MÚSICA OCCIDENTAL II 2023/2024

-Audiciones
- Lecturas obligatorias
-Análisis de textos de fuentes primarias
-Cuestiones fundamentales de clase
EVALUACIÓN: preguntas concretas sobre manuales, análisis de texto y audición.
Tener en cuenta: si nos referimos al estilo es en minúscula y al periodo en mayúscula.
27/09/23
CUESTIONES FUNDAMENTALES SOBRE LA ASIGNATURA

- ¿Qué es la historia de la música?

En primer lugar, cabe destacar que un historiador se dedica a estudiar fuentes históricas, no hechos
históricos, ya que los hechos son inabarcables y al ser pasados tampoco tenemos acceso directo. Así,
una fuente se define como algo que te dice alguien, ya sea de forma escrita u oral. No obstante, tenemos
que discernir entre las fuentes cuáles de ellas son más o menos fiables. La interpretación de estas es más
precisa cuanto más datos tengamos, aunque siempre tiene un elemento subjetivo; y la fuente en sí misma
también es un producto cultural, social…
En última instancia, el historiador lo que hace es desarrollar un discurso sobre el pasado en función del
análisis e interpretación que realice de las fuentes que tiene a su alcance. Cabe reseñar que el interés
científico por el pasado es una necesidad del presente, por lo que aunque el discurso sea sobre el pasado
sigue siendo un discurso del siglo XXI.
Por otra parte, la sociedad valida o no el discurso histórico, pero el primer paso para la validación se da
dentro de la academia, donde un grupo de científicos analiza y da por válido o no dicho discurso. Luego,
una vez se ha aceptado, pasamos al paso donde se considera si esa información es válida para ser
difundida masivamente y que forme parte de la educación, y ahí es donde entra en juego otros colectivos
que poseen poderes económicos, políticos… En definitiva, se crea una rueda en la que los que deciden
qué es válido o no han sido educados dentro de esa misma educación y contexto, pero a la vez que va
girando también se va progresando.

04/10/23
-Discusión sobre si las periodizaciones son arbitrarias, la historia, el dolor…

- La Periodización
Arbitrario: es algo que no está sujeto por un criterio, pero el criterio para las periodizaciones es que
elegimos hechos relevantes para el conjunto de una sociedad como límites de los períodos históricos.

El método científico de las ciencias experimentales se basa en que siempre que se reproduzcan las
condiciones en las que se ha dado un resultado, se de el mismo resultado. Así, al desarrollarse las
ciencias sociales y humanas después que las experimentales, estas se basan en el positivismo y los
elementos del método de las ciencias experimentales.
La realidad es tan compleja que necesariamente tenemos que reducirla a una medida y dimensión
humana, y para ello, se divide en categorías manejables para poder entenderla. De este modo, la
periodización es una forma de categorizar, articular o dividir la historia, pero en ningún caso lo ocurre

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dentro de la disciplina científica es algo arbitrario o inventado, ya que las periodizaciones están
sometida a un criterio específico, y lo que sí podemos discutir es ese criterio. No obstante, también es
discutible la cuestión de que los hechos sean relevantes, ya que esa relevancia es algo que otorgamos
nosotros. Aún así, si le damos relevancia a determinados hechos no es algo arbitrario, ya que el
concepto de la ciencias humanas es incompatible con el concepto de arbitrariedad, porque si no están
sujetas a algún criterio, deja de ser ciencia y se autoexcluye.

Temario “real”: Aunque podemos señalar como el inicio del Romanticismo los años 1800 o 1810,
nosotros vamos a comenzar en 1830, año del que los historiadores suelen hablar como el inicio de un
Romanticismo pleno. No obstante, esta periodización y denominación ha recibido algunas críticas.
En primer lugar, se critica el propio término romántico, ya que el romanticismo realmente es una
tendencia más del siglo XIX. De este modo, podemos ver cómo en dicho siglo hay tendencias
continuadoras del clasicismo, el realismo, los nacionalismo, materialismo,s,imbolismo etc. Por lo que si
usamos el término romántico para englobarlas a todas y como denominación del período debemos ser
conscientes de que es algo impreciso.
En segundo lugar, salvo casos raros, el discurso histórico es algo continuo, por lo que es difícil
determinar, según nuestros criterios, cuando algo ha acabado y empieza otra cosa. Se supone que
establecemos una articulación por momentos que hace que tenga coherencia, pero nosotros vamos a
establecer la división de la siguiente manera:

