EL ARTE EN LA DISCAPACIDAD, LA DISCAPACIDAD EN EL ARTE

El concepto de discapacidad ha sufrido a lo largo de la historia de la humanidad una larga evolución, pasando
por continuar redefiniciones que han seguido de la mano el desarrollo de las sociedades.
El modelo de lectura de esta categoría, que ha predominado durante mucho tiempo, ha sido sin duda el médico.
que se concentra exclusivamente en el aspecto biológico, en la discapacidad del individuo, mientras
posteriormente, lo social subraya las dificultades relacionadas con el entorno y vinculadas a los prejuicios,
además de las limitaciones en las oportunidades tanto en el ámbito escolar como en el laboral.
Si se repasa la historia, uno se da cuenta de que la misma condición que hoy recae bajo la
categoría de discapacidad, en el pasado podía no ser considerada discapacidad.
En este contexto, hay que reflexionar sobre cómo la sociedad se relaciona con la discapacidad y sobre
cómo este enfoque evoluciona con el paso del tiempo, con la promulgación de leyes para la protección de
discapacitados, con la eliminación de barreras arquitectónicas, pero sobre todo, con la eliminación de
barreras mentales.
La discapacidad no es solo la condición en la que una persona se encuentra al tener que afrontar dificultades
causadas por una discapacidad física o mental, pero afecta diversos aspectos de la vida social, política y
cultural. Afortunadamente, la identidad de la persona con discapacidad ha cambiado con el paso del tiempo: de hombre
mandato sobre la tierra como castigo de los dioses a bufón en las cortes renacentistas, a enfermo incurable
en el siglo diecinueve hasta llegar a un pasado bastante reciente, durante el período nazi-fascista 1,
cuando las personas con discapacidad eran consideradas "personas que no merecían vivir", cuando, por lo tanto, el
el poder estaba en manos de personas "incapaces de pensar" víctimas de estereotipos y de legados culturales. Nosotros
han sido necesarios décadas de luchas, demostraciones de capacidad, estudios sobre la discapacidad con la reivindicación
de leyes para mejorar la dimensión social de las personas con discapacidad, para llegar a una mayor
inclusividad. Y sin embargo, a pesar de esto, la mirada de quien no ha vivido directamente la discapacidad,
más bien la ignora, todavía está a menudo ligado a la compasión y al pietismo: todavía estamos muy lejos
dal considerar una persona con discapacidad como un sujeto con una propia identidad social, que
A pesar de las dificultades, tiene derecho y deber de vivir en sociedad y de expresar sus capacidades.
las propias emociones.
La historia del arte, como sentir del hombre, puede ser de gran ayuda para el hombre con el fin de
reconstruir este recorrido de evolución del concepto de discapacidad. A lo largo de la historia de la humanidad,
de hecho, cada sociedad, también según su propia cultura, ha elaborado una visión de la discapacidad.
Estudiar y entender la discapacidad a través de las expresiones artísticas pasadas y contemporáneas puede dar
el sentido de cómo el arte puede influir positivamente en el pensamiento colectivo: la vida y las obras de artistas
las personas con discapacidad pueden llevar, como resultado, a una mayor inclusividad social.
La exclusión puede ser representada haciendo referencia al concepto de "barreras": estas
impiden o limitan el acceso a la participación social completa; las barreras no son
obviamente solo aquellas arquitectónicas, pero también aquellas derivadas del prejuicio con el que cada
la diversidad se encuentra lidiando. El prejuicio contra las personas con discapacidad se alimenta principalmente
da un conjunto de creencias negativas y estereotipos que llevan a tratar al discapacitado como un sujeto
no completo, a medias, induciendo en nosotros un sentido de culpa, vergüenza y una cierta compasión cada vez que
volta nos encontramos frente a él. Casi como si nos relacionáramos con su enfermedad y no con
persona que tenemos delante. Y es precisamente esa dinámica la que priva al discapacitado de construir su propio

1[Link]
identidad plena, porque cada uno de nosotros se percibe solo en relación con el otro, en el espacio social,
en el que su propio mundo interior es legitimado y acogido.
