1.
CARACTERÍSTICAS DEL CANTO GREGORIANO
• Es monódico y vocal, sin acompañamiento instrumental (“a capella”).
• Su ritmo es libre, dependiente de la prosodia del texto (acentuación del
texto) escrito en latín.
• Melódicamente se mueve por grados conjuntos o próximos, con un
ámbito máximo de 6ª u 8ª.
• Usa ocho escalas llamadas modos (protus, deuterus, tritus y tetrardus;
cada uno de ellos podrá ser auténtico o plagal).
• Usa tres sistemas según el número de notas por sílaba: silábico, con una
nota por cada sílaba; neumático o adornado: dos o tres notas por sílaba, y
florido o melismático, muy adornado, con más de tres notas por sílaba.
• Su finalidad es la de orar, por lo que música y texto son inseparables,
ambos son la expresión de una misma idea.
2. DIFERENCIAS Y SEMEJANZAS ENTRE TROVADORES Y
TROVEROS
Ambos, al igual que los minnesänger alemanes, son poetas músicos que
surgieron durante la edad media como fruto del lujo y del refinamiento de las
costumbres, así como del espíritu caballeresco y del culto a la mujer.
Pertenecían a la clase social de la nobleza, siendo algunos caballeros o, en algún
caso, vasallos con talento.
Eran cultos ya que escribían tanto los poemas como la música que los
acompañaba, y utilizaban instrumentos (laúdes, arpas, violas...).
La temática principal de sus canciones es el amor según el ideal del amor cortés,
además de tratar temas como las guerras, cruzadas...
En cuanto a las diferencias, la principal es el idioma. Los trovadores, cuyo
espacio geográfico abarcó la Francia meridional y el norte mediterráneo
peninsular, utilizaban la lengua provenzal denominada “oc” (Langue d’oc)
mientras que los troveros se expresaban en la lengua “oil” (francés antiguo),
situándose en la Francia septentrional e Inglaterra, siendo además
cronológicamente posteriores.
3. PRINCIPALES AUTORES Y FORMAS MUSICALES DE LA
ESCUELA DE NOTRE-DAME.
Las formas de composición son tres:
• Organum: Elaboración polifónica de los cantos a 2, 3 o 4 voces,
compuestos en dos estilos fundamentales, organum melismático y
cláusulas de discanto, secciones donde el tenor se vuelve melismático y se
organiza según un modo rítmico.
• Conductus: Composición religiosa pero no litúrgica, destinada a
desplazamientos del clero. Escrito a 2, 3 o 4 voces, en estilo notra contra
nota. El tenor es de creación nueva, no se toma del gregoriano.
Normalmente es silábico pero puede llevar alguna sección melismática.
• Motete: Nace a partir de las cláusulas de discanto. Éstas acaban
independizándose y se les pondrá un texto nuevo, en principio en latín y
1
después en francés siendo estos ya profanos, incluso de temática
amorosa. Será la forma más importante del s. XIII.
El corpus central del repertorio de Notre Dame se escribió por Leonín,
maestro de Capilla allí desde 1163 – 1182 y se completó después por Perotín,
pero también se nombran otros músicos como por ejemplo Magíster Albertus.
4. CARACTERÍSTICAS MUSICALES DEL ARS NOVA.
• Se establece un sistema de notación que aplica el principio de la notación
mensural de Franco de Colonia a valores mas breves. Los compositores
cuentan con un sistema de organización rítmica que les daba gran
libertad. Esto da lugar a distintos efectos musicales como el del
hoquetus (unas voces cantan y otras callan intercambiando su papel
rápidamente)
• La música en general se complica: aparecen las síncopas, los ritmos
desajustados y la polirritmia. El grado de complicación fue en aumento
hasta que desembocó en un estilo de música muy refinado y solo apta
para entendidos, conocida como Ars Subtilior.
• Se comienza a desarrollar el contrapunto que continúa después con los
compositores franco-flamencos.
• Aparición de los compases binarios.
• Cada vez se compone mas cantidad de música profana. La canción
polifónica profana fue muy cultivada.
• El motete seguirá siendo la forma musical mas importante. Desaparecen
totalmente organa y conducti.