1830 - 1850, Romanticismo pleno. Se toma el 1830 por la Revolución que se produjo en julio de ese
mismo año. Además, cabe destacar que Beethoven murió justo un poco antes. En esta subdivisión
podemos incluir autores como Berlioz, Mendelssohn, Shuman, Liszt, Verdi, Wagner o Chopin.
1850 - 1890, Romanticismo tardío. Se establece el año 1859 por un criterio político, la revolución que
se produjo en 1948, y por un criterio biográfico, ya que empiezan a morir muchos de los principales
protagonistas del periodo anterior. Así, pasa a ser el momento de otra generación joven, donde podemos
incluir a autores como César Franck, Bruckner, Brams, y Liszt en su último período.
1890 - 1914, Modernismo. Dahlhaus establece el 1890 como el principio de un nuevo período, el
modernismo. Pero él lo concibe como el último periodo del siglo XIX, y nosotros vamos a hablar de un
período modernista entre 1890 y 1914 como parte del siglo XX.
1914 - 1945, se habla de una etapa neoclásica, y los criterios de periodización son sobre todo políticos.
Desde finales de la II Guerra Mundial (1945) - hasta la actualidad, se habla del serialismo integral y
de una especie de vanguardia.
A partir de 1960, se habla de postserialismo.
En 1970, se habla de una nueva sencillez y simplicidad.

Cuanto más nos acercamos a la actualidad, más cortos son los periodos, ya que no tenemos ninguna
perspectiva. Los análisis se deben hacer con cierta distancia crítica, pero somos tan cercanos a
determinados hechos que no podemos tener esa distancia.
11/10/23
- La cultura la podemos entender desde tendencias deterministas o desde la perspectiva de que la
evolución cultural sea arbitraria. Pero ahí ya no entra la ciencia, es otro debate.
- Ciencia y disciplina pueden considerarse lo mismo, pero después hay disciplinas que pueden ser
científicas. Puede hacer disciplinas científicas y disciplinas no científicas.
- Uno de los principios de las ciencias humanas es que todo es criticable, y sus análisis deben hacerse
con una distancia crítica, tanto temporal como cultural, si es que esto es posible.

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 Visión general desde el punto de vista de la periodización y de los principales protagonistas

Berlioz 1803-1869
Mendelssohn 1809 - 1947
Chopin 1810 - 1849
Schumann 1810 - 1856
Verdi 1813 - 1901
Wagner 1813 - 1883
Liszt 1811 - 1886
César Franck 1822 - 1890
Brahms 1833 - 1897
Bruckner 1824 - 1896
Saint Saëns 1835 - 1921
Tchaikovsky 1840 - 1893
Modernismo
Debussy 1862 - 1918
Schoenberg 1874 - 1951
Neoclasicismo
Falla 1876 - 1946
Stravinsky 1882 - 1971
Webern 1883 - 1945
Siguiente generación
Messiaen 1908-1992
John Cage 1912-1992
Xenakis 1922-2001
Ligeti 1923-2006
Boulez 1925 -2016
Stockhausen 1928-2007

Introducción sobre el Romanticismo/Aspectos generales del siglo XIX

Respecto al siglo XIX, la primera idea que tenemos que saber es que por parte de la historiografía se
habla del siglo como Romanticismo, pero desde el punto de vista musical, ya en Beethoven se pueden
reconocer determinados aspecto románticos; además, su elevación a la categoría de mito también está
influenciada por una mentalidad romántica. Una idea que parece ser más compartida entre los
especialistas es la de ver en Beethoven un elemento emocional, subjetivo, la expresión del “yo”, que
supone una diferencia respecto al clasicismo.
En segundo lugar, podemos decir que el Romanticismo y sus primeros autores no suponen una ruptura,
sino una continuidad. De esta idea parten determinadas tendencias que abogan por hablar de un período
clásico-romántico hasta 1890. Así, lo que hace que hablemos de otro periodo es más bien un elemento
poético y metafísico, y lo importante pasa a ser la expresión del sentimiento individual, irrumpiendo con
fuerza el subjetivismo.

Sin embargo, paralelamente a estas novedades sigue manteniéndose una línea positivista, incluso
formalista, por lo que todos los logros formales clásicos se mantienen, aunque sí es verdad que se
reinterpretan y reelaboran; produciéndose una amplitud de las estructuras clásicas y la armonía, y un uso

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más libre de los modelos formales clásicos. De este modo, se observa como el siglo XIX es muy variado
y rico en movimientos y tendencias. Por ejemplo, aparece el poema sinfónico y el drama musical de
Wagner y se desarrollan mucho las técnicas instrumentales y la orquestación, como se puede observar si
comparamos la orquestación de Hayden con la de Berlioz.
Otro vector importante del siglo XIX es el historicismo, un nuevo interés por el pasado musical pero sin
una intención de recuperar la interpretación histórica, interpretando la música del pasado según los
cánones de la época.

Asimismo, también es un siglo con muchos cambios políticos, donde la Revolución Francesa (1789)
hizo que se produjera una gran transformación del sistema y estructura social. De este modo, cae el
antiguo régimen y se generan los conceptos de nación y pueblo, entendiéndose este último como un
grupo de ciudadanos soberanos. Además, desde el punto de vista económico-social, se van a producir
avances tecnológicos en máquinas, trenes, automóviles…

Por otra parte, el arte y la música en el siglo XIX está asociado a una burguesía culta, constituida por
personas con cierta formación y nivel económico. Respecto a la música se produce un gran desarrollo de
la imprenta musical y se destinan nuevos espacios para su escucha, perdiendo así las catedrales la
situación de predominio en cuanto auditorio musical, aunque también se produce una sacralización de
los auditorios.

