1.

Compositores y obras sobre los cuales se debe conocer:

a) Época
b) Acontecimientos importantes de su vida con incidencia en su obra
c) Características de su estilo
d) Géneros fundamel)1ales en su creación
e) Características de las obras

Barroco:
La palabra Barroco significa exceso de ornamentación, de lo que es desmesurado y extravagante.
Se desarrolla durante el siglo XVII y primera mitad del XVIII. Esta época está dominada por el absolutismo,
lanto de la Iglesia como del Estado. Los factores que favorecieron el desarrollo del arte barroco en el siglo XVII
fueron la orientación ostentosa que la Iglesia Católica.
Entre las características del arte barroco se destacan lo heroico, el misticismo, el erotismo y la crueldad. Los
artistas buscaban la representación de los sentimientos, las pasiones y los temperamentos, magníficamente
reflejados en los rostros de sus personajes. El arte del catolicismo es emocional, exaltado, dramático y
naturalista, con un claro sentido de propagación de la fe. En cambio el protestantismo recurrió a un arte más
sencillo.
L,a música compuesta en este período tiene características comunes como son:
\t Presencia de de muchos adornos

• la dinámica por planos sonoros contrastantes

• predominio de la textura polifónica con utilización de recursos contrapuntísticos como la imitación, la
secuencia, etc.
• La armonía va a estar dominada por el bajo continuo, que no es más que un bajo cifrado, que implicaba la
realización improvisada de una estructura determinada de acordes, fundamentalmente en manos del teclado, el
eeHo o el fagot.
• La agógica es muy estable con pequeños ritardandos al final de las obras.

• Concierto para orquesta de la Música Acuática de Haendel

(1685-1759) Compositor alemán, aunque nacionalizado británico. Fue uno de los más grandes compositores de
ia última etapa barroca.
Vivió entre Alemania e Inglaterra. Viajó a Italia donde recibe la influencia de la ópera seria al estilo de
Scar[atti. En este país se interesó por la música vocal instrumental, en especial el oratorio. En Alemania escribe
sus cantatas alemanas, los conciertos para oboe y las sonatas para flauta.
La ópera en Haendel
'Ocupó un lugar importante en su creación. Trabajó la ópera seria italiana continuando sus tradiciones. En sus
óperas aparecen diversos argumentos: histórico, mitológico, épico. Estos pueden presentar conflictos sociales.
Generalmente sus personajes son de la alta jerarquía (reyes, monarcas). A través de las arias expresaba los
sentimientos de los personajes. Los conjuntos vocales son poco frecuente y menos aún los coros. La orquesta es
brillante, las oberturas las trabaja, por lo general, al estilo francés y utilizó el ballet en algunas óperas. Le daba
gran atención al recitativo, sobretodo acompañado.
Los Oratorios en Haendei
Escribió 22 oratorios, donde utilizó argumentos muy diversos. En sus inicios escribió uno pastoral: Acis y
Galatea. Utilizó argumentos mitológicos: Hércules. También escribió oratorios líricos como Alegre Pensador y
Moderado. Otros oratorios son: Samson, Saúl, Esther, pero sus obras cumbres son Israel en Egipto y El Mesías.
Música Instrumental
Tiene 12 conciertos grossos, escritos para orquesta de cuerdas con 4 cornos y clavicémbalo como instrumentos
de bajo continuo. Haendel escribió otra serie de conciertos entre los que se destacan los conciertos para
orquesta de la Música Acuática y la Música para Fuegos Artificiales en Re Mayor.

Música Acuática: fue estrenada en el verano de 1717 a requerimiento del rey Jorge I para ser interpretada sobre
el río Támesis. La obra incluye los instrumentos propios de una orquesta barroca: dos trompas, dos oboes, un
fagor y las cuerdas.
 Comienza con una obertura francesa e incluye minuetos, bourrées y hornpipes. Se divide en tres suites: en Fa
mayor, en Re mayor y en Sol mayor.

En cuanto a su música para clave compuso dos colecciones de suites en 1720.

Escribió conciertos para órgano, casi siempre como música para los entreactos de sus oratorios. Estos están
recogidos en dos colecciones principales: op 4 Y op 7

.. Los 6 Conciertos de Brandenburgo y El Clave Bien Temperado de J. S. Bach

(1685-1750) Organista y compositor alemán. Su fecunda obra es considerada la cumbre de la música barroca y
una de las cimas de la música universal, por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza
artística, así como su incomparable extensión.

Primer Período: Weimar (1708-1717)

Es el primer período importante de su creaClOn, se destacan obras como la tocata y fuga en re menor, la
Pasacaglia en do menor, cantatas, piezas para clavicémbalo, etc.

Segundo Período: Cothen (1917-1923)

Se dedicó fundamentalmente a la música instrumental, en especial para clave. Entre las obras que escribió en
este período están las invenciones a 2 y 3 voces, los seis conciertos de Brandenburgo, la fantasía cromática y
fuga para clave, el primer tomo del Clave bien temperado, suite francesa e inglesa, los conciertos, partitas y
sonatas para violín y el doble concierto.

Tercer Período: Leipzig (1723-1750)

Aquí produjo la mayor cantidad de sus cantatas, la misa en si menor, las pasiones, motetes, el segundo tomo del
Clave bien temperado, las variaciones Goldberg y el concierto italiano. También comenzó a escribir el libro El,
arte de la fuga, que quedó inconcluso por su muerte.

Música para clave

Este instrumento ocupa un papel central en la obra de Bach, no solo como bajo continuo de sus obras, sino
como instrumento solista (ej. Concierto No. 5 de Brandenburgo).
Entre los aportes de Bach a este instrumento se encuentran la utilización de una nueva digitación, así como la
posición de los dedos y el pase del pulgar, Explota al límite sus capacidades, haciendo sonidos y efectos nunca
vistos. Hizo una demostración sobre las 24 tonalidades Mayores y menores en El clave bien temperado,
" llevando al máximo las posibilidades que podía ofrecer este instrumento y demostrando que se puede modular a
cualquier tonalidad.
Escribió 23 suites (de las cuales J 9 son las conocidas) donde utiliza el ciclo de las 4 danzas: allemanda,
courante, sarabanda y giga, en ocasiones incorporando gavotas, minuettos, etc. Por lo general comienza las
suites con un preludio. También escribió 7 partitas, donde la base de la suite es tratada de manera más libre. Las
4 danzas no tienen que estar presentes, pudiendo utilizar otras piezas que no fueran danzas. Además cultivó
tocatas. Otro trabajo importante es "El arte de la fuga", que quedó incompleto al morir mientras lo componía;
con la idea de que fuese un conjunto de ejemplo de las técnicas del contrapunto.

Música para orquesta

Se destacan cinco suites para orquesta, a las cuales a veces se les denomina oberturas, debido a que todas
comienzan con oberturas grandes. También introduce danzas francesas como el minuet y el bourré. En ninguna
de estas suites utiliza las 4 danzas fundamentales, solo algunas de ellas.

Conciertos
Escribió conciertos a solo y grossos, basándose en la forma de los conciertos de Antonio Vivaldi. Creó el
concierto para clavicémbalo. Entre los conciertos grossos se destacan los Seis Conciertos de Brandenburgo,
escritos por encargo del conde de Brandenburgo. Cada uno tiene una composición de instrumentos propia,
donde el concertino a veces incluía una gran cantidad de instrumentos. Presentan diferentes estructuras, pero
predomina la de 3 movimientos.
Música Vocal-instrumental
Escribió diferentes géneros como cantatas religiosas y profanas, misas, pasiones, motetes corales, pasiones,
oratorios de Navidad y lieder.
La mayoría de su música vocal es religiosa, y está compuesta en el seno de la iglesia luterana alemana.
La mayoría compuesta en Leipzig.
Escribió cinco misas, de las cuales cuatro son denominadas misas breves. La única misa que incluye las 5 partes
fundamentales es la Misa en Si m .

• Las Cuatro Estaciones de A. Vivaldi

(1678-1741) compositor y violinista italiano, el más influyente de su época.
Vivaldi escribió conciertos a solo, conciertos grossos, sonatas a solo y a trío, óperas y música religiosa como
oratorios, misas y motetes, su música religiosa a menudo refleja el estilo operístico de la época. Pero el género
más destacado fue el concierto a solo.
Los conciertos a solo de Vivaldi se convirtieron en modelo del género en toda Europa einfluyeron en el estilo
de sus contemporáneos, incluso en los de más edad. Escribió más de 300. Entre los conciertos para violín
destaca el ciclo conocido como Las cuatro estaciones, que no compuso de forma continua, aunque en su
conjunto guarda una unidad formal y estética indudable. Esta obra es uno de los primeros ejemplos de música
programática que, como gran parte de su producción, se caracteriza por ritmos vigorosos y fuertes contrastes.
Como gran intérprete de violín, que asombraba al auditorio por su técnica, estableció una de las características
básicas del concierto de los siglos siguientes: el virtuosismo del intérprete.
Fue el primer compositor que utilizó de forma coherente el ritomello, que se llegó a imponer en los
movimientos rápidos del concierto. El ritornello se repetía en diferentes tonalidades y era interpretado por toda
la orquesta. Alternaba con episodios interpretados por el solista, a menudo de carácter virtuoso. Estableció la
'forma de tres movimientos para el concierto (allegro-lento-allegro) y fue uno de los primeros en introduci~
cadenzas para el solista.

Clasicismo
El período clásico, ubicándolo históricamente, comprende la segunda mitad del siglo XVIII, época en la que se
producen numerosos sucesos históricos como la Revoluciones Francesa y la Revolución Industrial (en
Inglaterra), hechos que condicionaron numerosos cambios políticos, económicos y sociales. En Francia la clase
burguesa comienza un desarrollo en el poder político. Así mismo pierde auge la monarquía y tiende a
debilitarse el poderío de la Iglesia Católica.
Surge un movimiento al que se llamó indistintamente Iluminismo o Ilustración, por la supremacía que se daba
al raciocinio y la erudición, al empeño de ilustrar a los hombres para luchar contra el feudalismo y el
absolutismo monárquico. Gran confianza en la razón y la lógica.
El móvil esencial del arte neoclásico fue el estudio científico de la antigüedad clásica greco-romana. Ejemplo
de esto es que hacia el año 1730 se realizaron las excavaciones de Herculano y más tarde las de Pompeya, que
permitieron conocer el arte antiguo a partir de sus fuentes originales en lugar de hacerlo a través de los textos
de los eruditos.
Arte en general:
Tiende a concebir el mundo como algo bello y perfecto y a transmitir a través del arte el sentido de la
perfección, la tranquilidad y lo ideal. Por ello adquiere más importancia la forma sobre lo demás ya que esta es
la que puede reflejar esta perfección.
El arte de esta época prefiere la claridad y la sencillez a la exuberancia y teatralidad del barroco y el rococó.

Características musicales:
La segunda mitad del siglo XVIII europeo, es la etapa en que aparece lo mejor de la producción musical del
llamado estilo clásico. La escuela de Mannheim (alemania) que surge anterior al 1760, es una escuela de
interpretación y composición musical que hizo grandes aportes y adelantos a la música en general.
- En el aspecto formal: Introdujeron la sinfonía de 4 movimientos, donde le dieron al movimiento lento (2do
móv.) un carácter cantábile, afectivo, sensible; y agregaron como 4to movimiento unfinale rápido que seguía
 al minué. En el ler movimiento, con forma allegro de sonata, buscaban generalmente el contraste entre los
temas.
- Acentos firmes.
- Utilización del timbre individual de cada instrumento.
- La orquestación alcanza nuevas dimensiones y se le va a dar una conformación estable a la orquesta, la cual
va a ampliarse con nuevos instrumentos de viento y de percusión entre los que estuvieron el clarinete y el
tímpani.

Los comienzos del clasicismo vienés están ligados a los comienzos de la actividad de Haydn. Abarca el último
tercio del siglo XVIII y los primeros años del siglo XIX, siendo Viena su centro principal.
• Este periodo fue testigo de un cambio radical en el papel de los instrumentos de teclado, a medida que fue
desapareciendo su función de bajo continuo y tornando su lugar corno solista en las sonatas para piano
fundamentalmente, que además se trabajaron con frecuencia.
• El formato instrumental más util izado en el clasicismo es la orquesta sinfónica clásica, distribuida en la
familia de cuerdas (violines 1 y 1I, viola, cello y contrabajo), dos oboes, fagot, dos tropas, dos flautas,
trompetas, y en la percusión el tímpani.
• Se busca una música más clara, menos recargada, menos rebuscada.
• La melodía va a ser el centro, la esencia de la obra musical y va a estar unida a un acompañamiento armónico,
ej: el bajo de Alberti, es comLIll y frecuente en las sonatas. Es la prueba más clara de la importancia que tiene la
melodía en este período, pues el bajo de Alberti sin melodía a la cual acompañar no tiene significación alguna.
Consiste en tríadas disueltas o acordes invertidos también disueltos. Las melodías se tornan de danzas y
canciones populares, imprimiéndole luego mayor exquisitez. Van a ser muy cantables, pueden presentar
secuencias, giros escal ísticos, ligaduras de dos notas, adornos, giros arpegiados, generalmente están construidas
por frases.
• La rítmica se hace más flexible, natural pero regida por una métrica regular.
• Se empiezan a emplear la graduación dinámica (el crescendo y el diminuendo).
• Rápidos contrastes temáticos en una misma parte o movimiento, utilización de formas ternarias corno la
forma allegro de sonata: un esquema regido por la simetría y el equilibrio propio de la época, que ocupa el
primer movimiento de las composiciones.
• El pensamiento armónico está caracterizado por una claridad absoluta, no posee grandes tensiones y tiene
innumerables modulaciones que están determinadas por la forma, utiliza procesos de acordes típicos y
fundamentales (I-IV-V) de la armonía funcional. Generalmente se prefirieron las tonalidades Mayores a las
menores.
• En cuanto a la textura hay predominio de la homofonía con pasajes polifónicos. Hay menor despliegue de
virtuosismo, mayor simplicidad y menor satisfacción en la expresión, a la vez va a haber una mayor naturalidad
en el estilo.

Haydn- Sinfonía 94, Seis cuartetos op. 76

(1732-1809) Uno de los máximos representantes de la escuela clásica vienesa. Dentro de su catálogo
encontramos: sinfonías, cuartetos de cuerda, óperas y comedias, cantatas y oratorios, tríos de cuerda, conciertos,
sonatas para piano, misas, lieder, danzas y divertimenti.

Si:nfonías: Fue el cristalizador de la sinfonía. Stamitz y Philipp Emmanuel Bach habían introducido los ternas
dobles y la división de cuatro partes, camino seguido por Haydn, que comenzó a hacer pequeñas innovaciones y
ya en 1761 compone la tres sinfonías de las horas del día, las cuales tituló: Le Martin; Le Midi; Le Sole que se
orientan hacia la futura sinfonía Pastoral de Beethoven.
Con las seis sinfonías de París (1785-86) queda establecida la sinfonía clásica. Está fijada en 4 partes: a una
introducción lenta sigue un allegro: la segunda parte es un tiempo lento: el minueto en la tercera y al final a
menudo es un presto-rondó.
En cuanto a su técnica ele instrumentación la cuerda se individualiza y se introducen los instrumentos de viento,
el clarinete va ganando más importancia, las trompetas toman partes melódicas.

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 Otras sinfonías importantes son las 12 sinfonías londinenses; la No 94 La Sorpresa; la No 100 Militar y la 101
El Reloj por utilizar un programa descriptivo.

Cuartetos de cuerda: (Formato 2 violines, viola y cello). Es el cristalizador del cuarteto de cuerdas. En sus
cuartetos logró el máximo equilibrio en el diálogo de los instrumentos, así como un balance en la utilización de
la homofonía, el contrapunto y el estilo concertante.
Sus primeros cuartetos constaban de 5 movimientos: Allegro, Minuet, Andante, Minuet, Allegro.
Luego elimina el Minuet del cuarto movimiento, quedando: Allegro, Minuet, Andante, Allegro.
En la década del 80 el Minuet pasa al tercer movimiento, donde se fijan las características en cuanto a
estructura: Allegro, Andante, Minuet, Allegro.
En los seis cuartetos del sol op.20 demuestra sus conocimientos de contrapunto, ya que tres de las seis partes
finales están compuestas en forma de fuga.
En 1781 escribió los seis cuartetos rusos op.33, donde sustituye el Minuet por un Scherzo.
Otro importante cuarteto es El [Link] op.76 No 3 en Do Mayor, donde realiza variaciones sobre el himno
nacional del imperio, [Link] más tarde como Himno nacional de Austria.
En el cuarteto de cuerda clásico se evidencia la igualdad en la importancia de los 4 instrumentos, es decir, la
viola y el cello desempeñan también un papel protagónico y ya no son solamente instrumentos de
acompañamiento.

Otros géneros: Escribió sonatas muy sencillas y galantes, y con gran solidez formal. Trabajó temas populares,
líricos y patéticos. Aportó el término Scherzo por primera vez en una sonata para piano, aunque después siguió
usando el minuet.
Aunque no gustaba de la forma concertante, su concierto para violoncelo figura entre las obras más
representativas de este instrumento. Sus conciertos se caracterizan por poco contraste temático y por exposición
de la orquesta con poca extensión.
También compuso lied, pero solo los compuestos en Inglaterra marcan su plenitud.

Óperas: escribió 24. La mayoría son basadas en textos italianos, prefiriendo las óperas bufas. La ópera seria
más conocida es Orfeo y Euridice.

Música Coral: Escribió 15 misas. También consta de un Stabat Mater y muchas pequeñas piezas como
motetes, canciones, etc. Escribió cantatas dramáticas como Ariadna, que son como mínimas piezas teatrales
para una sola voz y acompañamiento.
Haydn fue continuador de la tradición del oratorio haendeliano. Escribió 4 oratorios, dos profanos (Las
Estaciones y La Tempestad) y dos religiosos (La Creación y Las siete palabras de Cristo en la Cruz).

Mozart: Sinfonías 39 en Eb, 40 en G menor, 41 Júpiter, Pequeña Música Nocturna,

Operas Las Bodas de Fígaro, Don Giovanni y La flauta mágica, Réquiem.
(1756-1791) Representa la cumbre de la escuela clásica vienesa del siglo XVIII, escribió en todos los géneros y
formas musicales de su tiempo. En la música instrumental reflejó las características musicales de la escuela de
Mannheim y de Haydn, pero creando un estilo instrumental más dramático y maduro. Su música se basa en la
expresividad lírica, ref1ejando lo elegante, gracioso y alegre. El elemento principal de su obra es la melodía que
es clara, sencilla, expresiva, contiene cromatismo y retardos abundantes. Dentro de su música instrumental se
destacan sus sinfonías, serenatas, divertimentos, conciertos para varios instrumentos, cuartetos, sonatas, etc.

Sinfonías: Escribió un total de 41 sinfonías, siendo la cumbre de este género las 3 últimas (39,40 y 41 Júpiter),
las cuales resumen toda su obra sinfónica. No obstante entre las sinfonías anteriores se encuentran algunas de
gran importancia como Jaffne y la Sinfonía Praga.

Conciertos: Dentro de este género escribió para casi todos los instrumentos, que tienen como característica
general dos exposiciones, una p~ra la orquesta que anticipa la entrada del solista y otra para dicho solista.
Compuso más de 20 conciertos para piano y orquesta, 7 para violín y conciertos para todos los instrumentos de
viento madera, trompa y otros.

,
I
 Obra pianística: Por ser un virtuoso del clavecín y después del piano escribió obras para este instrumento
como 19 sonatas, fantasías, variaciones, rondó, etc. La obra más grande de su creación pianística es la Fantasía
y Sonata en Do.

Cuartetos de Cuerdas: Escribió' 30 cuartetos de cuerdas entre los que se destacan 6 dedicados a Haydn. Se
caracterizan por la factura desarrollada polifónicamente por la participación activa de los 4 instrumentos.

Réquiem en Re m: misa de difuntos compuesta en 1791, fue la última obra en que trabajó, y no pudo
terminarla, pues lo sorprendió su muerte. La obra está escrita para orquesta, cantantes solistas y coro. Esta
dotada de un dramatismo casi hiriente. En las distintas partes se mezclan los números grandiosos de orquesta y
coro con los números atribuidos a los solistas y la orquesta.

Pequeña Serenata Nocturna: La Serenata para cuerdas en Sol mayor, más conocida como "Eine Kleine
Nachtmusik" (Una pequeña serenata nocturna), es una de las composiciones más populares de Mozart. Fechada
del año1787, contemporánea con la composición de "Don Giovanni". Originalmente constaba de cinco
movimientos, de los que se han se han conservado cuatro. Su instrumentación es para un pequeño conjunto de
cámara: Dos violines, viola, violonchelo y un contrabajo opcional.
El 1er mov. es un "Allegro" en forma de sonata, cuyo primer tema tiene un carácter ascendente muy
pronunciado. El segundo tema es más gracioso.
El 2do mov. es una "Romanza". Es un Andante que contrasta por su lentitud con el primer movimiento. Está
escrito en forma rondó.
El 3er mov. es un Minueto y Trío de carácter bailable, y con forma ternaria simple (Minueto-Trío Minueto).
Está escrito en la tónica y es bastante rápido, con un tempo de Allegretto.
El 4to mov. está en forma sonata. Durante la exposición alternan dos temas. En el desarrollo entre ambos se
modula a través de varias claves para terminar en Sol menor. Los dos temas reaparecen en la recapitulación y se'
termina en la coda, en la cual retorna el primer tema.

