1.
El renacimiento artístico
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La Italia de los siglos XV y XVI fue la cuna de este nuevo movimiento que aplicó las
ideas humanistas al terreno artístico. Los intelectuales pensaban que la época más
brillante de la civilización había sido la grecorromana por lo que se sentían en la
necesidad que rescatar los modelos artísticos que servirán de inspiración no para
copiarlos sino para interpretarlos. No en vano lo gótico medieval nunca llegó a arraigar
plenamente en Italia.
Este Renacimiento artístico puede dividirse en dos etapas: el Quattrocento (siglo XV)
siglo de experimentación que sólo se dará en Italia y el Cinquecento (siglo XVI) en el
que las manifestaciones artísticas alcanzarán su mayor grado de calidad y madurez y se
extenderán a otros países como España, Francia o Alemania. A finales del siglo XVI el
estilo Manierista irá rompiendo los cánones formales y el arte renacentista derivará
hacia una distorsión y pérdida de realismo tanto en las formas como en los colores.
Entre las características de este estilo artístico podemos destacar:
el hombre como centro de la creación. El antropocentrismo humanista hace que
el cuerpo humano recupere su importancia donde el desnudo permite estudiar y
contemplar la anatomía. Se recupera la escultura exenta.
la búsqueda constante de la belleza mediante el equilibrio y la armonía
protagonismo y prestigio social de los artistas que son apoyados
por mecenas como persona o institución que los patrocinan bien con un objetivo
político o de prestigio personal
se recuperan los temas mitológicos de la antigüedad se mantiene la temática
religiosa aunque la ejecución y las técnicas se secularizan
la búsqueda del naturalismo lleva a representar de forma racional la realidad
espacial a través de una nueva concepción del espacio: la perspectiva con la que
se trata de dar una ilusión de profundidad y la teoría de la proporción por la cual
se establecen relaciones de tamaño entre las partes.
El hombre de Vitrubio fue una de las imágenes más conocidas del Renacimiento.
Pintado por Leonardo da Vinci se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo
humano según los textos del arquitecto Vitrubio.
El hombre de Vitrubio
Imagen en Wikipedia. Licencia CC.
Importante
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El término Renacimiento viene del latín "renasci" que significa renacer, una vuelta en
este caso a la antigüedad clásica que fue revalorizada utilizándose como fuente de
inspiración para elaborar nuevos modelos artísticos.
1.1. Arquitectura
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En el Renacimiento la ciudad será el escenario ideal para renovar el arte frente a lo
medieval donde este escenario lo ocupaba el mundo rural y la vida monacal. El
desarrollo urbano en Italia favorecía este hecho en un espacio donde la nobleza
medieval tenía poca presencia. Las ciudades se remodelan con criterios clásicos
geométricos inspirados en los modelos greco-helenísticos abandonando los
planteamientos irregulares y caóticos de las ciudades medievales. El más habitual será
la división de la ciudad en dos ejes del que resultan cuatro cuadrantes que generan una
plaza central cuadrada cuyas viviendas van a tener la planta baja porticada. Sin embargo
pese a la abundancia de planes ideales casi utópicos, apenas se construyen ciudades
nuevas. El proyecto más importante fue el del arquitecto Vitrubio que consideraba que
la ciudad ideal debía tener forma octogonal para hacer frente a los ocho vientos
dominantes.
Proyecto de ciudad ideal de Sforzinda que nunca llegó a
construirse
Imagen en Wikipedia. Licencia CC.
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El arte renacentista en el siglo XV surgirá en una ciudad, Florencia, donde el gótico
había sido prácticamente inexistente. Aunque los arquitectos buscan renacer lo antiguo
utilizarán con libertad los preceptos clásicos. Junto a elementos como los órdenes
griegos como el dórico y corintio en los capitales o la bóveda romana utilizarán otros
elementos provenientes del cristianismo primitivo y del arte bizantino. En el siguiente
cuadro se muestran los principales elementos constructivos y decorativos heredados.
