de arte de este capítulo en la

cronología. Fíjate en los hechos y acontecimientos históricos que pueden
ayudarte a comprender cómo el tiempo y el lugar influyen en las obras de
los artistas.

1700
Ogata Korin
Olas en Matsushima c. 1926-36
El artista y su
madre
1915 de Arshile Gorky
1914 Arshile Gorky
1910 Comienza la y su familia,
Comienza la Primera huyen de la
(Detalle) Revolución Guerra guerra en
Mundial (Detalle. Crédito, p. 115)
Mexicana Turquía
Las influencias culturales
afectan a los estilos Las experiencias
1700 artísticos 1900 1920 personales influyen
en los artistas

102
 ■ FIGURA 5.1 Diego Rivera. La cultura creativa del Norte se desarrolla a partir de la necesidad de hacer posible la vida en un mundo
en constante cambio.
Tierra nueva y vacía, Panel 5. 1940. Fresco. Mural del City College de San Francisco, San Francisco, California.

1932 1974
Apogeo de la Gran 1935 Edouard Manet
Depresión Panel mural creado pintó Náutica
por Diego Rivera (Detalle. Crédito, p. 119)

1930 1950 1970

El patrimonio histórico y cultural El tiempo y el lugar influyen
se refleja en las obras de arte en el tema

103
 PRIMERA LECCIÓN

Historia del Arte: Una búsqueda de

información
Vocabulario
■ estilo A Por un lado, los críticos del arte centran su atención en obtener información
de las obras de arte. Los historiadores del arte, por su parte, se dedican a
recopilar información sobre las obras de arte y los artistas que las crearon. Los
Descubra métodos utilizados por críticos e historiadores suelen consistir en las mismas
Después de completar esta cuatro operaciones: descripción, análisis, interpretación y juicio.
lección, serás capaz de:
Los historiadores, sin embargo, trabajan desde un punto de vista diferente
■ Identifique y discuta los cuatro
pasos del proceso de la historia cuando aplican estas cuatro operaciones a su estudio del arte. Durante sus
del arte. exámenes, intentan encontrar respuestas a preguntas como éstas:
■ Explicar el valor de utilizar
• ¿Cuándo, dónde y por qué se creó la obra?
operaciones de historia del arte
para examinar obras de arte. • ¿Qué estilo de arte representa?
• ¿Qué artistas, obras de arte u otras influencias inspiraron al artista?
• ¿Qué impacto tuvo el artista o la obra en la historia del arte?
Los historiadores nos proporcionan fechas y otros datos biográficos y
sociales sobre el arte. Gracias a sus esfuerzos, sabemos qué creó un artista en un
momento y lugar determinados. También sabemos por qué se creó, cómo
reaccionó la gente cuando se expuso por primera vez y cómo siguió
reaccionando con el paso del tiempo. Para los historiadores del arte, las obras
de arte son documentos visuales que reflejan las ideas, los valores, los miedos,
las creencias, las supersticiones y los deseos que han caracterizado a todas las
sociedades de todas las épocas, desde la Prehistoria hasta nuestros días.

Historia del Arte

Para comprender mejor la historia del arte y aprender cómo los
historiadores del arte recopilan información sobre el arte, siga a una
historiadora del arte imaginaria llamada Helen mientras estudia un cuadro. La
obra que está examinando es un emocionante cuadro de un desfile en Nueva
York (Figura 5.2).
Reconociendo la necesidad de un plan de acción, Helen decide seguir los
mismos pasos de descripción, análisis, interpretación y juicio que utilizan
muchos críticos de arte. Su método diferirá en que utilizará estos pasos para
reunir hechos e información sobre la obra y el artista que la creó. Dado que
Helen aplica estos pasos desde el punto de vista de un historiador del arte, aquí
se hace referencia a ellos como operaciones de historia del arte.
En el plan de Helen:
• La descripción implica descubrir cuándo, dónde y por quién fue
realizado el trabajo.
• El análisis consiste en descubrir las características únicas de una obra de arte que
determinar su estilo artístico.
• La interpretación implica descubrir cómo influye en el artista el mundo que
le rodea.
• El juicio implica tomar una decisión sobre la importancia de una obra en
la historia del arte.

104
Descripción Pintor estadounidense llamado Childe Hassam
Durante la descripción, la primera (hah-sem). El título del cuadro incluye la fecha
operación, Helen intenta determinar quién del acontecimiento representado, así como el
pintó la obra y cuándo y dónde se creó. En este año en que fue pintado. Como Hassam nació en
caso, sus conocimientos de historia del arte le 1859, Helen sabe que este cuadro se pintó
permiten identificar al artista como un cuando el artista tenía 58 años.

■ FIGURA 5.2 Al igual que los pintores franceses contemporáneos, Hassam eligió un punto de vista
elevado sobre una calle abarrotada de gente. ¿Cómo le ayudó este punto de vista a crear una sensación
de espacio?

Childe Hassam. Día de los Aliados, mayo de 1917. 1917. Óleo sobre lienzo. 92,7 × 76,8 cm (361 ⁄2 × 301 ⁄4"). National Gallery of Art,
Washington D.C. Donación de Ethelyn McKinney en memoria de su hermano, Glenn Ford McKinney.