Ópera: Sus primeras óperas son una mezcla de la ópera italiana y la francesa, empleando arias con recitativos y
coros, además de utilizar los obligados requisitos: tempestades, monstruos marinos y desfiles, oraciones y
danzas. Con apenas 12 años estrenó su primera ópera "Bastian y Bastiana".
En su juventud se interesó por el singspiel alemán, una especie de ópera popular, donde alternaban la palabra
hablada y las canciones en el desarrollo de una trama fantástica o bufa, y lo que hasta entonces solo se conocían
en teatros provincianos o de aldeas fue elevado por él a gran altura. Sin lugar a dudas sus obras maestras son:
~ • "Bodas de Fígaro" (ópera bufa donde el texto satiriza la aristocracia ociosa y libertina)
• "Don Giovanni" (obra, aunque creada con libreto y estilo italianos, rebasaba mucho de los moldes
tradicionales; desde su obertura dramática hasta el final cuando el protagonista se hunde en los infiernos, hay
una riqueza de invención notable; alternan en ella lo trágico y lo cómico; los cantantes tienen oportunidades de
lucimiento vocal, sin que por ello se descuide el rigor en el tratamiento de la orquesta) .
• "La flauta mágica" (concebida como un gran singspiel, en el cual alternan las partes habladas con las arias y
partes concertantes).
Mozart llevó al extremo de sus posibilidades las formas tradicionales del clasicismo. Nos legó un repertorio
amplio y rico en el cual se unieron los mejores elementos de la tradición italiana y alemana,
Singspiel: El rapto en el Serrallo, La flauta mágica (Ambas con texto en alemán)
Ópe'ras bufas: Las bodas de Fígaro
Cossi fan tutte (así son todas)
Óperas serias: Idomeneo
La clemencia de Tito

Beethoven: la 3ra "Eroka.", la Sta, la 6ta "Pastoral", la 9na "Coral"; Obertura "Egmont".
(1770-1827) Su obra rdleja la heroicidad y el dramatismo de su época, ya que recibe influencia de la y tensión
de su tiempo, con hechos como la Revolución Francesa. Es considerado clásico, ya que se proyecta como un
compositor humanista que lleva a través de sus obras determinados mensajes y esto lo aleja de los primeros
 7

románticos que son individualistas y crean obras íntimas sin interesarles llevar mensajes a grandes públicos. Ya
Beethoven es el tipo de músico que no compone por encargo, sino exclusivamente para él, acercándose al
romanticismo por ser un artista libre e independiente. Cultivó todos los géneros, radicando la mayor
importancia en su música instrumental. En cuanto a formas musicales cultivó todas las del Clasicismo: sonatas,
. .
vanaCIOnes.
.
sinfonías, música de cámara, y algunas del romanticismo: oberturas independientes, música para ballet,

Su obra abarca 3 períodos:

ler período "Vienés" (1792-1803): es la etapa más clásica de su obra. Entre las obras de este período se
encuentran sus dos primeras sinfonías, los 6 cuartetos de cuerda, 3 tríos, 9 sonatas para violín, cerca de 20 para
piano, 3 de sus 5 conciertos para piano, un oratorio y la música para el ballet Prometeo.
2do período (1803-1816): En esta etapa de creación se empieza a reflejar los temas que van a caracterizar toda
su obra (heroico-dramático-revolucionario) Compuso de la 3ra a la 8va sinfonía, conciertos para piano 4 y 5, el
único concierto para violín en Re M, 32 variaciones para piano, su ópera Fidelio, Fantasía coral en do m op.80,
5 cuartetos de cuerda, y las oberturas Edgmont, Coriolano y Leonora de la 1 a la 3.
3er período (1816- hasta su muerte): Es la cumbre de su creación, la culminación de los rasgos que
caracterizan su estilo y anuncian la nueva forma de pensamiento musical que llevará al romanticismo. En esta
etapa hay una inclinación al trabajo de la música coral, 10 que se puede observar en la Misa Solemne y la 9na
Sinfonía. Además compone sus últimas sonatas para piano, los últimos cuartetos de cuerda, dos sonatas para
cello, un ciclo de variaciones para piano.

Cuartetos de Cuerdas:
Compuso 16 cuartetos de cuerdas.
• Los primeros están muy cerca del trabajo de Haydn y Mozart.
• Ya en los cuartetos op. 59 encontramos rasgos de su estilo: Hay mayor profundidad en el contenido, mayor
dramatismo, son más extensos y presentan mayor trabajo polifónico.
• Los últimos 5 cuartetos son más importantes. En ellos otorga la misma importancia a todos sus instrumentos,·
cada uno desempeña un papel independiente y por ello la polifonía adquiere mayor relevancia, lo cual se puede
ver en la utilización de fugas en los mismos. En estos últimos cuartetos las partes lentas ocupan un papel
importante pasando a ser el centro dramatúrgico.

Obertura Edgmont Op. 84: Compuesta en 1810, en pleno periodo de guerra napoleónica. Es contemporánea con
la 5ta sinfonía. Ilustra musicalmente la obra de homónima de Goethe. Su argumento es bélico. Es una
composición cerrada y uniforme que expresa emociones e ideas llenas de heroísmo. El tema de la libertad está
muy presente. El tratamiento tímbrico, melódico y las entonaciones de marcha y de himno aluden al ambiente
de guerra. Destaca el uso de los instrumentos de viento y de percusión.
La obra comienza de forma fragmentaria, va cobrando un componente épico a medida que avanza y finaliza de
forma espectacular

Sinfonías:
Conforman el género más importante dentro de su creación. Dentro de este género la forma más utilizada es la
forma sonata, parte de la tradición clásica. De Haydn toma el carácter danzario y la elaboración de los motivos.
De ~lozart la profundidad del contenido, el dramatismo y el sentido de unidad del ciclo. El carácter de sus
sinfonías es tan variable como el de sus sonatas (lírico-heroico-dramático, etc.). En sus sinfonías se definen los
rasgos principales de su creación. Escribió 9 sinfonías.
Ira sinfonía: se resumen las características de las sinfonías clásicas-vienesas, manteniendo el minuet en el 3er
movimiento.
2da sinfonía: incluye el scherzo en lugar del minuet, también se independizan los contrabajos de los cellos.
3ra Sinfonía Heróka: escrita en 1804, inaugura una nueva etapa en la música sinfónica. Se la dedicó a
~apoleón. fue bautizada originalmente "Bonaparte". Beethoven le retiró la dedicatoria cuando se enteró de su
auto proclamación com'J emperador. Por este mismo hecho la marcha triunfal del 2do movimiento la convirtió
luego en una marcha fúnebre. El m movimiento es un agitado Scherzo en el que se recrea una escena de caza;
destaca el uso de las trompas El Finale evoca una escena de danza y es apoteósico, con una gran exigencia de
vinuos1smo para la orquesta.
 En ella se revela por primera vez el espíritu de su época. Con esta comienza a utilizar el tema heroico-
dramático. Se aleja de los moldes de su maestro y demuestra su personalidad. Es de gran importancia el
tratamiento tímbrico, le da gran protagonismo a los instrumentos de viento y de percusión. Se caracteriza por el
desarrollo exhaustivo, y el contraste entre de motivos y temas, estos pasan por instrumentos que hasta ese
momento eran empleados solo como relleno. Emplea la modulación tímbrica. La extensión de esta obra
consternó a sus contemporáneos .•
Sta Sinfonía: escrita entre 1805 y 1808, en Do m, con 4 movimientos, fue compuesta en pleno periodo de
guerra napoleónica. Esta obra destaca principalmente por la construcción de los cuatro movimientos basados en
cuatro notas (tres corcheas y una negra), las cuales abren la obra y retornan una y otra vez dando a la sinfonía
una extraordinaria unidad. El n movimiento es un hermoso tema con variaciones. El III movimiento, Scherzo,
comienza misteriosamente y prosigue salvajemente en los metales. El 3ro y el 4to movimiento no tienen
interrupción, coloca un puente entre ellos hecho por los pizzicati de las cuerdas. Las codas se convierten en
codas desarrollo. Se evidencia la presencia de temas líricos y marciales. Emplea por primera vez en la sinfonía
los trombones.
6ta Sinfonía Pastoral: escrita en 1808. Consta de 5 movimientos, todos con subtítulos, de los cuales el 3ro, 4to
y 5to están enlazados sin pausas. Describe las emociones que se despiertan en el compositor al recordar escenas
campestres. En ella utiliza álgunas de las técnicas de lo que será la música programática, contando una historia
sencilla e imitando el canto de los pájaros y los truenos. Sigue habiendo protagonismo de los instrumentos de
viento. El ritmo y el tratamiento tímbrico recrean el ambiente campestre, el ritmo recrea las costumbres
folklóricas (populares). Empica la trompa para representar al pueblo.
Subtítulos de los movimientos:
lro: Despertar de sensaciones alegres al llegar al campo.
2do: Escenas en el arrollo. (El motivo va pasando por cada instrumento, al final hay un intermezzo)
3ro: Alegre reunión de campesinos (tiene un aire danzario, en 6/8, existen modulaciones tímbricas)
4to: Tormenta, tempestad. (Explota los instrumentos y los medios expresivos para recrear el ambiente de
tormenta)
5to: Canto de pastores. Sentimiento de júbilo y recogimiento después de la tempestad. (Es un tema con
variaciones a partir de una melodía foJklorica)
9na Sinfonía Coral: escrita en 1824, es la última sinfonía de Ludwing van Beethoven, resume sus grandes
logros como compositor. Consta de cuatro movimientos, en los que pasa el scherzo al2do y el lento al 3ro. Por
primera vez añade a una sinfonía (en el 4to movimiento) la voz humana, con 4 solistas y coro mixto utilizando
como texto el poema Oda a la alegría del poeta alemán Friedrich von Schiller.
En su último movimiento, con forma de tema con variaciones, cada variación está construida sobre motivos
extraídos del tema anterior, pero con un uso diferente de los medios expresivos para crear una nueva idea. Le
-- concede gran protagonismo al timpani ya otros instrumentos de percusión como el bombo, platillos y triangulo.
La orquestación utilizada fue la más extensa hasta la fecha. Las dimensiones de la obra son gigantescas y su
duración suele ser de más de una hora.

Sonata para piano: Representan el campo de experimentación del compositor, ya que primero aparecen sus
aportes en las sonatas para piano y después es que los lleva a la sinfonía y a los cuartetos. Ej: la sustitución del
minuet por el scherzo, la inclusión de la marcha fúnebre.
Escribió 32 sonatas para piano, las cuales presentan diversos caracteres: líricas, heroicas y dramáticas. Algunas
constan de 2 movimientos. Entre las más importantes están la #8 Patética, #14 Claro de Luna, #23 Apasionata.
Las características musicales de su Sonata están dadas por una profundidad en el contenido de la obra (gran
riqueza de timbres, desarrollo elaborado de la técnica pianística) un papel creciente de la polifonía y un sentido
orquestal del piano, sohre toJo en sus sonatas de madurez. Sus sonatas están llenas de contraste y desde el
punto de vista armón ico hay intensas modulaciones.

Aportes de Beethoven
• Separa la línea de los cellos de los contrabajos, convirtiendo el cello en un instrumento melódico. Ej. Sinfonía
No 5 .
• Le concede un protag'lilism; (l ias [Link], pero más aún al tímpani, como en la sinfonía Pastoral.

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• Convierte los desarrollos de las formas sonatas en verdadero despliegue de todas sus herramientas como
compositor, sobre todo desde el punto de vista tonal.
• Convirtió el minuet en Scherzo.
• Introduce nuevos instrumentos como el flautín, el trombón, y en algunas obras el triángulo, el platillo y el
bombo.
• Incorpora en su novena sinfonía un coro y solistas.
• Incrementa a tres los instrumentos de viento madera y a cuatro las trompetas.
• Le concede poder expresivo al tímpani.

Romanticismo
El paso del siglo XVIll al XIX viene marcado por un hecho puntual, la caída de la Bastilla (1789) en París. A
partir de este momento la monarquía es abolida y toma el papel una nueva fuerza: la burguesía ilustrada. En
esta época se desarrolló la Revolución Industrial, nacida en Inglaterra, extendida a Francia y en menor medida a
Alemania.
El arte romántico se caracteriza por esforzarse en expresar estados de ánimo, sentimientos muy intensos. El
movimiento romántico mostró predilección por lo sublime de la naturaleza e introdujo el gusto por lo medieval
y lo misterioso. Se dio rienda suelta a la imaginación individual desechando el enfoque razonado de los
clasicos.
El romanticismo musical
Se desarrolla durante el siglo XIX. Dentro de las características musicales en general se encuentra:
• La melodía es la parte vital de la música, aunque se vio sometida a una exploración mucho mayor con
tratamientos armónicos y ampliación de registro.
• La melodía romántica es muy expresiva.
• El enriquecimiento ar:llónico fue tan importante y complejo que se utiliza todo tipo de acorde.
• Tímbricamente fue una época de enriquecimiento continuo, de experimentación.
• Respecto a la tonalidad se prefirió el modo menor y se recurrió a tonalidades en desuso, como las escalas
modales.
• La dinámica es muy explotada para lograr expresividad, aparece el súbito.

Históricamente se han distinguido tres grandes períodos:

• Primen generación: nace en turno a 1820 y termina con las revoluciones burguesas de 1848.
• Segund~: generación y nacionalismo (otra importante corriente paralela): 1848 y se extiende hasta
avanzada la dé[Link] de los 70.
• Posromanticismo: 1870 y concluye con la muerte de Mahler en 1911.
En todas estas variantes está latente el espíritu romántico con una diversidad de expresión
Primera Gei1eración: Esta primera generación de románticos se caracteriza por evadir la realidad
encerrándose en su mundo interior por lo que crean obras de gran sentimiento, intimismo, caracterizándose por
el individuaJisrno. Por ello predominan las pequeñas piezas o microformas, fundamentalmente para piano,
donde el compositor expone sus sentimientos de una forma libre y lírica. Algunas de las microformas más
trabajadas son: estudios, nocturnos, polonesas, mazurcas, canciones sin palabras, valses, preludios. También se
trabajaron las romanzas yell:ed.

Microformfi.S de Irederko Chopin

(1810-1849), Considerado conlO uno de los más grandes compositores de música para piano,
prácticamente todas sus composiciones son para este instrumento.
Aprendió la técnica del instrumente prácticamente de forma autodidacta, aunque más tarde estudió armonía y
contrapunto en el conservatorio de l::l capital polaca. También fue precoz como compositor: publica su primera
obra a los 7 ai1i)S de edad.
La invasión de Varsovia por ;os rusos le sorprendió en Munich (Alemania); a partir de entonces nunca regresó a
su patria. Dur~mte esto~ nltS,:S sur;z,ieron obras clave como los Estudios, op 10, la Balada en sol menor o el
Scherzo en si l; menor. ,\unque cxpat¡'iado, siempre fue leal a Polonia, un país desgarrado por las guerras.
Excepto durante breves ausencias, a patiir de 1831 residió en París, donde se convirtió en un prestigioso
profesor, pianista y compositor. En 1938 cayó enfermo de tuberculosis. Su actividad concertística se fue
limitando a unos pocos recitales en Francia, Escocia y Gran Bretaña. Murió en París el 17 de octubre de 1849,
víctima de la tuberculo~is.
Características de su estilo:
• La influencia del compositor dé ópera italiano Vincenzo Bellini se puede apreciar en sus melodías, dulces y
originales.
• Utiliza el pedal para enriquecer el sonido.
• Realiza aportes a la armonía, caracterizándose su obra por las modulaciones a tonalidades lejanas.
• Su música se caracteriza por las refinadas armonías, los ritmos delicados y la belleza poética.

En su obra encontramos mazurcas, estudios, preludios, nocturnos, polonesas, sonatas para piano. Entre sus otras
obras destacan sus 2 conciertos, así como una Sonata para violonchelo y piano, y 17 canciones polacas.
Estudios: escribió 12 estudios. Con él comienza una nueva concepción en el estudio, conocida como estudios
de concierto ya que SCi obras de un gran contenido musical, que además de resolver dificultades técnicas
pueden considerarse olnls de concierto por su gran expresividad.
Preludios: los independiza de iz~ fuga, dándole una nueva concepción a este género como obra independiente.
Tienen gran diversidad de caracteres: estados anímicos, de paisajes, etc. Se caracterizan por ser piezas muy
breves.
Scherzos: En Chopin el scherzo se convierte en una obra independiente, lo desliga de la sinfonía, la sonata, etc.
Para crearlos tuvo pre~;ente los scherzos de Beethoven pero sólo en cuanto al molde rítmico y el compás
ternario. Cada uno de el :os está centrado en un problema técnico específico.
Polones~§: Reíleja la música nacional polaca en sus polonesas, estas están marcadas por el espíritu heroico de
su patria, aunque en las primeras no utiliza la música tradicional polaca, sino que se basa en temas de Rossini.
Mazurca§: de carácter popular, reflejan los ritmos y melodías del folclore polaco, en compás de % y tiende a
acentuar el segundo tiempo.
Vals: posee compás ternario y una factura específica: factura de vals.
Conciertos: escribió 2 conciertos para piano y orquesta. El primero en fa m y el 2do en mi m. En ellos el piano
lo es todo, p~lsando la () '_]uesta a un papel secundario.

Carnav~~~ 9 de ,';chumann
(1810-1856) (A!emania). Trabajó la música para piano, de cámara, ellied y la música sinfónica. Cabe destacar
la relación que guarda su obra con la literatura. Fundador de una revista de música, donde desarrolla desde la
crítica musical el reconocimiento de los nuevos valores artísticos (Chopin, Brahms, entre otros) y el repudio de
lo superiícial y excesivo. Firmaba sus artículos con los pseudónimos de Florestan y Eusebius, dos figuras
imaginarias, el primero enérgico y el segundo poético, con los que Schumann se sentía identificado, y cuyos
retratos trazó en la su ite para niano Carnaval op.9 (1834-1835).
Música ;"21 piano: Lc:s composiciones de Schumann para piano suelen ser expresiones musicales sobre temas
literarios y esiados de ánimo. Su interpretación suele considerarse de las más difíciles dentro del repertorio para
este insllun'tCnto, no s'Slo debido a su densa escritura y dificultades técnicas, sino también por el clima
fantástico y misterioso que debe acompañarlas. Con excepción de la Fantasía en do mayor y los Estudios
sinfóniu:.\, :~us obras p"lra piano son colecciones de microformas en las que una pequeña idea deriva en la
creación de toda la obr<. a través de una sencilla organización. Aborda una gran diversidad de sentimientos, ya
que trata transmitir los cambios constantes que hay en el hombre y por eso es que su obra se va a caracterizar
por los v .,:"astcs. El trabajo de la microforma en Schumann está presente en obras como "Carnaval" op.9, que
es un [Link]::lto de micr,¡formas de gran desarrollo pianístico que describen un baile de máscaras, "Papillons",
"El álbu:ít (le la Juventnd", "Las escenas infantiles", entre otras. Los estudios sinfónicos op.l3 para piano son
12 vari,¡:;cles realizadas con carácter orquestal, cada una de las cuales plantea una nueva dificultad técnica.
Basados '.:~ ::11 tema cOl variaciones, donde no todas son basadas en el tema, sino que tiene algunos estudios
interca b ... ,:;.
Los liJ' ... " 'Ju rante ¡ Si. 0, 1ras su hoda con Clara Schumann, se dedicó a componer Lied. Son el desarrollo a
gran ese: í del u"abajo!e Schubert. En todas estas piezas supo plasmar el sentido profundo de los poemas y
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otorgó a la parte de piano el papel de expresar los sentimientos y significados de cada uno de ellos, incluyendo
con frecuencia largos epílogos al final de cada Lied,
La fusión entre voz y piano, texto y música, cobra en él una mayor realidad con el aumento de la libertad
melódica y armónica.
Sus sonatas para piano en sol m X fa#m, representan el trabajo de la forma sonata en el marco pianístico, ambas
tienen 4 movimientos (Allegro de sonata, Andante con variaciones, Scherzo y Rondó) Se conservan dentro del
ámbito clásico desde el punto de vista formal, pero el contraste impetuoso y lírico hace al contenido netamente
romántico.
De su producción de cámara sobresale el quinteto para cuerdas y piano en Mib, obra que marca un notable
paso de avance en el perfeccionamiento de la técnica del conjunto y la Sinfonía n° 4 fue totalmente innovadora,
ya que los 4 movimientos aparecen unidos y se ejecutan sin interrupción.

Segunda Generación: La generación que sigue los primeros románticos es más realista. Ellos vinculan más
la música con la literatura, creando muchas obras programáticas y a diferencia de la primera generación, van a
preferir las grandes obras, llamadas macro formas , escritas para grandes orquestas. Los contornos fijos de la
sinfonía empiezan a perder su valor normativo. Nace el poema sinfónico. Otros géneros explotados por esta
generación son la sinfonía programática, la suite sinfónica, la obertura (de carácter independiente, pues de
independiza de la ópera), el concierto, etc.

Poema Sinfónico "Los Preludios" de Liszt

(1811-1886) Pianista y compositor de origen húngaro. Fue el precursor del recital para piano y el pianista más
influyente del siglo XIX.
En 1823 marchó a París con sus padres, ciudad donde pronto se dio a conocer como pianista. Estuvo ligado a
varias figuras de la literatura como Víctor Hugo, George Sand, y de la música como Héctor Berlioz y Federico
Chopin entre otras personalidades.
Obras pianísticas: destacan los 12 Estudios de ejecución trascendental, las 20 Rapsodias húngaras, los 6
estudios sobre un tema de Paganini, los conciertos 1 y 2 Y las piezas que forman los tres volúmenes de Años de
peregrinación.
Obras orquestales: incluyen, aparte de las sinfonías Fausto y Dante, 13 poemas sinfónicos con los que ~io un
decisivo impulso a la música programática.
Los Preludios (1854), su poema sinfónico más conocido se basa en un poema de Lamartine. En él Liszt empleó
el recurso llamado Idea Fija, usando frases melódicas específicas para identificar personajes, acciones o
símbolos.
Escribió obras religiosas como oratorios y cantatas, y obras literarias como "Vida de Chopin", también realizó
una gran labor como pedagogo.
Fue uno de los innovadores de la armonía en el siglo XIX, sobre todo con el uso de complicados acordes
cromáticos. En su obra llevó al piano ideas musicales que originalmente fueron concebidas para la orquesta.
También investigó nuevos procedimientos musicales con su técnica de variaciones temáticas, en la que las
sencillas notas del comienzo se van transformando para dotar a la obra del material temático necesario. Sus
composiciones para piano requerían una técnica difícil y revolucionaria que otorgó al instrumento un color y
unas sonoridades completamente nuevas. La originalidad de su obra está fuera de toda duda. La armonía y
forma que empleó en sus últimos trabajos anticiparon la música de algunos compositores del siglo XX, como el
austriaco Arnold Schonberg (en la atonalidad de obras como la Bagatela sin tonalidad) y el húngaro Béla
Bartók con sus primeras obras nacionalistas. Algunas de sus últimas anticipan el impresionismo del compositor
francés Claude Debussy con su representación de escenas naturales.