Hay, sin embargo, un 'lugar' que se escapa de los prejuicios, de los estereotipos, de los cánones de la 'normalidad', en el que
todas las diversidades, tanto las físicas como las psíquicas, encuentran plena acogida y expresión:
el de la Arte.
En la concepción artística general, la historia del arte está vinculada a la idea de lo bello: el arte sinónimo de
belleza.
Yo sostengo, en cambio, que el arte es sí sinónimo de belleza, pero es, también y quizás sobre todo, expresión
de la vida entendida en todas sus facetas, incluida la diversidad, la enfermedad, la muerte.
Es en este contexto que los ejemplos de artistas famosos pueden servir para aumentar el sentido de.
autoestima, de pertenencia, de inclusividad de las personas con discapacidad.
Son muchas las expresiones de la discapacidad en el arte, todas orientadas a contar 'una historia a través de
las imágenes”, algunas desviadas, provocativas, pero también realistas; todas diferentes pero unidas por
un mismo denominador: la voluntad de representar la discapacidad en una sociedad en la que la cultura
dominante se refiere a personas no discapacitadas.
Por esta razón creo que conocer las vicisitudes biográficas de algunos artistas puede servir para la
reflexión y discusión sobre el respeto, la aceptación y la integración de las "alteridades".2
Artistas de todas las épocas han representado en sus obras las deformidades del cuerpo y de la mente.
no solo de otros, sino también propias, mostrando cómo la discapacidad es solo una de las diferentes
forma, de las múltiples manifestaciones, con las que el hombre se encuentra a vivir en este mundo y cómo es
solo en los ojos de quien mira esa lente deformante que impide ver en esos sujetos
representar personas, antes que enfermos3. A continuación, algunos ejemplos.
Robert Fleury pintó al médico Pinel entre los alienados de un manicomio en el acto de quitarles las
cadenas con las que en el siglo diecinueve se solía atar el cuello y las extremidades inferiores de los pacientes psiquiátricos,
restituyendo así a la enfermedad mental una nueva dignidad.
Vincent Van Gogh, cuyo genio siempre estuvo relacionado con la enfermedad mental, durante su breve y
intensa vida, concluida con el suicidio a la edad de 36 años, expresó en sus pinturas todo el flujo
interior que lo permeaba, flujo sofocado entre los llamados 'normales' y que lo llevó al manicomio,
transformando tal flujo en pinceladas fluidas e intensas, como las de la famosísima “Noche
stellata".4El periodo en Provenza fue el más prolífico, desde el punto de vista artístico, durante ese periodo.
completó alrededor de 150 obras en el transcurso de un solo año. En una carta que escribió a su hermano Theo en
1888, definió la pintura como el antídoto a su propia locura.
Alberto Savinio, hermano del más conocido Giorgio De Chirico, padecía el síndrome de Asperger, que
constitutes a mild form of autism5. Según algunos estudiosos, su pintura resulta rica en
errores ópticos, significados simbólicos, pinturas que representan individuos con semblantes animalescos y
contornos a veces alucinantes.
Henry Matisse. Cuando el artista francés comprende que tiene una movilidad reducida, de ser
costreído a estar en silla de ruedas o durante largos períodos en su cama, también comprende que no puede más
pintar. Cambia, entonces, de perspectiva dando vida a una nueva temporada artística6.
Maravillosa.

2[Link]
3
[Link]
4Unable to access the provided URL for translation.
5La URL proporcionada no contiene texto para traducir.
6No se puede acceder al contenido del enlace proporcionado.
 Se dedica a recortar formas en papel, a crear collages en colores muy vivos. Estos trabajos son
conocidos como Cut-Outs. Implica tener que transformar esa gran limitación en una
felicidad creativa alternativa. Siempre había sido un gran amante del mar, extrañaba poder también
Solo miraré a las personas que nadaban. Cuando ya tenía 82 años, decidió que lo acompañaran.
de su asistente en Cannes para observar el mar y a las personas que nadaban allí. Sin embargo, el calor era
sofocante y los dos se vieron obligados a volver a casa. No pudiendo ir más al mar, pensó en
circundárselo. Apenas en casa pensó en construir su propio ambiente marino. Con un mapa
el azul brillante comenzó a recortar olas y nadadores de formas sinuosas y luego colgó estas figuras a
paredes de la habitación. Una obra estupenda que hoy se puede ver en el MoMA de Nueva York.
