DIRECTOR ARTÍSTICO LUDWIG CARRASCO

PRIMERA TEMPORADA 2025

Música sin fronteras

Sala Principal del Palacio de Bellas Artes

Ludwig Carrasco Miguel Ángel Villeda

director artístico violoncello
ROGRAM
Grazyna Bacewicz (1909 - 1969)
Obertura*

Arturo Márquez** (1950)

Espejos en la arena,
tres danzas para violoncello y orquesta
6´

25´

Son de tierra candente

Lluvia en la arena
Polka Derecha-Izquierda

Intermedio

Piotr Ilych Chaikovski (1840 - 1893) 32´

Sinfonía núm. 2 en do menor, Op. 17.
Andante sostenuto-Allegro vivo
Andantino marziale quasi moderato
Scherzo: Allegro molto vivace
Finale: Moderato assai

*Estreno en México
**75 Aniversario de nacimiento

Febrero

Viernes 7, 20:00 h y domingo 9, 12:15 h

Duración aproximada 1 h, 30 minutos
Orquesta Sinfónica Nacional
Es la agrupación musical más representativa de Su trayectoria internacional es muy amplia.
nuestro país. Su primer antecedente es la Orquesta Participa en forma continua en importantes
Sinfónica de México, fundada por el maestro Carlos festivales nacionales como el Festival del Centro
Chávez en 1928. A partir de la creación del Instituto Histórico de la Ciudad de México, el Festival
Nacional de Bellas Artes y Literatura en 1947, la Internacional Cervantino y el Festival de Música de
Sinfónica de México se convirtió, primero, en Morelia Miguel Bernal Jiménez.
Sinfónica del Conservatorio Nacional de Música y,
finalmente, en la Orquesta Sinfónica Nacional. Fue designada para ofrecer el concierto por la
“entrada del milenio” en compañía del tenor Ramón
Ha obtenido diversos reconocimientos, como la Vargas, en la Plaza de la Constitución. Ha realizado
nominación al Grammy Latino 2002 al Mejor álbum giras a diferentes países, donde ha obtenido
clásico y el premio Lunas del Auditorio Nacional siempre grandes éxitos. Sobresale su constante
como Mejor espectáculo clásico en 2004. apoyo para difundir el repertorio sinfónico
mexicano y latinoamericano. Entre sus giras
La han encabezado, entre otros, José Pablo internacionales destacan las realizadas a Europa en
Moncayo, Luis Herrera de la Fuente, Eduardo Mata, 1992, 2008 y 2016, generando las más entusiastas
Sergio Cárdenas, José Guadalupe Flores, Francisco ovaciones del exigente público europeo.
Savín, Enrique Arturo Diemecke, Carlos Miguel
Prieto y Ludwig Carrasco. La han dirigido también La OSN inicia una nueva etapa en la que, además de
figuras legendarias como Carlos Chávez, Silvestre su actividad artística, se replanteará su ámbito y
Revueltas, Pierre Monteux, Leonard Bernstein, Igor alcance social. Ello conlleva no sólo un enfoque
Stravinski, Georg Solti, Aaron Copland, Krzysztof específico en su programación, sino también el
Penderecki, Otto Klemperer, Sergiu Celibidache, diseño y aplicación progresiva de nuevas
Heitor Villa-Lobos, Erich Kleiber y Charles Dutoit. estrategias de enlace y colaboración con su
entorno musical y general. A través de la excelencia
Entre los solistas que se han presentado con ella artística y de sus actividades, al tiempo que se nutre
figuran varios de los más grandes músicos de de su gran tradición e historia, debe renovarse y
nuestro tiempo, como Arthur Rubinstein, Henryk convertirse en la agrupación que marque el pulso
Szeryng, Claudio Arrau, Yo-Yo Ma, Mstislav orquestal y musical de la nación, y ser una
Rostropovich, Itzhak Perlman, Jessye Norman, institución acorde con las necesidades sociales y
Frederica von Stade, Kiri Te Kanawa, Francisco culturales específicas del México actual.
Araiza, Plácido Domingo y Joshua Bell, por nombrar
sólo algunos.
 En su carrera como director y violinista, ha ofrecido
conciertos en 31 países de América, Asia y Europa,
dirigiendo agrupaciones como la Orchestra del
Palazzo Ricci, Ensemble Laboratorium, Gstaad
Festival Orchestra, Sinfónica de Heredia, Orquesta
Filarmónica de la Ciudad de México, Orquesta
Sinfónica de Xalapa, Orquesta Filarmónica de la
UNAM, y la Orquesta del Teatro de Bellas Artes,
entre muchas otras. Se ha presentado en
escenarios que incluyen la Sala Dorada del
Musikverein (Austria), Wiener Konzerthaus
(Austria), Salzburger Festspielhaus (Austria),
Tonhalle Zürich (Suiza), Berliner Philharmonie
(Alemania), Gewandhaus Leipzig (Alemania),
Konzerthaus Berlin (Alemania), KKL-Luzern (Suiza),
Rudolphinum (República Checa), Parco della Musica
(Italia), Carnegie Hall (EEUU), Kennedy Center for
the Arts (EEUU), Lincoln Center (EEUU), National
Arts Center (Canadá), Shizuoka Hall (Japón),
Auditorio Nacional de Música (España), Sala
Nezahualcóyotl (México), Teatro Teresa Carreño
(Venezuela), y Palacio de Bellas Artes (México), así
como en los importantes festivales internacionales
de Salzburg, Lucerne, Davos, Ultraschall, Gstaad,
Alicante, Granada, Santander, June in Buffalo,
IMPULS, Bayreuth, Spoleto, Cervantino, y Tage für
Neue Musik Zürich.