Sinfonías "Fantástica" y "Harold en Italia" de Berlioz

(1803-1869) (Francia) Su figura fue muy influyente durante todo el periodo romántico en distintos aspectos: la
forma sinfónica, el uso de la orquesta y las nuevas estéticas musicales. Para muchos, Berlioz ejemplifica la
imagen del compositor romántico como artista. Adoptó una actitud verdaderamente realista hacia el
romanticismo. Trabajó sin descanso para divulgar la música de su tiempo. Berlioz logró efectos con grandes
volúmenes sonoros, con un sentido único del color orquestal, su más grande contribución al pensamiento
musical. Es considerado el maestro de la orquesta, áplicando la idea del virtuosismo a la misma. Fue maestro
de toda una generación de músicos. Es considerado el primero en relacionar una obra literaria con la música,
específicamente con la sinfonía.
La Sinfonía fantástica opus 14 (1830) produjo una revolución estética por el uso integral de un programa
literario (inspirado en la actriz irlandesa Harriet Smithson con la que contrajo matrimonio), y estableció el uso
de la música programática comó el género dominante en las obras orquestales románticas, cada movimiento
podía representar un estado de ánimo distinto. En esta obra, así como en Harold en Italia (1834, inspirado en el
poema Childe Harold de Lord Byron), para viola y orquesta, fue la primera vez que se llevaba un programa a la
sinfonía. La transformación de un tema constante (o idea fija) que aparece en todos los movimientos pero varía
en forma y tratamiento, de acuerdo a las exigencias del contenido, anticipaba el género que el compositor
húngaro Franz Liszt denominó poema sinfónico.
En 1844 Berlioz publicó el Tratado de instrumentación y orquestación modernas, el primer libro que se
ocupaba de este aspecto. En él exponía las diferentes estéticas de la expresión musical y deja establecido el arte
de la ciencia de escribir para orquesta. Fue muy apreciado como obra de consulta.
Entre sus títulos más importantes destaca la Misa Solemne con orquesta, la Obertura Los Jueces Francos y El
carnaval romano, una Fantasía sobre la Tempestad de Shakespeare, las óperas "Los Troyanos", "Benvenuto
Cellini" y "Beatriz y Benedicto", sus 4 sinfonías: la Fantástica, Harold en Italia, Sinfonía Fúnebre y Triunfal y
Romeo y Julieta. Su monumental Requiem op 5, donde adiciona a la gran masa de coro y orquesta 4 bandas de
metales. Murió el 8 de marzo de 1869 en París.

Nacionalismo
En la segunda mitad del siglo XIX se desarrolla el nacionalismo musical, mOVImIento en el cual los
compositores utilizan elementos de la música popular de sus diferentes países en la música de carácter
universal, de concierto. Esto tuvo gran importancia, ya que países que no se habían destacado en la música
cobran valor en este momento como Rusia, Checoslovaquia y Noruega. Se destacan géneros como el poema
sinfónico, óperas, suites sinfónicas, oberturas, sinfonías, conciertos, etc. pues el folklore abarca no sólo el
ámbito musical, sino también el literario. La música de los campesinos fue valorada, aunque no será hasta el
siglo XX que el estudio del folklore adquiera carácter de ciencia.
En general los elementos formales de la música (melodía, armonía, ritmo, etc), responden a cada una de las
etnias europeas. El ritmo se enriqueció ya que es un elemento fundamental en la música popular. Las nuevas
variantes rítmicas que surgieron en Europa enriquecieron la música. Lo mismo sucedió con la armonía que al
ser enriquecida por el propio folklore se trabaja tanto la tonalidad como la modalidad y la polimodalidad.
Este ímpetu nacional tuvo en la ópera y en la música vocal en general uno de sus mejores aliados, ya que dichos
géneros admitían la reivindicación de la identidad propia a través del uso del idioma del país, al mismo tiempo
que permitían aludir a lugares geográficos identificados con la nación.

Sinfonía 9 "Del Nuevo Mundo" de AntonÍn Dvorák

(1841-1904) Compositor checo, uno de los principales compositores europeos del siglo XIX y junto a Bedrich
Smetana, la figura más representativa de la escuela nacionalista checa. Investigó la música folclórica checa y
eslovaca y sus obras más maduras reflejan un profundo sentimiento nacionalista.
Sus primeras obras estaban influidas por la música del compositor austriaco Franz Schubert y del alemán
Ludwing van Beethoven, y durante su carrera se basó en los trabajos del compositor alemán Richard Wagner,
sobre todo en sus óperas, género al que dedicó todas sus energías los últimos años de su vida. No puede dejar
de señalarse en sus obras la influencia de Johannes Brahms.
Entre 1892 y 1895, Dvorák fue director del Conservatorio Nacional de Musica de Nueva York. En Estados
Unidos adquirió gran afición por los negros espirituals y la música propia de ese país. Dos de sus obras más
famosas, la sinfonía N° 9 (Del Nuevo Mundo) y el cuarteto en Fa Mayor, (Cuarteto americano) las compuso
durante su estancia en los Estados Unidos; aunque estas obras no contienen temas del momento de la música
negra o nativa del país, sí se aprecian melodías afines en estructura y espíritu a estas.
Sus composiciones incluyen 9 sinfonías, obras para piano. Dentro de sus obras corales encontramos oratorios,
cantatas, misas, el Réquiem, un Stabat Mater y otras obras corales.

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 También copuso óperas como Van da, Dmitri, El jacobino, entre otras. También compuso varios poemas
sinfónicos, música de cámara, un concierto para piano y otro para violín y el espléndido Concierto para
violonchelo en si m.
Dvorák murió elide mayo de 1904 en Praga.

Suite Peer Gynt de Edvard Grieg

(1843-1907) Compositor noruego. Fue el más importante de su país durante el siglo XIX. Se hizo famoso por
su música incidental para el drama poético Peer Gynt, de Henrik Ibsen. Aunque su música está influida por los
compositores románticos, especialmente Robert Schumann y Federico Chopin, Grieg adaptó sus propias
melodías basándose en el estilo del folclore noruego y fue el maestro de los fundamentos armónicos que evocan
la atmósfera de su tierra. El primer músico de talla internacional que alabó su trabajo fue el compositor húngaro
Franz Liszt. De su producción musical destacan Heridas de corazón, La última primavera (inspiradas en un
poema noruego), y la suite En tiempos de Holberg, para orquesta de cuerda; obras para coro y orquesta, un
cuarteto de cuerda y numerosas obras para piano, entre ellas el famoso Concierto para piano y orquesta en la
menor. Murió el 4 de septiembre de 1907.

Poema Sinfónico "El Moldava" de Smetana

(1824-1884) Compositor checo, fundador de la escuela nacional de este país y, junto con Antonín Dvorák, su
principal representante del siglo XIX. Primer compositor importante de ópera cantada en checo. Comienza a
interesarse por la musica nacional a partir de la revolucion de 1848. Smetana util iza en sus obras canciones y
danzas folclóricas de su país con un rico estilo melódico. La vida nacional checa queda reflejada en obras como
la ópera cómica La novia vendida (narración sobre la vida rural en Bohemia), en el ciclo de seis poemas
sinfónicos Mi patria, donde cada uno narra una historia o leyenda del pueblo checo, dos de sus poemas
sinfonicos más populares, Ell'v[oldava y Por los campos y bosques de Bchemia, son interpretadas a menudo de
forma independiente. Smetana escribió 8 operas, entre las que cabe destacar Los brandeburgueses en Bohemia,
numerosos poemas sinfónicos al estilo de Liszt, un Trío para piano en sol m, 2 cuartetos para cuerda en mi m y
en do In, así como gran cantidad de composiciones para piano, canciones y coros.

Poema Sinfónico "Una noche en una árida IVlontaña" de Mussorgsky

(1839-1881) Desde el punto de vista musical, Músorgski era un autodidacta, a excepción de las enseñanzas. que
recibió de Mili Balakirev y Nikolái Rimski-Kórsakov. Su armonía, atrevida y poco ortodoxa basada en las
escalas de la música folclórica rusa, influyó en otros compositores extranjeros. Sus canciones y su ópera Borís
Godul1oV reflejan el deseo de reproducir los ritmos y la sonoridad de la lengua rusa. Músorgski manifestó su
nacionalisr.10 introduciendo en sus composiciones elementos del folclore ruso, esto se puede apreciar en el
ritmo marcado y las penetrantes armonías del poema sinfónico Una noche en una Arida Montaña. Otras obras
de este compositor son la suite para piano Cuadros de una exposición, los ciclos de canciones Infantiles y
Cantos y danzas de la muerte, así como sus 2 óperas inacabéldas. Falleció el 28 de marzo de 1881 en San
Petersburgo.

Suite Sinfónica "Shehcrezada" de Rimsky-Korsakov

(1844-1908), compositor ruso y teórico de la música. una de las grandes figuras de la escuela nacionalista rusa
y gran maestro en el arte de la orquestación. Las canelones populares rusas están presentes en sus obras, tanto
en lo relativo a la estructura y construcción, como a 13s melodías y ritmos. Su obra Scheherazada (1888),
inspirada en Las mil y una noches, es un ejemplo representativo del interés del autor por las culturas islámicas.
De su obra se nlora mucho la frescura y la brillantez de su orquestación. Como tal, ejerció una influencia
directa, en especial ~;obre sus discípalos Ígor Stravinski y Alexandr Glazunov, e indirecta a través de su obra
póstuma Principios de orquestación, publicada en 1913. De su obra cabe destacar sus óperas (como Copos de
nieve, Noche de m~lyo, Sadko, entre otras) y (as obras sinfónicas Capricho c!)paPíol, Scheherazade y La gran
Pascua rusa. En 1909, tras su muerte, se publicó su au:obiografía Recuerdos de mi vida musical.

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 Sexta Sinfonía de Tchaikovsky
(1840-1893) Compositor ruso, uno de los músicos más destacados del siglo XIX. Es una figura independiente,
en su obra recrea el folklore urbano ruso. Su obra se caracteriza, en general por tener pasajes muy melódicos
con movimientos que sugieren una profunda melancolía que se combinan con otros extraídos de la música
popular. Generalmente es descriptiva y trágica. En sus obras, de un gran dominio del color orquestal, utiliza
material ruso tradicional con técnicas musicales occidentales. Tchaikovsky dominaba la orquestación; en
particular, sus partituras de ballet contienen efectos sorprendentes de colorido orquestal. Sus trabajos
sinfónicos, con un gran contenido melódico, también tienen un fuerte (y a menudo no apreciado) desarrollo
temático abstracto. En sus mejores óperas utilizó pasajes melódicos altamente sugestivos para describir de
forma concisa una situación dramática con un efecto intenso.
También amplió el poema sinfónico y sus trabajos en el campo de la música programática, como la obertura
Romeo y Julieta y Hamlet, que destacan por una recreación altamente melódica del ambiente literario en el que
se basan, lo que también aplicable a la sinfonía programática Manfredo.
A principios de 1893 empezó a trabajar en la Sinfonía n° 6 opus 74, posteriormente titulada Patética por su
hermano Modesto. La primera interpretación de la obra, bajo la dirección del compositor el 28 de octubre de
1893 en San Petersburgo, fue recibida con indiferencia por el público. Murió nueve días después, el 6 de
-- noviembre de 1893 de cólera, según el parte oficial.
Dentro de su catálogo cabe destacar varios ballets como El Lago de los Cisnes, La Bella Durmiente y
Cascanueces. Escribió 6 sinfonías a la que se puede añadir una 7ma programática "Manfredo". Su ópera más
reconocida es Eugene Oneguin, basada en una obra de Alexander Pushkin.
Dentro de su obra para piano tiene microformas como Vals, polkas, caprichos, nocturnos, improntus, mazurcas.
También tiene conciertos para piano. Dentro de su música de cámara sobresalen 3 cuartetos de cuerda, un trío y
un sexteto de cuerda.

Siglo XX
Cuando se inaugura el siglo XX el capitalismo había arribado a su fase imperialista, los principales países
capitalistas y los monopolios se habían repartido territorial y económicamente el mundo. Consecuentemente al
crecimiento industrial adquieren vigor y organización los movimientos obreros. También existe un avance en la
ciencia y en la técnica. Las contradicciones y discrepancias entre los países se agudizaron y llevaron al mundo a
uno de los conflictos más devastadores de la historia universal: la Primera Guerra Mundial (1914-1918), donde
fueron destruidos muchos de los valores materiales y espirituales creados por el hombre. En medio de esta
catástrofe nace la Revolución de Octubre, liderada por Vladimir Ilich Lenin. Con este hecho el capitalismo dejó
de ser el sistema mundial único y surgió el socialismo.
La Segunda Guerra Mundial, fue otro conflicto militar que afectó al mundo, comenzando en 1939 como un
enfrentamiento bélico europeo entre Alemania y la coalición franco-británica, se extendió hasta afectar a la
mayoría de las naciones del planeta y cuya conclusión en 1945 supuso el nacimiento de un nuevo orden
mundial dominado por Estados Unidos y la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS).
Arte: Los artistas se rebelan contra las formas artísticas precedentes, pretenden crear obras con una visión
diferente de la realidad. Se manifiesta un gran individualismo y obras de una gran subjetividad. Desde finales
del siglo XIX y con más fuerza durante el siglo XX ocurre la fragmentación del arte en tendencias, conocidas
con el nombre de Vanguardias artísticas. Se desarrolla el diseño industrial y el diseño gráfico. También el cine
se desarrolla ampliamente. La fotografía se convierta en el medio preferido para captar una imagen.

Impresionismo
Movimiento estilístico que floreció a finales del siglo XIX y principios del XX, sobre todo en la música
francesa. El movimiento, influido por los pintores impresionistas franceses Manet y Monet y por la poesía de
Paul Verlaine, Charles Baudelaire y Stéphane Mallarmé, acentúa el color tímbrico y el humor en vez de
estructuras formales tales como la sonata y la sinfonía.
• Su melodía es luminosa, da sensación vaguedad. , Destaca la utilización de la escala de tonos enteros e
intervalos complejos, , como la recurrencia a los intervalos de cuartas y quintas paralelas propios de la música
medieval. También se utilizan otras escalas como las escalas modales y pentáfonas.

- - - -----,
 • La armonía se entrelaza con la melodía, rompe con todas las reglas establecidas (ej. utiliza sucesiones de
quintas y octavas paralelas, hasta el momento prohibidas).
• El ritmo y a la métrica son inestables.
• La dinámica es pronunciada y marcada.
• Hay interés por el color tímbrico de cada instrumento. Es importante en el impresionismo el medio sonoro
utilizado: la orquesta sinfónica impresionista, ya que es muy colorista, mucho más grande, olvida los bloques,
interesándose en los solos para los instrumentos de viento (flauta, oboe, clarinete).
• Se introducen instrumentos de percusión de teclado como la celesta, el xilófono, el gong, etc.
• Aquí se introduce también el saxofón. El piano y el arpa son fundamentales en esta tendencia.
Fue encabezado por el compositor francés Claude Debussy, quien enfocó el impresionismo como reacción tanto
al interés formal del clasicismo y la fuerza emocional del romanticismo. La música impresionista francesa
continuó su evolución en la obra de Maurice Rave!.

Obras del Impresionismo para reconocer Tendencia y Características

Preludio a la siesta de un fauno, Nocturnos para orquesta de Claude Debussy:
_~ (1862-1918) Compositor francés cuyas innovaciones armónicas abrieron el camino de los radicales cambios
musicales del siglo XX. Fue el fundador de la denominada escuela impresionista de la música. Sus
innovaciones fueron, por encima de todo, armónicas, liberando la música de las limitaciones tradicionales, usó
la experimentación como método para conseguir nuevas ideas y técnicas.
Utilizaba los acordes de una manera colorista y efectista, sin recurrir a ellos como soporte de ninguna tonalidad
concreta ni progresión tradicional. La inestabilidad tonal, metroritmica y agógica producía un carácter vago y
ensoñador propio del impresionismo musical. Emplea sucesiones de 4tas y Stas paralelas eliminando la 3ra del
acorde, acordes de muchos sonidos, de 9nas y 13nas. Emplea las escalas pentágonas y hexáfonas que aprendió a
partir del gamelán indonesio. Explota los registros extremos, combina varios planos y registros a la vez, utiliza
superposiciones rítmicas, busca sonoridad es diferentes logrando un lenguaje poco definido. No se propuso
imitar ni a los poetas ni a los pintores, su objetivo principal era evocar.
Entre sus obras más importantes cabe destacar el Preludio a la Siesta de un Fauno, compuesto entre 1891 y
finales de 1894, es una ilustración musical del poema homónimo de Mallarmé. El carácter de la obra está
indicado con una nota en la cabecera de la edición original: "decorados sucesivos a través de los cuales se
mueven los deseos y los sueños del fauno en el calor de la tarde". El tema principal, interpretado la primera vez
por la flauta, está expuesto en forma de lánguido arabesco. A continuación el tema se repite siete veces más con
armonizaciones e instrumentaciones diferentes. Este preludio es la primera obra maestra orquestal de Debussy.
Los Nocturnos para Orquesta fueron compuestos en 1899, y obtuvieron un éxito tan inmediato que asombró
incluso a su mismo compositor. Precisan de tan pocas palabras como los cuadros de los pintores impresionistas.
Constaban de 3 números donde cada uno tiene un título: l-Nube, 2-Fiesta, 3-Sirena.
ópera Peleas y Melisanda
Pavana para una Infanta difunta, Suite "Mi Madre la Oca" de Maurice Ravel:
(1875-1937) Compositor francés que ejerció gran influencia en la música del siglo XX. Su color orquestal
vívido y transparente le convierte en uno de los maestros modernos de la orquestación.
Tuvo 2 etapas creativas:
lra: Impresionista: ya que su tratamiento va a ser más cercano a la obra de Debussy. Presenta un metro ritmo
inestable y mucho más vago, al igual que la agógica y la dinamica. Explota los timbres y los contrasta, rompe
con los esquemas tradicionales de la orquestación, la melodía no será coherente ni definida.
El impresionismo de Ravel se aprecia especialmente en la suite para piano Espejos, en la Rapsodia española
para orquesta y en Gaspard de la nuit. Su gran talento para evocar épocas pasadas se pone de manifiesto en
obras como la Pavana para una infanta difunta, obra para piano que posteriormente fue orquestada. El
empresario ruso Sergei Diáguilev escenificó varios arreglos de obras impresionistas de Ravel, como la suite Mi
madre la Oca.
2da: Neoclásica: va a ser una producción en la que regresa a los patrones clásicos aunque hay una variedad
estilística impresionista. En esta etapa la colaboración de Ravel con George Gershwin ejerció una fuerte
influencia en las dos últimas obras de Ravel, se observa una sutil influencia jazzistica y de la música española,
en el Concierto para piano y orquesta y el Concierto para la mano izquierda, para piano y orquesta.
 Expresionismo
Tendencia estilística, que floreció alrededor de la 1 Guerra Mundial (1914-1918) y dio voz a las ansiedades y
los miedos de la humanidad en el siglo XX, por medio de obras intensas, musicalmente complejas y de cuidada
estructura. Las técnicas convencionales se distorsionaron y se evitaron las armonías tradicionales en favor de
otras disonantes y complejas qu~ se utilizaron ampliamente. Este estilo de música suele usar la atonalidad o
desvirtuar la tonalidad clásica. La polifonía, a menudo densa, hace que la melodía, en el sentido tradicional, sea
irreconocible.
Al igual que el impresionismo, el expresionismo es un término aplicado a la música por semejanza con el
movimiento de ese nombre en las artes plásticas y en la literatura. Expresionismo supone la antítesis del
impresionismo. Los antecedentes del expresionismo en la música pueden apreciarse en las obras de
compositores del romanticismo tardío como el alemán Richard Wagner y el austriaco Gustav Mahler.

Características musicales: La melodía presenta grandes saltos, es disonante y quebrada. Es atonal y en la

década del 20 Schoenberg crea el dodecafonismo que es una serie de 12 sonidos mezclados al azar. Se utilizan
todo tipo de acordes, pero sin función tonal. El ritmo es libre, no está definido y se utiliza el silencio con
_ intención dramática. Por su parte, la dinámica es explotada con grandes contrastes. En cuanto al medio sonoro
se reduce la orquesta con la economía de medios; se utiliza la orquesta de cámara no convencional.
En el trabajo de la voz se utiliza fundamentalmente el recitativo, aunque se compusieron óperas. También la
mezcla de cantar y recitar. Schoenberg crea un recurso vocal denominado sprechgesang, algo así como un
glissando, recurso muy dramático.

