Historia del Arte en la Edad Media

Tema 1. El modelo artístico gótico.

[Link] historia del gótico cómo estilo artístico.

Más de 3 siglos. Relativo a los godos. Utilizado por primera vez en

1550 por Giorgio Vasari, considerado monstruoso frente a la época
clásica qué quiere restaurar. Segunda mitad del siglo 18, campos de
la estética y literatura en favor del arte medieval. Idea de medievo
cómo barbarie hasta primeras décadas del siglo XIX. El romanticismo
descubre el gótico. De la religiosidad surge culminar la construcción
de la Catedral de Colonia en 1248, inacabada desde 1560. Concluyó
en 1814. Víctor Hugo y su Notre Dame de París, 1831, convirtió al
gótico y sus catedrales en un mito. El entusiasmo romántico y el
movimiento historicista promovieron restauración de edificios
medievales y finalización de catedrales llegando a instituir el estilo
neogótico, como el Palacio de Westminster. El sistema arquitectónico
gótico está representado por sus grandes catedrales de los siglos XII y
XIII. En los siglos XV y XVI, el gótico tardío que convive con el
Renacimiento se consideró una degeneración y el declive de una
cultura. Las formas arquitectónicas se complicaron y se enriquecieron
con fines decorativos en cada territorio, gótico más ornamental que
dio lugar al flamígero, el perpendicular, el isabelino o el manuelino.
Estos, durante mucho tiempo tuvieron una valoración negativa
degenerada del gótico clásico. El gótico tardío se vio enriquecido con
nuevas formas como la arquitectura civil, la escultura funeraria y una
riqueza documental que nos da información sobre la personalidad, los
procesos, encargos…desconocida en fases anteriores de la Edad
Media. Hoy, el gótico se entiende como un amplio periodo artístico del
mundo occidental que según regiones se desarrolla en momentos
cronológicos diversos. En general desde mediados del siglo XII en
Francia, siglo XIII en el resto de Europa y hasta comienzos del XVI (XV
En Italia).

1.1 teorías e interpretaciones.

Hay valoraciones y teorías múltiples, algunas contrapuestas. Dos

corrientes: 1-la escuela francesa qué parte del racionalismo
arquitectónico y la lógica constructiva impuesta por los estudios de
Viollet-le-Duc. 2-la escuela espiritualista germánica inaugurada con la
visión de los románticos.

Viollet le Duc explicó la arquitectura gótica desde un punto de vista

racional de lógica constructiva de la estructura. Aplica un análisis
científico y técnico en la labor de restauración de edificios góticos,
entre ellos Notre Dame de París. Estableció que las nervaduras como
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el resto de los elementos del gótico, el arco apuntado, las bóvedas de

crucería, los arbotantes, se debían a impecables soluciones
constructivas en respuesta a una estructura. Explicó como una
correlación entre pesos y empujes, sin precisión cuantitativa y
geométrica, asoció el nuevo método constructivo a una sociedad
laica, burguesa, secular. Las estructuras góticas eran producto de un
método constructivo, revolucionario, lo que se podría analizar de
forma racional y científica.

La interpretación germánica. clave espiritualista o estética. La

filosofía romántica alemana elaboró El concepto de volksgeitst,
Espíritu nacional, qué es reflejo de cada pueblo y permite explicar las
culturas del pasado. El gótico se interpreta como una creación del
espíritu de los pueblos del norte, opuesto al ideal clasicista de los
pueblos mediterráneos. Hans Jantzen, habla despacio gótico y su
estructura diáfana como símbolo de lo inmaterial. Apoyándose en la
poesía mística y los escritos del Abad Suger, interpreta la Catedral
gótica como materialización terrenal de la Jerusalén celestial.
Sedlmayr creía en la preeminencia de la idea. Cada creación formal
es consecuencia de una idea, relación simbólica entre la catedral
gótica y la ciudad celestial. Establece la teoría del sistema de
baldaquino, ensamble formado por una bóveda y sus cuatro soportes,
como elemento definitorio del espacio arquitectónico gótico. Erwin
Panofsky explica el gótico cómo fenómeno estético y espiritual para
necesidades religiosas y culturales. Relación directa entre catedrales
góticas y la filosofía escolástica. Otto Von Simson, la luz como
principio constructivo de la Catedral. Influencia de la metafísica
neoplatónica de la luz en el Abad Suger. Es necesario conocer el clima
intelectual, analiza el clima intelectual de la escuela catedralicia de
Chartres. La Catedral es el símbolo del Reino de Dios sobre la tierra.
Ni la bóveda de crucería ni el arco apuntado define la arquitectura
gótica, distingue lo que son medios y fines. Es la luz coloreada y la
relación que establece entre estructura y apariencia lo que
caracteriza la Catedral gótica. Jhon Summerson, gótico como
Renacimiento cultural. Georges Duby, retoma la interpretación
simbólica de la luz como principio organizador de la Catedral.
Conexión entre espiritualidad y estructura arquitectónica, analiza el
marco social. Dieter Kimpel, estudia aspectos socioeconómicos que
intervienen en la construcción. Reliquias como factor de peregrinación
y prosperidad económica. Las últimas interpretación hacen
complementarios el racionalismo de lógica constructiva con
interpretaciones históricas y simbólicas.

2. La edad del gótico en Europa

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Siglos XII y XIII, expansión y desarrollo, crecimiento de la población y

de la economía. Mejoras técnicas y aprovechamiento de recursos
energéticos. Fractura feudal, incipientes monarquías centralizadoras:
Castilla, Inglaterra, Francia, Aragón, buscaron la expansión territorial.
Alfonso VI toma Toledo en 1085. Incipiente mercado comercial, ferias
de Champaña. Expansión del fenómeno urbano, apogeo de
manufacturas artesanales, instituciones como los gremios. Primer
gótico vinculado al poder monárquico y a los obispos. Universidades,
filosofía escolástica, órdenes religiosas cómo no Cister y las
mendicantes. Se truncó en 1348 con la Peste bubónica. Rebrotes en
los siglos XIV y XV. Crisis de la baja Edad Media con el cisma de
Aviñón, 1378, afianzamiento de las monarquías feudales y revueltas
urbanas: Ciompi Florentinos, 1378, la Jacquerie francesa, 1358, los
tyleristas ingleses, 1381 y los payeses de remensa catalanes, 1432-
1462, reflejan cambios en las relaciones sociales. Con el
afianzamiento de los poderes monárquicos, con alto coste, conflictos
bélicos religiosos, cátaros, lolardos, husitas…, Guerra de los 100 años
entre 1337 1453, guerra de los dos Pedros de Castilla y Aragón entre
1356 y 1369, conflictos civiles cómo la guerra civil castellana, 1467-
1445, guerra civil catalana, 1462-1472, guerra de las dos rosas
inglesa (1455-1485).

3. Las catedrales góticas.

Catedral como edificio simbólico de esta época. Modifica el sistema

constructivo. Gótico en île de France. Difusión por toda Europa. Triunfo
de sociedad urbana. Símbolo político y cívico, arquitectura del poder
monárquico, eclesiástico o ciudadano frente al poder feudal: castillo y
monasterio. Monumentalidad y grandeza. Juegos de arbotantes,
pináculos, haces de columnas y arcos apuntados. sus fachadas
presiden plazas con grandes portadas flanqueadas por Torres
esquinales. No solo referencia espiritual sino espacio cívico para
concentración y mercado. El arte gótico se desarrolla en una
comunidad urbana, centro económico. La Catedral, la iglesia
parroquial y el convento se implantan en el tejido urbano. Se
contrapone al monasterio igual que las órdenes mendicantes se
oponen a las monásticas. Catedral, templo gótico por excelencia. El
hombre alcanza el mundo sobrenatural. Nueva concepción del arte.
Acercar a los fieles de una manera vivencial. Adopta el arco apuntado
u ojival, la bóveda de crucería o de ojivas y el arbotante, estructuras
esbeltas y ligeras que transforman la perfección del espacio interior.
No era necesario construir muros contiguos para sostener la bóveda.
El peso de la bóveda de crucería reconducido por las nervaduras
hasta unas columnas que llegan hasta los cimientos. La estructura
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gótica se basa en columnas y nervaduras: esqueleto responsable de

la estabilidad del edificio con nueva ordenación de los apoyos,
exentos o adosados al muro y aligeramiento de estos. Plementos de
bóvedas y muros sin relleno, ya que podían ser sustituidos. Todo se
hace visible de forma original gracias a la luz coloreada de las
vidrieras. El gótico articula todos los elementos arquitectónicos: arco
apuntado, bóveda de crucería, arbotante, pináculos, contrafuertes. La
luz coloreada se filtra por las vidrieras y da un valor simbólico. Define
un espacio de elevación e ingravidez, transfigurado por la luz. Crea un
escenario irreal, un espacio sagrado simulado.

3.1. Elementos arquitectónicos del sistema constructivo gótico.

Primer escollo, la cubrición completa con bóvedas de piedra. Las

grandes catedrales definen su espacio interior, la planta del edificio y
el desarrollo de los tramos de sus naves como en altura y en anchura,
a partir del proyecto de su cubierta abovedada. Las bóvedas
góticas no actúan a compresión, apoyándose en los muros, si no que
dirigen sus empujes a ciertos puntos. Concentración de esfuerzos de
las cubiertas en puntos concretos, al contrario que el románico. Busca
equilibrio de fuerzas sustituyendo la estabilidad inerte. Esta solución
es gracias a la bóveda de crucería, o nervada u ojival, conformada
por dos arcos apuntados cruzados, las ojivas. Ahora el plemento es un
simple cerramiento sin función estructural. Esto permite que los
pesados arcos fajones antiguos se transformen en ligeros arcos
frontales y en arcos formeros laterales. Estos nervios convergen en
los puntos de apoyo, pilares o grupos de pilares, que, ante la ligereza
de la cubierta, pueden diseñarse con una esbeltez extraordinaria.
Todo esto constituye el armazón tridimensional sobre el que
descansan las bóvedas, o esqueleto que da forma a los tramos de las
naves, central o colaterales, que pueden repetirse de manera seriada
hasta el infinito. El resultado es una estructura diáfana a base de
elementos verticales. Los muros tradicionales se liberan de las cargas
pasando a ser simples cerramientos, el macizo sustituido por el
hueco, las naves pueden ser más altas y permiten se aumente la
distancia horizontal entre sus apoyos, luces estructurales.
Descubrieron que el arco apuntado es más esbelto y ligero, que
gracias a su verticalidad traslada menos empujes laterales
permitiendo formas más flexibles y salvar mayores luces. También
descubrieron que una parejo de piezas pequeñas y homogéneas
permite estructuras más complicadas, resistentes y ligeras. Crearon
elementos exteriores al edificio para equilibrar esta frágil estructura
que absorbería los empujes horizontales que no podían ser
contenidos por los pilares demasiado altos, los arbotantes,
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utilizadas por primera vez en 1180 en Notre Dame de París. Toma

para reforzar su bóveda ojival sexpartita. Los arbotantes son arcos
exteriores que trasmiten lejos del Pilar de apoyo las tensiones que
ejerce la bóveda. Necesitan encontrar un apoyo inmóvil, los
botareles o estribos, pilares que actúan como un contrafuerte
aislado que absorbe el empuje del arbotante y lo descarga en el
suelo. Para qué estos botareles y contrafuertes tengan más peso y
resistencia se completan con pináculos. Estos elementos se
completan en el exterior con agujas, gárgolas, caireles,
cresterías… La nave central se ve libre de tribunas ya que los
empujes se recogen en el exterior por los arbotantes, así el muro de
la nave central se articuló en altura con un alzado clásico: arcada,
triforio y claristorio. Esta estructura libera a los muros de las naves de
elementos sustentantes qué pueden ser horadados con grandes
ventanales. Por su elasticidad permite cubrir espacios de plantas
rectangulares o trapezoidal de medidas diferentes, así tramos de la
nave central pueden corresponderse con los de las naves laterales,
aunque su superficie sea de distinto tamaño, incluso puede seguir
utilizándose con tramos de planta poligonal, tanto en el
deambulatorio o girola como en el ábside, es decir, la estructura del
tramo puede repetirse de forma seriada adaptándose a los espacios y
creando ámbitos unitarios y diáfanos. El origen de la bóveda de
crucería está en Normandía. En el gótico inicial o preclásico, habitual
la bóveda sexpartita, 3 nervios y 6 plementos sobre un tramo
cuadrado En el periodo clásico se generalizó la bóveda de crucería
simple y los espacios interiores se hicieron homogéneos por la
uniformidad de sus soportes. A medida que las bóvedas cubran
espacios más amplios se produce el aumento de la crucería, con
nervios secundarios y terceletes, arcos que cruzan y sustentan los
amplios plementos. En el gótico tardío complejas bóvedas reticuladas
y estrelladas con multitud de nervios secundarios, ligaduras y
terceletes, muchos sin sentido estructural. se generaliza la bóveda
estrellada y en Inglaterra la bóveda de abanico. El Pilar gótico
está compuesto por un núcleo central cilíndrico rodeado de
columnillas. Estas se corresponden con los arcos y nervios de las
bóvedas, cada una con el suyo siguiendo la racionalidad constructiva
románica que prevé que a cada elemento sostenido le corresponde un
elemento sustentante. La sección de un Pilar gótico evoluciona desde
un Pilar cruciforme románico a una Cruz sencilla que se va
enriqueciendo con pilarcillos y molduras adosadas hasta formar
diseños complejos. Obedecen a la necesidad de enlazar las bóvedas
nervadas con los pilares. Tanto el núcleo del Pilar como las columnillas
son cada vez menos gruesas, hasta convertirse en un haz de finas
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molduras. Los capiteles qué coronan las columnas adosadas

presentan decoración de follaje, o no se utilizan como soporte
decorativo, a no ser escuetos motivos vegetales. La arquitectura no
distrae la mirada con proliferación de motivos, sino que tiende a
disolverse en molduras diversas y elementos vegetales. El capital
pierde importancia, cada vez más pequeño. Ventanas y vidrieras
conforman los huecos góticos con hermosas tracerías caladas de
piedra. Arcos apuntados o rosetones circulares ocupan el alto de las
fachadas, o, en el periodo clásico asumen la forma radiante y sencilla.
Se multiplican los adornos en el siglo XIV y XV. La tracería llega a ser
un laberinto de lóbulos, folios, rosetas y todo tipo de curvas
enlazadas. La pintura mural pierde alcance, se ha sustituido por la
pintura en las vidrieras. Se desarrolla el arte del retablo donde
mezclan pintura y escultura para expresar programas iconográficos
coherentes. Las fachadas góticas se organizan en forma tripartita:
3 cuerpos horizontales que se corresponden con el Alzado de la nave
central, 3 secciones verticales, o calles, que se corresponden con la
división entre la nave central y las naves laterales. El imafronte.
Cuerpo horizontal inferior se constituye con las 3 portadas de la
fachada, equivalentes a la nave central y las dos naves laterales.
Sobre las puertas, una galería corre pareja a los triforios interiores.
Arriba, el rosetón calado que se ajusta al claristorio interior. Las dos
Torres laterales forman parte del cuerpo de la fachada y se rematan
por agujas o chapiteles que marca el sentido ascensional del
conjunto. En estas puertas se plasma la decoración escultórica. Las
portadas conservan una composición igual a la portada románica,
pero, el abocinamiento viene marcado por las múltiples arquivoltas
apuntadas. Las molduras, las columnillas, las tracerías caladas, los
motivos vegetales, confieren aspecto gótico. La escultura sigue ligada
a la arquitectura, pero tratando el relieve con libertad. Pintura y
escultura rompen la ley de la adecuación al marco por lo que los
relieves pasan a ser trabajados con un aspecto de escultura de bulto
redondo adosada. Movimiento y expresividad hacia un marcado
naturalismo. Temas de las portadas: juicio final, la coronación de la
Virgen, vida de los Santos. En Saint Denis el vano central se dedica al
juicio final, pero los ancianos del apocalipsis están esculpidos en las
arquivoltas, no de manera radial, sino que sigue en el sentido de las
arquivoltas.

3.2. El proceso constructivo.

La Catedral gótica es expresión de la teología y la cosmología

medieval en el siglo XIII. Requiere medios materiales y humanos
ingentes que se dilatan a lo largo de varios siglos. Gran parte de las
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catedrales no son construidas estrictamente en estilo gótico clásico,

sino que combinan estilos, adiciones, sustituciones y alteraciones del
proyecto original. Muchas inacabadas hasta el siglo XIX o XX. Otros
devastadas por guerras. Catedral como empeño de una comunidad
como símbolo de las posibilidades de la ciudad, también de sus
dificultades, buscando prestigio. La historia de una Catedral es
inherente a su proyecto inicial, también a sus interrupciones,
sustituciones y reinterpretación el gótico se formuló a partir de las
catedrales francesas del gótico clásico. Desde el primer gótico de
Saint Denis, 1140 a 1220, la actividad constructiva de los Capeto y
cercanías, lugares de los Plantagenet fue febril. En un siglo 18
Catedrales. Hizo posible avanzar en soluciones constructivas. Paso de
la bóveda sexpartita a la bóveda de crucería simple o la supresión de
las tribunas gracias al descubrimiento del arbotante. Se organizó el
trabajo de cantería de forma racional y eficiente. Los constructores se
reunieron primero en logias y más tarde en gremios qué permitió una
división del trabajo y especialización. La Catedral de Chartres se inicia
en el 1194 y en el 1220 ya se había terminado; la Catedral de
Salisbury, en 1220 y concluida en 1266. Rapidez gracias a la
asociación de intereses entre obispos y cabildos catedralicios con los
propios monarcas Capeto. Promovidos por obispos y monarcas para
legitimar el poder de la monarquía. Arquitectura promovida por el
poder religioso y temporal. Ello se reproduce en otros territorios
europeos y se aplica a edificios ya existentes. Motivo habitual es la
renovación por los daños por ejemplo la Catedral de Chartres,
incendio en 1194 o Canterbury 1174 y otras de nueva planta cómo la
Catedral de Sevilla decidida por el Cabildo en 1401 con planta de la
antigua mezquita. Empeño de construir una iglesia más grande y más
bella. La Catedral transcendía de su significado religioso para hacer
un proyecto colectivo. Los habitantes sufrieron el elevado coste, En
Amiens, contrato de colaboración entre el Cabildo y los ciudadanos.
En general cómo el Cabildo catedralicio financiaba la construcción
básica de la Catedral, la nave central y el ábside. Decisiva
intervención del Abad Suger en Saint Denis o del obispo Mauricio en
la Catedral de Burgos. Sin olvidar la íntima relación de estos
personajes con los monarcas, abad Suger con el futuro rey Luis VI. La
Catedral fue un espacio altamente privatizado. Los nobles, el monarca
y la burguesía financiera gran parte del proyecto adquiriendo derecho
sobre una zona del mismo, por lo general capillas funerarias.

3.3 puntos el significado simbólico de la luz coloreada

La sofisticación técnica permitió reducir los muros en favor de los

huecos de los ventanales, pero el tratamiento del vano no era un fin
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en sí mismo, sino que estaba destinado a contener vidrieras como un

paramento traslúcido. Ventanales, fuente de luz coloreada, luz irreal
que invade el espacio gótico. La vidriera elemento arquitectónico qué
más define al gótico. La luz coloreada da naturaleza trascendente, o
sublimación de la divinidad. Penetra generando una escenografía
nueva, no se basa en la cantidad de luz o direccionalidad sino en el
misticismo qué crea. La luz desmaterializa los elementos dando
sensación de elevación e ingravidez. General y difusa, transfigurada y
coloreada, transforma el espacio en irreal y simbólico. El uso de la luz
relacionado con una corriente de pensamiento que en los siglos XII y
XIII fue importante. El Abad Suger escribió cómo había puesto gran
cuidado en ejecución de estas vidrieras que permitían elevar el
espíritu desde lo material a lo espiritual, enajenación del alma en la
contemplación de las cosas. Parte de tradición filosófica neoplatónica
según la cual los objetos conducen hacia un lugar superior. La
arquitectura tenía una función anagógica. El simbolismo místico
domina a los artistas. La escuela de Chartres considera la luz como el
elemento más noble de los fenómenos naturales. La belleza percibida
como el resplandor de la verdad. La imagen como revelación. Dios es
la luz. El Abad Suger familiarizado con l’école de Chartres y
neoplatónica de Plotino quiso mostrar un camino hacia la
trascendencia, elevando la conciencia a través de planos
ascensionales. Convirtió este pensamiento de luz cómo identificada
con la divinidad. Materialización terrenal de Jerusalén celestial. Según
el apocalipsis muros de luz. Belleza no puede entenderse sin luz. La
vidriera tamiza y fragmenta la luz creando una atmósfera irreal y
fingida, acentúa la tensión entre materialidad de los elementos
constructivos y el artificio de su utilización con sensación de
ingravidez. Las primeras para las capillas del coro de Saint Denis.
Ejemplos magistrales, Catedral de Chartres, la Sainte Chapelle, la
Catedral de León. En ellas temas del antiguo y Nuevo Testamento. La
técnica utilizada es el teñido de trozos de vidrio realizados en grisalla
y unidos mediante tiras de plomo que delimitan las figuras y aíslan los
tonos conservándole su valor. Se realiza sin perspectiva y gran
precisión en el dibujo y en la coloración.

3.4. Espacios y usos de la Catedral.

También es un espacio cívico polifuncional para concentración,

encuentro e incluso mercado y liberación de las tensiones de la
sociedad a través de la ceremonia y la festividad religiosa. Sucedían
oficios religiosos cómo enterramientos, asambleas políticas bajo la
presidencia del obispo. Discusiones acerca del precio del grano o del
ganado, cotización de los paños… Ciudad dentro de la ciudad, núcleo
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intelectual y moral. En el proyecto inicial jugaron un papel

predominante la liturgia y los cambios del Concilio de Trento en el
siglo XVI que determinan profundas alteraciones en muchos espacios.
Las necesidades de un Cabildo Catedralicio con funciones
administrativas, económicas y jurídicas además de las religiosas;
Desarrollo de ceremoniales específicos como coronaciones reales,
culto a las reliquias, capillas funerarias. Aspectos que determinan el
carácter individual de cada edificio que se rige por leyes y estatutos
propios que afectan a su historia funcional y su estructura
arquitectónica. Espacios y usos propios del Cabildo son los claustros,
las salas capitulares y los coros. Los claustros catedralicios
responden a idénticos criterios que los claustros monásticos
románicos o cistercienses. Al tener los cabildos sometidos a reglas
monásticas se necesita crear unos espacios claustrales similares. Se
estructuran con cuatro pandas, cada una con varios tramos,
normalmente 6, cubiertos con bóvedas de crucería. Estos se
comunican con el patio a través de arquerías de arcos apuntados. La
sala capitular, lugar de reunión del Cabildo. Normalmente espacio
único, a veces exento a la catedral, con entrada propia. Luego se
incorporó a la estructura de la Catedral al construirse los tramos de
los pies. Rigurosa geometría y volumen cúbico, singulares son las
salas capitulares inglesas, individualizadas respecto a la Catedral, casi
cúbicas, cubiertas con una bóveda estrellada y planta octogonal.
Auténticas cajas de cristal por la sustitución del muro por vidrieras.
La nave central, zona de reunión eclesial, limitada y cortada en las
catedrales españolas por la colocación de los coros en el centro de
estas. Las naves laterales son lugares para deambular y las
girolas, espacio de recepción y camino de peregrinos en el culto a las
reliquias. La posición de los altares determina los recorridos litúrgicos
y ceremoniales. Muchos espacios limitados a un tránsito general.
Ejemplo, las girolas no podían ser paseadas por todos, eran lugares
regulados con protocolos de acceso restrictivo igual que las capillas
mayores, solo transitables para algunos miembros del cabildo, los
coros, algunos altares y las capillas funerarias privadas. Todos
acotados, cerrados y separados por rejas, indispensables en las
catedrales hispánicas. Las rejas son piezas arquitectónicas de
delimitación, pero sin entorpecer la visión ni ocultar los magníficos
tesoros. Catedral espacio destinado al enterramiento privilegiado. En
el siglo XIII raro, lo normal era el enterramiento en el atrio o alrededor
del propio edificio. El claustro para personas de prestigio, clérigos o
nobles. Poco a poco se incrementó con construcción de capillas
privadas compradas lo que le proveía de fondos para la conclusión de
las obras. Estas capillas se abren a las naves laterales ocupan los
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espacios entre contrafuertes. Pueden ser panteones individuales,

aunque lo normal es que fueran familiares. Ejemplo son las capillas
reales como capilla de los condestables, panteón familiar de la familia
Velasco-Mendoza en la catedral de Burgos.

4. Los constructores de catedrales: el arquitecto y sus medios

El término arquitecto se utiliza desde la Edad Media antigua para

designar al clérigo encargado de una construcción. Se recupera con la
construcción gótica. El arquitecto del siglo XIII es un científico que
aplica las matemáticas y las leyes de la geometría. Committenti,
como el abad Suger o Mauricio. Catedrales cómo esfuerzo
comunitario de una ciudad de constructores anónimos. Lo cierto es
que la arquitectura gótica está repleta de nombres. La edílica gótica
propició el prestigio del arquitecto por sus altos conocimientos
técnicos, capacidad para organizar la cantería y llevar a cabo
importantes monumentos en un tiempo corto, capacidad de
innovación, técnica constructiva, creación de novedosos instrumentos
como el dibujo. Diferencia entre la Edad Media y el Renacimiento,
supuesta labor comunitaria y anónima del arte medieval e
individualidades de los renacentistas. El artista medieval no siempre
fue anónimo, aunque es verdad que el renacimiento se caracteriza
por su individualismo con la aparición del capitalismo en una sociedad
más secular. No conocemos los maestros de Chartres, sí a los de la
catedral de Reims: Jean D’Orbais y otros por las inscripciones
grabadas en las cuatro esquinas del laberinto y en el pavimento de la
nave. Maestros de obra gozaron de gran prestigio. También
conocemos los 3 maestros de la Catedral de Amiens: Robert de
Luzarches, Tomás de Cormont y su hijo Regnault. Con respecto a esos
laberintos y estas firmas para Viollet-le-Duc no son nada más que un
capricho, para Jantzen son importantes por el lugar donde se
inscriben los nombres y el sello de los maestros del siglo XIII.

4.1. Movilidad de los constructores y difusión del gótico

El gótico se extiende por toda Europa por el viaje de arquitectos. En

muchos casos fue el empeño de un obispo que conocía directa o
indirectamente otras catedrales llamando a un arquitecto conocido y
reputado. Este es el caso de la Catedral de Canterbury que empieza a
construirse por Guillermo de Sens. Estos viajes permiten transmisión
de conocimientos, técnicas, utillaje, maquinaria, modelos y hombres.
Ya no existen grandes cuadrillas como en el románico. En el gótico los
oficios están muy desarrollados y regulados en logias y luego en
gremios. Existían canteros, picapedreros, escultores, albañiles,
carpinteros, herreros, vidrieros… Cada maestro artesano tenía un
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taller que contaba con aprendices y peones y herramientas qué había

ido perfeccionando. Cuando se decidía construir una Catedral
contaban con una infraestructura de oficios y personas. La movilidad
era necesaria, pero la cantería no estaba formada por cuadrillas
volantes. En general, la nueva Catedral empezaba sin que se hubiera
demolido el viejo edificio. Una parte se mantenía, manteniendo
relación con el pasado. La obra no era tan costosa y dejaba un
significado simbólico. Catedrales de Sevilla sobre una mezquita. Lo
que se pretendía reedificar eran las cabeceras y algunas veces las
naves. La organización del trabajo permitió avanzar con rapidez.
Gremios bien organizados con experiencia constructiva y mejor
preparados.

4.2. El dibujo arquitectónico

Uno de los grandes logros fue el perfeccionamiento del dibujo

arquitectónico y su uso generalizado. La geometría estaba en la base
del arte. En principio se proyectaban las bóvedas y a partir de ellas se
calculaba la planta y el alzado por medios geométricos. A partir de
una de las dimensiones básicas desarrollaban proporcionalmente,
gracias a la geometría, el resto de las magnitudes de la planta y el
alzado. El cuadrado era el módulo que permitía calcular toda la
estructura. Originalmente, los arquitectos y maestros de obra
trazaban sobre el suelo con ayuda de cordeles y estacas, los
cimientos, es decir su planta. A partir de 1200 pergeñaron los dibujos,
incluso detalles con compás y escuadra, dibujo técnico. Los grandes
arquitectos se hicieron representar con el compás y la vara de medir,
cómo geómetras. El propio Dios fue representado con el compás. Las
magnitudes de la planta y el alzado se establecían a partir de unas
dimensiones básicas en las que el cuadrado, a veces polígonos
regulares, era el módulo que determinaba todo un complejo sistema
de proporciones geométricas. Conocimiento esencial que las logias
medievales lo guardaron como secreto, hasta que, a finales del siglo
XV, el maestro de la Catedral de Ratisbona, Mateo Roriczer, empezó a
enseñar. La arquitectura para ser correcta ha de basarse en la
geometría, estabilidad y belleza. En 1391 Jean Mignot, respecto a los
problemas constructivos de la Catedral de Milán, dijo: el arte no es
nada sin la ciencia. Esto explica por qué los committenti pierden el
control sobre los proyectos arquitectónicos qué pasa a depender de
los arquitectos. Profesionalización y racionalización permiten el
nacimiento del arquitecto individual. Entre 1220 y 1230 como un paso
revolucionario, dibujos de detalle de fácil ejecución geométrica, o
sobre pergaminos, después dibujar planos completos. Este nuevo
dibujo pasó a la experimentación y la representación de las ideas de
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forma visual punto se concibió como una herramienta que permitía la

especulación sobre una posibilidad real mediante su representación.
Ya no es necesario que arquitectos, canteros o maestros de obra
viajasen. El dibujo determinó que se construyera solo aquello que era
capaz de dibujarse. Hubo manuscritos técnicos, este tipo de diarios
fueron frecuentes. Arquitectos pintores y escultores realizaban
anotaciones técnicas y económicas de los encargos de los
committenti. Bloques de piedra perfectamente tallados gracias a las
plantillas de madera, denominadas escantillones. La complejidad y el
preciosismo del estilo radiante fue posible por los dibujos previos de
los detalles. Los enrejados en piedra coma las filigranas de los
rosetones y de los ventanales se podían prefabricar gracias a
plantillas dibujadas. 3 elementos del dibujo gótico: el dibujo, las
monteas y las plantillas. Lo más extendido es el uso de trazas de
montea dibujados sobre el muro o el suelo para facilitar la
construcción de elementos concretos como arcos, puertas o
arbotantes. Últimas interpretaciones, que la intención de los
arquitectos góticos creaba un arte individual que los diferenciara.

5. La ciudad en la cultura gótica.

La ciudad bajomedieval cristiana, desde mediados del siglo XIII hasta

el XIV creció y se revitalizó permitiendo el auge de instituciones
municipales como los concejos, el fortalecimiento de la monarquía y
la supremacía del poder religioso. Esto desarrolló la construcción de
catedrales góticas que transformó las ciudades, desarrollando una
planimetría urbana que se integró por todas partes: la iglesia
formalizada en Catedral; la plaza con sus soportales y los edificios
públicos, ayuntamientos, lonjas y hospitales qué pasan de la periferia
al centro. El plan urbano deja de ser un espacio residencial
indiferenciado y se convierte en un espacio ciudadano cargado de
contenidos simbólicos. Utopía medieval de la ciudad de Dios de San
Agustín como expresión de una comunidad civil armónica sujeta a
diversidad de poderes articulados entre sí: la iglesia, el concejo con
distintos centros: religioso, mercantil, municipal. Los ciudadanos
enriquecidos y los nobles se instalan en la ciudad, buscan
preeminencia y prestigio y compiten en el desarrollo de sus espacios
urbanos y arquitecturas. Desde el siglo XIII al XV, arquitectos y
técnicos fueron encargados de proyectos y reformas, planteamiento
urbano y territorial, recuperando planteamientos romanos. La
movilidad fue un factor decisivo difundiendo técnicas y tipologías que
con homogeneidad verificamos en la Europa occidental. Desde el
siglo XIII, en la fundación de nuevas poblaciones y reformas parciales
se impuso la sujeción a modelos abstractos que se suponían dotados
Historia del Arte en la Edad Media
13

de un valor universal. La ciudad se ajustó a normas impuestas desde

poderes y a tipologías racionalizadoras de raíz aristotélica con una
concepción centralizada y jerarquizada de la sociedad.

5.1. La forma de la ciudad medieval cristiana

La muralla y la plaza. La muralla cómo necesidad de defensa se

convierte en el origen de las finanzas municipales, delimitación física
de los derechos ciudadanos. El sistema se hace obligatorio y se
extiende a otras obras comunales como los abastecimientos de agua,
el saneamiento o el mantenimiento del sistema viario. La muralla
delimitará fronteras, el tráfico de mercancías; la puerta se constituirá
en el elemento básico de control a efectos fiscales y,
arquitectónicamente, símbolo de paso al nuevo orden social y
ciudadano. La plaza cómo necesidad espacial para la instalación del
mercado, base económica y de progreso. Se inicia hacia 1250, plaza
intramuros cívica y mercantil, a menudo bordeada con soportales.
Hasta entonces, los mercados se celebraban en esplanadas
extramuros. La comunicación de la plaza del mercado con las puertas
de la muralla establece el prototipo de esquema radioconcéntrico. El
centro urbano reúne símbolos que representa la conciencia colectiva,
el castillo, edificios administrativos y de gobierno, las plazas mayores,
las casas gremiales, las sedes de Justicia, las universidades y los
hospitales; lonjas y mercados. Todo presidido por símbolos religiosos,
la colegiata o la Catedral. Este núcleo se une con las puertas de la
ciudad con calles radiales principales que se completa con calles
secundarias, concéntricas y básicamente peatonales. Carcasona,
Nordlingen… hay ciudades que se forman por la fusión de varias
aldeas, población que se agrupa en pequeños pueblos en torno a
ermitas o iglesias, la construcción de una muralla conformará un
conjunto urbano unitario dentro de la muralla, grandes espacios
vacíos previstas para casos de asedio disponer de tierras cultivables y
encerrar el ganado. Algunas llegaron a encerrar grandes extensiones
de terreno como Salamanca y Soria con más de 100 hectáreas.
Algunas aldeas, por su alejamiento, quedaban fuera de la muralla
como Segovia y Burgos. En otras el conjunto de aldeas se fortificaba
por razones militares como el caso de Ávila. Otra tipología, con
esquema lineal a lo largo de un camino, Camino de Santiago,
Burguete, Estella, Puente de la Reina… Villas fundadas en los siglos XI
a XIII en lugares estratégicos, pasos de montaña y de ríos, protección
y asistencia de peregrinos, que se distribuyen a ambos lados del
camino que se convierte en la calle mayor con equipamientos
asistenciales y comercio. Variedad tipológica, alguna responde al
antiguo trazado regular de tradición helenística transmitida por los
Historia del Arte en la Edad Media
14

campamentos militares romanos. Con plano rectangular amurallado,

dos calles principales perpendiculares, el Cardo y el Decumanus de
los campamentos romanos que unían las cuatro puertas. Las calles
secundarias en una cuadrícula paralela a la red principal y a la Plaza
Mayor, en el centro, en la confluencia de las calles principales. En
Francia, ciudades fortificadas, bastides, con fines militares
perfectamente regulares cómo Villeneuve sur Lot, Aigües Mortes…
fundada por San Luis para embarque de cruzados con un trazado en
parrilla ortogonal, defendido por muralla y torres. En Inglaterra e Italia
trazado reticular, Winchelsea, Pietrasanta… En los últimos años del
siglo XV reaparece el modelo de campamento romano, por los Reyes
Católicos al concluir la conquista. Campamento de Baza, en
cuadrícula, rodeado por murallas con cuatro puertas. El campamento
de Santa Fe, 1481, planta cuadrada defendida por foso y muralla, dos
calles principales perpendiculares que se unían en la Plaza Mayor con
acceso a las cuatro puertas. Igual Castellón o Villarreal. Puerto real
estructura urbana regular. Base para el diseño urbanístico de las
ciudades de Hispanoamérica. En la Edad Media ciudad y murallas son
indisolubles. Función defensiva. Muralla suscita toma de conciencia
ciudadana. Delimita el campo de vida social e individual, nociones de
dentro y fuera, integración. Edades antigua y media, incluso moderna,
la muralla delimita espacios dentro fuera, ciudadanos y el campo,
valor de las puertas, su vigilancia, actividades económicas y sociales,
entradas triunfales… las murallas conforman la forma y la estructura,
determinando las calles principales y las que confluyen en las puertas
de los burgos. Cierta estratificación de espacios ciudadanos según
mayor o menor cercanía con respecto a los muros. En épocas
medievales con inestabilidad, la nobleza y la burguesía edificaron sus
casas y Palacios al abrigo de las murallas, Casas y Palacios
fortificados, el caso de París en el siglo XIII. La muralla define el
perímetro de la población, ejes de circulación hacia el exterior,
conforma las principales calles, se inicia la urbanización de calles
secundarias, zonas de prestigio, plazas. La plaza medieval con el
auge del mercado. Las poblaciones obtenían beneficios y aumento
demográfico. La concesión del mercado suponía disponer de un
amplio espacio. El hacinamiento de las viviendas en el interior de los
recintos amurallados suponía qué no existieran zonas sin edificar, o
imposibilidad de organizar plazas. Lo habitual es que el núcleo central
fijará dos espacios públicos: la plaza del mercado y la plaza de la
iglesia o catedral, a escasa distancia y comunicadas; las plazas del
mercado eran amplias, con soportales y prefijadas en su forma, no
disponían de estructuras regulares como las plazas del Renacimiento.
Historia del Arte en la Edad Media
15

En ellas se ubicó el edificio más representativo, la casa del concejo,

punto de confluencia de largas calles radiales.
Historia del Arte en la Edad Media
16

Capítulo 2 Los comienzos del arte gótico en Francia (Siglos

XII-XIII)

1. La primera arquitectura gótica en Europa.

Resurgir del gótico en el siglo XIX, componente nacionalista. Dos

interpretaciones, la visión racionalista de Viollet- -le Duc y que el
antitético movimiento comunal, laico y la construcción espiritual
nacionalista de Worringer. Ambas buscaron el lugar de nacimiento del
gótico. Pugna entre Francia y Alemania. El gótico nació en el norte de
Francia. Alianza entre la monarquía y la jerarquía eclesiástica. Île de
France dominado por los Capeto. Ideal caballeresco y Cortés.
Debilidad monástica. Los obispos ocupan feudos eclesiásticos no
hereditarios. Escuelas episcopales en las ciudades como la de
Chartres. Se entiende la historia del arte como un proceso evolutivo,
el gótico supera el románico, el Renacimiento supera el gótico,
dividido en periodos de formación, desarrollo pleno y decadencia.
Historia del Arte en la Edad Media
17

Desde este punto de vista el gótico francés es un modelo perfecto. El

gótico francés tiene un momento de libertad creadora, el momento de
la transformación de Saint Denis con el Abad Suger. Le sigue una
etapa de formación del estilo, es el preclásico o gótico inicial francés.
Una etapa de máxima excelencia es el clásico, una etapa de
preciosismo, El Rayonnant y decadencia, el flamígero o tardo gótico
esto tiene su correspondencia en otras regiones europeas.