Frida Kahlo. Una vida marcada por la enfermedad. Sin embargo, se convirtió en un ícono del arte mundial.
tras un grave incidente de tráfico a los 18 años queda paralizada por la lesión de la médula
dorsal y al mismo tiempo pierde la posibilidad de tener hijos.
Esta condición la obligó a una inmovilidad total y el arte fue la única compañía de su juventud.
vida. A través del uso de espejos observaba casi siempre solo a sí misma y por tal razón comenzó a
pintar siempre el mismo sujeto: su cuerpo. A pesar de su discapacidad, que la convertía en una
Donna lontana dai parametri di persona sana e normale è diventata un’artista tra le più importanti.
del novecento y un ícono de la emancipación femenina.
Henri de Toulouse-Lautrec, fue el pintor francés que realizó los célebres carteles del Moulin Rouge y
Le Chat Noir, que se convirtieron en los locales símbolo de la vida nocturna parisina, en el barrio de Montmartre
donde de allí a poco se instalaría Picasso y daría lugar a esa fragua de arte, belleza,
creatividad que habría caracterizado los años venideros. Toulouse-Lautrec pintó sin embargo también su
cuerpo deforme. Él padecía de acondroplasia, una enfermedad que no permite el crecimiento de las extremidades y
por lo tanto determina el enanismo. El famoso autorretrato se realiza sin indulgencias ni embellecimientos: es
un retrato implacable que será utilizado como documento médico para explicar la síndrome que de él
prenderá el nombre. Aún un cuerpo discapacitado. Pero aún una mente y un pincel que lo aseguran
la plena inclusión en esa forja de ideas y nuevas concepciones artísticas que fue Montmartre7.
Jean Dubuffet, en 1945 definió con el término 'Art Brut', que literalmente significa Arte Crudo,
todas las obras que fueron realizadas por aquellos que están al margen de la sociedad, que viven al de
fuera de los cánones de belleza y estética oficialmente reconocidos. Comenzó a recorrer los hospitales
psiquiátricos de toda Europa y de Estados Unidos y coleccionó muchísimas obras realizadas por los reclusos en
estos hospitales. Con ellos realizó la Colección de Art Brut de Lausana que dio vida en 1976 a
un anti-museo donde se exhibieron todas las obras que en los museos tradicionales no podían ser
Fue esta una gran provocación con la finalidad de sacudir las conciencias y de dar voz
ed espressione ad artisti che fino al allora erano considerati inabili a fare qualsiasi cosa.
Si en el pasado las discapacidades se representaban en su crudo verismo, probablemente para dar
dignidad a la existencia de esta "categoría" también artísticamente marginada, lejos de matices
emocionales y sin pretensiones estéticas, en la actualidad la música cambia: por poner un ejemplo se puede
evocar la belleza de Aimee Mullins, una atleta paralímpica que actúa en Cremaster 3, una serie
cinematográfica del artista Matthew Barney8.
Otros artistas como Barney deciden atreverse saliendo de los cánones habituales que ven
protagonistas modelos de belleza estereotipada.9El artista Marc Quinn es un ejemplo. Él investiga sobre
una percepción diferente de la belleza: el placer estético y la imaginación dejan espacio a otras sensaciones

7Cannot access external links.