Obras del Expresionismo para reconocer Tendencia y Características

Concierto de Cámara para piano, violín y 13 Instrumentos de viento de Alban Berg (1885-
1935) Compositor austriaco, conocido por su maestría en el uso del sistema dodecafónico. Integrante de la que
es considerada la segunda escuela vienesa de música. Su obra se mueve entre dos extremos opuestos: la
obsesión por la perfección formal por un lado y un apasionado lirismo de raíz romántica por otro.
Sus primeras obras muestran la influencia de compositores románticos como Richard Wagner y Gustav Mahler.
La ópera Wozzeck (terminada en 1921) se considera un ejemplo indiscutible de la ópera expresionista, además
de ser un documento excepcional sobre la situación de Europa al finalizar la 1 Guerra Mundial.
En los primeros años de la década del 30, Schoenberg da a conocer la técnica dodecafónica, que fue
inmediatamente puesta en práctica por sus alumnos. Berg siempre usó el dodecafonismo en forma muy libre,
"' violando las ortodoxas reglas que puso inicialmente Schoenberg, mezclándolo con formas y técnicas musicales
de los siglos XVII. XVIII y XIX. Solía combinar elementos del dodecafonismo con los del tonalismo,
construyendo a \-eces series dodecafónicas que contenían acordes tradicionales (en lugar de evitarlos). De esta
época es el Concierto de Cámara para Piano, Violín y 13 Instrumentos de Viento (compuesto entre 1923 y
1925) que dedicó a los 50 años de su maestro Schoenberg.
La segunda ópera de Berg, Lulú también posee el carácter expresionista de la primera. Utiliza el sistema
dodecafónico: cada personaje posee su propia serie de tonos, a partir de los cuales deriva toda la música.
También tiene composiciones instrumentales como las tres piezas para orquesta, la suite lírica para cuarteto de
cuerda y el concierto para violín "A la memoria de un Angel", dedicado a la hija del matrimonio de Alma
Mahler con Walter Gropius, que había muerto paralizada por poliomielitis,

Ciclo de canciones Pierrot Lunaire de Schonberg (austriaco)

(1874-1951) Compositor de origen austriaco, creador del sistema dodecafónico de composición musical y uno
de los compositores más influyentes del siglo XX. Integrante de la que es considerada la segunda escuela
vienesa de música. Etapas de su obra:
1- Postromanticismo (finales del XIX - 1907): Sus primeras composiciones tonales recuerda la música
posromántica, asimilando tanto el hipercromatismo del compositor alemán Richard Wagner como el
romanticismo del también compositor alemán Johannes Brahms. En algunas composiciones, como en el sexteto
Noche transfigurada, Schonberg consiguió una gran intensidad en la expresión de sentimientos a través de ricas
 nO'

armonías y largas melodías románticas. Presencia de acordes alterados, modulaciones enarmónicas y

politonalidad.
2- Atonalismo (1907-1922) a partir del Op.10: El ejemplo principal de este periodo es el Ciclo de canciones
Pierrot Lunaire (1912) en el que abandona todas las reglas con el objetivo de lograr para su expresión musical
la más absoluta independencia. En este conjunto de versos patéticos la orquesta de cámara acompañante utiliza
una combinación de instrumentos distinta para cada una de las 21 canciones del ciclo y el solista vocal utiliza el
Sprechstimme (en alemán, 'voz hablada') o el Sprechgesang (canción hablada), una mezcla de discurso y
canción. La melodía es quebrada y se usa el grito. La influencia expresionista se aprecia en el ambiente inquieto
y salvaje creado por la oscuridad y melancolía del texto.
3- Serie Dodecafónica (1922 en adelante): Hacia 1920 empezó a formular su técnica dodecafónica en un
intento de hallar un sustituto a formas musicales como la sonata, base de la música tonal. Aunque Schonberg a
veces regresaba a la composición tonal, en la mayor parte de sus composiciones de las décadas de 1930 y 1940
intentó sintetizar la técnica dodecafónica con los principios formales que había empleado durante su periodo
expresionista. Est91 síntesis se aprecia en su Concierto para piano de un sólo movimiento.

Folklorismo
Surge en los países europeos, es una tendencia muy importante en el siglo XX:
• Va a representar melodías y ritmos típicos de cada país.
• Se desarrolla mucho el ballet y se vuelven a utilizar las canciones populares.
• La armonía va a ser enriquecida por combinaciones folklóricas.
• El ritmo es fuerte, destacado, variado, con un sentido martillante en los acentos.
• La métrica es irregular y la dinámica contrastante.
• En relación con los medios sonoros tiene influencia del Impresionismo, por lo que se va a utilizar la orquesta
sinfónica impresionista, empleando instrumentos típicos de cada país o la imitación de los mismos por
instrumentos de la orquesta.
• Suelen producirse efectos percutidos en el piano.

Obras del Folklorismo para reconocer Tendencia y Características

La Consagración de la Primavera y Petrushka de Stravinsky
(1882-1971) Compositor ruso, una de las figuras más influyentes de la música del siglo xx. Fue alumno de
Rimsky-KorsakO\. Stravinsky experimentó con muy diversos estilos musicales, desde las melodías
tradicionales rusas hasta el primitivismo, el j azz, el neoclasicismo, la politonalidad, la atonalidad y el
_, serialismo. Las obras de Stravinsky, por su originalidad, fuerza y racionalidad, reflejaron y a la vez influyeron
en las corrientes más importantes de la música del siglo XX.
La carrera de este compositor puede dividirse en tres períodos:
Folklorista: aunque no se puede absolutizar, pues paso por varios estilos. Compone varios ballets para la
compañía de ballet de Serguei Diáguilev como Petrushka, La consagración de la primavera, El Pájaro de Fuego,
entre otros.
Petrushka se caracteriza por su fuerza dramática, el empleo de procedimientos politonales, su rica orquestación
y sus melodías que evocaban la música tradicional rusa.
La Consagración de la Primavera fue una obra trascendental en la historia de la música, obra que por otro lado
fue única, ya que nadie realizó en el futuro algo parecido. Fue una composición muy innovadora, llena de
armonías ásperas y acordes superpuestos y disonantes, tonalidad diatónica y gran complejidad rítmica. Emplea
compases asimétricos. Usó rudos y novedosos timbres conseguidos por la mezcla de la gran plantilla sinfónica
que requería la obra. Su coreografía es innovadora y provocativa. El ballet trata sobre el sacrificio pagano de
una mujer a manos de una tribu con objeto de alabar al dios de la primavera y que de esta forma les favorezca.
Está dividida en dos grandes partes y cada una de ellas consta de varios fragmentos: Primera parte: La
adoración de la tierra, Segunda parte: El sacrificio.
Neoclásica: Hacia 1923 empezó a componer sus primeras obras neoclásicas, marcadas por un renovado interés
por el estilo musical de los siglos XVII y XVIII. Estas obras también se caracterizan por un ideal de objetividad
que en parte era una reacción contra el exceso emoti\o de finales del romanticismo. El ballet Pulcinella es la
 obra que inaugura este período, donde Stravinsky inició una serie de composiciones en las que rendía tributos a
distintos maestros del pasado.
Serial o dodecafónico: Stravinsky que había rechazado anteriormente las teorías de Schonberg, se interesó por
la música de su discípulo, el compositor austriaco Anton von Webern. Poco a poco Stravinsky empezó a utilizar
las técnicas seriales, integrándolas de una manera personal en composiciones como Canticum Sacrum, el ballet
Agon, Movimientos para piano y'orquesta y su última gran composición, Requiem Canticles.

Ballets Sombrero de tres picos y Amor brujo de Manuel de Falla

(1876-1946) Uno de los compositores españoles más destacados del siglo xx. Fue el impulsor del movimiento
contra la influencia de la música alemana e italiana en la ópera española, y contra la esterilidad de la música
para orquesta y de cámara de su tiempo en España. Utiliza las escalas de segundas aumentadas que son de
origen árabe.
Bajo la influencia de Pedrell, defensor de que las bases de la música de un país debían provenir de su propio
folclore, Falla desarrolló un estilo claramente folclorista que caracterizó prácticamente todas sus
composiciones. No obstante, no solía utilizar las canciones folclóricas españolas de una manera directa en sus
temas, sino que incorporó únicamente su espíritu. El elemento impresionista de su obra procede de
compositores franceses como Claude Debussy y Maurice Ravel, a quienes conoció en" París.
Entre sus composiciones sobresalen títulos como los ballets El amor brujo (1915) y El sombrero de tres picos
(1917) y Homenaje por la tumba de Debussy.
La fantasía escénica El retablo de Maese Pedro, el Concierto para clave y 7 instrumentos y el oratorio La
Atlántida son obras neoclásicas.
Amor Brujo es un ballet en un acto que narra la historia de amor entre Candela, una gitana poseída por el
espíritu de un antiguo pretendiente muerto, y Carmelo. Éste se disfraza de espectro en la "Danza del fuego"
para liberar a su amada del embrujo. Se estrenó en 1915 en el teatro Lara de Madrid (España).
El sombrero de tres picos es un ballet basado en la novela homónima del escritor Pedro Antonio de Alarcón ..
Producido por el empresario Sergei Diaghilev para ser representado por sus ballets rusos. Este ballet rompe con
las primitivas tradiciones temáticas que poblaban el género de princesas, apariciones y cisnes. Refleja las
actitudes y aspiraciones de la Andalucía rural. En este ballet trata la burguesía con una cierta simpatía.

Neoclasicismo
Término con el que se suele denominar a la tendencia musical del periodo de entreguerras que destacaba que no es
más que la vuelta al pasado, a períodos anteriores. Consiste en revivir el pasado pero desde el punto de vista actual. Se
componen nuevamente sonatas, sinfonías, conciertos, óperas, etc. La melodía presenta más claridad, se vuelve a utilizar
la polifonía, la tonalidad, modalidad y politonalidad, aunque pueden existir pasajes atonales. La música neoclásica tiende
_-o a ser conservadora en el terreno armónico y no usaba los métodos de la atonalidad ni de los doce sonidos. Emplea, en
cambio, la disonancia como herramienta expresiva dentro de un marco de referencia básicamente tonal. Tanto la música
del barroco como los procedimientos del clasicismo sirvieron de modelo a las obras del neoclasicismo.

Compositores y obras neoclásicas: Serguéi Prokófiev con su Sinfonía clásica, aunque no es la obra más representativa
del compositor Erik Satie con su Sonatina burocrática y Paul Hindemith con su ópera Cardillac.

Géneros de la Música Cubana Bailable Interpretado por las diferentes agrupaciones más
representativas de cada género a lo largo de la Historia

Contradanza y danza
A fines del siglo XVIII las migraciones de franceses y haitianos crearon las condiciones para la conformación
de uno de los géneros más antiguos de Cuba:
La contradanza, baile de salón y de figura. El apogeo de la contradanza lo encontramos en el siglo XIX, la
cual comenzó a obtener características que le hicieron merecer el apelativo de criolla, pues comenzó a sufrir
modificaciones como la inclusión de instrumentos de percusión (güiro, de antecedente cubano, el timbal
cubano), en el el ritmo y los modos de ejecución. Este género ya cubano se mantuvo como un baile de figuras.
Generalmente escrita en compases de 3x4 o 6x8. También conservó la forma tradicional binaria con dos
secciones de 8 compases, cada una se repetía, haciendo un total de 32 compases, a cada 8 compases
corresponde una figura en el baile, las cuales son paseo, cadena, sostenido y cedazo. En las dos primeras,
música y baile tienen menos expresión y movimiento, es de carácter tranquilo, pero la segunda parte de la
música es más movida, retozona y picante y apasionada. En esta última es donde se acumularon los elementos
criollos. El conjunto instrumental característico para la interpretación de este género era conocido con el
nombre de Orquesta Típica o de Viento: dos clarinetes, un cornetín, un trombón de pistones, un figle, dos
violines, un contrabajo, timbales Sr el guiro. Presenta un ritmo de tango.
Cultivadores de la contradanza: Manuel Saumell (Los ojos de Pepa y El pañuelo de Pepa) y Tomás Alarcón,
Miguel Failde, José Urfé, Enrique Peña.
La danza, producto de la evolución y transformación de la contradanza. La danza era un baile de pareja
enlazada, generalmente escrita en compás de 2x4 y en menor medida en 6x8. La danza cubana, dueña de una
mayor libertad expresiva, asentada, en lo coreográfico, en la pareja enlazada con evidente influjo afroide en su
ritmo. El conjunto instrumental característico para la interpretación de este género era conocido con el nombre
de charanga francesa,_el cual se apega a la tradición de este país por el uso del piano, el violín y la flauta.
Además incluía contrabajo, las pailas cubanas y el güiro. Presenta un ritmo de tango.
En sus inicios mantuvo la forma binaria de la contradanza, pero comenzó a ampliarse para aumentar el tiempo
de 1púsica y baile, empleando una nueva estructura: Rondó. Precisamente, al aumentar sus partes formativas, al
extender su tiempo bailable, se le empezó a dar el calificativo de danzón.
Cultivadores de la danza: Ignacio Cervantes (Soledad, Los tres golpes) y Antonio Torroella.

Danzón
Género instrumental bailable que se cristaliza entre fines del siglo xrx y princlplOs de! XX. Escrito
usualmente en compás de 2x4. Es un resultado de la transculturaCÍón de la contradanza europea que nos llegó a
fines del siglo XVIIl y las migraciones de franceses de Haití y la Louisiana.
Se ejecutó en el Siglo XIX por un conjunto instrumental llamado Orquesta Típica o de Viento. Luego en el XX
se utilizó la Charanga Francesa: flauta, piano, 3 violines, clarinete, contrabajo, güiro y paila cubana. Emplea el
cinquillo cubano como base rítmica.
Este género nació en manos de Miguel Failde con el danzón fue Las alturas de Simpson a fines del siglo XIX
(1879). Nacía el baile que luego sería denominado como baile nacional de Cuba.
El danzó n tiene forma rondó, donde las partes alternantes tienen carácter solista. La primera parte,
(introducción) normalmente no se baila, sino que es el momento en que se entra a la pista de baile. Después
continúa una sección donde comienza realmente el baile, conocida como primer danzón o parte de clarinete. Le
sigue una repetición de la introducción que sirve de descanso a los bailadores y el baile recomienza con el
segundo danzón o parte de violín. Retorna la introducción para un nuevo descanso y después aparece el tercer
danzón, que varía mucho en su instrumentación.
Presenta al final un montuno, tomado del son, introducido por José Urfé en su danzó n El bombín de Barreto
(1910), el montuno tenía un aire más rápido, con una estructura más segmentada, y de forma abierta, que le
permitía extenderse todo 10 que quisieran los músicos y los bailadores, era lo que más atraía y se disfrutaba.
Cón el auge del Son durante la década del 20 el Danzón deélinó en el fervor popular.
En el año 1939, con el Danzón-Mambo de Orestes López, cambia la estructura del danzón, haciéndose más
funcional: Se eliminó la repetición de las introducciones.; Después de unos compases de inicio se pasaba
inmediatamente al montuno, al que se le incluyeron determinados ritmos sincopados tomados de antiguos
montunos de son, cantados en coros de voces con textos a veces sin mucho significado, que servían como
nuevos planos instrumentales. Estos cambios fueron muy aceptados por el público bailador, que comenzó a
llamarle él esta nueva variante "danzón de nuevo ritmo", el cual dio origen en los 50 al chachachá y al mambo.
Compositores representativos: Miguel Failde, Antonio María Romeo, Raimundo Valenzuela.

Danzonete
A partir de 1920 con la popularidad del son comienza a caer en decadencia el danzón. Fue la creación del
danzonete la forma más fructífera de salvar al danzón. Creado por Aniceto Díaz con su danzonete Rompiendo
la Rutina (1929), este género se cultivó hasta alrededor de los años 40. Además de mezclar el danzón con el
vibrante son, aparece un texto cantado, que le da protagonismo al cantante.

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Se altera la forma del danzón y adquiere la siguiente estructura: una introducción instrumental extensa, una
parte expositiva por el cantante y por último el estribillo a forma de montuno sonero. Es interpretado por
charanga francesa.
Compositores representativos: Aniceto Díaz y Paulina Álvarez.

Cha-cha-chá
Género vocal-instrumental-bailable de origen cubano, derivado del danzón de nuevo ritmo y bajo la influencia
del son. Creado por Enrique Jorrín con la Engañadora Gn 1951. El nombre de cha-cha-chá se deriva del sonido
de tres pasos seguidos que se ejecutan en el baile para acentuar el ritmo de la melodía. Está interpretado por una
charanga francesa. La temática era referente a comentarios satíricos, alusiones indirectas a personajes y
situaciones, así como textos populares cotidianos y jocosos. Presenta la siguiente estructura: introducción
instrumental, parte expositiva cantada a coro por todos los músicos de la orquesta y un montuno final (con
estribillo o sin él) sección conclusiva. Normalmente lo interpreta la charanga, yen algunos casos, una orquesta
típica. En el Cha-Cha-Chá la trinidad vocal-instrumental-bailable era fundamental y el ritmo se distingue por su
sencillez para que el bailador tenga más soltura en sus pasos. Ocurre un desplazamiento de acentos que
introduCÍa un cambio rítmico con respecto a su antecesor el danzón de nuevo ritmo. Al pasar la línea de canto a
la voz humana, los violines llenaban un ámbito sonoro distinto, basándose en motivos melódicos
independientes subordinados a las voces.
Compositores representativos: Enrique lorrín, Richard Egües y Rafael Lay.
Grupos representativos: la Orquesta Aragón, la Orquesta América y la Orquesta de Enrique lorrín.

Mambo
Fue creado por Orestes López con el danzó n Mambo en 1938. A este danzón se le incorpora un bajo sincopado
al montuno. En el danzón "Se va el matancero" (1940) de Israel López, se consagró definitivamente el ritmo del
mambo de los 40, delineando el espectacular trío final del estilo mambo.
:el mambo toma elementos rítmicos del danzón de nuevo ritmo y añade la sonoridad del conjunto jazzband,
integrada por trompetas, saxofones, trombones, drums, tumbadora, piano, paila y bongó, destacándose los
instrumentos de viento metal. En el mambo los instrumentos de viento realizan esquemas percutivos que
enfatizan los elementos que en sus antecedentes (el son, la rumba) ejecutaban el bongó o las tumbadoras. Los
saxos y los trombones protagonizan un tumbao en el ritmo que caracteriza este género bailable. Tiene
influencia del lazz debido a la improvisación. Presenta en el ritmo síncopas y contratiempos. Usualmente no
tiene texto, utiliza textos incoherentes, gritos, etc. Su estructura formal es binaria simple. En este género se
mantu\'o del danzón los pasajes dedicados a la flauta. Fue popularizado por Dámaso Pérez Prado en México
con su orquesta jazzband, este extrajo el ritmo sincopado del montuno creando un género independiente
llamado l\'Iambo.
Compositores representativos: Orestes López, Dámaso Pérez Prado y Benny Moré.

Son
Género vocal-instrumental bailable. No se ha podido fijar la fecha ni el lugar exacto de la aparición del son. El
origen del Son se ubica en la región oriental de la isla cubana, principalmente en Santiago, en la cordillera
montañosa de la Sierra Maestra y en la provincia de Guantánamo donde se asocia con las fiestas "Changüí" que
allí se celebraban.
Los primeros sones constituyen la expresión musical más legítima del campesinado de la región oriental de
Cuba. Permitió que lo interpretaran diferentes formatos instrumentales sin que el género perdiera sus
características esenciales. A pesar de esto logró conformar conjuntos instrumentales propios y característicos,
donde se unieron los instrumentos de cuerda pulsada proveniente de España (sobre todo la guitarra) con los
instrumentos de percusión, creados o recreados en Cuba al estilo y forma de los que procedían de África.
El Son era uno de los bailes de las clases pobres -de los solares- que fue rechazado duramente por las clases
acomodadas -de los clubes-, incluso fue prohibido por el gobierno que lo consideraba inmoral. Luego, al entrar
en los salones de baile de La Habana y otras ciudades importantes, al disfrutar de una gran difución
discográfica y gracias al trabajo musical de las agrupaciones que lo interpretaban el Son pasó del solar a la
conciencia del pueblo cubano.
 . ., ....·' :
No fue hasta el siglo XX que el son empezó a interl'retarsecon gran aceptación en los pueblos y ciudades de
Cuba, En la década del 20 surgen los primeros grupos de son, que recibieron el nombre de sextetos de son,
estaban formados por seis instrumentos: guitarra, tres, marímbula o botija y luego contrabajo, bongó, par de
maracas y par de claves que generalmente tocaba el cantante. Ejemplos: el Sexteto Habanero, Sexteto de
Boloña, Sexteto de Occidente, entre otros.
Es importante señalar que a partir' de estos conjuntos y otros muchos, el repertorio de sones se incrementó con
el de los distintos estilos de canción que ellos habían cantado, cambiando el ritmo al del son y sumándole un
montuno. De modo que muchas canciones con un ritmo definido como el bolero, la criolla y la guaracha, se
convirtieron en bolero-son, criolla-son, guaracha-son, etc. trasladando la función cantable de aquellas a la
función bailable de éste. Arsenio Rodríguez agregó al repertorio de sones, una serie de estribillos tomados de
las fiestas y bailes de diversión de los grupos de rumba. Estilizó el guaguancó, utilizando tumbaos del tres, y le
llamó guaguancó-son. Este tenía un aire lento.
En el sexteto la guitarra ofrecía la base armónica necesaria en el acompañamiento, mientras que en el tres, casi
siempre, se ejecutaban contracantos y modelos rítmicos que enriquecían la polirritmia.
La marímbula se construye de una caja de madera que sirve como caja de resonancia. Pr"esenta dos planchas
metálicas y diferentes flejes metálicos que al pulsarse con los dedos logra sonidos graves que se integran como
un bajo armónico en el conjunto. Posteriormente, en las ciudades la marímbula fue sustituida por un contrabajo,
cuyas cuerdas se pulsaban.
El bongó tuvo su nacimiento en el marco del desarrollo del son. Originalmente eran dos tamborcitos de
diferentes tamaños unidos por una pieza de madera o de cuero.
Las maracas a veces son sustituidas por el güiro, y al igual que las claves tienen la función de estabilizar la
polirritmia en el grupo.
Los septetos de son surgen al incorporarse al sexteto un nuevo instrumento: la trompeta, que hacía
contracantos. Es con el septeto que el son alcanzó una sonoridad netamente urbana. Los septetos de son
proliferaron por todo el país y hasta hoy en día continúan siendo uno de los formatos clásicos utilizados para la .
ejecución del son.
Los conjuntos de son: En las décadas de 1940 y 1950 el septeto de son amplió su formato duplicando o
triplicando las trompetas, sumó el piano y las tumbadoras, que compartieron en parte con el bongó, e incluso la
batería. Agregaron uno o más trombones y saxofones y ampliaron el coro de voces. A esta nueva agrupación se
le llamó Conjunto.
Además, el Son ha sido interpretado por otros tipos de agrupaciones musicales tales como:
Trios, Charangas, Big Bands y Grupos Experimentales.
Géneros que están emparentados con el son: son montuno, guaracha, changüí, sucu-sucu, ñongo, regina,
bachata oriental, guaj ira son, bolero son, pregón son, afro son, son guaguancó y el son urbano que jugó un papel
--fundamental en el surgimiento y desarrollo de la música salsa.
En sus inicios su estructura musical se basaba en la repetición constante de un estribillo de cuatro compases o
menos cantado por un coro, que alternaba con las improvisaciones que realiza un cantante solista (contrasta por
lo general con' el estribillo). Esta forma era conocida como el Montuno (por venir del campo).
Al asentarse en los centros urbanos adquiere la siguiente estructura: una primera sección donde se expone el
tema, seguida por una segunda sección llamada Montuno, donde se realizan repeticiones del tema con algunas
variantes sobre el mismo, basada en la alternancia entre el coro y un motivo variante e improvisado por un
solista (forma binaria AB). Los textos han comprendido una amplia temática popular, haciéndose sentenciosos,
satíricos o descriptivos, y aplicados a las más diversas circunstancias personales.
<i' En el Son se da un sincretismo en el aspecto vocal entre la décima española y el canto alternado entre coro y

solista (antifonal) de origen africano.

