GOYA
Finalizada la guerra, Goya abordó en 1814 la ejecución de dos grandes cuadros de historia que
suponen su interpretación de los sucesos ocurridos los días 2 y 3 de mayo de 1808 en Madrid.
De su intención da cuenta el escrito dirigido al gobierno —presidido por el cardenal Luis de
Borbón como regente—217 en el que señala su intención de Fabricación de la pólvora en la
Sierra de Tardienta (Patrimonio Nacional, Palacio de la Zarzuela) «Estragos de la guerra» El dos
y El tres de mayo de 1808 en Madrid ... perpetuar por medio del pincel las más notables y
heroicas acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa. 218
Las obras de gran formato El dos de mayo de 1808 en Madrid (o La lucha con los mamelucos)
219 y El tres de mayo de 1808 en Madrid (o Los fusilamientos) 220 establecen, sin embargo,
apreciables diferencias con respecto a lo que era habitual en los grandes cuadros de este
género. Renuncia en ellos a que el protagonista sea un héroe: podía elegir, por ejemplo, para la
insurrección madrileña, presentar como líderes a los militares Daoíz y Velarde, en paralelo con
los cuadros de estilo neoclásico del francés David que ensalzaban a Napoleón, y cuyo prototipo
fue Napoleón cruzando los Alpes (1801).
En Goya el protagonista es el colectivo anónimo de gentes que han llegado al extremo de la
violencia más brutal. En este sentido también se distingue de las estampas contemporáneas
que ilustraban el levantamiento del Dos de Mayo, las más conocidas de las cuales fueron las de
Tomás López Enguídanos, publicadas en 1813, reproducidas en nuevas ediciones por José
Ribelles y Alejandro Blanco un año después. Pero hubo otras de Zacarías González Velázquez o
Juan Carrafa entre otros. Estas reproducciones, popularizadas a modo de aleluyas, habían
pasado al acervo del imaginario colectivo cuando Goya se enfrenta a estas escenas, y lo hace
de un modo original. Así, en El dos de mayo de 1808 en Madrid, Goya atenúa la referencia
noticiosa de tiempo y lugar —en las estampas el diseño de los edificios de la Puerta del Sol,
lugar del enfrentamiento, es plenamente reconocible— y reduce la localización a unas vagas
referencias arquitectónicas urbanas. Con ello gana en universalidad y se centra la atención en
la violencia del motivo: una muchedumbre sangrienta e informe, sin hacer distinción de
bandos ni dar relevancia al resultado final.
Por otro lado, la escala de las figuras aumenta con respecto a las estampas, con el mismo
objeto de centrar el tema de la sinrazón de la violencia y disminuir la distancia del espectador,
que se ve involucrado en el suceso casi como un viandante sorprendido por el estallido de la
refriega. La composición es un ejemplo definitivo de lo que se llamó composición orgánica,
propia del romanticismo, en la que las líneas de fuerza vienen dadas por el movimiento de las
figuras y por las necesidades del motivo, y no por una figura geométrica impuesta a priori por
la preceptiva.
En este caso el movimiento lleva de la izquierda a la derecha, hay personas y caballos cortados
por los límites del cuadro, como si fuera una instantánea fotográfica. Tanto el cromatismo
como el dinamismo y la composición son un precedente de obras características de la pintura
romántica francesa, uno de cuyos mejores ejemplos, de estética paralela al Dos de mayo de
Goya, es La muerte de Sardanápalo de Delacroix. Habitualmente, en El tres de mayo de 1808
en Madrid se ha señalado el contraste entre el grupo de detenidos prontos a ser ejecutados,
personalizados e iluminados por el gran farol, con un protagonista destacado que alza en cruz
los brazos y viste de radiante blanco y amarillo, e iconográficamente remite a Cristo —se
aprecian estigmas en sus manos—; y el pelotón de fusilamiento anónimo, convertido en una
deshumanizada máquina de guerra ejecutora donde los individuos no existen. El dos de mayo
de 1808 en Madrid, 1814 (Museo del Prado) El tres de mayo de 1808 en Madrid, 1814 (Museo
del Prado)
La noche, el dramatismo sin ambages, la realidad de la masacre, están situados también en una
escala grandiosa. Además el muerto en escorzo en primer término, que repite los brazos en
cruz del protagonista, dibuja una línea compositiva que comunica hacia el exterior del cuadro
con el espectador, que de nuevo se siente implicado en la escena. La noche cerrada, herencia
de la estética de «lo sublime terrible», da el tono lúgubre al suceso, en el que no hay héroes,
solo víctimas: unos de la represión y otros de la formación soldadesca. La elección de la noche
es un factor claramente simbólico, ya que se relaciona con la muerte, hecho acentuado con la
apariencia cristológica del personaje con los brazos en alto. 221 En Los fusilamientos no se
produce el distanciamiento, el énfasis en el valor del honor, ni se enmarca en una
interpretación histórica que aleje al espectador de lo que ve: la brutal injusticia de la muerte de
unos hombres a manos de otros. Se trata de uno de los cuadros más valorados e influyentes de
toda la obra de Goya y refleja como ninguno el punto de vista moderno hacia el entendimiento
de lo que supone todo enfrentamiento armado.