Elementos constructivos Elementos decorativos
pilastras
casetones
frontones
pórticos
columnas
motivos heráldicos
cúpulas semiesféricas
paramento almohadillado
bóvedas de cañón
volutas
grutescos
guirnaldas
medallones, etc.
Galería de imágenes
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La arquitectura renacentista abarcó los siglos XV y XVI. En el primer siglo también
denominado Quattrocento la arquitectura aspira al Clasicismo, mientras en el
Cinquecento o siglo XVI el estilo llega a su madurez para a partir de mediados del siglo
iniciarse el llamado manierismo donde las individualidades de los arquitectos se
superponen al proyecto teórico clásico considerándose un preludio del barroco que se
iniciará en la centuria siguiente.
Los arquitectos renacentistas Brunelleschi, Alberti y Michelozzo
Presentación de elaboración propia
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Lea el párrafo que aparece abajo y complete las palabras que faltan.
construyó la cúpula de la Catedral de Florencia
destacó por la mayor ornamentación en los edificios
Las edificaciones de se caracterizan por el caracter ordenado y mural con
órdenes superpuestos
La Catedral de tiene una doble cúpula superpuesta
El arquitecto consideraba que la ciudad ideal debia tener forma octogonal
para hacer frente a los ocho vientos dominante
Exponentes de la estética purista ausente de toda decoración en la arquitectura italiana
de cinquecento fueron y de Sanzio
no pudo terminar la basílica de San Pedro en Roma
El es el estilo de la Contrarreforma católica y en arquitectura gusta de la
irregularidad y lo curvilíneo
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El manierismo es un estilo en el que el artista modifica a su gusto los elementos
renacentistas. De hecho el término deriva de la palabra "manera" pues define el estilo
individual de un artista.
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En España el arte renacentista se introdujo con cierto retraso con respecto a Italia pese
a los contactos comerciales, políticos y culturales. La influencia del clasicismo vino de
la mano de artistas italianos y de arquitectos españoles que recibían formación en Italia.
Pero la razón de este retraso se debió a la fuerte tradición gótica y mudéjar y al peso que
ejercía la iglesia como poder económico e ideológico carentes de toda visión
humanística. Por tanto en España cualquier iniciativa de mecenazgo quedaba en manos
o bien de la iglesia o bien de la monarquía o de la nobleza debido a la inexistencia de
una burguesía urbana como en Italia.
Podemos distinguir tres fases diferenciadas en la arquitectura renacentista española.
1. El plateresco (1500-1530 aprox.). Etapa en la que perviven elementos góticos
referidos principalmente a las estructura de los edificios y elementos renacentistas
principalmente en la decoración de las fachadas (medallones, heráldicos, grutescos,
candelabros, columnas abalaustradas...). En el denominado "estilo Cisneros" la mezcla
se hará con elementos renacentistas y mudéjares. El estilo plateresco se difunde tanto en
edificios civiles (universidades, palacios...) como religiosos (conventos, iglesias...).
La obra maestra de este estilo es la fachada de la Universidad de
Salamanca, realizada por Juan de Talavera que la construyó como un retablo con tres
pisos. En Burgos destaca la escalera dorada de la Catedral, donde Diego de Siloé
toma como modelo la realizada en la biblioteca Laurenciana de Miguel Ángel. Otra
muestra del plateresco en Andalucía es la fachada del Ayuntamiento de Sevilla.
Fachada Universidad de Salamanca Escalera dorada de la Catedral de Burgos Fachada del Ayuntamiento de Sevilla
Fotografía de Cruccone en Wikipedia Lic. CC Fotografía de Claudiacalcue en Wikipedia Lic. CC Fotografía de Gzzz en Wikipedia Lic. CC
Curiosidad
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La autoría de la fachada de la
Universidad de Salamanca ha sido
descubierta muy recientemente. La
profesora Alicia Mª Cantó encontró la
firmaque había permanecido escondida
durante 500 años en el escudo central de
la fachada que según la misma profesora
representa a la reina Juana I de Castilla.