1.1 punto el Abad Suger y la abadía de Saint Denis

Primer intento de arquitectura gótica en la abadía de Saint Denis

entre 1140 y 1144 auspiciado por el Abad Suger, consejero de Luis VI
de Francia Y Luis VII. Saint Denis con significado simbólico, mausoleo
de los reyes franceses y merovingios, coronado Carlomagno (754).
Reliquias del Santo y mártir, San Denis, patrón de la casa real, centro
de peregrinación. Prestigio de iglesia y corona. El Abad Suger
desarrolló un mecenazgo de tipo intelectual y revolucionario, voluntad
conjunta iglesia-monarquía. La cabecera iniciada por el Abad en 1140
se combinan 3 elementos esenciales: la bóveda de ojivas, cuyos
nervios apoyan en haces de columnillas hasta el suelo, arco apuntado
y apertura de amplios vanos que dejan que la luz invada. Sustitución
de gruesas paredes por ligerísimos ventanales en paramentos de
cristal. Plantea la nueva planta de la cabecera: doble deambulatorio
cubierto en sus tramos dobles con sendas bóvedas de crucería que se
apoyan en el centro en una columna exenta, 7 capillas radiales,
horadadas por dos amplios vanos de arco apuntado cubierto con
vidrieras. Busca un lenguaje original, más dúctil y sutil y elegante,
manifestación del poder real frente al clero cluniacense y la nobleza
feudal. Suger al servicio de la monarquía consciente de la debilidad
del poder real. El gótico tuvo motivaciones religiosas, estéticas y
políticas. Consagración de la cabecera el 11 de junio de 1144. De este
primer gótico apenas quedan restos. El Abad percibió la importancia
de lo que había hecho. No escribo un tratado, explícita la significación
espiritual y mística. Vinculación al pensamiento neoplatónico. Frente
al ascetismo (desorganización) que predica Bernardo de Claraval, el
abad Suger propone apreciar la belleza en las cosas sensibles qué
participan en lo divino. Cabecera de Saint Denis con extraordinaria
luminosidad de luz coloreada que penetra sobre el rico conjunto de
ornamentos religiosos en los altares de las capillas radiales,
destellantes de oro y piedras preciosas, luz de Dios. Resplandor de la
verdad, nos permite elevarnos a Dios. La arquitectura gótica se
denominaba en periodo medieval Opus francigenum u opus
modernum.
Historia del Arte en la Edad Media
18

1.2. La arquitectura del gótico preclásico o gótico primitivo.

Catedral de Sens, inicia su construcción en 1140 bajo el auspicio del

arzobispo Henri Sanglier. Se conserva íntegra, características del
primer gótico o preclásico. Nave central cubierta con bóvedas de
crucería sexpartitas, cada tramo cuadrado dividido por dos nervios
diagonales y un tercer nervio transversal con 6 plementos. Establece
el sistema de elevación o articulación mural en 3 pisos: Arquerías,
triforio y ventanales. Con respecto a Saint Denis, abandona la tribuna,
presentes en algunos edificios de este primer gótico, y la cripta,
propio del románico y que en el gótico pleno desaparece. Los nervios
de las bóvedas sexpartitas descansan sobre un sistema de soportes
alternos, pilares-columnas: el soporte fuerte, el Pilar, sosteniendo los
nervios diagonales; el soporte débil, las columnas, sustenta los
transversales, que todavía no permiten el espacio diáfano y unitario
del gótico clásico. Sens, no tuvo alcance arquitectónico contrastado,
aunque aparecen novedades, con la supresión de la tribuna y del
alzado tripartito; no se la considera un precedente del gótico clásico
por su aislamiento artístico. Consecuencias decisivas del gótico en
Inglaterra a través del arquitecto Guillermo de Sens, que transforma
la catedral de Canterbury en el nuevo estilo gótico en 1174. Frente el
juegos de luces de Saint Denis, la Catedral de Sens presenta gran
solidez, cercana a las abadías cistercienses. En la segunda mitad del
siglo XII el Île de France, catedrales de Noyon, 1150; Senlis, 1153,
Laon, 1160; París, 1163 y el brazo de crucero de la Catedral de
Soissons, 1175. Gótico como arquitectura al servicio del poder,
oponiéndose al poder feudal. Se extiende desde el 1140 al 1200, o
periodo preclásico. Se repiten unas características: la cubierta de la
nave central con bóvedas sexpartitas (3 nervios y 6 plementos sobre
tramo cuadrado), la articulación del muro mediante cuatro pisos
(arquería de separación de naves, tribuna, el triforio y ventanales) y
la alternancia de soportes Pilar-columna, pilares fuertes y pilares
débiles. Este sistema no permite aún la apertura de grandes vanos, la
presencia de la tribuna lo impide, aunque el claristorio está
perfectamente ubicado en la parte superior de la articulación del
muro y ocupando un espacio dominante. La Catedral de Laon cómo
Notre Dame de París ensaya la elevación de la nave central y los
intentos de mayor iluminación. La luz coloreada es el elemento
dominante en estos edificios. Característica es la rapidez con que se
desarrollan las obras y su extensión por el territorio. Entre 1140 y
1200, en Francia 18 catedrales. La Catedral de Noyon, tras un
incendio en 1131, es la segunda Catedral gótica de Francia, planta
gótica con 3 naves, girola con capillas radiales y pronunciados brazos
Historia del Arte en la Edad Media
19

de crucero. Su alzado interior es de cuatro niveles: grandes arcadas,

tribuna, triforio y claristorio. La Catedral de Senlis no presenta trifolio.
La Catedral de Laon, unidad de conjunto perfecta. Se cubre con
bóvedas sexpartitas y elevación de la nave central de cuatro pisos; En
su lado oeste se proyecta y construye una fachada en la que la
estructura exterior se relaciona con la interior; las Torres coinciden
con el ancho de las naves laterales. El prototipo de Catedral gótica es
Notre Dame de París. Investigaciones para conseguir mayor elevación
y apertura de ventanales que inventan un nuevo elemento, el
arbotante, por primera vez en 1180, permite dirigir los empujes desde
las bóvedas hasta los contrafuertes exteriores. Consigue la apertura
de grandes ventanales.

1.3. La arquitectura del gótico clásico: las grandes catedrales

francesas.

Utilización de arbotantes el Notre Dame en 1180 abre el periodo

clásico. Se encontraba en el proyecto original, creación teórica.
Permite una reestructuración del alzado interior de la Catedral y de
las bóvedas, ya que dejan de ser sexpartitas para convertirse en
cuatripartitas, o bóvedas de crucería. El arbotante permite suprimir la
tribuna, al recogerse los empujes de las bóvedas en un punto más
alto y los vanos pueden ocupar casi todo el espacio del muro. Notre
Dame recoge alguna de estas novedades, mantiene características
preclásicas como las bóvedas sexpartitas y la tribuna. Tiene 5 naves
separadas por arquerías sobre pilares cilíndricos, alzado se disponen
en 3 niveles que se separan mediante molduras. La girola y las naves
laterales ocupadas por un total de 29 capillas. La fachada principal en
3 cuerpos horizontales y 3 verticales, flanqueados por dos torres al
estilo de las románicas normandas. En el cuerpo inferior 3 portadas
con profusa decoración escultórica; este se separa del cuerpo
superior mediante un friso corrido, con decoración escultórica,
conocido como galería de los Reyes. Sobre él el gran rosetón del año
1220, que coincide con el espacio de la nave central y está
flanqueado por dos grandes ventanales; A continuación, una galería
de arcos ojivales y rematando el conjunto las torres decoradas con
ventanales alargados. Siglo XIX restauración de Viollet le Duc no
supuso adición de elementos Incorporó la aguja, la flèche, gárgolas,
pináculos… Entre 1194 1220 se inicia la construcción de la Catedral
de Chartres, novedad eliminar la tribuna sobre las naves laterales y
utilización de bóvedas de crucería simple. Se erigió en el lugar
ocupado por una Catedral románica que se incendió en 1193. En 1198
se consagró. Su planta es de 3 naves con girola y capillas radiales, la
cabecera condicionada por la existencia de una cripta original del
Historia del Arte en la Edad Media
20

templo románico; El transepto, o nave transversal, presenta naves

laterales. A partir de Chartres se difunde el gótico clásico como
plenitud, el uso de arbotantes permite que el muro de la nave central
se articule en 3 pisos: (desapareciendo la tribuna) arquerías de
separación de naves, triforio (sencilla galería de circulación practicada
en el espesor del muro de la nave central) y grandes vanos.
Grandiosos ventanales con vidrieras llamadas claristorio que filtra la
luz y transforma en claridad coloreada. Simbolismo trascendente se
sustituye la bóveda sexpartita de tramos cuadrados por la bóveda de
crucería sencilla (dos nervios cruzados) dividida en cuatro elementos.
La bóveda de crucería permite el mismo tratamiento del espacio
interior ya que los tramos, ya sean rectangulares en la nave central,
cuadrados en las naves laterales o poligonales en la girola, tienen la
misma resolución; acaba con la alternancia de soportes, fuertes y
débiles, para introducir un único soporte creando un espacio continuo
y visualmente homogéneo. El tramo se convierte en la unidad
orgánica con la que se articula, sin limitaciones de altura o extensión,
el edificio gótico. Rapidez de las obras la fachada principal conserva
gran parte de la primitiva. Triple portada, denominada puerta real
entre los años 1145 y 1155, punto de partida de la escultura gótica,
todavía vinculada a modelos románicos. El modelo de Chartres se
difundió, aunque el desarrollo del gótico clásico fue variado. Los
maestros utilizaban y combinaban elementos diversos para una obra
original, pero Chartres es el ejemplo. El gótico se afianza con las
catedrales de Reims, 1211 y Amiens, 1220. En ambas planta
cruciforme, combinan todos los elementos, busca ingravidez,
iluminación irreal y la diafanidad. Tanto Reims como Chartres sobre
una fábrica anterior por incendios. Reims: La decoración
arquitectónica concluyó en 1275. Reims consagraba y ungía a los
Reyes desde Clodoveo. La Catedral de Amiens nuevo edificio gótico
en 1220 cómo esfuerzo conjunto y comunitario de una ciudad. Su
cabecera, con dobles naves colaterales, deambulatorio de 7 tramos y
capillas radiales fue el referente para catedrales como la de Beauvais,
la de Colonia, las catedrales meridionales de Francia y las de Gerona
y Barcelona. En Borgoña, el gótico sujeto a la tradición arquitectónica
románica y cisterciense. En Normandía, el gótico se impuso tras
desligarse de Inglaterra. Catedral de Lisieux, finales del siglo XII.

2. La primera escultura gótica: las figuras despiertan a la

vida.

Siglos XII y XIII la escultura gótica rompe con la ley de adaptación al

marco arquitectónico propia del románico. Las estatuas se
despegaron del muro adquiriendo corporeidad y naturalismo.
Historia del Arte en la Edad Media
21

2.1. El triunfo del naturalismo: la nueva mentalidad creada por la

escolástica y las órdenes mendicantes.

Las escuelas catedralicias crean una corriente teológica y filosófica

conocida como escolástica influida por Aristóteles. El pensamiento
escolástico responsable de la mentalidad que condujo al nuevo
naturalismo figurativo. San Agustín y el neoplatonismo habían
marcado el pensamiento de los monjes dónde la expresión conceptual
primaba sobre la sensualidad y verosimilitud. Cambio en el siglo XII al
traducirse las obras de Aristóteles. El empirismo aristotélico despertó
interés por analizar el mundo circundante; representar la naturaleza,
el paisaje, los animales y las figuras. Nuevo racionalismo al servicio
de la fe armonizando cientifismo y doctrina cristiana con
subordinación de la razón a la fe. Se recurrió a la razón para confirmar
lo que la doctrina ha afirmado. La escolástica fue germen de la
Universidad que desarrolló el método dialéctico y el modelo de clase
magistral. Esto vino ligado a las órdenes mendicantes nacidas en el
primer cuarto del siglo XIII, franciscanos y dominicos enviaron a sus
frailes a la escuela y a la Universidad de París: Santo Tomás de
Aquino, Alberto magno, San Buenaventura de Siena y Roger Bacon.
Orden franciscana y dominica nacidas en 1210 y 1216. Cubre el vacío
espiritual dejado por Cluny que había acumulado riquezas y se alejó
de los fieles en monasterios aislados. Críticas hacia este clero regular
y secular (dependiente del obispo), surgieron herejías como la
albigense que quería retornar al verdadero mensaje. Esto lo
recogieron las órdenes mendicantes en las ciudades predicando la
ayuda a los necesitados, la caridad activa. Vivieron de las donaciones.
Los franciscanos se centraron en dar ejemplo de pobreza, los
dominicos al estudio y combatir la herejía. San Francisco de Asís
(1181-1236) predicó el amor a todas las criaturas. Dios estaba en una
piedra, un pájaro y en un árbol. Pensamiento determinante para la
creación de un arte mimético y realista, inclinación hacia la belleza
natural que ya no son sospechosas de idolatría. Alabanza a la obra de
Dios. Los Santos se representan como seres de carne y hueso, incluso
el Señor. El Dios bello, beau Dieu de Amiens. El pensamiento dominico
también contribuyó, Santo Tomás de Aquino (1325-1374) estudio de
la naturaleza derivada en una alabanza de su belleza como obra
divina. Identifica bondad y belleza. La belleza se refiere a la forma
que consiste en la debida proporción. Roger Bacon (1214-1294)
relaciona lo bello con el orden, matemáticas sagrada. Creación de
proporciones, inclinando a mecenas y artistas hacia el retrato del
mundo. Las figuras adquieren movimiento, gusto por el estudio
Historia del Arte en la Edad Media
22

anatómico del desnudo. Introducción del paisaje y de la perspectiva

en el Trecento italiano.

2.2. La humanización de formas y mensajes.

Cambio intelectual y artístico de siglos XII y XIII, favorable coyuntura

económica, cambios sociales. El gótico arte urbano, revolución
agrícola, excedente agrario desarrollo del comercio, nacimiento de la
burguesía, revalorización del individuo. Todo reflejado en el arte;
nobles y burgueses mecenas. Devotos seguidores de las órdenes
mendicantes. En el arte, transformación de los tipos figurativos de
Cristo y de la Virgen, humanización de contenidos, gusto por lo
anecdótico, lo cercano. Jesús en su faceta humana. Culto a la Virgen
María. Devoción Mariana que enlaza con San Bernardo de Claraval y
tradición bizantina. Interés por conocer aspectos anecdóticos de la
Virgen, se recurre a evangelios apócrifos y narraciones hagiográficas
como la leyenda dorada. Los Santos se distinguen por unos atributos
vinculados a su historia. Sentimentalismo. Realismo extensivo al
campo emocional, ejemplo Ángel de la sonrisa de la Catedral de
Reims.

2.3 La escultura del gótico preclásico o gótico primitivo: la estatua-

columna y la exaltación Mariana.

Siglo XII francés, distintas tradiciones estéticas. Prototipos de fachada

gótica con 3 puertas se atribuye a Suger en Saint Denis. Inspirada en
las abadías normandas de Caen, fachada occidental de Saint Denis,
Disposición tripartida, 3 calles verticales y sendos pisos en sentido
horizontal. Se ha perdido la mayor parte de su escultura monumental.
Reconstrucción por Viollet-le-Duc. El tímpano central preserva
diversas partes originales, interés por su iconografía ideada por el
Abad Suger. 3 registros horizontales, presenta una de las principales
innovaciones iconográficas del gótico en la representación del juicio
final sustituyendo el severo pantocrátor con el tetramorfos (propio del
románico) por el Cristo varón de Dolores, que abre los brazos en señal
de acogida a los bienaventurados. Este Jesús humanizado muestra las
llagas de las manos y el costado, salvador sufriente. A su derecha los
salvados y a su izquierda los condenados, bajo sus pies los muertos
salen de sus tumbas presididos en el centro por el propio Suger que
reza suplicante. La aparición del mecenas es una constante. Arriba
unos Ángeles sostienen los instrumentos de la pasión (la Cruz y los
clavos). Las arquivoltas como novedades en la disposición de las
figuras, ya no es radial (propio del románico) sino lineal. En ellas los
condenados sufriendo suplicios y los ancianos del apocalipsis. Este
tímpano paréntesis (1140-1144) pasará a otras iglesias de factura
Historia del Arte en la Edad Media
23

románica como la Beaulieu-Sur-Dordogne a mediados del siglo XII y la

Catedral de Santiago (pórtico de la gloria, 1168-1211). Catedral de
Notre Dame de Chartres, del primitivo edificio románico solo queda el
portal real con algunos rasgos de gótico inicial. Sus 3 tímpanos tienen
arcos apuntados con temática de tradición románica: la ascensión a la
izquierda, el pantocrátor con el tetramorfos en el centro y la Virgen
entronizada en la derecha. Las jambas, evolución hacia el gótico con
incorporación de estatuas columna que aparecían en Saint Denis.
Estas estatuas adosadas alcanzan progresiva independencia respecto
a la arquitectura, primeras expresiones del nuevo estilo. A la derecha
del tímpano central, figuras coronadas, se quiere ve a Salomón y la
reina de Saba. Adquieren una corporeidad que la separa de la
columna, proliferación de plegados en los ropajes e individualidad de
los rostros. Incisiones poco profundas que apenas logran evocar
volumen, rostros con ciertas convenciones repetitivas. Fachada
occidental de la Catedral de Notre Dame de Senlis: su puerta central,
1170-1180, naturalismo y corporalidad. En el tímpano temas de la
coronación y el tránsito de la Virgen. El tímpano se divide en dos
registros, en la parte superior, la Virgen entronizada y coronada como
reina por su hijo Jesús, a una misma altura. Ambas inscritas en un
arco en forma de M flanqueados por Ángeles. La parte inferior o
dintel, dos escenas coma a la izquierda la dormición o el tránsito de la
Virgen y a la derecha su resurrección o entierro. La primera muestra a
María en su lecho mortal, perfumada con incensarios junto a unos
Ángeles que la reciben en lo alto, a una pequeña figura que
representa su alma. La escena derecha, ángeles cogiendo el cuerpo
de la virgen por los hombros y los pies. Está doctrina consolidada por
escolásticos como Tomás de Aquino y San Buenaventura de Siena
como continuadores de la devoción Mariana. Este culto culomina con
la noción de la compassio Mariae en la que la Virgen había sufrido en
su alma lo que Jesús padeció en su cuerpo. El culto Mariano tiene
origen en El Mundo bizantino. Ahora aquí adquiere importancia
propia, coronada como reina de los cielos. El culto Mariano es
consecuencia de la humanización de Jesús.

2.4. La escultura del gótico clásico y la conquista del natural.

Las portadas del transepto de la Catedral de Notre Dame de

Chartres, primer ejemplo de escultura gótica clásica o plena, en el
1200. La escultura de las dos portadas del transepto, que son triples,
se realizó de manera escalonada entre 1200 y 1245. La más antigua
es la puerta central de la fachada norte entre 1200 y 1210. El
tímpano se dedica a la coronación de la Virgen, donde María aparece
junto a Jesucristo, coronados como soberanos celestes inclinando la
Historia del Arte en la Edad Media
24

cabeza. La exaltación Mariana remarcada por el baldaquino

trilobulado y por Los Ángeles que la rodean. La Virgen, símbolo de la
iglesia vinculada a la monarquía pues esta Catedral fue financiada por
los Reyes Capetos, llena de alusiones monárquicas. En el dintel, dos
temas ideados en Senlis, Dormición a la izquierda, acompañada de
apóstoles y del propio Jesús, y su Resurrección a la derecha, donde un
grupo de Ángeles recogen el cuerpo para reunirlo con su alma en los
cielos. La importancia de María ensalza a sus antepasados. Se
representa a Santa Ana en el parteluz sosteniendo a María en edad
lactante. Ya no solo una estatua columna sino una figura
tridimensional, con cabeza esférica, envuelta en un manto de
pliegues realistas y blandos. Las jambas se pueblan de figuras del
Antiguo y Nuevo Testamento, ya no se adosan, se sitúan entre ellas.
La corporeidad de los personajes y el naturalismo en los pliegues de
las telas, variedad de tipos humanos, distintas facciones, posturas y
gestos. El taller de Chartres crea rostros muy alargados. Estas
estatuas han conquistado su espacio, se levantan sobre su propia
ménsula, resguardadas por un baldaquino particular. Emancipación
espacial en todas las catedrales del Gótico Pleno. La portada de los
pies de la Catedral de Notre dame de París, hito del gótico clásico
en escultura. Portada de Santa Ana al sur, relieves a mediados del
siglo XII. El tímpano izquierdo, al norte, estilo clasicista y naturalista.
Se divide en 3 registros, -el primero dedicado a la coronación de la
Virgen,- el segundo a dormición y resurrección de María. Fusionan
ambas escenas en una sola -en el tercer registro, el arca de la alianza
rodeada de reyes y profetas. El tímpano central se dedica al juicio
final. Realizado entre 1230 y 1250, figuras más esbeltas y expresivas,
origen del nuevo estilo qué cristalizará en la Catedral de Reims. La
iconografía de Cristo sufriente que muestra las llagas, aquí
consolidado, ponderación de las almas por San Miguel que separa los
bienaventurados de los condenados. El dintel se dedica a la
resurrección de los muertos, despertados por ángeles trompeteros.
Sobre las puertas de la fachada, la galería de los Reyes, 28 estatuas
de los Reyes de Israel, evocación metafórica de los Reyes de Francia,
restauración del siglo 19. Portada occidental de la Catedral de Notre
dame de Amiens, entre 1230 y 1240, tendencia hacia la
multiplicación de las estatuas de las jambas ya que los pórticos se
hacen cada vez más profundos. Proliferación de arquivoltas y
exageración escultórica. Las estatuas de las jambas con completo
naturalismo, plena individualidad. Cada una mira en dirección
diferente como conversando. La triple portada se dedica a temas
habituales: el juicio final en el centro, la puerta de la Virgen a la
derecha y la puerta dedicada a un Santo local, San Fermín, a la
Historia del Arte en la Edad Media
25

izquierda. La figura del parteluz representa un Dios creador de gran

belleza, Beau Dieu que bendice y sostiene las escrituras, transmite
paz y confianza. Robusta volumetría y armónico rostro, ideal de
belleza masculino. Tendencia a la idealización del gótico clásico,
equiparación entre bien y belleza de los escolásticos. Virgen dorada
ocupa el parteluz central de la fachada del crucero sur de mediados
del siglo XII, Virgen Serena, sostiene al niño en el brazo izquierdo con
porte clásico y un drapeado característico del taller de París,
originalmente policromado en dorado. El Zócalo de las 3 portadas
occidentales incorpora medallones cuadrilobulados que incluyen
signos del zodiaco y los trabajos de los meses, referentes al paso del
tiempo. Aparecen en las grandes portadas de las catedrales
francesas, a partir de Chartres, alegorías de las artes liberales y
disciplinas científicas. Portada occidental de la Catedral de Notre
dame de reims.: iniciada en 1211, la escultura de la fachada
occidental entre este año y 1275 cuando se concluye el edificio.
Portada compleja, intervienen varias manos y escuelas escultóricas.
Cronologías imprecisas. Dos grupos de figuras, en la jamba derecha
de la puerta central, dedicada a la virgen María. Representados dos
episodios previos al nacimiento de cristo: la anunciación y la
visitación. El más antiguo parece ser el de la derecha, la visitación,
atribuida al maestro de las figuras antiguas, 1220, otros lo retrasan a
1240. El tratamiento de estas figuras enlaza con lo que se conoce
estilo 1200; Semejanza con la estatuaria clásica antigua. Tanto la
Virgen como Santa Isabel con solemne elegancia y finos pliegues en
sus túnicas, que dejan adivinar la anatomía subyacente, técnica
similar a la de los paños mojados de Fidias. Apoyan el peso del cuerpo
sobre la pierna derecha, para inclinar la cadera en sentido opuesto.
Estas figuras y su peinado recuerdan la estatuaria grecorromana.
Probable que el escultor se basará en obras de origen griego
bizantino. El rostro redondeado de María ha sido relacionado con el
maestro de Amiens. Su prima con facciones más marcadas que
indican su avanzada edad. La visitación, encuentro entre María y su
prima Isabel, ambas embarazadas, primera afirmación de Jesús como
mesías, pues san Juan Bautista da un respingo en el vientre de Isabel
reconociendo a la virgen como portadora del señor. El conjunto de la
Anunciación, a la izquierda, entre 1258 y 1275. Compuesto por el
Arcángel Gabriel y la Virgen en el momento de comunicarle su
destino. La figura del Ángel realizada por el maestro de la sonrisa
cuyas figuras son más preciosistas que la monolítica Virgen, atribuida
a un tercer maestro; llamativa sonrisa del Arcángel que rompe la
solemnidad escultórica del período anterior, conquista del natural,
realismo al ámbito de las facciones. Figura esbelta, de cabeza
Historia del Arte en la Edad Media
26

pequeña que sostiene el manto con elegancia y una cierta afectación.

Despega la cabeza hacia adelante y a un lado con su largo cuello,
contrapposto de su cuerpo entronca con el estilo del taller de París,
caracterizado por la multiplicación de plegados y ángulos en las telas
que crea sombra y profundidad. Tanto el Ángel como la Virgen, más
alargado que las figuras de la antigüedad clásica, presentando un
canon de 10 y 8 cabezas de estatura respectivamente. El maestro de
la sonrisa alcanza cotas expresionistas en otras figuras en espacios
secundarios de esta fachada, con distintas muecas y gestos que rozan
lo grotesco. Ambos maestros culminan el proceso de maduración de
la escultura gótica, máximo virtuosismo técnico en el campo del
estudio anatómico, en la plasmación de texturas y reflejo de
sentimientos. La fachada de Notre dame de Reims se remata en la
parte superior con una galería de estatuas que representan a los
Reyes de Francia desde Clodoveo, vehículo de esta Catedral con el
poder monárquico.

2.5. Escultura en oro y Marfil: las artes suntuarias

Algunas conquistas del figurativo gótico, en obras de pequeño

tamaño y ricos materiales para élites. Desde finales del siglo XII, la
orfebrería y la eboraria, esplendor en Francia. Orfebres, los artistas
mejor considerados. Nicolás de verdún (Lorena 1130-205) el más
sobresaliente, escultor y esmaltador en metales preciosos. Trabajó en
el bajo Rin. sus obras entre el 1180 y el 1205. el altar del monasterio
de klosterneuburg (Viena) con 51 esmaltes con escenas del Antiguo y
el Nuevo Testamento, trabaja el esmalte sin relieve, prioriza la
proporción de las figuras y los pliegues en sus vestimentas,
antiquizante. La técnica de esmalte empleada, el campeado,
desarrollada en Bizancio. Permitía matización de contornos. El
relicario de los 3 Reyes Magos de la Catedral de Colonia como su obra
principal, relicario más grande de Europa. Para albergar las reliquias
de los Reyes Magos, saqueadas de Milán por el emperador federico
Barbarroja en 1164, aunque procedían de Constantinopla. En plata y
oro, forma de una iglesia con tejado a dos aguas. En su interior, 3
sarcófagos independientes: dos en la base y otro encima. Nicolás de
Verdún inició su diseño en 1181, concluido por sus continuadores en
1225. 74 figuras en relieve, aunque algunas se despegan tanto que
son casi exentas. Otras figuras adicionales, se decora con filigranas,
esmaltes y unas 1000 piedras semipreciosas y camafeos, algunos de
época precristiana. El relicario presenta dos galerías de arcos en cada
cara longitudinal, con los profetas en el registro inferior y los
apóstoles con los evangelistas en el superior. En el frente principal la
adoración de los Reyes Magos, el bautismo y, en la parte superior, el
Historia del Arte en la Edad Media
27

juicio final presidido por Cristo entronizado. En el extremo opuesto la

pasión: el escarnio, la crucifixión y la resurrección. El profeta Amós
que despega su cuerpo del fondo para girarse en acusado escorzo y
mirar al espectador, con un manto de logrados pliegues. Fuerza
expresiva y estudio anatómico, reproducción del antiguo arte clásico,
conocida como estilo 1200, encontró su difusión en el arte del Marfil.
Taller de París, esculpió piezas de marfil de carácter devocional,
generalmente la Virgen María. Mantuvieron vínculos con los dedicados
a la escultura monumental de portadas como las de Notre dame,
Amiens y Reims. La naturaleza transportable de las piezas de Marfil,
cuya carestía determinó su reducido tamaño, las convirtió en vehículo
principal para difundir el estilo gótico en escultura por Europa, que
mostraban la estética de las portadas de las catedrales más
innovadoras. El grupo de la coronación de la Virgen, tercer cuarto del
siglo XIII, en marfil policromado, figura de la Virgen acompañada de
Cristo que levanta la mano para colocarle una corona (perdida), reina
de los cielos. La severidad de los rostros, plasticidad de sus cuerpos,
estudio de anatomía y telas, caída del ligero velo de María, gruesos
pliegues de túnicas y mantos. Virgen con el niño de pie, inclinada
para aprovechar la forma del cuerno de Marfil. Esta curvatura pasó a
las piedras de las catedrales. Virgen con el niño de la Sainte Chapelle:
41 cm, rasgos redondeados y ojos rasgados de madre e hijo reflejan
el ideal de belleza cortesano, blancura transparente de las caras y
manos, definición de los cabellos y logradísimo drapeado. La Virgen,
esbelta y elegante, ligera curvatura o contrapposto, natural para
sostener el peso del niño. Esta actitud favorece la multiplicación de
pliegues profundos en el manto. Ambas figuras humanizadas a partir
de una relación materno filial, evidente al ofrecer la manzana al niño,
que sonríe. Fue modelo de estatuillas contemporáneas. Siglo XIII,
dípticos y trípticos de Marfil para devoción privada de la corte o la
nueva clase burguesa e ilustrados con escenas de la Virgen, de la
pasión o personajes de los romances de amor Cortés. Tríptico de San
Sulpicio de Tarn, 1275-1300, donde la virgen adopta su característica
curvatura. Piezas devocionales siguieron realizándose en los siglos
posteriores. La Virgen blanca, en el altar del coro de la catedral de
Toledo, siglo XIV, reproduce el modelo del taller de París, parece
proceder de Francia pero durante los siglos 14 y 15 existieron talleres
de Marfil foráneos que repartieron los modelos parisinos
especialmente en Inglaterra con innumerables dípticos y trípticos de
Marfil.

3. El significado de la luz: las vidrieras

Historia del Arte en la Edad Media
28

La luz es la clave de la arquitectura gótica, luz como imagen de dios.

Cuando Suger fórmula las teorías lo hace manejando y reformulando
textos y conceptos de origen oriental. No duda en manipular textos y
documentos. Alrededor del año 250, Saint Denis partió de la
península italiana a las Galias para evangelizar. Llegando a París es
decapitado y con la cabeza en la mano como anduvo 6 km para
depositarla en el lugar donde habría de fundarse el monasterio que
llevaría su nombre. Este hecho como instrumento ideológico, político
en la justificación del Estado que permitía remontarlo más allá de la
Edad Media. Recurso para elaborar y estructurar la teoría de la luz
como imagen de Dios. Suger manipula la información del texto
filosófico: “de las jerarquías celestes “, para que figurara como escrito
por San Dionisio obispo. Este tratado neoplatónico había sido escrito
por el también obispo, de Atenas, Dionisio Areopagita. Su fundamento
es que Dios es la belleza suprema y solo a través de la belleza el
hombre puede acercarse a él. En “De constructione”, el Abad describe
las nuevas construcciones en la iglesia de la abadía (portada y la
cabecera) la verdadera innovación es que las presenta como la
formulación de una nueva idea y lenguaje bases de la nueva
arquitectura: “la iglesia estará adornada de capillas con vitrales
magníficos, luz maravillosa y continua …” el principio no es nuevo,
textos de San Juan, yo soy la luz del mundo… En el Corán Dios es la
luz de los cielos y de la tierra… Las vidrieras en la cabecera de la
Iglesia de Saint Denis, entre 1140 y 1144, influencia de la estética de
los esmaltes, poco queda ya que en 1231 se alteraron siguiendo las
pautas del Rayonant. La técnica de las vidrieras es anterior. El tratado
del monje Teophilus en 1100. El valor introducido por Suger es su
capacidad para formular unos principios teológicos y convertir las
vidrieras en uno de los fundamentos de las nuevas construcciones.
Primeros vidrios policromos en el cierre de paramentos para dejar
filtrar la luz divina los encontramos en Siria. También su forma,
primera celosías sirias estaban realizadas por cibas, base sobre la que
se elaboraron las primeras vidrieras medievales. Las cibas ya habían
sido fabricadas en El Mundo tardo romano (siglo IV) su rastro se
pierde hasta el siglo XI que reaparece en Siria. Corinto importa la
técnica y desde allí se exporta a Normandía. Los pequeños discos de
vidrio soplado fueron utilizados en los primeros tempos incrustándose
en celosías de yeso. De manera similar en la Edad Media y en las
escasas ventanas de las viviendas que podían permitirse tal lujo,
emplomándolas. En las catedrales las cibas no se empleaban con su
forma circular, sino recortándolas (con una espátula candente y unas
tenazas) para crear un mosaico de color. Cada color tenía que
ejecutarse con un vidrio y si se quería un cambio de talle (por
Historia del Arte en la Edad Media
29

ejemplo, en un ropaje) había que emplomar un fragmento de otro

vidrio. Solo una técnica de dibujo era empleada: la de la grisalla Que
consistía en el empleo de polvo de vidrio (como fundente),
amalgamado con óxido de manganeso en la que podían formar parte
de la mezcla diversos óxidos y una grasa, con los que se dibujaban los
detalles del rostro, pelos y demás, sometiendo la pieza a una
recochura. El efecto es un dibujo en un tono oscuro paréntesis negro
o violeta paréntesis sobre el fondo del vidrio punto esta imagen se
forma por el contraste creado al retirar esa pasta y el vidrio que sirve
de fondo. Igual que en Saint Denis, catedrales de Lemans, (1134-
1158) y de Poitiers (1165-1170). En estas latente el lenguaje
románico. Los principios de la construcción de vidrieras hasta el siglo
XIV, cuando se introduzca la técnica del amarillo de plata. En Le
Mans, la ascensión de la Virgen, figuras se alargan con forma de
llamas ondulantes. En Poitiers, El Cristo en la mandorla, referencia del
léxico románico, ya que convive con imágenes más cercanas al nuevo
lenguaje gótico. En ambos, la ejecución es la misma que se perpetúa
a lo largo del siguiente siglo. Cuando en 1194 se quema la Catedral
románica de Chartres parece que las vidrieras de los ventanales ya
estaban concluidas. La vidriera conocida como Notre Dame de la Belle
Verrière, datada en 1180. El conjunto de los pies se salvó del incendio
y la fachada y las vidrieras fueron mantenidas. Los vidrios no fueron
instalados hasta que de 1225 a 1230 desarrollaron los conjuntos de
las naves y fachadas norte y sur del transepto. La imagen de la Virgen
representada a los pies con lenguaje románico paréntesis se la
representa como el trono, el sustento de Jesús (técnicamente misma
técnica qué rosetones del transepto con una Virgen qué, aunque
sigue mostrándose como trono que sustenta al niño se torna más
dialogante en la portada norte, más cercana al lenguaje gótico.
Fueron los vidrieros de Saint Denis los que se desplazaron a Chartres.
Aquí representaron también el árbol de Jessé. Escenas gremiales, ya
que fueron gremios los que financiaron las obras. Hito de la
arquitectura de la luz, la Sainte Chappell, 1240, concebida como una
arqueta relicario para albergar las santas reliquias desde Tierra Santa
por Luis IX. El vidrio su único cerramiento creando un espacio casi
ingrávido donde la bóveda celeste gravita sobre la luz emanada de
las representaciones vítreas, con la creación del mundo y los Reyes
del Antiguo Testamento como soporte y justificación de los de la
corona francesa.

4. La pintura y la miniatura del primer gótico.

La pintura mural cambio en la segunda mitad del siglo 12 por las

transformaciones de la Catedral. Desaparición del muro a favor de las
Historia del Arte en la Edad Media
30

vidrieras resta importancia a la pintura mural, Empleándose para las

construcciones civiles. Cierto abandono de temas sacros, temática
caballeresca. Vida nobiliaria, escenas de guerra y caza, aparece la
ciudad. Torre ferrande en Pernes-les fontaines, a final del siglo
XIII, para la orden de San Juan de Jerusalén. En el tercer piso, frescos
de temática militar, combate de Carlos de Anjou contra los
Hohenstaufen en el sur de Italia, 1266, los franceses aplastaron a
Manfredo. Otra, combate de 2 jinetes con lanza, ilustrando un
cantar de gesta en el que Guillermo de Orange vence al musulmán
Isoré. Carácter peyorativo entre musulmanes y germánicos,
equiparando la victoria del Ejército Franco con la guerra sacralizada.
En el muro contigo el papá Clemente IV invistiendo a Carlos de Anjou,
que recibe la corona con una túnica decorada con flores de lis.

Manuscritos ilustrados que habían conocido un importante

desarrollo en los escriptoria, de gran tamaño. Con una nueva clientela
urbana se elaboran en talleres de ciudades reduciendo sus
dimensiones. Libros devocionales de uso particular y temática
religiosa. Salterios (salmos ilustrados) y biblias moralizadas. París,
sede cultural principal, centro de manuscritos del siglo XIII. Los
maestros ingleses con importante influencia; escuelas de Canterbury
y Winchester incorporan elementos estéticos, tradición miniaturista
de época románica como pliegues de los ropajes de influencia
bizantina, pasaron a la escuela de parís. Carácter narrativo de las
miniaturas, en viñetas sucesivas, plasma la moral de la época y el
gusto por lo anecdótico. La pintura refleja los cambios en el estilo de
vida y el modo de pensar.