18/10/23
Apuntes sobre el Romanticismo

El término romanticismo viene de la palabra romance y en literatura este movimiento empieza en el

ámbito germánico alrededor de 1800-1830, planteado como oposición a la visión racional de la
Ilustración. Hoffman comenzó a ver la música como un arte que podía incorporar elementos románticos,
aunque no empleaba el concepto como término para designar una época, sino como un rasgo que puede
o no tener el arte.
Hasta este momento la música era un arte secundario pero con el romanticismo pasa a ocupar el primer
lugar dentro de todas las artes, ya que su lenguaje de carácter abstracto hace que sea el único arte capaz
de acceder al mundo del espíritu y de lo inefable. También se recupera la idea de la relación de la
música con la naturaleza y el universo, y la música no asociada a texto adquiere una importancia que no
había tenido hasta ahora.
La forma en el siglo XIX es lo contrario al contenido, además, forma y estructura no es lo mismo, la
forma es lo que se ve, la apariencia y la estructura son como los huesos de la obra.

25/10/23
Aspectos generales del análisis y lenguaje musical del siglo XIX (una de las líneas que vemos en clase)

El lenguaje, y sobre todo el lenguaje armónico en el siglo XIX evoluciona desde una función estructural
del clasicismo a una función expresiva. Si nos vamos al barroco vemos cómo se consolida el sistema
tonal-funcional, y la armonía en el clasicismo pasa a ser uno de los principales elementos y el origen de
la estructura y de la forma musical. Así, los tres grandes logros del clasicismo son:
1) El ritmo armónico se empieza a usar para organizar las tensiones armónicas de la
estructura y configura la forma a gran escala, como en la forma sonata (T-D-T).

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 2) Se crea la polaridad tónica-dominante, que es el principio básico de las tensiones y
discursos dramáticos del clasicismo.
3) La cadencia adquiere un papel importante de articulación y definición u organización de
secciones, frases, etc.

Estos logros ya no satisfacen las necesidades expresivas de los compositores del XIX, que dan
prevalencia a la expresión subjetiva. Por tanto, partiendo del lenguaje clásico se lleva a cabo una
revolución que hace que la armonía, y otros aspectos, cambien y amplíen su función del papel
estructural al expresivo. Estos nuevos recursos armónicos al servicio de la expresión, dan lugar a un
nuevo lenguaje que está asociado a una estructura portadora de forma.

Durante los últimos siglos la melodía ha sido el elemento en el que los compositores han dedicado la
maryor parte de su inspiración, y se ha convertido en el principal objeto de invención y expresión
musical, quedando así la armonía en un segundo plano, con un papel de sustento de la función melódica.
Sin embargo, los músicos románticos llevan el aspecto armónico al primer plano, en detrimento del
elemento melódico. Esto se debe a que el elemento armónico tiene unas posibilidades y matices
expresivos que permite reflejar sutilidades del sentimiento humano mucho mejor que la melodía.

Otra idea importante es el principio de originalidad, que aparece como uno de los principales principios
estéticos, así, la música auténtica debe expresar emociones propias del compositor y además, deben ser
novedosa. Si lo relacionamos con las cuestiones armónicas, quiere decir que junto a las ideas melódicas
lo que se valora en este siglo como producto de la inspiración son los acordes. Los acordes eran
vehículos de expresión únicos de cada compositor, y el estilo armónico pasa a ser más personal que
nunca.
Por otro lado tenemos también la idea de progreso, donde los logros armónicos de los compositores eran
aportaciones en ese avance continuo de la armonía que se ponían a disposición de todos, es decir; que lo
que nacía como necesidad de expresión personal se incorporaba al lenguaje común y va a ser la
dinámica de evolución del lenguaje musical del siglo XIX. Los avances armónicos asociados a esta
necesidad de expresión subjetiva son:
1) La ampliación de la tonalidad, con una mayor cercanía entre las tonalidades más alejadas en el
círculo de 5tªs .
2) Nuevos medios para establecer esas relaciones tonales, como el cromatismo.
3) El empleo de nuevos recursos armónicos y de recursos tradicionales pero de nuevas formas.
4) Ambivalencia o polivalencia de la función armónica.
5) El modo mayor-menor o modo mayor-menor mixto, que es el resultado de la integración del
modo menor dentro del mayor, multiplicando las posibilidades armónicas.
6) Los acordes alterados, que ofrecen más posibilidades, y muchos de ellos que ya son empleados
se usan de nuevas maneras.
7) Las relaciones mediánticas, la polaridad tónica-dominante va a seguir subsistiendo pero cada
vez va adquirir más peso las relaciones de terceras. Esto abre una nueva puerta a relaciones
acórdicas entre tonalidades nuevas. Así, antes la ruta modulatoria por terceras era portadoras de
color armónico pero ahora van a ser portadoras de forma.