5.- DEFINE LA FORMA CORAL:
Es la aportación más importante de la iglesia luterana. Su nacimiento se
produjo por el intento de Lutero de que la mayor parte de la congregación de
fieles interviniese en el canto. Esto no era posible si el idioma era el latín y las
melodías no eran locales, por lo que adaptó melodías populares cambiándoles el
texto religioso por otro profano en la lengua del pueblo. Así nació una
composición basada en fragmentos musicales populares en alemán. Muy
pronto, hubo una tendencia al enriquecimiento mediante el acompañamiento de
órgano y la adición de otras voces para el relleno armónico. Armonizado a varias
voces que se mueven homofónicamente, los valores rítmicos son muy regulares
y descansan en un calderón característico para señalar el final de la frase. Los
corales se ordenan según el tiempo del año litúrgico, distinguiendo tres ciclos, el
ciclo de Navidad, el de Pascua y el de la Reforma de Lutero.
6.- DEFINE LA FORMA MADRIGAL:
Es la forma musical profana más importante del Renacimiento. Se trata
de una composición polifónica de carácter descriptivo que pretende, a través de
la unión de letra y música, expresar los sentimientos del hombre como ser
profano. En un principio trataban temas pastoriles pero pronto se extendió al
terreno satírico y humorístico. Los textos, profanos y en lengua vernácula,
tenían muchas formas, desde el soneto a los versos libres.
2
En lo que respecta a la música, se suele interpretar a cuatro o cinco voces
y a capella, aunque también pueden llevar acompañamiento. Se basa en una
imitación motívica, con partes homofónicas y una elevada expresividad
adaptada al texto, de forma que la música describe el significado de las palabras.
Utiliza una lenguaje musical muy difícil, culto y para minorías; cromatismos, la
lengua vulgar, onomatopeyas, etc., todo encaminado a que la música resalte el
sentido de la letra.
El madrigal es el lenguaje de una clase selecta del Renacimiento, es la
expresión lírica del ser humano que canta sus vivencias y sentimientos. Se da en
ambientes cortesanos donde es más fuerte el ambiente profano (Venecia,
Inglaterra), exaltando unos sentimientos sensuales y amorosos.
7. CITA 4 COMPOSITORES ESPAÑOLES RENACENTISTAS DE
MÚSICA INSTRUMENTAL
Luis de Milán, Luis de Narváez, Alonso Mudarra, Enrique de Valderrábano,
Diego Pisador, Luis Venegas de Henestrosa, Antonio de Cabezón...
8. ¿CUÁLES SON LOS PRINCIPALES INSTRUMENTOS MUSICALES
DEL RENACIMIENTO? (NO HARÍA FALTA PONERLOS TODOS)
• Cuerda pulsada: laúd, tiorba, archilaúd, chitarrone, vihuela, salterio,
virginal, espineta, clave, arpa
• Cuerda percutida: tympanon y clavicordio
• Cuerda frotada: violas (viola da gamba, viola bastarda, viola contralto,
viola tenor, viola d’amore, (pochette), violín, violonchelo y violone
(contrabajo)
• Viento: flauta de pico, flauta travesera, pífano, cornamusa, chirimía,
cromorno, bombarda, trompeta, trompa, serpentón, sacabuche, órgano.
• Percusión: nácaras (timbales) echelette (xilófono)
9. DEFINE LA FORMA ORATORIO
Al igual que la ópera, une música y texto pero sin dramatización. Los textos
son religiosos, bíblicos o de carácter alegórico. Consta de los mismos elementos
que la ópera: obertura, recitativos, arias y coros, que participarán en la acción.
El oratorio aparece sobre todo porque había momentos a lo largo del año
como Navidad, Cuaresma, o Semana Santa en que la iglesia veía mal las
representaciones de ópera. El oratorio surge como una alternativa religiosa al
otro espectáculo profano.
En principio eran unas reuniones con fines apostólicos celebradas en el
Oratorio (salón de oración) donde además de cuestionarse temas de arte,
filosofía, literatura..., se interpretaban ciertas obras musicales sobre textos
bíblicos.
Dentro de las figuras mas importantes, destacan Carissimi y A. Scarlatti
aunque el compositor mas importante de oratorios es Haendel que compuso
3
32. Destacan Judas Macabeo, Saúl y sobre todo el mas conocido, El
Mesías.
10. ¿QUÉ ES LA CAMERATA FLORENTINA?
Las Cameratas las formaban grupos de poetas, músicos, literatos (en general,
humanistas) que al amparo de diversos mecenas se reunían para hablar de
ciencia, arte, literatura...