Durante los últimos años el son se ha conformado como el género más importante de la música cubana, sobre
todo por su incidencia en la música bailable.
Compositores Representativos: Ignacio Piñeiro, Julián Gutiérrez, Arsenio Rodríguez, Benny Moré, Adalberto
Álvarez.

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 ,.'
Canciones cubanas de los diferentes movimientos de la cancionÍstica
Trova Tradicional
Los antecedentes más directos de la canción en Cuba están ubicados fundamentalmente en España e Italia. La
tonadilla escénica y el romance español, así como la canción napolitana y el aria operística de corte italiano,
aportaron los elementos necesariGs para que en la Isla se desarrollara la canción cubana. También la presencia
africana se observa en este género ya que los antecedentes más evidentes de los textos de las canciones se
encuentran en África.
Las formas más antiguas de la canción cubana datan de mediados del siglo XIX con canciones amorosas,
tiernas, idílicas, y algunas comenzaron a resaltar nuestros paisajes y la belleza de nuestras mujeres. También
encontramos textos referentes a Cuba como víctima del opresor español, los bravos mambises y las luchas
independentistas. Generalmente a un aire lento de vals. Fueron acompañadas por agrupaciones conocidas con el
nombre de coros de clave, las cuales han ido desapareciendo. Utilizaban generalmente una guitarra o un tres,
además de algunos instrumentos, como las maracas, las claves, algún tambor y la marímbula. En compás de
6x8 y la estructura musical estaba basada en la alternancia entre un cantante solista y un coro.
La trova tradicional se enmarca en las últimas décadas del siglo XIX y en las tres primeras del xx. Arranca con
la figura de Pepe Sánchez. También tuvo como representantes a Sindo Garay, Manuel Corona, Alberto
Villalón, María Teresa Vera, Eusebio Delfín yotros.
A partir de estos de trovadores tradicionales, la canción, auifque no pierde un cierto sello operístico, se hizo más
criolla: pierde el aire ternario, sus melodías, a 2 voces por 3ras y 6tas se tornaron más fluidas y perdieron los
artificios vocales, se acompañó con ritmos autóctonos realizados en las guitarras.
Se articuló en 2 amplios períodos musicales que se repetían con el mismo texto o con nuevas estrofas, la
primera sección, de carácter expositivo, describía una situación, cuyas consecuencias o desenlace se revelaba en
el2do período, el cual adquiría un movimiento más acelerado o un ritmo más figurativo, donde estaba el clímax
melódico.
Las danzas cubanas con una mayor elaboración rítmica fueron conocidas por danzas habaneras, y por su tempo
lento y melancólico aceptó la inclusión de textos (líricos y amorosos), de donde surge la habanera, primera
expresión vocal propiamente cubana. La relación música-texto y la fuerza percutiva de la división silábica, así
como el factor de duración de los sonidos definen la naturaleza y carácter de la habanera, que usan de modo
general el octosílabo, y todos estos factores definen su estructura musical. Esta tiene influencia africana en el
ritmo y la presencia hispánica en la melodía y el verso. La habanera y la guaracha tienen en común una relación
muy estrecha en la estructura formal y el esquema metrorrítmico, diferenciándose sólo en el contenido del
texto .
. Como alusión al ambiente campesino se escribieron piezas que recurren a la combinación rítmica del 6x8 y
3x4. A estas canciones se les llamaron guajiras y criollas, escritas como partes sueltas de obras teatrales, etc.
Se escribían siguiendo el patrón formal que había seguido la canción, es decir una breve introducción, una
primera sección en modo menor, repetida, y una segunda sección en modo mayor directo, también repetida, con
su climax en un agudo.
Las guajiras explotaron motivos melódicos muy separados y alternando el 6x8 con el 3x4, en cambio las
criollas, recurrieron a líneas melódicas más fluidas y a una superposición del 6x8 sobre un acompañamiento en
3x4. En ambas se recurrían a giros acompañantes de la guitarra, antecedentes de la música campesina. Sus
textos hacían alusión a las bellezas del campo y a idílicos campesinos.
Bolero
En el siglo XIX surge un nuevo estilo en el acompañamiento guitarrístico, mezcla de rasgueado y punteado,
influencia de los sones yucatecos (México). La introducción de un rayado rítmico muy segmentado y constante
tanto en la guitarra prima como en la segunda produjo un nuevo acompañamiento que se le llamó Bolero.
Alrededor de la década del 70 se escribieron los primeros boleros que utilizaban textos largos y que no eran
modificaciones hechas del bolero español, pues nada tenía de él. Al finalizar el siglo XIX el bolero:
• Había asimilado la forma de la canción binaria (con sus 2 secciones tradicionales precedidas de una
introducción) .
• Había asimilado la expresión lírica y el sentido amoroso de la canción.
• La melodía en el bolero tuvo una mayor fuerza criolla, se hizo más fluida como en la canción, hasta el punto
de jugar con el tempo del acompañamiento, desplazándola hasta salirse del mismo, tras la búsqueda de
novedades y de estilos propios.
• Perdió esos textos largos y asimiló los que empleaba la canción.
• El ritmo asimiló el tradicionaL cinquillo, no sólo en el acompañamiento SIllO dentro de la propia línea
melódica.
El trío cubano se convirtió en la agrupación musical clásica para la interpretación de los boleros. Está formado
por una guitarra acompañante, una guitarra prima y un par de maracas o claves que acompañan a una voz prima
y otra que hace de segunda. Generalmente estas 2 voces se mueven a intervalos de 3ras y 6tas.
Representantes del bolero: José (Pepe) Sánchez es considerado como el autor del primer bolero, titulado
Tristeza. Otras figuras son Pedro Junco, Fernando de la Rosa, Isolina Carrillo y Adolfo Guzmán.
El bolero y la canción decayeron con la presencia del son durante los años 20. La trova persistió en pequeñas
peñas. El dúo de voces acompañándose por sus respectivas guitarras se vio desplazado por el cantor solista con
su guitarra.
Producto de una elaboración melódica que permitiera una expresión más declamante, se fue cargando el bolero
de formas de comunicación verbal. Esto dio origen por un lado al feeling (comunicación de lo subjetivo). Por
otro, según su temática y motivaciones (comunicación de lo objetivo) fue antecedente de la de la nueva trova,
con su canción con contenido.

Feeling
Tiene sus antecedentes en el bolero, que fue cargado de formas de comunicación verbal para lograr una
elaboración melódica que permitiera una expresión más declamante. Tiene influencia de la música
norteamericana (el Jazz) , en la armonía, enriquecida por todo tipo de acorde y en la forma de cantar con el
rubateo. Los textos son amorosos con un tono intimista. Se acompaña generalmente por la guitarra, aunque
puede ser acompañado por el piano, implantado por Ignacio Villa (Bola de Nieve) y Frank Domínguez. Se
explotan las posibilidades tímbricas. Esta nueva expresión de la canción se consolida a principio de los 50 con
la presencia de la televisión y el desarrollo de grupos vocales y de solistas y compositores.
Representantes: César Portillo de la Luz (Tú mi delirio y Contigo en la distancia), José Antonio Méndez (La
gloria eres tú y Novia mía), Ernesto Duarte (Como fue), Martha Valdés (Tú no sospechas y Palabras)
Intérpretes: Elena Burque, Omara Portuondo, Moraima Secada, entre otros.

Nueva Trova
En 1969 se formó el grupo de Experimentación Sonora del ICAIC, sus promotores fueron Leo Brouwer y
Sergio Vitier. Su objetivo era crear un grupo musical que trabajara el cine cubano y que se dedicara a la
renovación de la música popular cubana.
El movimiento de la nueva trova surge en 1972, con el objetivo de agrupar a jóvenes artistas con el interés de
renovar la canción cubana, respetando el estilo propio, por lo que hay gran variedad de matices en sus
integrantes.
Características:
• Libertad melódica y diversidad rítmica, con utilización de ritmos típicos como el guaguancó, la rumba, el son,
etc.
• Utilización de todo tipo de acordes, giros modales, progresiones por tonos enteros y cromáticos.
• El acompañamiento abarca desde la guitarra hasta cualquier tipo de agrupación.
• Textos de tipo amoroso o tipo social, con gran expresión poética y búsqueda de la reflexión.
• Se fusiona con nuevos ritmos internacionales como el rock, pop, entre otros.
Representantes: Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Vicente Feliú, Eduardo Ramos, Noel Niccola, Sara
González, entre otros.
Agrupaciones: Moncada, Mayohuacán, entre otras.
 Zarzuelas cubanas para reconocer género, caractertsticasl'
Siglo XIX
Las primeras referencias dé presentaciones de zarzuelas producidas en Cuba datan de 1853, como por ejemplo
El Delirio Paternal de José Robreño, Apuras de un bautismo y El carnaval de La Habana, ambas de Rafael
Otero, entre otras. No es preciso fijar cuál de estas tres constituye el primer ejemplo de zarzuela cubana, porque
de la primera sólo tenemos la cubanía del título y de las restantes la probada cubanía del asunto.
A partir de la segunda mitad del siglo XIX la zarzuela cubana comenzó a tomar augec Las obras de esta época
tienen poco usb de 'géneros de la música popular cubana, por el contrario, sus lenguajes son característicos del
teatro musical' ligel'O de corte europeo. De esta época son los compositores: Ignacio Cervantes con El
Submarino Peral, José Mauri con El barberillo de Jesús María y José Maurín Varona con El brujo. Otros
compositores son Laureano Fuentes, Rafael Palau, Rodolfo Hernández.
Siglo XX: La edad de oro de la zarzuela cubana
En las primeras décadas del XX además de obras de los compositores ya mencionados, se suman Jorge
Anckermann, Eliseo Grenet, Manuel Mauri y Moisés Simona. La cubanía' de las zarzuelas de estos
compositores se manifiesta en el libreto y en la música, donde aparecían ritmos cubanos como la habanera,
guaracha, bolero, criolla, rumba, danzón y escenas de·cantos y bailes afrocubanos.
El período de esplendor del teatro lírico cubano se enmarca a partir de 1927 y culmina en la década del 40. En
_ este período de esplendor de la zarzuela cubana se destacan tres compositores: Ernesto Lecuona, Gonzalo Roig
y Rodrigo Prats. Las zarzuelas de esta etapa se caracterizan por el tema de la Cuba colonial, principalmente en
el siglo XIX con nombres como Cirilo Villaverde, José Ramón Betancourt, Antonio Zambrana, entre otros. La
presencia directa del folklore musical se manifiesta en la incorporación de la percusión popular, también en la
utilización de géneros de la música popular cubana como la guaracha, habanera y contradanza.
A partir de la década del 40 comienza la decadencia de la creación zarzuelística, a pesar de encontrarse en
épocas posteriores de rnanera aislada obras que coinciden con las características del género y además de
seguirse representando las zarzuelas más importantes.

Ernesto Lecuona
(1895-1963) Pianista y compositor. En su creación se destaca su vocación por el piano, la canción y el teatro, en
este último le confiere a la música más importancia que al libreto. Cultivó un gran número de canciones con
sus variantes genéricas. Sin embargo es en su música para piano donde residen sus más significativos aportes.
En sus danzas aparece gran diversidad de ritmos. Caracterizadas por la utilización de recursos técnicos de gran
dificultad de ejecución e interpretación. Se dividen en:

Danzas cu banas Danzas afrocu banas

Danzas de salón: Danzas de concierto: Son caracterizadas por presentar
caracterizadas por la Caracterizadas por un mayor estructuras rítmicas derivadas da
recurrencia a un ritmo constante nivel de elaboración pianística, la música africana, así como
y por cierta cubanía a la manera con utilización de grandes acompañamientos basados en la
del siglo XIX. contrastes sonoros y empleo de utilización de uno o dos ritmos
Ejemplos: El tanguito de mamá, diferentes ritmos. mantenidos de manera reiterada.
Ni tú ni yo. Ejemplos: Dame tu amor y Al Ejemplos: La comparsa, Danza
fin te vi. Lucumí y Danza de los Ñáñigos.

Es considerado la figura que cierra el ciclo de la danza moderna en Cuba

Escribió música para cine como El cafetal. Escribió las zarzuelas como El cafetal y María la O y la ópera El
sombrero de yarey. Compuso obras para piano influenciadas por la música folklórica, como por ejemplo
Malagueña (influencia española) y Damisela Encantadora (vals). Escribió ballets como El Cabildo, Fiesta
Negra, Ballet de las flores y Ballet congo.

Gonzalo Roig
(1890-1970) Compositor, director y arreglista musical. Trabaja un lenguaje musical tradicional posromántico,
representando lo criollo como por ejemplo en sus obras Cecilia Valdés (zarzuela basada en la novela
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antiesclavista de Cirilo Villaverde), La hija del Sol (zarzuela) y Quiéreme mucho (bolero). También escribió
gran número de canciones, danzas, danzones, guarachas, rumbas, tangos, valses, etc. Como director de orquesta
dirigió la Orquesta Sinfónica de La Habana.

Rodrigo Prats Llorens .

(1909-1980) Compositor, violinista, pianista y director. Su extensa obra abarca los más variados géneros de la
cancionística, el danzón y especialmente el teatro lírico para el que compuso sainetes líricos y zarzuelas,
llegando a convertirse en uno de los más grandes compositores de la escena cubana.

z arzuel as mas lmport an t es

Lecuona Roig Prats
María la O Cecilia Valdés Amalia Batista
El Cafetal La Habana de noche María Belén Chacón
Rosa la china Perlas Guamá
La Plaza de la Catedral El Cimarrón La canción del esclavo
La hija del sol

Música de concierto en Cuba

Siglo XVIII
En este siglo se fue incrementando en nuestro país una música instrumental que llegaba de Europa, a la moda
española, que integrarían en parte el repertorio de las bandas militares. A fines de este siglo aparecieron grupos
de cámara como resultado de la influencia de los franceses venidos de Luisiana y Haití, y el concierto fue
apareciendo como parte de una feria, donde se hacían representaciones cómicas, refrescos, sombras chinescas y
para terminar un baile. Es necesario llegar al siglo XIX para encontrar en el concierto una presentación de obras
musicales, con un público interesado en lo que oiría.
A lo largo de este siglo se contaban, al menos en Santiago de Cuba y en La Habana con músicos ejecutantes de
obras cultas.

Esteban Salas y Castro

(1725-1803) En La Habana cursó sus estudios de musicología y generales. Estudió el órgano, canto llano y
composición. También estudió Filosofía, Teología y Derecho Canónico. Se traslada a Santiago de Cuba
ocupando el cargo de director musical de la capilla de la Catedral de esta ciudad. Aquí realizó un notable
trabajo con sus cantores y músicos. Salas transformó la Catedral de Santiago en un verdadero conservatorio y
la capilla fue también sala de conciertos.
Su obra es esencialmente religiosa, generalmente con texto en latín y algunas con texto en español. En su obra
se hace notar las influencias italianas y españolas, así como de la polifonía vocal de los siglos XVI y XVII, en
que se ve presente el tratamiento polifónico y el uso del bajo continuo. Hay influencia del Clasicismo vienés en
la armonía, en el predominio de la línea melódica superior.
Su obra se divide en dos grupos:
Música Litúrgica: Donde se encuentran 4 misas, himnos, secuencias, Stabat Mater, Te Deum, antífonas, salmos,
letanías, lecciones, 4 pasionarios (escritos para estudiar la técnica de la fuga con sus músicos), 7 salves,
motetes.
Características de su música litúrgica:
• Está escrita para conjuntos vocales de 2 a 6 voces.
• Los textos son en latín, procedentes de los textos bíblicos.
• La armonía se caracteriza por relación dominante-tónica.
• Predominio vocal, aun en la agrupación instrumental.
• Generalmente refleja un pensamiento armónico basado en el acorde, aún en los momentos más
contrapuntísticos.
• La conducción tanto en las voces como en los instrumentos está marcada por intervalos de terceras y sextas
paralelas.
• Utiliza la fuga y el canon sin abusar del contrapunto, aunque en las misas lleva el canon al límite de sus
posibilidades.
• El sostén instrumental estaba a cargo del bajo continuo, como acompañamiento de las voces.
• Existe una semejanza estructural en su música litúrgica: posee tres secciones, determinadas por introducción o
exposición, desarrollo o centro y [Link]ón.
Música no Litúrgica: Dentro de las obras no litúrgicas compuso más de 60 partituras entre cantadas, pastorellas
y villancicos. Caracterizada esta música por textos en castellano, procedentes de algunos libros que emplea la
Iglesia Católica en ceremonias y festivales del calendario litúrgico. Los villancicos fueron escritos entre 1783 y
1802, quizás representan las piezas más importantes, donde las voces empleadas no sobrepasan nunca el
número de 6, aunque las más usuales combinaciones son de 3 y 4 voces. La instrumentación está confiada
principalmente a los violines I y II Y también al bajo continuo, al igual que en la música litúrgica. La estructura
musical de los villancicos se presenta de dos formas:
1. estribillo como sección inicial del villancico, seguido de las coplas.
2. coplas seguidas de recitados, fugas o estribillos.
En las cantadas emplea indistintamente el modo menor armónico y el natural y es frecuente una terminación
menor después de haber usado todo el tiempo el modo Mayor. Además de los valores musicales de las cantadas
y villancicos, puede hablarse de un aporte literario, ya que los textos integran una notable colección de poemas
navideños.
Villancico: Es una canción religiosa popular que acostumbra a cantarse en Navidad. El villancico es una
canción estrófica en la que todos los versos tienen la misma música. Suele ser interpretado por un cantante
solista acompañado, por lo general, de una pequeña orquesta de camara. Consta de un estribillo que alterna con
una o más estrofas de versos (alternancia entre copla y estribillo). Aunque tratan de temas muy variados,
predomina lo religioso, en especial todo aquello relacionado con la Navidad.
Pastorella: lleva todo el interés melódico de la composición en los instrumentos que son apoyados por las
voces.
Importancia de la obra de Estaban Salas:
• Primer compositor de música sacra en Cuba.
• Considerado el punto de partida de la práctica de la música seria en Cuba.
• Con él se inicia la diferenciación en la isla de la música popular y la música sacra.
• Transforma la Catedral de Santiago de Cuba en un verdadero conservatorio por· el rigor de los ensayos, el
enriquecimiento de la biblioteca y la disciplina de estudio que exigía a sus músicos.
• Estando Salas en la Capilla de Santiago se desarrolló por primera vez una labor continuada e importante en la
creación y ejecución de obras corales.
• Crea el hábito por la buena música en Santiago de Cuba.
• Primer compositor criollo que estableció contactos con la música europea de su tiempo.
• Aboga por el prestigio del músico profesional, reclamando una estabilidad económica y su reconocimiento
como artista.

Siglo XIX
A principios del siglo XIX además del desarrollo de la música en las catedrales de La Habana y Santiago de
Cuba se fue haciendo notar un progreso en la música profana de concierto. En 1804 se crea la primera
Academia de Música donde se estudió canto, violín y piano.
La trayectoria del concierto, desde el espectáculo de feria al salón burgués, motivó la presencia de músicos
populares que crearon obras que irían adquiriendo un corte más elaborado. Tal es el caso de la contradanza con
Manuel Saumell y otros músicos, que de la orquesta de baile pasaban a integrar conjuntos de concierto y a crear
obras de mayor envergadura.
El apogeo de la contradanza lo encontramos en el siglo XIX, donde ya hay referencias de características
especiales en este género que lo hicieron merecer el apelativo de criollas.
La contradanza conservó la forma tradicional de 2 secciones de 8 compases, cada una se repetía haciendo un
total de 32 compases.
 En Santiago de Cuba se crearon polacas con variaciones, para verdaderos grupos de cámara y con tratamiento
solista para algunos instrumentos. Este género permitía estructurar una música por secciones, pegadas unas tras
otras, característica de muchos géneros de la música cubana.