Ludwig Carrasco,
Cultiva por igual el repertorio sinfónico y escénico
(ópera y ballet), así como proyectos
multidisciplinarios, además de ser un activo
Director Artístico promotor de la música contemporánea, dirigiendo
el estreno mundial de más de 120 obras e
interpretando cerca de 80 estrenos nacionales.
Ludwig Carrasco inicia su labor como director
titular y artístico de la Orquesta Sinfónica Nacional Ludwig Carrasco, nacido en Morelia (México), inició
de México en enero de 2023. Anteriormente, ha sus estudios musicales en su país natal a la edad de
ocupado el mismo cargo al frente de la Orquesta de cinco años, ampliando su formación en Alemania,
Cámara de Bellas Artes (México), la Orquesta Austria, España, Estados Unidos, Francia, Italia y
Filarmónica de Querétaro (México) y la Sinfonietta Suiza. Obtuvo la licenciatura y la maestría en
Prometeo (Estados Unidos). A lo largo de su carrera, música en las especialidades de violín y dirección de
se ha distinguido por sus interpretaciones de las orquesta, así como títulos de posgrado en
obras fundamentales del repertorio, así como por musicología y gestión cultural. Se doctoró en
su compromiso con la diversidad y la inclusión en la dirección orquestal por la Northwestern University
programación musical. bajo la tutela de Victor Yampolsky.
Miguel Ángel Villeda,
violoncello
Ser reconocido por el Gobierno de México como un niño prodigio, fue un gran impulso en la carrera
temprana de Miguel Ángel, lo que le permitió colaborar como solista con las principales orquestas y
directores del país.

Ha tomado cursos de perfeccionamiento en Canadá, Francia, Estados Unidos, Italia, Japón y Reino
Unido, donde ha tenido la oportunidad de recibir clases magistrales de Alexander Rudin, Emanuel
Gruber, Yo Yo Ma, Rebecca Gilliver, Alban Gerhardt, Lynn Harrel, Raphael Wallfisch, Natalie Clein y
Vagram Saradjian entre otros.

Su carrera orquestal comenzó cuando tenía 12 En 2020 se mudó a Londres para estudiar la
años y se unió como primer violonchelo a la maestría en Trinity Laban con Richard Markson,
Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos Chávez. Más finalizando en 2022 con honores y el “Barbirolli
tarde, cuando tenía 18 años, ingresó a la
Orquesta Sinfónica Nacional donde actualmente Memorial Prize for solo Cello” como el mejor
es principal adjunto. violonchelista de su generación.