01/11/23 No hubo clase 08/11/23

Ambigüedad y determinación funcional del acorde (cromatismo y enarmonías)

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Venimos de un período donde el acorde tenía un significado inequívoco, con cierta ambivalencia pero
con un significado limitado. En el siglo XIX el acorde pierde esa claridad funcional y se produce una
difuminación de su significado, esto se debe a 2 razones: la práctica del cromatismo y la práctica de la
enarmonía. El cromatismo convierte al acorde en una entidad plural en cuanto su significado y
relaciones con los demás. Por ejemplo, ahora el acorde de 7ª disminuida va adquirir una gran
importancia, siendo su particularidad que divide a la 8 vª en partes iguales y es un acorde simétrico.
Además, determinadas especies de este acorde que eran casi inéditas empiezan a tener más
protagonismo, al igual que el acorde de 9ªde dominante, que ahora se usa sin preparación. Otro recurso
que implica una inestabilidad armónica y amenaza la función de los acordes es la superposición inferior
de 3ªs al propio acorde, lo que indica que la nota fundamental del acorde cambia.

- La modulación
Esta expansión de la tonalidad a través del uso del cromatismo y la enarmonía, y del modo mayor-
menor mixto hacen que se incorporen tonalidades que anteriormente no se practicaban, y que se creen
relaciones entre tonalidades lejanas muy rápidamente. Así, nos situamos en el umbral de la tonalidad en
el último tercio del siglo XIX, donde las aportaciones de autores como Liszt o Wagner llevaron al
sistema tonal al límite. Por ejemplo, para Liszt no existía Do M, sino que usaba los 12 grados de la
escala, lo que implicaba que no hubiera modulación si consideramos la tonalidad como una tonalidad
cromática donde entran los 12 sonidos de la escala. Del mismo modo, Wagner usa una modulación
continua que nos lleva a una falta de jerarquía tonal y a espacios atónicos, ya que si continuamente se
modula no se genera un cambio, sino que todas las notas se convierten en “tónica” y así desaparece la
tónica y la tonalidad funcional.

Por todo ello, las funciones armónicas quedan difuminadas y son cambiantes, quedando en pie dos
pilares que hacen que sigamos hablando de tonalidad: uno es que todavía, aunque sean continuamente
cambiantes, podemos reconocer funciones tonales; y otro es el concepto de consonancia. La
consonancia es un elemento armónico y de movimiento, y por tanto de forma, cuando desaparece la
diferencia entre consonancia y disonancia podemos decir que deja de existir la tonalidad.

Este sistema que estamos describiendo se asocia con el posromanticismo, la continuación de la

tradición romántica germana, que había llegado a un punto culminante al conseguir sus ideales estéticos
de expresión del sentimiento y, al mismo tiempo, había logrado los medios técnicos necesarios para esas
exigencias estéticas, sobre todo las obras de Liszt y Wagner. Así, Wagner se convierte en el principal
referente de los compositores postrománticos.
A partir de este momento, se va a producir una disyuntiva, ya que el lenguaje va a evolucionar en 2
sentidos. Por un lado, está el sistema del expresionismo y atonalidad, y por otro; el de la neutralización
de la tonalidad y sus funciones a través de la modalidad, que es el camino que toman los impresionistas.

➔ Lectura del texto 0. Wagner

15/11/23 No hubo clase 22/11/23

Comentario de texto: las 2 cosas más importantes para Miguel son: 1) Identificación de ideas
principales, secundarias y sus relaciones. 2) Comentarios críticos de reflexiones sobre lo que hemos
leído. Aquí entra la organización, estructura y estilo del texto. Por ejemplo, si son artículos
periodísticos, libros, comunicaciones, ensayos críticos…

Introducción al texto 1 de Hanslick

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El alemán Baumgarten fue el primero en hablar de estética, que nació en 1750, planteando la autonomía
del arte y el arte como placer. Se trata de establecer determinados parámetros para identificar qué es
bello de manera objetiva. Con el paso del tiempo, esta idea va cambiando y en el siglo XIX la belleza
pasa a estar en el sujeto, no en el objeto.
La tendencia iba en la diferenciación cada vez más radical entre forma y contenido y en la idea de que la
expresión esté en el contenido. No obstante, en 1854, Hanslick escribe De lo Bello musical donde dice
que la belleza del arte radica en la forma. Por tanto, propone lo que se denomina como formalismo,
frente al idealismo romántico, esta línea de Hanslick podemos situar a Brahms.

➔ Lectura del texto 1. Hanslick: De lo bello musical.