LOS FUSILAMIENTOS
- Anticipo a las pinturas negras. Edificios al fondo qie corresponden al palacio real, la
iglesia de la almudena y de la cruz
- Grupo de personas desdibujadas, aparecen posteriormente en las pinturas griegas
- Tratamiento novedoso, camisa, impresionista. Es predecesor. Triángulo, fusiles,
personajes centrales y asesinados. Punto de fuga hacia el horizonte negro.
- Espacio construido a partir de los personajes y la luz que ilumina la escena, centra y
equilibra el cuadro
- Tratamiento en los trajes de los soldados que recuerda al inicio del cubismo. Telas que
parecen de cartón, trabajo de planos que es previo al movimiento cubista de carácter
geométrico
CARLOS IV
- Familia que encierra aspectos significativos
- 1800-1801
- Tenemos muchos datos gracias a las cartas intercambiadas entre Maria Luisa y Godoy
- Guiño y homenaje a las meninas
- Misterio, dónde está el espejo. Posiblemente en el lugar donde estamos.
- Luz entra por la izquierda.
- Personajes nunca posaron, solo de forma individual
- Distinta altura de las cabezas y los pies, de tal forma que el espectador recibe una
sensación de homogeneidad y perspectiva
- Rostros. María Josefa, hermana de Carlos IV. Mancha en la sien derecha, lunar, signos
de belleza como vemos en las figuras femeninas de Tiépolo
- Carlos Iv. Muchas crítica, recuerdo al retrato del rey emérito.
ROSA BONHEUR
- 1822-1899
- Libertad, eje fundamental en su vida y obra.
- Ella dejó dicho en muchos momentos de su vida que no quería que nadie hablase de su
vida privada
- Eligió a las mujeres como compañeras de vida, Nataliee miká, persona clave en lo
personal y en lo artístico y Anna Klumpke, persona que por petición de escriba su
biografía y quien gestiona el legado de Rosa
- Nació em Burdeos, seno de una familia de soltura cultural pero no económica
- Elemento fundamental en su creación, los animales, apoyo y conexión fundamental en
su vida en el campo durante la infancia
- Madre muere muy joven, pero será siempre una referencia fundamental para ella.
- La familia conoce a Goya que estaba ahí.
- Se muda a París, va a clases de anatomía para aprender de los cuerpos, estructuras de
los animales.
- Aunque hay fundamentalmente obras de animales, también era paisajista, a veces
parte en el que los animales eran protagonistas
- Abordaba también el arte de la escultura, pero priorizó la pintura
- En el 48 le dan una medalla de oro y recibe un encargo fundamental del gobierno de
otra pintura de arado. Obra en el dorsé de París, LABRANZA EN NIVERNÉS. Interés en
darles todo el protagonismo, es una constante en su obra, siempre es lo central, lo que
más le interesa y no la gente.
- Obra coincide con la muerte de su padre
- AÑOS 50, explosión en su trayectoria
- Éxito tan enorme y popular de su obra.
- FERIA DE CABALLOS. Es comprado por el marchante gambart y lo empieza a mover por
Inglaterra y EEUU promoviendo la fama que tendrá por estos territorios. Actualmente
en el MET
o Interés en mostrar la anatomía y el cuerpo de los animales mediante el nudo
militar de la cola. Sin pudor de mostrar los genitales de los animales.
o Para poder hacer este cuadro y viajar tiene que pedir un permiso para ponerse
pantalones. Sale una ley que dice que es necesario que las mujeres pidan un
permiso de travestismo para ponerse pantalones.
o Clave de libertad para rosa y excentricidad para el resto que miran su vida.