En Florencia surgió la Camerata Florentina o Camerata Bardi donde se
discutía sobre las facultades de la música griega. Se pretende hacer renacer la
forma de Teatro en Grecia partiendo de la base de que éste es cantado y de
temática mitológica – moralizante según las investigaciones de Girolamo Mei.
Músicos como V. Galileo, Peri, Caccini y Monteverdi formaban parte de este
círculo.
Surge así la manera de escribir obras musicales bajo estas premisas que serán
la base de la ópera, donde una melodía acompañada expresa una serie de
sentimientos mientras cuenta un argumento, una historia. Se conservan dos
óperas de 1600, las dos con el mismo nombre, Eurídice, de Peri y Caccini
pero en ellas habrá solamente uso del recitativo.
La ópera Orfeo de Monteverdi de 1607 es considerada la primera ópera en el
sentido completo ya que el autor empleó una mayor variedad de recursos y
medios como arias o canciones de danza. También compuso otra, Ariadna en
1608 de la que solo nos queda el Lamento.
11. LA SUITE BARROCA
Tras las suites del Renacimiento y del primer Barroco, formadas por danzas
contrastadas (pavana y gallarda), entre 1690 y 1740 surge en Alemania la suite
para orquesta como una serie de danzas contrapuestas en distintos ritmos, que
siguen los esquemas de ballet y las óperas de Lully.
Por tanto, la suite es una obra formada por varias danzas de distinto carácter
para tecla u orquesta, estando todas ellas en la misma tonalidad (o tonalidad
relativa). El número de danzas es variable, por lo que se le ha denominado
forma abierta.
Como forma orquestal suele tener estas características: comienza con un
preludio o introducción, siguen un número variable danzas (allemande 4/4,
tempo moderato; corrente, ¾ o 3/8, veloz; zarabanda, lenta y en tiempo triple;
giga, en 6/8 y contrapuntística). Algunas danzas se escriben en pares, como
bourrée I o bourrée II.
12. ¿QUÉ ES UNA OBERTURA? EXPLICA LOS DIFERENTES TIPOS
Etimológicamente significa “pieza para abrir”, por lo que servía para dar
comienzo a obras de grandes dimensiones (óperas, oratorios...). Servía de
prólogo para que los espectadores se sentasen y el ambiente se preparase para el
4
drama. Más adelante tendrá otras funciones como preparar el ambiente de la
ópera, incluso presentar sus temas importantes.
Las primeras oberturas eran fanfarrias para llamar la atención y tenían
nombres tan variados como tocata o sinfonía. A finales del siglo XVII esta pieza
instrumental toma forma definitiva en dos variantes:
- Obertura francesa: Creada por Lully, consiste en dos movimientos: uno
lento, pomposo, con el característico ritmo que produce la sucesión de
negra con puntillo y corchea; y un segundo movimiento veloz, en estilo
imitativo, que puede terminar en un corto tiempo lento.
- Obertura napolitana: Introducida por Scarlatti, consta de tres secciones:
allegro (en estilo contrapuntístico), adagio y allegro (influido por la
danza).
13.- CITA LAS PRINCIPALES ÓPERAS DE W. A. MOZART.
Las reformas de Gluck tuvieron sus mejores frutos en uno de los mayores
genios musicales de todos los tiempos: Wolfgang Amadeus Mozart. Es la gran
figura de la ópera del siglo XVIII; su gran virtud consiste en aunar lo mejor de
las corrientes operísticas italiana, francesa y alemana, para crear un nuevo
estilo. Cultiva diversos tipos de ópera:
La seria en Idomeneo y La clemenza di Tito.
El singspiel alemán con El rapto en el serrallo o La flauta mágica.
La ópera bufa en Las bodas de Fígaro o Così fan tutte (Así obran todas).
El Dramma giocoso en Don Giovanni.
14.- DIFERENCIAS ENTRE ÓPERA SERIA Y ÓPERA BUFA.
ÓPERA SERIA ÓPERA BUFA
Sus temas son un conflicto de Temática social. Crítica de la clase
pasiones basado en escritores clásicos media a la aristocracia del antiguo
griegos o romanos. Es decir, temas de régimen.
carácter mitológico.
El drama se desarrolla entre dos Los personajes no son dioses sino
parejas de amantes y personajes personas de la clase media, el nuevo
secundarios. Aparece muy público del espectáculo operístico.
frecuentemente el tirano magnánimo.
