COMPOSICION

1. Identifica el centro de interés

La elección del centro de interés es la primera regla de una

buena composición, ya que es la más importante.
Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el
que quieres tomar la fotografía. Y a partir de ahí, todo lo
que tienes que hacer es enfocar (o desenfocar) el elemento
sobre el que quieras centrar el interés.
[Link] el encuadre

Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con

ese "algo", asegurándonos que se convierte de este modo en el
centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles
elementos que resten atención.

Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en

una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede
demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar en nuestra
fotografía. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, mejor
quítalo
[Link] líneas
Las líneas son un elemento de importancia vital en las
artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos.
Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una
parte de la foto a otra.

Lineas horizontales:
 Se ajustan mejor a formatos de encuadre horizontales
 Pueden expresar distancia y amplitud a través de la relación con el
horizonte
 Se consideran una base
 Son estables
 Evocan calma y descanso
Lineas verticales:
 Se ajustan mejor a formatos de encuadre verticales
 Un conjunto de verticales puede actuar como una horizontal
 Cualquier mínima inclinación de una vertical será detectada por el ojo
 Árboles, edificios o personas constituyen líneas verticales por
excelencia
 La dirección de la fuerza de la gravedad coincide con una línea
vertical
 Expresan velocidad y una mayor sensación de movimiento
 Pueden actuar como barreras, diferenciando planos y expresando
fuerza y poder.
 La aparición conjunta de verticales y horizontales equilibra las
propiedades de ambas
LINEAS DIAGONALES:
 No precisan alinearse con las líneas del marco.
 Permiten una variedad de ángulos (grados de inclinación)
compleja
 Su máxima expresión corresponde a una diagonal de 45º
 Más dinamismo, velocidad y dirección que el resto de líneas
 Su relación con la fuerza de la gravedad provoca
inestabilidad, tensión
 En la mayoría de los casos aparecen por efecto de las
perspectiva
 Varías diagonales convergiendo constituyen una potente
herramienta para dirigir la mirada
 Su relación con la perspectiva provocan sensación de
profundidad y distancia
CURVAS
 Aparece una nueva propiedad no asociada en las rectas: la
curvatura
 Ofrecen un progresivo cambio de dirección
 Expresan ritmo y movimiento más allá que las rectas.
También son suaves y fluidas
 Son atractivas por naturaleza, asociándose con la elegancia
y delicadeza
 Constituyen una potente herramienta dirigiendo la mirada
 Pueden formarse mediante implicación de puntos o
aprovechando la curvatura de estructuras artificiales y
naturales
 Poseen sensación de cierre gracias a su natural asociación con
círculos
PUNTOS DE FUGA Y LINEAS CONVERGENTES
Para enfatizar los puntos de fuga de una imagen, puedes utilizar las líneas
convergentes, que no son más que dos líneas paralelas que se cruzan en el
espacio debido al efecto de la distancia. El típico y aclaratorio ejemplo para
este efecto son las líneas de una vía de tren que transcurren paralelas y se
van acercando progresivamente a medida que se alejan, o como en la
siguiente imagen, los lados de una carretera que convergen en la distancia.

Otra opción es situarte a un lado de las líneas convergentes, de modo que

éstas crucen la fotografía. Un buen recorrido sería que partieran de una de
las esquinas inferiores y fueran a converger en la esquina superior opuesta,
cruzando toda la foto. Esta disposición diagonal de las líneas genera una
imagen más dinámica.

Muchas veces lo que querrás es añadir interés al punto donde se unen las
líneas. Como el ojo se va a dirigir a la convergencia, es un buen recurso para
situar ahí el elemento central de la fotografía. Puede ser un tren que se
acerca, o una persona que se encuentra en un camino.
SIMETRIA
La simetría es sinónimo de equilibrio, de sosiego y tranquilidad. Una imagen bien equilibrada
puede dar paz incluso respeto por lo que se está viendo. Despierta en el observador sensaciones
de perfección.