Primera pintura gótica se conoce como gótico lineal o estilo Franco

gótico. La línea prima sobre el color. Desde 1200 a 1330, contornos de
las figuras definidos por un dibujo lineal oscuro y muy marcado que
separa zonas de color. Prima la superficie de color planas, vivo
cromatismo, pero sin claroscuro. Inicialmente solo colores puros para
ir incorporando matices en el siglo XIII. Estrecha relación con el arte
de la vidriera.

Biblias moralizadas, Interpretación moral de pasajes bíblicos. Escrita e

ilustrada. Medían 34 por 26 cm, acercamiento de la religión al
individuo. Biblia moralizada de Viena de 1220 1230 en francés.
Primera página, Dios creador que sostiene un compás trazando los
contornos de la tierra. Símil entre el creador y el arquitecto.
Representativo del gótico lineal, marcado perfil oscuro de sus figuras
reproduce el esquema de las vidrieras, divididas en 8 medallones
acompañados de un breve texto. Los episodios se emparejan 2 a 2.
Historia del Arte en la Edad Media
31

Intercalan dos pasajes bíblicos con dos escenas de la vida cotidiana,

donde se lleva a cabo la interpretación moral. Falta de profundidad y
espacio en los fondos dorados delata el carácter simbólico. La Biblia
de San Luis, en la Catedral de Toledo, similar a la de Viena.
Encargada por Blanca de Castilla para su hijo,1226-1234. 8
medallones por columnas: en los círculos de la derecha escenas
bíblicas, a la izquierda interpretación moral. Mismo tipo de Biblia de
uso privado de los Reyes Capetos. Álbum de dibujo de Villard de
Honnecourt: 1240, realizado por un arquitecto francés en sus viajes,
aparecen plantas, alzados, croquis y modelos escultóricos, 12 por 25
cm, muestra sistema de trabajo del maestro de obras gótico, que era
diseñador, Cantero, ingeniero y escultor.

A mediados del siglo 13 cambios en la pintura de manuscritos

cómo en el salterio de San Luis, 1260-1270 para Luis IX, 21 por 14
cm. Culmen del arte del libro medieval, 70 ilustraciones a página
completan, un esquema de marco arquitectónico para escenas. Dos
arquerías rematadas por gabletes que acogen sendos rosetones y
parejas de arcos, rematándose con pináculos, ventanas y un tejado,
reproduce en el exterior de una catedral. Los episodios bíblicos fondo
dorado. Linealidad y falta de claroscuro, pero preciso y refinado. La
miniatura rompe con la rigidez anterior, mayor naturalismo, colorido
más sutil, sinuosidad en el dibujo. También escenas de guerra de
cruzadas que muestran armamento e indumentaria. Carácter
escenográfico rasgos propios de la literatura cortesana, punto de
partida del estilo parisino del siglo XIV.

Etapa final del siglo XIII, maestro Honoré; su hija y su yerno Richard
de Verdún, continuadores. Con Honoré la pintura deja de ser imitación
de la vidriera, mayor naturalismo. La paleta de colores más rica,
tonos más claros, más ornamentadas, árboles y elementos
arquitectónicos. Destaca por el delicado dibujo de sus personajes que
adquieren volumen gracias al claroscuro de su ropaje. Breviario de
Felipe el hermoso, 1296 y la ilustración de la Somme le Roi,
1290-1295, libro sobre virtudes y vicios escrito por Laurent de
Orleans, 18 por 12 cm. sus ilustraciones con gran riqueza tonal y
capacidad alegórica de la justicia encarnada por una figura femenina
que sostiene un cordero mientras pisa a un lobo. Junto a la felonía,
personaje que agrede a otro con una azada. El maestro Honoré
destacó por las más importantes ilustraciones de libros del siglo XIV.
Historia del Arte en la Edad Media
32

Capítulo 3. La difusión del modelo gótico francés en Europa,

Siglo XIII.

1. Arquitectura: La difusión del modelo gótico francés.

Gótico se expandió con gran éxito por Europa. Siglo 13 coincidiendo

con el periodo gótico clásico francés. Los obispos quienes impulsaron
la construcción de catedrales y reconstrucción en un nuevo lenguaje.
Viajes para conocer las innovaciones, contactos con arquitectos y
constructores para conocimientos estructurales y de organización,
seguimiento de las canterías. Mayoritariamente laicos con elevados
ingresos. Los largos procesos de edificación, varios maestros.

1.1. Originalidad de la arquitectura gótica inglesa.

Inglaterra, primero no francés en adoptar el gótico, reformularlo y

darle características originales. Primeros edificios tendencias de la
arquitectura normanda como fachada alargada de 2 Torres y
tripartita, uso de la bóveda de crucería. Catedral de Durham, 1093-
1133, donde los nuevos elementos, arco apuntado, bóveda de ojivas,
se ensayan en una concepción todavía románica. Desde finales del
Historia del Arte en la Edad Media
33

siglo XII el estilo normando fue sustituido por el gótico. Normas

constructivas de la île de France; con el aislamiento insular, expansión
hasta principios siglo XVI. 3 periodos:

-Early Gothic: Primera mitad del siglo 13. De este primer momento es
el coro y el ábside de la Catedral de Canterbury, tras un incendio
en 1174, dirección del francés Guillermo de Sens, en estilo gótico
francés. La tradición dice que Guillermo de Sens pudo ser el
arquitecto de la Catedral de Sens. En Canterbury condiciones
contrarias a las nuevos postulados góticos. Se mantuvo la primera
construcción ya que hubo de respetar la cripta románica, la nave
central no debía sobrepasar la altura de la antigua nave y el edificio
tenía que mantener la tribuna. Pese a esto Guillermo de Sens
consiguió la renovación de la cabecera del edificio en el nuevo estilo
gótico gracias a las bóvedas sexpartitas con su alternancia de pilares
y un marcado claristorio. La renovación de las naves se impuso en el
estilo perpendicular. Proceso constructivo hasta 1184. 1192,
Catedral de Lincoln seguidora de la renovación de Canterbury,
trabajos todo el siglo XIII. Catedral de Salisbury, iniciada en 1220,
concluida en 1266; ejemplo de primer gótico inglés. Nueva planta con
proyecto unitario, todos los elementos que singularizan las catedrales
ingleses. La planta se organiza con una cabecera recta, doble crucero,
una nave central muy alargada y dos dependencias anejas, el claustro
y la sala capitular; esta va a ser la disposición en planta de todas las
catedrales inglesas. En el exterior, el alzado tiene una torre linterna
sobre el crucero mayor y en el interior la articulación del muro de la
nave central en 3 cuerpos: arquerías, triforio continuo y ventanales,
predominio del horizontal y ventanales de escaso desarrollo. Aspecto
de un gran telón horizontal, predominio del plano rectangular, en un
estilo más horizontal que en francés, reducidas puertas de acceso y
profusa ornamentación de arquerías que cobijan galerías de estatuas
cubriendo toda la superficie del muro incluidas las Torres. Estás en un
segundo plano por detrás del telón de la fachada. La estructura
tripartita de las fachadas normandas se desecha con estas fachadas
telón para disimular las disposiciones interiores. Mejor ejemplo,
fachada occidental de la Catedral de Wells, grandes dimensiones,
se concibe como un gran espacio rectangular dividido en 3 cuerpos
horizontales, recorridos por contrafuertes verticales salientes. En el
interior 3 portadas, empequeñecidas por el gran muro que las
contiene y por la decoración de arcos, columnas y gabletes que se
sitúan sobre un arranque a modo de gran Zócalo moldurado. El
segundo cuerpo repite una trama arquitectónica de arcos, columnas y
gabletes, nichos para albergar la decoración escultórica. Las Torres y
Historia del Arte en la Edad Media
34

el coronado de la zona central con un friso doble rematado en

pináculos. Abadía de Westminster, en estilo gótico francés
imbricado con las características inglesas para mostrar el poder de la
monarquía inglesa. En 1245 Enrique III financió la construcción,
arquitecto Enrique de Reyns. La tendencia decorativa del estilo inglés
se manifiesta en estas fachadas hasta él -Decorated Style o estilo
curvilíneo a partir de 1230 paralelo al gótico radiante francés.

1.2. España y la importancia del modelo arquitectónico francés.

Desde finales del siglo XII. Primeras formas estéticas importadas de

Francia, luego características propias 3 épocas que no coinciden con
el gótico francés, y una etapa de gótico tardío. La primera época en el
siglo XIII marcada por estrechas relaciones de Castilla con Francia.
Época de las grandes catedrales españolas. Siglo XIV se funde con las
formas italianas y la influencia germánica del gótico internacional
cómo construcciones de Aragón y Cataluña. Siglo XV introduce formas
borgoñonas, más tarde sustituidas por flamencas, relación comercial
de Castilla, que unidas a las germánicas darán el estilo hispano
flamenco, independiente del modelo francés. Siglo XVI variante del
gótico isabelino o arquitectura de los Reyes Católicos. Elementos
góticos desde finales del siglo XII conviviendo con estructuras
románicas. Ejemplo iglesia de San Vicente de Ávila, iniciada en
románico, se termina a finales del XII con un exterior con bóveda de
crucería y el arco apuntado, estatuas columnas de su portada
inspiradas el modelo frances. El uso de elementos arquitectónicos
góticos sobre románicos hay que encuadrarlo dentro de la órbita de
influencia del arquitectura cisterciense. El empleo del arco apuntado,
la bóveda de crucería, arbotantes por sí mismos no definen el nuevo
sistema. La cisterciense está más cerca del espíritu romántico. En
Castilla el uso de la bóveda de nervios cruzados en construcciones
románicas no era extraño la fusión de formas tardo románicas con las
formas cistercienses da lugar al final del siglo XII y principios del XIII a
notables edificios en los que se modifican las trazas originales para
incorporar arcos apuntados y bóvedas nervadas como Catedral de
Lérida, Tudela, Tarragona, dónde espacio y tratamiento de la luz son
románticos.

1.2. 1. Las grandes catedrales castellanas: Burgos, Toledo y León.

El gótico llega importado de Francia por Reyes y obispos. La primera

fase deriva de edificios como Chartres, Reims… se construyen
catedrales en Burgos, Toledo y León impulsada desde el poder.
Catedral de Cuenca, primera Catedral gótica de la península, se
inicia en 1196 promovida por Alfonso VIII que conquista Cuenca en
Historia del Arte en la Edad Media
35

1177 y su esposa la princesa inglesa Leonor de plantagenet,

fundadora de Las Huelgas en 1187. Utilizan bóveda sexpartita propias
del gótico inicial clásico del norte de Francia y de Canterbury. Gótico
pleno: Burgos, León y Toledo; Concebidos por franceses. Pero los
arquitectos góticos tenían la intención de crear un arte individual.
1221 el obispo Mauricio comienza la Catedral de Burgos
patrocinada por Fernando III, valedor también de la Catedral de
Toledo. Mauricio conocía las construcciones europeas; pujante ciudad
de Burgos como sede de la corte, mercado de lana. En Burgos se
proyecta un templo que sigue las directrices ensayadas en Bourges o
Reims. Desde 1221 gran rapidez, 1238 el obispo Mauricio pudo ser
enterrado bajo el ábside, y 1260 su consagración. Se desconoce el
nombre del maestro posible maestro Ricardo, arquitecto de Las
Huelgas por influencias normandas o un arquitecto francés traído por
el obispo. Proyecto original, planta de 3 naves, como en Cuenca, con
crucero resaltado en planta al que se abrían capillas laterales. Antes
de mediar el siglo 13 se hace cargo el maestro Enrique que procedía
de Francia y trabajó en la Catedral de León. Transformó la cabecera
disponiendo un profundo presbiterio de 3 tramos rodeado de una
amplia girola a la que se abren 5 amplias capillas poligonales
precedidas por dos capillas rectangulares a cada lado igual que en
Reims. La amplitud del presbiterio planteará un problema respecto a
la ubicación del coro que se resolvió como en Toledo, en la nave
central, características de las catedrales españolas, entre el crucero y
los tramos de los pies del templo. Después trabaja Juan Pérez, las
obras llegan hasta la fachada, se finaliza en el siglo XV. Fachada
principal con 3 portadas y Torres laterales; las fachadas del crucero
con una única portada. Ambos arquitectos trabajan después en León.
El claustro de Burgos en el lado meridional. El aspecto original no
difería mucho de las catedrales francesas, durante el siglo XIV los
trabajos lentos, XV impulso con el gótico tardío por lo que los arreglos
de este momento transformaron su fisonomía exterior. Iniciativa de
Fernando tercero y el arzobispo Rodrigo Ximénez de Rada para
conmemorar la victoria de las Navas de Tolosa; en 1226 se inicia la
Catedral de Toledo, mayor que la de Burgos y León, más
independiente de los patrones franceses. Su traza se debe al maestro
Martín, desde 1227 a 1234, su fábrica más puramente francesa hace
pensar que era galo, Catedral de Lemans. Trabajo continuado por el
maestro Petrus Petri a quien se atribuye el triforio y modificaciones de
carácter hispano como la decoración con arcos lobulados, pensar que
se trata de un arquitecto local. Algunos elementos mudéjares
aislados. Aquí el gótico francés se ha asimilado y acomodado a la
tradición del país. En origen la planta 3 amplísimas naves luego
Historia del Arte en la Edad Media
36

pasarán a 5, con doble girola y crucero sin resalte en planta. Esta

planta deriva de la estructura antigua de la mezquita. La Catedral de
León, Nueva planta, reúne los logros de la arquitectura francesa con
influencias de Chartres, Amiens y Reims. Obra lenta hasta el 1254
cuando la impulsó el obispo Martín Fernández incorporando al
maestro Enrique, trabajó en Burgos, sucedido por Juan Pérez;
conexión con el poder regio, 1230 Unión de los reinos peninsulares.
La traza permite suponer que el maestro Enrique era francés.
Catedral de amplísimo crucero de 3 naves, cerrados sus brazos con la
fachada de 3 portadas, dos tramos ante la girola y esta con 5 capillas
poligonales. El interior con alzado tripartito, estrecho triforio abierto e
iluminado, sobre el que se abren amplísimos ventanales con
magníficas vidrieras. Los paramentos se hacen transparentes y la luz
coloreada se filtra por las vidrieras con sensación de elevación e
ingravidez. Esta ligera estructura sostenida al exterior mediante
gruesos contrafuertes y dobles arbotantes. La fachada principal sigue
la disposición de la de Chartres, situando entre los amplios vanos de
las puertas unos estrechos arcos lanceolados, con posibilidad para
ubicar un amplio programa iconográfico. Tiene 3 pórticos sobre los
que se abre un hermoso rosetón, flanqueado por dos Torres: la de las
campanas y la del reloj. Su influencia fue escasa en Castilla debido a
la complejidad de su técnica. Por la calidad de su piedra desde 1631
ha sufrido derribos. Sus vidrieras conservadas en su mayor parte
desde el XIII. Con restauraciones. Siglo XIII otras catedrales sin
presencia de arquitectos franceses. La cantería de la Catedral
burgalesa la que expande el conocimiento. Catedral de Burgo de
Osma con el maestro Lope, Catedral de Oviedo, Palencia, Astorga o
Bilbao de menores dimensiones, menos luminosas y elegantes.
Conquistas de Córdoba, 1236 y Sevilla 1248. Construcciones góticas
en estas ciudades con promociones reales y maestros burgaleses. En
España, ubicación del coro en medio de la nave central, Normalmente
frente al presbiterio y separado de este por la nave de crucero
ocupando varios tramos, 2 o 3 de esta nave central. En las catedrales
europeas los coros están en el presbiterio, entre el crucero y el altar,
lugar que originalmente ocuparon en algunas catedrales españolas,
en el León hasta el siglo XVIII. Desde muy temprano los coros
españoles en el centro de la nave central, en sus primeros años como
una estructura cerrada y autónoma. Esto se traslada a la América
española. El coro de la nave mayor tenía precedentes en los
monasterios cluniacenses y cistercienses en donde se hallaban en el
centro de la nave para comodidad de los monjes. El precedente más
importante es el coro de la Catedral de Santiago del maestro Mateo
donde su trazado pretendía favorecer la concentración de peregrinos
Historia del Arte en la Edad Media
37

en los brazos del crucero frente a la tumba del apóstol y permite

colocar una solemne sillería de piedra. Influencia de Santiago fue muy
grande. También la obligación espiritual del Cabildo de celebrar el
culto divino en el coro capitular, la sonoridad de los cánticos litúrgicos
y el uso social de la Catedral permitiendo la libre circulación por las
naves laterales. Situación del coro cómo característica arquitectónica
hispánica anterior al siglo XIV rompe con la idea gótica de crear un
espacio direccional grandioso, homogéneo. El coro en medio de la
nave fractura su direccionalidad. Para la ilustración costumbre
detestable pese que el coro fue un lugar de enorme importancia
artística en el gótico y posteriormente con magníficas sillerías donde
trabajan los artistas más prestigiosos estudios recientes lo ponen en
relación con los cambios en la liturgia, o no has exigencias visuales
Hasta la participación de los fieles en el culto ordinario que pasa a
celebrarse en el trascoro.

1.3. La arquitectura gótica en centro Europa.

El sacro imperio reticente a innovación hasta comienzos del siglo 13

cuando aparece un estilo de transición llamado románico-gótico;
Ejemplo la Catedral de Limburg an der Lahn, 1211 1235, fiel al
uso de arco de medio punto, pero cubierta con bóvedas ojivales y un
alzado mural de cuatro pisos. Cuando el nuevo estilo se asienta
arraiga hasta convertirse en un estilo propio y popular no solo en
catedrales. Territorios de habla alemana se desarrolla a partir del siglo
XIII copiando los modelos de Chartres, Reims y Amiens cómo
Catedral de Colonia, uno de los ábsides de la catedral de
Bamberg, 1248, en el cuerpo longitudinal de la Catedral de
Estrasburgo, 1240 o en Friburgo. Pronto diferencias con el gótico
clásico francés. Nuevo modelo en las iglesias llamado estilo de salón,
naves dispuestas a la misma altura unifica en el espacio y produce
una sensación de diafanidad que no habían conseguido los modelos
franceses. Esta visión se aplica en el llamado gótico tardío de los
siglos 15 y comienzos del 16. Ejemplo más temprano la Catedral de
Minden.

2. La escultura gótica en la Europa del siglo XIII.

Auge de las ciudades, aumento del poder de obispos y burguesía.

Asimilación de formas góticas en escultura en toda Europa,
especialmente imperio germánico y Castilla. En Inglaterra escasea.

2.1. La escultura gótica en el imperio germánico.

Monarcas germánicos con el título de emperadores romanos desde el

siglo XII añadieron sacro. Escultura gótica con alto grado de
Historia del Arte en la Edad Media
38

perfección técnica. Novedades de Francia con tendencias locales

parte de tradición románica germana, expresividad de los rostros y la
teatralidad gestual. Catedral de Notre Dame de Estrasburgo
aglutinó las más destacadas escuelas, conservamos poco relieves
debido a bombardeos. La portada gótica más antigua de Estrasburgo,
las fachadas del transepto en 1230. En el tímpano izquierdo del brazo
sur del transepto, de una escultora mujer, Savina, es el tímpano
dedicado al tránsito de la Virgen, estilo depurado. La portada central
del lado sur se consagra a juicio final, ala norte a San Lorenzo. La
primera es la más antigua donde destacan dos figuras, la pareja
formada Por la Iglesia y la sinagoga, binomio recurrente en los
escritos de teólogos medievales, victoria de la primera sobre la
segunda. Fuerte antisemitismo en centro Europa. En Estrasburgo la
figura de la sinagoga aparece cabizbaja con el cuerpo retorcido.
Distintivo es la venda que cubre sus ojos para simbolizar la ceguera
espiritual por no reconocer a Jesús como mesías. En su mano
izquierda, la sinagoga sostiene su antigua ley, las tablas de Moisés,
que parecen escurrírsele y, en la derecha, los restos de un estandarte
quebrado, símbolo de la derrota del judaísmo frente a la iglesia. Esta
última mantiene erguido su estandarte cruciforme similar a un báculo.
La inspiración Mariana de la alegoría eclesiástica, elegante dama que
alza su mirada con rostro seguro con corona y cáliz, que simboliza la
fe, influencias de Reims por la abundancia de pliegues, por la pérdida
completa de frontalidad y la expresividad gestual. Del mismo maestro
el Pilar de Los Ángeles en el interior de la Catedral, 12 figuras en 3
pisos que representan el juicio final en la parte superior El Cristo
entronizado junto a unos Ángeles con instrumentos de la pasión. En el
intermedio Ángeles trompeteros convocando al juicio y en el inferior
cuatro evangelistas. Fachada occidental de Estrasburgo, último tercio
del 13, muy restaurado. Portada central la pasión de Cristo, sobre un
parteluz ocupado por la Virgen con el niño. A la izquierda infancia de
Jesús, A la derecha juicio final. En esta puerta sur estatuas columnas
que representan las vírgenes sabias y las vírgenes necias, Parábola en
la que 5 vírgenes esperan a sus futuros esposos con lámparas
cargadas de aceite y otras 5 sin haberse aprovisionado. Elegante
expresividad y drapeados cada una un gesto y porte individual. La
Catedral de San Pedro y San Jorge de Bamberg. Ejemplo de primera
escultura gótica. Enlaza con el románico tardío realizada a mediados
del siglo XIII, incorporó todas las innovaciones del gótico con
influencia de Reims coma y realismo crudo. Solo algunas estatuas del
interior son originales. La sinagoga alguna semejanza con
Estrasburgo, fechada en 1235. El escultor otorga un aspecto más
individualizado, parece un retrato. La postura del cuerpo más
Historia del Arte en la Edad Media
39

expresiva, con la rodilla izquierda y los pechos salientes y una venda

en los ojos. Los pliegues se adhieren a su cuerpo muy logrados,
conexión con Reims. Se prioriza la particularidad de los rasgos sobre
la idealización, anticipando el realismo alemán que derivará en
expresionismo de acento dramático. En el tímpano del juicio final de
la portada norte, los condenados ríen mistéricos mientras son
arrastrados con cadenas por los demonios. En el interior de Bamberg
la estatua ecuestre a tamaño real de Conrado III nacido en bamberg.
Datado en el segundo cuarto del siglo XIII, misma voluntad de
individualización y expresión de sentimientos en sus cejas fruncidas.
Porte señorial revela figura regia. Pareja de estatuas de Eckhard II Y
su mujer Uta en el coro de la Catedral de San Pedro y San Pablo de
Naumburgo con policromía y rasgos individualizados como retratos.

2.2. La escultura gótica en el Reino de Castilla.

Innovaciones escultóricas del gótico francés penetran de manera

temprana en los reinos hispánicos conviviendo con el románico tardío.
Portadas monumentales entre los siglos XII y XIII se clasifica dentro
del románico pero son protogóticas, el caso del pórtico de la gloria De
Santiago, la Cámara Santa de Oviedo y la fachada de San Vicente de
Ávila. Castilla fue más receptiva, Aragón tradición local. Catedral de
Burgos primera introducción, cabecera de 1221, supervisión del
obispo Mauricio, consagrada en 1260; en un primer momento se
realizó la puerta del Sarmental de acceso al transepto sur, iniciada en
1230. La única pues es un crucero de una sola nave cuyas jambas se
decoran con una arquería ciega con capitales de tradición románica.
Encima estatuas entre columnas, apoyadas en sencillas ménsulas y
cobijadas por un baldaquino corrido. El tímpano de arco apuntado,
gran calidad escultórica y naturalismo del gótico. Encontramos a un
Cristo juez bendiciendo y con el libro abierto, rodeado de tetramorfos.
Asunto muy románico, pero novedades como la doble presencia de
los evangelistas en su aspecto animal y humano, sentados en un
pupitre con un tintero como escribas medievales. Otra peculiaridad
disposición preferente de San Juan evangelista, arriba a la izquierda,
el lugar de San Marcos, imitado en el arte hispánico hasta el siglo XIV.
Influencia de la portada de Amiens en el Sarmental que implica
inmediatez en la circulación de conocimientos en solo 5 años. Las
afinidades en rostro y figuras especialmente con el Beau Dieu apunta
algún escultor formado allí. Muchos arcaísmos aquí presentes están
superados en Amiens: falta de huellas de la pasión en Cristo y una
rígida frontalidad que pese el naturalismo y la proporción resultan
anticuadas. Algunas figuras del de inferior calidad, en el dintel 12
apóstoles en las arquivoltas. En esas 3 arquivoltas, figuras aparecen
Historia del Arte en la Edad Media
40

en disposición vertical y no radial, como en el románico, alegorías

femeninas de las artes liberales: gramática, música, matemática; que
ya aparecían en la Catedral de Chartres. El parteluz ocupado por el
mecenas de la obra: el obispo Mauricio. Una década después parte de
esta fachada con galería de Reyes siguiendo el modelo francés, ligar
la Catedral con la corona castellana. El transepto fue cerrado al norte
con la puerta de la Coronería a partir de 1250. El tema similar al del
Sarmental, juicio final con un planteamiento más propio del gótico
clásico francés. Cristo cómo varón de Dolores, enseñando las llagas,
se flanquea por la Virgen y San Juan en actitud suplicante, dispuestos
en diagonal generando un efecto de profundidad. El tipo de Virgen es
del estilo de París tocada con moño alto y corona, recoge el manto
produciendo una gran riqueza de pliegues y volumen punto a los
lados y encima unos Ángeles sostienen los instrumentos de la pasión
para incidir en la idea del sacrificio y salvación. En el dintel
representación del cielo y el infierno separadas por San Miguel
psicopompo que pondera las almas. Maestría en el estudio anatómico
y ropajes punto mismo maestro del grupo de la Anunciación en la
puerta de acceso al claustro identificado como el maestro Enrique qué
más tarde ejecutará la fachada occidental de la Catedral de León y
su Virgen blanca. Parece ser francés y llegar a España por relaciones
de blanca de Castilla coma a madre de San Luis, con su sobrino
Fernando III. Fachada occidental de la Catedral de Burgos perdió su
escultura por una restauración. La Catedral de León clave de la
escultora gótica hispana. Fachada occidental, 3 pórticos, entre 1260 y
finales del siglo, puerta con arco rebajado obra del maestro Enrique
sucedido por el maestro Juan Pérez hacia 1275. De norte a sur las
puertas se dedican a San Juan, a la izquierda, temática de la infancia
de Cristo; Juicio final la del centro, y a San Francisco a la derecha,
presidida por la coronación de la Virgen. El tímpano central muestra a
Cristo juez varón de Dolores un tanto rígido flanqueado por Ángeles
que sostienen los instrumentos de la pasión por la Virgen y Juan
arrodillados en los ángulos del tímpanos. En el dintel paraíso y el
infierno, a izquierda y derecha donde demonios arrojan a los
condenados en unos calderos mientras otros avivan el fuego junto a
la boca del leviatán. El mismo maestro hizo el parteluz central, la
Virgen blanca, sigue el modelo parisino, manto se cruza envolviendo
el cuerpo y creando abultados pliegues y claroscuros. La formación
francesa de este maestro no le impidió incorporar elementos locales,
rostro y un tocado propio de una dama castellana. Manos de otros dos
escultores.

3. La luz como vehículo de transmisión.

Historia del Arte en la Edad Media
41

Gótico para expansión de las coronas angevina y Capetos. Las

vidrieras y el concepto de la luz fundamentos de todas las catedrales.
En la Europa dos fórmulas en las que el carbonato funciona en la
composición con funciones diferentes. Los vidrios de las dos
penínsulas mediterráneas tienen un componente sódico, el centro y
norte potásicos; el sódico tiene más que ver con las primeras
fórmulas de vidrios, egipcios como romanos. Siglo XII los del norte son
componentes sódico qué importaban desde el Mediterráneo. La
inestabilidad en Centroeuropa provocó el desplazamiento de los
centros productores a zonas del interior y alejamiento de las rutas
comerciales, se perdió el abastecimiento de sodio sustituto el óxido
de potasio cálcico de la ceniza de los helechos y hayas. Entre los
siglos XIII y XV potásica. Además de sílice como vitrificante y el
carbonato de cal como estabilizante. Los vidrios potásicos precisan de
una menor temperatura de fusión, mayor manejabilidad, más
brillantes, menos resistencia al paso del tiempo por inestabilidad
química. El monje Teóphilo describe la composición empleada en el
norte como potásica, sirviendo para identificar origen de importantes
conjuntos cómo las primeras vidrieras de la Catedral de León, 1264-
1279, de formulación potásica. Estas vidrieras atribuidas al maestro
Pedro Guillermo, ya no solo influencia de las formas francas sino
modelo de imposición cultural. Habitual que los gremios se desplacen
y que instalan talleres itinerantes que introducen repertorios
formales, técnicas, incidencia directa sobre la forma final, alejándose
de las formas del arco Mediterráneo. Vidrieras del monasterio de Las
Huelgas desde 1200 hasta el siglo 14, se conservan fragmentos del
primer conjunto entre las 3 primeras décadas del siglo XIII, algunos
que últimos años del XII. Conjunto más antiguo de la península,
análisis son vidrios potásicos elaborados en Centroeuropa por
maestros franceses. Solo se conservan las vidrieras de San Pedro, San
Pablo, San Juan y la Virgen con el niño. Las primeras vidrieras de la
Catedral de León entre las capillas de la cabecera recolocadas en
1895, error de interpretación en las vidrieras ubicadas en el lado
norte de la nave central que siguen llamándolo la cacería, aunque se
trata de una alegoría de Carlomagno y Alfonso décimo.

4. La miniatura gótica en la Europa del siglo XIII.

Siglo 13 fructífero en el arte de la miniatura también fuera de Francia.

Manuscritos como símbolo de distinción entre Reyes, nobles y
obispos. Códices iluminados lujosos con ricos pigmentos y oro.
Encuadernación en piel de becerro y la orfebrería de las cubiertas.
Inglaterra y Castilla obras más reseñables. La miniatura inglesa
conectada con Francia y circulación de artistas que llevan hasta París
Historia del Arte en la Edad Media
42

la influencia bizantina asimilada en los escritorios de Oxford y

Cambridge. Mateo de París, benedictino de la abadía de Saint Albans
en Hertfordshire desde el año 1217 y consejero de Enrique III. Su obra
maestra fue la Chrónica Majora, Historia de Inglaterra desde tiempos
precristianos hasta mediados del siglo XIII. En Castilla de la mano de
Alfonso X, 1221-1284. Mientras los Reyes ingleses y franceses se
encargaron lujosas obras religiosas como salterios y biblias
moralizadas, el rey castellano promovió tratados científicos, obras
jurídicas, históricas, libros de entretenimiento y poesía. Encarga sus
obras en lengua romance. Organizó talleres de sabios, copistas,
traductores, miniaturistas. Gran cantidad de libros bajo su
supervisión. Fundó el Centro de Estudios astrológicos y grupos de
trabajo en Toledo como en Sevilla donde cristianos, judíos y
musulmanes intercambiaron conocimientos. Criterio renovador,
recuperar el legado antiguo y divulgarlo. Escuela de traductores, siglo
XII tradujeron al castellano obras científicas y filosóficas en árabe o
hebreo como tratados de Aristóteles, astrología, manuscritos
pepersas, poesía árabe, la Torá y el Corán. Labor historiográfica,
historia de España, historia universal, método histórico novedoso que
introduce el análisis de causas y consecuencias. Síntesis de
tradiciones jurídicas en las 7 partidas. Libro del saber de astronomía,
1279, saber astrológico y astronómico, funcionamiento del astrolabio.
Tratados como el lapidario, enciclopedia de minerales. Libro al
entendimiento y a los juegos de mesa. Libro del ajedrez, dados y
tablas conocido como libro de los juegos. Ilustrado con miniaturas con
valiosos conocimiento de los usos, costumbres, indumentarias y
objetos de la época con representaciones de musulmanes y judíos.
Cantigas de Santa María,1260-1270. 427 composiciones poéticas y
musicales en honor a la Virgen que cuentan milagros. Poemas
compuestos en galaico portugués, se acompañan con partitura en
notación mesurada y de una ilustración miniada a página completa.
Libro de poesía, canción monofónica más importante de la literatura
medieval. Cántigas como compendio de literatura poética, de música
y de pintura. Devoción a la Virgen. Las cantigas de Santa María en
Sevilla por un grupo de miniaturistas. Se conservan cuatro códices, el
más rico en la biblioteca del Escorial. Cantigas son alabanzas a la
Virgen o narración de sus milagros con carácter literario, sin
dogmatismos ni ideología. Encontramos mal de amores, desfalcos,
malas cosechas y mortalidad infantil. En la pintura es sobresaliente
con ilustraciones a página completa divididas en 6 escenas
enmarcadas por orlas a modo de viñetas con desarrollo teatral. Sé
conserva 2400 escenas. Cierto carácter secular que relatan
visualmente los acontecimientos con fondos neutros como blancos y
Historia del Arte en la Edad Media
43

no dorados y una inmediatez y agilidad en la narración gráfica que

recuerda el cómic moderno. Punto de vista estilístico influencias del
gótico lineal francés, también prevalencia de un estilo local con
elementos del arte andalusí. Obra pionera con vocación de proporción
y representación espacial que lleva a incluir decoración arquitectónica
de tradición local. Riqueza iconográfica, permitiendo los estudiosos
profundizar en el conocimiento de costumbres, vestimentas e
instrumentos musicales. Representan habitantes peninsulares,
catálogo de naciones en función del milagro contado apareciendo
peregrinos ingleses o de Constantinopla. La cantiga 140 representa a
Alfonso X acompañado de autoridades eclesiásticas y señalando hacia
la visión milagrosa de la Virgen. En el centro la Anunciación y la
ascensión de la Virgen debajo la crucifixión de Cristo, asistida por
María y por unos judíos con rasgos feístas y una escena de banquete
desenfrenado e inspirado por demonios. Cantiga 181 la Virgen ayuda
a impedir el cerco de Marrakech con catálogo de estandartes, armas y
tipos humanos. Muerte de Alfonso X los miniaturistas se dispersan.

Capítulo 4. La expansión del gótico y su diversidad, siglo XIV.

1. Desarrollos de la arquitectura en el siglo XIV.

Siglo 14 tiempo de conmoción entre 1315 y 1318 hambrunas,

climatologías adversas. Guerras, la de los 100 años,1337-1453,
devastadora. Italia en enfrentamientos civiles igual que Castilla,
guerra castellano-aragonesa, guerra de los dos pedros,1356-1369,
guerra civil castellana, 1351-1369 entre Pedro I el cruel y Enrique de
Trastámara. Alemania con periodo de anarquía. Revueltas campesinas
como Flandes 1323-1328, la Jacquerie 1357 o el levantamiento de
Historia del Arte en la Edad Media
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1381 en Inglaterra. En 1347 la peste negra. Retroceso en el mundo de

las catedrales. La innovación del siglo XIII se detuvo. Patente cuando
en 1284 la Catedral de Beaubais colapsó y se derrumbó; catedrales
de Colonia, Narbona o Siena inacabadas.

1.1. La arquitectura del periodo radiante en Francia.

En Francia desde la segunda mitad del siglo 13 renovación estilística,

desde Île de France se propaga al resto del territorio. La estructura
arquitectónica gótica hacia un incesante artificiosidad empeñada en
ganar altura, expandir los vanos y acentuar el apuntamiento de los
arcos. Frente a ello fórmulas arquitectónicas nuevas permiten un
tratamiento diferente del muro, que desaparece en beneficio de un
tabique translúcido y desmesuradamente extenso. La dialéctica entre
los materiales como la piedra, lo inmaterial, y la vidriera, se resuelve
con construcción de capillas adjetivadas por Viollet-le-Duc como
estuche de cristal. Es el gótico radiante, Rayonnant. Acuñado en el
siglo XIX. Multiplicación de los radios de los grandes rosetones frente
a decoración geométrica de los rosetones góticos clásicos. Su ejemplo
rosetón de Sainte Chapelle, 1239. Avances técnicos permitían
filigranas de estos rosetones y de ventanales, cada vez más ricas y
complejas, y que la tracería de piedra se redujera y afinará en favor
de la vidriera con diseños dibujados previamente realizado gracias a
las plantillas. Se ganó en elegancia y preciosismo. Vidriera con mayor
protagonismo pasó a cubrir todo el espacio del muro. La arquitectura
solo como soporte y marco, los edificios reducen sus dimensiones, el
uso de muros vidrieras convierte la Catedral gótica en caja de cristal.
Frente a la gran diversidad de los alzados pétreos de catedrales
posteriores del gótico tardío o incluso del gótico clásico, el gótico
radiante se caracteriza por reducidas dimensiones y mayor
espiritualidad. Primera fase: el estilo real, promovidas por la
monarquía francesa, imagen de su autoridad. Abadía de Saint Denis
el primer edificio donde se experimenta el gótico radiante. Muerto el
Abad Suger en 1151 las obras de Saint Denis se paralizaron. Su
iglesia abacial inacabada cerca de un siglo manteniendo la iglesia
carolingia. El Abad Eudes Clement en 1231 retoma la reconstrucción
patrocinada por Luis IX y su reina castellana doña Blanca para
construir un panteón real. Se plantea un nuevo templo de 5 naves,
eliminando toda construcción carolingia dando continuidad a la
cabecera realizada por Suger. Una innovación, el uso de pilares de
sección en Cruz que permite la reducción del grosor de estos
soportes, aumento de su altura y su conversión en verdaderos haces
de nervios expandiendo la amplitud de sus manos y la extensión de
sus vidrieras que ocupan también las paredes del triforio, un triforio
Historia del Arte en la Edad Media
45

abierto que tiende a confundirse con las ventanas que colman el

edificio de luminosidad coloreada y radiante, unificar el volumen
interior y un intenso verticalismo. Sainte Chapelle iniciada en 1241
y consagrada en 1248 se erige en medio del Palacio Real como
relicario, o corona de espinas de Cristo, elemento de sacralización de
los Reyes de Francia. Tiene dos plantas: una iglesia inferior de escasa
altura e iluminación que consigue pese a su bóveda de crucería;
añadiendo una escuetísima nave en uno de sus lados que recoge los
empujes; y una iglesia alta como auténtica caja de vidrio gracias a la
articulación de sus muros en el que un Zócalo inferior sirve de asiento
a un cuerpo de alargados ventanales entre esbeltos contrafuertes.
Policromada en colores y motivos heráldicos de la familia real. La
arquitectura gótico radiante otros ejemplos, capilla de la abadía de
Saint Germer de Fly en París. Fachadas de los brazos del crucero de
Notre Dame en 1250 con finas tracerías en las rosetas por Pierre
Montreuil. Catedral de Beauvais donde alcanzó el límite de sus
posibilidades, y pese su derrumbe se reconstruyó la cabecera
manteniendo su elevación y la desmaterialización del muro
aumentando el número de contrafuertes.

