Neoclasicismo 1
Neoclasicismo
El término Neoclasicismo (del griego "neos"-νέος, latín "classicus" y
griego "ismos"-ισμός) surgió en el siglo XVIII para denominar de
forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las
artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados
del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y que
consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la
cultura. Sin embargo, después de la caída de Napoleón los artistas no
tardaron en cambiar sus ideas hacia el Romanticismo y el
Neoclasicismo fue abandonado.
El juramento de los Horacios, obra de
Jacques-Louis David.
Orígenes
Con el deseo de recuperar las huellas del pasado se pusieron en marcha
expediciones para conocer las obras antiguas en sus lugares de origen.
La que en 1749 emprendió desde Francia el arquitecto
Jacques-Germain Soufflot, dio lugar a la publicación en 1754 de las
Observations sur les antiquités de la ville d'Herculaneum, una
referencia imprescindible para la formación de los artistas neoclásicos
franceses. En Inglaterra la Society of Dilettanti (Sociedad de
Amateurs) subvencionó campañas arqueológicas para conocer las
ruinas griegas y romanas. De estas expediciones nacieron libros como:
Le Antichitá di Ercolano (1757-1792) elaborada publicación financiada
por el Rey de Nápoles (luego Carlos III de España), que sirvieron de
fuente de inspiración para los artistas de esta época, a pesar de su
escasa divulgación.
También hay que valorar el papel que desempeñó Roma como lugar de
cita para viajeros y artistas de toda Europa e incluso de América. En la
ciudad se visitaban las ruinas, se intercambiaban ideas y cada uno iba Johann Joachim Winckelmann, a menudo
llamado "el padre de la arqueología".
adquiriendo un bagaje cultural que llevaría de vuelta a su tierra de
origen. Allí surgió en 1690 la llamada Academia de la Arcadia o
Arcades de Roma, que con sus numerosas sucursales o coloniae por toda Italia y su apuesta por el equilibrio de los
modelos clásicos y la claridad y la sencillez impulsó la estética neoclásica.
La villa romana se convirtió en un centro de peregrinaje donde viajeros, críticos, artistas y eruditos acudían con la
intención de ilustrarse en su arquitectura clásica. Entre ellos estaba el prusiano Joachim Winckelmann (1717-1768),
un entusiasta admirador de la cultura griega y un detractor del rococó francés; su obra Historia del Arte en la
Antigüedad (1764) es una sistematización de los conocimientos artísticos desde la antigüedad a los romanos.
En Roma también trabajaba Giovanni Battista Piranesi (1720-1778); en sus grabados, como Antichitá romana (1756)
o Las cárceles inventadas (1745-1760), y transmite una visión diferente de las ruinas con imágenes en las que las
proporciones desusadas y los contrastes de luces y sombras buscan impresionar al espectador.
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El trabajo está cargado de simbolismo: la figura en el centro representa la verdad rodeada por una luz brillante (el
símbolo central de la iluminación). Otras dos figuras a la derecha, la razón y la filosofía, están rasgando el velo que
cubre verdad.
La Ilustración representaba el deseo de los filósofos de la época de la Razón (filosofía) por racionalizar todos los
aspectos de la vida y del saber humanos. Vino a sustituir el papel de la religión (como organizadora de la existencia
del hombre) por una ética laica que ordenará desde entonces las relaciones humanas y llevará a un concepto
científico de la verdad.
Desarrollo
Arquitectura
La arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes social y
moral; La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el
pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así las
construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como
hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con
carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la
última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la
Cenotafio para Isaac Newton.
búsqueda de un modelo arquitectónico de validez universal. Nacen
movimientos de crítica que propugnan la necesidad de la funcionalidad
y la supresión del ornato en los edificios. Francesco Milizia
(1725-1798) en Principi di Architettura Civile (1781) extendió desde
Italia las concepciones rigoristas a toda Europa. Mientras, en Francia,
el abate Marc-Antoine Laugier (1713-1769) propugna en sus obras
Essai sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture
(1765) la necesidad de crear un edificio en el cual todas sus partes
tuvieran una función esencial y práctica y en el que los órdenes
arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos,
todo ello para hacer una arquitectura verdadera: la construida con
lógica. Puerta de Brandeburgo.
Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la
racionalidad en las construcciones y la vuelta al pasado. Los modelos
de los edificios de Grecia y Roma e incluso de Egipto y Asia Menor se
convierten en referentes que todos emplean aunque desde puntos de
vista distintos.