105
 Otras veces, Helen no reconocía tan manera de utilizar los elementos y principios del
fácilmente al artista. En ese caso, tendría que arte para reproducir lo que ven y expresar sus
examinar la obra detenidamente para ver si ideas y sentimientos. Por ejemplo,
contiene una firma. Si se encuentra una firma, El estilo de Pierre-Auguste Renoir, conocido como
podría ser el nombre de un artista con el que Impresionismo, utilizaba toques y manchas de
Helen no está familiarizada. En ese caso, colores brillantes para reproducir en el lienzo los
tendría que investigar sobre el artista. efectos fugaces de la luz, la sombra y el color sobre
La información suele encontrarse en fuentes las formas naturales (Figura 5.4). Vistos de cerca,
fácilmente accesibles. En ocasiones, sin embargo, sus cuadros parecen un revoltijo de toques de
hay que dedicar mucho tiempo y esfuerzo a la color. Sin embargo, cuando se ven de lejos, estos
investigación antes de descubrir todos los datos colores se mezclan a los ojos del espectador,
importantes sobre un artista. revelando sujetos que parecen bañados por la luz
Otras veces, por supuesto, no se encuentra del sol. En este caso, el estilo pictórico del artista
ninguna firma en la obra. Incluso tras una larga es tan personal y distintivo como su firma. (Véase
investigación, puede resultar imposible saber también la figura 483, página 483, para otra
con certeza quién la creó. En esos casos, Helen ilustración del estilo pictórico de Renoir).
tendría que hacer una conjetura bien Tras muchos años de estudio, los
fundamentada, basada en la información que historiadores son capaces de reconocer las
haya podido reunir. Por ejemplo, no es posible principales características del estilo de un artista.
identificar con certeza al artista que creó el También aprenden que este estilo suele
manuscrito de la figura 5.3. desarrollarse gradualmente a medida que madura
la especial forma de ver del artista y se
Análisis perfeccionan sus habilidades artísticas. Un
Los artistas expertos tienen una forma especial historiador que haya estudiado la evolución del
de ver y desarrollan sus propias maneras de estilo de un artista suele ser capaz de determinar
mostrarnos lo que ven. Los historiadores se si una obra de arte se realizó al principio o al final
refieren a esto como el estilo individual del de la carrera de ese artista.
artista, o estilo personal.

■ FIGURA 5.3 No existe una identificación positiva del artista que creó este primitivo paisaje chino, pero
durante siglos se ha atribuido al maestro del siglo X Dong Yuan. ¿Cree que los museos
debería exponer obras creadas por artistas desconocidos? ¿Por qué sí o por qué no?

Anónimo (anteriormente atribuido a Dong Yuan). Tiempo despejado en el valle. Siglo XIII. Manuscrito, tinta y color claro
sobre papel. 37,5 × 150,8 cm (143 ⁄4 × 593 ⁄8 "). Cortesía, Museo de Bellas Artes de Boston, Massachusetts. Fondo especial chino y japonés.

106
■ FIGURA 5.4 El cuadro de Renoir muestra la pintura de otro artista, Claude Monet. Puedes suponer que el
cuadro de Monet tendrá mucho en común con el de Renoir, ya que ambos artistas emplearon el mismo estilo
pictórico,
Impresionismo. Se dice que los artistas impresionistas "pintan lo que el ojo ve, no lo que la mente sabe que está
ahí". ¿Qué cree que significa esta afirmación?

Pierre-Auguste Renoir. Monet pintando en su jardín de Argenteuil. 1873. Óleo sobre lienzo. 46,67 × 59,69 cm (183 ⁄4 × 231 ⁄2"). Ateneo Wadsworth,
Hartford. Legado de Anne Parrish Titzell. 1957.614. 2004 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/ ADAGP, París.

■ FIGURA 5.3 (continuación)

107
 Para ilustrar mejor este punto, examinemos las
tres pinturas de ciudades de las figuras 5.5, 5.5
y 5.7. Cada una de ellas ilustra la visión personal
de cada artista sobre el mismo tema,
representado con su propio estilo. Cada uno de
ellos ilustra la visión personal del artista sobre el
mismo tema, representado con su propio estilo.
Durante el análisis, el historiador intenta
identificar el estilo de una obra de arte estudiando
sus rasgos distintivos. Cuando Helen examina el
cuadro de Hassam (Figura 5.2, página 107),
reconoce los rasgos que caracterizan el estilo
individual del artista. Por ejemplo, observa que
utiliza tonos fuertes y puros. Los rojos, amarillos
y verdes están muy juntos para captar la vibrante
y brillante luz del sol.
de un día de primavera. Cuando se observan a
distancia, estos tonos se mezclan y confunden
igual que en la naturaleza. Helen también observa
■ FIGURA 5.5 A finales de su vida, la vista de Pissarro empezó a fallar y que los detalles y los bordes de las formas
no pudo pintar al aire libre. Entonces pintó escenas callejeras urbanas
vistas parecen difuminados (figura 5.8). No hay
a través de la ventana de un hotel. ¿Cómo es posible afirmar que énfasis ni centro de interés a los que se dirige la
Pissarro utilizaba una "taquigrafía pictórica" al crear obras como ésta?
mirada del espectador.
Camille Pissarro. Boulevard des Italiens, Mañana, Luz del sol. 1897. Óleo sobre lienzo. Helen se da cuenta de que estos rasgos
73,2 × 92,1 cm (287 ⁄8 × 361 ⁄4"). National Gallery of Art, Washington, D.C. Colección caracteri
Chester Dale.
izar un estilo artístico particular en el que el
artista intenta representar exactamente lo que el ojo
ve en un momento dado. Desde el punto de vista de
la pintura, en lo alto de la Quinta Avenida de
Manhattan, mirando a la entusiasta multitud, la
excitante música de las bandas de música y el
colorido despliegue de banderas ondeando al
viento, a la mayoría de los espectadores les
resultaría difícil saber dónde mirar primero.
Obtienen una impresión general del conjunto más
que un conocimiento profundo de alguna de sus
partes. Esta es la impresión que Hassam quiso
plasmar en su cuadro.
Durante el análisis, Helen también intenta
agrupar el cuadro de Hassam con obras que
tienen los mismos rasgos estilísticos pero que
han sido pintadas por otros artistas. Sabe que
muchas obras de arte tienen un "parecido de
familia", lo que permite a los historiadores
agruparlas como parte de un movimiento
artístico. Los artistas de un determinado
movimiento artístico comparten un estilo
similar.
■ FIGURA 5.6 Dubuffet aplicaba su pintura en capas gruesas y
pesadas, como una capa rugosa de yeso. ¿Por qué crees que el artista Helen no tarda en darse cuenta de la existencia
agrupó
¿habitantes hacinados sin tocarse nunca?
de un movimiento artístico al seguir estudiando el
cuadro de Hassam. Observa que el cuadro está
Jean Dubuffet. Business Prospers, (de la serie Paris Circus). 1961. Óleo sobre lienzo. compuesto por pintura de colores brillantes
165,1 × 220 cm (5'5"× 7'25 ⁄8"). Museo de Arte Moderno de Nueva York. Donación de la aplicada con pinceladas cortas, una al lado de la
Sra. Simon Guggenheim. © 2004 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/ ADAGP,
París. otra. que le dan un aspecto abocetado. Al estar
creadas con trazos abruptos de color, las formas
de la obra pierden gran parte de su solidez.