Al mismo tiempo, Miguel goza de una vida muy Además de sus actividades como director, solista
activa en Londres, donde toca con los y principal, a Miguel Ángel Villeda le apasiona la
principales ensambles y orquestas del país
como Saint Martin in the Fields, la London música de cámara. Mientras estudiaba en
Symphony Orchestra y recientemente ganó la Londres, fundó el Trío Waldstein con quienes ha
audición para pertenecer a la London logrado un gran éxito, ganando más de 10
Philharmonic Orchestra. concursos y premios internacionales El Trío
Waldstein debutó en la Sala Brahms del
Como solista, tiene un repertorio extenso y ha
colaborado con Massimo Quarta, Héctor Musikverein el 8 de abril de 2023 y desde
Guzmán, Fernando Lozano y Michelle Merrill, entonces han tocado en la casa de Beethoven en
entre otros. Su debut como solista en Londres Bonn, Mozarteum, Festspielhaus, Kölner
fue en octubre del 2023 bajo la dirección de Philharmonie, Wigmore Hall, el Royal Festival
Alexander Walker tocando la Sinfonía Hall, Chipre, Francia, Canadá, Malta, Austria,
Concertante de Prokofiev con la London
International Concert Orchestra. Alemania, Estonia, Reino Unido y en 2024 fue su
debut en Carnegie Hall, en Nueva York.
Grazyna Bacewicz
(1909 - 1969 ),
Obertura*

Es probable que una de las mejores formas de aproximarse a la esencia

del pensamiento musical de un compositor (o compositora, en este
caso) sea la de escuchar su propia visión reflexiva. He aquí entonces, la
voz de la compositora polaca Grazyna Bacewicz:

No estoy de acuerdo con la afirmación frecuente de que si un

compositor ha descubierto su propio lenguaje musical debe adherirse a este
lenguaje y escribir en su propio estilo. Tal aproximación a este tema me es
completamente ajena, me parece idéntica a renunciar al progreso y al
desarrollo. Cada obra terminada hoy se convierte mañana en el pasado. Un
compositor progresivo no se atrevería a repetirse aun a sí mismo. Debe no
sólo profundizar y perfeccionar sus logros, sino también ampliarlos. Me
parece que, por ejemplo, en mi música, aunque no me considero una
innovadora, uno puede notar una continua línea de desarrollo. Mi taller
compositivo y el surgimiento de la obra son para mí algo personal e íntimo.
Los compositores contemporáneos, al menos un buen número de ellos,
tienen una postura distinta. Explican qué sistema usaron, cómo llegaron a
cierto resultado. Yo no hago eso. Creo que la manera en la que uno logró
algo es, para el oyente, intrascendente. Lo que importa es el resultado final,
es decir, la obra misma.

En otra entrevista, realizada en el año de su muerte, 1969, la

compositora polaca definía así su desarrollo compositivo:

Yo divido mi música en tres períodos: 1) Juvenil, muy experimental.

2) Inadecuadamente llamado neoclásico, porque en realidad es atonal.
3) El período en el que me encuentro ahora. He llegado a este período por vía
de la evolución (y no de la revolución), a través de la Música para cuerdas,
trompetas y percusión, el Sexto cuarteto de cuerdas (parcialmente serial), la
Segunda sonata para violín solo y el Concierto para gran orquesta.
Como complemento a esta afirmación de Grazyna Bacewicz, vale la pena comentar que
el compositor y musicólogo polaco Bogusław Schäffer (1929-2019) menciona no tres
sino cuatro períodos creativos de la compositora: el primero, de 1933 a 1945; el
segundo, hasta 1954; el tercero, hasta 1960; y el cuarto, que cubre el resto de su vida
productiva.

Resulta interesante saber que hay en el perfil de Bacewicz un importante elemento

genealógico: su padre fue el pianista y compositor Wincenty Bacewicz (1875-1952),
cuyo nombre original era Vincas Vacevicius, que de inmediato denota su origen lituano.
Al paso del tiempo, los tres hijos de Vacevicius/Bacewicz habrían de seguir carreras
musicales; los dos hermanos de Grazyna, Vytautas y Olegs, decidieron conservar el
apellido lituano original de la familia.

Entre los hitos importantes de la trayectoria de Grazyna Bacewicz se encuentra su

período de estudios en París con la destacada pedagoga Nadia Boulanger (1887-1979),
que fue posible gracias al comprometido apoyo de dos grandes personajes de la
música polaca: el compositor Karol Szymanowski (1882-1937), y el pianista, compositor
y político Ignacy Jan Paderewski (1860-1941), quien llegó a ser primer ministro de
Polonia.