Consta de tres actos, que son una Uno o dos actos. Se intenta suavizar la
sucesión de recitativos y arias. La transición entre recitativo y aria.
acción se desarrollaba en el recitativo Lenguaje musical más animado.
(muchas veces en forma de diálogo Innovaciones en la escritura vocal
entre personajes), y los sentimientos o (balbuceos, cortes, carrerillas, saltos,
emociones se expresaban en el aria. etc.), frases musicales muy cortas,
frecuentes repeticiones y abundantes
cadencias.
Puede haber dúos, se emplean pocos Pocos cantores, sin coro y con una
5
conjuntos y raramente coros. En pequeña orquesta. Introducción de
consecuencia, el aria es la gran elementos folclóricos.
protagonista de esta ópera
Escrita para un público aristocrático Dirigida a un público burgués.
Voces impostadas. Papeles muy Voces naturales masculinas y
frecuentes para castrados. femeninas. Aparición del bajo bufo.
15.- COMPARA SONATA, SINFONÍA Y CONCIERTO.
El esquema de la sonata de cuatro movimientos se puede adaptar a
diferentes esquemas instrumentales. Cada uno de ellos da nombre a una forma
musical basada en ella:
1. Solos, dúos,... y música de cámara en general: Sonata.
2. Orquesta sinfónica: Sinfonía.
3. Orquesta sinfónica con solista (y sin el tercer movimiento: minueto):
Concierto.
16.- ¿QUÉ DIFERENCIAS HAY ENTRE EL CLAVE Y EL PIANO?
1. El clave es un instrumento de cuerda pulsada. El piano es un instrumento de
cuerda percutida.
2. El clave no permite matices dinámicos. El piano sí permite matices
dinámicos y además posee tres pedales que modifican y enriquecen sus
posibilidades sonoras.
3. El clave es un instrumento que se generaliza en el Renacimiento y el
Barroco. El piano se inventa en el Barroco, pero se generaliza a partir del
Clasicismo y su repertorio se extiende hasta la actualidad.
4. La extensión del piano (7 octavas) es mayor que la del clave (5 octavas).
17.- ¿QUÉ ES UN LIED ROMÁNTICO?
Lied es una palabra alemana que significa canción. Sin embargo, como
forma musical tiene una acepción más concreta: es una canción para voz solista
con acompañamiento de piano, en el cual el piano comparte por igual la tarea de
prestar apoyo, ilustrar e identificar el significado de la poesía.
18.- CITA LOS AUTORES MÁS REPRESENTATIVOS DE LA ÓPERA
EN EL ROMANTICISMO.
Francia
• Grand’opéra: Giacomo Meyerbeer
• Ópera cómica: Daniel Auber
• Ópera lírica: Charles Gounod y George Bizet
• Opereta: Jacques Offenbach
Italia
Gioacchino Rossini, Gaetano Donizetti, Vincenzo Bellini, Giuseppe Verdi,
Giacomo Puccini
6
Alemania
Carl Maria von Weber y Richard Wagner
19. INDICA CUATRO PEQUEÑAS FORMAS BREVES PARA PIANO
• Balada. Composición de carácter lírico y melancólico.
• Barcarola. Obra que imita las canciones de barqueros o gondoleros.
• Elegía. Obra de corta duración, triste y melancólica.
• Estudio. Pieza virtuosística destinada a desarrollar una técnica.
• Impromptu. Pequeña pieza de carácter improvisatorio, de ahí le viene su
nombre.
• lntermezzo. Vocablo utilizado para designar pequeñas obras de piano.
• Mazurca. Danza de origen polaco, de ritmo moderado. Es de carácter
popular y pasa a formar parte del repertorio culto.
• Nocturno. Pieza pianística de carácter intimista y sentimental; el género
es inventado por el irlandés John Field y lo cultiva, sobre todo, Chopin.
• Polca. Pieza de origen checo, que tiene su apogeo en el siglo XIX en
Bohemia, desde donde invade otros países.
• Polonesa. Danza de origen polaco, noble, de ritmo majestuoso y a veces
guerrero. La lleva a su culmen Chopin, en piano.
• Preludio. Obra de carácter apasionado.
• Rapsodia. Pieza de carácter fantástico, basada en temas populares.