108
Mirando más de cerca, observa que las sombras Impresionistas. Ningún otro pintor estadounidense
y las luces no están pintadas en blanco y negro. adoptó con tanto éxito el estilo impresionista
Por el contrario, están representadas en valores como Childe Hassam.
claros y oscuros de varios tonos.
Helen conoce la razón de Hassam para utilizar Interpretación
pinceladas cortas y seleccionar y colocar Al interpretar esta obra de arte, Helen se
cuidadosamente los tonos intensos en su cuadro. centra en la influencia del tiempo y el lugar en
Intentaba captar el efecto parpadeante de la luz el artista. Se da cuenta de que las imágenes del
del sol sobre edificios y estandartes. Una vez que mismo tema, creadas en distintos momentos o
ha llegado a esa conclusión, Helen puede agrupar lugares, pueden tener poco en común. Por
el cuadro con otras obras en las que el efecto de ejemplo, los cuadros de las figuras 5.D y 5.10
la luz solar sobre el tema es un rasgo estilístico de la página 112 representan olas rompiendo
importante. Este tipo de cuadros fueron creados contra las rocas. Sus diferencias reflejan el
en el siglo XIX por un grupo de pintores contraste de tradiciones y valores que
franceses conocidos como influyeron en cada artista.

■ FIGURA 5.7 Leger incluyó ciertos detalles

urbanos reconocibles para describir la
excitación de la ciudad.
de la ciudad. ¿Qué detalles asociados a la
ciudad pueden identificarse en este cuadro?

Fernand Léger. La Ciudad. 1919. Óleo sobre lienzo. 2.31 × 4.5 m

(7'7"× 14'9"). Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia, Pensilvania.
Colección A. E. Gallatin. ©2004 Artists Rights Society (ARS), Nueva
York/ADAGP, París.

■ FIGURA 5.8
Childe Hassam. Día de los Aliados, mayo de 1917
(detalle).

109
Influencias culturales en
A rt
Tdistintas
stas dos obras del mismo tema fueron pintadas en épocas diferentes y en
partes del mundo.

1
➤
Esta pintura
serigráfica
(Figura 5.9) revela
las delicadas líneas
y las olas en forma
de espuma
preferidas por
muchos artistas
japoneses. Aunque
refleja un profundo
aprecio por la
naturaleza, el
cuadro no hace
ningún esfuerzo por
reflejarla.
En cambio, sirve ■ FIGURA 5.9
para inspirar la Ogata Korin (atribuido a). Olas en Matsushima. Periodo Edo. Siglo XVIII. Biombo de seis paneles; tinta,
contemplación colores y oro sobre papel. 155 × 370 cm (5'8" × 12'13"). Cortesía del Museo de Bellas Artes de Boston,
tranquila y la Massachusetts. Colección Fenollosa-Weld.
meditación por
parte del
espectador.

➤
2
Este cuadro del
mismo tema en
La figura 5.10 capta
de forma realista la
fuerza de las olas que
rompen contra una
costa rocosa. La
ominosa fuerza del
mar despierta tanto
asombro como temor
en el espectador.

■ FIGURA 5.10
Winslow Homer. Weatherbeaten. 1894. Óleo sobre lienzo. 72,39 × 122,55 cm (281 ⁄2 × 483 ⁄8"). Museo de Arte de Portland,
Maine. Legado de Charles Shipman Payson.