Grazyna Bacewicz compuso su Obertura para orquesta en 1943, en plena ocupación

nazi de su patria, y en 1944 escribió una carta a uno de sus hermanos en la que daba
noticia de la destrucción casi total de Varsovia en medio de una feroz pugna entre la
resistencia polaca, el ejército alemán y las autoridades soviéticas. En esa carta, la
compositora, violinista y pianista narraba también los esfuerzos que hizo por salvar su
música de la destrucción, informando que había podido rescatar todas sus partituras,
excepto la de la Obertura, que reconstruyó posteriormente de memoria. La Obertura
para orquesta de Bacewicz es una pieza breve y contundente, que se mueve con un
poderoso e inexorable pulso y que demuestra la alta calidad de la compositora en el
campo de la instrumentación. Esta pieza es brillante precisamente en su orquestación,
pero nada hay en ella de jubiloso o alegre. Por el contrario, está escrita en un lenguaje
serio y austero, que refleja con claridad el hecho de que en 1943 no había nada que
celebrar en Polonia. Cabe recordar que lo largo de su vida, la compositora fue testigo
de diversas y dolorosas transformaciones sufridas por su patria; baste recordar que su
ciudad natal, Łódź, formaba en ese entonces parte del Imperio Ruso; cuando murió en
Varsovia, Polonia era un país independiente… pero no del todo libre.

La Obertura de Grazyna Bacewicz fue estrenada en el marco del Festival de Música

Contemporánea de Cracovia, con la Orquesta Filarmónica de Cracovia conducida por
Mieczyslaw Mierzejewski, el 1 de septiembre de 1945.
Arturo Márquez
Espejos en la arena, tres danzas para violoncello y orquesta

Son de tierra candente

Lluvia en la arena
Polka Derecha-Izquierda

Durante un tempranero desayuno, protagonizado básicamente por un omelette de queso gruyere,

buñuelos azucarados y café con leche, sostengo una amena conversación con Carlos Prieto, cuyo tema
fundamental es la obra concertante de Arturo Márquez que hoy nos ocupa. Con su habitual y
apasionada elocuencia, Carlos Prieto sazona la plática con anécdotas, referencias, datos históricos,
apuntes musicales y recuerdos de viajes, todo lo cual sirve muy bien como preámbulo para hablar un
poco de estos Espejos en la arena. A manera de introducción, vale la pena recordar que cuando Prieto
está preparando el estreno de la obra de Márquez, ha realizado ya el estreno absoluto de alrededor de
70 obras, la mitad de las cuales han sido dedicadas a él y han surgido de encargos específicos suyos,
mientras que la creación de muchas otras ha sido inspirada directamente por su trabajo como
intérprete y promotor. Al interior de esta larga lista de música estrenada por él, destaca un sólido
contingente de alrededor de quince obras concertantes para violoncello y orquesta. La idea original de
encargar un concierto a Arturo Márquez es descrita así por Carlos Prieto:

Yo he estrenado una gran cantidad de obras muy abstractas, y otras no tanto. Lo que me llamó la atención
de la música de Arturo Márquez es que al escuchar varias de sus obras me parecía estar oyendo continuamente
al violoncello. Así, yo pensaba: ‘Este es un hombre cuyo sentido melódico lo va a llevar a componer una obra
para violoncello muy adecuada para las características del instrumento.’ Esa fue la primera idea que tuve. Me
reuní con él, le propuse el encargo de la obra y él se puso a trabajar en ella en el año 2000, ya con la fecha de
estreno bien definida. Concluyó la obra y me entregó el último movimiento en el mes de septiembre. Resultó
exactamente lo que yo tenía en mente: es una obra que está estupendísimamente concebida para el violoncello.
El primer movimiento es un son más bien virtuosístico, mientras que el segundo está muy bien concebido para
la cualidad cantabile del violoncello. El tercero es un movimiento muy irónico, basado en los pasos de la polka,
y cuyo título se puede interpretar de diversas maneras.
Además de lo señalado por Prieto, destaca en esta obra el hecho de que, si bien Márquez ha planteado una orquesta
de buenas dimensiones, la orquestación misma es mesurada y está puesta al servicio del solista. En este sentido, es
notable el hecho de que la orquesta no lleva ni trompetas, ni tuba, ni trombones, instrumentos éstos últimos a los
que Carlos Prieto ha definido humorísticamente como los grandes enemigos del violoncello. Y para aquellos que
tienen en mente (y en el oído) las referencias a la música popular que suele haber en las obras de Márquez, conviene
señalar que la sección de percusiones incluye pandero veracruzano, clave, maracas y güiro.