Los modelos greco-romanos dieron lugar a una arquitectura
monumental que reproduce frecuentemente el templo clásico para darle
un nuevo sentido en la sociedad civil. El perfil de los Propileos de
Atenas le sirvió al alemán Carl Gotthard Langhans para configurar su
Puerta de Brandeburgo en Berlín (1789 a 1791),[1] un tipo muy Fachada de la Catedral de Pamplona.
repetido como atestigua la entrada al Downing College de Cambridge
(1806) obra del inglés William Wilkins o la posterior Gliptoteca de Múnich de Leo von Klenze.[2]
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También el inglés James Stuart (1713-1788), un arquitecto arqueólogo
al que se ha llamado el Ateniense, en su monumento a Lisícrates en
Staffordshire, reprodujo el monumento corágico de Lisícrates en
Atenas. Los hermanos Adam extendieron por toda Inglaterra un
modelo decorativo para interiores con temas sacados de la arqueología;
una de sus obras más representativas es Osterley Park, con una notable
estancia etrusca y un clásico hall de entrada (1775-80).
Italia prefirió recrear sus modelos antiguos ya bien avanzado el siglo
Representación de la Acrópolis de Atenas. Obra
XVIII y en los comienzos del siglo XIX. El modelo del Panteón de
del arquitecto y pintor Leo von Klenze (detalle).
Agripa en Roma se repite en un gran número de templos, como el de la
Gran Madre de Dio en Turín y San Francisco de Paula en Nápoles,
ambos terminados en 1831, que reproducen el pórtico octástilo y el
volumen cilíndrico del Panteón.
Otros arquitectos, los llamados utópicos, revolucionarios o visionarios,
plantearon edificios basados en las formas geométricas. No
despreciaron la herencia del pasado clásico y, aunque respetaron las
normas de simetría y la monumentalidad, sus edificios son a veces el
resultado de la combinación caprichosa de las formas geométricas.
Étienne-Louis Boullée (1728-1799) y Claude-Nicolas Ledoux
(1736-1806) encabezaron esta postura; entre la gran cantidad de
proyectos no construidos merece la pena mencionar el Cenotafio para
Isaac Newton concebido por Boullée como una esfera, representación
del modelo ideal, levantada sobre una base circular que había de cobijar el sarcófago del científico. Ledoux ha
dejado edificios construidos, entre ellos una parte de la utópica ciudad industrial de las Salinas de Arc-et-Senans, de
planta circular en el Franco Condado o el conjunto de la Villette en París.
...Entre uno y otros grupos aparece una tercera categoría, la arquitectura pintoresca, a partir de la creación de jardines
ingleses en el siglo XVIII, ordenados de forma natural lejos del geometrismo del jardín francés. En esta arquitectura
se valora la combinación de la naturaleza con lo arquitectónico, la inclusión en el paisaje natural de edificios que
remedan las construcciones chinas, indias o medievales. Este juego de formas caprichosas y el aprovechamiento de
la luz buscan suscitar sensaciones en el espectador. Horace Walpole (1717-1797) construyó en Londres (Inglaterra),
Strawberry Hill (1753-1756) una fantasía gótica de la que su autor dijo que le había inspirado para escribir una
novela gótica, una expresión del efecto inspirador de la arquitectura. También William Chambers (1723-1796) creó
un conjunto pintoresco en los Jardines de Kew (Londres) (1757-1763) con la inclusión de una pagoda china que
reflejaba su conocimiento de las arquitecturas orientales.
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Escultura
• También en la escultura neoclásica pesó el recuerdo del pasado,
muy presente si consideramos el gran número de piezas que las
excavaciones iban sacando a la luz, además de las colecciones que
se habían ido formando a lo largo de los siglos.
Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en
mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las
esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la
serena belleza que Winckelmann había encontrado en la estatuaria
griega. En este mismo sentido habían ido las teorías de Gotthold
Ephraim Lessing (1729-1781) que en su libro Laocoonte, o de los
límites de la pintura y de la poesía (1766) había tratado de fijar una ley
estética de carácter universal que pudiera guiar a los artistas; sus Psique reanimada por el beso del amor de
concepciones sobre la moderación en las expresiones y en el plasmado Antonio Canova.
de los sentimientos son reglas que adoptará el modelo neoclásico.
Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y
una pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del Barroco. En todos ellos el desnudo tiene una notable
presencia, como deseo de rodear las obras de una cierta intemporalidad. Los modelos griegos y romanos, los temas
tomados de la mitología clásica y las alegorías sobre las virtudes cívicas llenaron los relieves de los edificios, los
frontones de los pórticos y los monumentos, como arcos de triunfo o columnas conmemorativas.