- Uno de los animales que más repite en sus representaciones son los perros, sobre todo
en más avanzada edad
- Al principio busca la inspiración en las ferias, los mercados, los zoológicos, circos y
pronto empieza a tener animales en su casa. Por eso vemos una acentuación en la
singularidad de los animales, posiblemente porque sean los que viven con ella
- Significativa la relación con Eugenia del Montijo que le concede legión de honor de
Francia, la mujer de Napoleón
- Primero de muchos otros reconocimientos
- Hace un viaje por Escocia que le lleva a tener mucha inspiración, paisajes escoceses
- Para ella los animales más inteligentes y nobles son los leones. A partir de la guerra
francoprusiana en los 70, le interesan otros animales, se acerca a animales más fuerte
y fieros. También los tiene en su casa, tigres y leones. Fatma, leone que vive unos años
con ella, relación muy fuerte de cariña.
- Es entonces cuando empieza a realizar esta especie de retratos
- EL CID. Representa un león del ATLAS, cordillera norafricana detrás.
- 1879
- Lo retrata, retrato más que una representación. Estos animales tienen vida,
personalidad única. No son representación, representativo de una especie, un grupo.
- Obra que causa mucho impacto en su moento. Parace que un articulo se habla de esta
obra como el cid por el evidente protagonismo del León en el cantar del mio Cid,
cantar de gesta
El Cantar de Mio Cid constituye la primera gran obra de la literatura española escrita en
una lengua romance. Compuesto por versos anisosilábicos de asonancia monorrima, este
cantar de gesta relata las hazañas heroicas inspiradas libremente en los últimos años de la
vida del caballero castellano Rodrigo Díaz, el Campeador. Se trata de una obra anónima,
aunque los especialistas creen que fue escrita por Per Abbat en torno al año 1207.
Del Cantar de Mio Cid se ha dicho que es el bello pórtico de nuestra literatura medieval.
l Cantar de Mio Cid trata el tema del honor, un valor de gran
importancia para la gente de la época. La necesidad de recuperar la
honra perdida es lo que da impulso a las hazañas acometidas por el
héroe.
El poema se inicia con el destierro del Cid, primer motivo de
deshonra, tras una acusación de robo. Este deshonor supone también
el ser desposeído de sus heredades o posesiones en Vivar y privado
de la patria potestad de su familia
el león es un agente catalítico que separa las fuerzas del bien y del mal.
- Todo un inventario de la obra de rosa aparece como joven príncipe y cabeza de león
- Hay quién ha visto rasgos de autorretrato
- Fuerza tremenda, mirada, juventud, potencia en la expresión del rostro
- En el mismo año hace otro cuadro, EL VUEJO MONARCA, un león mayor. Juntos se ve
que es un león de la misma raza, capta y consigue transmitir la diferencia de edad en el
rsotro, nos cuenta cosas diferentes
- Los cuadros de animales se convierten cada vez más en retratos, muchos de estos
perros que tienen hasta nombre, expresión hasta individualizada, propia personalidad
y vínculo afectivo con la artista
- Muere en 1899, pierde Natalie en 1889, cuando conoce a Ana, importante figura en los
últimos años de su vida. La hacen oficial en la legión de honor.
- Se crearon muñecas que representaban a Rosa.
- Ana jugaba con la muñeca, mucho más joven que la admiró muchísimo. También una
gran artista, realiza muchos retratos a Rosa
- Le pide que realice un último retrato vestida con ropajes de mujer con Charlie en su
regazo, aparece con 77 años, casi a punto de fallecer. 25 mayo 1899 fallece.
- Muchas condecoraciones que recibe. Una importante, real orden de Isabel la católica,
España 1890 por parte de Alfonso XII. Decía que se sentía por ello muy cerca de este
país. En España también era conocida.
- Confía la misión a ANNA KLUMPKE de escribir la historia de su vida. Rosa compartió
todo con ella mientras Anna tomaba notas sobre lo que había supuesto su vida y
creación.
- Se le relaciona con el león
- Estuvo mucho tiempo en los almacenes, necesidad de que las mujeres estén en los
museos, muchos otros sujetos no hegemónicos
“El arte es un tirano”, dijo. “Exige corazón, cerebro, alma,
cuerpo. Todo el ser del devoto. Nada menos que eso le ganará
su más alto favor. Me casé con el arte. Es mi marido, mi
mundo, el sueño de mi vida, el aire que respiro. No sé nada
más, no siento nada más, no pienso nada más”.
SOFONISBA ANGUISSOLA
- Importante relación con es España y este museo. Primera mujer con obra expuesta en
este museo y el que más obra que tiene de ella, las seguras y las probables atribuidas
- Importancia de sus autorretratos
- Se define a sí misma como pintora y alguien que trabajó dentro de coordenada sociales
muy concretas. Dama de compañía de Isabel Valois, tercera esposa de Felipe ll. ambas
facetas muy presentes en su investigación.