¿Y qué dice el compositor sonorense sobre esta obra suya para violoncello y orquesta? He aquí la voz de
Arturo Márquez:

Como concepto general, es lo que dice el subtítulo: Tres danzas para violoncello y orquesta.
Estructuralmente, también está pensado así, pero en realidad sí es un concierto en el sentido de que hay una
disposición formal de los tres movimientos hacia un fin común, en un desarrollo casi cíclico. Sin embargo, el
desarrollo no es estrictamente temático. Los espejos del título tienen que ver con reflejos autobiográficos, muy
personales. De alguna manera estoy regresando a mi tierra, que es una tierra de arena, seca. La polka es un
momento muy sarcástico de la obra, y es también muy norteña. Creo que, para el oyente, lo más sorpresivo será
el tercer movimiento. En el primero, el son, trabajo con elementos que he estado utilizando desde mi Homenaje
a Gismonti y otras obras que están basadas en el son, sobre todo el son del centro de México y el veracruzano.
En este caso, por la cuestión rítmica y el uso del instrumento, el Son de tierra candente tiene más que ver con el
son huasteco. El segundo movimiento es una especie de danza-danzón, que también he estado trabajando en
varias de mis obras recientes. La sorpresa del tercero es que yo nunca había trabajado un género
específicamente norteño como la polka. Toda la obra es tonal, pero en el último movimiento ya utilizo mucho la
pantonalidad, y algunos elementos sorpresivos en cuanto a la tonalidad.

Un último dato importante proporcionado por Ya desde antes del estreno, estaba planeada la
Márquez indica que el único antecedente directo de grabación de estos Espejos en la arena, en un disco
esta obra es una pieza para violoncello solo que que habría de contener, además, sendos conciertos de
compuso en la década de los 1980s, pero que ha sido Roberto Sierra y Eugenio Toussaint. El disco, en efecto,
borrada de la memoria y del catálogo del compositor. fue producido en el año 2001 y, como es de suponerse
En la conversación citada al inicio de esta nota, Carlos por la lista de compositores, se trata de un CD muy
Prieto menciona que fue después de concebir los tres sabroso. Por cierto, Espejos en la arena existe también
movimientos de la obra que Márquez decidió en una versión para viola y orquesta realizada por el
incorporar la cadenza que separa el segundo del propio Márquez.
tercero, imaginada en el espíritu de una milonga.
Mientras tanto, en su forma original de tres Dato complementario de interés: en el año 2009, el
movimientos, Espejos en la arena recibe su estreno periodista sonorense José Carlos Esquer publicó un
absoluto el 21 de octubre del año 2000, con Carlos libro dedicado a la vida y obra de Arturo Márquez, al
Prieto como solista y la Orquesta Filarmónica de la que puso por título un juego de palabras múltiple: Mar
Ciudad de México dirigida por su hijo Carlos Miguel que es arena, danzones y espejos.
Prieto.
Piotr Ilych Chaikovski
Sinfonía núm. 2 en do menor, Op. 17

Andante sostenuto-Allegro vivo

Andantino marziale quasi moderato
Scherzo: Allegro molto vivace
Finale: Moderato assai

Dondequiera que se discute la música de Piotr Ilyich Chaikovski, verbalmente

o por escrito, se hace un uso bastante libre de los adjetivos, tratando de hallar
alguno que le convenga con exactitud al famoso compositor ruso: emocional,
atormentado, banal, sentimental, melcochoso, superficial, almibarado, débil,
neurótico. ¿Neurótico? Respecto a este último calificativo, Hans Keller nos
dice lo siguiente:

Nuestra era ha producido la noción del artista neurótico. ¿Debemos culpar a

nuestra era, o al artista? El crítico de Chaikovski no puede menos que interesarse en
esta cuestión porque para muchos, Chaikovski es el artista neurótico por excelencia.
La sinfonía llamada Patética (el mismo Chaikovski retiró este título) llena siempre el
Albert Hall de Londres. ¿Acaso se reúnen ocho mil personas simultáneamente para
oír a Chaikovski compadecerse de sí mismo? No hay duda de que en la Patética
existen complejos emocionales que en la vida pueden originar la neurosis (no hay
complejos neuróticos como tales: depende de lo que el individuo haga con ellos). No
hay duda de que algunas de las emociones que Chaikovski expresa con asombrosa
franqueza pueden estimular la autocompasión en los que lo escuchan y ellos, a su
vez, de inmediato proyectan sus propios sentimientos en Chaikovski.