El retrato también ocupó un importante lugar en la escultura neoclásica; Antonio Canova (1757-1822) representó a
Napoleón como Marte (1810, Milán) y a su hermana Paulina como Venus Victrix (1807, Roma) tomando así los
modelos de los dioses clásicos. No obstante otros prefirieron un retrato idealizado pero al tiempo realista que captara
el sentimiento del retratado, como Jean-Antoine Houdon (1741-1828) con su Voltaire anciano (Museo del
Hermitage) o el bello busto de la Emperatriz Josefina (1806, Castillo de Malmaison) de Joseph Chinard (1756-1813).
Antonio Canova (1757-1822) y Bertel Thorvaldsen (1770-1844) resumen las distintas tendencias de la escultura
neoclásica. Mientras Canova llega al Clasicismo desde una formación barroca y configura un estilo de gran sencillez
racional, el danés Thorvaldsen siguió más directamente las teorías de Winckelmann hasta conseguir un estilo
voluntariamente distante y frío que debe mucho a la estatuaria griega. Su Jasón o Marte y el Amor reflejan esa
fidelidad al modelo griego.
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Pintura
• Es estética neoclásica. Obras como el Juramento de los Horacios
plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un
primer plano; el predominio del dibujo. Jean Auguste Dominique
Ingres (1839-1867) aunque no fue un pintor neoclásico, tiene obras
-como La Fuente- que representan este movimiento artístico.
Los pintores, entre los que destacó Jacques-Louis David, reprodujeron
los principales hechos de la revolución y exaltaron los mitos romanos,
a los que se identificó con los valores de la revolución.
Música
Según la musicología actual, el término "música clásica" se refiere
únicamente a la llamada música del Clasicismo (1750-1827 aprox.,
coincidente con el período neoclásico), inspirada en los cánones
estéticos grecorromanos de equilibrio en la forma y moderación en la
dinámica y la armonía.
Comúnmente se llama "música clásica" al tipo de música que se
contrapone a la música popular y a la folclórica. Esto puede
comprobarse en los medios de comunicación, en las revistas de
divulgación musical y los folletos que acompañan a los CD de música
académica. Para definir ese tipo de música que se relaciona con los
estudios en conservatorios y universidades, los musicólogos prefieren
el término "música académica" o "música culta". La fuente, obra de Ingres.
Como los antiguos griegos y romanos no pudieron inventar maneras de
conservar la música (mediante soportes gráficos como partituras o soportes sonoros como grabadores), el
Neoclasicismo de los siglos XVIII y XIX como resurgimiento de las artes clásicas grecorromanas (arquitectura,
escultura, pintura) no alcanzó a la música. De todos modos los músicos de fines del siglo XVIII, influenciados sin
duda por el arte y la ideología de la época, trataron de generar un estilo de música inspirado en los cánones estéticos
grecorromanos:
• Notable maestría de la forma,
• Moderación en el uso de los artificios técnicos (en el barroco el contrapunto y la armonía habían llegado a un
punto que el público consideraba extravagante),
• Suma reserva en la expresión emocional.
Después de la Primera Guerra Mundial varios compositores (como Igor Stravinski y Paul Hindemith) realizaron
composiciones donde se notaba un retorno a los cánones del Clasicismo de la escuela de Viena (de Haydn y Mozart),
aunque con una armonía mucho más disonante y rítmicas irregulares. Ese movimiento musical se denominó "música
neoclásica".
Literatura
La Ilustración fue un movimiento intelectual que provocó que el siglo XVIII fuera conocido como el «Siglo de las
Luces». El culto a la razón promovido por los filósofos ilustrados conllevó un rechazo del dogma religioso, que fue
considerado origen de la intolerancia, y una concepción de Dios que pasaba de regir el mundo mediante las leyes
naturales a desaparecer en concepciones ateas del universo. Los ilustrados promovieron la investigación de la
naturaleza, el desarrollo científico-técnico, la educación y la difusión general de todo tipo de conocimientos; fueron
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los tiempos de L'Encyclopédie. El arte se hizo así más accesible y con menos pretensiones, y la literatura se dirigió a
un público más amplio, planteándose como un instrumento social. El aumento del número de lectores, especialmente
entre la burguesía, plantea la figura del escritor como un profesional, y la escritura como su fuente principal o
secundaria de sustento.[3]
Francia fue la primera en reaccionar contra las formas barrocas, y los tres grandes ilustrados, Voltaire, Montesquieu
y Rousseau se cuentan entre sus principales exponentes. También destacaron Pierre Bayle, Denis Diderot, George
Louis Lecler y Chamblain de Marivaux. En Inglaterra tuvo una gran cantidad de adeptos la novela de aventuras,
destacando Daniel Defoe, Jonathan Swift, Samuel Richardson y Henry Fielding, junto a los poetas John Dryden y
Alexander Pope.[4]
De la novela se pasó al ensayo como género divulgador de ideas por excelencia. La literatura neoclásica realizó una
crítica de las costumbres, incidiendo en la importancia de la educación, el papel de la mujer y los placeres de la
vida.[5] Destacaron en España el fraile benedictino Benito Jerónimo Feijoo, Gaspar Melchor de Jovellanos y José
Cadalso.