Cuando vemos en una fotografía un objeto y su reflejo simétrico los solemos percibir como un
único elemento. Visualmente este principio nos ofrece muchas posibilidades creativas, sobre todo
al «jugar» con objetos que reflejan la luz y crean imágenes simétricas, como espejos o masas de
agua (estanques, lagos, etc.). La simetría siempre es un buen recurso porque a nuestro cerebro le
gustan las cosas simétricas.
REGLA DEL HORIZONTE
Esta regla nos dice que cuando componemos una fotografía , el horizonte debe estar
situado en una de las dos líneas horizontales resultantes de dividir la imagen en tres
partes [Link] los dibujos inferiores , el horizonte debe estar situado sobre las lineas
A o B. Un error muy común es colocarlo en el centro.
USOS Y EJEMPLOS:

Colocar el horizonte en el tercio superior de la imagen (osea en la línea A). Lo usaremos cuando
queramos que los ojos de aquel que vea la imagen se centren en la parte inferior de esta, es decir,
en el paisaje. Al colocar el horizonte en el tercio superior, la tierra ocupará más espacio dentro
del cuadro y, por lo tanto, le estaremos dando más importancia

Colocar el horizonte en el tercio inferior de la imagen (línea B). Nos servirá cuando queramos
darle más importancia al cielo, las nubes o cualquier fenómeno meteorológico o sujeto áereo que
tengamos delante. Al colocar el horizonte en el tercio inferior, el cielo será lo que más espacio
ocupe dentro del encuadre, así que la mirada de aquel que vea la fotografía irá directa hacia él.
CONCLUSION:
REGLA DE LA MIRADA
La regla de la mirada es una de las principales reglas de composición
fotográfica y consiste, simplemente, en respetar la dirección en la que el
modelo de nuestro retrato mira. Es decir, en otras palabras, que a la hora de
encuadrar un retrato, deberíamos dejar más espacio por delante del sujeto
que por detrás de éste. cuando estamos retratando a un sujeto debemos
considerar la dirección hacia donde dirige su mirada y permitir un poco más
de espacio en dicha dirección, o como se acostumbra a decir en fotografía,
“dejar aire”. Se considera que el sujeto debe poder “respirar” y para ello se le
deja ese espacio.

Si queremos respetar la regla de la mirada, deberemos dejar espacio para

que el sujeto "mire". Aunque este espacio, aparentemente, esté vacío de
significado (sea porque no hay ningún elemento en él o porque los
elementos de aquella zona de la imagen se encuentran desenfocados).
ROMPIENDO LA REGLA

 Cuando no quieras que el sujeto mire algo. Si dejas más espacio por la zona
trasera de tu sujeto, dará la sensación de que éste está dándole la espalda a algo, de
que está rechazando algo, de que se está alejando o huyendo. Si necesitas
transmitir estos sentimientos en una fotografía, el hecho de romper la regla de la
mirada podría ayudarte.
 Cuando quieras que el espectador de la fotografía esté incómodo, sea por la
razón que sea. El recorrido natural que seguirían los ojos de una persona que viera
un retrato sería, como ya hemos visto, seguir la mirada del retratado. Si cortas este
movimiento, puedes llegar a causar un desconcierto en el espectador. Así que si eso
es lo que quieres conseguir con tus imágenes, de nuevo, romper con la regla de la
mirada puede ayudarte.

En el siguiente caso parece haber una clara intención de confundir al público,

de crearle una sensación de claustrofobia… Si observas el gesto del retratado,
te dará la sensación de estar asustado, acorralado… cortarle “el aire” justo
delante aumenta aún más esa sensación.

Aqui el autor pretendía al ignorar la ley de la mirada era precisamente

“privar” a la mujer retratada de esa libertad de movimiento, de expresión e
incluso de sueños. El vasto espacio, lo interesante del paisaje, lo ha dejado
tras ella, fuera de su alcance, acentuando así su gesto triste y melancólico.
Que la regla de la mirada no es tan solo aplicable a retratos. Consiste en jugar
con los espacios y también lo podemos usar en objetos. Por una parte porque
de forma poética el objeto puede adquirir cualidades humanas como la mirada
pero también puede servir para imprimir por ejemplo movimiento. Imaginar
un coche que circula hacia una dirección. Si dejamos espacio en esa dirección
podemos expresar un movimiento de aproximación del coche hacia esa
dirección. Pero si el espacio lo dejamos en la dirección contraria podemos
expresar que el coche está dejando o alejándose de ese lugar

REGLA DE LOS TERCIOS

La regla de los tercios consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios horizontales y
verticales. Los cuatro puntos de intersección de estas líneas fijan los puntos adecuados para situar
el punto o puntos de interés de la foto, alejando éste del centro de la fotografía.
Cada uno de estos cuatro puntos de intersección se denominan puntos fuertes. Cuando
estemos haciendo una foto, si solo existe un único punto de interés, es preferible situarlo en
uno de los cuatro puntos de intersección mencionados en lugar de hacerlo directamente en
el centro de la foto.