Manuel SaumeIl (1817-1870)

Compositor, pianista, violoncellista y organista cubano. Fundador y padre del Nacionalismo en Cuba. Padre de
la contradanza, género que constituye lo más relevante de su producción. Escribió alrededor de 50 contradanzas
para piano, donde se recogen muchos de los ritmos y elementos propios de la música popular cubana de la
época, los cuales trabajó con un lenguaje armónico y melódico mucho más refinado y los dejó plasmados en
una música cuya intención no era el baile, sino escuchar y tocar. Formalmente son binarias, cada parte consta
de 8 o 16 compases, contrastantes entre sí. La primera un tanto melancólica y meditativa, mientras que la
segunda parte es más movida y vivaz con un sello particular de lo criollo.
El metrorritmo es variado: algunas escritas en 3/4, otras en 6/8 y una buena parte en 2/4. En cuanto al parámetro
armónico no hay grandes complejidades, frecuentes modulaciones entre la primera y la segunda parte para
subrayar el frecuente contraste de carácter entre las mismas, con predominio de las tonalidades Mayores. Las
melodías estructuradas frecuentemente por terceras y en menor medida por sextas. En la textura es común la
relación melodía-acompañamiento y algunos pasajes que denotan un tratamiento polifónico. En el
acompañamiento se aprecia una recurrencia al bajo de habanera. En sus contradanzas produjo una serie de
combinaciones rítmicas que anticipaban variados géneros musicales cubanos de épocas posteriores, como por
ejemplo en "La Tedezco" se anuncian modelos rítmicos que estuvieron presente posteriormente en el danzón, la
guajira en "La Matilde", la criolla en "La Nené" y en "Recuerdos Tristes" adelanta modos de interpretación
que se fijaron después en la canción trovadoresca cubana.
Obras: Contradanzas para piano: La amistad (habanera), La Tedesco (danzón), La Matilde (guajira), Recuerdos
tristes (canción), entre otras. Concierto para violoncello y piano, una Plegaria para soprano y órgano, un Idilio
para violín y piano, un A ve María para voz y orquesta.
No es hasta finales del siglo XIX, con Ignacio Cervantes, que se observa un verdadero avance dentro del
nacionalismo musical cubano.

Ignacio Cervantes (1847- 1905)

Compositor, pianista y pedagogo. Considerado uno de los grandes músicos cubanos del siglo XIX. Figura que
se sitúa dentro del nacionalismo en Cuba. Su producción comprende música de eámara, obras para orquesta
sinfónica, óperas, zarzuelas y géneros de salón, pero lo más importante son sus piezas para piano, en especial
sus 40 danzas, donde recoge la esencia de le1 imagen de lo cubano en el siglo XIX, tanto el costumbrismo como
la picardía. .
_ Continúa con estas piezas el nacionalismo iniciado por Manuel Saumell y el desarrollo en Cuba de las
microformas pianísticas propias del romanticismo. En el orden formal de sus danzas impera la forma binaria de
la danza bailable, cada parte de 16 compases, o en ocasiones la primera de 8 con repetición, para hacer un total
de 32 compases para toda la pieza. El contraste entre las partes se evidencia en algunas danzas como reflejo de
su procedencia del salón de baile, donde la primera es más moderada y la siguiente movida y vivaz. En cuanto
al parámetro armónico, Cervantes puso en práctica las concepciones del siglo XIX: son frecuentes las
modulaciones entre la primera y segunda sección, por lo general de una tonalidad menor a la relativa Mayor.
Otros rasgos son los movimientos ascendentes o descendentes por terceras y el empleo de secuencias de
acordes de 7ma que enriquecen la armonía.
La danza, con un tempo lento y melancólico proveyó espacio a la estrofa cantada y de ahí a la Habanera,
primera expresión vocal propiamente cubana. Principal compositor cubano de habaneras, las que denominó
contradanzas criollas. Su importancia está en que lleva al plano de concierto bailes populares cubanos.
Danzas para piano: Adiós a Cuba, Los muñecos, Los tres golpes, No llores más, entre otras.
Obras sinfónicas: Sinfonía en do m, Scherzo caprichoso y La Paloma.
Obras de teatro: el Submarino Peral (zarzuela en dos actos), Los Saltimbanquis (ópera en 3 actos) y Maledetto
(ópera en 3 actos).
Para coro escribió Barcarolla y para voz y piano, Canto de un desterrado, Himno a Cuba, entre otras. Dentro de
su música de cámara se destacan Entreacto caprichoso y Scherzo en fa menor.
Siglo XX
Durante las dos primeras décadas del siglo XX no es mucho lo que ocurre en el panorama musical cubano
comparado con la actividad que vendrá después. En este tiempo el músico Guillermo Tomás ofreció programas
de conciertos relevantes al frente de la Banda Municipal de La Habana. En 1905 fundó la Academia Nacional
de Música, que fue el primer conservatorio estatal con que contó Cuba y que todavía hoy existe.
En 1922 y 1924 se fundan en La Habana la Orquesta Sinfónica y la Orquesta Filarmónica respectivamente. En
la década del 20 ocurren cambios trascendentales en la música de concierto de Cuba, ya que se da a conocer la
música de Amadeo Roldán y Alejandro García Caturla, quienes constituyen sin duda alguna las dos figuras más
significativas de la primera mitad del siglo XX en el país.
Con ellos quedó inaugurado un fuerte movimiento nacionalista dentro de la música cubana y entraron a la
música de concierto gran parte de los elementos musicales más genuinos y auténticos que aportaba la música
folklórica y tradicional de la Isla. Este movimiento estético encabezado por estas dos figuras recibió el nombre
de afrocubanismo y su objetivo fundamental era resaltar el papel que ejerció la cultura de antecedente africano
en el componente de una música nacional. Por primera vez se integraron instrumentos de la música popular y
tradicional cubana a los formatos de la música sinfónica y de cámara, además de incorporar muchos de los
ritmos y conceptos estilísticos de esta música tradicional en la interpretación de la música sinfónica ya cubana.
Este movimiento coincidía con un fuerte movimiento nacionalista por toda América Latina. Tras la muerte de
Roldán y Caturla en 1939 y 1940 respectivamente queda cerrado el episodio del nacionalismo musical cubano
de mediados del siglo XX.

Alejandro García Caturla

(1906-1940) Compositor, instrumentista y director de orquesta cubano. Uno de los creadores de mayor
trascendencia no sólo en Cuba, sino en Hispanoamérica. Desarrolló una multifacético actividad artística que
conjugó con la profesión de juez.
Desde el año 1925, con su Danza Lucumí para piano y hasta el año 1939 su obra va a formar parte del
movimiento estético conocido como afrocubanismo, cuyo objetivo estaba centrado en el rescate y vigencia de
los elementos caracterizadores de las culturas africanas presentes en la formación de la cultura cubana. Estos
criterios eran compartidos con Amadeo Roldán; juntos fueron en busca de la creación de una música folklórica
cubana. Ambos lograron el surgimiento de un nuevo sinfonismo cubano, la incorporación de nuevas técnicas y
procedimientos y la introducción por primera vez de instrumentos de la música popular al formato sinfónico.
Su obra es la unión de lo nacional con lo universal. Hay una síntesis del modalismo de los cantos folklóricos
con la agresividad cromática de la vanguardia europea, la poliarmonía y la polirrítmica.
Dos ejes rigen su creación: el ritmo y el timbre, los cuales se realzan y se funden con los demás medios
expreSIVOS.
En Caturla se encuentra también el compositor frente al reto de la ópera. A diferencia de otros compositores
cubanos la ópera de cámara "Manita en el suelo" alcanzó la connotación de la ópera nacional, identificada por
la contemporaneidad técnica y estilística de la época. El texto es de Alejo Carpentier y los personajes son
extraídos del folklore y la tradición cubana, es decir son netamente cubanos. Musicalmente se utilizan la
obertura, el son y el bembé. Utiliza los tambores batá. La obra consta de un acto y cinco escenas.
La profesionalidad alcanzada por Caturla significó un incuestionable avance en la música de concierto en Cuba.
Gracias a ella se produjo una verdadera puesta al día, ya la vez una inserción trascendente en los movimientos
nacionalistas que recorrieron América Latina en las décadas de 1920 a 1940.
La revista Musicalia recogió sus trabajos de crítica musical, así como sus consideraciones estéticas. En uno de
sus trabajos planteó que la música afrocubana podía incorporarse al género sinfónico utilizando para la
expresión todos los elementos propios de la orquesta y los suyos peculiares.
Entre las obras de Caturla encontramos:
Música escénica como El lucero, Olilé, Manita en el suelo (opera nacional), música sinfónica, para banda, para
coro, canciones para voz y piano, gran cantidad de obras para piano (danzas, danzones, etc).

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Amadeo Roldán
(1900-1939) Compositor, director, violinista y profesor. Uno de los más connotados músicos cubanos del siglo
XX. Su obra se divide en tres períodos:
• Primer Período (1916-1925): en este período de juventud incluye partituras para piano solo, violín y piano,
voz y piano, tríos y cuartetos de cuerda. Además compuso dos obras para orquesta: Escena sinfónica y Scherzo.
Esta etapa se caracteriza por un ápego a las formas tradicionales y utilización convencional de la tonalidad. Sin
embargo en algunas obras como Improvisación (voz y piano) y Amanecer e el mar (microforma para piano) se
advierte una influencia impresionista.
• Segundo Período (1925-1930): La Obertura sobre temas cubanos inicia este período, donde toma auge la
tendencia afrocubanista. Aquí se da a la tarea de indagar en las vetas folklóricas cubanas, específicamente en
las de antecedente africano, hasta entonces ignoradas por los compositores cultos. Apoyándose en un tema
extraído de la conga Cocoyé incluye en la Obertura pasajes confiados a los membranófonos e idiófonos
autóctonos, propios de la música folklórica.
Su segunda obra sinfónica es: Tres Pequeños Poemas, donde el primero se titula Oriental, el segundo Pregón y
el tercero Fiesta Negra. Esta obra está escrita también sobre la tendencia afrocubanista.
La Rebambaramba es un ballet de un acto sobre argumento de Alejo Carpentier, donde los materiales utilizados
son de origen abakuá. Por su parte en el ballet afrocubano de un acto El milagro de Anaquillé se utilizan varios
cantos yoruba. Sobre argumento de Carpentier, se desarrolla en el batey de una colonia de caña. Otras obras de
esta etapa son: Dos canciones populares cubanas para violoncello y piano, A Changó para cuarteto de laúdes,
Danza Negra para voz y 7 instrumentos, entre otras.
, Uno de los aportes mayores de esta etapa fue el de enfocar la música cubana a partir de su vitalidad rítmica.
Además de la incorporación, incluso con un papel protagonista, de los instrumentos cubanos de percusión.
• Tercer Período (1930 hasta su muerte): se considera su madurez creativa. Comienza con la primera serie de
. Rítmicas (l, II, III, IV) para quinteto de viento con piano. Después las Rítmicas V y VI (En tiempo de son y En
tiempo de rumba) para instrumentos típicos cubanos de percusión. En estas dos últimas obras está presente la.
música de antecedente africano, pero tratado en forma puntillista.
,Creó una notación para los instrumentos de percusión cubana en la que pueden ser representadas todas sus
posibilidades técnicas.
Otras obras de este período son Poema Negro para cuarteto de cuerdas, Curujey para coro, dos pianos y dos
instrumentos de percusión, escrita sobre diseños rítmicos propios del son cubano. También Tres Toques (de
Marcha, de Rito y de Baile), Motivos de Son para voz y piano (8 canciones sobre versos de Nicolás Guillén).

Tendencias de vanguardia en Cuba

Hacia el año 1965 se produce en Cuba una apertura y asimilación de las técnicas más recientes de las
vanguardias de la música contemporánea: serialismo, aleatorismo, electroacústica, entre otras. Este movimiento
fue impulsado por un grupo que hoy conocemos como la 2da Vanguardia Musical Cubana, integrado por Juan
Blanco, Leo Brower, Carlos Fariñas, Manuel Dúchense Cuzán.

Serialismo: Tendencia que pone en serie todos los parámetros musicales (la melodía, el ritmo, el timbre y la
dinámica). Los compositores cubanos más representativos de esta tendencia son José Ardévol Gimbernat,
Carlos Fariñas Cantero.

Música aleatoria: Tendencia que surge en oposición del serialismo integral. Se desarrolla durante las décadas
de 1950 y 1960:
• Los compositores dejan al intérprete en libertad para ejecutar ritmos y melodías, por lo que se convierte en
coautor de la obra.
• Aparecen nuevas notaciones musicales, que sirven de guías, obviándose el sistema de notación musical
tradicional.
• La melodía a veces se limita a una línea y los sonidos se colocan por encima o por debajo de esta, sin
concretar los intervalos exactos, por lo que la improvisación es una característica fundamental en esta
tendencia.
• En el ritmo no se establece la duración exacta de los sonidos.
En Cuba se destacan Leo Brouwer y Carlos Fariñas.

Música electroacústica: Surge mediante la fusión de la música electrónica y la concreta. Se caracteriza por el
empleo de la tecnología digital. Se utilizan programas informáticos. Desde la década de 1960, el término
música electroacústica se refiere, no de forma constante, a la música analógica. El sonido es procesado
electrónicamente y se cambia -la estructura musical por símbolos o signos. Es una música apta para la
investigación y la experimentación sonora en el campo del timbre.
En Cuba se encuentran compositores como Juan Blanco y Edesio Alejandro.

Leo Brouwer
(1939) Compositor, guitarrista y director de orquesta. Considerado entre los más destacados guitarristas del
mundo. Ha colaborado con el ICAIC en al composición de música para innumerables películas. Participó en la
formación y dirección del Grupo de experimentación Sonora del ICAIC, convirtiéndose en profesor y guía de
sus miembros, entre los que se destacan Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Eduardo Ramos, Sara González, Noel
Nicola, entre otros. Junto a Juan Blanco y Manuel Dúchense Cuzán inauguró en la década del 60 el movimiento
de la música de vanguardia en Cuba.
Su obra se divide en tres etapas:
• Primera Etapa Nacionalista 0955-1962): se caracteriza por el manejo de formas musicales tradicionales
(sonatas, variaciones y otras formas clásicas) y por la utilización de concepciones armónicas con raíces tonales.
Aunque prevalece el uso de la tonalidad ya se percibe una tendencia al rompimiento con la armadura de clave
manteniendo uno o varios centros tonales, recurso que luego se convierte en un rasgo común a toda su obra. A
este período pertenecen obras como:
Ritual, Sonoridades, Auto Sacramental, Tres danzas concertantes, Sonata para flauta, Sonata para violoncello.
• Segunda Etapa de vanguardia (1962-1967): Esta etapa pasó por un breve período serial con Trío de viento,
Monograma de orquesta No2. Esta etapa se caracteriza por el uso frecuente de formas extramusicales y la
mezcla de estas con formas musicales puras. Utiliza elementos de la geometría y la plástica. A pesar de su
renuncia a la tonalidad y la armadura de clave, se mantiene la recurrencia a uno o varios centros tonales. La
obra más importante de esta etapa es: Elogio de la danza para guitarra.
• Tercera Etapa Posmodernista: esta tapa se subdivide en dos períodos:
o Primer Período (1967-1969) En este período trabaja dentro del postserialismo hasta llegar a trabajar bajo
influencias aleatorias. En este caso se encuentran obras como: Canticum y La espiral eterna.
o Segundo Período (a partir del 80) Caracterizado por un remarcado lirismo propio de la música que precedió
a las corrientes atonales. Obras representativas: Concierto de Lieja para guitarra y orquesta. También
compuso ballets (Edipo rey, De los días de la guerra), música sinfónica, para guitarra, para coro y orquesta
(Elegía a Jesús Menéndez), música electroacústica (Metáfora del amor).

Harold Gramatges
(1918) Compositor, pianista y profesor. Formó parte del Grupo de Renovación Musical (desde sus inicios). En
1996 le fue otorgado el Premio Tomás Luis de Victoria. Consta de escritos musicales como La Sociedad
Sinfónico-Coral de La Habana, Nuestro Tiempo, El Orfeón Cuba, entre otros. Alguna de sus obras son: sinfonía
en Mi (utiliza elementos cubanos), Serenata para orquesta de cuerdas (obra neoclásica), Móviles (son cuatro y
está presente el tratamiento serial), Ballets (Ícaro), coro y conjunto instrumental (Cantada para Abel), para coro
(tres madrigales infantiles), música para cine (Cimarrón).

José Ardévol Gimbernat

(1911-1981) Compositor, pedagogo, director, crítico y pianista. Abordó todos los géneros con excepción de la
ópera. Entre las obras fechadas en Cuba se encuentran Concierto NO.2 para 6 instrumentos de arco, dedicado a
Caturla, donde trabajó por primera vez elementos cubanos, Cuarteto NO.l y Nueve Pequeñas Piezas para
percusión y piano, ambas también trabajan elementos de la música cubana.
Dentro de la estética neoclásica la obra representativa es Tres ricercare, concebida para cuarteto de cuerdas,
después una versión para instrumentos de viento y luego orquesta de cuerdas, utiliza un tratamiento

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contrapuntístico. Otras obras neoclásicas son el ballet Forma, la cantata Burla de Don Pedro a Caballo y
Sinfonías NO.l y 2.
También trabajó las técnicas vanguardistas de la Segunda Guerra Mundial a excepción de la música
electroacústica. Trabajó el aletorismo, serialismo y postserialismo en obras como Noneto, Cantos de la
Revolución, las cantatas La victoria de Playa Girón, Nosotros los sobrevivientes.
Su labor frente al Grupo de Rerlovación Musical le valió el calificativo de creador de la escuela moderna de
composición cubana, por la formación de compositores.

Juan Blanco
(1919) Destacado compositor especialmente dentro de la creación electroacústica. En 1979 participó en la
creación del estudio de música electroacústica, primero de su tipo en Cuba. La labor creativa de Blanco puede
dividirse en varias etapas:
• Primera Etapa (1944-48): Es su período formativo en el que predomina el tema del amor. De esta etapa son
sus obras para piano, tratadas a la manera de Schubert, Brahms y Chopin, piezas corales, sus canciones en
forma de lieder.
• Segunda Etapa nacionalista (1948-59): Incursiona en obras corales, obras para voz y piano, para grupos
instrumentales y para piano solo. De esta etapa son Cantata de la Paz, Tríptico Coral. La música es solo para
interpretar en salas de concierto. El tema revolucionario y heroico es lo más característico de este momento.
• Tercera Etapa vanguardista (1959-89): En este momento se incorpora a la vanguardia musical cubana. Esta
creación es concebida para ser ejecutada tanto en salas de concierto como en espacios abiertos. Con su obra
Texturas se introduce por primera vez a la música sinfónica cubana procedimientos aleatorios, seriales y
sonoridades de bandas magnetofónicas. Durante esta tercera etapa incursiona tanto en lo instrumental como en
lo electroacústico. Escribió música incidental e innumerables obras electroacústicas.

Carlos Fariñas Cantero

(1934) Compositor y pedagogo. Su obra se define en tres etapas:
• Primera Etapa nacional-neoclásica (1953-1964): Los años iniciales son formativos y se caracterizan por la
expresión de lo nacional, influida por el neoclasicismo. Obras de esta etapa: Tres Preludios para piano, donde
hay un tratamiento polifónico y cromático. Seis Sones Sencillos, donde está presente lo nacional con elementos
del estilo neoclásico. Sonata para violín y violoncelo, Cuarteto de Cuerdas No.l, ballet Despertar.
• Segunda Etapa vanguardista (1964-75): Trabaja sobre el postserialismo e influencias aleatorias. Las obras
representativas son Oda en memoria de Camilo Cienfuegos, que es una obra serial con pequeños elementos
aleatorios y Relieve, donde lo más significativo es el tratamiento del timbre.
Dentro de esta segunda etapa se encuentra un segundo período de vanguardia nacional, donde se destacan obras
como Yagruma, aquí añade percusión y diferentes modos de expresión típicos de la música folklórica cubana, a
través de la incorporación de diversos géneros como el danzón, la danza, el toque de palo, utilizando los
tambores batá.
• Tercera Etapa posmodernista (1984): También se incluyen elementos neorrománticos Ej. la obra Impronta
para piano, percusión y cinta magnetofónica es tonal, aunque no en el sentido tradicional, introduce elementos
de la música cubana.
Dentro de su música electroacústica se destacan la música para las películas La canción del turista y Mella, en
esta última utiliza tambores batá procesados electrónicamente.

José Loyola Fernández

(1941) Compositor, flautista y pedagogo. Es uno de los compositores cubanos que integran las filas de la
música vanguardista. Utiliza en su obra elementos de la música folklórica y popular cubana en interrelación con
la música contemporánea mundial. Entre sus escritos musicales se encuentra La música contemporánea cubana
y en su música sinfónica se encuentra Música viva.
Caracterizar los siguientes géneros y/o formas:
Allegro de sonata
Es un esquema regido por la simetría y el equilibrio propio del clasicismo, que ocupa el primer movimiento de
las composiciones, como la sinfonía, concierto, sonata, cuarteto de cuerda, etc. Su esquema está basado en una
Exposición, en la que aparecen 2 temas contrapuestos generalmente en cuanto a carácter y a tonalidad. Le
sigue una sección de desarrollo, basada en el trabajo de los temas anteriormente aparecidos y concluye con la
re-exposición donde aparecen los temas de la primera sección.