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2. Etapa purista. A partir del reinado
de Carlos V los edificios renacentistas
entran en una etapa con gustos más
Palacio de Carlos V
clásicos disminuyendo la decoración
plateresca y limitándose a los elementos Fotografía de Fernando Martín en wikipedia bajo CC
arquitectónicos donde proliferan las
bóvedas de cañón, los casetones, las cúpulas, los arcos de medio punto, las columnas
adosadas...
El ejemplo más brillante de este estilo lo llevó a cabo Pedro Machuca en Granada con el
Palacio de Carlos V. Edificio de planta cuadrada y patio circular con sillares
almohadillados en el exterior y decoración que se limita a las columnas adosadas, las
del piso inferior de orden toscano y las del superior de orden corintio.
3. Etapa herreriana. Durante el reinado de Felipe II tiene lugar la tercera etapa de la
arquitectura del renacimiento en España. El triunfo de lo arquitectónico frente a lo
decorativo es ya absoluto. Enel Escorial Juan de Herrera hace alarde de esta ausencia
decorativa, de las líneas horizontales, de la proporcionalidad... Utiliza el
denominado orden gigante donde las columnas o pilastras ocupan dos o más plantas en
los edificios lo que potencia su efecto visual.
Para saber más
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Arquitectura del Renacimiento
Video subido por ARTEHISTORIA en Youtube.
1.2. Escultura
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El panorama escultórico durante el cinquecento está dominado por el genio creativo
de Miguel Ángel. De todas sus creaciones fue la escultura la predilecta y la primera a la
que se dedicó. Belleza y expresividad, idealismo y rebeldía son los conceptos básicos
para entender su arte. De ser uno de los forjadores del clasicismo, pasó a convertirse en
símbolo del manierismo y del movimiento anticlásico. Sus primeras obras maestras
fueron la Piedad del Vaticano realizada con sólo veinticuatro años y su célebre David,
un excelente desnudo realizado en Florencia con el que revalorizará el canon clásico y
el colosalismo sin abandonar el retrato psicológico. Posteriormente en Roma realizará
el Moisés que nos impresiona por su terribilitá. De vuelta en Florencia trabaja en la
Capilla de los Medici donde realiza los sepulcros de Giuliano y Lorenzo cuya
composición en forma serpentinata presenta a las dos figuras principales sentadas
sobre sus sarcófagos en postura reflexiva. Sus últimas obras como La Piedad
Florentina entran de lleno en el manierismo escultórico.
Sepulcro de los Médicis Piedad Florentina de Miguel Ángel
Imagen en Wikipedia. Licencia CC Imagen en Wikipedia. Licencia CC.
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En Italia, cuna del arte renacentista, siempre estuvo presente la figura humana ya fuera
la escultura religiosa o funeraria. La omnipresente influencia clásica se acentúa en
el trecento donde el modelo cada vez es más parecido a la obra escultórica cuyas
creaciones tenderán además al monumentalismo.
En el siglo XV el liderazgo artístico pasa de Siena y Pisa a Florencia. La figura más
importante será Donatello que sabe conectar en sus obras lo antiguo y lo nuevo, lo
clásico y lo renacentista. Donatello aparte de iniciar la escultura monumental con obras
de gran proporción realizadas en mármol y piedra caliza llevó a cabo el
denominado stiacciato, una técnica por la cual el artista realiza un bajorrelieve muy
sutil con el que busca una ilusión de profundidad en el espectador.
Técnica del Stiacciato en la piedra de la base del San Jorge de Donatello (1417)
Imagen de Sailko en Wikipedia bajo CC
El David (1440) es su obra más famosa. En esta escultura en bronce realizada por
encargo del mecenas florentino Cosme de Médici Donatello crea por primera vez desde
la antigüedad clásica un desnudo masculino a la vez que logra liberar a la escultura del
marco arquitectónico. Destaca sobre todo por la tranquilidad que transmite, todo lo
contrario que el Condottiero Gattamelata (1453), que cuenta con un mayor
dramatismo y carga expresiva.