8[Link]
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cuál es la provocación y la indignación, que se convierten en pilares del arte contemporáneo y con los que
muchos aún deben hacer cuentas, ya que los declaran inaceptables. Las escuelas más prestigiosas de
el pensamiento enseña que el arte debe ser bello, especialmente si se inspira en la clasicidad debe aportar
serenidad, claridad, limpidez. Marc Quinn desafía estas escuelas de pensamiento considerándolas impregnadas de
lugares comunes y crea la serie "Las Canicas Completa". Son representaciones de personas afectadas por
malformaciones físicas inspiradas en modelos clásicos antiguos en una dimensión poética oscilante entre el
perturbador, la execración y lo sublime. A esta serie pertenece la estatua, alta 3 metros y medio y
pesante undici tonnellate, en mármol blanco de Carrara de la pintora focomélica Allison Lapper,
sicuramente la più famosa in quanto esposta nel 2005 a Trafalgar Square.10
Allison está representada tal como es en la realidad, su cuerpo, "deformado" por la enfermedad, es un cuerpo
sin piernas y sin brazos. Pero es un cuerpo seguramente heroico aunque sea a medias. Y es heroico
sobre todo porque Allison se representa en el momento más hermoso de la existencia de una mujer,
cuando en su vientre hay una vida, momento que si es milagroso para todas lo es aún más para Allison:
qué pancione resalta su coraje, su energía, su belleza.
La Lapper apreciará enormemente la obra tanto de definirla “un tributo a la maternidad a la
feminidad y discapacidad.
La joven artista Mari Katayama, estrella de la Bienal de Venecia de 2019, ha estado afectada desde su nacimiento por
emimelia tibiale, una patología que no permite el desarrollo de los miembros. A los nueve años decide ir
incontro a un epilogo volontario e angosciante: l’amputazione delle gambe per non esser costretta
su una silla de ruedas pero intentar otra manera de estar de pie. Tomó un año aprender
a caminar con las prótesis y esta situación también ha atraído la ignorante hilaridad de los jóvenes que
la convirtieron en la víctima de su acoso. No le queda más que encerrarse en casa donde Mari
comienza a dar vida a sus autorretratos con una peluca rubia, al igual que una
contemporánea Frida Kahlo.
Comienza en su cuerpo un trabajo de cincelado: con encaje, conchas, cristales, incrustaciones y bordados, logra crear
prótesis diversas, brillantes, artísticas que se convierten en extensiones de sus extremidades, para luego finalmente
fotografiarles11. Conviértete en protagonista de las fotos que ella misma realiza y conviértete en escultura viviente. El más
A veces se muestra sin prótesis como el destino ha decidido por ella mostrándose así en su
naturaleza. Ella es artista por necesidad: dejarse mirar tal como es es la única manera de conocerse mejor.
lo mismo. Lo que regala a través de sus disparos no es angustia o tristeza, no es compasión por un(a)
joven chica. En esas tomas ella es solemne y austera y su mirada es seductora, erótica. Es verdad.
Es un concepto de belleza diferente al que estamos acostumbrados, donde la perfección está libre de defectos,
sin cicatrices y todo debe brillar para ser fascinante, pero ella se hace apetecible, como las suyas
paillette, sus conchas, sus brillantinas, haciendo que sus imperfecciones sean perfectas, haciendo en
modo de enfocar la atención no en la belleza en sí, sino en el valor que esta tiene, si se superan
cliché de habilidad. Esto nos hace entender que la discapacidad no es un límite: el límite existe solo en los ojos de
quien observa y sobre todo en la mente de quien no piensa.
Diverso el discurso de la fotógrafa Diane Arbus, quien, a través de sus fotos, quiere captar precisamente
qué matices que antes se desestimaban: nada de pailletes y brillos para los protagonistas de
sue opere, hombres y mujeres hasta entonces considerados "personajes", fenómenos de feria a los que
su diversidad ha eliminado la connotación de persona12.

10[Link]
11No text provided for translation.
12No puedo acceder a enlaces externos para traducir contenido.
 Personas con discapacidad, como enanos, gigantes, jóvenes afectados por el síndrome de Down son
fotografíalos capturándolos en su cotidianidad, en los momentos más íntimos de su vida privada. La Arbus
sa que antes de ser fotos está hablando de seres humanos y con ellos busca establecer una relación
de amistad, un vínculo personal. Sabe que solo así será capaz de captar las matices más
impercettibili, los detalles más verdaderos y por lo tanto ser capaz de proponer una imagen más poética, más
emocionante, más íntima, por mucho más incómoda y cruda, del sujeto.