La última etapa del siglo XIX: El Modernismo

La última etapa del siglo XIX se denomina Modernismo, acuñada por Dahlhaus para referirse al período
que va de 1890 - 1914. Para él, en esta última etapa del siglo XIX es donde se produce el despliegue del
romanticismo y surgen nuevas tendencias, como por ejemplo, el expresionismo, el impresionismo o el
nacionalismo. El nacionalismo fue una reacción de las culturas periféricas ante la centralidad de la
música europea que estaban en Alemania y Francia. Por otro lado, el impresionismo también reacciona a
las ideas románticas de Alemania. En esta época se habla de una nueva etapa de variedad estilística y
estética de ruptura con los valores estéticos del siglo XIX.

Modernismo: El contexto político social (visión etnocéntrica al llamarlos países “exóticos”)

En esta época se genera cierta calma a la vez que se da el colonialismo imperial de los países
europeos. No obstante, España, en vez de expandirse como otros países europeos, va perdiendo
colonias, como Cuba y Filipinas. Asimismo, en Europa este colonialismo es beneficioso desde el
punto de vista cultural, ya que entran en contacto con países y culturas diferentes. Sin este contacto,
por ejemplo, no hubiese existido el impresionismo de Debussy.
Además, ahora nace el interés por estudiar la historia y el nacimiento de la musicología como
disciplina; aparte de nuevos avances técnicos como la invención del fonógrafo, internet o el cine.

Podemos hablar de esta época como positiva y optimista en Europa, dirigida hacia la expansión y
progreso. No obstante, se dio al mismo tiempo una crisis moral importante, debido a diferentes
situaciones como la revolución industrial o la insatisfacción social generalizada. A partir de este clima,
se empieza a desarrollar una filosofía más centrada en el hombre, apareciendo el psicoanálisis con
Freud; además, se da la necesidad de dirigirnos al interior humano, siendo abordada por primera vez
desde una base científica.

Modernismo: Desde el punto de vista musical

Desde el punto de vista musical el modernismo es el momento de máximo apogeo de los grandes
géneros románticos, como la sinfonía. Las sinfonías son de gran formato, se dan sinfonías programáticas
y de cámara, y se incorporan textos. Por ejemplo, en Mahler podemos encontrar nuevos elementos
pentatónicos o politonales. Además, otros compositores destacados son Sibelius y Bruckner.
Por su parte, el Lied adquiere una gran relevancia y se convierte en sinfónico, como ejemplo podemos
nombrar el ciclo de lied sinfónico de Mahler La canción de la tierra (1908). También vemos una
tendencia hacia el lied de cámara y a usar grupos más reducidos, algo propio del movimiento

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expresionista. Destacamos entre los lied de cámara Pierrot Lunaire y el Erwartung, dos melodramas de
Schoenberg que hablan de sus propios dramas interiores. Por tanto, podemos observar una gran variedad
de tendencias en este momento.

Modernismo: La Ópera

En esta época aparecen alternativas a la ópera romántica como son: verismo, costumbrismo o realismo.
Por ejemplo, podemos destacar dos obras veristas como La vida breve de Falla y La Bohème de Puccini.
Además, de forma paralela hay corrientes que siguen la línea wagneriana, como la ópera Hansel y
Gretel. Luego, tenemos óperas nacionalistas, como Los Pirineos de Pedrell, aunque también es de corte
wagneriana. Óperas simbolistas, como Pelléas et Mélisande de Debussy o Salomé y Electra de Strauss.
Nuevas formas teatrales como el Enacted, que son de carácter camerístico y en un solo acto.

Por su parte, en esta época también se recupera el interés por el Ballet, fundamentalmente gracias a un
empresario ruso que se instala en París fundando la compañía de Los Ballets Rusos, Serguéi Diáguilev.
Diáguilev aparece en París en la primera década del siglo XX, y encarga diferentes ballets a Stravinsky
como son El pájaro de Fuego (1910), Petrushka (1911) o La consagración de la primavera (1913);
Jeux (1912) a Debussy o El Sombrero de tres picos (1917) a Falla.

29/11/23
Modernismo: El nacimiento de la musicología (1990-1814)

En un principio, la musicología estaba centrada en el estudio histórico de la música, ya que el