20. ¿QUÉ ES LA MÚSICA PROGRAMÁTICA?
Se entiende por música programática la música sinfónica que, sin utilizar
palabras o texto, intenta a través únicamente de los sonidos describir algo,
contar un programa literario o una historia que es la que conduce la obra.
21 Enumera algunas características del nacionalismo musical:
• El Nacionalismo es una reacción contra la excesiva influencia del
sinfonismo alemán y de la ópera italiana en otros países
• Se basa en la asimilación por parte de los compositores de los caracteres
específicos del folclore autóctono que utilizarán para la creación (ritmos,
escalas, giros melódicos, estilo instrumental...) y para expresarse como
naciones.
• El tema central no serán las formas que son la expresión de una sociedad
aristocrática, sino la danza y la canción popular.
• Búsqueda de la unión entre la música y la poesía propia de cada país
• El recurrir al folclore lleva a nuevos lenguajes (emancipación modal,
escalas pentatónicas, hexátonas,...)
• Incorporación a la orquesta de nuevos instrumentos de percusión y
nuevos efectos coloristas en la orquestación
• Por la misma razón, esta música tiene una especial riqueza melódica
22 Cita las principales escuelas nacionalistas con sus máximos
representantes:
• Escuela rusa: Mikhail Glinka y el Grupo de los Cinco: M. Balakirev, César
Cui, Modest Mussorgsky, Nicolai Rimsky Korsakov y Alexander Borodin.
7
• Escuela checoslovaca: Bedrich Smetana y Antón Dvorak
• Escuelas Escandinavas: Franz Berwal (Suecia), Carl Nielsen
(Dinamarca), Edvard Grieg (Noruega) y Jan Sibelius (Finlandia)
• Escuela Húngara: Bela Bartok y Zoltán Kodaly
• Escuela Española: Francisco Asenjo Barbieri, Felipe Pedrell, Isaac
Albéniz, Enrique Granados y Manuel de Falla
23. Diferencias entre zarzuela grande y género chico
Zarzuela grande:
• Lo normal son tres actos; menos frecuente dos, y excepcionalmente
cuatro. Cada acto con cinco o seis números musicales.
• Van precedidas de un preludio que prepara el ambiente y permite la
apertura del telón.
• Este preludio va seguido de la entrada de un gran coro, generalmente de
fuerte color hispano, con el que comienzan casi todos los actos.
• Existe un predominio del texto cantado sobre el hablado, y son frecuentes
los temas de carácter histórico español donde aparece el folclore: jotas,
seguidillas,...
• Las representaciones se localizaban casi siempre en Madrid, por lo que
abundaban los temas castizos.
• Estaban dirigidas a las clases populares y a la pequeña burguesía.
Género chico:
• Un solo acto compuesto por cuatro, cinco o seis números de música, más
breves que los de la zarzuela grande.
• Se inicia con una introducción orquestal acompañada de un número
coral.
• Menor presencia de números corales y éstos, frecuentemente, al unísono.
• Número de personajes reducido, de tres a cinco. No aparecen
habitualmente personajes «cultos», la mayoría hablan incorrectamente.
• Carácter muy popular de la música, con frecuencia de compases de 3/8 y
6/8, dúos en terceras paralelas, decoraciones hispanas, escala andaluza,
etc.
• Muchos números musicales están tomados de cancioneros populares o de
música de salón (vals, habanera, mazurca, chotis, tango, el pasacalle o
pasodoble), con especial presencia del folclore andaluz y de la jota.
• Pocas exigencias vocales a los cantantes (poca extensión y poco
virtuosismo), por lo que predomina más la faceta de actor que de
cantante.
• Predominio del texto declamado sobre el cantado.
• Trata temas contemporáneos.
24. Características generales de la tonadilla escénica
• Argumentos sencillos con importancia de lo costumbrista, popular y
satírico que se escenificaban en los intermedios de las comedias o a solas
8
• Pocos personajes, todos pertenecientes al pueblo, entre los que destaca el
que cuenta la acción
• Temas relacionados con lo cotidiano destinados a divertir, criticar,... con
moraleja final
• Pueden estar hechas para una o varias voces añadiéndose en ocasiones
los coros.
• La estructura musical y dramática de la tonadilla solía ser tripartita: ABC.