Sus fotos representan un manifiesto de la diversidad que se convierte en lucha contra la discriminación. Hacen
ver todo lo que muchos no desean ver, todo lo que muchos dicen que no
existe. De esta manera nos empujan a participar en una realidad diferente pero que existe y que
siempre deberíamos, en cualquier contexto de la vida social, esforzarnos por comprender e investigar.
En el ámbito de esta reflexión, es absolutamente digno de mención el trabajo realizado por el artista Felice
Tagliaferri, un escultor no vidente que ha emprendido desde finales de los años 90 un recorrido artístico
particularmente subjetivo que él mismo resume en un eslogan muy incisivo que dice: “Dar
forma ai sogni”. Sus esculturas son en efecto reproducciones de obras que él no puede ver, él las
ve en su mente y luego da forma a través del milagroso uso de las manos dotadas de una
increíble capacidad táctil. Felice Tagliaferri domina hábilmente los más diversos materiales: madera,
piedra, mármol, arcilla. Posee técnicas extremadamente específicas para trabajar cualquier material:
para trabajar el mármol imprime gran vigor, si modela la arcilla lo hace con delicadeza y amabilidad.
El aspecto táctil es el punto fuerte de su técnica: hay que tocar sus creaciones para apreciarlas.
detalles que no se captan con la simple observación visual. Sus creaciones son esencialmente
figurativa y la finalidad que la caracteriza ha sido definida por los expertos como un 'arte social'.
Es un artista que se ha impuesto en el panorama internacional porque sus obras tienen una enorme
potencia expresiva. El artista cesenate con la manipulación táctil del mármol reproduce estatuas
legate al mundo religioso y estatuas que describen la fragilidad humana. Sus manos son capaces de
traducir en mármol lo que no puede ver con los ojos, su capacidad de percibir a través de
las manos todas las matices de la obra que quiere reproducir hacen que él les dé un
dato preciso e praticamente uguale all’opera originale.
Su obra más interesante y famosa es sin duda el “Cristo Revelado”, que representa una
reelaboración de la maravillosa escultura de Giuseppe Sanmartino que se puede admirar en
capilla San Severo en Nápoles.
Esta escultura nace como una denuncia, porque al artista, en visita a Nápoles, se le negó la
posibilidad de tocar el “Cristo velato”. La rabia surgida de esta negativa, hizo nacer en él el
deseo de reproducir una copia, a pesar de la complejidad de la obra. Tagliaferri se ha hecho
describir el 'Cristo velado' centímetro a centímetro, porque, como afirma el propio escultor,
quien ve con los ojos ve el conjunto y solo posteriormente capta los detalles, mientras que quien debe entender
debe partir de los detalles, que luego une como las piezas de un rompecabezas, y solo así puede
ricostruir la imagen entera”. Pasó tres días haciéndose describir minuciosamente el “Cristo
velato”, después realizó un pequeño boceto en arcilla de treinta centímetros, posteriormente
compró cuatro toneladas de mármol y se puso manos a la obra. Pasó dos años y, finalmente, en 2010
el “Cristo RiVelato” había sido realizado. Se ha definido “RiVelato” en el sentido de “velado para la
segunda vez" y "revelado a las personas ciegas".
En conclusión, podemos afirmar que el arte es uno de los medios que tenemos a nuestra disposición
para derribar los estereotipos hacia las personas con discapacidad. El arte no se deja encadenar por las cadenas del
prejuicio, pero todo lo que concierne al hombre le concierne, es por eso que acoge en sí todo
del hombre también sus miserias y sus enfermedades. Las obras producidas por artistas con discapacidades o que
describen la vida de las personas con discapacidad, su aislamiento, su sensación de estar excluidos de la vida social, nos plantean
en la condición de observadores que están en los límites de esta realidad, a menudo nos damos la vuelta.
parte para no ver, para no sentir el dolor de quien se siente excluido, pero precisamente el arte nos obliga
hacer incursiones en sus realidades y apreciar su mundo variado y asombroso que
quieren expresar.