Si lo hacen, son ellos los que se están comportando en una forma neurótica, no
porque hayan estado en contacto con una forma neurótica del arte sino porque son
incapaces de enfrentar una instancia particular de la realidad artística, incapaces
quizá de enfrentarse a ninguna emoción expresada con energía. Probablemente
sea esta claridad con la que Chaikovski expresa sus emociones la causa de que
muchos melómanos sofisticados aún lo subestimen como sinfonista, mientras que
sus obras menores son bien apreciadas: su música de ballet y su música de salón
que, como casi todo lo que compuso, nos ofrece el flujo característico de su
invención melódica.
Por el texto anterior, podemos suponer que Hans Keller no considera al elemento
emocional como un impedimento para la comprensión de las sinfonías de
Chaikovski.

En el verano de 1872 Chaikovski hizo un viaje a Kamenka, en la provincia de Kiev,

para visitar a su hermana Alexandra. Las canciones que oyó en labios de los
habitantes de este pequeño pueblo de Ucrania (conocida como Pequeña Rusia para
bochorno de los ucranianos) inspiraron a Chaikovski para emprender la
composición de su Segunda sinfonía. La obra fue terminada en Moscú, y durante las
vacaciones de Navidad, Chaikovski fue a San Petersburgo, donde mostró el
manuscrito de su sinfonía al Grupo de los Cinco (Rimski-Korsakov, Borodin, Cui,
Balakirev y Mussorgski). Los cinco se entusiasmaron con la obra, ya que su empleo
del material folklórico parecía acercar a Chaikovski a los ideales nacionalistas del
grupo.

El sobrenombre de Pequeña rusa con el que hoy conocemos a la Segunda sinfonía

de Chaikovski no fue idea del compositor, sino de Nikolai Kashkin, un crítico musical
contemporáneo suyo, y se debe al ya mencionado empleo de las melodías
ucranianas. La Segunda sinfonía de Chaikovski fue estrenada el 7 de febrero de
1873 en Moscú bajo la dirección de Nikolai Rubinstein y fue muy bien aceptada por
el público. A pesar del éxito, el propio Chaikovski no quedó muy satisfecho con su
sinfonía y la revisó en 1879, alterando drásticamente los movimientos primero y
tercero, y recortando una parte sustancial del cuarto. Esta nueva versión fue
estrenada el 12 de febrero de 1881 en San Petersburgo, bajo la dirección de Karl
Zike. Al escuchar esta sinfonía, sigue siendo incomprensible el hecho de que, al
igual que las sinfonías Primera y Tercera de Chaikovski, reciba un mínimo de
atención por parte de directores, orquestas y públicos, en favor de constantes y
repetitivas ejecuciones de las últimas tres sinfonías del compositor ruso. Quizá el
gusto popular por la Cuarta, la Quinta y la Patética, dado su alto contenido
emocional, coloque al público en el plano neurótico al que se refería Hans Keller en
el texto arriba citado.

Los musicólogos han detectado en la Sinfonía 2 de Chaikovski citas de los

siguientes materiales:

- La canción Río abajo por la Madre Volga

- Una melodía que sería utilizada por Nikolai Rimski-Korsakov (1844-1908) en su
obertura La gran pascua rusa (1887-1888)
- La canción Gira, oh rueca mía
- La canción La grulla