1.2. Novedades del Decorated Style en Inglaterra.

Inglaterra rompió lazos con el continente en el siglo XIII, pérdida de

Normandía, 1214, y aceptación real de la Carta Magna, 1215,
reducción de sus fronteras insulares y trasvase de influencias
francesas que se observó en la Catedral de Canterbury y dio paso a
un desarrollo propio que empieza en la Catedral de Salisbury. Estilo
propio inglés, durante Early Gothic No impide evolución a fórmulas
decorativistas muy acusadas. Este periodo es el Decorated Style o
estilo curvilíneo, va paralelo al gótico radiante a partir de 1230.
Westminster,1245, de gusto francés no había roto la tendencia hacia
el horizontal de la arquitectura inglesa ni el predominio de grandes
ventanales. Con el tiempo esta tracería conformó los parámetros
unificando la ornamentación general de los interiores, gótico
perpendicular. Las novedades fueron cuantiosas y afectaron a las
bóvedas, a las tracería de los vanos, a la forma de los soportes y a la
decoración mural, y todas con larga continuidad. Los arquitectos
dieron soluciones diferentes. Son las salas capitulares inglesas,
auténticas cajas de cristal. Pequeñas capillas exentas al edificio
catedralicio, aunque ligadas a él con planta poligonal y proporciones
casi cúbicas. Ejemplos sala capitular de Westminster, la de la Catedral
de Salisbury, sala capitular de la Catedral de Wells, todas de planta
poligonal, cubiertas con bóvedas cuyos nervios descansan en un Pilar
central, con forma de palmera y cuyos muros desaparecen sustituidos
Historia del Arte en la Edad Media
46

por vidrieras y tracerías góticas. Catedral de Exeter construcción en

1280. Escasa altura, bóvedas interiores de profusas nervaduras,
arranca sobre robustos haces de columnas. A partir de 1316 trabajó
en ella el maestro Thomas Whitney que construyó la fachada
occidental con su gran ventana central que no tiene forma circular;
terminó la cubrición de la nave donde se utilizan por primera vez las
bóvedas de abanico y decora el coro introduciendo por primera vez el
uso de los arcos conopiales. Multiplicación de nervaduras de las
bóvedas, estas tienden a complicarse en Exeter donde las bóvedas
desaparecen bajo sus nervios, o en Wells en su sala capitular donde
los nervios se abren en forma de palmera desde la columna central
para soportar la bóveda con un efecto sorprendente. El peso de la
piedra imponía limitaciones por lo que en muchos edificios se impuso
el uso de la madera como el crucero de la Catedral de Ely que sufrió
el hundimiento de su torre central anglonormanda en 1322
produciendo un vacío en el centro del edificio que amenazaba toda la
construcción. La solución original, se creó un amplio espacio
octogonal en el centro del transepto, construyendo una rápida
estructura de pilastras de piedra sobre la que se montó una bóveda
de madera con conoides cubiertos de nervios y rematada en una
amplia linterna horadada por ventanales que inundaban el espacio de
luz coloreada. La estructura de madera ligera y flexible se terminó en
1328 y permitía un decorativismo que parecía imposible en la piedra.
Catedral de Wells con graves problemas de estabilidad del crucero al
levantar una aguja sobre él llevaron a que en 1338 reforzarán el
espacio mediante dos intensos arcos cruzados que sostienen y
eliminan los empujes y confieren a la nave un dinamismo
sorprendente. A partir de 1350 bóvedas de abanico que permiten el
desarrollo de estructuras ligeras sin arbotantes da paso al llamado
perpendicular Style.

1.3. Las peculiaridades de la arquitectura en la corona de Aragón.

Siglo XIV Castilla vive en inestabilidad que inciden sobre la

construcción. El gótico se centra en el Reino de Aragón que tras la
peste negra tiene un período de expansión económica y territorial.
Soluciones diferentes a las del gótico clásico: se tiende a la planta de
salón prescindiendo de la diferencia de altura entre nave central y
naves laterales con lo que se reduce la función de los arbotantes que
en muchos casos desaparecen, reforzando la función de los
contrafuertes. Se crean espacios interiores de carácter unitario. Las
cubiertas se hacen planas y se abren pequeños ventanales, con
predominio del muro sobre el vano. Se prescinde del gran aparado
decorativo. Paralelismo con el Midi francés y con la arquitectura
Historia del Arte en la Edad Media
47

italiana y con las construcciones de órdenes mendicantes quienes

desarrollan unas estructuras alejadas del virtuosismo técnico del
estilo gótico. Plantas de única nave rectangular, perfectas para la
predicación y capillas abiertas entre contrafuertes, las cubiertas son
de simple armadura de madera, apoyadas en arcos inmensos en la
nave central. Responde al carácter burgués de la sociedad aragonesa,
y se proyecta edificios civiles. Iglesias de nave única cubierta con
armaduras de madera y abovedadas y capillas entre contrafuertes;
edificios más monumentales como las catedrales, con varias naves,
las cubiertas con las bóvedas a la misma altura, reduciendo el
número de soportes y creando la ilusión de un espacio único. Los
exteriores austeros con mínima decoración escultórica centrada en
las portadas y dominio de los contrafuertes sobre arbotantes. La
Catedral de Barcelona iniciada en 1298 de Jaume de Fabre, 3 naves
casi a la misma altura, girola sin arbotantes exteriores, deambulatorio
y 9 capillas radiales. Las bóvedas descansan sobre un esbeltísima
sistema de pilares que se alargan dejando un pequeño espacio para
el triforio ciego y óculos en vez de ventanales. El interior marcado,
unidad espacial, sensación de grandiosidad y amplitud. Este modelo
se aplicó a la basílica de Santa María del Mar que opta por la misma
planta de salón, 3 naves de idéntica altura, separadas por pilares
octogonales y ausencia de arbotantes, su arquitecto Berenguer de
Montagut consigue un espacio interior amplio y unitario y desahogado
en que prima el muro envolvente sobre el vano su iluminación a
través de óculos laterales con escasa incidencia de la luz coloreada
propia del gótico catalán. La Catedral de Gerona 1317 proyecto
idéntico a Barcelona, 3 naves prácticamente de la misma altura; En
1417 se encarga a Guillermo Bofill y plantea una simplificación
unificando sus 3 naves en una única nave de gran amplitud. Se gana
espacio interior y diafanidad. 1386 el maestro Pere Ça Coma plantea
la cubrición de una sola nave por primera vez. En 1417 Guillermo
Bofill adopta esta solución. Catedral de Palma de Mallorca, siglo XIII a
primer tercio del siglo XIV con Jaume mates, Guillem Sagrera o Pere
Morey. En plantas el mismo esquema que las catalanas, 3 naves y
capillas laterales entre los contrafuertes cuya rítmica secuencia
exterior le confiere un aire robusto de fortaleza. Cabecera recta como
una prolongación de la nave central, gran altura de su nave central,
obliga al uso de arbotantes exteriores. En el interior alargados pilares
ochavados a imitación de Santa María del Mar que recogen los
empujes de las bóvedas, gruesos contrafuertes exteriores con
aspecto recio. Estos edificios coinciden con el gótico radiante pero
aquí tendencia hacia la robustez, sobriedad. Arquitectura gótica civil
como el castillo de Bellver cuyo patio interior de planta circular se
Historia del Arte en la Edad Media
48

terminó en 1309 punto no se suelen cubrirlas con bóveda de piedra,

el sistema de armadura de madera marcada por inmensos arcos
diafragmas que ritman el espacio interior. Ejemplos lonja y atarazanas
de Barcelona, Palacio mayor de los Reyes de Aragón o el hospital de
Gerona.

1.4. La arquitectura gótica en Centroeuropa.

Territorios alemanes a partir del siglo XIII copiando modelos de

Chartres, Reims, Amiens. Prestigio de Francia. Catedral de Colonia,
1248, uno de los ábsides de la Catedral de Bamberg, 1248, cuerpo
longitudinal de la Catedral de Estrasburgo, 1240, o Friburgo. Pronto
diferencias con el gótico clásico francés. Gran diversidad de culturas
locales, desarticulación política. En 11 países de la Europa actual se
conservan edificios asimilables al gótico alemán. Hasta Rusia. La gran
innovación germánica coma la Hallenkirche O iglesias salón, los
abovedamientos de la nave central y las laterales a la misma altura
de planta rectangular. El inferior de la nave no recibía iluminación
directa sino desde las naves laterales. Las bóvedas de crucería se
refuerzan con nervios y se complican en el siglo XIV y XV cómo el
arbotante sea innecesario y desaparezca. Las naves a la misma altura
unifican el espacio con sensación de diafanidad. Visión del gótico
tardío del siglo XV y comienzos del XVI cómo Catedral de Minden.
Iglesias de estilo catedralicio que no son sedes episcopales,
Construcción de iglesia Catedral vinculada a los poderes locales.
Tendencia hacia la unificación espacial en el interior y centralización
en planta. La mayor parte carece de transepto, de deambulatorio y de
girola y sus 3 naves a la misma altura, por lo general no hay triforio,
más estrecha los laterales que actúan de contrapeso. Desarrollan una
iglesia de planta de salón o Hallenkirchen. Al exterior arbotantes
desaparecen, se añaden en el siglo XIX falta de portadas
monumentales en el gótico alemán la escultura mayor independencia
de la arquitectura.

2. La escultura gótica en el siglo XIV.

Siglo XIV menor impulso constructivo especialmente catedrales. Las

artes figurativas gran esplendor. Se concentra ahora en el interior de
la Catedral. Ricos materiales para la escultura como mármol y
alabastro, persiste en Marfil y madera policromada. Sepulcros
monumentales. El arte prestigio por mecenas, se suman los
burgueses. Artista gótico mayor reconocimiento sale de su anonimato
aparece su nombre en obras y documentos. Talleres itinerantes se
convierten en fijos, aunque el trabajo manual con consideración
inferior sueldos exiguos. Borgoña importante centro artístico
Historia del Arte en la Edad Media
49

desarrolla el estilo internacional en torno a la sede papal de Aviñón,

se extiende a bohemia y norte de Italia. Aspecto elegante y
amanerado en las figuras, se proyecta esencialmente en el ámbito
pictórico pues en la escultura prevalece el realismo. Foco artístico
principal se desplaza a Italia, especialmente en pintura. Peste negra,
1348. guerras de los 100 años, civil en Castilla… crisis en la Santa
Sede, pequeña edad de hielo, escasez de alimentos, enorme crisis.
Valores escolásticos en crisis se cuestiona la unión de ciencia y
religión introduce un punto de vista más objetivo, nominalismo de
Guillermo de Ockham. Fructífero en arte y filosofía, revolución
musical, Ars Nova con nuevo sistema de notación musical que lleva la
polifonía medieval influencias de la música andalusí para el nuevo
ritmo y melodías.

2.1. La escultura borgoñona o franco-flamenca: el legado de Claus

Sluter.

El Dios del siglo XIV, Carlos V,1338-1380, llamó artistas flamencos

para la corte francesa para un programa artístico que legitimara su
monarquía. Retratos de Carlos V y Juana de Borbón. Los atributos que
llevaban, destruidos en la revolución. Tampoco conocemos el nombre
del escultor en el que despunta un fuerte realismo en estatuas como
germen del estilo franco-flamenco. Cristaliza a finales del siglo
cuando Felipe el atrevido,1342-1404, se casa con Margarita de Gante
uniendo el ducado de Borgoña y el condado de Flandes y otros
colindantes; la corte de Dijon se transforma en un centro artístico
principal con rasgos del gótico francés, galante y cortesano y
expresivo nórdica. En el 1385 los duques de Borgoña en Dijon un
santuario convento para los frailes cartujos, o Cartuja de champmol.
Empresa artística grandiosa, trabajaron 400 obreros, llaman a
escultor Juan de Marville para un programa de la fachada. Este trajo
consigo a Claus Sluter cómo ayudante, a su muerte en 1389, asumiría
éste la dirección de las obras. El artista, holandés posiblemente de
Haarlem nacido a mediados del siglo. Trabaja como cabeza de taller
en Bruselas, 1380. Fundador de la escuela borgoñona de escultura.
Portada de la Santa Trinidad en la Cartuja de Champmol,1391,
sencillo arco apuntado con las arquivoltas lisas, concentrando
esculturas a la altura de las jambas. En el parteluz La Virgen con el
niño que se envuelven unas telas abultadas de sugerentes pliegues,
cincelados con asombroso dominio. El rostro de María, nariz más
grande de lo habitual y papada que le confiere individualidad, clava
su vida mirada en el niño. La puerta se flanquea por las figuras
arrodilladas de los duques de Borgoña acompañados por San Juan
Bautista y Santa Catalina. Auténticos retratos, insólito la presencia de
Historia del Arte en la Edad Media
50

los donantes en un lugar tan preferente y a la misma altura de los

Santos. Pozo de Moisés,1395-1403, para el claustro de la Cartuja de
Champmol como parte de un calvario, hoy desaparecido, el pozo
habría sido el pedestal. Idea de la fuente de la vida asociada a la
salvación por Cristo; pozo hexagonal se adosan estatuas de 6
profetas que anunciaron la llegada del mesías: Moisés, David,
Jeremías, Zacarías, Daniel e Isaías. Las figuras liberadas del marco,
Naturalismo extremo, humanos corpulentos con volúmenes rotundos
y gran monumentalidad. Ropaje de aspecto pesado y voluminoso,
característico de este maestro. Expresión y rasgos faciales
individualizados como retratos esta obra consagró a Claus Sluter.
Monumento funerario de Felipe el atrevido, modelo para sepulcros
posteriores combina el tipo tradicional de sepultura con el difunto
tendido sobre una brillante losa negra con la original disposición de
los doseles y elementos arquitectónicos góticos, en el basamento
finamente labradas acogen el cortejo fúnebre con monjes
encapuchados. Sabemos que murió en Flandes y fue trasladada a
Dijon en un proceso que duró dos meses. Rico catálogo de
expresiones faciales y estados anímicos. Terminada por su sobrino y
sucesor Claus de Werve entre 1405 y 1410.

2.2. El apogeo de la escultura funeraria.

Fines de la Edad Media, sepulcros monumentales. Punto de inflexión

siglo XIV, partiendo del modelo de estatuas yacentes se enriquecen
iconográficamente y alcanzan mayores proporciones. Sepulcros de la
realeza también de nobles y caballeros. Individualización del sepulcro,
representación del difunto persigue el retrato. Frente a la idealización
del siglo XIII, joven, se persigue ahora el realismo. Las escenas
frecuentemente centradas en honras fúnebres, cortejo de plañideras
o plañideras, temas con las virtudes del difunto, un perro los pies,
ángeles que recogen su alma, reflejan rasgos personales en el rostro
llegando a utilizar mascarillas mortuorias para lograrlos. En Inglaterra
algunos importantes. Escasa presencia de escultura figurativa en las
portadas de las catedrales británicas del siglo XIII; Se desarrolla la
escultura funeraria en piedra y en madera policromada 2000
sepulcros con estatua yacente. Las más singulares son las de cobre
dorado. Sepulcro del príncipe negro de 1380, difunto en actitud
orante, ojos abiertos, cota de malla y armadura de caballero. El
mismo escultor anónimo realizó el sepulcro de Eduardo III en la
Catedral de Westminster. Reino de Aragón del XIV, panteón real del
monasterio de Poblet la petición de Pedro IV el ceremonioso joma
1319-1347, para las tumbas de sus predecesores encargado a Aloi de
Montbrai y Jaume Cascalls. Original estructura en el crucero de la
Historia del Arte en la Edad Media
51

Iglesia sobre un característico arco gótico rebajado. Encima de una

plataforma para sostener las sepulturas en forma de tejado a dos
aguas donde se escupieron los cuerpos yacentes sobre abultadas
almohadas. Talla en madera en los reinos hispánicos y especialmente
en la corona de Aragón tanto en estatuas como en retablos. Madera
de sillería de coro que empiezan a escupirse con rica figuración como
la sillería de la Catedral de Barcelona tallada por Pere Sanglada entre
1394 y 1399. Es en las misericordias bajo los asientos donde los
escultores aprovecharon para dar rienda suelta a su imaginación con
temas costumbristas, cómicos y fantásticos.

3. La luz como vehículo de expansión.

Se ha dicho que la construcción de las primeras vidrieras góticas se

hacía en base a las cibas, también se recurrió a los manchones.
Técnica documentada desde el mundo romano a finales del siglo III,
antes del empleo de las cibas. El manchón, un cilindro soplado que se
habría longitudinalmente y recalentaba para que sus paredes
perdieran la forma circular y quedaran planas, permitía la obtención
de vidrios planos de mayores dimensiones. Primeras vidrieras esto no
tenía importancia, Su formación a modo de mosaico no precisaba
grandes fragmentos, pero cuando en el siglo XIV se introduce la
técnica del amarillo de plata las cosas cambian. La técnica del
amarillo de plata parece provenir de Siria, confección de vasos y
lámparas. En el siglo XIII se había ensayado en la obtención del color
rojo Rubí, mediante la aplicación sobre vidrio de una pasta arcillosa
con sales de cobre y el intercambio entre los iones alcalinos de vidrio
y de pasta, al volver a someterlo al fuego. Comienzo del siglo XIV,
procedimiento análogo, pero con sales de plata que proporcionaba un
color dorado muy luminoso. Procedimiento para pintar o dibujar sobre
vidrio, no de teñido en masa, método nuevo, aunque estaba en las
grisallas como sistema de dibujo, que va a cambiar la concepción
formal y estética no de la propia vidriera sino el concepto de la luz
que conforma el interior de las catedrales. Las vidrieras dejan de ser
ese mosaico en que cada cambio de color está constituido por un
vidrio ahora dibujadas con diversos colores y matizaciones en un
mismo vidrio. Las dimensiones de los vidrios emplomados serán
mayores con luz más intensa. Desde los primeros vidrieros de los
siglos XII y XIII con trabajo más manual al del siglo 14 más pictórico.
El gremio de vidrieros, inserto dentro de los pintores. Algunos de los
vidrieros eran pintores. Cómo Nicolás francés. El peso de los vidrieros
en el norte de Europa: Guillén Letumgard, De constancia, Alemania,
en catedrales de Tarragona y Gerona mediados del XIV. Introducción
de modelos figurativos del norte en las vidrieras de Cataluña. Entre
Historia del Arte en la Edad Media
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las del siglo 13 en la Catedral de Gerona como con temas de la vida

de Cristo y las del calvario de Guillem clara separación. Las mismas
diferencias en la vidriera del siglo 13, estigmatización de San
Francisco y conversión de San Pablo dibujadas con amarillo de plata
del siglo XIV, contraste con las escenas superiores, azotes en la
columna y deesis, y las inferiores, visita de María a Isabel y Natividad.
La penetración cultural tanto en ideas como en técnicas se prolonga
así hasta el 15. Enrique alemán de Alsacia, trabajó en las vidrieras de
la Catedral de Sevilla entre 1478 y 1483 se fue a Toledo. Segunda
mitad del siglo 15 y comienzos del 16 Arnau de Flandes, vidrieras de
las catedrales de Ávila, Burgos y Palencia. En Inglaterra no existen
documentados talleres de vidrio hasta el siglo XII. Con la conquista de
los normandos y coronación de los plantagenet se introduce el nuevo
lenguaje, incorporan las vidrieras, se crean talleres. Catedral de
Canterbury están muy reconstruidas, en el crucero sur, que
representa el árbol de Jessé, el más antiguo, finales del siglo XII y
comienzos del XIII, solo se reconocen como originales los pasajes del
Rey Josías y el de la Virgen. Composición muy similar a la iglesia de
Saint Denis. Catedral de York siguen las formas de ejecución de las
primeras vidrieras como de mosaico, pero aquí la luz penetra con una
mayor claridad. Catedral de York vidriera conocida como 5 hermanos,
1250-1260 en el transepto norte, emplearon un recurso pictórico
inspirado en los vidrios islámicos de Oriente, sobre el vidrio se dibuja
mediante grisalla líneas negras que modifican la refracción de la luz.
1338 en York el vitral de la portada occidental. 1405 la mayor
superficie cubierta por una vidriera en el extremo opuesto de la nave
en el lado oriental, temas del comienzo y el fin del mundo. Modelo
York antecedente de lo que en el siglo XIV sucederá en las catedrales
de los países germanos; vidriera tapiz por la profusión de los motivos
geométricos vegetales y animales y menor representación humana,
unido al empleo del color de manera intensa. No parecen ajenas estas
vidrieras a las ideas del luteranismo, Uno de los exponentes, el
convento de los agustinos, en Erfurt donde Lutero se ordenó fraile.
Relación entre las composiciones de estas vidrieras con tejidos de
Oriente y los propios tapices del norte de Europa.

4. La pintura gótica del siglo XIV y el estilo internacional.

Siglo XIV, la pintura pasa a la conquista del espacio y la naturaleza,

avances más importantes en él Trecento italiano, influencia en el
resto de Europa. El estilo más extendido fue el gótico internacional o
de corte que se inicia en 1340. Estilo amable, hedonista y de evasión
destinado al entorno de la sede Pontificia de aviñón y la corte
francesa y bohemia, en época de la peste 1346-1353, coexiste con
Historia del Arte en la Edad Media
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otro género más macabro, la muerte, en forma de esqueleto, en

ocasiones junto al lecho de un enfermo. El estilo internacional, 1350-
1450 parte de la pintura del Trecento en Aviñón y se convierte en el
estilo dominante en las Cortes europeas. Se le conoce como estilo
blando o bello por centrarse en la elegancia de las formas con figuras
estilizadas de gestos afectados donde prima la línea curva. Arte
cortesano, emblema del poder, unión del lujo y el buen gusto.
Influencia italiana.

4.1. La pintura en Francia: Aviñón y la corte parisina.

Aviñón sede papal en 1303, fueron llamados pintores italianos como

Simone Martini y Matteo Giovannetti. Programas de decoración mural
para estancias. Los fondos ya no son dorados sino azules y verdes.
Martini llegó en 1340 CC pasó los últimos 5 años de su vida.
Ilustraciones de un libro de Virgilio perteneciente a Petrarca, amigo
suyo, y dibujos murales preparatorios, sinopias, en la portada de
Notre dame des-Doms. 1346 Clemente sexto llamó a Matteo
Giovannetti para decorar varias salas del Palacio papal de Aviñón:
capilla de San marcial, 1346-1348 con pinturas asombrosas con
efectos de perspectiva y realismo, pasajes de leyenda de San marcial
donde las figuras adquieren corporeidad gracias al claroscuro,
espacios arquitectónicos cobran importancia. Narración historiada
original se inician en la bóveda para leerse en espiral hasta llegar al
registro mural más bajo. En la corte de París, los libros miniados para
la adecuación particular especial auge. El formato más popular, el
libro de las horas, frente a los salterios del siglo XIII. Tamaño aún más
reducido. Se distinguieron por el carácter único de cada ejemplar.
Contenían textos de rezos, salmos y oraciones para cantar o recitar
agrupados por horas litúrgicas y calendarios acompañados de
ilustraciones. Los personajes de la nobleza adoptaban hábitos de la
vida monástica. Incorporación de orlas decorativas con marginalia:
escenas y figuras en los márgenes, a veces sin relación con el texto.
Interés por los temas profanos, algunos de carácter bucólico.
Drôleries, de tipo burlesco protagonizadas por animales reales o
fantásticos y figuras humanas. Maestro honoré, miniaturista, de todos
sus discípulos fue Jean Pucelle el más renovador. Antes de 1336,
fecha de su muerte, incluye la Biblia de Billyng, breviario de Belleville
y el libro de horas de Jeanne d’Evreux. Magnífico libro de reducidísimo
tamaño, 94 por 64 mm, encargado por Carlos IV como regalo para su
esposa hacia 1325. Pucelle añade conquistas de Honoré, naturalismo,
delicado dibujo y elementos espaciales, novedades de la pintura
italiana, conocimiento de la obra de Giotto y Duccio en la manera de
incluir el espacio arquitectónico tridimensional. Su pintura es más
Historia del Arte en la Edad Media
54

amable, casi monocroma en consonancia con las grisallas de las

vidrieras. El estilo Pucelle fue imitado por miniaturistas franceses
hasta mediados de siglo. después en reinados de Juan el bueno y
Carlos V. 1350-1380, reacción contra el estilo amable, llegada de
artistas de Flandes, inclinados hacia la realidad. Primer retrato
pictórico el de Juan el bueno. Pintura sobre tabla con el personaje de
perfil, fondo dorado, solo era duque de Normandía. Obra anónima de
la escuela de París, verismo y dignidad. Paramento de Narbona,
pintura en grisalla sobre seda blanca, ornamento del altar. Autor
anónimo hacia 1371. Carlos y Juana de Borbón junto a 5 escenas de la
pasión.

4.2. La pintura en la corona de Aragón.

Pinturas sobre tabla, mayor importancia en siglo XIV en toda Europa,

creciente culto hacia los Santos, tablas perfectos altares para capillas
y espacios particulares. Los retablos centroeuropeos son
monumentales con puertas abatibles; en el Mediterráneo retablo sin
puertas y tamaños más variados. El retablo pictórico en el Reino de
Aragón recibe en el primer cuarto del siglo XIV influencia de
corrientes italianas. Estilo ítalo-gótico, uso del temple. Primera
manifestación en Baleares, contacto comercial con Italia tras la
conquista cristiana de Mallorca en 1231. Después a los condados
catalanes de la mano de Ferrer Bassa, nacido en 1287 en la zona
oriental del reino de Aragón, juventud en Italia, con técnicas
pictóricas del Trecento, influencia de Giotto. Regreso a Aragón, dirigió
un taller trabajó su hijo Arnau. La capilla de San Miguel del
monasterio de Pedralbes encargados por la abadesa Sa Portella en
1343, 22 escenas con pasajes de la pasión, vida de la Virgen y
Santos. Primer exponente peninsular de pintura del Trecento italiano
con figuras corpulentas y voluminosas. Espacio naturalista qué
desterrado los fondos dorados. Su hijo Arnau Bassa Ferrer continuador
junto a Ramón Destorrents y los hermanos Serra.
Historia del Arte en la Edad Media
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Capítulo 5. El arte italiano en la edad del gótico.

1. Italia y la tradición clásica.

Italia poco permeable al gótico manteniendo formas románicas

mezcladas con bizantinas. Estrena nuevas concepciones. A partir de
1300 artistas separan del resto del continente. Dante Alighieri escribe
en lengua vulgar. Nicola y Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio y Giotto
transforma la representación visual del gótico. Estos pensaban que
los florentinos a final del siglo XIII renovaron las épocas oscuras del
medievo. Herederos de la antigüedad clásica. Parte de la cultura
romana había sobrevivido impulsada por el Renacimiento carolingio y
gracias al poder de la Iglesia y la mistificación de la ciudad de Roma.
Pretendían resaltar el papel de la Roma cristiana como continuadora
imperial y unificadora cultural de Occidente. Para Villani, siglo XIV,
Giotto es un maestro que iguala a la antigüedad, se establecen
genealogías artísticas que explica el Quattrocento, renovación
estilística cuyo origen es Florencia, se difunde por Italia repitiendo lo
ocurrido en el Trecento. Los humanistas florentinos recuperan el
modelo clásico con la tridimensionalidad de Giotto. Duecento
condicionado por las luchas entre ciudades. Orgullo cívico, desarrollo
de proyectos arquitectónicos y artísticos públicos y capacidad de sus
talleres urbanos. Siglo XIII ruptura por llegada de artistas bizantinos
tras la toma de Constantinopla,1204. Dinámica económica permite un
mayor consumo de arte, fundamental la acuñación del florín de oro
por el Comune de Florencia, 1252 que lleva a incremento de la
producción artística del Duecento en talleres cómo el de Giunta
Pisano o Berlinghieri, escultura de Wiligelmo y Antelami.
Reestructuración de centros urbanos cómo Volterra, San Gimigniano,
Espoleto y Gubbio.

2. Arquitectura del Duecento y Trecento.

Los arquitectos italianos conocían las nuevas formas de Francia y

norte de Europa. En Italia el gótico no tiene tanta extensión ni arraiga.
La tradición clásica es más horizontal y cercana a la sencillez del
románico. Aunque llegaron el arco apuntado y la bóveda nervada que
utilizan desde los primeros decenios del siglo XIII. Abadía de
Fossanova, reconstrucción de 1163, inspirada en Fontenay o Casa
Historia del Arte en la Edad Media
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Mari en 1203 y Chiaravalle de Milán con bóvedas de ojivas. Pero

define un espacio interior cerrado por grandes superficies murales.
Renovación arquitectónica llega con las órdenes mendicantes,
dominicos y franciscanos que predican a la sociedad urbana.
Monasterio de San Francisco de Asís, en Asís iniciada en 1226,
consagrada en 1253. El hermano Elías, arquitecto, quizás formado en
Francia, concibió un edificio original de tradición de las capillas
palatinas por sus dos alturas. La planta baja cómo construcción
maciza de nave única con tímido ábside y bóvedas de arcos de medio
punto que, como en el románico, dejan grandes muros libres de
elementos estructurales qué van a servir para las pinturas murales
donde se relata la vida del Santo. En la iglesia superior se mantiene la
idea de paños de muros desnudos. La luz penetra de forma natural
desde los vanos del ábside, excluyendo los efectos de la luz mística y
coloreada. Predilección por la planta basilical, ventanas pequeñas,
arcos ligeramente apuntados. Muros amplios y continuos, apenas
interrumpidos por los soportes, conformando espacios únicos que
llenan de pintura al fresco. El ideal de pobreza determina la
eliminación de las bóvedas de piedra, naves cubiertas con armadura
de madera. El capítulo general de 1260 desarrolló las limitaciones al
lujo y al gasto superfluo.

Tensión entre verticalidad y horizontalidad se remarca por utilización

de bandas horizontales de colores alternados, sobre todo en la
Toscana, dónde son característicos del gótico italiano, los campaniles.
Florencia y Venecia focos más importantes del gótico italiano otros del
siglo XIII la iglesia de Santo Domingo de Bolonia,1221, inspirado
en modelos florentinos. En Florencia: Santa María Novella, 1278, de
la orden de los dominicos, iglesia de planta basilical de 3 naves y
cabecera de capillas rectas en la tradición cisterciense. El interior más
que la verticalidad busca la desmaterialización del espacio, la unidad
espacial gracias a las naves que se alzan casi a la misma altura; se
reduce el número de tramos que resultan más anchos y la articulación
mural de la nave central es de 2 pisos: arquería apuntada y
ventanales, menos desarrollado el de los ventanales. Santa María
del Fiore, 1294, Arnolfo di Cambio, iglesia más bella y más noble de
la Toscana. Giotto le sucedió en la obra y realizó el campanile, ruptura
de una visión del mundo que hasta entonces solo tenía dos
dimensiones para dotarle de una tercera. Giotto no tuvo como
referencia la antigüedad clásica si no una referencia religiosa.
Basílica de San Francisco de Asís en Asís y Santa Croce en
Florencia, Se ha relacionado con Arnolfo di Cambio, iluminación del
espacio interior propia de la arquitectura cisterciense y planta
Historia del Arte en la Edad Media
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basilical típica, cubierta la nave central con armadura de madera, el

adelgazamiento del muro y arcadas apuntadas de separación de
naves apoyadas en esbeltos pilares octogonales, la distribución
permite una visión longitudinal muy marcada igual que las basílicas
paleocristianas. Catedral de Orvieto, la horizontalidad se remarca
por el juegos cromáticos, inspiración de la de Siena; capilla de
Santa María de la Espina en Pisa y el campanile de Florencia
diseñado por Giotto ponen de manifiesto la elegancia del gótico
radiante que no se interpreta con los efectos de luz coloreada sino
dignidad del colorido de los mármoles exteriores y el juegos de color
de la pintura en el interior. En Florencia Arnolfo di Cambio, 1290,
construyó San Michele cómo mercado de grano; En 1299 El Palacio
Vecchio. Importante arquitectura civil: Palacios desde mediados del
siglo XIII que se abren al exterior con pórticos y logias con rigurosa
estructura que no varió hasta el Renacimiento. Palacio de los Dux de
Venecia reconstruido entre 1309 y 1404 sobre el mar.

3. La escultura gótica en Italia.

Aunque Italia estuvo fragmentada en la alta Edad Media se convirtió

en monarquía a mediados del siglo 12 con Federico I de Hohenstaufen
que la anexionó al sacro imperio. Su Nieto Federico II añadiría el sur
de la península. Se inicia el arte gótico en Italia con características
únicas. Base, tradición románica empiezan a absorberse las formas
de l’Île de France. Contactos comerciales y bélicos con Bizancio y El
Mundo islámico, Norte de África, Al Ándalus y Oriente Próximo con
incorporación de recursos ornamentales e iconográficos. La
integración en el imperio germánico hace llegar influencias de la
expresividad nórdica. Emperador Federico II con interés por recuperar
los modelos clásicos, evidente en la escultura con influencia de los
relieves y las estatuas antiguas. Uso recurrente del mármol y
ausencia de estatuas columna con pocos tímpanos esculpidos con
arquivoltas. Mayor autonomía de la escultura respecto a la
arquitectura. En esta época fuerte desconocimiento de la antigüedad
grecorromana. Las permanencias clásica se limitan a cuestiones
estilísticas, el canon de las figuras, pliegues de las telas por imitación
de relieves y estatuas conservados. Prevalecen los valores cristianos
medievales.

3.1. Los púlpitos esculpidos del siglo XIII: Nicola pisano y Giovanni
Pisano.
Historia del Arte en la Edad Media
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Nicola pisano, 1220 1286, de Apulia posible trabajara en los talleres

del emperador Federico II y realizará un viaje al norte de Francia.
Púlpito del baptisterio de pisa, 1260, con colaboradores como
Arnolfo di Cambio. estructura: forma hexagonal, 6 paneles de pared
de mármol blanco como parapeto y relieves de la vida de Cristo
(Anunciación, natividad, epifanía, presentación en el templo,
crucifixión y juicio final). Las placas se separan por dobles columnas
de mármol rojo con el que se enmarcan los paneles, creando elegante
bicromía. Una águila con una presa en la parte superior, atril para el
orador. El cuerpo superior del púlpito descansa sobre 7 columnas
rematadas por capiteles corintios: uno en cada ángulo del hexágono y
otra central. 3 de ellas apoyan sobre leones, la columna central sobre
un pedestal con esculturas de animales y atlantes que simbolizan la
herejía vencida por la Iglesia. Las columnas se unen entre sí por arcos
de medio punto que acogen arcos trilobulados en cuyas enjutas hay
figuras de profetas y evangelistas. Inspiración en el estilo de los
sarcófagos romanos. Por ello las figuras se visten con túnicas y la
Virgen cubre su cabeza con un palio como las matronas romanas. Las
columnas fueron tomadas del yacimiento de Ostia Antica por el
escultor donde pudo ver los arcos de triunfo de Roma. Pisano contó
con otras fuentes cómo los marfiles bizantinos que parecen influir en
el juicio final y la escultura gótica francesa en la escena de la
crucifixión. El púlpito del baptisterio de pisa prestigio a Nicola pisano,
6 años después los constructores de la Catedral de Siena le
encargaron el púlpito de la Catedral de Siena, concluido 1268 con
forma octogonal en mármol blanco composición y estructura similar al
bautisterio pisano (apoyados sobre columnas que se separan por
arcos trilobulados y descansan, ocasionalmente, sobre leones) así
como su iconografía, los relieves diferentes, narración continua y
pierden el marco que los acercaba en el púlpito anterior. Las placas
esculpidas en los antepechos tienen un aspecto más expresivo y
abigarrado y un relieve profundo que genera claroscuros como en la
escena de la matanza de los inocentes. El cambio se debe en gran
medida a la participación de Giovanni Pisano, 1250 1314, con fuerte
personalidad artística que le aleja del estilo antiquismo de su padre
acercándose al gótico europeo; Mayor dinamismo de las figuras y
expresividad cómo la escena de la crucifixión donde el relieve se
excava en profundidad y las formas se cincelan con mayor finura, o
como en el arte del Marfil, virtuosismo de los pliegues y abanico de
expresiones faciales y cierto sentimentalismo. Nicola y Giovanni
llamados para construir la Fontana Maggiore, 1275-1278, decorada
con 50 bajorrelieves y 24 estatuas, alternancia de mármol blanco y
rosado. Madurez de Giovanni Pisano en el púlpito de la Iglesia de
Historia del Arte en la Edad Media
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San Andrés de Pistoia,1301, sigue a su padre, pero con menor

tamaño por integrarse en una iglesia románica de reducidas
dimensiones. Diferencias, altorrelieve pronunciado para que las
figuras sobresalgan y se curvan ligeramente hacia el espectador para
ser vistas desde abajo. Giovanni horada el mármol en profundidad
con técnica rápida que dejan marcas de cincel generando dramáticos
contrastes de luz y sombras. Dinamismo y fuerte carga expresiva,
tormentosas pasiones. Escenas populosas y corales como la
crucifixión y la matanza de los inocentes con expresiones de sorpresa,
estupor, desmayo y desesperación. Posible inspiración en modelos
germanos. Precisión en las proporciones anatómicas firma su obra en
una inscripción latina donde afirma haber superado a su padre. Con
50 años, Giovanni Pisano: púlpito mucho más monumental para la
Catedral de pisa, 1301 1310.

3.2. La escultura italiana del siglo XIV.

Desarrollo del arte funerario en el siglo XIV. Finales del XIII Arnolfo di
Cambio, 1232 1310, colaborador de Pisano, realizó tumbas cuando
trabajaba para Carlos de Anjou en Roma. Di Cambio contribuyó a fijar
el modelo de los mausoleos renacentistas insertos en el muro. Tumba
del cardenal de Braye, 1282, arranca de una doble predela de
aspecto arquitectónico y decorada con Cosmati Sobre la que dispone
al difunto yacente con insignias cardenalicia; coronando el conjunto,
la Virgen con el niño entronizada en una hornacina, ambos lados dos
hornacinas a un nivel inferior, a la izquierda con el propio cardenal
arrodillado junto a un Santo y a la derecha otro Santo que parece
Santo Domingo. Presencia de 2 cortinajes que se abre mostrando el
sepulcro sujetos por dos personajes. Tino di Camaino, 1280- 1337,
tumba del cardenal Riccardo Petroni,1318 de mármol con
cortinajes, coronado por las estatuas de la Virgen con el niño y dos
Santos bajo dosel; Se apoya sobre unas cariátides y 3 relieves
relativos a la resurrección de Jesús. Tumba del obispo Antonio
d’Orso, 1321. Lorenzo Maitani, discípulo de Giovanni Pisano director
de obras de la Catedral de Orvieto entre 1310 y 1330, participó en el
diseño y la realización de los relieves de la fachada. En las jambas
relieves con ambicioso programa iconográfico. Placas de mármol
corresponden al dorso de unos relieves romanos antiguos, tapiados al
adosarse a esta fachada. Cristianiza estas piezas escondiendo la
temática pagana, busca resumir la historia de la humanidad:
creación, pecado original, vida de Cristo y juicio final. Cuatro grandes
placas en relieve franquean las 3 puertas del acceso como un
inmenso árbol genealógico del que surgen ramas. Grandes
dimensiones y complejidad exigieron estudio previo. Dominio de la
Historia del Arte en la Edad Media
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representación anatómica, reflejo de emociones cómo horror en sus

rostros. La placa de la derecha dedicada al juicio final con rostros
aterrados de los condenados. Gesticulación excesiva, expresionismo
que enlaza con la escultura de Bamberg, pero con raíces en el
románico donde el infierno se compone de una masa abigarrada y
dinámica de seres gesticulantes que contrasta configuras de los
Santos serenos inexpresivos. Pero aquí sutileza más propia de la
época gótica evidentes en las finas telas que dejan adivinar la
anatomía, definición de los mechones de cabello y claroscuros qué
modelan los cuerpos y rostros. Andrea Pisano, 1290-1348, Catedral
de Florencia, esculpiendo las primeras puertas de bronce del
baptisterio.