110
 Los entornos reales de tiempo y lugar ejercen Hassam no se limitó a pintar un solo cuadro de
una poderosa influencia sobre los artistas. esta escena. Pintó varias vistas diferentes, incluida una
Afectan a las ideas y sentimientos que los que muestra las banderas desde un punto de vista más
artistas se forman e influyen en la manera en que bajo (figura 5.11). En 1918, sólo cuatro días después
los artistas expresan esas ideas y sentimientos. El de la firma del armisticio, todos los coloridos cuadros
tiempo y el lugar influyen incluso en las de banderas de Hassam se expusieron en una galería de
herramientas y los materiales que los artistas Nueva York.
utilizan para transformar sus ideas en formas Parece apropiado que las pinturas creadas para
visuales. conmemorar la entrada de Estados Unidos en la
Para determinar cómo influyeron el tiempo y guerra marcaran también su victoriosa
el lugar en Hassam, Helen recurre a varias conclusión.
fuentes. Consulta libros de historia, biografías,
artículos de revistas y entrevistas publicadas con
el artista o con personas que lo conocieron. De
ellas aprende que Hassam descubrió el
impresionismo durante un viaje a Europa entre
1886 y 1889. Admiraba los intentos de los
impresionistas de ver y pintar
el mundo con una nueva frescura. Influenciados
por la investigación científica sobre el color y la
luz y por la recién descubierta cámara
fotográfica, los impresionistas pintaban cuadros
que parecían vistas no estudiadas y cándidas de
con-
escenas temporales. (Véase la figura 5.5, página
110.) En su esfuerzo por captar los efectos
momentáneos de la luz sobre diferentes
superficies, desarrollaron un estilo pictórico que
utilizaba colores brillantes y pinceladas
abocetadas. Los tradicionalistas recibieron este
nuevo estilo con desconcierto, pero Hassam lo
apreció y lo adoptó.
Inspirado por el ambiente patriótico que
marcó la entrada de Estados Unidos en la
Primera Guerra Mundial, Hassam pintó el
primero de sus muchos cuadros de banderas
hacia 1916. El título del cuadro revela que fue
pintado un año después, en la primavera de
1917. Los días 9 y 11 de mayo de ese año,
representantes de Francia y Gran Bretaña
llegaron a Nueva York para ayudar a preparar
los planes de participación de Estados Unidos en
la guerra. Esto provocó un frenesí patriótico en
el centro de Manhattan. Se celebraron desfiles
en la Quinta Avenida y los edificios se
engalanaron con banderas británicas, francesas y
estadounidenses, simbolizando la unidad de las
tres naciones en la lucha por la democracia. El ■ FIGURA 5.11 Cada manzana del recorrido del desfile estaba
cuadro de Hassam presenta un espectáculo de decorada con la bandera de una nación. ¿Cómo se sugieren el
espacio y el movimiento
estandartes de vivos colores que llenan el claro ¿Qué ocurre en esta obra? ¿Qué ocurre cuando se pasa de un primer plano
azul de este cuadro a una visión más distante?
cielo y el cañón entre los altos edificios de la
Childe Hassam. Avenida de los Aliados. Brasil, Bélgica, 1918. 1918. Óleo sobre lienzo. 92,2 × 61,8 cm
ciudad. Casi ocultos a la vista están los
(365 ⁄16 × 245 ⁄16"). Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, Los Ángeles, California. Sr. y
manifestantes, los curiosos y los vehículos que Colección de la Sra. de William Preston Harrison. ©2004 Artists Rights Society (ARS), Nueva
circulan por la concurrida calle. York/ADAGP, París.

111
 Sentencia La figura 5.12 ilustra el tipo de información, o
pistas externas, que debe buscar en cada uno
El examen de Helen del cuadro de Hassam
de estos pasos de la historia del arte.
llega a su fin cuando toma una decisión sobre su
importancia histórica. Algunas obras de arte se
consideran más importantes porque son las
primeras expresiones de un nuevo estilo o técnica.
Valor de la Historia del Arte
Como tales, inspiran a los artistas que las siguen. Algunas personas pueden evitar el reto de
Otras obras se valoran porque son excelentes llevar a cabo un examen histórico diciendo: "Me
ejemplos del estilo plenamente desarrollado de un gusta (o me disgusta) la obra y, en consecuencia,
gran artista. no veo ninguna razón para aprender nada sobre
La fecha del cuadro de Hassam, 1917, revela ella". Supongamos por un momento que se les
que fue pintado cuando Hassam había alcanzado muestra la obra ilustrada en la figura 5.13.
su pleno potencial como artista. Demuestra de Incluso los espectadores que no sintieron ningún
manera convincente el dominio absoluto del interés inicial podrían verse tentados a
artista del estilo impresionista para captar el contemplarlo más de cerca si se enteraran de las
aspecto y la sensación de un acontecimiento circunstancias inusuales que llevaron al artista a
contemporáneo visto de un rápido vistazo. Con pintarlo. Una mirada más detenida podría incluso
cuadros como éste, Hassam consolidó su hacerles cambiar de opinión sobre el cuadro.
importancia como uno de los pintores El artista, Arshile Gorky, nació en los bosques
impresionistas más destacados de Estados Unidos. montañosos de la Armenia turca en 1905. Cuando
No es sorprendente, pues, que Helen declare que tenía cuatro años, su padre emigró solo a Estados
la pintura de Hassam fue un éxito. Unidos para evitar servir en el ejército turco. Dejó
El examen de Helen del cuadro de Hassam a Gorky y a sus hermanas al cuidado de su joven
demuestra que es posible reunir una gran madre.
cantidad de información sobre una obra de arte Cuatro años más tarde, Gorki y su madre
utilizando las cuatro operaciones o pasos de la posaron para una fotografía que fue enviada a su
historia del arte. Puedes utilizar estos mismos padre a Providence, Rhode Island. Luego, en
pasos siempre que quieras saber más sobre una 1915, un sangriento conflicto entre turcos y armenios
obra de arte concreta y el artista que la creó.

OPERACIONES DE HISTORIA DEL ARTE

Descripción Análisis Interpretación Sentencia

Exterior Determine Identifique Más información Utilice

Cues cuándo, dónde, único tiempo y información
y por quién características a lugar para hacer un
el trabajo fue determine influyó en la decisión sobre
Hecho. estilo artístico. artista. de la obra
importancia
en la historia
del arte.

■ FIGURA 5.12 Operaciones de Historia del Arte

112
vivir dentro de las fronteras turcas provocó
que la asustada madre, su hijo y su
hijas para huir de Turquía. Recorrieron 240 km
para ponerse a salvo en la Armenia rusa. La difícil
marcha por terreno accidentado y las penurias
que soportaron en Rusia fueron demasiado para
la madre de Gorki. En 1919, sólo cuatro años
después de su llegada, murió de hambre en
brazos de su hijo. Sólo tenía 39 años y su hijo 14.
Poco después de la muerte de su madre,
Gorki consiguió emigrar a Estados Unidos. Allí,
inspirándose en la fotografía tomada años antes,
pintó el inquietante retrato doble de sí mismo y
de su madre. No cabe duda de que este
conocimiento mejoraría la comprensión del
cuadro.
Por supuesto, no todas las obras de arte tienen
una historia detrás. Sin embargo, los espectadores
que no buscan esas historias corren el riesgo de
perderse información importante y a menudo
fascinante sobre el arte y los artistas.