Concerto grosso
Género del periodo barroco, cristalizado por Arcangello Corelli, interpretado por la orquesta de cuerdas. Posee
dos grupos instrumentales, el concertino (los solistas) y el ripieno (la orquesta de cuerdas). Ambos grupos
dialogan durante la obra. Cuando se unen forman el tutti. Consta de varios movimientos cortos y de carácter
opuesto en compás y velocidad.

Concerto a solo
Género cristalizado por Antonio Vivaldi. Consta de un solista y la orquesta (de cámara en el barroco, y del
clásico en adelante la orquesta sinfónica), estableciendo un gran contraste entre ellos. Posee 3 movimientos,
ordenados según su velocidad: rápido-lento-rápido. El movimiento intermedio estaba en una tonalidad diferente
de la de los movimientos primero y último. En los movimientos rápidos, los pasajes solistas se expandían y
conformaban largas secciones a menudo dominadas por una figuración rápida de la melodía. Estas secciones se
alternaban con cuatro o cinco secciones recurrentes de la orquesta a pleno, llamadas ritornellos (la combinación
de las secciones se llamaría entonces forma ritornello). En al menos uno de los movimientos, antes del final del
rito rne llo, era de esperar que el solista hiciera una demostración de su talento técnico y musical mediante un
pasaje improvisado llamado cadenza. Ésta siguió siendo un elemento habitual de los conciertos durante las eras
clásica y romántica, si bien compositores posteriores a estas épocas las escribían, en lugar de fiarse del gusto y
habilidades del intérprete.
Clasicismo: El concierto clásico fue establecido por Mozart, siguiendo el estilo de Johann Christian Bach. Se
mantuvo la estructura de 3 movimientos:
• El primero rápido en forma de allegro de sonata.
• El segundo lento en forma de aria.
• El tercero rápido en forma de rondó o tema con variaciones.
Se mantuvo la cadenza donde el solista improvisaba basándose en los motivos o temas musicales surgidos en el
movimiento que se terminaba. Al igual que las sinfonías, los conciertos se convirtieron en obras grandes, con
una personalidad propia y distintiva.
En el romanticismo sólo unos pocos compositores escribieron algunos conciertos, destinados generalmente a un
intérprete virtuoso determinado. Sus obras revelan un sentido experimental tanto en la planificación general en
tres movimientos como en las formas internas. Sin embargo, se mantuvieron básicamente sinfónicos en su
concepción. El solista y la orquesta casi siempre eran tratados por oposición. Ello constituía un reflejo de la
oposición tonal y la síntesis que generalmente subyacen en el corazón de la forma sonata.
Los planteamientos musicales radicalmente nuevos de principios del siglo XX hicieron que el concierto
sinfónico con solista resultara irrelevante para muchos compositores, aunque hubo sus excepciones. Cada uno
de los conciertos era considerado como un problema individual de forma, a menudo afectado por estudios de
estilos del pasado por parte del compositor, pero a la vez también determinado por ellos mismos. El renovado
gusto por los sonidos claros y el contraste y las texturas contrapuntísticas, dio origen a un renovado interés por
el viejo concerto grosso. Algunos compositores de estilos neorromántico o neoclásico continuaron sacando
partido de las formas tradicionales de componer conciertos.

Cantata
Composición coral con acompañamiento instrumental, que tenía coros, solos, arias, recitativos e interludios
instrumentales. Con la participación de voces solistas, conjuntos instrumentales u orquestales y coros. Carecía
de escenario y vestuario y de una acción en escena. Eran escritas por poetas. Nacida a principios del siglo XVII
como prolongación del madrigal.
Existen 2 tipos de cantata:
La cantata da camera (de cámara): eran compuestas para voz solista sobre un texto profano. Hacia finales del
siglo XVII, se convirtió en una composición para dos o tres voces. Difiere de la ópera por ser cantada sin
escenario ni vestuario y por la falta de una acción en escena.
La cantata da chiesa (de Iglesia): compuesta especialmente para las iglesias, de mayor expresión vocal-
instrumental que su variante profana, aunque era religiosa no tenía texto bíblico, estos textos eran de expresión
solemne. Difiere del oratorio por ser considerablemente más corta y menos elaborada tanto en las líneas vocales
como en el acompañamiento.
En la composición de cantatas se destacó en Italia A. Scarlatti y Giacomo Carissimi. En Alemania, se destaco
Georg Philipp Telemann, Johann Sebastian Bach, la cantata da chiesa en manos de estos y otros compositores,
evolucionó hacia una forma mucho más elaborada que su modelo italiano.
En el siglo XIX, los límites entre la cantata, la ópera y el oratorio se volvieron más borrosos, de modo que obras
dramaticas, o próximas al oratorio, también podrían ser descritas como cantatas.

Oratorio
Composición vocal-instrumental de gran desarrollo, de naturaleza dramática o contemplativa y generalmente
sobre un tema religioso del Antiguo Testamento. Creado en Italia, es la contraposición de la ópera. Si bien el
libreto puede contener incidentes dramáticos, como en la ópera, los oratorios suelen interpretarse en concierto,
sin escenarios ni vestuario o atuendo especial. A mediados del siglo XVII, el oratorio se distinguía claramente
de la ópera por su uso de un testo (narrador, que cantaba descripciones de las escenas y las acciones), la falta de
acción teatral, su espíritu generalmente contemplativo y su énfasis en la música coral en lugar de las voces
solistas.
La plenitud italiana de este género estuvo en manos de Alessandro Scarlatti y Alessandro Stradella. En
Alemania los más sobresalientes fueron Heinrich Schütz y Johann Sebastian Bach.
A finales del siglo XVIII y durante el XIX, la mayoría de los compositores escribieron oratorios con estilos
musicales afines a sus óperas, sinfonías y otras músicas profanas. Entre éstos se incluyen el austriaco Joseph
Haydn y el alemán Felix Mendelssohn, el húngaro Franz Liszt, el francés Héctor Berlioz, entre otros.
La composición de oratorios ha disminuido durante el siglo XX. Encontramos ejemplos notables basados en
temas bíblicos, sin embargo, la gama de temas se ha extendido y comprende áreas no bíblicas y generalmente
más filosóficas.

Misa
La celebración de la eucaristía o misa, propia de la Iglesia católica apostólica romana, ha ejercido gran
influencia en la evolución de la música. Considerada en su aspecto musical, la misa es una composición que
hasta el siglo X aproximadamente era monódica (canto llano o gregoriano) y con posterioridad evolucionó
hacia un estilo polifónico. La integran varias piezas que constituyen una unidad. Los textos son los propios de
la ceremonia religiosa, y la música se compone para ser interpretada durante su celebración.

Obertura
Introducción instrumental de una ópera u otra obra dramática musical o no. Algunas composICIOnes
instrumentales independientes de los siglos XIX y XX también fueron llamadas oberturas por sus compositores.
Las primeras óperas, que datan de principios del siglo XVII, no tenían oberturas pero sí una introducción en la
que resumían la acción que venía a continuación. Esta introducción es creada por Claudia Monteverdi, aunque
la llama sinfonía. Las introducciones instrumentales se hicieron habituales a mediados del siglo XVII, cuando
se desarrollaron dos formas características. La obertura francesa, desarrollada por Jean Baptiste Lully que tenía
dos partes:
• 1era solemne con movimiento grave
• 2da allegro fugado con muchos detalles contrapuntísticos
A finales del siglo XVII, Alessandro Scarlatti estableció la obertura italiana, antecedente de géneros como la
sinfonía y el concierto, que tenía tres secciones:
• 1era allegro
da
• 2 movimiento lento
ra
• 3 movimiento rápido en forma de danza
Hasta finales del siglo XVIII, las oberturas no estaban relacionadas de algún modo con las óperas que se
desarrollaban a continuación. El compositor alemán Christoph Willibald Gluck fue uno de los primeros que usó
material de sus óperas para sus oberturas. De esta manera, éstas establecían el perfil emocional de la ópera que
seguía. El empleo de la música utilizada luego en la propia ópera puede apreciarse en oberturas de los clásicos
Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.
La obertura evolucionó en el siglo XIX hacia un movimiento único, de forma similar al primer tiempo de la
sonata o de la sinfonía. El compositor italiano Gioacchino Rossini escribió muchas oberturas operísticas
brillantes. El compositor alemán Richard Wagner extendió aún más el uso de oberturas; las de sus óperas
repasan la acción dramática de la trama e incorporan temas de la música del drama. En las óperas de Wagner la
obertura se convierte en un preludio extenso que lleva sin interrupción a la música del primer acto. La mayoría
de los compositores posteriores abandonaron la obertura por completo, aunque ésta sigue utilizándose en la
opereta y en el musical.
Mendelssohn estableció la obertura sinfónica independiente, de carácter programático. Un ejemplo de obertura
en obras no musicales es la obertura del El sueño de una noche de verano que el compositor alemán Felix
Mendelssohn compuso para la obra teatral de Shakespeáre.

Sinfonía
Surge en Italia, como evolución de las oberturas en la ópera italiana (llamadas sinfonías) establecidas
hacia principios del s. XVIII, estas tenían 3 movimientos con tempos rápido, lento y rápido, donde el último
movimiento era un minuet. No estaban relacionadas en cuanto al material musical con la ópera a la que servían
como introducción. Se interpretaban con frecuencia como obras de concierto. Estas sinfonías muy pronto
comenzaron a utilizar la forma sonata en su primer movimiento y, a menudo, en otros también. Una influencia
importante en estas sinfonías procede de los intermezzi napolitanos.
Con el clasicismo este género adquirió un nuevo sentido: pasó a significar un tipo de obra orquestal. En algunas
zonas de Italia, norte de Alemania y Austria siguió desarrollándose el esquema de la sinfonía de 3 movimientos
según se usaban en las oberturas de óperas del momento. A partir de 1750 la escuela de Mannheim empieza a
trabajar la sinfonía, fueron los primeros en agregar un cuarto movimiento (un finale rápido) que seguía al
minué, le dieron al movimiento lento (2do mov.) un carácter cantábile, afectivo, sensible. En el ler
movimiento, con forma allegro de sonata, buscaban generalmente el contraste entre los temas.
Franz Joseph Haydn fue el cristalizador de este género. Con las seis sinfonías de París (1785-86) queda
establecida la sinfonía clásica. En este periodo queda definida con la siguiente esctructura de movimientos:
1ero Rapido. Forma Allegro de Sonata
2 do Lento. Tema con variaciones*
3ero Danza minueto o scherzo
4to Rápido. Forma rondó, aIlegro de sonata, ó tema con variaciones.
El nacimiento del romanticismo musical trajo dos tendencias opuestas en la compOSlClOn sinfónica: la
incorporación de elementos de la música programática y la confluencia de ideales de la forma clásica, con
melodías y armonías típicas del romanticismo. En este periodo la sinfonía tiene tendencia a una estructura
cíclica: la conexión de diferentes movimientos por medio de motivos o temas recurrentes.
Durante el siglo XX los compositores, acogieron la forma sinfónica con una visión personal e innovadora.
La idea de la sinfonía continúa inspirando a los compositores, aunque sus formas cambian continuamente.

Suite de danzas
Composición instrumental que contiene una serie de canciones y danzas populares, y que se desarrolló en el
siglo XVI, generalmente compuestas en la misma tonalidad. Aunque eran independientes entre sÍ, se
combinaban de forma que podrían ejecutarse seguidas. Estas melodías estaban dispuestas de manera tal que
presentaban fuertes contrastes entre los tempos lentos y rápidos y los modos majestuosos y alegres. Los cuatro
movimientos básicos de una suite eran:
-La alemanda, una danza tranquila de origen alemán, en tempo moderado, compuesta en compás de 4/4.

-.------
 -La courante, una danza viva, de origen italiano, a menudo compleja en sus ritmos.
-La zarabanda, una danza de movimiento pausado y carácter noble en compás ternario, de origen español, con
una melodía formada por valores largos y cargada de adornos.
-La giga, una danza rápida y llena de vida, de origen inglés, también en tiempo triple.
El preludio, que no se derivaba de ninguna forma de danza, sería posteriormente incluido (en algunos casos) al
comienzo de la suite. •
También a veces se insertaban formas de danza como el minué, la gavota, la chacona y el pasacalles entre la
zarabanda y la giga. La suite de danzas alcanzó su perfección en las obras de Johann Sebastian Bach. En los
siglos XVIII y XIX se fundió con la sonata y quedó gradualmente supeditada a ella. Las composiciones
modernas del mismo nombre son básicamente obras sinfónicas que se caracterizan por una considerable
libertad de estructura y tonalidad.

Lied
Es una canción para voz y piano, de origen alemán, usaba como textos poemas líricos en alemán. En él existe
una estrecha relación entre la voz y el piano y entre la música y el texto, su estructura es libre. Se caracteriza
por expresar gran nostalgia.
Surge como un género sin pasado definido, en el romanticismo, es el género que adquiere más importancia y
popularidad en esta época. Se desarrolló con el compositor alemán Franz Schubert hacia 1814, aunque tuvo sus
antecedentes en Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.
La reputación de Schubert como padre del Lied se basa en las más de seiscientas canciones que compuso. Este
le da gran importancia a la melodía, por lo tanto sus lied no van a ser de gran complejidad pianística. En ellos,
la música y el texto se encuentran perfectamente equilibrados en una armonía tanto intelectual como emocional.
Otro compositor importante de lied fue Robert Schumann. A partir de 1840, se dedicó a componer Lied,
compuso alrededor de 13 8, logrando en ellos gran unidad formal. Le otorgó mayor importancia al texto debido a
su influencia literaria. En todas estas piezas supo plasmar el sentido profundo de los poemas y otorgó a la parte
de piano el papel de expresar los sentimientos y significados de cada uno de ellos, desarrollando una gran
complejidad pianística. Incluye con frecuencia largos epílogos al final de cada Lied.

Opera
Drama cantado con acompañamiento instrumental que se representa en un espacio teatral ante un público.
Surge en Florencia a partir de los dramas musicales, creados en el seno de la Camerata Florentina afines del
siglo XVI.
La Camerata tenía dos objetivos: revivir el estilo musical del drama de la antigua Grecia (tragedias griegas) y
desarrollar una vía distinta al estilo sobrecargado del contrapunto propio de la música renacentista del último
período. Deseaban que la música pudiese reflejar en cada frase el significado del texto. Los temas utilizados
eran de la mitología griega. Por tanto el origen de la ópera se encuentra en la aplicación del canto homófono a
textos dramáticos que imitaban las tragedias griegas. El estilo de la Camerata era recitado, donde el texto era lo
principal y la música debía apoyar el drama, quedando reducida su función al papel de fondo. La orquesta era
pequeña y no debía llamar la atención.
A esta primera forma de opera se le llamó Drama per Música. El término ópera procede de otra de las
denominaciones dadas a estas piezas: opera in música (obra con música).

El italiano Claudio Monteverdi fue la figura más importante de la transición entre la música renacentista y la
barroca y primer gran compositor precursor de ópera:
• En ella todavía proclama los ideales de la Camerata.
• Su música no es servidora del texto, teniendo mayor desarrollo melódico.
• introduce el aria, en la que hay un despliegue de gran virtuosismo vocal para el solista.
• Sus operas se nutren de argumentos mitológicos e históricos.
• Fue el primero en utilizar el duetto, por lo que introduce la polifonía en la ópera.
• Crea la obertura, aunque la llama sinfonía.
• Introduce por primera vez el violín a la orquesta y desplaza los instrumentos antiguos.
• Incorpora el ballet a la acción.

r
 • Anuncia el esquema de la orquestación barroca.
• Utiliza efectos tímbricos como el trémolo y el vibrato, as! como grandes atrevimientos armónicos (el
cromatismo y la disonancia) para apoyar el drama.
Escribió la que se considera como primera ópera: Orfeo, hacia 1607.

Opera en el Barroco
La opera barroca se convirtió en un espectáculo, tanto vocal como escemco. En este sentido tenía gran
importancia la escenografía, la cual obtuvo un gran desarrollo. En cuanto a la parte musical se manifestó una
nueva concepción donde ante todo se abandona el coro, el centro de composición de la opera ya no es ni el
argumento ni la composición en si misma sino la exhibición del estilo vocal conocido como bel canto.
El bel canto es un estilo vocal utilizado entre los siglos XVII y primera mitad del siglo XIX, derivado
directamente de la ópera italiana, en el que predomina la belleza melódica y las cualidades técnicas y expresivas
del intérprete. Tendría su auge a mediados del siglo XVIII. Se basa en melodías amplias con pasajes que se
deben ornamentar y cadenciar a fin de resaltar el virtuosismo del cantante. Las partes de la ópera donde más
resalta este estilo vocal son las arias y los recitativos, ya que permiten al cantante recrearse con mayor
detenimiento en su interpretación.
Se introduce el aria, esta seguía una forma ternaria simple (A-B-A'), llamado aria da capo (en italiano, desde el
-- principio). Contenían variaciones que eran improvisadas por el cantante a partir de la sección A.
En el siglo XVIII la ópera se alejó de los ideales de la camerata y adoptó una gran cantidad de artificios, por
ejemplo, muchos niños italianos fueron castrados para que sus voces no cambiaran y conservaran un registro
agudo. Los cantantes de este tipo, que actuaban en papeles femeninos (pues le era prohibido a las mujeres
participar) se llamaban castratis y eran los máximos exponentes del bel canto.

Escuela francesa: En francia lean Baptiste Lully (1632-1687), compositor italiano, se considera el iniciador de
la escuela francesa de ópera. Desde el punto de vista musical sus óperas son solemnes y majestuosas, el
esplendor de la corte francesa se refleja en los coros masivos y lentos, yen los episodios instrumentales. Con un
énfasis especial en la claridad del texto y las inflexiones de la lengua francesa. Sus elaborados espectáculos de
danza y sus coros de gran majestuosidad tienen su raíz en el ballet. Sus textos, o libretos, se basaban en
tragedias clásicas francesas.
Otra de las contribuciones de LuUy fue el establecimiento del primer tipo estandarizado de obertura, llamada
obertura francesa (ler mov. solemne con movimiento grave, 2do mov. allegro fugado)
Puede considerarse como el creador de la ópera francesa, que consta de una obertura al estilo francés, un
prólogo histórico o alegórico y 5 actos, que agrupan recitativos, coros y danza.
Las óperas de Lully contrastan con el estilo italiano de ópera de la época, en donde se daba prioridad al estilo
vocal llamado bel canto.

Escuela napolitana: A finales del siglo XVII Nápoles se convierte en el centro operístico más importante de la
época y es Alessandro Scarlatti (1660-1725), quien favorece el desarrollo de la ópera napolitana.
A sus óperas les incorporó oberturas instrumentales en tres partes (Obertura italiana: allegro, movimiento lento
y movimiento rápido en forma de danza) Trabaja dos formas de recitativo:
[Link] recitativo secco, acompañado sólo por el bajo continuo.
[Link] recitativo accompagnato, con acompañamiento orquestal para las situaciones de tensión.
También desarrolló el bel canto en sus arias, consolidó el aria da capo en una forma rondó, variando mucho ésta
en cuanto a carácter dentro de su producción y el arioso, un estilo que combinaba contornos melódicos
similares a los del aria con los ritmos conversacionales del recitativo. Dejó en su catálogo 115 óperas.
A comienzos del siglo XVIII, el estilo napolitano, con su preferencia por la música melodiosa y entretenida,
logró imponerse en la mayor parte de Europa, la ópera italiana de una u otra forma influenció a todos
compositores europeos.

Opera en el Clasicismo
Va a ser el género que mayor jerarquía adquiere dentro de las formas vocal-instrumentales.
El estilo operístico que predominaba entonces era el del bel-canto. Las arias van a estar dotadas de un gran
virtuosismo vocal, explotándose al máximo las posibilidades técnicas del solista.

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 A mediados del siglo XVIII la ópera seria alcanzó un alto grado de desarrollo, estaba formada por tres actos y
generalmente protagonizada por no más de seis personajes principales. Se abordaban arias, no había coros y la
acción dramática se basaba en los recitativos.
La "tragedia lírica" (opera) en Francia, llevada a su máxima expresión por Jean Philippe Rameau fue abriendo
paso a una estética más acorde con el estilo galante del clasicismo, más afín al pueblo.
Varios compositores intentaron cambiar las prácticas operísticas, por ejemplo, Carl Heinrich Graun sustituyó
las arias da capo del Barroco por cavatinas (breves arias), redujo los recitativos secos, es decir, acompañados
por el clavicémbalo. Otros compositores buscaron fomentar más en la ópera la música coral e instrumental. Con
estos cambios se intenta dar mayor naturalidad y sencillez a este género. Uno de los factores que contribuyeron
a la reforma de las prácticas operísticas durante el siglo XVIII fue el crecimiento de la ópera cómica, que tenía
un estilo más ligero que la ópera seria italiana.

Christoph Willibald Gluck: (1714-1787) Se mostró en desacuerdo con el carácter convencional de la ópera
italiana que se distinguía por una brillantez superficial y una densa ornamentación melódica. Fue el encargado
de realizar la primera reforma profunda en el arte lírico. El objetivo de su reforma era recuperar el propósito
original de la ópera: expresar sentimientos y emociones transformados en palabras, por medio de la música.
Para ello debía retomar los recursos que dotaban al género de belleza. Sus operas reformadas generalmente
- tomaban argumentos de la antigüedad clásica que se desarrollaban apoyadas por la música y la danza.
Planteamientos de su reforma:
• Retomar algunos de los principios de la Camerata Florentina
• Eliminar las arias da capo.
• Limitar al mínimo el virtuosismo, el exhibicionismo vocal y suprimir las improvisaciones.
• Elevar el nivel poético del texto.
• La obertura se construiría en preparación del ánimo para la trama.
• La orquestación tenía que variar según la pasión de las palabras, para caracterizar los altibajos de la acción y
acercarse a la fluidez del diálogo cotidiano.
• Disminuir la diferencia tan marcada entre recitativo y aria.
• Darle gran importancia al coro.
• Lograr coherencia entre texto y música, esta última debía estar al servicio de la palabra.