El Sacrificio de Isaac en la Puerta del David en bronce (1440)
Condottiero Gattamelata (1453)
Baptisterio de Florencia Fotografía de Filipoff en wikipedia Lic. CC
Imagen de Patrick A. Rodgers
Imagen en wikipedia Lic. CC en wikipedia Lic. CC
El otro gran protagonista del Quattrocento es el florentino Ghiberti cuya principal obra
fue las puertas del Baptisterio de su ciudad a la que dedicó veinte años de su vida. En
ellas logra plasmar su capacidad pictórica y paisajística en escenas como el Sacrificio de
Isaac, Adán y Eva o la Historia de José en la Puerta del Paraíso.
Importante
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Como en arquitectura, el Quattrocento será florentino y el Cinquecento romano. En el
XV los genios serán el revolucionario Donatello y el más sereno Ghiberti, mientras
que el XVI es el siglo de Miguel Ángel, el escultor más grande de todos los tiempos.
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A España llegan a lo largo del siglo XV muchos artistas italianos que incorporarán el
nuevo gusto renacentista por lo clásico. Ejemplo de ello es el maestros Torrigiano,
autor del famoso San Jerónimo. Ya en el siglo XVI serán propiamente españoles como
Bartolomé Ordóñez autor del Sepulcro de Juana la Loca y Felipe el Hermoso y por
supuesto Diego de Siloé.
Será a mediados de siglo cuando la escultura española alcance su plenitud gracias a la
labor de Alonso de Berruguete y Juan de Juní. El primero ayudado por sus grandes
conocimientos en anatomía se caracteriza por el fuerte dramatismo a base de figuras
apasionadas y nerviosas. Su obra más célebre será el San Sebastián frente al Grupo del
Santo Entierro de Juan de Juní donde destaca su dimensión trágica y la llamativa
policromía de sus figuras.
Sepulcro de Juana la Loca y Felipe el Hermoso de Bartolomé San Sebastián de Alonso de Berruguete San Jerónimo de Torrigiano
Ordóñez Imagen de Rubén Ojeda en Wikipedia.
Imagen de Anual en Wikipedia. Licencia CC.
Fotografía de Javi Guerra Hernando en Wikipedia bajo CC Licencia CC.
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Señala si la frase es verdadera o falsa
La inspiración clásica de los escultores del renacimiento implica una copia o
reproducción de los modelos
Verdadero Falso
Ghiberti y Donatello fueron escultores del cuatrocento italiano
Verdadero Falso
La técnica por la cual el artista realiza un bajorrelieve muy sutil se denomina sfumato.
Verdadero Falso
La Piedad, el David y el Moisés son obras de Miguel Ángel
Verdadero Falso
Para saber más
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En el siguiente video podrás ver un recorrido sobre la escultura del Renacimiento en
Italia que tal y como se indica es quizá la única etapa de la historia del arte occidental en
la que la escultura ocupa un lugar preeminente gracias a figuras como Ghiberti y
Donatello en la Florencia del siglo XV o Miguel Ángel en el Cinquecento.
Video subido por ARTEHISTORIA en youtube.
Curiosidad
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Sobre la biografía de Miguel Ángel existe mucha información. Uno de los aspectos más
curiosos es que cuando fue a esculpir su famoso David eligió una pieza alta y delgada
que llevaba abandonada más de 40 años y además muy deteriorada. No obstante Miguel
Ángel consiguió a partir de esto tallar una escultura de más de 5 metros de altura
considerada hoy de las más perfectas a nivel técnico. Sin embargo recientemente se ha
rebelado que la mala calidad del mármol está provocando en la escultura un deterioro
más rápido de lo normal.
David de Miguel Ángel
Imagen de David Gaya en Wikipedia. Lic.
1.3. Pintura
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El individualismo renacentista alcanza su máxima dimensión en el género pictórico. No
sólo por el elevado número de pintores sino por el elemento innovador aplicado a
nuevas técnicas como la perspectiva, el volumen de las formas o elementos
compositivos. En Italia la cercanía de los modelos clásicos de la Antigüedad permite a
los artistas de esta época disponer de modelos de gran armonía y belleza.