Esto suele generar mayor atracción en el espectador que cuando el centro de interés esta en
el mismo centro de la fotografía.

¿Y si tengo varios centros de interés?

En caso de que en la foto hubiera dos centros de interés, es recomendable buscar dos de
estos puntos, y siempre que sea posible opuestos, formando una diagonal en la foto.
LA REGLA DEL MOVIMIENTO
Parecida a la regla de la mirada , Como su propio nombre indica, se trata de
una regla que nos permitirá comunicar de una manera adecuada el
movimiento. Es muy sencillo: cuando en una imagen queremos transmitir
que nuestro sujeto está realizando (o va a realizar) un movimiento concreto,
deberíamos dejar espacio en la composición para que lo haga. Dicho así
quizás parezca un poco complejo. En realidad se simplifica diciendo que,
dentro de la composición, donde más espacio debería haber es hacia el lugar
al que se va a desplazar nuestro sujeto. Vamos a verlo con un par de
ejemplos:
EL FONDO

El fondo influye negativa o positivamente en la fotografía. Puede mejorar

enormemente el aspecto de la fotografía, pero por el contrario, también puede
resultar muy distractivo si es muy abigarrado.

Antes de accionar el disparador, haz una pausa y observa el fondo. ¿Hay algún
poste de teléfono o árbol justo detrás de la cabeza del sujeto?

Evita los enrejados o el lado de una casa entablada cuando hagas fotos de
grupos, ya que las líneas horizontales o verticales prominentes siempre
distraen la atención del sujeto.

Un cielo azul es un fondo muy apropiado, particularmente en fotos en color.

El follaje también es un fondo excelente.

Recuerda: hay que observar atentamente la parte que se haya detrás del
sujeto.

Tenga cuidado de que el fondo no resulte mas atrayente que el motivo.

Cuando el fondo tiene demasiados elementos distrayentes, elige un ángulo de
toma que armonice con el motivo.

CONSEJOS:

Cambia de lugar

¡Puede parecer evidente, pero si el fondo no queda bien, puede bastar simplemente
con moverse, ya sea tú mismo o al sujeto fotografiado (sobre todo cuando fotografíes
personas)!
2. Apuesta por la sencillez

Cuanto más sencillas sean las imágenes, es decir, cuantos menos elementos haya en el
encuadre (además del sujeto principal), más fácil será conseguir un fondo limpio y que
no se vea sobrecargado. Esto sin duda refuerza el sujeto principal, porque a su alrededor no
habrá nada que desvíe la mirada A primera vista, parece sencillo de conseguir, pero
incluso desenfocando el fondo, pueden quedar algunos elementos que distraigan la
atención. La cuestión es que las zonas más luminosas atraen la mirada, y si hay algunas
manchas luminosas en el fondo, seguramente van a desviar la atención del sujeto principal.
Esto ocurre, por ejemplo, en días soleados durante las horas en que el sol es más intenso y
emite una luz más dura.

3. Contrasta el fondo en relación al sujeto

El ojo se siente atraído por los contrastes, por lo cual resulta interesante contrastar el fondo
con el sujeto principal. Si éste último es más bien claro, intenta que quede un
fondo oscuro detrás. ¡Pero ojo, sin manchas luminosas o colores! En el caso contrario, si el
sujeto es oscuro, puedes intentar que quede delante de un fondo claro, siempre y
cuando sea homogéneo y no contenga manchas de luz que podrían atraer la mirada
4. Deja que el sujeto respire

Queda claro que queremos eliminar los elementos molestos del fondo, pero no por
completo. Es un elemento principal de la imagen, y es necesario integrarlo en la
composición, en lugar de intentar excluirlo cueste lo que cueste. Y por mucho que te
esfuerces, seguirá ahí