Es decir, una primera parte donde se presentaba la idea o
«introducción», una segunda que son las «coplas» y una tercera, el
«final», que solía terminar en una seguidilla
• La tonadilla se inspiraba casi siempre en el folclore español, por lo que
era una música de características nacionales, con melodías y ritmo
españoles. Usaba danzas como la seguidilla, tirana, fandango, folía, etc.,
así como instrumentos hispanos como la guitarra y las castañuelas
25. ENUMERA ALGUNAS CARACTERÍSTICAS DEL
IMPRESIONISMO MUSICAL.
• Influencias modales: Los compositores sienten que han agotado las
posibilidades de la escala mayor y menor por lo que buscan inspiración
en los modos medievales, sobre todo el frigio y lidio. Usan intervalos de
4ª, 5ª, 8ª en movimiento paralelo lo cual dota a la música de un carácter
arcaico.
• Interés por lo oriental, lo exótico, lo cual le lleva al uso de otras escalas
como por ejemplo la escala pentatónica.
• Cambios en la armonía: El acorde se considera una entidad
independiente y la atracción hacia la tónica se debilita. La tonalidad entra
en crisis. Hay cierta tendencia hacia la emancipación de la disonancia.
Empleo común de notas pedales consiguiendo todo tipo de efectos
• Cambios orquestales: Se buscan nuevas sonoridades y por eso se
introducen instrumentos antes poco utilizados como el arpa, para
conseguir distintos efectos tímbricos. La orquesta se utiliza a veces por
planos sonoros.
• Distinto concepto de ritmo: Hay cierta tendencia a ocultar el compás,
formándose en la música impresionista un fluir continuo donde a veces
no es fácil seguir el pulso.
26. ¿QUÉ ES EL DODECAFONISMO? CITA LOS NOMBRES Y LAS
OBRAS MÁS IMPORTANTES.
El Dodecafonismo es un sistema de composición dentro del atonalismo,
basado en el uso de las 12 notas de la escala cromática que se organizan en
series según elige el compositor. No hay jerarquía en las series de sonidos.
9
Todos tienen la misma importancia. Las series tienen siempre 12 sonidos
usados con gran libertad aunque no se puede repetir ninguno de ellos hasta que
no han sido utilizados todos.
Los mas importantes representantes del dodecafonismo son los
compositores de la Segunda Escuela de Viena.
Arnold Schoenberg destacó con sus 5 piezas para piano y Variaciones para
orquesta op. 31
La obra mas característica de Alban Berg en este estilo es su Concierto
para violín.
Anton Webern fue también alumno de Schoenberg. Fue quien mas
experimentó dentro del lenguaje dodecafónico. Destacan su Concierto para 9
instrumentos y Sinfonía op. 21.
27. ¿Qué es la música aleatoria?
La música aleatoria se basa en la utilización del azar o de la
indeterminación en el momento de la composición o de la ejecución de la obra
musical. Precisamente el nombre de aleatoria le viene de la palabra latina alea,
que significa dados, haciendo alusión al azar.
Cuando la indeterminación se aplica al acto de la composición surge lo
que se llaman Formas Cerradas. Es por ejemplo cuando algunas alturas,
duraciones, intensidades, timbres y otros parámetros de la partitura escrita se
deciden por el azar (echando los dados, lanzando monedas o cosas similares).
La otra posibilidad es cuando el compositor deja determinada libertad al
intérprete para que éste decida, en el momento de la ejecución, la forma final de
la obra, por lo que se trata de Formas Abiertas. Por supuesto pueden
combinarse ambas formas.
28. Diferencias entre la música concreta y la música electrónica
La diferencia entre música concreta y música electrónica es su
metodología o, para ser más exacto, el material de partida.
La música concreta consiste en grabar sonidos (musicales y no musicales)
y ruidos «concretos», tales como golpes, gritos, ruido de motores, canto de
pájaros, mugidos, etc., a los que se llama objetos sonoros. Estas grabaciones son
luego seleccionadas (algunas se eliminan), distorsionadas electrónicamente (con
filtros, reverberación, eco, etc.) y finalmente se combinan formando una especie
de montaje sonoro-musical. El compositor trabaja sólo con sonido grabado y la
obra final sólo existe en forma de grabación. Luego se reproduce por medios
electroacústicos.
Por su parte, la música electrónica produce los sonidos por medios
exclusivamente de síntesis, es decir, por medio de un generador en forma de
sintetizador o aparatos electrónicos.
10