historicismo se creó en el siglo XIX. Pero a finales del siglo XIX aparece una novedad, la necesidad de
conocer la historia en clave científica, no en función de la época en la que se desarrolla. En definitiva, se
establecen los fundamentos de la investigación científica-histórica sobre música.
Asimismo, hay otros aspectos que influyen en el desarrollo de la musicología, como las exposiciones
universales, a través de las cuales Occidente entró en contacto con otras corrientes diferentes; de ahí
surge también la etnomusicología (musicología comparada). Pero hay que tener en cuenta que nace
condicionada por las claves de pensamiento de la época, donde estaba el eurocentrismo, colonialismo, la
hegemonía europea, etc.
Otro momento importante en el nacimiento de la musicología es la publicación de grandes ediciones,
como son los Monumentos de música y las colecciones de Opera Omnia. Los monumentos son un tipo
de edición pensada con una finalidad conmemorativa, es decir, para la recuperación del patrimonio
musical de un determinado país. Las opera omnia son un tipo de edición que recoge toda la producción
de un compositor, y tiene que ver con la mentalidad romántica. En cuanto a la tipología de edición, estas
son ediciones monumentales, ya que el peso de su naturaleza científica es mucho mayor que su posible
finalidad interpretativa, teniendo un carácter simbólico más que práctico. Además, las ediciones
monumentales de la época eran los principales productos musicales del momento. Algunos ejemplos
que podemos destacar son los de Chrysander, que hizo la Deigmelar Dolchia Tonkunst (los monumentos
de la música alemana); y la opera omnia de Orlando Di lasso, realizada por Walter. En España, Pedrell
realizó la opera omnia de Tomás Luis de Victoria (1902-1911) .

Aparte de estos ejemplos, también aparecen determinados estudios históricos como el de Riemann
Historia de la teoría musical o Los elementos de la estética musical. Wolf publica la Historia de la
notación mensural (1904) y Cusachs el Manual de los instrumentos musicales (1913).

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También empiezan a proliferar las primeras revistas de musicología y nos encontramos con el estudio
crítico de las fuentes. En el caso de la Paléographie musicale es un gran proyecto de la publicación de
las grandes fuentes musicales de canto llano que llevaron a cabo los monjes de Solemnes. En 1908 hay
otro libro importante que es el Graduale Romanum, la edición oficial vaticana del graduale. En esta
línea del historicismo y recuperacionismo se fundan determinadas escuelas para la recuperación del
canto gregoriano y polifonía, como la Schola Cantorum en París por Vicent d Ìndy.

El establecimiento de la música en la universidad

Guido Adler fue el primer catedrático de musicología en Viena y el primer profesor de musicología,
como tal, en una universidad, a partir de ese momento se va incorporando la musicología a las
universidades. Lo normal en la época era que la investigación musicológica se desarrollara al margen de
las instituciones y universidades en proyectos individuales o en relación con determinadas asociaciones,
además, dichos proyectos no eran realizados por musicólogos tal y como lo entendemos hoy en día. Por
ejemplo, una figura así en España fue Pedrell; y también tenemos a Barbieri, que dedicó parte de su vida
a la investigación y fue el que descubrió el Cancionero de Palacio en 1890. Por su parte, Pedell se
dedicó a todas las cuestiones que abordaba la musicología en aquel momento, y sus dos grandes líneas
son el patrimonio histórico, y el folclore. Además, escribió algo parecido a un manifiesto, Por nuestra
música (1890), que se convirtió en el libro fundacional del nacionalismo español. Cabe destacar que
Iginio Anglés, el primer musicólogo profesional español, fue discípulo de Pedrell; y se formó en
Alemania e Italia, algo que influye en su postura como musicólogo. Además, Anglés sigue las mismas
líneas que Pedrell y son estas las que establece en el Instituto Nacional de Musicología.

El Cancionero popular español, elaborado por Pedrell, es bastante ambicioso, ya que pretendía recoger
y reflejar la música popular española. Pedell está influenciado por Joaquín Costa y por todo el
pensamiento regeneracionista del momento, algo que también aplica a la música. Por otro lado, su ideal
de ópera estaba cercano a la Wagneriana, y pretendía que la ópera española tuviera cosas de Wagner y
del folklore español, rechazando la zarzuela y planteamientos como los de Barbieri. La intención última
de Pedrell era elevar la nación española al mismo nivel que otras naciones europeas, por lo que para
encontrar eso se retrotrae al siglo XVI, cuando los músicos españoles estuvieron en la vanguardia
europea del momento.

No hay que olvidar tampoco, que posteriormente, nacen propuestas de óperas en catalán o euskera, que
tienen como objetivo estar reflejados musicalmente dentro de la corriente nacionalista. En el caso de
Andalucía ocurre algo particular, ya que la música nacional española absorbe y toma la música nacional
andaluza como propia del nacionalismo español. Basicamente, lo que se conoce fuera y dentro de
España como música española, en realidad, en su gran mayoría es música nacionalista andaluza.

Rafael Mitjana era un diplomático español andaluz muy aficionado a la música y fue el que encontró un
manuscrito que hoy conocemos como el Cancionero de Upsala. Mitjana, junto a otros como Eustoquio
Uriarte, Casiano Rojo y Gregorio María Suñol, dedicados sobre todo a la música eclesiástica y al canto
gregoriano, fue de los musicógrafos importantes del momento. Por último, Luis Villalba Muñoz también
tiene una visión muy interesante, ya que se consideraba discípulo de Pedrell, pero a su vez, desarrolló
ideas diferentes.

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06/12/23 No hubo clase 13/12/23
- Lectura del texto 2. Pedrell. Extracto del prefacio del 1º vol. dedicado a Cristóbal de Morales.