Juan Arturo Brennan

Orquesta Sinfónica Nacional
CONCERTINO Shari Mason, William R. Harvey VIOLINES I Mykyta Klochkov*, Isabel Arriaga, Karina
Cortés, Nancy Cortés, Mario Escoto, Moisés Laudino, Pablo Martínez, Cuauhtémoc Morales, Elisa Nivón,
Francisco Pereda, Olga Pogodina, Abel Romero, Igor Ryndine VIOLINES II Marta Olvera*, Omar
Guevara**, Enriqueta Arellanes, Andrés Castillo R., Emilio Cornejo, Ana María Ezaine, Frangel López,
Maria Camila Florez, Alberto Gamboa***, Lina Vázquez, Laura Ramírez, David Anthony Ramos, Luis
Enrique Ramos, Arturo Rodríguez, Alejandra Reyes VIOLAS Alena Stryuchkova*, Nikolay Dimitrov***,
Emilio Ahedo, César Bustamante, Luis Antonio Castillo, Mauricio Chabaud, Jorge Delezé, Laura Loranca,
Judith Reyes, Bogdan Zawistowski, Jorge A, Sabino*** Mauricio Alvarado*** VIOLONCHELOS Vitali
Roumanov*, Miguel Ángel Villeda**, Alejandra Galarza, Gustavo González, Salomón Guerrero, Iván
Koulikov, Sona Poshotyan, Pablo Rainier Reyes, María Valle, Jairo Ortiz, Iván Levi Fernández
CONTRABAJOS Jesús Bustamante*, Víctor Arámburu, Vicente Castro, Alejandro Hernández, Mario
Hernández, Enrique Palma, Álvaro Porras, Armando Rangel, Fredy Hernández FLAUTAS Julieta Cedillo*,
Evangelina Reyes*, Luis Ernesto Diez De Sollano**, Horacio Puchet FLAUTA Y PICCOLO Luis Ernesto
Diez de Sollano**, Rodrigo Cortez López** OBOES Alejandro Tello*, Luis Delgado*, Norma Puerto de
Dios OBOE Y CORNO INGLÉS Rolando Cantú**, Carlos Felipe Rosas** CLARINETES Eleanor
Weingartner*, Luis Arturo Cornejo* CLARINETE Y CLARINETE REQUINTO Rodolfo Mojica**
CLARINETE Y CLARINETE BAJO Jorge J. Domínguez** FAGOTES Cecilia Rodríguez*, Rocío Yllescas
Jacobo***, Carolina Lagunes FAGOT Y CONTRAFAGOT Ernesto Martínez** CORNOS Carlos Torres*,
Gerardo Díaz Arango * Javier León**, Artemio Núñez, David Antonio Velásquez P., Martín Durán
TROMPETAS Edmundo Romero*, Josué Olivier Sánchez** TROMBONES Fernando Islas*, Alejandro
López Velarde* TROMBÓN BAJO Misael Clavería** TUBA Roberto Garamendi* TIMBALES Julián
Romero* PERCUSIONES Esteban Solano Casillas**, Alejandro Reyes, José Eduardo Chávez PIANO Y
CELESTA Argentina Durán* ARPA Baltazar Juárez*.

Principal* Principal Adjunto** Periodo meritorio***

Oscar Arévalo,
director ejecutivo

Benito Alcocer,
subdirector de producción y operación

Roxana Acosta,
jefa del departamento de enlace artístico

María del Carmen Juárez,

jefa del departamento de personal

Izkrah Pinto,
jefe del departamento de difusión

Horacio Téllez,
jefe del departamento de recursos financieros y materiales

Rodrigo Villaseñor,
jefe del departamento de biblioteca

APOYO ADMINISTRATIVO

Guadalupe de la Rosa,
dirección ejecutiva

Gabriela León Fuentes,

de producción y operación

Emanuel Bórquez, Silvia Arriaga, Víctor Uribe,

departamento de enlace artístico

Dora Sosa, Juan Manuel Fuentes, Luis Gabriel Chávez,

departamento de personal

Georgina Muñoz, Fernanda Mondragón,

departamento de difusión

Laura Hernández, Yolanda Torres, Karla González, Sandra Razo, Mariana Salas,
departamento de recursos financieros y materiales

Jessika García, Apolonia López,

departamento de biblioteca

Joanna Ortega,
archivo

Arturo Sosa, Misael Torres, Arturo Serrano, Sergio Ángeles,

asistentes teatrales
GERENCIA DEL PALACIO DE BELLAS ARTES

Jesús José Sánchez Herrera,

coordinador de administración

Mariana Hernández Hernández,

coordinadora de programación y proyectos especiales

José Rojas Patiño,

coordinador editorial y de difusión

Federico Emery Othón,

coordinador técnico

Silvia Gil Rivera,

coordinadora de control de espectáculos

José López Quintero,

coordinador de conservación y obras

Martha Marlenne Chávez Brizuela,

coordinadora de relaciones públicas

Arturo Ricardo Murguía García,

coordinador de seguridad y vigilancia

Beatriz Maupomé Corona,

coordinadora de exposiciones de acervo histórico
COORDINACIÓN TÉCNICA DEL PALACIO DE BELLAS ARTES