QUATTROCENTO
En el siglo XV la atención al estudio de la perspectiva resultará habitual e incluso llegará a
obsesionar a algunos artistas. La difusión de nuevas técnicas como el óleo. Retratos y paisajes
(normalmente dentro de la temática religiosa) son los elementos más representados. Podemos
distinguir dos maneras de plasmar la figura humana:
una más interesada en reflejar lo corpóreo de las formas, expresiones y movimientos.
En este grupo destacan Masaccio, primer artista que construye con el color. En su
obra El tributo de la moneda (1425) se observa su preocupación por el volumen y de
los efectos tridimensionales.
otra más preocupada por el volumen más cercana a la espiritualidad y quietud
medieval, grupo representado por Boticelli y Fra Angélico. Este último realiza obras
góticas pero que la introducción de elementos arquitectónicos con perspectiva
permiten considerarle ya un artista del Quattrocento. (La Anunciación). Boticelli,
trabaja para los Médicis florentinos a finales del siglo XV (1447-1510) con cuadros
como El nacimiento de Venus una pintura mitológica con modelos femeninos de
siluetas flotantes y armoniosos bucles.
El tributo de la moneda (Masaccio) La Anunciación (Fra Angélico) El nacimiento de Venus (Boticelli)
Imagen de Galería online en Wikipedia.
Imagen en Wikipedia. Licencia CC. Imagen en Wikipedia. Licencia CC.
Licencia CC.
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CINQUECENTO
En la pintura del siglo XVI los artistas centran su atención más en el color, el claroscuro
y la profundidad y menos en el dibujo. La perspectiva sigue presente pero la
profundidad se logra ahora a través de los efectos que provocan las luces, las sombras y
los volúmenes. Es la época de los grandes genios como Miguel Ángel, Rafael y
Leonardo que iniciándose en Florencia trabajarán para los pontífices de Roma durante
una etapa que concluirá hacia 1527 cuando el "saco de roma" y los avances de la
Reforma luterana siembren de dudas a los artistas. A partir de entonces los nuevos
artistas se dedicarán a copiar de forma exagerada a los grandes maestros, deformándolos
en imágenes sinuosas, alargadas, con composiciones confusas rompiendo todas las
reglas del arte clásico. Es un fenómeno que se ha llamado Manierismo.
De Leonardo destaca su profundo conocimiento de la anatomía, la botánica y la
geología, la utilización de la luz. En su célebre Gioconda pone de manifiesto su gran
capacidad de reflejar las emociones y las expresiones gestuales en los humanos y su
dominio de la técnica del "sfumato" por la que logra crear un aspecto de lejanía a partir
de una composición con contornos imprecisos.
Rafael Sanzio (1483-1520) pintó una enorme cantidad de obras. Pinturas religiosas,
retratos y grandes composiciones ocupan el grueso de su obra. Fue un pintor muy
influenciado por Da Vinci y su gran mérito fue ensamblar lo cristiano y lo pagano a
través de la luminosidad y el color, con unas figuras humanas llenas de encanto y
amabilidad (especialmente sus madonnas). Como Leonardo, fue un maestro
del sfumato (técnica por la que las figuras aparecen difuminadas y vaporosas), y entre
sus creaciones más sobresalientes podemos citar La Virgen de La Pradera, la Virgen del
Jilguero o las Estancias Vaticanas, donde se halla su celebérrima Escuela de Atenas.
Miguel Ángel Buonarrotti al que ya hemos visto en otras facetas científicas y artísticas
completa la terna de genios pictóricos del Cinquecento. Su obra cumbre fueron los
frescos de la Capilla Sixtina (1508-1512) donde en su escena culmen, el Juicio Final,
nos enseña un torbellino de energía a través de la representación de un Dios justiciero y
una amalgama de cuerpos humanos retorcidos entre los que se distinguen los elegidos
de los condenados al infierno.
mía de un caballo (Leonardo da Gioconda (Leonardo da Vinci) La Madonna del Jilguero (Rafael) Detalle del Juicio Final de la
Vinci) Imagen en Wikipedia. Licencia CC Sixtina (Miguel Ángel
magen en Wikipedia. Licencia CC.