La reforma de Gluck no sólo era consecuente con los principios de Monteverdi, sino también fue el antecedente
más importante de la estética de Wagner un siglo después.
A pesar de los escándalos que ocasionaron los principios planteados por Gluck, estos se fueron imponiendo
gradualmente. El imperio de los castratis tocaba a su fin, las mujeres iban adueñándose de la escena y algunos
creadores comenzaron a ver de nuevo la ópera, no como una empresa rentable, sino como una manifestación
artística de grandes posibilidades.
Su primera ópera reformada fue Orfea y Eurídice, estrenada en 1762 que sobrepasó en grandeza, calidad
dramática y espontaneidad a todas sus anteriores composiciones.

Opera en el Romanticismo

Francia, Alemania e Italia desarrollaron unos estilos operísticos característicos durante el siglo XIX. Estas obras
reflejaban el movimiento romántico y sus ideales estéticos.

Italia: El siglo XIX pudo contemplar en Italia el estilo del bel canto. La ópera se convierte en un género
popular. Se destacan tres compositores italianos Rossini, Bellini, y Donizetti quienes condicionan el camino a
Verdi para su definitiva evolución y transformación a favor de la expresividad del drama, un camino que
conducirá al verismo.
• Gioacchino Rossini: conocido especialmente por sus óperas cómicas italianas, sus óperas fueron las últimas
compuestas dentro de este estilo. Fue uno de los máximos exponentes del bel canto del siglo XIX. Cultivó
también la ópera seria donde sigue la tradición italiana aunque en algunas de sus obras utiliza contenido
heróico. En general sus operas tienen características cómicas. Compuso un total de 37 óperas.
 • Vicenzo Bellini: Compositor italiano. Compuso para virtuosos del bel canto. Daba mucha importancia a la
relación entre la música y el texto. Sus óperas consiguen gran efecto dramático a través de sus melodías,
admiradas por su peculiar belleza. Utilizó con frecuencia argumentos de la lucha de su pueblo. Compuso un
total de 11 óperas.
• Gaetano Donizetti: Compositor italiano de ópera. Su estilo musical, influido en gran medida por Rossini, se
caracteriza por sus brillantes y elegantes melodías, destinadas a los virtuosos del bel canto. Compuso 65 óperas
y operetas.
• Guisseppe Verdi: Significó la madurez de la ópera italiana. Su obra destaca por su intensidad emocional, sus
melodías armónicas y sus caracterizaciones dramáticas. Transformó la ópera italiana, que hasta entonces
utilizaba argumentos tradicionales, libretos anticuados y enfatizaba la parte vocal, para crear una entidad
musical y dramática unificada. Utilizó melodías fáciles y el lucimiento vocal.
Entre sus obras más célebres se encuentran Rigoletto, La Traviata, Aida, El Trovador, Otelo, etc.

Verismo
En la última década del siglo XIX surge una nueva expresión operística italiana: el Verismo, influenciado en
gran manera por el realismo literario.
En el verismo se plasma el mundo con todas sus miserias, libre de idealización. Los personajes no son
antepasados o héroes legendarios, sino hombres y mujeres, en ocasiones exageradamente humanos cuyos
sentimientos buscan estremecer al público.
La música del verismo italiano en ocasiones es brusca e impactante. Intenta llevar a la tradición vocal italiana
las aportaciones de la música sinfónica del siglo XIX. Busca efectos dramáticos que en ocasiones casi
desembocaban en el grito, el fraseo es marcado y la dicción se martilla, dominando en las tesituras las notas
centrales.
El precursor del verismo es Alfredo Catalani, otros destacados compositores veristas son Pietro Mascagni y
Ruggiero Leoncavallo.
Hasta la aparición en escena del Compositor italiano Giacomo Puccini el verismo no alcanzó su madurez.
Autor de óperas que destacan por su intensa emoción y teatralidad, tierno lirismo, orquestación colorista y rica
línea vocal, donde se destacan Tosca y Madame Butterfly, por citar sólo algunos ejemplos veristas en la obra de
Puccini.

Francia: Alrededor de 1850 la Ópera de París se convierte en uno de los centros más importantes para la
interpretación de este género. Esta ciudad fue el lugar de nacimiento de la grand-ópera, una espectacular
combinación de representación escénica, acción, ballet y música. Gran parte de ella escrita por compositores
extranjeros que se establecieron en Francia. Presenta 5 actos. Se distinguía de la italiana por la grandiosidad de
la puesta en escena y los ballets incluidos como interludios entre los actos y por la mayor utilización de música
coral e instrumental en lugar de arias solistas. Los temas también eran más cultos, por lo general de tipo
histórico. Giacomo Meyerbeer es considerado el padre de la grand-opera.

Alemania: La ópera romántica alemana es creada por: Carl María von Weber (1786-1826):
Compositor, pianista y director alemán, uno de los creadores del movimiento romántico musical alemán. En sus
óperas utiliza libretos en alemán y la temática general que trata son leyendas alemanas.
Entre las innovaciones musicales de Weber cabe citar el empleo de leitmotivs y de recitativos cantados en lugar
del habitual diálogo hablado de la ópera alemana. Weber fue muy admirado por su brillante colorido orquestal.
Ejerció una especial influencia sobre el compositor alemán Richard Wagner que llegó a afirmar que jamás
había existido un músico más alemán que Weber.

Richard Wagner: (1813-1883), teórico y compositor alemán, una de las figuras más importantes del siglo
XIX. Representa la cima de la ópera alemana, siendo el reformador de esta. Su nueva concepción de la ópera, a
la que llamó drama musical, tiene las siguientes características:
• Integra elementos dramáticos, visuales y musicales hasta formar una obra de arte global. Esta idea la puso en
práctica en los libretos de todas sus óperas, escritos por él mismo, con argumentos de leyendas populares.
• Le da gran importancia a la orquesta.

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 • Utiliza en sus óperas el leitmotiv (breve pasaje musical asociado a un personaje, un estado de ánimo o un
concepto moral que aparece a menudo en la orquesta).
• Se esfuerza por unir toda la ópera con la música orquestal para producir el efecto de una sinfonía continua.
• Suprime el ballet.
• En su tratamiento de la armoníl} llevó el sistema tradicional de tonalidades hasta sus límites, rompiendo las
convenciones que imperaban en las relaciones de tonos y acordes, el exacerbado cromatismo en algunas de sus
obras, conduciría a la atonalidad del siglo XX.

Entre sus óperas se destacan: "Tristán e Isolda", "El Anillo del Nibelungo", "El Holandés Errante".

Zarzuela
La zarzuela es un género lírico originario de España que surgió dentro del ámbito del teatro musical cortesano a
mediados del siglo XVII, como alternativa nacional a la ópera europea, alcanzando gran auge en España y sus
colonias americanas. Su nombre deriva del nombre del palacete o pabellón de caza, rodeado de zarzas, donde,
en el siglo XVII se representaban para la corte española historias con temática mitológica.
En el Siglo XIX, con el español Francisco Barbieri el género experimentará gran auge y fijará sus
- características más importantes:
• Mezcla de partes cantadas y habladas.
• Inclusión de danzas y bailes populares
• Abundancia de temas cómicos y/o casticistas.
~ Se diferenciará claramente entre el género chico (en un acto) y el género grande o gran zarzuela (en tres
actos).

Zarzuela en Cuba
Siglo XIX
Las primeras referencias de presentaciones de zarzuelas producidas en Cuba datan de 1853, como por ejemplo:
El Delirio Paternal de José Robreño (teatrista catalán radicado en Cuba), Apuras de un bautismo y El carnaval
de La Habana, ambas de Rafael Otero, entre otras. La pérdida de los originales no permite garantizar el carácter
cubano del tema, sólo hay un caso en el que el título indica cubanía: El carnaval de La Habana o Trespalillos.
Ya en el año 1854 encontramos zarzuelas de probada cubanía, como El industrial de Nuevo Cuño, de Pedro
Carreño, Don Canuto Cubamocha o El Guajiro Generoso, de Antonio Figueroa.
A partir de la segunda mitad del siglo XIX la zarzuela cubana comenzó a tomar auge. Las obras de esta época
tienen poco uso de géneros de la música popular cubana, por el contrario, sus lenguajes son característicos al
~. teatro musical ligero de corte europeo. De esta época son los compositores: Ignacio Cervantes con El
Submarino Peral; José Mauri con El barberillo de Jesús María; José MaurÍn Varona con El brujo, entre otros.
Siglo XX: La edad de oro de la zarzuela cubana
En las primeras décadas del XX además de obras de los compositores ya mencionados, se suman Jorge
Anckermann (1877-1941), Eliseo Grenet (1893-1950), Manuel Mauri (1857-1939) y Moisés Simona (1890-
1945). La cubanía de las zarzuelas de estos compositores se manifiesta en el libreto y en la música, donde
aparecían ritmos cubanos como la habanera, guaracha, bolero, criolla, rumba, danzón y escenas de cantos y
bailes afrocubanos.
El período de esplendor del teatro lírico cubano se enmarca a partir de 1927 y culmina en la década del 40. En
este período de esplendor de la zarzuela cubana se destacan tres compositores: Ernesto Lecuona, Gonzalo Roig
y Rodrigo Prats. Las zarzuelas de esta etapa se caracterizan por el tema de la Cuba colonial, principalmente en
el siglo XIX con nombres como Cirilo Villaverde, José Ramón Betancourt Antonio Zambrana, entre otros. La
presencia directa del folklore musical se manifiesta en la incorporación de la percusión popular, también en la
utilización de géneros de la música popular cubana como la guaracha, habanera y contradanza.
A partir de la década del 40 comienza la decadencia de la creación zarzuelística, a pesar de encontrarse en
épocas posteriores de manera aislada obras que coinciden con las características del género y además de
seguirse representando las zarzuelas más importantes.
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Compositores Representativos:
Ernesto Lecuona (1895-1963)
Pianista y compositor. En su creación se destaca su vocación por el piano, la canción y el teatro, en este último
le confiere a la música más importancia que al libreto.
Gonzalo Roig (1890-1970)
Compositor, director y arreglista musical. Trabaja un lenguaje musical tradicional posromántico, representando
lo criollo como por ejemplo en sus zarzuelas Cecilia Valdés (basada en la novela antiesclavista de Cirilo
Villaverde) y La hija del Sol. Como director de orquesta dirige la Orquesta Sinfónica de La Habana.
Rodrigo Prats Llorens (1909-1980)
Compositor, violinista, pianista y director. Su extensa obra abarca los más variados géneros de la cancionística,
el danzón y especialmente el teatro lírico para el que compuso sainetes líricos y zarzuelas, llegando a
convertirse en uno de los más grandes compositores de la escena cubana.

~ ... .
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zarzue as mas lm~or t an t es
Lecuona Roig Prats
María la O Cecilia Valdés Amalia Batista
El Cafetal La Habana de noche María Belén Chacón
Rosa la china Perlas Guamá
La Plaza de la Catedral El Cimarrón La canción del esclavo

Opera Cómica
Drama cantado con acompañamiento instrumental que tuvo su auge durante el siglo XVIII, que se desarrolló
con características similares en distintos países: En Inglaterra se llamaba bailad opera, en Francia opéra
comique, en Alemania Singspiel y en Italia opera bujJa. Escritas en las lenguas autóctonas de cada país. Todas
estas variaciones tenían un estilo más ligero que la ópera seria italiana. Los argumentos solían tratar de gentes y
lugares conocidos, en lugar de personajes mitológicos y algunos diálogos se recitaban en lugar de cantarse, en
estos es donde se lleva a cabo la acción dramática de la obra, mientras que las arias y los números concertantes
dan pie a reflexiones que realizan los personajes. Estas características pueden verse claramente en la obra del
primer maestro italiano de la ópera cómica: Giovanni Battista Pergolesi. Dado que las óperas cómicas ponían
más énfasis en la naturalidad que en el talento escénico, ofrecieron la oportunidad a los compositores de óperas
serias de dar más realismo a sus composiciones.
La ópera buffa en sus inicios no fue más que una breve pieza que se representaba para la distracción del
público en los entreactos de las óperas serias, en poco tiempo ganó identidad propia, y ya en 1750
aproximadamente se empezaba a imponer este género sobre la ópera seria.
El músico que transformó la opera buffa italiana en un arte serio fue Wolfgang Amadeus Mozart. Sus tres obras
maestras en lengua italiana, Las bodas de Fígaro, Don Giovanni y Casi Jan tutte, muestran la genialidad de su
música. En Don Giovanni creó uno de los primeros grandes papeles románticos.
El Singspiel es la variante alemana de la opera cómica, estaba a medio camino entre la comedia y la ópera.
Dependiendo de la extensión e importancia de la música y de las canciones con respecto a los diálogos
hablados, puede estar más próximo a la ópera o a la comedia.
En Alemania, el Singspiel propiamente dicho no nació hasta la segunda mitad del siglo XVIII. Sus influencias
más notorias proceden de la opera bujJa italiana, la bailad opera inglesa y la opéra comique francesa. Entre las
obras más importantes están El rapto en el serrallo y La flauta mágica, de Wolfgang Amadeus Mozart, que
resultan difíciles de diferenciar de la ópera.

Scherzo
(En italiano, broma o juego), en música, una composición instrumental rápida y vigorosa en compás ternario,
generalmente el tercer movimiento (en algunos casos segundo) de una obra larga, como una sonata, una
sinfonía o un cuarteto de cuerdas.
En la música instrumental y vocal del siglo XVII, el término scherzo se utilizaba como título para piezas ligeras
de forma irregular. Por ejemplo, Claudia Monteverdi escribió dos conjuntos de piezas cortas a las que llamó
Scherzi musicali.
El scherzo tomó su estilo de Ludwig van Beethoven. Fue él quien desarrolló la forma como un sustituto del
minué (que era más lento) que hasta 1800 solía ser el tercer movimiento de la sinfonía, la sonata y el cuarteto de
cuerdas. La mayoría de los scherzos mantienen las líneas formales del minué, un término que persistió hasta la
época de Beethoven.
Chopin trabajó el Scherzo como microforma pianística. Lo convierte en una obra independiente, desligándolo
de la sinfonía, la sonata, etc. Tuvó presente los scherzos de Beethoven pero sólo en cuanto al molde rítmico y el
compás ternario. Escribió 4 scherzos.
Tambien el ruso Ígor Stravinski lo utilizó ocasionalmente como forma independiente.

Minuet
(del francés menu, 'pequeño'), danza en compás de 3/4, típica del Barroco, que se introdujo durante el siglo
XVII en la sociedad cortesana francesa, por el compositor real Jean Baptiste Lully y adquirió su mayor
popularidad en el siglo XVIII. Probablemente de origen campesino. La gracia rítmica del minué fue
rápidamente aceptada en toda Europa y empleada por los más importantes compositores del siglo XVII y
comienzos del XVIII en su música instrumental, particularmente en la suite de damzas .
Cuando su popularidad como danza disminuyó, se desarrolló su forma musical como movimiento estilizado
dentro de la sinfonía, la sonata, y el cuarteto de cuerdas, a compás más rápido y frecuentemente con carácter
humorístico. Tuvieron especial importancia en su evolución los compositores Joseph Haydn y Wolfgang
Amadeus Mozart. A comienzos del siglo XIX Beethoven lo sustituye por el scherzo (más rápido) en sus
sonatas y luego en sus sinfonías.

Polonesa
Polonesa, danza procesional de corte para parejas alineadas por categorías, original de Polonia, conocida al
menos desde 1645. El paso es lento y deslizado, y el baile posee varios dibujos, incluido el cambio de pareja.
La música suele ir en un majestuoso compás de 3/4. Como música de concierto, han compuesto polonesas
Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart.
Durante el romanticismo el compositor polaco Federico Chopin trabaja la polonesa como una microforma
pianística. En sus primeras polonesas no utiliza la música tradicional polaca, sino que se basa en temas de
Rossini, pero después empieza a reflejar la música nacional polaca en sus polonesas. El ferviente amor hacia su
Polonia, un país desgarrado por las guerras, tuvo su expresión musical en numerosas polonesas, estas están
marcadas por el espíritu heroico de su patria. Escribió alrededor de 17 polonesas.

Suite
La suite es un género instrumental que va a ser interpretado por la orquesta sinfónica, en el romántico adquiere
un carácter programático, el compositor se va a inspirar en una obra literaria, en una persona, en un cuadro,
paisaje, entre otras ideas extramusicales. Consta de varias pequeñas partes, algunas con aire de danza, y busca
el contraste en las partes, en aire, en carácter, etc. Esas son características que comparte con la suite del
barroco: la suite de danzas.
También se le llama suite a la interpretación en concierto de música que fue compuesta originalmente para
acompañar un género dramático (ballets, operas, etc)

Rondó
Rondó, forma musical en la cual un tema principal se alterna con otros episodios o temas contrapuestos.
En la Edad Media era diferente, consistía en repetir sucesivamente una parte y luego seguiría otra, u otras que
también se repetían un número de veces determinado. En el siglo XVII compositores franceses como Jean
Baptiste Lully escribieron piezas en rondó que poseían la estructura A-B-A-C-A-D ... A. Wolfgang Amadeus
Mozart y otros compositores del siglo XVIII utilizaron un rondó con formato A-B-A-C-A-B-A como
movimiento final de una sinfonía, un concierto o una sonata instrumental.

Variación
Es uno de los prinCIpiOS fundamentales de la composlciOn musical, y forma musical basada en dichos
principios. Variar una idea musical significa cambiar partes de ella a la vez que se conservan otras sin alterar.

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 La idea que se decide variar puede ser una melodía completa, una única frase o incluso un motivo corto. Una
vez expuesto el tema, se recurre a él con alguna modificación un número de veces, determinado por el
compositor. Las ideas musicales que mejor se adaptan a las variaciones, son aquellas que permanecen
reconocibles incluso cuando se las somete a una alteración drástica, por lo que deben tener un ritmo fuerte y
unas líneas melódicas y armónicas claras.
En los arreglos para teclados de canciones populares de los siglos XVI y XVII, se conservaban la armonía y la
melodía, pero la melodía recibía distintas ornamentaciones cada vez que se repetía. Algunas formas de
variación repetían una frase o motivo aunque cambiando constantemente su contexto. En algunas formas, las
armonías se .pueden conservar pero cambiando las melodías. Los compositores austriacos Joseph Haydn y
Wolfgang Amadeus Mozart solían variar la melodía aún más, ya veces sólo mantenían sus líneas básicas -la
longitud, el comienzo, el final y los puntos.
En el siglo XIX, los compositores modificaron a menudo también las armonías. Más tarde muchos emplearon la
variación libre, alterando incluso el esqueleto estructural de la melodía.

Poema sinfónico
Género de música programática para orquesta que se desarrolló en los siglos XIX y Xx.
Suelen tener generalmente un único movimiento, en el cual se describe musicalmente el desarrollo gradual de
~mociones y sentimientos correspondientes con fuentes extramusicales como la pintura, la poesía, el teatro, los
paisajes naturales y otras. Se apoya en la Idea Fija. No requiere necesariamente un programa escrito. Su
objetivo no es describir con detalles las incidencias de la historia. Puede expresar gran variedad de ideas, que
pueden ir desde el retrato literal, como el de una locomotora en Pacijic 231 de Arthur Honegger, hasta las
formas no específicas y evocadoras como en Los Preludios de Franz Liszt. La forma del poema sinfónico suele
derivar del personaje o trama del programa extramusical.
La utilización que hace de la armonía y del color instrumental para propósitos expresivos trajo innovaciones en
las progresiones armónicas y en el uso y las combinaciones de los instrumentos. En el siglo XX se han escrito
pocos poemas sinfónicos ya que los músicos han preferido las formas musicales concisas y abstractas así como
los conjuntos instrumentales más reducidos.
Sus primeros defensores fueron Hector Berlioz, que en su obra anticipa claramente el poema sinfónico y Franz
Liszt, que bajo la influencia del primero creó el término poema sinfónico.
Nocturno
Obra musical que sugiere el ambiente de la noche, especialmente en los Nocturnos de Chopin.
Durante el periodo clásico el título se aplicó en su forma italiana (notturno) a obras orquestales o de cámara de
carácter ligero, quizás pensadas para su interpretación al anochecer.
'. El nocturno en el romanticismo es trabajado como microforma pianística. Aparece por vez primera con el
compositor irlandés John Field. Este establece las características del nocturno: serena melancolía, textura ligera
y melodía muy adornada en la mano derecha con la mano izquierda como acompañamiento. Chopin conoció la
música de Field desde los comienzos de su carrera y adoptó la idea con carácter general, si bien amplió
considerablemente el ámbito de emociones y texturas en su gran colección de 21 nocturnos. Otros compositores
que han continuado en esta línea fueron Schumann, Fauré y Poulenc. El nombre también ha sido utilizado para
composiciones no pianísticas que sugerían los sentimientos y la atmósfera de la noche.
Estudio
Pequeña pieza musical destinada a la mejora de determinados aspectos de la técnica del instrumentista.
Normalmente se agrupan en colecciones. En el caso de los compuestos por los grandes compositores (como
Chopin, Liszt o Debussy) se trata de verdaderas obras de concierto.
El concepto de conjunto sistematizado de estudios apareció por primera vez a comienzos del siglo XIX con las
colecciones de Cramer, Carl Czerny y Clementi.
Con las dos grandes colecciones de 12 estudios de Chopin, comienza una nueva concepción en el estudio
conocida como estudios de concierto. Eran microformas pianísticas no destinadas exclusivamente a una
finalidad técnica, ya que son obras de un gran contenido musical, que además de resolver dificultades técnicas
pueden considerarse obras de concierto por su gran expresividad.
También resaltan como estudios de concierto los Grandes Estudios de Liszt de 1839 por sus sonoridades y su
originalidad.