Jorge Peláez y Esparza, jefe de foro | TALLER DE TRASPUNTE Cristopher Arturo González Flores, jefe de
taller. Sinohé Martínez Paredes | TALLER DE TRAMOYA Julio César Guerra Picazo, jefe de taller. Jesús
Dionisio Salinas del Castillo, Gabriel García Hernández, Sergio Meléndez Ensástiga, Luis Alejandro
García Herrera, Daniel Samaniego Alvarado, Giselle Michelle Enzástiga Almaraz, Karla Magali Gutiérrez
Cervantes, Carlos Flores López, Héctor Reyes Montero, Carlos Jafeth Campos Lara, Ricardo Lugo
Acevedo, Jesús Mateo Sánchez, Felipe Sosa Rodríguez | TALLER DE MAQUILLAJE Dolores Amparo
Vargas Ayala, jefe de taller. Azalea Martínez López, Bibiana Eva Vázquez Rivera | TALLER DE VESTUARIO
Ernesto Farías Pérez encargado de taller. Elvia Patricia Aceves García, Ricardo Castro Carrasco, María de
los Ángeles Vargas Arellano, Fortino Pinzón Herácleo, Erik Daniel Ramírez Aceves, Laura Cedeño Castro,
Fernando Aguilar Gutiérrez, Miriam Regina Legorreta Soria, Elvia Paola Andrade Márquez | TALLER
MECÁNICO José Amado Castillo Barreto, jefe de taller. Javier Márquez Bernabé, José Luis Olivares
Aguirre, Luis Alfredo Alejandro Durán Alvarado, Julián Gerardo González Contreras, Sergio Armando
Pérez Velazco | TALLER DE ILUMINACIÓN Roberto Carlos Arellano Ramos, jefe de taller. José Aníbal
Castro Reyes, David Méndez Cruz, Juvenal Orozco Medina, Félix Jesús Galván Alonso, César Jesús Salinas
Hernández, Joseline Hurtado Olivera | TALLER DE AUDIO Martín Fernando Jiménez Páramo, jefe de
taller. Julio Cárdenas García, José Luis Román Pedraza, Saúl Martínez Cadena | MULTIMEDIA Viridiana
González Vázquez | TALLER DE UTILERÍA Luciano Noé Alarcón Estrada, jefe de taller. Miguel Gustavo
Andrade Márquez, Mariana Fernández Sánchez, Rubén Martín Sánchez Reyes, Federico Flores Fuentes
| ATENCIÓN ARTÍSTICA, José Joel García Maldonado, encargado del área. Elena del Carmen Briseño
Gómez de la Llata, Guadalupe Cejudo Sánchez, Sandra Rodríguez Maturano, Martín Antonio Alarcón
Hernández, Jorge Mejía Nieto, Patricia Sandoval Sotelo, Janeth López Rosado.
PRÓXIMOS CONCIERTOS
Febrero
Sala Principal de Palacio de Bellas Artes

Amor de oriente y occidente

Ludwig Carrasco, director artístico

• Tamara Miller - Recuerdo de ahora

• Héctor Berlioz - Selecciones de Romeo y Julieta
• Nicolai Rimsky-Korsakov - Scheherazade

Viernes 14, 20:00 hrs. y domingo 16, 12:15 hrs.

Puentes musicales
Ramón Shade, director huésped

• Wolfgang Amadeus Mozart - Obertura a El rapto

en el Serrallo
• Igor Stravinsky - Suite Pulcinella
• Franz Joseph Haydn - Sinfonía núm. 100 en sol
mayor, Militar

Viernes 21, 20:00 hrs. y domingo 23, 12:15 hrs.

 SECRETARÍA DE CULTURA

Claudia Curiel de Icaza

Secretaria de Cultura

Marina Núñez Bespalova

Subsecretaria de Desarrollo Cultural

INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA

Alejandra de la Paz
Directora General

Haydeé Boetto Bárcena

Subdirectora General de Bellas Artes

Aarón Polo López

Director de Difusión y Relaciones Públicas

Silvia Carreño y Figueras

Gerente del Palacio de Bellas Artes