3.3. La escultura italiana del siglo XV: las obras góticas del
Quattrocento.

Escultura del Quattrocento independencia respecto a la arquitectura,

persigue naturalismo e idealización en las figuras qué desplaza la
expresión de sentimientos. Figura humana principal objeto de la
creación figurativa tratamiento anatómico que se ajusta al ideal de
belleza. La escultura persigue recuperar los valores plásticos de la
antigüedad. Uso del mármol, el bronce, con técnica de la cera
perdida, así como la terracota vidriada. Además de figuras de bulto
redondo, el relieve con la técnica del aschiacciato, relieve pictórico
que permite lograr numerosos planos de profundidad y efectos de
perspectiva. Lorenzo Ghiberti y Filippo Brunelleschi congregados para
el concurso en 1401 para la puerta del baptisterio de Florencia.
Este concurso como punto de arranque del Renacimiento escultórico.
El ganador fue Ghiberti. Necesito 20 años y colaboración de otros
escultores para culminar las puertas, entre otros Donatello versado
en el trabajo del metal y la piedra. Donatello eliminó los excesos
expresivos propios del gótico sin renunciar a captar la profundidad
psicológica de los personajes. Andrea del Verrochio, maestro de
Leonardo da Vinci especializado en metal y la familia della Robbia
dedicada a la cerámica vidriada. Algunas obras escultóricas pueden
ser incluidas en el gótico, caso de la tumba de Santo Domingo de
Guzmán, arca de Santo Domingo en la basílica de Santo Domingo
en Bolonia la tumba de este fraile fundador de la orden de
predicadores de origen burgalés objeto de numerosas
peregrinaciones, enriquecida con añadidos escultóricos a lo largo de
los siglos. El sarcófago encargado al taller de Nicola pisano, concluido
en 1267, proyectándose como un elemento exento para que los
peregrinos pudieran rodearlo; Relieve de calidad extraordinaria con
pasajes de la vida de Santo Domingo con milagros como la
Historia del Arte en la Edad Media
61

resurrección de Napoleón Orsini. Referente estilístico e iconográfico,

añadidos a partir del siglo XIV que incluye el cráneo del sabio fraile en
una pequeña urna. Siglo XV la obra fue transformada suprimiendo
unas cariátides sobre las que descansaba el sepulcro. Se encargó a
Niccolo da Bari, 1435-1494, diseña un monumento que integra este
sarcófago, entre 1469 y 1473 Niccolo al quien se apodó Niccolo dell
’Arca, Añadió una especie de tejado con estatuas que lo coronan,
incluyendo a Jesús entre Ángeles, cuatro evangelistas y Santos como
San Francisco de Asís y el propio Santo Domingo de Guzmán. Realizó
un bello candelabro en forma de Ángel arrodillado qué flanquea el
sarcófago por la izquierda. Particularización de la fisonomía de las
figuras, salvo la del Ángel que resulta más cercana al estilo borgoñón.
A finales del siglo XV Miguel Ángel Buonarroti continuó la obra
añadiendo un Ángel candelabro cómo a pareja con el anterior. 1531
se amplió por Alfonso Lombardi con bajo relieves de la predela de
mármol bajo el sarcófago. Niccolo dell ‘Arca era de Apulia y se
estableció en Bolonia en 1462 con un taller de escultura especializado
en terracota. Pudo viajar a Francia y contactar con el estilo borgoñón
de Claus Sluter por la carga dramática de sus obras. Evidente en el
llanto sobre el Cristo muerto con 7 figuras de terracota a tamaño
natural con restos de policromía entre 1463 y 1490; Dinamismo de las
figuras, explosión emotiva capta un momento lleno de violencia
capacidad casi fotográfica magistral representación de los ropajes,
sus pliegues, su velo, plasma los sentimientos y la psicología desde la
desolación de la Virgen, incredulidad de San Juan, la cólera de María
Magdalena parecen emanar el llanto y los gritos, busca impactar en el
ánimo del espectador, serenidad del cuerpo inerte de Jesús,
reacciones y posturas que provoca. Niccolo dell’ arca único en el
panorama del Quattrocento ligado al gótico europeo, escultura
borgoñona y germánica. No ejerce influencia en su momento,
imponiéndose un tono más sosegado cómo los de Guido Mazzoni,
iglesia de San Juan Bautista en Módena, o Alfonso Lombardi,
Catedral de Bolonia.

4. El Duecento y el Trecento. Dos siglos peculiares en la

pintura italiana.

Siglos 13 y 14 con características propias, puerta de acceso a un

mundo renacido. Península italiana, cruce y amalgama de culturas,
lazos con el mundo clásico por sus vínculos con oriente y el mundo
bizantino. En el Duecento, presencia de obras musivarias con peso
por encima de la pintura. Fusión de lenguajes bizantinos y tradiciones
clásicas y paleocristianas. Lenguajes medievales durante siglos XIII y
XIV en las repúblicas italianas, se produce una confluencia que
Historia del Arte en la Edad Media
62

combinan señas medievales con identidades del mundo clásico; no es

tanto una fusión como formulación de un lenguaje fruto de una
presencia de las señales de identidad bizantinas unidas a tradiciones
clásicas. Pintores del Duecento señalan la transición al pensamiento
renacentista. En su bizantinismo subyacía el foso del mundo clásico,
Cavallini, en Roma y Cenni di Pepo (Cimabue). En Florencia la
transformación de la sociedad del Duecento y Trecento, causa y
efecto en la expansión de las órdenes mendicantes cómo
franciscanos y dominicos. Tampoco es casual que los poderes de la
Iglesia las acojan. 1209, Inocencio tercero aprueba la orden
franciscana, la dominica en 1217. Programas iconográficos para la
exaltación y el conocimiento popular de ambos Santos, religión más
cercana a los hombres.

4.1. Duecento. La configuración de un lenguaje pictórico.

Lenguaje de la pintura italiana diferenciada del resto de Europa con 3

focos: Roma, Florencia y Siena las dos últimas cómo repúblicas de la
Toscana unidas cuando Siena fue anexionada en el siglo XVI. Florencia
demostró su superioridad por prosperidad comercial y potente
entramado gremial a pesar de disputas entre güelfos y gibelinos.
Estructura social con peso predominante de los sectores que
ostentaban el poder económico, comerciantes y banqueros y el
desarrollo de los gremios, búsqueda de la singularidad de sus
manifestaciones con un lenguaje diferente. Las formas de expresión
bizantina adoptadas como una forma de expresión propia;
importancia del dorado, al oro se le otorga el reflejo de la luz, el
símbolo de Dios, riqueza como símbolo de belleza común al
pensamiento medieval según interpretación neoplatónica, Dios es la
belleza suprema, a través de esta noción estética el hombre puede
acercarse a él. Siglo XIII, lenguaje de tradición bizantina de las formas
que se hacen más volumétricas con cierto movimiento. El mosaico se
incorpora como forma de expresión propia con importancia decisiva
en la pintura. Duccio Buoninsegna o Pietro Cavallini En Roma
destacaron como mosaistas. Lucca, republica del norte de la Toscana
uno de los focos culturales del Duecento por la riqueza de su
comercio sedero. Bonaventura Berlinghieri o Berlingjiero, nacido en
Lucca en 1215, falleció en 1274. Su única obra segura es la tabla del
altar en la iglesia de San Francisco de Pescia, inscripción a los pies del
Santo en la que se lee su nombre y el año 1235. Dos elementos del
retablo de suma importancia; el modelo, en el que San Francisco
ocupa el espacio central con 6 escenas de su vida a ambos lados.
Fijación del programa iconográfico de la vida de un Santo. De arriba
abajo comenzando por la izquierda se representa la estigmatización
Historia del Arte en la Edad Media
63

de San Francisco; el sermón a los pájaros; La curación de la niña; la

sanación de un lisiado; la curación del cojo; y la expulsión de los
demonios de la ciudad de Arezzo. Reforzar la narración de unos
hechos, apego a la maniera greca absoluta. El esquema es muy
similar al de la tabla con la representación de la Madonna con el niño
de Margarito de Arezzo (Margaritone), pintor, escultor y arquitecto. En
1260, la Madonna concebido como un frente de altar o como un
retablo. El discurso de la Virgen como trono de Jesús ancla sus raíces
en los lenguajes del románico reforzado con la representación de la
mandorla, el tratamiento de las imágenes es formalmente bizantino.
Siena, clave, las formas bizantinas se desenvuelven en su máximo
esplendor. Duccio, 1255-1318/1319 con escasa obra conocida, alguna
polémica cómo la Madonna Stroganoff del Metropolitan Museum of
art; Adscripción a uno u otro siglo. La más significativa es la Maestà,
al temple sobre tabla entre 1308 y 1311 para la Catedral de Siena
que también le encargó sus vidrieras. La tabla en su origen era parte
de un retablo de considerables dimensiones con importante número
de tablas análogas pintadas al temple y doradas. Se conserva el
cuerpo principal en el Museo dell’Opera del duomo y otras tablas.
Policromado por ambas caras, en el frontal, con la Maestà
encontramos todos los componentes de este lenguaje bizantino,
fondos de oro, isocefalia, aunque intención de dotar al conjunto de
una cierta sensación de profundidad mediante el recurso perspectivo
empleado en el trono de la Virgen. En la parte posterior Duccio
compone 26 escenas cuadrangulares sobre la pasión donde hay
mecanismos compositivos que desarrolla Giotto en sus frescos,
probablemente inspirados en el arte dramático con referencias
arquitectónicas dotadas de profundidad y elementos aislados
peculiares que sitúan a los personajes en un contexto espacial a
pesar del empleo del oro qué mantiene el apego de las composiciones
a esta tradición greca. En esa confluencia de lenguajes las figuras son
tratadas según los cánones que se ensayan en el gótico con
estilización que las alarga, cierto volumen, y empleo de las sombras
en los ropajes. Cierta desigualdad en el tratamiento de las escenas,
así la aparición de Cristo a dos de sus discípulos en Emaús; La
entrada de Cristo en Jerusalén o la buena samaritana. En Roma, Pietro
Cavallini a caballo entre los dos siglos, nacido a mediados del siglo
XIII y falleció en el segundo tercio del siguiente. Obra a caballo entre
la estética bizantina de sus predecesores como Jacopo Torriti y Filipo
Rusuti y las premisas del mundo clásico. Su principal producción en
forma de mosaicos. Autores dicen que ciertas escenas como la vida
de San Francisco de la capilla superior pudieran deberse a Cavallini
por analogía con los frescos en 1308 en la capilla Brancaccio de Santo
Historia del Arte en la Edad Media
64

Domingo el mayor en Nápoles, y en los que emplea recursos

dramáticos que se verán en Asís. Destacan el abandono de los fondos
dorados por un azul intenso, uso de los elementos arquitectónicos,
instrumento para para la cubicación conceptual de la escena y la
fijación de una línea de terreno marcando un horizonte que nos ubica
en un espacio terrenal. Sus figuras cierta volumetría de los ropajes se
presentan más idealizadas y estilizadas.

4.2. Trecento. Un lenguaje propio se hace hueco.

Cambio de presupuestos estéticos, conceptos y contenidos. Toscana

rica en la primera mitad del siglo XIV hasta la peste negra de 1348 y
las crisis financieras. Competencia entre Florencia y Siena que
termina a mediados del siglo XVI cuando Florencia de los Medici
anexiona Siena.

4. 2.1. Cenni di Pepo, “Cimabue”.

Cimabue, 1240-1302, último pintor que pinta a la manera greca, que

él considera decadente y el primero que se basa en la naturaleza,
búsqueda de la verdad en la pintura. Presencia de Cimabue en el
purgatorio de la divina comedia de Dante Alighieri, instrumento para
la elaboración de ese discurso, su presencia se justifica en su lamento
ante la pérdida de la gloria por el ascenso y reconocimiento de su
discípulo Giotto. Dante, coetáneo de ambos escribió el poema del
purgatorio entre 1307 y 1308 Roma después de la muerte de
Cimabue. Este trabajo en Florencia dónde nació en 1249 y en Roma
en 1270 así como en Pisa donde trabajó como mosaista para la
Catedral, y falleció a principios del siglo XIV. Debió contar con gran
reconocimiento en su época; Intervención en la basílica de San
Francisco de Asís donde pintó al fresco en la basílica inferior la escena
de la crucifixión y el descendimiento además del encuentro entre la
Virgen con San Francisco. Incorporación del nuevo repertorio
iconográfico y la aseveración y el refrendo de los hechos atribuidos a
su vida y obra. Cimabue debió pintarlo en las dos últimas décadas del
siglo XIII. Ambos degradados. El fresco de San Francisco está en buen
estado. 2 años después de la muerte de San Francisco el papá
Gregorio IX lo proclamó Santo y comenzaron las obras del gran
conjunto de Asís. Vasto programa para fijar la imagen colectiva del
nuevo Santo, construcción hagiográfica con su imagen junto a Dios y
la Virgen. El desarrollo del programa quedó en manos de Giotto, pero
lo inicia Cimabue con la representación al fresco de una de sus
vírgenes entronizada rodeada de Ángeles y San Francisco estático a
un lado de la escena. Cambio: renuncia a los fondos dorados que
hacer alusión a la divinidad de Dios y sustitución por un fondo azul y
Historia del Arte en la Edad Media
65

una línea de horizonte separando cielo y tierra, mensaje espacial.

Representación del trono con intención de volumetría espacial.
Distancia estética y conceptual entre los frescos de Asís y sus
primeras obras conocidas, los grandes crucifijos que marcaban
algunas diferencias respecto a las de sus contemporáneos que
seguían las pautas de las Croci Sagomate De tradición griega y
bizantina. Ejemplos: el crucifijo de la basílica de Santa María,1270, y
el de la Iglesia de Santa Croce de Florencia. La Virgen de la Santa
Trinidad de Florencia realizada en témpera sobre tabla, hoy en la
galería de los Uffizi, obra cumbre, transición desde las formas
bizantinas, en los fondos dorados a las nuevas formas del Trecento.
Pintada entre 1290 y el 1300. La Virgen en Maestà, entronizada,
rodeada de Ángeles y sosteniendo al niño es un patrón que Cimabue
repite en otras tablas como el fresco de Asís. Lejos de la
transformación que los lenguajes góticos marcan respeto a la Virgen,
cómo madre dialogante con su hijo, sin embargo, elementos como el
Trono señala la evidente intención de formulación de una perspectiva
que pretende recrear una sensación de profundidad, reforzada por la
posición de los pies. Obtener la tercera dimensión es el verdadero
cambio.

4.2.2. Giotto.

1267-1337, manera diferente de entender la pintura, supo captar y

representar la naturaleza, clave de la pintura del Renacimiento.
Descubierto por Cimabue mientras dibujaba en una piedra a una de
las ovejas que cuidaba. Quizá mentira incluso se cuestiona que
llegaran a ser maestro y discípulo Giovanni Villani, contemporáneo
dijo que era el más soberano maestro de la pintura. Reconocido.
Giotto introdujo un elemento clave, ejecución de pinturas murales
siguiendo las técnicas del mundo antiguo. Lo que pinta al fresco no es
independiente respecto a cómo lo pinta, conocimiento de la técnica
que empleó. Capilla Scrovegni, 1303-1310 el azul de ultramar unifica
todas las escenas y el espacio. Color carísimo que le obligó a recurrir
al morelone, mezcla de grafito con blanco coma el color que se aplica
encima coma en seco coma cómo terminación. Así se ahorra en la
ejecución en un material muy costoso sin renunciar a su imagen como
sinónimo de lujo. El empleo de la técnica morelone ha generado cierta
visión deformada de los frescos ya que se ha ido desprendiendo,
dejando ver el color verdoso que le servía de base. Nuestra
apreciación se separa de la original. Giotto recupera las formas de
preparación y ejecución del mundo romano, aunque con dependencia
Historia del Arte en la Edad Media
66

de las técnicas del mundo medieval en cuanto a espesores de la capa

de preparación y enlucido final coma y especialmente fino en las
zonas del paramento formado por piedras de mampostería. La
recuperación de la técnica del fresco contribuyó a que se le
considerase como el heredero del mundo clásico, en realidad aplicó
una técnica de luces y sombras novedosas para utilizar el color
oscurecido, ni los negros, sino la degradación del color qué ha de
proyectar la sombra que no tiene precedentes. Giotto pinta al temple
sobre tabla La Virgen en Maestà de Ognisante en 1310 años después
de sus frescos coma ha sigue las pautas de las pintadas por Cimabue
cómo se ha querido ver los inicios de su transformación. Pero
continúa con el apego hacia el lenguaje bizantino no solo por el
empleo de dorados, estructura de la composición y representación de
la Virgen el Maestà. Aspectos novedosos son el tratamiento y la
personalización de los rostros, pero con un discurso y tratamiento qué
podría parecernos anterior a las escenas de Asís o de la capilla
Scrovegni. Detrás de ellos hay una evidente intención. Cuando Giotto
realiza los frescos de la basílica de Asís introduce una fórmula que va
a repetir en la capilla Scrovegni como la de la búsqueda de unos
recursos espaciales en forma de referencias arquitectónicas que
permiten situar las escenas en idealizados espacios terrenales. Crear
un artificio perspectivo para dotar de espacialidad las referencias
arquitectónicas. En la basílica inferior de Asís trabajaron Pietro
Lorenzetti y Simone Martini además de Giotto, a esto se le atribuyen
los ciclos dedicados a narrar la vida de San Francisco toma al menos
25 de las 28 escenas El ciclo de Asís supone la formulación de un
nuevo lenguaje pictórico que define este período basado en las
pinturas del mundo romano y del que el humanismo renacentista se
aprovechará para reformular otro nuevo lenguaje. La segunda
innovación es la función narrativa del programa iconográfico qué
parte de la leyenda mayor y un texto encargado a San Buenaventura
entre 1260 y 1263 en el que se precisaba cómo habían de ser
contados los hechos y testimonios de la vida del Santo, frente a las
biografía no controladas. Se fijaron las representaciones de Asís con
un sentido idéntico de reglamentación, la literatura y las imágenes
pictóricas quedan unidas en la narración. El pintor conoce las técnicas
de pintura al fresco de la antigüedad que recupera, aunque sea
parcialmente y deja atrás la manera de preparar los paramentos y de
pintar que se había seguido hasta la fecha. Esa forma de ejecutar la
pintura al fresco le permite jugar con la luminosidad de los colores y
obtener unos volúmenes de los ropajes que les transfieren los
personajes como su sensación de volumetría. Los rostros con
capacidad de expresión que muestra el drama de los personajes. Los
Historia del Arte en la Edad Media
67

gestos forzados sobredimensionados refuerzan la expresión

dramática. La colocación en las escenas de elementos convencionales
como rocas, árboles… las ubican en un espacio. Son elementos
teatrales. Las perspectivas de los edificios funcionan para cada uno
de ellos no para el conjunto lo que da una sensación de
tridimensionalidad. Los fondos azules y las líneas de horizonte forman
parte del mismo esquema narrativo. Se genera una interrelación
entre la narración y las representaciones pintadas. La pintura las fija
en el imaginario asignándoles el don de la veracidad. En el terremoto
de 1997 los frescos de Asís sufrieron enormes daños. Giotto concluye
los frescos de la capilla Scrovegni de Padua entre 1305 y 1306. Recibe
también el nombre de capilla de la arena en referencia a los restos del
anfiteatro romano. Enrico Scrovegni decidió levantar una capilla de
usura de su padre a quien Dante había colocado en el infierno. Enrico
aparece representado en el juicio final ofreciendo a Dios la capilla.
Unión entre la forma arquitectónica de la capilla y los ciclos de las
pinturas ha dado pie a que se especule sobre si la construcción
arquitectónica también le fue encargada a Giotto En cualquier caso
hay unidad entre el espacio y su contenido. Los frescos con la misma
técnica de los de Asís empleado en el mordelone para terminar en
seco los azules. También la estructura dramatizada de las escenas
sigue esquemas prácticamente idénticos. Lamentación sobre Cristo
muerto, y la zona de mayor tensión emocional desde el lado izquierdo
en el que se sitúa la cabeza de Cristo. Esta mitad izquierda,
delimitada por las cabezas de María de Cleofás y de San Juan, dónde
se localizan los rostros que reflejan el mayor dramatismo. La derecha
la escena es más fluida, solo 3 personajes, la Magdalena, suponer,
José de Arimatea con Nicodemo, en actitud de menor tensión. En el
cielo, los Ángeles con crispado rostros de emoción y dolor que
contribuye al desplazamiento de la composición hacia esa mitad
izquierda. Dos ciclos iconográficos se desarrollan en sus muros uno
dedicado a la Virgen que ocupa la parte alta de la capilla con hechos
de su vida establecidos a partir de su sentido más terrenal
comenzando con San Joaquín y Santa Ana; El otro con la vida de
Jesús. Giotto, en la basílica de Santa Croce, repetirá varias de estas
escenas.

4. 2.3. Siena. Simone Martini y los hermanos Lorenzetti.

Duccio cabalga entre las formas de expresión del Duecento, puede

considerarse precursor de las formas de hacer del siguiente siglo.
Simone Martini, nacido hacia 1284 en Siena y muerto en Aviñón en
1344 donde trabajó en la corte del papá Benedicto XII. Influencia en la
pintura del gótico internacional europeo. Primera labor como
Historia del Arte en la Edad Media
68

miniaturista que nunca abandonó, hasta su primer encargo en 1315

para una Maestà al fresco en el Palacio público de Siena. Maestría y
fama suficientes; el esquema compositivo de la Virgen en Maestà,
tratamiento del trono y las figuras a los dos lados similitud con las
realizadas por Duccio La elegancia de las figuras y la sustitución de
los fondos dorados por los azules le acercan al lenguaje gótico.
Diferencia esencial es que la tabla de Duccio es una pintura al temple
sobre tabla mientras que Simone Martini es al fresco. El lenguaje que
utiliza no es el mismo que en la pintura al temple sobre tabla, en la
que vuelve a los fondos dorados y a las figuras qué se transfiguran en
personajes más etéreos. La ejecución de los frescos de Asís existió
con unas ciertas pautas que llevaron autores a una cierta uniformidad
en el tratamiento de todas las escenas. Pautas que incluso Simone
Martini siguió cuando optó por la decoración mural. En la capilla de
San Martín, en la basílica inferior de Asís, entre 1316 y 1318 adoptó el
lenguaje de Giotto, con fondos azules y arquitecturas para dar forma
a la especialidad. En 1333 en Siena realiza la Anunciación, pintada al
temple sobre tabla y dorada, parecen evidentes las diferencias según
sea pintura mural o sobre tabla. En 1328 encargo de los nuevos
frescos del Palacio público de Siena con el tema del Condotiero
Guidoriccio da Fogliano en la pared opuesta a la Maestà, la
composición, la forma de representarle, entre el paisaje y el cielo
azul, con las arquitecturas en los extremos para enmascarar la
escena (los castillos representan los de Sassoforte y Montemassi)
cuya conquista se celebra con el fresco. Lazos con las composiciones
murales y vínculos con las miniaturas. Frontispicio del códex
virgilianus de 1344 conservado en la biblioteca ambrosiana de Milán.
Pietro Lorenzetti 1280-1348 murió a consecuencia de la peste.
Formado con Duccio, trabajó en Asís en 1320 se supone que adoptó
unas pautas compositivas semejantes. Una de las escenas de la
basílica inferior que contiene la representación de la entrada de Cristo
en Jerusalén en comparación con la misma escena de Duccio para la
Catedral de Siena deja bien en evidencia las similitudes si bien
Lorenzetti es una pintura al fresco mientras que la de Duccio es un
temple sobre tabla. La de Asís recurre a fondos azules y recursos
paisajísticos y arquitectónicos similares a los del resto de las
composiciones de la basílica de Umbría. Ambrogio Lorenzetti,
hermano, se formó en el taller de Duccio. 3 pinturas murales en el
Palacio comunal de la República en Siena con alegorías del buen y del
mal gobierno, declaración de intenciones que supone una
transformación de vital importancia al tratar un tema con
connotaciones profanas sin perder las raíces morales cristianas,
extensivas al comportamiento cívico, combinando público y religioso.
Historia del Arte en la Edad Media
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Capítulo 6. El arte Gótico Tardío (Siglo XV)

1. Arquitectura del siglo XV en Europa.

Gótico tardío europeo coincide con el Quattrocento italiano, no es

casual, el naturalismo franciscano se convirtió en realismo tanto
Historia del Arte en la Edad Media
71

visual como intelectual. El primero es realismo tardogótico y el

segundo el ideal de belleza del Renacimiento. La arquitectura convive
con formas renacentistas. Crisis de grandes construcciones religiosas,
se desarrolla arquitectura civil y militar: lonjas, ayuntamientos,
castillos. Se crean capillas funerarias, iglesias mendicantes y palacios
ciudadanos. Riqueza y diversidad en diferentes países. No existe
centro difusor. Interpretaciones distintas en cada territorio desde
posiciones propias y originales. En Francia desde finales del siglo XIII
hasta el renacimiento (Gótico flamígero o flamboyant, que alude a la
forma de la llama de las innumerables tracerías), excesivo
decorativismo y complicada red de elementos vegetales. En
Inglaterra Gótico perpendicular (Perpendicular Style), nacional, de
1350 a 1500, caracterizado por bóveda de abanico y su linealidad. En
España, se le conoció por Gótico Isabelino por mecenazgo de Isabel I,
algunos los contrapusieron al Gótico Fernandino, al final estilo Reyes
Católicos. José M.ª de Azcarate (1971) estilo Hispano-Flamenco,
acentúa peculiaridades con componentes del decorativismo morisco y
la influencia de arquitectos de Flandes. Gótico del imperio. En
Portugal, estilo Manuelismo (Manuel I -1490-1520, impulsor de las
artes).

La arquitectura con abundancia de elementos decorativos; renuncia a

complejidad constructiva, estructural y simbólica. Se abandona la
mística de la luz; el espacio ya no es trascendente sino real. Por
experiencia acumulada, mayores dimensiones de las naves. Los
edificios optan por el virtuosismo. La arquitectura es más dúctil, se
adecúa a nuevas necesidades, apta para todo tipo de edificios. El
interior de la iglesia gótica acentuado decorativismo y,
fundamentalmente, distinto tratamiento del muro, ya no horadado en
su totalidad por ventanales con vidrieras, sino apoyo de grandes
retablos. Interiores oscurecidos. Las cabeceras crecen de forma
desmedida, en ellas la liturgia con grandes retablos mayores y
lugares privilegiados para enterramiento. Aumentan capillas privadas
como panteones familiares que se abren a la girola y mausoleos junto
al altar mayor. Desmesuradas cabeceras. Al exterior, magnificas
cabeceras, torres, chapiteles, agujas, portadas muy decoradas y
remates de pináculos y gabletes.

-La bóveda de crucería se desarrolla hasta sus máximas

consecuencias con formas estrelladas a base de nervios secundario y
de terceletes, caso particular serán bóvedas de abanico en los de
edificios ingleses, en muchos casos rompiendo la tradicional división
en tramos de las naves, contribuyendo a mayor unidad espacial.
Historia del Arte en la Edad Media
72

-Los capiteles desaparecen, el apoyo de los nervios de la bóveda cae

sin interrupción en los soportes, a veces en haces verticales de
nervaduras prismáticas y otras en haces de columnas lisas.

-Los arcos multiplican sus formas, como el arco carpanel, el conopial,

el escarzano o el mixtilíneo.

-Los muros, los vanos y los rosetones se cubren de tracerías que se

van complicando. La decoración vegetal, de yedras y frondas.

Acopio de documentación de los procesos constructivos, personalidad

de los promotores, intereses de su encargo, trayectorias, maestros…
Información de gremios de artistas y constructores. Sagas familiares
como Pisano, Colona o Parler.

1.1. El Gótico flamígero francés.

Se explicó como evolución lógica de sus complejas estructuras y

gusto decorativista de la época radiante, pero con diferencias en la
concepción del espacio simbólico y de la luz coloreada; la iglesia deja
de ser una caja de vidrio abandonando la conexión entre
espiritualidad y estructura diáfana. El flamígero no solo decoración
arquitectónica y ornamentación, sino que incide en la concepción del
espacio arquitectónico y desarrollo de la estructura reinterpretando el
estilo. Capitales regionales se convierten en focos artísticos. No solo
edificios religiosos, sino civiles. Finales del siglo XIV la riqueza de la
ciudad se une al príncipe transformando el aspecto. Palacios y sus
capillas, órganos de poder: ayuntamientos, campanarios, puertas de
las ciudades, fuentes… con reglamentación.

a) Arquitectura religiosa: 1410-1489 interrumpida por la guerra de los

100 años, ej. Iglesia de Notre Dame de l’Epine cuyo crucero se inicia
en 1410 y se concluye en el siglo XVI; Catedral de Nantes, obras
desde 1434 a 1891, terminándose en Neogótico. Gran parte del
flamígero se plasma en las fachadas, con infinitas variaciones que
reinterpretan modelos antiguos. Saint Maclou de Ruen, fachada
pantalla de 5 arcadas rematadas en gabletes, una estructura de arcos
apuntados, gabletes, pináculos y decoración vegetal. Fachada
pantalla de la catedral de Saint Étienne de Toul (1460), la del brazo de
crucero de la catedral de Évreux o fachada transepto de la catedral
de Sens. Juego de curvas y contracurvas de llamas ondulantes en la
tracería de las ventanas en la fachada de la abadía de la Trinidad de
Vendôme. Desarrollo desmedido de las cabeceras son el coro de Mont
Saint Michel, comienza a construirse en 1446, con profundas capillas
radiales y al exterior un bosque de contrafuertes y arbotantes. Iglesia
de Saint Severin de Paris, 1489, con doble deambulatorio y multitud
Historia del Arte en la Edad Media
73

de capillas radiales. Finales del siglo XV, gusto decorativista con

fachadas, pórticos y ventanas que exhiben increíble virtuosismo en
adornos obviando una referencia estructural. Erección de
campanarios, torres, fuentes… En Italia pese a la tendencia clasicista
se construye un ejemplo de flamígero: la catedral de Milán comienza
en 1386, ligada al poder; planta de 5 naves, la central de 8 tramos
muy anchos, crucero de tres naves y cabeza con girola y capilla
radiales. Trata de armonizar el espacio dinámico clásico con la
tendencia a la unificación espacial de la centroeuropea. Principal
arquitecto: Arnechino de Alemania.

b) Arquitectura cortesana. Desde dines del siglo XIII, reyes de Francia

y familiares, actividad constructiva de remodelación o nueva planta
de sus residencias, gran importancia final siglo XV, ligado a Carlos V
con grandes artistas: Rymond du Temple, Guy y Drouet de
Dammartin. El rey reformó el Louvre, 1336, y el castillo de Vincennes.
Del primero conocemos su aspecto por el Libro de las Horas del
Duque de Berry. El segundo se conserva, era una ciudad
administrativa amurallada rectangular, residencia con capilla palatina
imitando la Sainte Chapelle. Familia real crearon cortes satélites,
mecenazgo y fastuosidad. Jean Berry (duque), hermano de Carlos V,
con el arquitecto Guy de Dammartin, dos obras emblemáticas:
chimenea del castillo de Poitiers, con la galería de músicos, malla
gótica superpuesta a los ventanales y, en su residencia de Riom, una
capilla palatina imitando a la de Paris. Castillo de Mehun sur Yévre
conocido por el Libro de las Horas. Duque de Orleans, conde de
Valois, transformaciones en sus castillos como Pierrefonds. Relación
entre arquitectura y poder. Jacques Coeur, tras acceder a la nobleza
construyo un palacio en Bourges nexo entre residencia cortesana
medieval y renacentista.

1.2. El Gótico Perpendicular inglés.

En Inglaterra a partir del 1350 uso de las bóvedas de abanico que

permiten el desarrollo de estructuras ligeras sin arbotantes que dio
lugar al perpendicular Style. Marcada linealidad, fórmula gótica
exclusivamente inglesa. Inglaterra expulsada de Normandía se quedó
aislada y la fuerte personalidad que había desarrollado el gótico
inglés en sus primeras fases se acentúa. La expansión de este estilo
se relaciona con el desarrollo económico, subida al trono de los Tudor
tras la guerra de los 100 años 1337-1453 y la guerra de las 2 rosas,
1455-1487, el aislamiento permitió la supervivencia de este gótico
perpendicular cuando en otras áreas se desarrollaba el Renacimiento.
La Catedral de Gloucester. En el brazo sur del crucero, 1331-1337, y
Historia del Arte en la Edad Media
74

en el claustro, lenguaje que pretende cubrir todas las superficies de

decoración, no con motivos curvilíneos caprichosos como él
Decorated Style sino de forma homogénea. Finos nervios verticales se
cortan por otras horizontales formando una trama geométrica que se
repite en los muros y permite la apertura de amplísimos ventanales.
Las bóvedas de abanico se formalizaron a partir de las experiencias
en la realización de bóvedas decorativas en red. A partir de una serie
de fuertes nervios que en su arranque presentan forma de palmera o
abanico. Un taco actúa como capitel sobre el que cargan los nervios,
un conoide (superficie curva cerrada por una parte y que se prolonga
por la opuesta) distribuye las cargas y se cierra con un plemento
sobre el que proliferan las nervaduras creando redes decorativas.
Suelen cubrir un espacio poligonal. Las bóvedas de abanico se
utilizaron inicialmente para pequeños espacios como mausoleos o
claustros, como el claustro de la Catedral de Gloucester. Las primeras
en piedra, excesivamente pesadas, algunas se derrumbaron. Los
arquitectos se dieron cuenta que podían utilizar materiales más
ligeros como madera y yeso que permitió generalizar su uso a
espacios más amplios. Resueltos los problemas, fueron utilizadas
como un elemento de lujo y distinción pasando a cubrir espacios
como capillas funerarias. Ejemplo la bóveda de abanico de la capilla
del King’s College de Cambridge. El último cuarto de siglo XIV el estilo
perpendicular se utiliza en catedrales de Canterbury, Winchester y
York donde se construye nuevas naves centrales más elevadas. La
arquitectura de las grandes catedrales pierde impulso, siglo XV y
principios del XVI más modestas, pequeñas iglesias y capillas
encargadas por los Reyes en las que el gótico final adquiere su
máximo esplendor. Final del gótico coincide con construcciones civiles
en toda Europa, nuevos edificios para alojar a estudiantes y
profesores en torno a un patio central. Capilla de King’s College de
Cambridge patrocinada por el rey Enrique VI en 1441, inicia la serie
de capillas reales. Diseñadas por el maestro Reginald Ely. Es un
espacio homogéneo de nave única sin interrupción en el presbiterio,
cuyas paredes acristaladas presentan una trama geométrica regular
de finos nervios y se cubre con grandes bóvedas de abanico. Misma
estructura en la capilla de Enrique VII en la abadía de Westminster,
1503-1519, aquí la bóveda de abanico aumenta el número de conos y
las puntas de los conos cuelgan en el aire, llamados claves pinjantes;
La capilla de San Jorge en el castillo de Windsor, 1481, y la capilla de
Enrique VIII en Hampton Court, 1530.

1.3. El final del gótico y el reinado de los Reyes Católicos en España.

Historia del Arte en la Edad Media
75

Siglo XIV, Castilla, gran inestabilidad que no permitió grandes

empresas constructivas y paralizó las que estaban en marcha; Aragón
vive un momento de esplendor económico. En Castilla hay que
esperar al siglo 14 y sobre todo al 15. Catedral de Pamplona 1397 o
los coros de Lugo y Palencia que reflejan esquemas preexistentes.
Catedral de Oviedo, 1388, no se termina hasta el siglo XVI y muestra
el gótico flamígero de origen francés patente en las tracerías del
triforio y en las bóvedas estrelladas. Aragón, renovación del gótico
por canteros y constructores relacionados con el norte de Francia,
Normandía y Borgoña que a través de Navarra llegan a Aragón. Entre
ellos Ysambart, Que luego trabajará en la Catedral de Sevilla, y Pedro
Jalopa que levanta la capilla de los corporales de Daroca y la capilla
de San Agustín de la Seo de Zaragoza entre 1417 y 1422. Después se
dispersan difundiendo novedades de arquitectura flamígera por
Castilla en Palencia, Tordesillas, Toledo y Sevilla.

1.3. 1. La primera mitad del siglo XV. Sevilla, Burgos y Toledo.