- Se encuentra en las vidas y obras de Girogo Vasari. Célebre por sus biografías de
artistas italianos, siglos xvi
- Reconocida por la historia del arte, se habla de ella, pero durante más de 3 siglos ha
estado prácticamente olvidada. A finales de los 70, 80 empezó a ser reclamada por
historiadora feministas, principalmente en la Lombardía
- Fundamentalmente retratista
- Asèctos de su obras muy controvertidos, provocan debate
- No se conoce con exactitud la fecha de su nacimiento, 1532-35, en Cremona, seno de
la familia de la baja aristorcracia
- Su padre, en edad temprana la envía al taller de Campi, para que se forme en pintura,
extraordinario para una mujer de la aristocracia. Se empieza a formar tradición de
mujeres literatas en Cremona, padre es comercial y culturalmente muy activo. Su
hermana y ella muestran una gran capacidad para el dibujo y pintura
- Se convierte en el representante de sus hijas, envía cartas a diferentes cortes
principescas de Italia
- Duque de alba, le popone a su padre que si quiere ser dama de Isabel de Valois. Llega a
España en febrero de 1560
- 1568 muere Isabel de Valois. 1563, se casa con un noble siciliano. Después se vuelve a
casa con el segundo de una familia noble genovesa. Juega bien sus cartas, se casa
primero y luego pide permiso al rey.
- Se instala en Génova y en 1615 su marido regresan a Sicilia, dominios en Palermo
- Retratística cortesana de origen lombardo e influencia del retrato cortesano de los
aubusgo, probablmente a través de Tiziano
- Familia con interés históricos, culturales y literarios
- Importante en la teoría artística del renacimiento el estudio y conocimiento de las
expresiones y la fisionomía. Típico ejercicio para cualquier artista, expresión de las
emociones
- Después pasan al taller de Gatti, cremonés
- Destaca en su obra la capacidad de crear una comunicación sentimental, empatía,
cercanía psicológica con los modelos
- Uno de sus dibujos llega a Miguel Ángel gracias a su padre, quien se queda admirado
por el dibujo y se lo devuelve al padre proponiéndole un reto. Ver si es capaz de
representar un rostro infantil llorando y hace un dibujo de su hermano llorando en el
momento en el que le pica un cangrejo
- Suma de éxitos muy temprano, incluso antes de cumplir los 20 años.
- Adapta de manera completa del lenguaje del retrato cortesano
- No conservamos el mayor éxito artístico de la reina, un retrato, conservamos copias
- Hizo versiones de 3-4 y de cuerpo entero
- Posición peculiar, no es una pintora de cámara, no es retratista de la rey ni del rey. Que
en ese momento es Antonio moro, sanchéz coello. Es una dama de compaía, su trabajo
es acompañar a la reina en los viajes, en la corte.
- Ambiente político en el que participa de forma activa
- Dama seleccionada por su capacidad pictórica, gracias también a su origen noble
- Escritos denota una cercanía extraordinaria. Privilegio de pintar el rey.
- Acuña el término “artista de compaí” dos aspectos de su personalidad, artístico y
función en la corte
- Dentro de la caa de la reina y de `puertas a fuera tiene una gran aceptación y éxito
- Retrato de tanto éxito está perdido
- Capacidad de añadir vida mediante pequeños retr atos a un género en el que primaba
el sosiego, un distanciamiento y frialdad absoluta en los personajes de la corte
- Retrato que genera aún discusión, por cuestiones estilística podrñia ser de sanchez o
sofonisba
- Detalle de la mano derecha, retrato en miniatura de Felipe ll. también denominado
naipe.
- Desconocida la fecha exacta
- De los distintos pintores que habían trabajado en la corte, la única que había utilizado
una composición así fue sofonisba
- Retrato de julio clobio, miniaturista croata que trabjaba para los farnesse en roma. Ella
le hace un retrato en el que muestra un retrato en miniatura que acababa de termina,
detalle que nos lleva a pensar en la ajutoria de Sofonisba
- Tema con gran éxito que se retoma en imágenes de la siguiente generación, infanta
Isabel Clara Eugenia, retratada en bastantes ocasiones retomando la pose de su madre
- Se ha querido vincular este retrato como un sñimbolo de la cercanía de estas mujeres a
la figura real y una alusión a las responsabilidades políticas
- 1565, retrato que podría coincidir con las vistas de Bayona, entrevista entre Catalina de
Medici e Isabel de Valois, en representación de Felipe ll
- Encuentro en el que la reina defendió los intereses de su marido, los españoles
- No sabemos la exactitud de las fecha.
- Esoeculación
- Mujer joven con un discurso teórico a cerca del rerato muy llamativo