■ FIGURA 5.13 Observe la inquietante cualidad del rostro del joven

de este cuadro. ¿Qué sentimientos o estados de ánimo
¿Comunicarse?

Arshile Gorky. El artista y su madre. c. 1926-36. Óleo sobre lienzo. 152,4 × 127 cm
(60 × 50"). Whitney Museum of American Art, Nueva York. Regalo de Julien Levy para Maro y
Natasha Gorky en memoria de su padre.

REPASO DE LA PRIMERA
LECCIÓN
Repasar los hechos artísticos
Descubrir la historia del arte Examinar de cerca una obra de arte
1. Identificar ¿Cuáles son las cuatro
utilizando las operaciones de la historia del arte puede
etapas de las operaciones de historia
aumentar tu comprensión de una obra de arte. El artista y la
del arte?
época en que se creó la obra. El artista casi siempre se ve
2. Describir ¿En qué se diferencian estos
influido por la época y el lugar en que se crea la obra.
cuatro pasos cuando los utilizan los
historiadores del arte y los críticos de Actividad Utilizando los recursos disponibles, busca una obra
arte? de arte que te interese. Trabaja como historiador del arte,
3. Explique ¿Qué se entiende por estilo utilizando las operaciones de descripción, análisis,
personal de un artista y qué papel interpretación y juicio. Utiliza la tabla de Operaciones de la
desempeña en los esfuerzos del Historia del Arte de tu texto como guía para tu investigación.
historiador por identificar las obras de Crea una presentación digital de tu investigación y comunica tus
arte como representativas de conclusiones a la clase.
movimientos artísticos?
4. Recordemos ¿En qué centra su atención
el historiador del arte durante la
interpretación?

113
 SEGUNDA LECCIÓN

Historia del arte

Descubra espués de saber cómo examina una obra de arte un historiador del arte,
Después de completar esta
lección, serás capaz de:
■ Utiliza los cuatro pasos de las
H es posible que a usted le apetezca hacer lo mismo. A diferencia de las
operaciones de crítica de arte,
que extraen información exclusivamente de la obra de arte, las operaciones de
operaciones de historia del arte historia del arte requieren que tenga acceso a recursos históricos. Las mejores
para recopilar información sobre
una obra de arte. fuentes de información histórica son los libros y artículos sobre arte. Su lectura
■ Explique cómo se pueden utilizar ampliará sus conocimientos de historia del arte y le permitirá, en última instancia,
las operaciones de crítica de arte recurrir a ellos cuando busque respuestas a las preguntas planteadas por las
y las operaciones de historia del operaciones de historia del arte.
arte para examinar una obra de
arte.
Actuar como historiador del arte
Imagine por un momento que visita un museo de arte y que ha comprado
una guía ilustrada de la colección del museo. Las guías de este tipo suelen
ofrecer información sobre las obras y los artistas que las crearon. Con la guía
en la mano, se pone en marcha, examina las numerosas pinturas y esculturas
expuestas y lee las notas pertinentes de la guía. Pronto descubre que su ritmo se
ha acelerado y que cada vez lee menos. Al darse cuenta de que no puede
estudiar detenidamente todas las obras, decide centrar su atención en unas
pocas y examinarlas mediante las operaciones de historia del arte. Consultando
la guía ilustrada del museo, selecciona un cuadro de una joven leyendo un libro
como primera obra a examinar de este modo (Figura 5.14).

Descripción
Comience sus operaciones históricas con la descripción, lo que requiere que
responda a las siguientes preguntas:
• ¿Quién creó la obra?
• ¿Dónde se hizo?
• ¿Cuándo se hizo?
Afortunadamente, esta información figura en la etiqueta junto al cuadro. Se
sabe que la obra fue realizada por Berthe Morisot (bairt maw-ree-zoh), una
pintora francesa que la terminó en 1888. Morisot tituló su cuadro La Lecture, o
Lectura. Aunque la artista solía utilizar a su hija Julie como modelo, en este
caso recurrió a una modelo que se parecía mucho a su hija. Consultando a su
guía, se entera de que Morisot nació en una familia acomodada de Bourges
(Francia) en 1841. Murió en París en 1895.

Análisis
Durante el análisis, responderá a estas preguntas:
• ¿Cuáles son los principales rasgos o características de la obra?
• ¿Representa un estilo artístico concreto? En caso afirmativo, ¿cuál es ese estilo?

114
 Tal vez haya notado algo familiar en la forma pintando el rostro de la niña. Una leve sonrisa
en que Morisot pintó este cuadro. Mírelo de de satisfacción sugiere que está leyendo un
nuevo con atención. Al igual que el cuadro de pasaje divertido, aunque el espectador tiene la
Hassam (Figura 5.2, página 107), esta obra utiliza el sensación de que esa expresión puede cambiar
mismo estilo impresionista, con sus toques y en cualquier momento. El esfuerzo por centrar
toques de pintura de colores brillantes, sus la atención en el rostro de la niña queda patente
bordes difuminados y los detalles que hacen que en el contraste entre el color rojo de su pelo y
gran parte de la obra parezca borrosa y las hojas verdes de las palmeras que se curvan
ligeramente desenfocada. sobre ella. Estas hojas de palmera tienen otro
Estudiando la obra más de cerca, se observa propósito: repiten la forma de la cabeza
que Morisot utilizó más detalles cuando inclinada de la niña.

■ FIGURA 5.14 Este cuadro muestra una calidad espontánea y vibrante, como si la artista se hubiera
apresurado a terminarlo antes de que el sujeto cambiara de posición. ¿Qué ha hecho la artista para
destacar a la niña como centro de la imagen?
de interés?