Cobró importancia la fábula, relatos o poesías normalmente ejemplificadas con animales, donde se exponen
enseñanzas morales. La fábula se caracterizaba por ser una composición de carácter didáctico, por la crítica de vicios
y costumbres personales o de la sociedad, y por la recurrencia a la prosopopeya o personificación. Es el subgénero
que más se adaptó a las preceptivas neoclásicas: una composición sencilla en la que la naturaleza interviene, y que
enseña divirtiendo. Destacaron los fabulistas Félix María de Samaniego y Tomás de Iriarte en España, y el francés
Jean de la Fontaine.[6]
En España, hubo una continuidad barroca en la poesía, con autores como Diego de Torres y Villarroel, que
consideraba a Quevedo su maestro; Gabriel Álvarez de Toledo y Eugenio Gerardo Lobo. La segunda mitad del siglo
XVII mostraba ya una poesía neoclásica, dominada por su admiración por la ciencia y los temas filosóficos, o
centrada en temas anacreónticos y bucólicos, y marcada en ocasiones por el fabulismo. Destacaron Nicolás
Fernández de Moratín, autor de Arte de las putas, prohibida por la Inquisición, que pudo inspirar los Caprichos de
Goya; Juan Meléndez Valdés y José Cadalso, de la escuela salmantina; los fabulistas Iriarte y Samaniego en Madrid;
en la escuela sevillana destacaron José Marchena, Félix José Reinoso, José María Blanco-White y Alberto Lista.[7]
Se dio también una fuerte influencia barroca en el teatro español, especialmente durante la primera mitad del siglo
XVIII, con autores como Antonio de Zamora o José de Cañizares. El teatro en España tuvo cambios como la
prohibición oficial de representar autos sacramentales, la reaparición del gusto popular por el sainete y la transición
de los antiguos corrales a los teatros, como locales adecuados a la nueva concepción del teatro. A finales del primer
tercio de siglo los dramaturgos españoles comienzan a seguir los modelos franceses, como Boileau y Racine,
renovando las estéticas aristotélicas y horacianas. La obra de teatro debe ser verosímil, cumplir con las unidades de
acción, de espacio y de tiempo, y tener un enfoque didáctico y moral. Destacaron en la tragedia Nicolás Fernández
de Moratín, José Cadalso, Ignacio López de Ayala y Vicente García de la Huerta; en el más popular género del
sainete, destacaron Antonio de Zamora, el prolífico Ramón de la Cruz e Ignacio González del Castillo. Destacó
especialmente la figura de Leandro Fernández de Moratín, creador de lo que se ha dado en llamar «comedia
moratiniana» (La comedia nueva o El café, El sí de las niñas), en que ridiculizaba los vicios y costumbres de la
época, usando el teatro como vehículo para moralizar las costumbres. Seguidores de esta línea son también Manuel
Bretón de los Herreros y Ventura de la Vega.[8]
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Referencias
[3] Andrés Amorós. Antología comentada de la literatura española: historia y textos: siglo XVIII, pp.37-41 (http:/ / books. google. es/
books?id=CAPseZ5CItwC& lpg=PP1& pg=PA37#v=onepage& q=& f=false)
[4] Alicia Correa Perez,Arturo Orozco Torre. Literatura Universal, p.223 (http:/ / books. google. es/ books?id=NuRn0lqHxF8C& lpg=PP1&
pg=PA223#v=onepage& q=& f=false)
[5] Arriaga González Anabel. Literatura 1, p.37 (http:/ / books. google. es/ books?id=5PAp6egaO5sC& lpg=PP1& pg=PA37#v=onepage& q=&
f=false)
[6] Rosa Mendoza Valencia. La literatura universal y yo, p.202 (http:/ / books. google. es/ books?id=mE2bQ2SzZ64C& lpg=PP1&
pg=PT202#v=onepage& q=& f=false)
[7] José Antonio Pinel Martínez Manual de literatura española, "La poesía en el Siglo de las Luces", pp.75-83 (http:/ / books. google. es/
books?id=vCpN8HkvNyoC& lpg=PA1& pg=PA75#v=onepage& q=& f=false)
[8] José Antonio Pinel Martínez Manual de literatura española, "El teatro en el siglo XVIII", pp.277-286 (http:/ / books. google. es/
books?id=vCpN8HkvNyoC& lpg=PA1& pg=PA277#v=onepage& q=& f=false)
Enlaces externos
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