La reinterpretación del gótico en Castilla con la llegada de artistas

extranjeros desde Alemania, como los Colonia en Burgos, o desde
Flandes, como los Egas en Toledo. Introduce formas flamígeras. La
llegada de estos se debe a un grupo de comitentes, altos eclesiásticos
y aristócratas. Los grandes mecenas utilizaron arquitectos europeos
para renovar el lenguaje arquitectónico. La floreciente economía por
el comercio de la lana favoreció contactos con Flandes y construcción
de numerosos monumentos: Palacios, iglesias, capillas funerarias;
encargadas por Reyes, nobles y alto clero a esta arquitectura
castellana del gótico tardío se le denominó estilo hispano-flamenco
por la importancia de su composición flamígera como con una
tradición islámica de artesanos de formación mudéjar que aportarían
técnicas, motivos y habilidad, creando un lenguaje decorativo propio
y original. El lenguaje hispano de tradiciones islámicas solo aparece
en algunas construcciones, no de forma generalizada. Catedral de
Sevilla construcción decidida por el Cabildo en 1401. Su construcción
se prolongó todo el siglo XV, singular por sus dimensiones y su
estructura, no conocemos con certeza a sus primeros arquitectos:
Pedro García, Ysambart, Carlin, Juan de hoces y Simón, son algunos.
Erigida sobre la antigua mezquita almohade, mantuvo el alminar
árabe, la Giralda, como torre de campanas y el patio como claustro,
patio de los naranjos. Su planta es el rectángulo heredero de la planta
de la mezquita del que sobresale la gran capilla real de Carlos V como
dependencia adosada. 5 naves, su crucero, su ábside y sus capillas
laterales, entre los contrafuertes, no sobresalen de los muros
perimetrales, aspecto de caja como en Toledo. Las naves se cubren
Historia del Arte en la Edad Media
76

con bóvedas de nervadura sencilla salvo en el crucero altamente

decorado. El crucero actual es obra de Gil de Hontañón Tras un
derrumbe, 1511. En la Catedral de Sevilla se realiza una
reinterpretación de la arquitectura, el lenguaje del gótico tardío con
influencias flamencas parece obra de maestros flamencos o
alemanes, pero esto no se puede constatar y sí la presencia de
canteros normandos. A mediados del siglo XV la arquitectura
española sufre una profunda transformación, se dan cita elementos
del gótico flamígero francés y del gótico nórdico se denominó hispano
flamenca, hoy rechazado, en dos focos: Burgos y Toledo. En torno a
1440 dará paso a un segundo momento en la que artistas formados
en estos talleres catedralicios, tanto los hijos y descendientes de los
flamencos como nativos. 1440, Juan de Colonia llega a Burgos
requerido por el obispo Alonso de Cartagena para hacerse cargo de la
conclusión de la Catedral de Burgos. El obispo había viajado por el
norte de Europa con motivo del Concilio de Basilea y había visto las
Torres caladas de sus iglesias y catedrales. Juan de colonia diseñó y
construyó las dos Torres de la Catedral que se superponen a la obra
anterior, imitados después en las catedrales de León, Oviedo,
Toledo... son Torres de base octogonal con un remate de agujas
caladas. Su origen germánico y su formación permitían obtener el
objetivo que buscaba, una arquitectura en la que se plasmará el
gótico flamígero. También realiza la capital de la visitación y la de
Santa Ana e inicia el cimborrio a semejanza de las agujas que ya
había diseñado. Éxito de Juan de Colonia se quedó en Castilla formó
una saga de arquitectos, su hijo Simón y su Nieto Francisco. El rey
Juan II lo requirió para la construcción de la Iglesia de la Cartuja de
Miraflores, que destino a panteón real, las obras comenzaron en 1454,
finalizadas por Simón de Colonia a instancias de la reina Isabel.
También requerido por los condestables de Castilla para su Palacio, la
casa del cordón, que concluiría su hijo Simón. Simón de colonia
terminó obras emprendidas por su padre y le sucedió como arquitecto
más representativo de la escuela burgalesa. Al servicio del Cabildo
catedralicio, la familia Velasco condestables de Castilla, para los que
levantó la capilla de los condestables, pensada como panteón familiar
anexada a la Catedral burgalesa que emulaba a la que en Toledo se
estaba construyendo para don Álvaro de Luna. De planta octogonal,
bóveda estrellada y calada, consigue el concepto espacial grandioso
de la arquitectura germánica y las formas flamígeras se mezclan con
elementos de la tradición islámica, como la plementería calada de la
bóveda de crucería qué tiene su precedente en la arquitectura
andalusí, también interpretado como un elemento de simbología
religiosa vinculada al apoyo que Mencía de Mendoza, esposa del
Historia del Arte en la Edad Media
77

condestable, prestaba a la orden franciscana. Esta capilla anticipa el

concepto del espacio de las construcciones góticas del siglo XVI. En
Valladolid, vinculadas al taller de Burgos, las fachadas llamadas
“como de tapiz” de las iglesias de San Pablo, 1445-1616, y del
Colegio de San Gregorio. En Toledo reactivación arquitectónica a
partir de 1434 cuando Juan de Cerezuela es trasladado del
arzobispado de Sevilla al de Toledo. Pone en marcha las obras de la
Catedral paradas muchos años. Hanekin de Bruselas, Con la familia
Egas: Antón Martínez de Bruselas, su hermano Egas Cueman y los
hijos de este, Antón y Enrique Egas son los arquitectos. Hanequin de
Bruselas llega a Toledo en 1440 se le cita como maestro mayor de las
obras en 1448 posible que trabajara antes como escultor. Fue el
arquitecto de la capilla funeraria de don Álvaro de Luna. Su modelo
fue muy divulgado por ejemplo en la capilla de los Vélez, 1490,
Catedral de Murcia. Realiza la coronación de la torre y la puerta de los
leones, junto a Egas Cueman., Enrique Egas y Juan Guas cómo
escultor; Así como las portadas, capillas y obras suntuarias. Las
bóvedas de los pies de la nave central se cerraron en 1493 bajo la
dirección de Juan Guas y Enrique Egas con el mecenazgo del cardenal
Pedro González de Mendoza.

1.3.2. El reinado de los Reyes Católicos (1451-1504).

Revolución política y económica para Castilla, conquista de Granada,

unificación, descubrimiento y colonización de América; También
revolución artística, empresas constructivas ligadas al poder que
necesita un arte que exprese los nuevos valores, una parte de la alta
aristocracia tiene que construir su propia identidad. Se llamó
isabelino, actualmente gótico de los Reyes Católicos, se caracteriza
por la complicación infinita de las nervaduras de las bóvedas, la
utilización de todo tipo de arcos (carpanel, conopial, escarzano o el
mixtilíneo) y abundante decoración. El gótico se simplifica en
estructura, clarificación en las construcciones y se extiende a toda la
península; Se renueva en este estilo infinidad de iglesias construidas
en románico, el tardo gótico en Castilla coincide con las primeras
renacentistas, superponiéndose y utilizándose de manera aleatoria.
Abandono de las formas tradicionales como expresión del
pensamiento humanista, es imposible entender el Renacimiento
español sin este gótico final. En la Castilla del siglo XVI se calificaba al
tardo gótico como la forma de construir a lo moderno, en la
arquitectura clasicista del Renacimiento italiano se denominada la
antigua o a lo romano. Busca una imagen moderna de la monarquía.
El gótico tardío tiene un lenguaje versátil para responder a las nuevas
necesidades con un sistema ampliamente ensayado y experimentado,
Historia del Arte en la Edad Media
78

no plantea una ruptura brusca con la tradición sino un

perfeccionamiento. Esta forma de arquitectura tiene su origen en la
obra de Juan Guas formado con Hanekin de Bruselas y el resto de la
familia Egas. En la Catedral de Toledo, a partir de 1476 se hace cargo
del convento e iglesia de San Juan de los Reyes; Institución de la
orden franciscana con el patrocinio de la reina Isabel I con la intención
de convertirlo en mausoleo real para conmemorar la victoria en la
batalla de toro, 1476, y el nacimiento del príncipe Juan, 1478. Juan
Guas plantea una iglesia reducida con única nave, gran cabecera
poligonal, simplificación estructural y espacial que permite unificación
espacial; exuberante decoración propia del gótico flamígero obra del
escultor Egas Cueman, cómo fórmula de exaltación de la Unión de las
coronas. Es una arquitectura institucional, de exaltación del poder con
rápida recepción y popularización en obras de todo tipo, La idea de
construir un mausoleo estaba muy arraigada en la dinastía
Trastámara. Juan II con su capilla funeraria en la Cartuja de Miraflores,
Burgos, y más tarde los Reyes Católicos en la capilla real de Granada,
1505, Juan Guas realiza para la familia Mendoza, a partir de 1475, la
renovación del Castillo del Real de Manzanares, metamorfosis de los
castillos medievales a suntuosas mansiones señoriales, imagen de
poder más que de necesidad defensiva. Se funden las formas
flamígeras y mudéjares y en muchos de sus elementos como la
galería superior y la decoración mural se encuentra el precedente de
lo que luego será El Palacio del infantado, 1480-1483, en Guadalajara.
Las novedades de este Palacio son numerosas. Se abandona la idea
de castillo como residencia señorial erigiéndose como Palacio
plenamente ciudadano, incluso carece de Torres en las esquinas.
Misma idea de Juan Colonia en la casa del cordón de Burgos. En
segundo lugar su planta cuadrada, con patio central cuadrado de
idénticas dimensiones a la planta de la plaza delantera que le
precedía nos habla de una preocupación por la simetría, la proporción
y la accesibilidad propia del Renacimiento. En tercer lugar, su fachada
con un paramento con cabezas de clavos, riquísima galería sobre
cornisa de mocárabes y una puerta inspirada en los modelos
toledanos mudéjares con un gran escudo nobiliario, fusión de las
formas del gótico mudéjar toledano con la flamígera. En su interior
arquerías conopiales del patio con riquísima ornamentación.
Hospitales y centros de beneficencia fueron remodelados o se crearon
nuevos con mayor empeño monumental. Los hospitales dejan de ser
siempre instituciones adjuntas a comunidades religiosas para
constituirse en complejos independientes con lenguaje tardo gótico,
va siguiendo planta y modelos traídos de Italia renacentista. Antón y
Enrique Egas trabajan en el hospital de la Santa Cruz de Toledo y en
Historia del Arte en la Edad Media
79

los de Granada y Santiago y realizan los proyectos de capilla real y de

la Catedral de Granada. Se construyen en el siglo XVI las últimas
catedrales góticas: en 1512 la de Salamanca y en 1525 la de Segovia,
obras de Juan y Rodrigo Gil de Hontañón que combina estructuras
góticas con elementos renacentistas. Conclusión. Tardo gótico rico
convive y abre la puerta al Renacimiento soluciones arquitectónicas y
tipologías y actitudes artísticas. Arquitectos con estrecho vínculo con
sus mecenas, arquitectura como una imagen distintiva de poder. Las
iglesias simplifican su planta, nave única y cabecera poligonal, que
permite su amplísima difusión. Los encargos de la alta nobleza,
fundamentalmente los Mendoza, renovar la imagen de la arquitectura
fortificada y transforma la residencia señorial en un Palacio
ciudadano.

1.4. El último gótico en Centroeuropa.

El gótico de raíz alemana con riquísima variedad de al menos 11

países de la actual Europa. Desde mediados del siglo XIV ruptura con
el pasado. Novedades formales y prestigio de los arquitectos. Se
desarrolla en Austria, Baviera, Sajonia y Bohemia entre 1350 y 1550
conocido como Sondergotik. El gótico tardío marcado por la planta de
salón y el decorativismo. Tendencia a un espacio diáfano y
homogéneo solución de la Iglesia de planta de salón con 3 naves de
igual altura, cubiertas por bóvedas nervadas de gran desarrollo,
consiguiendo una unificación espacial gótica. Ruptura con la
estructura basilical. Catedral de Praga, iniciada en 1344 por el francés
Mateo de Arras, sustituido por Peter Parler, 1356, los Parles: Peter el
padre, Wenzel, y Johann, los hijos, dinastía de arquitectos. Construyen
la Catedral de nuestra señora de schwäbisch Gmünd (Baden
Wüttenberg), Hallenkirche En 1320, iglesia de Santa Bárbara En la
República Checa de Johann Parler.

1.5. El gótico manuelino en Portugal

Gusto decorativo propio del gótico flamígero, estructuras

arquitectónicas simplificadas para repetirse con facilidad y mezcla
con elementos renacentistas. Reinado de Manuel I, 1495-1521.
Exuberancia de motivos decorativos, mantenimiento de las
estructuras y espacios góticos. Motivos vegetales, vocación marinera
de Portugal y fuerte expansión de su imperio determinan los motivos
más utilizados: formas marinas, aparejos marineros: conchas, corales,
olas, anclas, instrumentos náuticos y nudos que recorren arcos,
florones de las bóvedas, pináculos y lóbulos. Monasterio de Batalha,
finales del siglo XIV en conmemoración de la batalla de Aljubarrota.
Monasterio de los jerónimos de Belem, torre de Belem, arquitecto
Historia del Arte en la Edad Media
80

Francisco de Arruda, ejecución a partir de 1521 a cargo de Diogo

Boitaca, Con magnífica planta de salón.

1.6. La arquitectura civil en la ciudad del final de la Edad Media

Florecimiento de la vida urbana, nuevas clases profesionales y de

corporaciones organizadas de oficios, desmantelamiento lento de las
estructuras feudales y secularización de la cultura. Intervención de
nuevos grupos sociales en el arte y la arquitectura y disminución de la
influencia artística del clero, que sigue siendo decisiva, monarquía
afianzada, nobleza principesca, incipiente burguesía y grupos urbanos
pujantes. Esta sociedad civil papel importante en la definición de las
construcciones, municipio influencia en la composición de los
inmuebles religiosos y obras municipales. Las instituciones públicas
se dotan de valiosos edificios y la arquitectura como medio de la
posición que se ocupa en la sociedad, forma de propaganda y
elementos de poder. Las nuevas oligarquías renuevan la imagen de la
ciudad bajomedieval. La Catedral ya no será de forma exclusiva el
símbolo de la ciudad. Palacios aristocráticos, lonjas, ayuntamientos,
hospitales… son imágenes renovadas de los nuevos poderes. En
Inglaterra edificaciones universitarias de Oxford y de Cambridge,
sobre todo la capilla del King’s College. En España hospitales de
Toledo, Granada y Santiago. En Portugal la torre de Belem. Donde las
ciudades tienen mayor peso que las monarquías es donde la
arquitectura civil adquiere su máxima expresión. En los Países Bajos,
expresión de un orgullo ciudadano, desarrollo y riqueza. Desde el
siglo XIII economía burguesa basada en la producción de lana y
paños, tempranas formas de industrialización y capitalismo que
permitió enriquecimiento. Necesidad de autorrepresentación, alto
sentido político de autoafirmación y autogobierno es una de las
razones de que en los Países Bajos el tardo gótico muestre una
particular grandiosidad: ayuntamiento, lonjas, hospitales y otros. 3
tipos de construcciones: las murallas, los hallen (lonjas) y los
ayuntamientos. Los hallen junto a los ayuntamientos con 2 o 3
plantas alargadas de naves únicas en cuyos paramentos se abrían
alargados ventanales; la inferior con pórticos. La decoración es
profusa en sus fachadas cuya orientación horizontalidad y volumen
contrasta con la verticalidad de sus Torres campanario que surgen del
centro de la fachada, planta cuadrangular que en los últimos se hace
octogonal; habitualmente culmina en agujas caladas, Las Torres son
visibles a largas distancias. Ejemplo la lonja de paños de brujas, el
Ayuntamiento de Bruselas o el de Lovaina. En la corona de Aragón las
lonjas adquieren estructura propia cómo lonja de Palma de Mallorca,
de Guillermo de Sagrera, 1426, o la lonja de Valencia, 1482. Italia con
Historia del Arte en la Edad Media
81

importante arquitectura civil ligada a poderosas y ricas ciudades

estado que necesita una sede permanente de gobierno. El Palacio
público de Siena, el Palazzo Vecchio de Florencia, el Palacio del prior
de Perugia, el Palacio del pueblo en Orvieto, el Palacio de Pistoia y los
de San Gimigniano, Volterra o Gubbio. Todos revestidas de piedra y
con una torre con aspecto severo. Inciden directamente sobre la
propia ciudad, El Palacio de gobierno se convierte junto con las
catedrales en uno de los polos significativos y se rodea de una
extensa plaza transformando las estructuras medievales. Ejemplo
Piazza del campo de Siena. Gran originalidad en Venecia donde el
gótico flamígero se mezcla con elementos orientales y bizantinos. Los
Palacios venecianos de patricios, mercaderes y navegantes se abren
al exterior con pórticos y logias. Ejemplo la Ca D’Oro con doble piso
de galerías, o el Palacio ducal en la plaza de San Marcos.

2. La escultura del Gótico tardío.

Siglo XV, realismo y expresividad, completa madure, individualización

de las figuras. Consecuencia cambio de mentalidad propiciado por el
nominalismo del siglo XIV que deriva en un movimiento espiritual,
devotio moderna, práctica religiosa como opción personal.
Importancia del individuo en el arte con adaptación de los encargos a
la voluntad de los mecenas. No solo nobles o eclesiásticos,
commitenti burgueses para legitimar su prestigio financiando obras
de arte. Gremios encargan obras y adquieren capillas en iglesias y
catedrales para dedicarlas a su patrón. Instituciones municipales.

2.1. La escultura centroeuropea del siglo XV.

Más esplendor en el imperio que en Francia, dónde continúa un estilo

amable de carácter cortesano. En el imperio se renuncia a las formas
idealizadas para profundizar en al realismo. La escultura monumental
de Sluter reemplazada por la talla en madera policromada ya sea
figuras exentas o retablos que combinan pintura y escultura. Hans
Multscher, Punto de inflexión hacia el estilo nórdico tardogótico.
Influencia flamenca con el cruzado realismo, extrema fealdad. Pintor,
escultor y fundador de la escuela de Ulm. Relieve de la Santísima
Trinidad, 1440, Cristo moribundo sostenido por un Ángel implorante y
un imponente Dios Padre. En alabastro policromado con 3 figuras en
distintas actitudes, transformando el atemporal tema de la Trinidad
en una escena instantánea. En el Tirol, Michel Pacher, escultor y
pintor. En pintura estilo renacentista, en escultura espíritu más
nórdico. Retablos en madera policromada, el retablo de San Wolfgang,
1481, mixta de escultura y pintura. Tilman Riemenschneider,
último tercio del siglo XV e inicio del siguiente. Retablos como el de la
Historia del Arte en la Edad Media
82

santísima sangre de Cristo De la Iglesia de Santiago de Rothenburg,

Virtuoso en piedra y mármol. Sepulcro de Enrique II y Conegunda,
Fundadores de la Catedral de Bamberg el siglo XI, todo cincelado en
mármol entre 1499 y 1513. Se sitúa en la nave central cómo la losa el
matrimonio a tamaño natural con sus insignias reales, en los laterales
vida y muerte de ambos.

2.2. La escultura tardo gótica en los reinos hispanos (siglo XV).

Castilla y Aragón desarrollo escultórico sin precedente con retablos y

sepulcros, prosperidad y demanda artística atrajo a escultores del
norte creando un original estilo fusionando las tendencias hispánicas
con el realismo nórdico. Primera mitad del siglo Navarra y Aragón los
principales ejes de escultura, especialmente en Cataluña. Segunda
mitad hacia Castilla. Sepulcro de Carlos tercero de Navarra y Leonor
de Castilla por el taller de Lome de Tournai, 1413 1419, se inspiró
en las tumbas de Carlos V de Francia y Felipe el atrevido de Sluter. La
blandura del alabastro de Aragón permitió retrato realista,
virtuosismo en los detalles. El rey viste conforme el ceremonial de la
corte francesa, la reina indumentaria de moda. La base de sepulcro
28 orantes en actitud de duelo cobijados por doseles. En Cataluña
artistas locales. Sepulcro en alabastro del obispo Escales Cómo
realizado por Antoni Canet en la Catedral de Barcelona. Pere Joan,
relieve de San Jorge de 1418 para el Palacio de la Generalitat de
Barcelona y el retablo de Santa tecla la Catedral de Tarragona, 1429.
En Castilla segunda mitad del siglo XV especialmente en Toledo y
Burgos. En Toledo Hanequin de Bruselas Ponen cortantes
novedades. En su taller destacó su hermano Egas Cueman,
Arquitecto y escultor, trabajó en las obras de la Catedral y esculturas
exentas, sepulcro de Alfonso de Velasco e Isabel de Cuadros en el
monasterio de Guadalupe, 1467, puso a los difuntos en posición
orante, imitado posteriormente, cierta profundidad en el espacio del
arcosolio. En Toledo, 1488, condestable de Castilla, una capilla de
Santiago de la Catedral de Toledo cuyo son dos sepulturas
independientes con los difuntos tendidos en la tapa y cuatro figuras
de familiares orantes a tamaño real arrodillados en los ángulos.
Rodrigo alemán, tallista en madera, sillería del coro de la Catedral
de Toledo dónde se le encarga una crónica visual de la guerra de
Granada. Estilo casi renacentista generando planes de profundidad si
bien los arcos rebajados y la ornamentación que enmarca las escenas
son de gusto gótico. En Burgos Gil de Siloé, probable origen
flamenco, reunió elementos flamígeros del gótico nórdico con el arte
mudéjar local, gótico isabelino. A partir de 1486 recibe
reconocimiento y dirige un taller. Colaboró en numerosas fábricas de
Historia del Arte en la Edad Media
83

los arquitectos Juan y Simón de Colonia. Parte significativa de su obra

en la Cartuja de Miraflores (Burgos) con varios sepulcros
monumentales en alabastro, 1489 por encargo de Isabel la Católica el
sepulcro de Juan segundo e Isabel de Portugal, padre de la reina con
carácter recargado, minucioso y decorativista y virtuosismo técnico.
Los yacentes sobre un original basamento con forma de estrella de 8
puntas se rodean de figuras alegóricas. En un lateral de la misma
iglesia, cobijado por un arcosolio, el sepulcro del Infante don Alfonso,
hermano de la reina cómo difunto orante. Verosimilitud del retrato,
aunque se cree que fue idealizado por voluntad de la reina,
virtuosismo en la vestimenta y calado de los elementos vegetales. Gil
de Siloé, retablos de gran envergadura en madera policromada en el
altar mayor de la propia Cartuja de Miraflores, en la Catedral de
Burgos, en la capilla de la concepción. Padre del famoso arquitecto
renacentista Diego de Siloé. Doncel de Sigüenza, difunto leyendo
como en actitud humanística, obra anónima, se atribuyó a Sebastián
de Almonacid; El personaje es Martín Vázquez de Arce,1486. En la
capilla lateral de la Catedral de Sigüenza, sepulcro sobre 3 leones
bajo un arcosolio. Sorprendente encontrar una figura viva y no
dormida como recostado y leyendo con una pierna cruzada sobre la
otra. Incorporación de un libro en manos de un laico. Auge de la
literatura profana, el personaje porta armadura y la Cruz de Santiago
en el pecho en rojo sobre alabastro blanco. A sus pies un joven paje
apenado y un animal.

3. La pintura gótica de la primera mitad del siglo XV: la

consolidación del “estilo internacional” o cortesano.

Primera mitad del siglo XV se consolida el estilo internacional o

cortesano iniciado a mediados del siglo XIV. Pintura de las Cortes
europeas carácter unitario. En 1400 los artistas viajan por todo el
continente atendiendo a encargos desarrollando una estética común
suprimiendo la noción de arte extranjero. La pintura sintetiza
elementos del estilo italiano de Siena y de la corte de Borgoña,
incorpora pintura flamenca del siglo XV. El estilo internacional usó
colores brillantes, un dibujo curvilíneo y un carácter decorativo,
reflejando la afición al lujo de Reyes y nobles. Se usan todavía fondos
o elementos dorados, gran importancia de los detalles. La línea deja
de tener tanta relevancia para dar paso al color con variedad de
tonalidades. Estilización un poco artificiosa en la figura humana y sus
ropajes y elementos del paisaje. Miniaturas, tablas pintadas y frescos
gran parecido entre sí. Inclinación hacia lo exquisito, bordados,
tapices, esmaltes y vidrieras. La aristocracia busca deleitarse y
evadirse de la realidad social.
Historia del Arte en la Edad Media
84

3.1. El estilo internacional en Francia.

El arte del libro y la miniatura sigue en un lugar de honor, se

consolida el libro de horas. Estas obras originalmente para la oración
privada daban cada vez más importancia al disfrute visual con más
espacio, incluso libros compuestos únicamente por miniaturas. En las
miniaturas borgoñonas el oro desaparece de los fondos que recobran
colores naturales, aunque los árboles y las figuras aparecen
salpicados de puntos y las líneas metálicas, de oro y plata.
Hermanos Limbourg, Herman, Paul y Johan Que trabajaron para
el duque Juan I de Berry de 1404 a 1416. Dos de los hermanos se
formaron como orfebres en París como primer encargo libro de horas
para Juan , conocido como bellas horas de Juan de Francia concluido
en 1409, ilustraciones refinadas como en la escena de la Anunciación
en un marco arquitectónico y flanqueada por una orla llena de
motivos vegetales y carácter tapizante. El duque también les
encargó: las muy ricas horas del duque de Berry, para algunos el
último gran manuscrito iluminado medieval y el más valioso por
cantidad, variedad y riqueza de ilustraciones. 29 x 21 cm, 66
miniaturas grandes y 65 pequeñas en 206 folios. Se emplea
profusamente el azul lapislázuli; Influencia del arte italiano y
permanencias del arte clásico. Incluye pasajes bíblicos y un
calendario con las labores de cada mes y escenas de ambientación
cortesana, retrata los ropajes y sofisticación de la corte ducal. Reúnen
tipos humanos de la época tanto campesinos como aristócratas,
arquitecturas góticas y paisajes con azuladas lejanías envueltas en
una neblina. Quedó inacabado al morir los hermanos y el duque.
Terminado por otros. Maestro de Boucicaut, quizás Jacques
Coene. Libro de horas mariscal Boucicaut, 1410-1415, 16 x 11,
caligrafía gótica, 226 folios en pergamino con 17 miniaturas mayores,
bordes decorados en color y oro. Detalles como la escena de la
adoración del niño. Prima el azul a partir de polvo de lapislázuli.
Crucifixión composición espacial que evidencia el conocimiento del
Trecento italiano. Jacquemard de Hedin, Grandes horas y las
pequeñas horas para el duque de Berry. Maestro de bedford, libro
de caza de Gastón Phébus, conjuga influencias nórdicas y pintura
italiana.

3.2. El estilo internacional en el imperio germánico.

1400 norte europeo importante foco artístico además de flamencos

en torno a la ciudad de Hamburgo y después Westfalia. Conrad Von
Soest. Retablo de la vida y pasión de Jesús, pintura sobre tabla
ejecutada hacia 1400-1405. Abandona el realismo para presentar la
Historia del Arte en la Edad Media
85

vida de Jesús bajo un aspecto amable donde prima el colorido

brillante y las actitudes delicadas. Como la escena de la natividad con
aspecto costumbrista al mostrarse a San José avivando una hoguera
invernal a los pies del lecho de la Virgen. Influencia en la pintura
alemana del siglo XV. Tema popular fue el hortus conclusus, ejemplo
el jardín del paraíso, 1410, autor anónimo conocido como maestro
del jardín de paraíso, aparece la Virgen acompañada de otros
Santos en un Florido jardín cercado por un muro. El jardín cerrado
significa la virginidad de la Virgen, el paraíso, un espacio fértil, está
cerrado. Gusto por el detalle y los colores brillantes. Maestro Beltram,
maestro de Francke y Stefan Lochner Autor del juicio final en 1435.

3.3. El estilo internacional en el Reino de Aragón.

Escaso en Castilla, gran desarrollo en Aragón especialmente en

Cataluña y Valencia. Zona burguesa. Violante de Bar, esposa de Juan
I, coleccionista de libros. Barcelona, Lluís Borrassà, formado en el
taller de los hermanos Serra, introductor de las pautas del gótico
internacional, influencia italiana, incluye detalles anecdóticos y
actitudes sentimentales. La tabla de San Andrés negándose a dorar el
ídolo, entre 1401 y 1405. Elementos dorados empezando por el ídolo
en el centro, en torno a él se distribuyen los personajes a ambos
lados. Esta escena apócrifa de la vida de San Andrés obligado a
adorar a un ídolo por el procónsul Agen incluye rasgos característicos
del artista cómo los tipos humanos de gestos expresivos, los
pavimentos y elementos arquitectónicos que generan amplios
espacios y rico colorido. Segundo cuarto de siglo XV, Bernard
Martorell Contacto con modelos franceses y flamencos. Gran
número de retablos cómo la transfiguración en la Catedral de
Barcelona. Tabla San Jorge matando al dragón 1435 con perspectiva
que repite en varias de sus tablas con un punto de vista bajo y
diagonal qué monumentaliza las figuras cómo en las bodas de Caná lo
que le permite incluir gran número de elementos episódicos, 3 planos
de profundidad desde la lucha frente a la gruta del dragón, la
princesa arrodillada en actitud beatífica y al fondo la ciudad
amurallada donde se asoman los Reyes. Expresión nostálgica de sus
rostros En Valencia arte cortesano congregando a artistas locales y
extranjeros. Viva gama de colores emparenta con la pintura catalana
pero mayor influencia flamenca por su realismo, detallismo y
ausencia de idealización. Gonçal Peris Sarriá, Pere Nicolau y Lluís
Dalmau. Este último el más renovador viajó a Flandes por encargo
real, Verge dels consellers de 1445 para el Consejo de ciento de
Barcelona retrato realista capta las distintas texturas y calidades
coma los detalles de la arquitectura y el azulado paisaje lejano,
Historia del Arte en la Edad Media
86

influencia de Jan van Eyck. Se conservan dos obras firmadas: la

mencionada y el retablo de San Baudelio.

Capítulo 7. La pintura flamenca del siglo XV.

1. Presentación.

Primitivos flamencos, artistas de pinturas sobre tabla en Flandes y

Países Bajos en el siglo XV. Rasgos propios del gótico y otros Del
Renacimiento influencia equiparable al arte italiano. Perfección:
pintura al óleo su primer florecimiento, virtuosismo técnico y
complejidad compositiva y simbólica. El Mundo neerlandés carece de
tradición pictórica, solo iluminación de manuscritos que explican el
detallismo. Surge en una sociedad moderna contemporánea del
primer Renacimiento italiano. Renacimiento nórdico.

2. La sociedad que vio nacer la pintura flamenca:

contextualización.

Escuela primitiva flamenca, sede del condado de Flandes, para

algunos mejor hablar de primitivos neerlandeses. Destacan Brujas y
Tournai de ese condado. Eran artistas francos, flamencos,
neerlandeses y germanos. Pintura al óleo sobre tabla, Benelux y el
Historia del Arte en la Edad Media
87

nordeste de Francia propiciada por la unificación bajo el ducado de

Borgoña desde 1433 cuando Felipe III el bueno ocupa territorio de los
Países Bajos y actual Bélgica. Desarrollo urbano extraordinario,
prosperidad. Comunicación fluvial, Brujas y Gante. Auge de oficios
artesanales, especialmente el arte pictórico. Clientela entre la
burguesía, banqueros y mercaderes. Desarrollo del retrato y vistas de
ciudades. Puertos fluviales, ciudades capaces de satisfacer la
demanda. Brujas centro artístico más señalado atrajeron numerosos
artistas y artesanos. Jan Van Eyck modelo a seguir. Tournai con el
taller del maestro de Flémalle y figuras como Rogier van der Weyden.
Otros: Bruselas o Amberes.

3. Cambios en la Producción artística del siglo XV y

principales rasgos de la pintura flamenca.

Cambios sociales y económicos implica al artista y organización de su

oficio. Demanda de la clientela desarrollo de producción industrial.
Tablas de muy variados precios y calidades en ocasiones se
almacenan para ser vendidas en tiendas, ferias y mercados. Talleres,
empresas comerciales. Obras casi en serie, vírgenes con el niño. Por
encargo, más calidad. Gremios definidos y regulados, artesanos se
agrupaban para proteger su medio de vida. Necesario pagar una
cuota elevada, más baja para los hijos de artista, más cara para
quienes vienen de fuera. Explica sagas de pintores y ausencia de
artistas meridionales. Ascenso social del pintor, autorretratos como
de Rogier Van der Weyden en su San Lucas dibujando a la Virgen.

a) Técnica de pintura al óleo. Apenas usada por su lento secado.

Incorporación de sustancias secantes (aceite de linaza y resinas
naturales), erróneamente atribuido a Jan van Eyck. Efecto apagado de
la pintura al temple, el óleon intensidad lumínica, aplicación de capas
sutiles para veladuras translúcidas y transparencias, mayor variedad
de tonos y acabado brillante.

b) Detallismo. Minuciosidad. textura y elemento de la naturaleza,

lleva a finísimos pinceles, exactitud, superficies tan dispares como la
piel humana (poros, venas, arrugas y barbas de 3 días), objetos de
metal, madera o cerámica, flores, brumoso paisaje. Llegaron a
servirse de lupas e instrumentos ópticos para visión más nítida.

c) Realismo y naturalismo. No se limita la materia, sentimientos

humanos. Análisis psicológico, inteligencia de la mirada. Frente a
idealización del arte italiano, penetra en el alma humana sin
interacciones que impone la belleza: las figuras pierden en armonía y
Historia del Arte en la Edad Media
88

elegancia para ganar en emotividad. En ocasiones poco amable,

feístas y caricaturescos.

d) Respeto por la naturaleza, gusto por el paisaje. Dependiente de la

naturaleza en toda su verdad. Paisaje muy presente como telón de
fondo en exterior e interior. Perfección técnica en efectos de luz y
atmósfera presencia simultánea de lejanos y cercanos.

e) Simbolismo. Espiritualidad religioso impidió que se abandonara la

veneración del mundo tangible. Realismo amparado en un profundo
carácter simbólico cargando a los objetos el cuadro de significado
alegórico. Las tablas flamencas llenas de alusiones simbólicas y
metáforas, presencia de relieves arquitectónicos con mensajes
bíblicos.

f) Nuevos géneros pictóricos. Desarrollo comercial, vida burguesa.

Retrato, mundo más secular. Inicialmente los donantes de rodillas
junto a los Santos, pronto de manera independiente. Bodegón, gusto
por las escenas de Interior y plasmar los privilegios de las élites con
ricos jarrones, sedas orientales, frutas y flores perfectas,
comodidades.

g) Obras de pequeño formato. Transportables para ser contempladas

en la intimidad del hogar, también grandes polípticos destinados al
altar.

destaca Jan van Eyck. Renovador trasciende de su época. Otros:

maestro de Flémalle, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hugo van der Goes,
Hans Menling y Gerard David. Hieronymus Bosch crea estilo propio
punto

4. Los fundadores de la escuela: el maestro de Flémalle, Jan

van Eyck y Rogier van der Weyden.