20/12/23
EL IMPRESIONISMO (dentro del modernismo)

El impresionismo tiene un origen pictórico en las últimas décadas del siglo XIX. El movimiento se crea
en una exposición, donde el crítico Leroy opina de forma despectiva sobre el cuadro de Monet llamado
Impresión, sol naciente. Este ataque a Monet se debe a que iba en contra del academicismo institucional,
en términos pictóricos la diferencia está en la luz, que es lo que les llamó la atención a los
impresionistas. Fue hacia 1876 cuando los propios pintores empiezan a denominarse impresionistas,
estableciéndose el inicio del impresionismo pictórico entre 1874 -1876. Este movimiento busca una
vuelta a la naturaleza y pretende plasmar y recoger la luz y el color del momento, interesándose así por
escenas sencillas, de campesinos o de la propia ciudad. Los impresionistas tienen como referencia las
reglas clásicas de las formas, al mismo tiempo, al huir de temas heróicos e históricos rechazan todo el
sentimentalismo romántico, apostando más por la sugerencia de evocación, siendo el arte de evocar.

Por otro lado, el simbolismo literario tiene en común con la pintura impresionista que se nutre de
imágenes, símbolos y evocaciones, es un arte por el arte refinado y sutil. Algunos poetas simbolistas
destacados son Mallarmé, Verlaine o Rimbau, que están influenciados por Baudelaire. Esta poesía se
caracteriza por no tener un contexto determinado y pone el acento en metáforas, ensoñaciones o
evocaciones…
10/01/24
La primera vez que se aplica el término impresionismo a la música es en referencia a Debussy, esto
ocurrió porque envió una obra al premio de Roma y la academia francesa calificó la obra de forma
negativa, como una obra que representa un vago impresionismo de la composición. Asimismo, este
premio tenía mucho prestigio y daba la posibilidad de dedicarse un año entero a la composición.
Respecto a la periodización de esta época podemos hablar de impresionismo musical a partir de 1890,
cuando Debussy compone el Preludio a la siesta de un fauno, Pelleas et Melisande o los Nocturnos. El
final del impresionismo puede estar en torno a 1920, aunque estas fechas pueden ser discutibles al ser el
impresionismo una expresión que forma parte del modernismo, ya que este acaba en 1914.

Se habla de impresionismo en música desde el punto de vista estético porque se considera que en la
música hay determinadas ideas que se relacionan con el impresionismo pictórico, como por ejemplo lo
sensual, lo etéreo, el color, la luz, la difuminación de líneas, etc. Del mismo modo, algunas cuestiones
estéticas y estilísticas son las siguientes:
- Rechaza el romanticismo pero básicamente se desarrolla a partir de él, por lo que hay aspectos que
permanecen. Por ejemplo, el gusto por las piezas breves de carácter lírico para piano.
- Se interesa por los componentes naturalistas pero no en términos programáticos como en el
romanticismo, sino en las impresiones que se generan sobre la naturaleza.
- Se basan en la idea de evocar y sugerir impresiones y ambientes, contraponiendose a lo dramático y
narrativo de lo romántico. Esto se consigue con la repetición de motivos, la circularidad armónica, la
yuxtaposición de elementos musicales.
«La principal diferencia entre la música germana centro europea y las periféricas es que se caracteriza
por el desarrollo, y la mediterránea se caracteriza por la yuxtaposición de elementos, donde no hay un

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discurso lineal» Yvan Nommick. Con la difuminación de las líneas, la búsqueda del color, la pérdida de
la simetría, no se interesan por el desarrollo temático ni motívico.

Otro elemento que caracteriza al impresionismo es el interés por lo exótico y lejano pero desde el punto
de vista de lo nuevo que pueden aportar a la cultura europea. Tenemos que entender que estos
intercambios culturales se dan en un contexto colonialista, por lo que se da una transformación de lo
exótico adaptándolo a la cultura europea. En esta época, gracias al proceso colonial, se empiezan a
organizar las Exposiciones Universales, siendo en la de París (1889) donde Debussy escuchó por
primera vez el gamelán javanes. El gamelan es una agrupación musical tradicional de Indonesia,
especialmente de las islas de Java y Bali, caracterizado por el uso de instrumentos membranófonos,
gongs, xilófonos, flautas de bambú y eventualmente instrumentos de cuerda frotada y pulsada, aunque
también puede ser incluida una vocalista. Esta música se basa en un tema principal, el cual algunos
instrumentos tocan entero, otros una parte, otros lo adornan o bien tocan el pulso y ritmos básicos.
Además era una música con heterofonía y escalas hexátonas, las cuales se readaptaron en la cultura
europea. Así, Debussy utiliza estas nuevas escalas y recursos gracias a la exposición de París.