Berthe Morisot. La Lecture (Lectura). 1888. Óleo sobre lienzo. 74,29 × 92,71 cm (291 ⁄4 × 361 ⁄2"). Museo de Bellas Artes, San Petersburgo,
Florida. Adquisición del museo en memoria de Margaret Acheson Stuart. 1981.2.

115
 El fondo está pintado con pinceladas rápidas su creación. Las respuestas a las preguntas de
que ofrecen poco más que la impresión de un interpretación son importantes porque
escenario al aire libre bañado por la luz del sol. proporcionan conocimientos de este tipo.
Incluso las manos de la muchacha que sostienen Según la guía del museo, de joven Morisot
el libro están pintadas con pinceladas rápidas y estaba segura de que sería pintora. Su abuelo era
firmes (figura 5.15). Es evidente que al artista le un pintor famoso y ella creció en un ambiente
interesaba plasmar esta escena tal y como podría culto. Aprendió a pintar copiando obras en el
aparecer con una mirada momentánea y no con famoso museo del Louvre de París, tradicional
una mirada fija. lugar de formación de los aspirantes a artistas
Berthe Morisot fue una pintora impresionista franceses. Más tarde estudió con un conocido
cuyas obras muestran todas las características de artista llamado Jean-Baptiste-Camille Corot, que
ese estilo artístico. Sin embargo, sus cuadros le enseñó a reconocer los efectos de la luz natural
tienen un rasgo que la distingue de sus y el ambiente o atmósfera.
compañeros impresionistas: una delicadeza femenina Sin embargo, su mayor influencia fue el pintor
que le era propia. Édouard Manet, a quien conoció en 1868,
cuando tenía 27 años. Morisot quedó fascinada
por la pincelada rápida de Manet (figura 5.15) y
Interpretación
pronto comenzó a pintar con las mismas
Durante la interpretación, su atención se centra pinceladas atrevidas, irregulares y rápidas.
en identificar las diversas influencias que ha En 1874, Morisot se unió a un grupo de
tenido el artista. Aquí le interesa encontrar jóvenes pintores en su primera exposición
respuestas a preguntas como éstas: colectiva, una muestra despreciada por los
• ¿Qué artistas u obras de arte inspiraron al críticos que etiquetaron a los artistas como
artista? "impresionistas". Ese mismo año se casa con el
• ¿Qué otras influencias afectaron al artista? hermano de Manet. Morisot continuó su relación
• ¿Revela la obra algo sobre el mundo en el que con los impresionistas y participó en sus
fue pintada? exposiciones.
El arte es a menudo difícil de comprender en
su totalidad a menos que conozcamos las
circunstancias de su creación.

■ FIGURA 5.15
Berthe Marisot. La Lecture (detalle).

116
 Los cuadros de Morisot ilustran el lado ocioso
de la vida francesa del siglo XIX. Sus
personajes viven en un tranquilo mundo de
ensueño, de tardes soleadas de verano y
momentos despreocupados junto al lago o
sentados en un cómodo sillón leyendo un buen
libro. Sus obras más conocidas y admiradas son
suaves escenas domésticas pintadas con un
estilo delicado y fresco, distinto del de los
demás impresionistas. La Lecture es un
excelente ejemplo de su madurez pictórica.

Sentencia
Una vez que haya respondido a las preguntas
relacionadas con las tres operaciones anteriores de
historia del arte, estará en condiciones de dar una
respuesta fundamentada a esta pregunta de
juicio: ¿Tiene la obra de arte importancia
■ FIGURA 5.16 Manet, que prefería los temas de la vida moderna,
histórica? dibujaba constantemente en los bulevares y cafés de París. Sus obras
pueden haber sido
La importancia de Morisot puede determinarse más preocupado por el acto de pintar que por los temas que representaba.
fácilmente consultando libros de historia del arte. El ¿Puede identificar los lugares en los que pintaba con cuidado y los lugares
guía del museo también puede proporcionar en los que pintaba o tiraba de la pintura sobre el lienzo?
información sobre su reputación, aunque
Edouard Manet. Barco. 1974. Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Colección H.O.
probablemente usted haya llegado a la conclusión Havemeyer. Legado de la Sra. H.O. Havemeyer. 1929. 29.100.115.
de que el museo debe tenerla en alta estima, ya
que exponen uno de sus cuadros. La mayoría de
Si una obra de arte va a significar algo especial
las fuentes revelan que, debido a su estatus social
para ti, debes implicarte personalmente en ella.
y a su condición de mujer, los logros de Morisot
Debes evitar recurrir inmediatamente a lo que
como pintora fueron a menudo ignorados o
otros han dicho sobre ella. Prepárate para tomar
tratados a la ligera durante su vida. Sin embargo,
tus propias decisiones al respecto. Una vez
sus compañeros artistas reconocieron su talento y
tomadas estas decisiones personales, puede
la animaron cuando expresó dudas sobre su
recurrir a lo que otros han descubierto sobre la
propia capacidad. Hoy en día, su obra es
obra. Tal vez recuerde que Robert, nuestro crítico
aclamada y su reputación como miembro
imaginario del capítulo 4, no se refirió a lo que
importante de los impresionistas está fuera de
otros tenían que decir sobre el cuadro de
toda duda.
Rousseau La gitana dormida hasta que hubo
terminado su propio examen del mismo.