Imagen en wikipedia. Licencia CC. Imagen en Wikipedia. Licenci
Tras Roma será Venecia quien centre el interés pictórico en el siglo XVI. Allí la pintura
se caracterizará por el gusto por el color y por el paisaje, la representación de la riqueza
y una temática normalmente idílica. Sus autores más representativos serán Tiziano que
usará como nadie el aire, la luz y el color y el Veronés, el pintor del lujo, El manierismo
pictórico se pone ya de manifiesto con artistas como Tintoretto con sus violentos
juegos de luces y sombras y Giorgione que destaca por la riqueza cromática en sus
obras.
Curiosidad
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Fue Rafael el primer elegido por el Papa Julio II para pintar la Capilla Sixtina. Pero
como la fama de Miguel Ángel iba subiendo Rafael convenció al Papa de que contratara
a Miguel Ángel para demostrarle que no era capaz de pintar tan bien como él. El
resultado final está a la vista: la Capilla Sixtina es visitada por más de 25.000 personas
diariamente.
Interior de la Capilla Sixtina
Imagen de Antoine Taveneaux en Wikipedia. Licencia CC.
Galería de imágenes
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Importante
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La pintura renacentista italiana destaca por las grandes individualidades.
En el Quattrocento estaría caracterizada por la importancia del dibujo, la obsesión de la
perspectiva y la existencia de dos corrientes de representar la figura humana, una más
dinámica (Massaccio, Del Castagno) y otra más tranquila (Botticelli, Fra Angélico).
En el Cinquecento ganan peso la importancia el color, el claroscuro y la profundidad.
Los tres grandes genios de este periodo son Rafael, Leonardo y Miguel Ángel pero
tampoco podemos olvidarnos de la escuela veneciana.
Para saber más
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La pintura renacentista italiana
Video de Artehistoria. Youtube
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La pintura renacentista en España está muy influenciada tanto por los grandes maestros
italianos como por el gusto manierista. Si merece atención aparte uno de los genios
universales de la pintura, El Greco (1541-1614). Nacido en Creta y prácticamente
formado en Venecia y Roma, Doménico Theotocópoulos (ese era su nombre), se
desplazó a España en el último tercio del siglo XVI quizás atraído por el deseo de
trabajar en el Escorial, aunque pronto se llevó el revés de que su Martirio de San
Mauricio para la iglesia del Monasterio del Escorial fue rechazado por el monarca por
ser considerado demasiado innovador. Sin embargo, el autor no renegó de su obra y
siguió trabajando en el perfeccionamiento de su estilo, una pintura sin apenas paisajes,
colores fríos y figuras alargadas y etéreas, casi místicas. Los rostros, por lo general
tristes y austeros son los que concentran toda la atención en sus cuadros y el tema
religioso y el retrato ocuparán casi la totalidad de su repertorio.. Entre sus obras más
españolas más destacadas podemos citar La Trinidad, El entierro del Conde de Orgaz,
Las lágrimas de San Pedro, o el Caballero de la Mano en el Pecho, mientras que de su
época italiana podemos citar a la Anunciación o a las primeras versiones
del Expolio como ejemplos más importantes.
El martirio de San Mauricio El entierro del Conde Orgaz
Imagen en Wikipedia. Licencia CC. Imagen en Wikipedia. Licencia CC.
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Señala el autor correspondiente a las características que aparecen a continuación
Pinta figuras humanas llenas de encanto y amabilidad dominando la técnica del
Sfumato
Preocupación por el volumen y los efectos
tridimensionales
Pintura mitológica con modelos femeninos de siluetas flotantes y armoniosos
bucles
Su estilo, una pintura sin apenas paisajes, colores fríos y figuras alargadas y etéreas,
casi místicas
Refleja las emociones y las expresiones gestuales en los
humanos
Pinta los frescos de la Capìlla Sixtgina
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