Otros elementos que se incorporan ajenos a la cultura europea es el interés por la música popular. En el
caso de la música impresionista francesa no se da tanto, pero en la música impresionista de culturas
periféricas se ve de forma más común. También se interesan por la música antigua al igual que el
romanticismo, donde se ve la Edad Media como una ¿época mitificada?

Por último, otra cuestión es el rechazo al wagnerismo y a la música alemana. Así, Debussy en sus
primeros años admiraba mucho a Wagner pero luego renegó totalmente de él, ya que el impresionismo
rechaza el patetismo romántico. Además, su propuesta dramática es totalmente diferente a la de Wagner,
Debussy lo que pretende es superar el drama wagneriano a través de un nuevo lenguaje, un nuevo
recitado y la evitación del desarrollo motívico tan característico de la música germana.

Seguramente de manuales entre hasta el posromanticismo, impresionismo y nacionalismo, como

mucho hasta el neoclasicismo. De los textos hemos visto hasta el 6 según el documento y en el
examen pueden ser los de clase u otros parecidos. Sobre los manuales va a preguntar directamente
con el enunciado que aparece en el libro, para que no tengamos dudas sobre la respuesta.

17/01/24

- La estructura de los contenidos vistos de la asignatura en clase está en la guía docente, ahora
mismo estamos en el punto 8. Las alternativas a la tradición germana I.
El punto 6. La ópera verista no entra porque no la hemos visto en clase.

Guía docente. En el examen entra del punto 1-12 excepto el n 11, 10, 9 y 6 de la guía docente.

- De los manuales entra dahlhaus, palisca, salvetti, posromanticismo, impresionismo, atonalidad y

serialismo. No entra andrea lanza, neoclasicismo y el nacionalismo depende si lo vemos o no

- De los textos entra desde el 1-9, excepto Umberto Eco no entra,

El mapa conceptual en el examen no hace falta. Sobre la estructura hacerla si es un texto largo o
es importante, si no no. Sobre el estilo hay que leer el texto en distintas claves, ya que depende de
si es una carta, noticia, biografía… Es en referencia al estilo de escritura en el que está escrito.

Examen: 5 - 10 preguntas, puede ser directamente un nombre de apartado del libro, y entrará lo de clase
y comentario de texto.

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 El desarrollo del lenguaje musical del modalismo e impresionismo

Este desarrollo del lenguaje musical se da en el momento en el que el sistema tonal ya está acabando y
se llega a un callejón sin salida. Las dos salidas que se toman son: explotar la tonalidad al límite y llegar
a la atonalidad; o el movimiento denominado impresionismo

De este modo, con la fundación de la Sociedad de Música Francesa en 1861 apareció un movimiento en
Francia que abogaba por un renacimiento de la música francesa. Este movimiento francés no buscaba la
inspiración tanto en la canción popular, que era lo que ocurría en la mayoría de Europa, sino en la
recuperación de la gran música nacional francesa del pasado. Así, nació como otro movimiento
nacionalista mas, pero con una enorme influencia en la música europea, ya que es el germen de el
movimienteo impresionista.

Los compositores alemanes, para hallar la solución al agotamiento de la tonalidad siguen el camino de
llevar el cromatismo, las funciones armónicas y tonales, etc, hasta sus últimas consecuencias, y por
tanto, lograr un lenguaje atonal. Los franceses, por su parte, optan por la vía de la disolución de la
tonalidad traducida en:

1) En lugar de agotar las posibilidades de la función armónico-tonal, renunciaron a ella

usando armonías no funcionales.
2) En lugar del cromatismo extremo y la escala cromática, eligieron un nuevo diatonismo que
se funda en las escalas modales
3) En lugar de llegar a la atonalidad, convirtiendo a todas las notas en tónicas potenciales y
destruyendo su jerarquía, esa atonalidad se alcanza mediante los modos o escalas en los
que no hay un centro ni un origen jerárquico; como por ejemplo, la escala hexátona.

NEOMODALISMO

En 1894 se fundó la Schola Cantorum y esta respondió al interés de los músicos franceses por su
tradición musical. Allí se hicieron estudios históricos muy importantes y se recuperaron muchas obras
de músicos franceses de otras épocas. La recuperación de estas obras favoreció la incorporación de
recursos y procedimientos antiguos que estaban en desuso, y por tanto, ajenos a la tonalidad. Estos
recursos contribuyeron a establecer un mundo sonoro nuevo alternativo al rumbo que había tomado la
tradición alemana. Algunos de ellos son:

1. La recuperación de los modos eclesiásticos como material de composición.

2. La función de la sensible se elimina o reduce. Esto se puede hacer a través de resoluciones
irregulares o convirtiendo la sensible en subtónica, es decir, que esté a distancia de un
tono.
3. El uso de las dominantes menores (sin sensibles).
4. Las cadencias tonales pierden su fuerza en beneficio de cadencias de corte más modal,
como la cadencia plagal o la cadencia frigia.

Asimismo, el neomodalismo no rompe con la tonalidad, sino que intenta resolverla.

24/01/24

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