Cuándo utilizar la crítica y Cuando examine una obra de arte, empiece

por la estética y las operaciones de la crítica de arte.
la historia del arte Concéntrese en identificar los indicios internos o
las cualidades estéticas de la obra. A
Cuando se está delante de un cuadro o
continuación, utilícelas como criterio a la hora
mirando la reproducción de un cuadro en un
de tomar una decisión subjetiva y provisional
libro, ¿qué es lo primero que hay que hacer?
sobre su éxito.
¿Debe empezar por identificar las cualidades
Una vez hecho esto, estará listo para recurrir a las
estéticas y decidir si estas cualidades se han
operaciones objetivas de historia del arte. Éstas le
utilizado para crear una obra de arte de éxito? ¿O
ayudarán a descubrir las pistas externas y los
debe determinar primero quién la creó, dónde y
hechos sobre la obra de arte y el artista. La
cuándo se creó, y qué estilo artístico representa?
información que recopile durante las operaciones
de historia del arte le permitirá confirmar,

117
 UNA SECUENCIA DE OPERACIONES
DE CRÍTICA E HISTORIA DEL ARTE

Descripción Análisis Interpretación Sentencia

1. Crítica de Tema y/o Organización: Estados de Decisión

arte elementos cómo se han ánimo, personal sobre
artísticos utilizado los sentimientos el grado de
observados en principios del e ideas mérito
la obra. arte comunicada por artístico.
ordenar los la obra.
elementos
del arte.

2. Arte Determine Identifique Más información Tomar una

decisión
Historia cuándo, dónde, único hora y lugar sobre el trabajo
y por quién características a influenciado importancia
el trabajo determine el artista. en la historia
se hizo. estilo artístico. del arte.

■ FIGURA 5.17 Secuencia de operaciones de crítica e historia del arte

modificar, o incluso cambiar, las decisiones Recuerde que el juicio final es siempre suyo. Sin
que tomó durante las operaciones de crítica esta implicación personal, es poco probable que
de arte. considere la obra de arte como algo especial.
Combinando lo que ha aprendido de la estética En sus lecturas sobre arte y durante las visitas
y la crítica de arte con lo que ha aprendido de la a museos, encontrará muchas obras que querrá
historia del arte, podrá emitir un juicio final. examinar de cerca. Estos exámenes serán más
Este juicio equilibra información subjetiva y gratificantes si sigue la secuencia de
objetiva. Sin embargo, ten en cuenta que ningún operaciones de crítica e historia del arte que se
juicio en arte puede considerarse absolutamente esboza en la figura 5.17.
definitivo. Los juicios siempre están sujetos a
cambios a medida que continúas aprendiendo de
y sobre las obras de arte.

REPASO DE LA SEGUNDA
LECCIÓN
Repasar los hechos artísticos
Planificación de obras de arte comunitarias Los murales son
1. Recordar ¿Qué deben hacer los
formas de arte que permiten al artista producir arte para su
espectadores para que las obras de arte se
exhibición pública continua. Muchos muralistas famosos a lo
conviertan en algo especial para ellos?
largo de la historia nos han dejado obras que nos permiten
2. Explique Cuando examina una obra de
experimentar el periodo histórico, la cultura y la gente de una
arte, ¿debería empezar por las operaciones
época y un lugar.
de crítica de arte o por las de historia del
arte? ¿Por qué? Actividad Haz una lluvia de ideas y temas para murales. Identifica
3. Describe ¿Qué tipo de información las paredes vacías de tu centro escolar o comunidad que
debes tener antes de poder emitir un podrían convertirse en obras de arte. Crea un plan detallado
juicio definitivo sobre una obra de arte? para el muro. Asegúrate de incluir información visual que permita
4. Explique ¿Por qué es imposible decir a un historiador del arte investigar la época y el lugar en que se
que los juicios en arte son siempre creó la obra. Presenta tu plan a la clase para que sea evaluado.
definitivos?

118
 Pintar un bodegón abstracto

Materiales Realice un bodegón en el que la atención se centre en

• Un mínimo de tres objetos familiares para utilizar las cualidades del diseño más que en la representación
en un bodegón realista. Su pintura ilustrará una preocupación por la
• Lápiz y papel de dibujo armonía de la línea, la variedad de formas y el énfasis
realizado por el uso de tonos complementarios contrastantes.
• Hoja de papel de dibujo blanco, 9 × 12 pulgadas
• Regla
• Pintura al temple o acrílica Inspiración
• Pinceles, bandeja de mezcla y paño de pintura Busque en Art in Focus ilustraciones de obras de arte
• Contenedor de agua que hagan un uso eficaz de las cualidades del diseño.
Selecciona una de estas obras y examínala
detenidamente.
¿Qué elementos artísticos se utilizan? ¿Cómo se utilizan
los principios del arte para organizar estos elementos?
¿Crees que el efecto general es unitario?

Proceso
1. En colaboración con otros miembros de tu clase,
organiza un bodegón compuesto por al menos tres
objetos conocidos. Haz un boceto a lápiz del bodegón.
2. Dibuja este bodegón ligeramente con lápiz sobre la hoja
de papel de dibujo blanco. Para crear armonía en las
líneas, utiliza una regla para enderezar todas las líneas
del dibujo. (Si lo prefieres, haz que todas las líneas de
tu composición sean curvas en lugar de rectas).
Extiende estas líneas para dividir el fondo y los objetos
del bodegón en una variedad de formas angulares
grandes y pequeñas.
3. Elige dos colores complementarios. Pinta todas las
formas de tu bodegón con tonos obtenidos mezclando
estos dos colores o añadiendo blanco o negro.
4. Destaca las formas más importantes o interesantes
pintándolas con tonos y valores que contrasten con
los de las formas circundantes.
■ FIGURA 5.18 Trabajo del alumno

Examinar su trabajo
Analiza ¿Son rectas (o curvas) todas las líneas de la ¿Cómo has utilizado los tonos para resaltar ciertas
composición? ¿De qué manera el uso del mismo tipo de formas importantes en tu composición? ¿Han sido
línea en todo el cuadro aporta armonía? ¿Presenta tu capaces los demás alumnos de identificar esas formas
cuadro una variedad de formas grandes y pequeñas? importantes?
¿Estas formas están pintadas con tonos obtenidos Juez ¿Cree que su cuadro sería bien recibido por un
mezclando dos colores complementarios? ¿Has utilizado crítico que se basara exclusivamente en las cualidades
estos contrastes del diseño?