En resumen, no olvides dejar que el sujeto principal respire un poco, es decir, déjale
espacio en el fondo. Tampoco debes caer en el extremo opuesto: ¡si estorba mucho, distrae
o si hace que el sujeto principal tenga un tamaño muy pequeño en el conjunto de la
imagen!
5. Modifica la distancia focal

A la misma distancia del sujeto, con una distancia focal más importante tendrás un
encuadre más estrecho, es decir, vas a ver un pedazo menor de fondo a través del visor.
Esta puede ser una excelente manera de eliminar esos elementos molestos del fondo, mejor
aún que acercarte

6. Fotografía a contraluz

Esto tiene que ver con el apartado de la sencillez: al fotografiar a contraluz se crean efectos de
sobra china (siluetas) que simplifican mucho el fondo. Dicho esto, obviamente te tiene que gustar
este efecto y lo que se consigue con él, ya que, normalmente, al fotografiar a contraluz el
sujeto quedará muy visible. También podemos imaginar un fondo lleno de siluetas, y un sujeto
principal bien iluminado por una fuente de luz secundaria.
EL ESPACIO NEGATIVO
¿Qué es exactamente el espacio negativo?
El espacio negativo es todo aquello que rodea a nuestro sujeto principal sin aportar
información ‘relevante’, es decir, es la zona que acompaña, abraza a tu imagen, pero que no
es protagonista en sí misma. Un elemento rodeado de vacío siempre nos llamará más la
atención que un elemento rodeado de otros elementos. Por eso el espacio negativo nos
puede ayudar a darle más visibilidad a un sujeto en concreto.

¿Qué consigues con el espacio negativo?

Dar protagonismo a aquello que realmente quieras destacar, al elemento principal de tu
imagen, porque la falta de información del espacio negativo, hace que tu ojo se dirija
instintivamente a aquello que contiene la información de peso (lo que también llamamos
espacio positivo). Para nuestro sistema visual es muy natural, ya que éste necesita algo en
lo que fijarse; en un campo de visión totalmente homogéneo, se desorienta.
Espacio negativo y composición:
Espacio negativo para composiciones ‘minimalistas’

Cuando colocas tu elemento principal rodeado de un vasto espacio negativo,

consigues imágenes algo abstractas, que suelen inspirar calma, paz o soledad,
dependiendo siempre del motivo y del tono del espacio negativo. Bien
utilizado, el dotar de mucho espacio negativo alrededor del sujeto, puede
transmitirnos infinidad de sentimientos, hace que miremos una imagen y nos
paremos ante ella, y dejemos de ver para sentirla.

¿Verdad que la siguiente imagen te produce algo así? El pescador en medio

del agua y la niebla, sin horizonte, sin ningún elemento que desvíe nuestra
atención de él.
COMO USARLO

Por ejemplo: si colocamos el espacio negativo por encima del sujeto, puede parecer que "aplasta"
al elemento principal de la imagen o que le da el espacio suficiente para volar, con lo que el sujeto
recibe cierta "libertad". Si se encuentra, por el contrario, por debajo, el protagonista de nuestra
foto puede parecer que "flota" y, por lo tanto, el espacio negativo nos regalará una sensación de
ligereza.

sensación de ‘’aplastamiento’’

el espacio negativo da sensación de ‘’libertad’’

espacio negativo abajo del sujeto , da sensación de ligereza

parece que ‘’flota’’

Espacio negativo delante del sujeto principal (o espacio positivo)

Colocar el espacio negativo delante del sujeto principal, normalmente provoca la sensación
de que la acción sucede en progresión a él, de que la fotografía respira y proyecta su
mensaje hacia delante. Es quizá la forma más natural para el ojo de encuadrar el espacio
negativo, porque es la que mejor se adapta a la sucesión de mirada-pensamiento que
ejercemos al mirar una imagen.

Espacio negativo detrás del sujeto principal.