El maestro de Flémalle. Robert campin (1375-1444). Encabeza

la escuela de Tournai donde se formaría Rogier van der Weyden.
Fundador principal del estilo flamenco. Mayoría de las tablas sin
firmar. Algunas, parecen obras de taller, casi imposible distinguir
diferentes manos. Otras obras se le atribuyen. Contornos bien
perfilados, rostros individualizados, captar cualidades de las cosas,
pintura táctil, dominio del óleo. Componente naturalista que combina
con estilo decorativo. Gran número de objetos y detalles.
Generalmente dotados de simbolismo. Los desposorios de la Virgen
(1420) Museo del Prado, dos escenas Unidas en composición
cristalina. Interior de un templo y su portada gótica, frente al cual
casamiento de la Virgen. En el interior milagro de la vara Florida, José
Historia del Arte en la Edad Media
89

es designado para esposar a la Madre de Dios. Simboliza el fin de la

antigua alianza y el inicio de la nueva: mesías que nacerá de la Virgen
que se simboliza en el gótico de la fachada. El templete románico del
interior se refiere al Antiguo Testamento y el muro inacabado que la
nueva arquitectura destinada a suplantar la antigua. Tríptico de la
Anunciación o tríptico Merode (1425) tabla central: La Virgen y El
Arcángel Gabriel. Contorno duros y lineales, interpretación de la
escena sagrada, un hecho cotidiano en el interior de una típica casa
burguesa con objetos domésticos. Textura de los cabellos, decoración
del jarrón, innumerables pliegues, torpe perspectiva, la antinatural
inclinación de la mesa. Muchos elementos de la estancia con carga
simbólica. El rollo y el libro frente a María simbolizan el antiguo y el
Nuevo Testamento. Las azucenas en el jarrón como referencia a la
virginidad de María. tablas laterales; la izquierda los donantes de la
obra arrodillados contemplan la escena sagrada frente a la puerta
donde se produce el anuncio divino. Clientes en contexto urbano
contemporáneo que continúan la tabla derecha ciudad flamenca.
Tabla derecha San José en su taller, retrata oficios de la época,
muestrario de herramientas, construye una ratonera en alusión al
prendimiento de Cristo. Género del retrato. Encumbrar al individuo.
Retrato de hombre robusto (1425) detalles minuciosos, pincel al
servicio de la verdad, incluso desatender la belleza. Marcar las
arrugas, papada, ojeras y barba incipiente. Voluntad de retratar lo que
aparece tal y como es. El retrato de la dama. Concienzudo estudio del
rostro, Rica gradación de blancos, virtuosismo, refleja moda de la
época, brillo de la mirada. San Juan Bautista y el maestro franciscano
Enrique de Werl. Museo del Prado. Pertenecía a un tríptico. Inscripción
de 1438 que identifica el donante como un fraile que pidió ser
retratado junto a San Juan Bautista. Influencia de su discípulo van der
Weyden, impronta de Jan van Eyck en el espejo convexo del fondo
que permite ver a otros dos franciscanos. Jan van Eyck (1390-1441)
en 1425 trabaja para Felipe el bueno como pintor de Cámara y
hombre de confianza, embajadas diplomáticas de carácter
confidencial. Al servicio de La Caixa de Borgoña hasta 1432 con
libertad artística y alto alto estatus. Capta la naturaleza con
asombroso verismo y minuciosidad, capacidad observadora y
conocimiento empírico. Carga psicológica de sus retratos capaces de
turbar al espectador con mirada llena de vida aunque distante y
carente de sentimiento. Fundamentalmente retratos y escenas sacras
generalmente marianas en atmósfera religiosa. Se le atribuía ser el
precursor de la escuela flamenca e inventor de la técnica de óleo hoy
se relativiza. Políptico del cordero místico (1432) firmada junto a su
hermano Hubert, gran tamaño iniciadas por Hubert van Eyck y
Historia del Arte en la Edad Media
90

terminada por Jan tras su muerte en 1426. Primera manifestación de

estilo flamenco con plena madurez pictórica y gran complejidad
compositiva, 12 tablas, 8 pintadas también en el reverso para ser
contempladas con el políptico cerrado. En la tabla central apocalíptico
de la adoración del cordero místico, Cristo sacrificado y triunfante,
adornado por los bienaventurados al final de los tiempos. Espacio de
enorme amplitud cuyo eje central por 3 elementos de fuerte carga
simbólica: el sol, el cordero y la fuente de la vida. A la izquierda y
derecha por otras cuatro tablas que representan a los caballeros, los
jueces, los ermitaños y los peregrinos de Cristo. Parte superior
presididas por Dios en majestad junto a San Juan Bautista y la Virgen,
a su izquierda y derecha. En los extremos laterales Adán y Eva,
Ángeles cantores que celebran el triunfo de Cristo. Primor de los
cabellos y la indumentaria de estos Ángeles con sedas y pedrerías.
Profundo análisis de la materia. Hombre con turbante rojo (1433) se
especuló que era su suegro o autorretrato. Impacto gracias al
llamativo turbante encarnado que contrasta con la piel blanca y el
fondo oscuro. El marco es original con inscripción del lema en
flamenco en varias de sus obras “cómo puedo”. El matrimonio
Arnolfini (1434) encierra mensajes y símbolos. Perteneció a la Casa
Real española hasta ser robada en 1813. Miembro de una rica familia
en Brujas, los Arnolfini, marido y esposa en el interior de una alcoba;
especialistas ven aquí la representación del sacramento del
matrimonio que en el siglo XV podía celebrarse en la intimidad del
hogar y sin sacerdote. Gesto del esposo alzando la mano derecha y
tomando a la mujer con la izquierda, juramento, también se ha
interpretado como bendición o saludo a los visitantes reflejados en el
espejo. Según Panofsky el cuadro cumple la función de certificado
matrimonial lo cual explica la firma en el fondo del muro” Jan van
Eyck estaba aquí”. Simbolismo característico de la pintura flamenca,
ningún elemento pintado carece de significado. Ricos objetos por el
poder adquisitivo, la lámpara sería el cirio que se encendía en el
dormitorio nupcial y en la silla del fondo tallada Santa Margarita
patrona del parto. Zuecos en el suelo subrayan la sacralidad de la
escena, las frutas en la ventana aluden a la fertilidad, el perrito a la
fidelidad de la esposa y la mano de esta en el vientre voluntad de
descendencia, con el color verde esperanza de su traje. El espejo
convexo del fondo añade gran complejidad espacial, influyente en
artistas contemporáneos y posteriores como las Meninas. Por el
espejo vemos la parte ausente de la habitación y dos personajes
como testigos. Interpretación del cuadro como autorretrato de van
Eyck con su esposa; quienes veían un hombre pronosticando la
maternidad futura, Homenaje de Giovanni Nicolau a su esposa
Historia del Arte en la Edad Media
91

muerta, Constanza Trenta. La Virgen del canciller Rolín (1435),

nombrado canciller de Borgoña por Felipe el bueno. Desacralización
que se operó en la pintura flamenca coexistiendo los Santos y los
vivos. Algunos mecenas se hicieron retratar en la figura de un
apóstol. Misma arrogancia en el canciller que mira con descaro y de
frente a la Santa dama sin barrera espacial ni diferencia de tamaño.
Ejemplo de talento para representar el paisaje y las lejanías en la
ventana central con la silueta de una ciudad y dos personajes se
asoman a un río, según algunos el pintor y su hermano. Minuciosidad
narración del ciclo del génesis en los relieves de los capiteles del
fondo. Elementos en todo detalle, el lejano paisaje que se pierde en la
bruma azulada, carácter total de la pintura de este gran maestro, un
microcosmos y un macrocosmos al mismo tiempo. Rogier van der
Weyden (1399-1464) el más destacado después de Jan van Eyck.
Entra en el taller del maestro de Flémalle durante 5 años hasta lograr
la maestría en 1434. Me diados de siglo viaje a Italia. Casi la totalidad
de la obra sin firmar se ha podido identificar por la definición precisa
de sus rasgos estilísticos. Aglutina características de la pintura
flamenca: dominio del óleo, fuerte realismo, detallismo y cualidades
táctiles en los objetos y talento retratístico. Expresión de un
sentimiento trágico, veraz y conmovedor. Van der Weyden carga sus
personajes que los anteriores habían ignorado: la expresión de
sentimientos, especialmente, sufrimiento humano fuerte patetismo
en sus composiciones religiosas, Pintor de éxito, marcó la pintura de
los Países Bajos, Francia, Alemania y España. El descendimiento del
Museo del Prado (1435) Con sentimiento trágico elocuente. juegos
compositivo que le permite alojar en un espacio reducido y con
naturalidad a 10 figuras de gran tamaño. Enmarcada por los
paréntesis curvos que forman las figuras de San Juan y María
Magdalena a los lados punto el eje central Cristo y la Virgen cuyos
cuerpos trazan dos líneas diagonales paralelas. La simetría de estas
dos figuras, su similar postura y palidez transmite el concepto de
Compassio Mariae: el padecimiento de Cristo en su cuerpo lo vivió la
Virgen en su alma. Manos cercanas de madre e hijo insiste en ese
dolor compartido, transformación de la pasión en compasión invitan
al espectador a interiorizar el sufrimiento de Jesús. San Lucas
dibujando a la Virgen, mientras amamanta al niño. La leyenda dorada
de Jacobo de vorágine (siglo XIII) es el origen de este tema,
ensalzando el oficio de pintor. Sigue la composición de la Virgen del
canciller Rolín de van Eyck. La presencia de un evangelista no resulta
heterodoxa. Especialistas han visto en la figura de San Juan un
autorretrato del propio Weyden, desacralización y orgullo de pintor.
Retrato de mujer, En Washington único firmado, gran contenido
Historia del Arte en la Edad Media
92

emocional en el ademán reservado y humilde de la dama. Rostro de

particular delicadeza y discreción como idealización impuesta por el
cliente. Matización de los distintos tonos de la piel, tocado
transparente de la dama, ejemplo de veladuras qué empleo del óleo
puso al alcance del pincel de estos flamencos. Conquista del realismo
psicológico.

5. La consolidación del estilo: Petrus Christus, Dirk Bouts y

Hugo van der Goes.

Producción pictórica de los Países Bajos en aumento por la creciente

demanda. Enorme número de artistas que trabajó la pintura al óleo
sobre tabla. Petrus Christus (1410-1476). El más importante en
Brujas tras la muerte de Jan van Eyck. Posible formación junto a este
hubiera concluido algunas a su muerte, sin demostración. Pero su
obra está influenciada por el gran maestro. Calidad sobresaliente,
formas delicadas y figuras armónicas también influye el maestro de
Flémalle y Weyden. Pero desarrolla un estilo propio. Retratos por
encargo y tablas de devoción privada. Perteneció a dos cofradías
religiosas, posible que su nombre fuera apodo de su talento para
representar el rostro de Cristo en obras como la cabeza de Cristo de
museo metropolitano de arte de Nueva York (1445). Retrato de joven
muchacha (1460) equilibrio y armonía en contraste con el realismo
extremo de sus contemporáneos. Rostro con tratamiento delicado e
intimista, expresión reservada y digna. Idealización de las figuras de
Christus puede ser consecuencia de su paso por Italia. La Virgen del
árbol seco, tabla devocional su tamaño no supera el medio folio.
1465. Calidad técnica y sus detalles, destinada a un pequeño oratorio
doméstico, carácter íntimo de la religiosidad en los Países Bajos. En el
centro María sobre un tronco con el niño circundados por ramas que
evocan la corona de espinas, pasión de Cristo. Manto rojo, idea de
sacrificio, salvación traída por el fruto de su vientre. Rostros de María
y el niño delicados y armónicos. 15 letras que cuelgan de cadenas
metálicas en el árbol y aluden al Ave María revelando la función
litúrgica de la tabla. Procede del profeta Ezequiel, habla de un árbol
seco como fruto de vida y que fue relacionado por los teólogos con la
concepción de la Virgen cuando su madre Ana era estéril. Una de las
primeras representaciones del dogma de la Inmaculada con gran
éxito después en la Edad moderna. María como paradigma de la
virginidad. El pintor y su esposa fueron miembros de la hermandad de
nuestra querida señora del árbol seco. Dirk Bouts (1410-1475)
pintor oficial de la ciudad de Lovaina a partir de 1468 influido por los
fundadores del estilo, aplica la perspectiva geométrica renacentista.
El paisaje tiene un peso fundamental, afán por unificar efectos de luz
Historia del Arte en la Edad Media
93

y reflejar la atmósfera, se le atribuye al primer retrato con paisaje

incorporado a través de una ventana, enorme éxito. El tríptico de la
última cena (1464) concebida por un grupo de teólogos de la
Universidad de Lovaina, se aleja de la representación tradicional para
mostrar aspectos litúrgicos de la instauración de la eucaristía. Rostros
hieráticos, sobriedad expresiva, Difícil identificar los apóstoles. La
fórmula de la cena eucarística imperará en el siglo XVI. Hugo van
der Goes (1425-1482) el tercer genio renovador de la escuela
flamenca. Juez de la corporación de pintores de Gante en 1467, recién
adquirida la maestría y decano después. Temas de la infancia y la
pasión de Cristo mantiene el tono de lamento de van der Weyden con
la novedad de incorporar modelos populares rudos y vulgares para
lograr naturalismo más acusado. Gran renombre con encargo de
familias acaudaladas cómo Tomasso Portinari, representante de los
Medici en brujas que le encarga el tríptico de la adoración de los
pastores o tríptico Portinari (1474-1478) en pleno apogeo de su
carrera, obra más grande y prestigiosa única documentada por escrito
de la época. Retablo llevado a Italia con gran influencia en pintores
renacentistas. La adoración ocupa el panel central, ruinas de un
Palacio que ejerce de establo, se abre a un espacio amplio y concluye
en un paisaje montañoso. Sutil efecto degradación de la luz, dirige la
atención hacia el centro. La Virgen mira con dulzura al niño en el
suelo irradiando luz. Cortejo de Ángeles a ver y a adorar al niño con
alas y ropas lujosas, rasgo de medievalismo. Pastores de la derecha
con un realismo absoluto. Frente al tradicional ambientación amable y
bucólica aquí verdaderos hombres de campo con manos ajadas y
uñas negras con ademanes rudos atenuados por entrañable emoción
de su rostro. Individualización de las figuras hasta límites
caricaturescos. La adoración de los Reyes Magos ha llegado mutilada,
solo panel central. Reyes con ricas vestiduras, uno mulato, en esta
época se incorpora el rey negro. El oro, el incienso y la mirra
referencia a su triple condición de rey, Dios y hombre también ruinas
de un Palacio. Se ha hablado de influencia italiana pero hay rasgos
costumbristas de gran naturalismo. Grupo de lugareños que observan
la escena y figuras lejanas de la izquierda que dan a beber a los
caballos tras el largo viaje de los Reyes.

6. Hacia finales del siglo XV: Hans Menling, Gérard David y El

Bosco.

Hans Menling (1435-1494). Pudo verse formado en Colonia. Desde

1465 en brujas. Heredero del estilo van Eyck y sobre todo de Rogier
van der Weyden en cuyo taller acabó su aprendizaje. Retratista
preferido de los mercaderes italianos y españoles. Esencial para el
Historia del Arte en la Edad Media
94

desarrollo del díptico con retrato que ideara Weyden en una tabla que
se dedica a la Virgen y otra al donante. Pintor de escenas sacras,
suprimiendo notas dramáticas. La pasión de Cristo (1470), en una
sola escena todas las secuencias de la pasión como en composición
cristalina. Esquina superior izquierda se inicia la narración con la
entrada triunfal de Cristo en Jerusalén, hasta llegar a la crucifixión y
resurrección a la derecha, extramuros. Jerusalén pretexto para una
magnífica vista urbana que muestra en su interior albergando
distintos pasajes de los últimos días. Última cena y juicio ante pilatos
con gran número de figuras en un entramado urbano complejo.
Retratos. el retrato de hombre joven orante, 1485, tabla pintada por
ambos lados, pudo pertenecer a un tríptico mariano. Rostro lleno de
calma y serenidad, características dulzura de este pintor. Relación
armoniosa del personaje con el espacio que lo circunda y con el
paisaje del fondo que parece reflejar paz interior. Identidad del
retratado quizás comerciante italiano o español. En el reverso un
florero se anticipa el bodegón. Una de las primeras naturalezas
muertas cargada de carácter simbólico al mostrarse el anagrama de
Cristo en el centro del jarrón y unas flores alusivas a la virginidad de
la Virgen. Gerard David (1455-1523) cierra la trayectoria de van
Eyck. Se traslada a brujas donde encabeza el gremio de pintores
desde 1501. Aúna corrientes pictóricas flamenca con el ideal
armónico italiano, especial delicadeza de sus figuras, personalidad
dominante tras la muerte de Hans Menling. Tríptico del bautismo de
Cristo. Iconografía tradicional compuesto por Juan Bautista vertiendo
agua del Jordán sobre Cristo, un Ángel sosteniendo su ropa y la
Paloma del Espíritu Santo en riguroso eje con la figura central. Rostros
idealizados, un tanto inexpresivos, las figuras parecen no mantener
relación entre sí. Paisaje especie de protagonismo, la tabla profundiza
más en la relación del individuo con la naturaleza que en la que une a
Cristo con el bautismo. No aporta ninguna renovación significativa.
Hieronymus Bosch (1450-1516) el más sobresaliente junto estilo
original sobrenombre El Bosco. Se casó con una noble rica, hombre
piadoso de familia de artistas adscritos a una rigurosa cofradía
religiosa. Presencia recurrente de mensajes morales y espirituales en
su pintura. Ambiente político influye por momentos difíciles que se
viven en los Países Bajos como el saqueo de Gante de 1468 con
numerosas ejecuciones públicas. Su repertorio, criaturas y escenas
evocadoras del vicio, el placer y un sinfín de horrores diabólicos.
Sentimiento religioso violento y brutal, marcado por la época. Lucha
entre el bien y el mal muy presente, enlaza con una pedagogía
eclesiástica basada en el miedo al infierno. Proliferaron numerosas
sectas, insatisfacción ciudadana ante una iglesia poderosa y corrupta.
Historia del Arte en la Edad Media
95

Se estaba gestando la reforma y la ética de Erasmo. Fuerte

conservadurismo transmite un mensaje de temor a Dios. El Bosco
parte de una de las más ortodoxas cofradías, la de nuestra señora,
censura de una sociedad depravada y abandonada a los placeres
mundanos. Pintura del Bosco alarde de libertad artística. Poderoso
mensaje espiritual, maestro de la técnica pictórica y combinación de
línea y color. Equilibrio entre el conjunto y el detalle, excelente
sentido de la composición. Obras con armonía de cerca y de lejos.
Empieza a pintar el 1475, datación de sus obras controvertida. Entre
1486 y 1500 fuerte carga alegórica. La nave de los locos (1490-1510)
modo caricaturesco y esperpéntico, partícipes de la herejía: hombres
con gestos histriónicos cuya apariencia física hacen patente su
perdición moral. Presenta el pecado como un mal equivalente a la
locura que conduce al castigo y a la muerte. En la barca los
pecadores beben, comen, juegan y se abandonan al placer de la
carne, metáfora sobre las costumbres de la sociedad. Algunos son
clérigos, extendiendo la crítica a los religiosos de vida disoluta,
creciente lunar que ondea en el mástil que podría interpretarse como
comparación con los infieles, vinculación de musulmanes y herejes,
conflicto con los turcos. El jardín de las delicias (1490-1500) tríptico
con un universo demencial. Muestra en grisalla la creación del mundo.
Abierto encontramos la representación del paraíso en la tabla
izquierda, la tierra en el centro y el infierno a la derecha. En el paraíso
Dios entrega una compañera Adán. Inusual situar el origen del pecado
de la lujuria que se desarrolla en las tablas adyacentes. Mujer como
fuente de la perdición moral. Panel central, jardín de las delicias gran
número de figuras humanas animales plantas y frutos. En grupos
diversas etnias. En su conjunto escena confusa y desordenada pero
se estructura en 3 registros. La parte superior arquitecturas
inventadas y futuristas, registro intermedio comitiva de personajes
abandonados al desenfreno carnal, girando en círculo en torno a un
estanque donde se bañan unas mujeres. Registro inferior
representaciones de la sexualidad desbocada con hombres y mujeres
en connotaciones sexuales de plantas, frutas y animales. En la
esquina inferior izquierda un grupo señala la tabla del paraíso para
poner acento en el papel de Eva como origen del pecado, a la
derecha es el dedo acusador de Adán el que responsabiliza a la mujer.
El infierno en la tabla de la derecha como la parte más hipnótica,
figuras aberrantes y efectos lumínicos crean una atmósfera
sobrecogedora. La parte superior dominada por el fuego, zona
intermedia enorme efigie de un hombre árbol y otras extrañas figuras.
Más abajo es la música la que preside el abismo siendo los
instrumentos utensilios de tortura. La tabla del infierno aparece
Historia del Arte en la Edad Media
96

repleta de suplicios. Un ave con torso masculino engulle a un

condenado; Un gorrino vestido de monja trata de besar a un hombre
horrorizado; Animales cabalgan sobre humanos y una sucesión de
miembros amputados invade este espacio fantasmagórico que se
corona con lejanas llamaradas de azufre. Entre 1505 y 1510, la mesa
de los pecados capitales, 7 escenas de vicios que acechan a la
humanidad de manera radial entorno del ojo de Dios indicando que
este contempla y juzga las flaquezas humanas. En el centro,
correspondiendo con la pupila del ojo está Cristo saliendo de su
tumba y debajo la inscripción cuidado, cuidado, Dios lo ve. Esta parte
central en un círculo más grande que se divide en 7 partes
correspondientes a los pecados capitales con inscripciones en latín
función de la tabla, destinada a servir de tablero de mesa. En los
ángulos cuatro pequeños círculos representan las postrimerías
siguiendo una iconografía medieval: la muerte, el juicio, el infierno y
la gloria. La muerte se encarna en la imagen del moribundo en su
lecho, con un médico, 3 religiosos, una monja y un ángel, impotentes
ante la muerte que llega en forma de demonio simiesco. El infierno en
el ángulo inferior izquierdo donde 7 pecadores reciben distintos
tormentos adaptados a la naturaleza del vicio. Este infierno aflora en
un mundo onírico poblado de seres híbridos y horrores insospechados.
El Bosco, repertorio infinito de metamorfosis, abominaciones y
horrendas criaturas. Fue la vivida apariencia de sus figuras y la
capacidad de amonestar a los fieles lo que hizo que su obra fuera
aclamada por sectores más ortodoxos contemplada con recelo por
otros sectores del clero, cómo peligro, recreo para la vista, demasiado
explícito. Muy apreciada en España, interés de Felipe II. Poderoso
imaginario de El Bosco distintas interpretaciones. En su tiempo carga
moral pero las teorías psicoanalíticas y la corriente surrealista
especulan que el artista sufría neurosis y alucinaciones incluso
consumo de sustancias alucinógenas otra idea que perteneció a la
secta de los adamitas con prácticas orgiásticas, ningún documento
ampara esta teoría su obra se inscribe en tradición medieval de
representar los vicios y tormentos infernales que surgen en el arte
románico. Contexto de la época explica la intención ilimitada en su
capacidad de sugestión y revolucionaria en sus hallazgos plásticos
como adelantando planteamientos estéticos de la edad
contemporánea como el expresionismo y el surrealismo.

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Capítulo 8. Al Andalus entre los siglos XII y XV: arte

almorávide, almohade y nazarí.

1. Almorávides. Notas históricas.

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98

La época de las taifas no puede definirse como una época decadente

aunque sí debilidad política y militar. A finales del siglo XI las taifas
fueron reagrupándose, únicamente 10, Sevilla se convierte en reino y
se anexiona un número importante de taifas. Para sobrevivir
establecieron parias para preservar su seguridad. Creciente presión
fiscal, descontento, exigencias militares incrementadas por
enfrentamientos internos y rivalidades entre taifas llegó a solicitar la
ayuda del imperio almorávide. Llegaron a recuperar algunos
territorios al Murabitun, hombres del Ribat, carácter rigorista,
bereberes del Sáhara occidental dedicados a la ganadería y asalto de
caravanas. Carencias culturales, caldo de cultivo para el integrismo.
Negaba la interpretación del Corán solo lectura literal. Mediados del
siglo XI se expande por el norte de África establecen Agmat al sur de
Marruecos como capital en 1058. Marrakech capital en 1070.

1.1. Al Andalus y la Unión de 2 continentes.

Califato de Córdoba había mantenido contactos con los bereberes.

Ahora las taifas piden ayuda a Tachfin. Quieren recuperar la taifa de
Toledo penetraron en la península Ibérica en 1090. Los almorávides
dominaron las instancias del poder civil y militar superponiéndose a la
población autóctona, escasez de obras conservadas de los
almorávides. Primer momento de austeridad, casi todo el siglo XI, en
consonancia con sus principios religiosos. Siglo XII continuidad de las
tradiciones de las taifas. Los almorávides no sustituyeron a la
población, lo que pasa es que a manifestaciones artísticas muestra
una continuidad marcada con la impronta de las creencias de los
nuevos poderes. Se produce una influencia de las manifestaciones
artísticas de al Andalus hacia el norte de África dado que los alarifes
andalusíes se trasladaron al continente africano para trabajar en los
edificios almorávides. Mezquita mayor de Tremecén de 1082 por Yusuf
ibn Tasufin y reformada por su hijo a comienzos del siglo XII.
Influencia del arte de las taifas, especialmente de Zaragoza. Señas de
las yeserías de la Aljafería. Huellas de al Andaluz en la ampliación de
la mezquita al-Qarawiyyin de Fez, original del siglo IX, Construcción
de la Qubba Barudiyyin de Marrakech, 1120. Trabajos en madera el
mimbar de las mezquitas Kutubiyya de Marrakech. El mimbar o
almimbar, estrado o púlpito desde que el que el imán realiza los
sermones. Especie de torreta con una escalera que conduce a un
asiento, plataforma o nicho en la parte superior a la derecha del
mihrab. El mimbar de Kutubiyya se realizó en Córdoba, se sabe por su
inscripción en el respaldo. Se pensó que era almohade ya que la
mezquita de Kutubiyya no se edificó hasta 1147, y después
Historia del Arte en la Edad Media
99

reedificada en 1157. Se descubrió que en el año 1137 se empezó a

construir en Córdoba, periodo almorávide.

1.2. Características generales del arte almorávide.

Profusión de arcos complejos y variados -polilobulados, túmidos,

mixtilíneos y otras variantes-, a menudo entrecruzados y
profusamente decorados con atauriques y muqarnas. Estas
introducidas por los almorávides desde oriente. Predominancia en el
uso de los pilares de ladrillo y reserva de las columnas a espacios
muy singulares. Dependemos de la datación exacta para diferenciar
manifestaciones taifales, almorávides y almohades. El Alcázar de
Sevilla se valoró al principio de origen almorávide, estudios
posteriores son almohades. Castillejo de Monteagudo en Murcia debe
vincularse con la época almohade. Murallas de la ciudad de Sevilla
sería almorávide.

1.3. Tejidas almorávides.

Producción de tejidos de lujo desde el siglo IX se mantiene con los

almorávides. Tiraz, bordados, el nombre que recibían los talleres
reales y el tejido de seda en la península Ibérica de la época del
emirato de Córdoba. Se refería a mantos con bandas tejidas como
finos tapices, generalmente de seda que solían llevar el nombre del
gobernante e incluso la fecha, un símbolo de dignidad que se
reservaba al soberano o por él autorizados. Con el paso del tiempo
Tiraz fue cualquier tejido que llevará bandas con inscripciones.
Almería, Sevilla, Málaga, Murcia durante el periodo almorávide
principales productores de tejidos. Casulla de San Juan de Ortega, en
la iglesia de Quintanaorduño, Burgos, en su inscripción en caracteres
árabes se lee “la gloria de Dios para el emir de los musulmanes Alí -
labor de Sammak”, el tejido debe fecharse en la primera mitad del
siglo XII. Algunos autores consideran probado que procedía de los
talleres de Almería. Esos tejidos se caracterizaban por motivos en
círculos dobles, que alojan en su interior animales enfrentados o
dándose la espalda como reales o fantásticos paréntesis leones,
grifos, arpías, pavos) se utilizó en el mundo Cristiano en la confección
de buen número de vestimentas. Papel importante en la difusión de
repertorios figurados que se desarrollarán en cerámica y pintura.

2. La invasión de los almohades.

Imperio almorávide corta existencia, no llega al siglo había venido de

la mano del rigorismo religioso; otra tribu del Atlas los elimina
acusándoles de laxitud religiosa. Al-muwahhidun, los unitarios,
afirmación de un solo Dios. Los almohades, integristas liderados en su
Historia del Arte en la Edad Media
100

origen por un mahdi, iluminado para destruir almorávides y unir el

islam. En 1146 conquistaron Marrakech. Los almohades invadieron el
al Andalus aprovechando una revuelta contra los almorávides.
Algunos gobernadores almorávides les entregaron las plazas en otras
como en Sevilla, 1147, matanza. Toledo obsesión.

2.1. Al Andalus almohade.

La desafección entre la sociedad andalusí y los almohades, retroceso

cultural vinculada al integrismo pero según al-Idrisi fue una época
floreciente y próspera. No duraron más de 100 años. No fue una
transformación radical. El movimiento de los alarifes continúa. Siguen
siendo reclamados al otro lado del estrecho. Esto ha llevado a muchos
a hablar de única corriente cultural y artística occidental islámica,
dependiente de al-Andalus, manifestaciones artísticas en Rabat,
Marrakech y Sevilla fruto de la misma cultura hispanomusulmana. Los
almohades se sirven del comercio para conectar con el África negra y
la península italiana, reorganización de las ciudades que se traduce
en riqueza y prosperidad. Portadas monumentales manifestación del
poder. Destacan sobre los lienzos de las murallas marcando un acceso
que nunca es directo sino que atraviesa diferentes espacios,
normalmente en recodo. En Rabat, 1150, ciudadela de los Oudaya. En
relación con la portada del mihrab de la mezquita de Córdoba.

2.2. Mezquitas y alminares.

Modelo la gran mezquita de kairauan, gran mezquita de Samarra y

mezquita mayor de Córdoba. Esquema de planta en T; Las naves
colocadas en perpendicular al muro de la quibla salvo una que
discurre en paralelo al mismo cubierta por cúpulas en todos sus
tramos. La mezquita de Kutubiyya de Marrakech la que se conserva
ya que la de Sevilla solo conserva el patio de los naranjos al qué se
accede por la puerta del perdón y el alminar (Giralda). La cubrición de
las naves las mezquitas solían hacerse en madera mediante vigas y
tableros como en la de Córdoba, pero la nave axial de la Kutubiyya, se
empleó armadura de par y nudillo. Primer ejemplo conocido desde el
que parten las cubiertas del reino nazarita y de los reinos cristianos
de la península, con posibles influencias del norte de Europa. Los
alminares o minaretes, símbolos del poder. Minarete de la mezquita
de Córdoba casi desaparecido salvo la parte inferior dentro de la mole
de la torre de la Catedral y que conocemos su perfil a través de una
representación en un escudo de la Catedral. La referencia vuelve a
estar en Córdoba. Abderramán III edificó el alminar en 952, el mismo
Historia del Arte en la Edad Media
101

modelo de los almohades. Estos establecen un modelo constructivo

con repercusión en las Torres campanario, Torres mudéjares. Se
organizan los alminares en dos cuerpos o Torres; La primera el cuerpo
interior, dividido en vertical en estancias abovedadas y otra exterior
que rodea a la anterior y alberga las rampas o escaleras de subida. La
torre interior sobresale formando un segundo cuerpo o pabellón, una
de las características es que los cuerpos de las fachadas con sus
ventanas y decoraciones no son paralelos en cada una de las cuatro
caras pues van ajustándose a los tramos de las rampas. Sobre el solar
de la anterior Kutubiyya de Marrakech se reedificó la nueva en 1157.
Su alminar con el modelo del de Córdoba. Posible que las dos franjas
cerámicas con azulejos y alfardones vidriados que rematan por arriba
los dos cuerpos no fueran los únicos elementos cerámicos que
tuvieran las fachadas. Lo que sí sabemos es que el alminar se realiza
en sillarejo de piedra de arenisca que estaba originalmente enlucido
por un mortero de yeso Rosa. Para algunos primer caso documentado
que emplearon azulejos en el exterior de un edificio. El alminar de la
gran mezquita de Hassan se basó en el modelo Cordobés. Quedó
inacabada y la inmensa torre del alminar superó apenas 1/3 de la
altura proyectada, lo que no impide apreciar las tramas de sebka qué
caracterizan las construcciones almohades. La piedra está revestida
por una especie de encelado rojo. En Sevilla, la mezquita mayor
empezó a construirse en 1170, su alminar en 1184 siguiendo el
modelo de la Kutubiyya, por tanto el de Córdoba. Solo la base es de
piedra, o al menos parte reutilizada de otros edificios, resto en ladrillo
que por los vestigios debían ir encintados. Los esquemas
compositivos son los mismos en otros alminares con los arcos ciegos,
poli lobulados y la lacería en forma de red de sebka. Los arcos ciegos
entrecruzados parecen de la arquitectura califal, supervivencia de
tradiciones de al-Andalus. Remataba el alminar un pabellón con
cúpula gallonada Y el yamur, con las cuatro manzanas doradas de
tamaño decreciente que simbolizan la perfección. En 1365 un
terremoto derribó el yamur y la cúpula.

2.3. Arquitectura defensiva.

Papel de representación del poder. Impulsan los modelos de corachas

y Torres albarranas. Las primeras son pequeñas Torres separadas de
las murallas, ubicada sobre los ríos y a las que se accede a través de
adarves, para asegurar el suministro de agua. La segunda son Torres
avanzadas, separadas de la muralla exterior con elementos de Unión
con ella cumpliendo la función de atalaya y de hostigamiento. La más
famosa de las Torres albarranas es la Torre del Oro para proteger la
entrada por el río, cerrando el paso mediante una cadena que la unía
Historia del Arte en la Edad Media
102

con una torre situada en frente en el barrio de Triana, desaparecida.

Mandada edificar el 1220. Formada por dos cuerpos; El interior es
hexagonal y el exterior dodecagonal mediante sillares de piedra en
los ángulos y hormigón o argamasa de cal en forma de cajas. La
misma forma puede verse en otras construcciones defensivas de la
época califal, la Torre del Oro estaría revocada por un mortero de cal
en imitación de sillares y color ocre (albero); del revoco se conservan
fragmentos, cubriría los dos pisos y también ladrillo. Pedro I hizo de
ella un depósito del tesoro real. El origen la torre estaba formada por
dos cuerpos. Sobre el grueso cuerpo inferior, una terraza y
atravesándola, el cuerpo central se elevaba variando la forma
hexagonal por la dodecagonal, en el cuerpo inferior se ha puesto en
entredicho la aplicación de azulejería, alicatados, en las albanegas de
los arcos ciegos fuera coetánea, como creemos. El tercer cuerpo de la
torre se le añadió en el siglo 18.

2.4. El jardín del paraíso.

Jardines del crucero, enterrados que van saliendo a la luz. Jardín

símbolo del paraíso tanto en el Islam como el cristianismo. Esquema
de planta en forma de Cruz, simbolismo de los cuatro ríos del Edén
(Nilo, Éufrates, Tigris y Amu-Daria). Los cuadros de plantación entre
los andenes y el perímetro rectangular perimetral son ocupados por la
plantación de árboles frutales y plantas aromáticas, sobre un nivel
inferior con lo que se conseguía a través de corredores que recorrían
los ejes axiales y perimetrales a los ejes del patio pudiera pasearse a
la altura de las copas de los árboles frutales contemplando los pájaros
en sus ramas. El agua mediante acequias recubiertas con pinturas
murales que discurrían por el eje de los andenes y las fuentes, en el
centro y los extremos de los andenes, acompañaban como susurro.
Se consideró el jardín del Castillo de Monteagudo de Murcia, que
responde este esquema, era almorávide; Se ha demostrado su
dotación en la segunda mitad del siglo XII, almohade. El Alcázar de
Sevilla, rastros de jardines almohades. Reutilizados, transformados y
enterrados en la propia evolución del Alcázar. El primer jardín de
crucero sacado a la luz fue el patio de la Contratación, datado en el
siglo XII. Nuevas prospecciones qué efectivamente en ese patio había
un jardín almohade pero debajo del recuperado. El jardín reproduce
los esquemas almohades pero es un jardín del Alcázar Cristiano. En el
patio de crucero se encuentra otro de los jardines del Alcázar, de él se
conocían los nombrados como los baños de doña María de Padilla, una
alberca cubierta situada en el nivel inferior del jardín con una galería
Historia del Arte en la Edad Media
103

a sus lados que permitía pasear junto al agua. El enterramiento había

respetado esta parte central. Establecer una relación de influencias es
complicado. En algún momento llegó de Oriente, desde Irán. También
en la Aljafería de Zaragoza, el palacio taifal del siglo XI, el patio de
Santa Isabel, mantiene la forma de los jardines de crucero aunque en
su actual interpretación las cuadrículas de las plantaciones están al
nivel de los andenes. Patio de las doncellas, también en el Alcázar, del
Palacio del rey don Pedro, ejemplo de la influencia y transmisión al
mundo Cristiano.

3. El Reino nazarí.

Con la descomposición del imperio almohade, terceras taifas que

coincide con la presión de los reinos cristianos. En 1232 creación del
reino nazarí de Granada con inestabilidad interna, acaba con
capitulación el 2 de enero de 1492. En 1232 al-Ahmar, el rojo
fundador de los nazaríes con el título de Muhammad I, se proclamó
sultán de Arjona, se declaró vasallo de Fernando III de Castilla y se
dedicó a consolidar los territorios. 1238 toma de Granada se asienta
en la fortaleza de los Ziríes sobre el Albaicín. Había edificaciones
militares en la colina de la Alhambra desde El Mundo romano.

3.1. Al-Hamra.

Murallas de la Alhambra a base de tapiales de tierra y cal y áridos de

diferentes granulometrías según época desde el siglo XI al XIV. Tierra
empleada extraída in situ. Las arcillas de la Alhambra son ricas en
mineral de hierro, rojo seña de identidad. Aunque no todas las
fábricas eran así. Las cajas de tapiales cubiertas con una capa de cal
de varios espesores como protección en función de la época. Esta
capa de cal lleva también arcilla así que mantenía el color rojizo. Al-
Hamra, la roja. Emblema de la dinastía nazarí que se repite en sus
edificios, yeserías, puertas, alicatados y carpinterías: “no hay otro
vencedor que Alá”. Muhammad II (1273-1301), su hijo, y su Nieto
Muhammad III (1302-1309) inician la construcción de una Alcazaba
palatina. Tras la conquista, en 1248, de Sevilla por Fernando III con
colaboración nazarí se identifica al-Andalus con Granada, Málaga,
Almería, Algeciras y Ronda. Impulso de la construcción de la
Alhambra con Yusuf I y Muhammad V, verdadero esplendor cultural.
Sus Palacios representantes de principales reinos de todo el orbe.
Protocolo y representación decisivo papel en los espacios. Granada
una de las ciudades más importantes.

3.2. Los Palacios de la Alhambra.

Historia del Arte en la Edad Media
104

Hubo 6 palacios; 5 de la dinastía nazarí y el sexto es el de Carlos V,

inconcluso hasta 1923. Se conservan dos completos coma el Palacio
de Comares y el Palacio de los leones, los otros destruidos (Partal,
Yusuf III y los Abencerrajes). Organización interna con numerosas
modificaciones. Había una etiqueta de acceso con ornamentación
para acompañar y guiar. El Palacio de Comares es el Palacio
principal con funciones ejecutivas, judiciales y administrativas.
Construcción iniciada por Ismail I, continuada por Yusuf I y concluida
por Muhammad V en 1370. En el patio principal (patio de los
arrayanes, de Comares o de la alberca) se organiza el protocolo, en
los patios contiguos junto las funciones judiciales y administrativas se
llevan a cabo en estos patios contiguos. Uno de ellos el patio de
cuarto dorado era el Palacio de justicia había que atravesarlo para
acceder al Palacio de Comares. Dentro del patio del cuadro dorado
dónde está la fachada del Palacio de Comares, un enorme telón de
yeserías y alicatados destinado a servir de fondo al cadí,
excepcionalmente, al sultán. En el lado norte, en frente espacio de
espera de los demandantes y a los lados del patio, paredes desnudas
destinadas a marcar claramente ambos ejes sin distracción.
Escenografía del poder, abrumar a los suplicantes sin descuidar
funciones militares y de seguridad pues las dos puertas del Palacio de
Comares, solo la de la izquierda le daba acceso, la otra no conducía a
ningún sitio. El patio de Comares articulaba el Palacio y todas sus
dependencias con función de acercamiento progresivo y escalonado
al sultán. La sala de embajadores, destino final como símbolo del
poder emanado de Dios. En sus paredes alabanzas a Dios y al emir
como textos del Corán y el lema de los nazaríes. En el techo,
artesonado de laceria, de madera de cedro, representa de manera
esquemática los 7 cielos del cosmos musulmán y los árboles de la
vida en las cuatro diagonales. El trono de Dios en el centro, octavo
cielo en forma de clave de mocárabes. Justo debajo el trono del
sultán. Azulejos azules y dorados sobre blanco cubrían el suelo.
Excepcionar que en el suelo estuviera el lema nazarí expuesto a ser
pisado. El Palacio de los leones por Muhammad V sin función
ceremonial sino espacio de descanso. La sala de los Reyes y la de los
mocárabes destinada a fiestas y banquetes para el verano. La sala de
los Reyes para tertulia se ha identificado una piedra semipreciosa
procedente Afganistán de color azul. En las 3 cúpulas de madera hay
representaciones figuradas, pintadas sobre cuero, la mayoría de los
autores dicen que son de pintores genoveses. Sin documentación.
Había lazos comerciales del Reino de Granada y la península italiana.
También con Toledo. Rasgos de los personajes eran occidentales
vestidos con indumentaria musulmana. Sala de las dos hermanas y la
Historia del Arte en la Edad Media
105

sala de los abencerrajes reservadas para la música, la primera en

verano y la segunda en invierno. En la primera, cúpula de mocárabes
ideadas a partir de una estrella central. Las dos dependencias
laterales para colocación de estrados. La de los abencerrajes, sentido
escenográfico: elevada ligeramente sobre el nivel del patio que se
vislumbra desde dentro a través de la única puerta centrada respecto
a la fuente de los leones. Los dos batientes de la puerta coma de
madera ataujerada, con desarrollo de lacería y policromados. Canal
que comunica en línea recta la fuente del centro de la estancia con la
de los leones pasa por el centro del vano de la puerta. El patio de los
leones, símbolo más alto del desarrollo arquitectónico. Simbolismo de
su lenguaje; Sentido de la distribución de los espacios; Uso y disfrute
del agua; Y de la poesía con citas que pueblan su superficie. Control
de la ingeniería hidráulica que permitió la existencia de la Alcazaba
palaciega, simbólico de los cuatro ríos, en el vaso de la fuente de los
leones hay un poema. Restos de un tercer Palacio nazarí, Palacio del
Partal solo queda uno de los cuatro lados frente al estanque del que
fuera su patio y una mezquita. Obra de Muhammad III considerado
pabellón de jardín.