119
 REUTERS

James Rosenquist pinta un cuadro de

nuestra sociedad.

I
n la década de 1960, James Rosenquist (1933)
fue uno de los artistas pop más célebres.
en el mundo. Natural de Dakota del Norte,
Rosenquist fue un pintor que, junto con Jasper
Johns, Roy Lichenstein y Andy Warhol,
contribuyó a allanar el camino del expresionismo
James Rosenquist. El nadador en la econoniebla. 1998. Este
cuadro de 150 pies de largo cuelga en el Museo Guggenheim de abstracto al arte pop. Rosenquist empezó
Berlín. empezó a pintar imágenes a gran escala, a
modo de collage, basadas en material que
recogía de la publicidad y los medios de
GALERÍA DE ARTE ALBRIGHT

comunicación. Sus cuadros comentaban

cómo los periódicos, el cine y la televisión
nos bombardean con imágenes diseñadas
para vender objetos e ideas. En Nomad,
Rosenquist combina imágenes como una
KNOX

caja de detergente, un recipiente de

espaguetis, una bombilla, un fotograma y
una cartera. Es una imagen
de una sociedad de consumo que valora
lo nuevo.
Quizá el cuadro más famoso de Rosenquist
sea F-111 (1965). Esta obra de 86 pies de largo
ilustra un avión de combate
volando junto a un pastel, un secador de pelo y
Rosenquist. Nómada. 1963. Al principio de su carrera, Rosenquist fue un
cartelista otros objetos cotidianos. Los críticos la
pintor. ¿Cómo pudo influir ese trabajo en cuadros como éste? consideraron una declaración contra la guerra
de Vietnam.
Desde 1976, Rosenquist vive y trabaja
TIEMPO DE CONECTAR en Florida. Allí ha creado un nuevo
estilo pictórico. Sus obras actuales son
Artistas pop como James Rosenquist y Andy Warhol encontraron más abstractas y, a veces, de significado
imágenes en los medios de comunicación y las convirtieron en arte más personal, pero s i g u e n explorando
cambiando el color, el tamaño o la proporción de la imagen, o temas políticos y aspectos de la cultura
colocando en un lienzo imágenes que normalmente no aparecen
juntas.
americana, como la cultura de los
Estados Unidos.
• Crea tus propias obras de arte Pop. Recorta o escanea fotos
como el programa espacial. Sus obras
de objetos de periódicos y revistas. Pégalas de forma que
expresen una idea que tengas sobre la cultura o la sociedad todavía hacen que la gente se detenga a
estadounidenses. pensar, y para Rosenquist, eso es lo que el
• Imagina que eres un crítico de arte y explica en qué sentido la arte
obra es un ejemplo de Pop Art. Tu crítica también debe explicar se trata.
por qué crees que la obra transmite las ideas con éxito.

122 Capítulo 5 Historia del arte

120
Repasar los hechos
Primera lección
5 REVISIÓN
2. ANALICE. Usted es un locutor de radio en 1917 que
cubre el desfile ilustrado en la Figura 5.2 en
1. ¿En qué operación de historia del arte intenta el his- página 107. ¿Qué enunciado altamente descriptivo
toriano descubrir las cualidades de una obra de arte hará para presentar a sus oyentes el colorido
que determinan su estilo artístico? acontecimiento? Formule su declaración de manera
que despierte el interés de sus oyentes y capte al
2. ¿Qué es un movimiento artístico?
mismo tiempo la importancia histórica del
3. ¿A dónde recurren los historiadores para saber
acontecimiento. En pequeños grupos, lee tu
cómo el tiempo y el lugar pueden haber influido
declaración como lo harías por la radio. ¿Qué frase es
en un artista?
la más eficaz?
4. ¿Qué dos factores ayudan a determinar el éxito de
una obra para un historiador del arte?
Segunda lección
5. ¿Qué tipo de preguntas sobre historia del arte
debe responder durante la descripción? Piense en un acontecimiento relacionado
5. ¿Qué debes hacer antes de intentar averiguar con su vida y su patrimonio. Como artista, ¿qué
cómo han juzgado los demás una obra de arte? elegirías para grabarlo? Esboza en tu cuaderno
7. ¿De qué debe disponer para realizar con éxito las el diseño de una obra de arte histórica.
operaciones de historia del arte? Compartan sus bocetos en pequeños grupos y,
8. ¿Dónde suelen inspirarse artistas como Morisot? a continuación, seleccionen uno para mostrarlo
a la clase. Explica el trasfondo histórico y la forma
Pensar críticamente en que el medio se utiliza para registrar esa
1. EXTENDER. Haz una lluvia de ideas sobre los historia. Por último, considera el enfoque de la
elementos que pueden identificarse con un estilo historia del arte. ¿Qué te gustaría que alguien
concreto. Ejemplos: tipos de letra (o fuentes), estilos del futuro aprendiera de tu obra?
de ropa o estilos de canto.

De los comentarios de Vasari sobre Giotto, los

historiadores han podido deducir que
Lee los párrafos siguientes y responde a la pregunta.
La obra de Giorgio Vasari Vidas de los artistas Giotto era desconocido en la época en
(1550) proporciona a los historiadores del arte que vivió.
detalles sobre la obra de los artistas occidentales.
Giotto gozaba de gran estima entre sus
Las primeras pinturas de Giotto fueron contemporáneos.
realizadas para la capilla del altar mayor de la
abadía de Florencia. El panel pintado sobre el Giotto era muy rico.
altar Giotto tenía un temperamento violento.
también es de Giotto, pero esta obra se ha
conservado allí más por respeto a tan gran artista
que por cualquier otra razón.

121
124

122