Esta forma de ubicar el espacio negativo es más chocante para nuestra percepción de lo que
sucede en la imagen, porque la imagen respira, tiene aire (por detrás), pero nuestro
protagonista parece chocar contra el marco de la fotografía, lo que puede transmitirnos
cierto agobio o la sensación de una imagen algo dramática, puesto que solemos proyectar la
mirada en progresión al centro de interés y esperamos ver espacio allá donde se dirige la
acción
EL MARCO
Enmarcar es un recurso de composición para atraer la atención del espectador.
Consiste en colocar un marco alrededor del motivo de la fotografía. ¿No lo
hemos hecho alguna vez en casa con un cuadro?. Este marco puede crearse en
la misma foto con elementos que la compone

¿Cuándo vale la pena enmarcar? Muy seguramente cuando el motivo queda un

poco aislado en la fotografía, cuando queda mucho espacio sin sentido pero a
la vez no podemos o no queremos acercarnos a el. ¿Con que podemos
enmarcar? Podemos buscar árboles, ramas, rocas o elementos artificiales
como son puertas y ventanas, señales de tráfico, edificios ... la verdad es que
las opciones son infinitas.

El resultado es siempre elegante y potencia la foto por el efecto de atraer la

mirada hacia el motivo.
GRUPO DE TRES
Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los
grupos de tres [Link] fotografía, la agrupación de tres elementos como centro de interés
suele funcionar a la perfección para captar la atención del espectador.

Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede
quedar demasiado bien equilibrada y estatica, pero 3 elementos ya dan un rimo y un equilibrio
visual distinto.
TEXTURAS
En conceptos fotográficos, la palabra textura nos define la estructura de una
superfície. Áspera e irregular o suave y brillante. La textura revelada por una
fotografía, nos dice lo que se sentiría si la supefície se pudiese tocar.

El motivo debe transmitir una sensación táctil y de profundidad, como por

ejemplo la rugosidad de una corteza o la suavidad del terciopelo.

La luz, es la clave para fotografiar la textura. La mejor suele ser oblicua,

dependiendo de la calidad de textura. Las superficies compuestas de muchos
detalles se iluminan con luz direccional y difusa. La luz dura en cambio
destaca las superficies irregulares.
PATTERN – ELEMENTOS REPETIDOS
El denominado efecto pattern, consiste en la repetición de elementos gráficos
que a través de un conjunto y juego de volúmenes, conforman una imagen
armoniosa.

Para realizar este tipo de toma, es preciso tener mucha atención y visualizar
atentamente, tanto el encuadre como a la iluminación.

Las repeticiones de formas se encuentran en la propia naturaleza, animales,

árboles, objetos, etc.
Punto de Fuga
Un punto de fuga es un punto imaginario en nuestra fotografía al cual parecen
converger dos o más líneas. Dentro o fuera del marco de la fotografía. Este efecto visual
lo que nos aporta es una mayor sensación de tridimensionalidad.

Si el punto de fuga está dentro, lo que aporta es que “obliga” al espectador a mirar hacia
dentro, en cambio si está fuera el efecto será el contrario. No quiere decir ni mucho menos
que mirar hacia fuera fuera no sea bueno, en ocasiones, puede aportar el que el espectador
se imagine algo fuera de la fotografía, con lo que habremos logrado interactuar con él
también.

En definitiva, podríamos decir que los puntos de fuga nos ayudan a leer la imagen,
recorriendo las líneas convergentes y dirigiendo nuestra mirada hacia algo que el fotógrafo
ha considerado importante, dicho de forma general.
 VERTICAL O HORIZONTAL

Cuando poner la cámara en horizontal

Si la forma del protagonista es más ancha que larga o el recorrido visual va de un lado a otro de la
fotografía pondremos la cámara en horizontal. En la fotografía de paisajes es bastante fácil que la
forma sea mas anchas que largas, aunque no siempre. Pero en los retratos es mas difícil ya que la
forma es alargada y al poner la cámara en horizontal puede sobrarte mucho espacio.
Cuando poner la cámara en vertical
La posición más natural de sujetar una cámara es en horizontal, por lo que muchos siempre
usan la cámara en esa posición, pero no siempre es correcto hacerlo así o mejor dicho en
ocasiones poner la cámara en vertical potenciara tu fotografía para facilitar al espectador la
lectura visual.