3.3. Significados.

Máxima expresión del gusto de los sentidos. Cierta continuidad del

arte califal cernido por almorávides y almohades. Básica para el
mudéjar se habla de la pobreza de los materiales con riqueza de los
recubrimientos decorativos. Los materiales no son pobres ni ricos,
cumplen su función. Elaboración de complejos programas simbólicos
del poder sin perder funcionalidad. Los jarrones de la Alhambra con
sentido escenográfico y placer de los sentidos desarrollado por los
nazaríes, espectacularidad formal y decorativa, ha creados para los
salones de la Alhambra considerados objetos de lujo. Las asas servían
para girar las tinajas, mientras que los cuellos y golletes facilitaban su
llenado. La base sin vidriar con funciones de filtro y el soporte o
reposadero con una conducción, permite la recogida del agua. el
reflejo de oro se ha atribuido a los talleres de Málaga. En la actualidad
que fuera de la propia Granada.
Historia del Arte en la Edad Media
106

Capítulo 9. Las artes del mudéjar.

1. Sobre el origen del término mudéjar.

José Amador de los Ríos en 1859 discurso en Real Academia de Bellas

Artes de San Fernando: el estilo mudéjar en arquitectura. Por todos
aceptados. Nuevas formas qué historiadores se verán obligados a
delimitar y dotarlo de una cierta unidad, pronto influencias
almorávides, almohades, nazaríes y cristianas. Necesario encajar
obras generando múltiples categorías. Surgieron románico mudéjar,
gótico mudéjar, arquitectura de ladrillo mudéjar, mudéjar popular,
mudéjar cortesano, foco mudéjar castellano, foco mudéjar toledano,
Historia del Arte en la Edad Media
107

foco mudéjar extremeño, mudéjar aragonés o mudéjar andaluz.

Manifestación artística y cultural propia frente al resto de los países,
se encontró un arte nacional. Siglo XIX teorías histórico artísticas
construyendo los nacionalismos encontrando en el arte de la Edad
Media fundamentalmente de la baja, instrumentos para
fundamentarse.

1.1. Cuestionamiento del término.

Denominación mudéjares, carácter social. Críticas a Amador de los

Ríos, el término carente de contenido artístico. El término mudéjar,
del árabe mudayyin, los que se quedaron o los sometidos. El término
no era comúnmente utilizado en la Edad Media sino los de Moro y
sarraceno. Prevención de unidad formal pasó por alto las diferencias
temporales y espaciales 5 siglos entre la capitulación de Toledo hasta
la toma de Granada.

1.2. Establecimiento de un marco.

Término mudéjar discutido. Pozo sin fondo para manifestaciones

difíciles de adscribir, elevado a categoría de arte nacional. Diferencias
entre zonas y periodos. Forzar pautas que llevan al error. Tiene
lenguajes diversos, convive con el románico, el nazarí y el gótico solo
deberíamos encuadrar el mudéjar en territorio dominado por
cristianos que bebe de orígenes árabes. A nivel arquitectónico
edificios de culto, realizados con un lenguaje aprehendido de la
arquitectura islámica. Llamamos arte mudéjar al resultado de las
pervivencia de las concepciones estéticas del mundo hispano
musulmán. No suponen un cambio radical de la sociedad en lo que a
su entorno visual y estético se refiere. Poblaciones vencidas no son
expulsadas, mucha mezquitas reconvertidas en templos cristianos sin
transformación, así funciona siglo y medio.

2. Movilidad, influencias e intercambios.

Continuidad de unos modelos arraigados en la población, formas

asimiladas como propias, Pedro primero de Castilla, construcción de
su Palacio en el Alcázar de Sevilla en lenguaje mudéjar entre 1356 y
1366, Alfonso décimo había levantado el sí el suyo un siglo antes,
1254 coma también en el Alcázar en estilo gótico. Tampoco es casual
las inscripciones árabes en el arte mudéjar en el Alcázar: gloria a
nuestro señor el sultán don Pedro, Dios le ayude, reivindicación y
provocación frente a Muhammad V. El arte mudéjar representa la
continuidad de los fundamentos conceptuales del arte islámico dentro
de tierras que han dejado de estar gobernadas por musulmanes. No
podemos confundir con manifestaciones dentro de los territorios
Historia del Arte en la Edad Media
108

musulmanes. Para obras de uno y otro lado se convocan a alarifes de

todas partes indistintamente. Alarifes de Córdoba, Toledo y Granada
acuden a Sevilla para trabajar en las obras de Pedro I mientras que
alarifes de Zaragoza, Sevilla, Córdoba, Toledo son llamados a Granada
para trabajar en el patio de los leones. Mudéjar como confluencia de 2
tradiciones artísticas: la islámica y la cristiana. Resultado de
manifestaciones culturales andalusíes transmitidas en los territorios
cristianos. Razón sencilla, población manufacturera de los alarifes
permanecen los territorios conquistados y ejecutan las obras en base
a sus conocimientos tanto en materiales como estéticos. Ejemplos
que trascienden de lo arquitectónico cómo las vestiduras lujosas con
tejidos islámicos empleadas por las clases pudientes incluida la
realeza y la iglesia. A Pedro primero sus oponentes le recriminaron su
costumbre de vestir a la morisca. Las prendas de uso doméstico como
la almohada de doña Berenguela, bajo su cabeza en su sepulcro del
monasterio de Santa María la Real de Burgos fue realizada con un
tejido almohade entre 1180 y 1246.

2.1. Revisión de conceptos.

Tradición historiográfica simplificadora identifica población mudéjar

con técnicamente sometida y minoritaria casi esclava. Sociedad
musulmana siguió siendo mayoritaria en gran parte hasta el segundo
tercio del siglo XIII y en Valencia siglo XIV. Los alarifes mudéjares
trabajaron y eran llamados de un sitio a otro. Otras tendencias
historiográficas identifican lo mudéjar con la arquitectura del ladrillo
de carácter medieval, necesita abundantes matizaciones si bien no
puede negarse el empleo de este, no es un elemento exclusivo ya
que viene del mundo romano. Intento de establecer dos mundos
según la cual la arquitectura cristiana como la del norte coma es de
piedra en forma de sillares o sillarejos mientras que la del sur,
islámica es de ladrillos, adobe y tapial se da de bruces con la realidad.
la fábrica toledana seña de identidad de su arquitectura mudéjar
formada por cajas de mampuesto encintadas en ladrillo o en la
arquitectura cordobesa, empleo de piedra y los sillares es una
constante. En la arquitectura medieval, ladrillo que se extiende desde
Italia, Francia, hasta el norte de Europa. En Alemania se emplea el
gótico del ladrillo. Deformación histórica del siglo XIX. Interpreta el
ladrillo como elemento para ser visto. Contrariamente la mayoría de
los edificios de las fábricas de ladrillo iban revestidos, imitándolos.
Iglesia de San Miguel en Villalón de Campos, Valladolid , cuya fábrica
mudéjar puede ser datada entre los siglos XIII y XIV, los ladrillos
fingidos reproducen la disposición de los ladrillos reales. Castillo de
coca en Segovia construido en ladrillo, segunda mitad del siglo XV
Historia del Arte en la Edad Media
109

con carácter decorativo, uso de ladrillos aplantillado en molduras,

revestidos originalmente de estucos con fingimientos de ladrillo
además de otros motivos. En otras ocasiones el ladrillo se pintaba en
tonos de color férreo, cal y óxido de hierro, jugando en bandas
horizontales con las franjas del mortero que solían pintarse en color
ocre, tipo albero. Muchos han sido eliminados pero se conservan
fragmentos como en Almunia Real de Toledo. La identificación de
arquitectura del ladrillo con mudéjar lleva autores a hablar de
arquitectura románica mudéjar en ladrillo y arquitectura gótico
mudéjar en ladrillo. Iglesia de San Tirso se terminó de levantar entre
los años 1180 y 1190 pero se tienen noticias de su inicio en la
primera mitad del de este siglo XII. Las iglesias y las Torres de
Sahagún, adscritas al mudéjar toledano. Después matizaciones hubo
quien defendió un mudéjar propio de Castilla la vieja otros mudéjar
románico leonés; Bango Torviso Incluyó iglesias en el rango de la
arquitectura románica del ladrillo. Arquitectura mudéjar como si se
tratara de la aplicación de unos elementos decorativos superpuestos
a unas estructuras de origen o raíces cristianas qué ha llevado a no
pocos errores, consecuencia de la filosofía de las corrientes
arquitectónicas más recientes. Visión que hay 1° el verdadero alcance
de los universos simbólicos no solo del arte islámico y del mudéjar
sino de otras manifestaciones posteriores al entender que la
arquitectura pura es poco más que una resolución de volúmenes a la
que se les añade elementos considerados decorativos, tomados como
secundarios. En arquitectura islámica el espacio es la suma del
volumen y su ornamento. Universo simbólico, a menudo, lo decorativo
como el principio fundamental en el arte islámico y por extensión en
el arte mudéjar. Capilla dorada en el convento de Santa clara de
Tordesillas según algunos dependencias de un Palacio mandado
edificar por Alfonso XI o Pedro I. Teresa Pérez Higuera habla de
pervivencias o ascendentes almohades en la fachada e influencias
nazaríes en las yeserías, vemos que algunas conclusiones han venido
marcadas por análisis basados en conceptos predeterminados. Ángel
González Hernández defendía que los restos de las primitivas
construcciones que se conservan en el convento pertenecen al
Palacio del rey don Pedro I de Castilla ejecutadas con técnicas y
modos islámicos pero siguiendo esquemas y plantas o alzados de
origen Cristiano, afirmación contradictoria pues la estructura de la
capilla dorada es la de una qubba, espacio de planta cuadrada
cubierta por una cúpula octogonal, evidentemente islámica, qué pasa
a la arquitectura cristiana y se manifiesta, por ejemplo, en las
capillas. Otra: Las únicas incorporaciones del mundo islámico son las
ornamentales, restándole importancia a sus arquitecturas más allá de
Historia del Arte en la Edad Media
110

lo decorativo, pero dejan de lado formas que desde su mundo fueron

incorporadas al nuevo universo Cristiano olvidando la verdadera
dimensión del intercambio cultural. Las estructuras de las qubbas
pasaron al mundo Cristiano fundamentalmente en capillas funerarias.
También fueron adoptadas espacios de representación con elevado
significado simbólico como la Cuba nazarí del cuarto real de Santo
Domingo en Granada del siglo XIII y la del salón de embajadores del
Alcázar de Sevilla en el Palacio del Rey don Pedro, mudéjar de
mediados del XIV.

3. Modelos hispanomusulmanes: las qubbas y los alminares.

Las qubbas funerarias islámicas pasan al mundo Cristiano, por

ejemplo en Toledo, capilla del convento de la concepción Francisca
que deberíamos renombrar como capilla de fuente o de los fuente,
por el apellido de su committente que la encargó levantar en 1422. Es
esta una cúpula albuháyra, Alboaire según la transcripción del árabe
hispánico, que designa las armaduras o cúpulas guarnecidas con
azulejos alojados. Es de fábrica de ladrillo, revestida con un enlucido
de yeso policromado fingiendo una armadura de madera. En esta
cerámicas predominan los temas en azul cobalto sobre esmaltes
blancos y los de reflejo metálico. Procedencia de talleres valencianos
sin descartar procedencia de centros nazarís. La capilla funeraria de
Gonzalo fuente y su mujer María González, una de las capillas de la
Iglesia del convento de San Francisco desmantelada cuando las
concepcionistas se instalaron. Torres de las iglesias cuyo origen
está en los alminares de las mezquitas. Torres mudéjares construidas
a imagen de los alminares, organizadas en dos cuerpos, 1 interior y
otro exterior, con rampas o escaleras de subida entre ambos y el
cuerpo interior organizado en vertical en distintas dependencias. Los
tramos de las rampas y escaleras están cubiertos por bóveda de
ladrillo construidas por aproximación de hiladas. Estos sistemas
constructivos se repiten en las Torres mudéjares de Toledo y Aragón.
En Aragón gran proliferación de Torres de iglesia desde el siglo XIII
qué reproduce en la organización hemos visto no solo en estructura
sino también disposición compositiva horizontal y vertical. Existe en
Aragón un pequeño grupo de Torres anteriores a esta época con
estructura diferente, de torres sencillo que se denomina estructura
cristiana. Una característica sobresaliente de las Torres aragonesas y
algunas toledanas, cómo la de San Román de finales del siglo XIII o
comienzos del XIV; La de Santo Tomé primera mitad del siglo XII, 14
para la mayoría de autores o San Miguel de finales del siglo XIII o
comienzos del XIV, incorporación de elementos cerámicos entre sus
desarrollos decorativos trazados con ladrillos; las Torres se
Historia del Arte en la Edad Media
111

caracterizan por estar construidas con ladrillos. El material cerámico

en las fachadas suele estar constituido por azulejos, discos,
cartabones y estrellas y en algunos casos piezas de vajilla,
aragonesas en la mayoría de los casos. Torre de la Iglesia de la
Asunción de Terrer, Zaragoza, el mayor de los repertorios de vajilla de
Teruel finales del siglo XIV, a ese periodo pertenecían los platos y
salseras que se distribuyan entre la labor del ladrillo, solo han
quedado los huecos. Torre del convento de San Salvador de Pina de
Ebro, incrustaciones cerámicas formadas por una vajilla doméstica del
primer cuarto del siglo XIV, fecha que data el primer cuerpo de la
torre, en el XVI se elevaba y luego en el XVIII se le añadió un cuerpo
más. Vajilla compuesta por platos de Teruel de las series verde y
manganeso, azul y reflejo dorado. Catedral de Santa María de Teruel,
de las más antiguas, a finalizada en 2157 encargada al alarife
morisco de nombre Juzaff, siglo XIII. También en Teruel: Torres de San
Pedro, primera mitad del siglo XIII; La de San Martín, 1315-16; del
Salvador, poco posterior, levantadas sobre grandes machones que
permiten el paso de sendas calles por sus bases, Torres puerta. Santa
María, torre sencilla, modelo Cristiano y otras estructuro almohade de
2 cuerpos, interior y exterior. Se ha querido ver construcciones
precedentes de mezquitas en lugares donde no las hubo. Iglesia de
Santa María de la fuente de Guadalajara, tradicionalmente se
describió como iglesia de finales del siglo XIII o comienzos del XIV,
mudéjar, sobre una mezquita que muchos apuntan como de origen
almohade; en la intervención concluida en 2010, excavación de toda
su planta, descartándose la existencia de restos de mezquita. Para
entender sus 3 portadas formadas por una composición de arcos de
herradura apuntados enmarcados por un alfiz rebordeado por tiras de
azulejos verdes y 3 hojas apuntadas en sendos nudos y también en
cerámica verde. Este sistema de fachada vertical que abarca toda la
altura del edificio, entre labores de ladrillo. El alicatado cerámico no
se limita a los edificios religiosos. El edificio palaciego, Palacio de los
Oter de lobos en Toledo, La fachada quedó emparedada y oculta
durante siglos, datada a comienzos del siglo XIV presenta pequeños
escudos circulares en cerámica con técnica de alicatado, se reconoce
el de los Oter con fondo blanco, 3 franjas horizontales en negro
acompañado de otro ajedrezado que recuerda al de la casa Alba de
Tormes.

4. Consideración sobre los materiales.

Cuestionable identificación de la arquitectura mudéjar con el uso del

ladrillo. Origen en que se sustenta esta consideración en el
movimiento arquitectónico moderno, considerando existencia de
Historia del Arte en la Edad Media
112

categorías en los materiales y catalogándolos en materiales nobles y

materiales pobres. La predilección de unos sobre otros a lo largo de la
historia, ligados a la función a la que se destina y a la disposición de
los recursos. No parece tener sentido, unas arquitecturas no son más
importantes que otras por los materiales ni que puedan ser pobres o
nobles. A menudo materiales como yeso como yeserías talladas,
proceso infinitamente más laborioso que la obra de adobe y de tapial
en edificios más ricos o nobles.

4.1. El yeso.

Ligado a la cultura árabe. Plasticidad, ductilidad, posibilidades de

labra y dureza. Capaz de resistir al exterior, idóneo para múltiples
aplicaciones no se limita a los paramentos. Suelos tendidos de yeso,
práctica muy extendida en la península hasta tiempos recientes qué
parece remontarse a la arquitectura islámica con referencia de los
Opus Signium romanos. Los suelos de barro con incorporación de
pequeñas piezas de azulejos, olambrillas, siguen llamándose suelos
de sembradillo. Por su colocación dispersa, aunque ordenada, de las
olambrillas. Olambrillas, del árabe al-Hamra, rojo, en las primeras
aplicaciones se colocaban incrustadas en suelos tendidos de yeso
teñido de almagra, mineral de hierro rojo. Alfonso I de Aragón el
batallador conquista Zaragoza en 1118, establece en la Aljafería la
residencia. Utilizaron sin apenas transformaciones, incluyendo la
mezquita, hasta que Pedro IV de Aragón el ceremonioso mandó
levantar en 1336 la iglesia de San Martín en el patio de ingreso al
Alcázar y amplió las dependencias palaciegas manteniendo las
taifales. En 1382 Pedro IV envió a Valencia a su maestro de obras de
la Aljafería, un tal Faraig, con la encomienda de que aprendiera allí la
técnica de los suelos de aljez almagrado, yeso teñido de almagra con
incrustaciones de cerámica. Más afamada yesos aplicados a los
paramentos y cúpulas conocidos bajo el nombre de yeserías. Origen
islámico, continuidad; complicado si se corresponden de ámbito
musulmán o Cristiano pues en su mayoría son decoraciones de
tracerías geométricas, redes de sebka, atauriques, inscripciones y
demás que muestran evidente continuidad aunque a veces
incorporan elementos repetitivos como los escudos de Castilla y León
en la antigua capilla del Palacio de Pedro primero del Alcázar de
Sevilla o el tanto monta de los Reyes Católicos en la Alhambra.
Pervivencia técnica del mundo almohade y nazarí con yesos tallados o
aplicaciones de moldes, caso de la sinagoga del tránsito de Toledo,
puede convivir en un mismo espacio, sino que perviven los programas
con inscripciones que siguen empleando los caracteres arábigos
hasta que son sustituidos paulatinamente por los latinos. No nos ha
Historia del Arte en la Edad Media
113

de extrañar los textos árabes, su uso se prolonga en el tiempo.

Sinagoga del tránsito, capilla u oratorio del Palacio de Samuel Levi,
almojarife de Pedro I, entre 1355 y 1357, conviven las inscripciones
en hebreo con las cúficas. Un enorme tapiz formado por una yesería
policromada resalta la importancia y significación del muro de la torá.
La galería del piso superior que conforma la tribuna destinada a las
mujeres también está enmarcada por una rica yesería.

4.2. Carpinterías de armar.

Otro hito que identifican con el mudéjar. Estructuras de madera

aprehendidas del mundo almohade y del nazarí, identificándose con
cubierta de madera con el mundo islámico y cubierta de piedra con el
Cristiano. Sinagoga del tránsito, armadura apeinazada de par y
nudillo con tirantes y limas mohamar (dobles) ejecutado a mediados
del siglo XIV. Anterior, Catedral de Teruel, fue iglesia de Santa María
de Mediavilla, elevada a Catedral en 1587; antes, en 1423 elevada a
colegiata. Para algunos la estructura de madera de la techumbre es
obra del primer tercio del siglo XIII, pero parece de la segunda mitad
del siglo cuándo se decidió ampliar la iglesia y transformarla elevando
la altura de las naves y construyendo el actual artesonado. Obra
bastante excepcional, no solo por su conformación, su policromía y el
repertorio de representaciones, sino porque de este siglo no tenemos
constancia de que sean habituales los artesonados de par y nudillo
apeinazado con dobles tirantes apeados en canes. No solo en Aragón,
donde predominan los cubriciones mediante bóvedas de crucería o
las estructuras de madera en forma de alfarje y estructuras de
madera horizontal cuya función no es la de cubrir las estancias sino la
de formar pisos, en el resto de la península apenas algunos ejemplos.
Uno, iglesia de Santiago del Arrabal en Toledo, segunda mitad del
siglo XIII, una armadura cubre cada una de las 3 naves; la central, un
artesonado apeinazado de par y nudillo con tirantes, oculto desde que
a finales del siglo XVIII fue cubierto por falsas bóvedas. Según Enrique
Nuere, especialista en carpintería de armar, posibilidad de que
realmente la técnica de los artesonados no provenga del sur de la
península sino del norte de Europa.

5. Toledo coma el primer foco.

Valor simbólico, capital del reino visigodo, capitula ante Alfonso VI a

cambio de que musulmanes, judíos y cristianos mantuvieran sus
bienes, su lengua, su religión y sus formas particulares de gobierno,
sus jueces. Principales edificios de culto musulmanes se mantienen
salvo las de servir a un nuevo rito, el Cristiano junto sinagoga del
tránsito entra dentro de los parámetros de la arquitectura mudéjar
Historia del Arte en la Edad Media
114

por por sus connotaciones estéticas islámicas. Cristo de la luz, no

sabemos si la mezquita siguió funcionando como tal o reconvertida en
iglesia, hasta 1187 no se la entregaron a los hospitalarios.
Suponiendo desde el primer momento reconvertida a iglesia dada su
ubicación estratégica frente a la entrada de la de una de las puertas
de la ciudad, sin duda sin modificaciones durante un siglo; el cambio
se produjo con la creación de un ábside en el que se reproducía el
basamento mediante mampuesto encintado con ladrillo y arcos de
herradura polilobulados en ladrillo, o transición a lo denominado
mudéjar. Los primeros empleadores del término mudéjar tomarán
este edificio como uno de los monumentos que marcaron sus
orígenes. En él podemos ver la mano de los alarifes moros,
probablemente toledanos. Permanencia de una población musulmana
mayoritaria, manifestación artística de carácter islámico. En Toledo
perviven 3 comunidades, la población llana pero también los poderes
señoriales y económicos siguen construyendo sus residencias y
edificios según la estética tradicional que llamamos mudéjar, la
nobleza eclesiástica con lazos y dependientes del poder real del norte
de Europa decide la construcción de la Catedral el lenguaje gótico.
Dará lugar a simbiosis de pervivencias musulmanas como la puerta
de sol, radicada en el último tercio del siglo XIV, la puerta del acceso
a la Medina islámica y es probable que el arco de herradura
pertenezca a ese primer acceso; y en la misma ciudad la iglesia de
Santiago llamada del Arrabal por influencia en la construcción del
triforio de la Catedral. Tanto la ubicación de la torre campanario
separada de la Iglesia como el hecho de que no esté alineada con su
orientación y se ubique en la zona de la cabecera han hecho
considerarla como adaptación de una posible alminar. Iglesias de
Toledo llamadas mudéjares desde el siglo XII. San Sebastián que
antes fue parroquia mozárabe, San Lucas, finales del siglo XII sobre
otra parroquial mozárabe del VII y Santa Leocadia mediados del XII;
La de Santa Eulalia mismo siglo anteriormente mozárabe y San
Román sobre una mezquita del siglo XI cuya construcción se debe,
esta sí, al siglo 13.
Historia del Arte en la Edad Media
115

Capítulo 10. Arte bizantino y arte islámico oriental en la baja

Edad Media.

1. El arte bizantino durante la baja Edad Media: 1204-1453.

Arte occidental influido por el bizantino como especialmente en artes

figurativas. Periodo alto y pleno medieval, el imperio bizantino,
refinamiento plástico e iconográfico con impronta en el arte románico.
Es en la figuración gótica donde vemos madurar estas influencias a
partir de la recuperación de las formas de la antigüedad clásica, en el
periodo medio (siglos IX aXII) incorporación de fondos dorados. En
1204 asedio de Constantinopla por condes franceses y nobles
italianos durante la cuarta cruzada. Conflictos entre la iglesia romana
y ortodoxa también llevaron enfrentamiento entre latinos y griegos ya
que estos últimos fueron obligados a pagar tributos. 12 de abril de
Historia del Arte en la Edad Media
116

1204 los cruzados asediaron Constantinopla saqueándola. Se despojó

a los templos de sus riquezas, abrieron sepulturas y arrancaron las
obras de los muros. Reliquia llevadas a Venecia y París albergadas en
San Marcos y la Saint Chapelle. Medio siglo Constantinopla estuvo
ocupada por las fuerzas occidentales (1204-1261) nombrando
emperador al Conde Balduino de Flandes con fuerte represión de la
población ortodoxa. Miguel VIII paleólogo reconquistó la capital en
1261. 1261-1453 gobernado por la dinastía de los paleólogos, o
tercera edad de oro o periodo tardobizantino. Fraccionamiento en
pequeños estados toma favorecieron el desarrollo de las artes.
Decadencia en lo económico y político culmina con la conquista
otomana de 1453.

1.1. La arquitectura tardobizantina.

Siglos XIII y XIV cuatro centros principales de creación artística:

Trebisonda, Nicea, el Epiro y Morea. Hubo promotores gobernantes,
nobles o particulares y grandes intelectuales y teólogos.
Fragmentación territorial se traduce en tipologías arquitectónicas.
Prima un esquema de planta basado en Cruz griega inscrita en un
cuadro, propio del periodo medio bizantino. Materiales, uso el ladrillo
cada vez más decorativo en los paramentos exteriores con bandas
ornamentales, dientes de sierra, nichos y otros elementos incurvados
que dinamizan los muros. Muchas construcciones son
reconstrucciones, ampliaciones y cuerpos adosados a las basílicas. Se
añaden pórticos exteriores y un cuerpo o capilla de funciones
funerarias: el Paraklesion. En época de Miguel VIII paleólogo (1223-
1282) ampliación de la iglesia meridional del monasterio de Lips. En
1282 la reina Teodora basílica al sur de la Iglesia septentrional y el
siglo X se le añadió una galería porticada que recorre los lados sur y
oeste, está abovedado y con función estructural al recibir los empujes
de la cúpula. Santa Sofía de Trebisonda añadido de 3 pórticos exentos
que abrazan la iglesia en los lados norte oeste y sur. Iglesia de San
Salvador de Chora de Constantinopla de los siglos XI y XII, ampliada y
reconstruida entre 1316 y 1321 por iniciativa de Teodoro Metochites,
primer ministro del emperador Andrónico II paleólogo (1282-1328), se
añade una gran cúpula central, un doble nártex a los pies y un
Paraklesion o capilla funeraria al sur para enterramientos de
personajes insignes. Este Paraklesion es una especie de nave lateral
rematada en un ábside y recorrida por arcosolios laterales, que
albergan los sepulcros. Rica decoración en mosaico y pinturas
murales. Iglesia de los Santos apóstoles de Salónica, 1310-1329, de
nueva planta, situado en un gran complejo monástico encargado por
Nefón (1310-1314) patriarca de Constantinopla. Cruz griega inscrita
Historia del Arte en la Edad Media
117

en un rectángulo y cubierta por 5 cúpulas con 3 ábsides en el lado

oeste. El resto de los flancos se rodeó de una galería cerrada que no
se aprecia desde el exterior, principal innovación. Desde fuera
verticalidad, tratamiento decorativo en la disposición del ladrillo con
variados patrones geométricos. La cúpula central sobresale en altura
y se escalona en dos pisos horadados por ventanas. Santa Hodegetria
en Mistras, 131, estructura cruciforme en dos pisos coronados por una
cúpula central y otras cuatro en los brazos de la Cruz. Exteriormente
verticalidad, escalonamiento de volúmenes y dinamismo de los muros
y la cubierta donde juega con la dirección de las tejas de las cúpulas
en forma de caparazón de tortuga. En una ladera de una montaña.
Palacio de los déspotas: arquitectura civil bizantina, combina el
ladrillo y la piedra como influencias de la arquitectura gótica europea
como los balcones en voladizo sobre ménsulas (matacanes). Igual
para el Palacio de Constantino paleólogo.

1.2. Mosaico y pintura en tiempos de los paleólogos.

Cierta diversidad por fragmentación territorial, o continuidad con

tradición bizantina. Se sigue a rajatabla el programa iconográfico
tradicional del periodo medio aunque la ubicación de los temas
iconográficos varía. Aparecen los donantes de la obra junto a
personajes sagrados. Se recogen las 12 fiestas litúrgicas bizantinas En
lugares preestablecidos de la Iglesia o en objetos suntuarios y tablas
pintadas punto así el doble icono de las 12 fiestas de inicios del siglo
XIV del Museo dell’Opera del duomo. Fijaron detalles iconográficos
basados en los evangelios apócrifos, imitados en el arte gótico donde
la temática Mariana bebe del arte bizantino. Principal novedad en los
mosaicos y pinturas, búsqueda del naturalismo, expresión de
sentimientos y el dinamismo a escenas que contrasta con el
simbólico, hierático y esquemático de la plástica bizantina inicial.
Iniciado ya en el periodo medio. Flujo de viajeros, estudiosos parece
un cambio conjunto de actitud. Mosaico de la Deesis de la tribuna
meridional de Santa Sofía de Constantinopla, de Miguel VIII para
conmemorar su conquista en 1261. Tema la Deesis, representación de
Jesús bendiciendo, flanqueado por la Virgen y San Juan Bautista que
interceden por la humanidad ante el señor. Importancia del Bautista
característica del cristianismo oriental. En Occidente Juan evangelista
con su revelación apocalíptica. Elegancia y delicadeza de sus figuras,
claro oscuro matizado, parece desdibujar los contornos y conceder
blandura y movimiento a los rostros. Disposición de pequeñas teselas,
resulta una proeza. Crear un efecto de humedad en los ojos vidriosos
y unas tonalidades matizadas en las sombras faciales, conmover al
espectador. Jesús tristeza resignada, la Virgen y el Bautista parecen
Historia del Arte en la Edad Media
118

llorar. Ese estilo se conoce como manierismo de la época paleóloga,

máxima expresión en el complejo decorativo de la Iglesia de San
Salvador en Chora de Constantinopla. En el doble nártex se conservan
escenas cristológicas y marianas coma en el Paraklesion pinturas
murales con episodios del juicio final y figuras de Santos. En un luneto
del esonártex, un mosaico sobre fondo dorado que representa a
Teodoro Metochites en proskynesis, postergación ritual ante Cristo
entronizado. El primer ministro porta un llamativo traje de la nobleza
constantinopolitana, prominente turbante decorado con bandas
doradas y blancas. Esta iglesia conserva ricos mosaicos dorados en
las partes más altas del nártex y de las naos, el cuerpo central de la
basílica, representando la Deesis, a los Santos Pedro y Pablo y
escenas de la vida de la Virgen (esonártex) que se inicia en él abrazo
ante la puerta dorada e incluye pasajes anecdóticos de carácter
apócrifo como los 7 primeros pasos de María y la elección de José
como esposo. En las partes altas del exornártex escenas de la vida de
Cristo. Estos mosaicos tienen gran cantidad de detalles como en
ocasiones definido como artificioso por posturas forzadas y
expresividad facial excesivamente teatrales. En el Paraklesion, frescos
de gran calidad coma a juicio final en la bóveda punto escena de la
Anástasis En el ábside de calidad y riqueza cromática. Figuras
extremadamente alargadas que narra el episodio donde Jesús rescata
del infierno a los justos del Antiguo Testamento como representación
del manierismo bizantino. La blancura del traje de Jesús y de su
mandorla estrellada destaca sobre el fondo oscuro que alude al
abismo infernal. A sus pies el demonio maniatado y vencido con
rostro envuelto en un paño y las cuerdas infernales quebradas. Cristo
saca de sus tumbas a Adán y Eva coma a izquierda y derecha tras las
que se disponen San Juan Bautista y diversos Reyes, patriarcas y
profetas. Gama cromática más matizada que los mosaicos de la
Iglesia adyacente por las posibilidades que ofrece la técnica del fresco
punto los arcosolios del Paraklesion, cómo el de la tumba de Teodoro
Metoquites, decorados al fresco. Después de la conquista, la impronta
cultural de Bizancio permaneció. Fondos dorados y la maniera greca
en tendencia estilística en el Duecento y Trecento italiano. Influjo
bizantino en la Rusia de Kiev, siglos IX a XI, y en el Principado de
Moscú desde el siglo XIV. El arte ruso procede de Bizancio, iconos
dorados y cúpulas bulbosas derivadas de esta arquitectura. A la caída
del imperio bizantino, Moscú se proclamó como segunda
Constantinopla y tercera Roma. La arquitectura bizantina ejerció
influencia en la otomana, mezquita azul de Estambul con soluciones
espaciales de Santa Sofía. Continuidad en los monasterios ortodoxos
de Grecia y Turquía. Se preservó la tradición litúrgica y artística, arte
Historia del Arte en la Edad Media
119

postbizantino, escuelas de pintura de iconos como las de Meteora y

monte Athos. Todo el arte ortodoxo figurativo o arquitectónico ha
seguido la estela.

2. El arte islámico oriental durante la baja Edad Media. El

imperio turco.

Cuando el califato de Bagdad se descompuso se transformó en 3 que

fueron sucumbiendo. Una de estas oleadas en el Occidente,
inicialmente almorávides luego almohades. En Oriente primero son
los buyíes, después los Selyuquíes. El florecimiento del sultanato
selyúcida fue invadido por los mongoles en 1260. En Siria y alta
Mesopotamia los emires árabes y gobernadores turcos dieron paso a
la dinastía de los zanguíes que entre los siglos XI y XII son artífices de
un renacer cultural con obras como el alminar de la gran mezquita de
Alepo. Los mongoles acabaron con la fragmentación dinástica, uno de
ellos el otomano conquista todos, comenzó a expandirse con Osman I
(1288-1326). En 1453 pone a Constantinopla como capital. En el
subcontinente indio, culturas después de la desaparición del imperio
Gupta, época de gran esplendor y unidad del territorio. Destaca la
cultura Hoysala en el suroeste. 100 templos, la escultura y las formas
labradas pueblan y ocupan todos y cada uno de sus espacios con
espectaculares juegos de luz y sombras. La diorita es la roca en que
están tallados todos ellos, desarrollo de un gran detallismo de
escenas que versan sobre el heroísmo, la épica hindú y sus deidades.
El templo de Chennakesava o Kesava, Del siglo XV. Confinados los
templos en los apartados territoriales del suroeste, poco desarrollo
más allá de sus fronteras; fusión con arquitectura islámica del
sultanato de Delhi. Construcción del alminar de Qutab, fin del siglo XII
concluido en 1368, el minarete más alto construido con ladrillos
combina el ladrillo con la arenisca roja tallada con profusión de
formas, ligazón con la arquitectura hindú y versículos del Corán. Siglo
XIII los turcos penetran en el norte fundó en 1206 el sultanato de
Delhi. Fusión y síntesis entre las arquitecturas islámica e India se
extenderán a música y literatura. Sultanato de Delhi corredor de
influencias artísticas con impacto en el continente europeo. En el sur
de la India tradición desde el siglo IX de canciones, textos poéticos y
cuentos, escrito de malayalam. Se acompaña de ilustraciones en
forma de viñeta. Obra más famosa es la de Kalila en Dimna. Relatos
en forma de cuentos y fábulas indios traducidos al persa y de allí al
árabe. Alfonso X alrededor de 1250 un texto fue traducido al
castellano. Con el tiempo los otomanos irán amalgamando las
variadas influencias dándole una forma más o menos unitaria no
antes de Del final de la Edad Media. La corte otomana, política de
Historia del Arte en la Edad Media
120

protección y captación de creadores y alarifes de todos los territorios.

1258 caída de Bagdad en manos de los mongoles huida masiva
generando una confluencia y asimilación de corrientes artísticas y
repertorios De Siria, Irán y Turquía. Los otomanos practicaron la
tolerancia. Venecia principal puerto de Europa comercial para los
turcos vía de acceso a las obras de arte coma y cerámica China,
especias y seda influencia también por Génova, Florencia y Ragusa.
Arquitectura otomana lenguajes de la arquitectura selyúcida y
bizantina e iraníes sin olvidar zanquíes, ayyubíes. En india modelo de
grandes mezquitas como Santa Sofía con grandes falsas cúpulas
como suspendida, rompiendo el esquema tradicional de las mezquitas
de origen Cristiano que se remonta al mundo romano en su referencia
del panteón de agripa. Mezquita Haci Ozbek de Iznik De 1313,
primera mezquita cubierta por una sola cúpula. De 1378-1387, Yeçil
con azulejos que revisten su minarete. Con el tiempo en la
arquitectura otomana con plantas cuadradas y cubriciones mediante
cúpulas va liberando los espacios interiores de las mezquitas
despejándolos de soporte con efectos juegos de luces y sombras. Las
madrazas, mausoleos, baños, sin olvidar los Palacios, construcciones
turcas más destacadas, discurso más o menos homogéneo al final con
el imperio turco. Modelo de madraza fijado de los Selyuquíes. En torno
a una planta rectangular con un patio central y celdas cubiertas por
bóvedas; En cada uno de los ejes un iwan, correspondiéndose con
cada una de las aulas. La huella de la selyúcidas. Fundamental.
Similar a China y Siria. En Iznik entre 1204 1261 centro productor
cerámico, último cuarto del siglo XV, pasta cerámica blanca muy
brillante y luminosa de arcilla y una frita (vidrio pulverizado) que
reduce el punto de fusión con cubierta de engobe (arcilla líquida) y
vidriado de plomo y uso abundante del azul cobalto (fritware Azul y
blanco) qué emula las porcelanas chinas con enorme difusión en
Occidente. Motivos de las porcelanas chinas confluyen con lo de
tradición árabe. No fue un descubrimiento propio pues las pastas de
frita eran utilizadas en la cerámica iraní en imitación de las
porcelanas chinas ya desde el siglo XIII. De los talleres de Iznik
abundantes composiciones de azulejería para importantes edificios
incluyendo mezquitas. El Palacio de topkapi en Estambul, centro
administrativo, sultán Mehmed, en 1459 sus paramentos arrimaderos
y frentes de enmarcación de puertas de acceso a espacios señalados
con composiciones de azulejería de Iznik. En China, dinastía yuan y
Ming exportación de porcelana azul y blanca al mercado islámico. Los
celadones en forma de grandes cuencos fueron especialmente
reclamados por turcos de ahí a la imitación empleando pasta de frita.
Porcelanas chinas influencia en el arte contemporáneo occidental.
Historia del Arte en la Edad Media
121

Periodo Sung (960-1279) empujada por las invasiones de los tártaros

hacia el sur llevando consigo los talleres cerámicos coinciden con
nuestro periodo bajo medieval. Conjuga la cerámica con el
pensamiento filosófico taoísta generan los más bellos objetos
cerámicos en forma de sutiles celadones de transparencias verdosas.
Dinastía yuan (1280 1367), la dinastía Ming (1368 1674) está con
cerámica diferente con fondo blanco y motivos y escenas en azul y
después polícromos. Conocida como porcelana azul y blanca.

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