Para decidir cuando poner la cámara en vertical tenemos que mirar dos aspectos
fundamentales de nuestra fotografía. Primero la forma que tiene el protagonista de nuestra
fotografía y segundo el recorrido visual que hacen tus ojos frente al lugar donde estas.
Decidiremos un encuadre vertical si la forma es mas larga que ancha, pero también si
visualmente podemos hacer un recorrido con los ojos que vaya desde abajo hacia arriba
como podría ser al fotografiar un edificio.

Encájalo todo en el encuadre.

Ya sea el campanario de una bella iglesia gótica o un moderno rascacielos, a menos que quieras
moverte hacia atrás un largo trecho o tener unas marcadas líneas convergentes verticales, el
formato de retrato es la mejor manera de afrontar esos sujetos. Lo bonito de esto es que podemos
acercarnos mucho más al sujeto, lo cual no solo nos permite controlar mejor lo que le rodea
seleccionando sólo lo que nos parezca interesante, si no que también reduce la necesidad de
inclinar la cámara hacia arriba.
Funciona muy bien con las líneas conductoras.

Una de las piedras angulares de la composición, las líneas conductoras, funciona muy bien con el
formato vertical. Busca sombras, diseños hechos por el hombre o la naturaleza que conduzcan al
ojo desde la parte inferior de la imagen hasta el sujeto colocado en el tercio superior. Las líneas
ondulantes son particularmente buenas para esto, dirigiendo al ojo en un viaje a través de la
imagen hasta llegar al sujeto principal.

Añade peso negativo.

Esta es otra poderosa técnica compositiva que se apoya muy bien en el formato de retrato. A
diferencia de las líneas conductoras, podemos tener al sujeto en la parte superior o inferior del
encuadre, usando el resto del espacio para traer la mirada directamente hacia el sujeto. El espacio
negativo debe de ser algo como un bloque plano de color, un cielo azul o un mar de fondo.
RITMO
¿Qué es el ritmo visual?
El ritmo es un elemento más de la composición fotográfica y se basa en la disposición de
formas en un plano. Cuando estas formas se organizan de forma repetida y ordenada y de
manera constante o variable, estamos introduciendo ritmo en la imagen.

¿Para qué lo utilizo?

El ritmo en composición es un recurso visual que se utiliza para imprimir dinamismo a la
imagen, creando sensación de movimiento y ayudándonos a componer los elementos de la
fotografía.

 Armonía: El ritmo puede ser armónico en cuanto no queda interrumpido; la secuencia se

repite sin nada que la “perturbe”.
 Tensión: El ritmo genera tensión visual al romper la secuencia formal.

Qué tipos de ritmo hay?

Los tipos de ritmo más comúnmente utilizados son:

Uniforme

El ritmo uniforme se origina a través de formas repetidas regularmente. Dependiendo del

espacio libre entre unas y otras, obtendremos un ritmo más lento (mucho espacio vacío
entre las formas) o más rápido (menos espacio entre ellas)

LENTO

RAPIDO
Alterno

El ritmo alterno, como su propio nombre indica, alterna dos o más formas diferentes de
forma regular. Por ejemplo:

Creciente o decreciente

Repetición de las formas de la imagen agrandándose o empequeñeciéndose

progresivamente
Romper el ritmo

Pocas veces una buena imagen se sostiene únicamente por un punto; es decir, siempre
necesitamos la combinación de varios elementos en la imagen: la luz, el encuadre, el
centro de interés, el color o la ausencia de él, etcétera. Las formas rítmicas no son una
excepción, y suelen necesitar de algo que las acompañe para potenciar la imagen. Una
imagen basada únicamente en rito (por ejemplo unas escaleras) puede finalmente carecer de
interés, por eso es importante saberlo con antelación para poder buscar o esperar a
encontrar elementos de tensión que rompan el ritmo y generen interés en la imagen.

Ritmo Radial

Es el ritmo que parte de un punto central y se expande progresivamente a partir de Él

LINEAS DE MIRADA

Un rostro enfocado tiene la total atracción dentro de

la foto. Si ese rostro esta mirando hacia algún lado ,
nuestros ojos automáticamente siguen esa mirada.
Si la mirada de un rostro es cortada o tapada en
nustra foto , al no poder ver , que esta mirando la
persona , se creara un misterio.