TEMA 2 Un cambio de perspectiva. Una época teocéntrica.

1. La nueva estética: del naturalismo al simbolismo.

El naturalismo se da en época romana y ahora pasaremos de una imagen naturalista a una imagen
simbólica. Las fases del arte cristiano en la Edad Media son:

• Paleocristià (segles IV-V de la n.e.)

• Bizantí (segles V-XV de la n.e.)
• Preromànic (segles VI-IX de la n.e.)
• Romànic (segles X-XII de la n.e.)
• Gòtic (segles XIII-XV de la n.e.)

Arte paleocristiano
El arte Paleocristiano es el de los primeros cristianos. Es donde se conforma toda la imagen de lo que
será el arte cristiano que llega hasta la actualidad. Es el generado por los primeros cristianos a partir del
siglo III-IV hasta el siglo VI d.n.e. y nace dentro del marco social, político y religioso del Imperio Romano.
El cristianismo es una religión de salvación, como tantas había en esa época en el Imperio Romano,
simplemente esta interesa más a las élites gobernantes.

San Pablo, uno de los apóstoles, plantea el cristianismo como religión universal, de manera que hacia el
100 de nuestra era el cristianismo empieza ahí desde la zona de Palestina hacia el oeste y acabará por
dominar todo lo que es el continente europeo y el norte de África.

El ritual en este momento está muy poco definido y su organización dependerá de las zonas donde se
instalan.

El Edicto de Milán del 313, edicto del emperador Constantino, supone que la religión cristiana pasa a ser
aceptada por el Imperio (es una más pero además tiene un lugar preferente). Ellos supone una nueva
posición de la Iglesia dentro del Imperio Romano.

El Edicto de Tesalónica de 380 hace del cristianismo la religión oficial del Imperio romano y considera al
resto de religiones no válidas.

El arte cristiano es simbólico, toma las formas romanas tardías y les da otro significado. Se crea de esta
manera un ciclo ilustrativo cristiano totalmente nuevo, que refleja el gusto de la corte imperial, las
tradiciones filosóficas griegas, alguna tradición judía y añade los comentarios de los llamados padres de
la iglesia.

Por lo que corresponde a las artes de la imagen, en la época paleocristana se crean unas imágenes que
tendrán vigencia hasta nuestros días y que se fundamentan en el Antiguo Testamento (biblia de los
judíos) y en el Nuevo Testamento (Biblia de los cristianos). Se crearán imágenes simbólicas como el
Crismón (símbolo circular), el cordero místico y la cruz.

En arquitectura se coge la basílica romana y se convierte en la basílica cristiana. Esta basílica cristiana
definirá las directrices de toda la arquitectura religiosa occidental posterior.

Según un especialista de apellido Bandinelli, ya en el arte romano encontrábamos dos tendencias

diferentes. La helenística, y por tanto de origen griego y naturalista, como en el retrato del emperador
Cómodo y Heracles/Hércules. La otra vertiente es la vertiente plebeya, también denominada
antinaturalista. Esta triunfará en el siglo III dando origen a la estética cristiana de la Edad Media.

A partir del siglo III aparece el arte imperial, con la tetrarquía, que surge del arte plebeyo y que
representa el poder imperial. Este también deja atrás el naturalismo y se centra en lo simbólico.

Los emperadores acaban con los templos paganos.

A partir del siglo IV en el momento en que la Iglesia pasa a ser la religión del Estado, y encontraremos
que sus realizaciones artísticas son cada vez mejores.

Iconografía cristiana:
En sus principios, la religión cristiana era anicó[Link] considera que el humano es incapaz de poder
representar a Dios dada a su divinidad. Cuando el cristianismo se expande fuera de su zona de origen se
da una suavización del repudio a las imágenes, empezando a representarse el cristianismo en imágenes.

Esto llevará a la creación de un conjunto de imágenes que beberán de la imaginería romana para
convertirla en unas imágenes cristianas, haciendo que sean simbólicas en lugar de descriptivas.

Encontramos una asimilación por parte del cristianismo de prácticas y costumbres ajenas (25 de
diciembre para romana era la fiesta del nacimiento del sol y con el cristianismo pasa a ser la fecha del
nacimiento de Cristo, el domingo para los romanos era el día del sol y los cristianos lo convierten en el
día del Señor).

En época pagana se tenía la costumbre de representar lo que se veneraba. A partir del siglo II se
empiezan a realizar pinturas simbólicas en las catacumbas. Esto supone simbólicamente que todo poder
proviene de Dios, por tanto estas imágenes no son imágenes de oración (como si eran las estatuas de
Zeus durante el Imperio Romano), estas imágenes establecen vínculos entre el mundo material y el
mundo divino.

Son imágenes simbólicas el Crismón (anagrama de Cristo) y el símbolo de la cruz (símbolo del sacrificio).
Cuando aparecen juntos se convierten en símbolos de salvación. El pez también es un símbolo de cristo.

Cristo como Buen Pastor - Catacumba de San Calixto (hacia 300 a.n.e.): Cristianización del moscóforo
griego y romano, y también una cristianización de la figura bucólica del buen pastor. Se representaba en
los jardines de los ricos griegos y romanos, y simbolizaba para el mundo romano la buena administración
y buena economía, para los cristianos simboliza a Jesús guiando a su rebaño (la iglesia).

Cuando aparece el cordero solo es el cordero místico (latín: Agnus Dei simboliza el sacrificio de Cristo en
la cruz.

Agnus Dei, el cordero místico, es el símbolo del sacrificio de Cristo. Desde el siglo III d.n.e. encontramos
escenas de la biblia en sarcofagos y pinturas. Los sarcófagos son escultura figurativa, y las primeras
muestras son de 213 y aparecen en Roma y Provenza (Ej: Sacrificio de Isaac (S IV d.n.e.) / Multiplicación
de los panes y los peces (910 d.n.e.)). También hay pinturas (ej: Bautismo de Jesús de Dura Europos (230
dne)). Todas estas obras muestran precedentes de la intervención divina a favor de un fiel, y expresan el
deseo de que dios sea benevolente con el muerto (se encuentran estas obras por tanto en ambientes
funerarios). Por tanto, no son historias descriptivas, si no que se muestran como sugerencias.

Arte Bizantino
Se da en el Imperio Bizantino una cristianización de la cultura, dando lugar al arte bizantino en dos tipos:
arte religioso y arte áulico. El arte religioso está al servicio de la iglesia y sirve para ilustrar la expresión
de la fé (Mosaico de San Apollinar Nuovo (Rávena; S. VI d.n.e.)).
Se puede dividir en 3 periodos:
• Paleobizantino (S V-VII de n.e.)
• Iconoclasta (726-843 de n.e.)
• Posticonoclasta (843-1453 de n.e.)

Lo que queda del arte áulico corresponde a la primera etapa, apenas quedan cosas.
En el arte bizantino encontramos:
Asimilación y reelaboración de contextos, que vienen por un lado del arte grecorromano.
Asimilación de conceptos plásticos de comunicación visual llegados de Persia y Siria.
Asimilación y reelaboración de la ortodoxia cristiana. Encontramos un fuerte simbolismo.

Aunque la escultura tiene un escaso desarrollo, encontramos relieves de marfíl.

En arquitectura encontramos una continuación de Roma en cuanto a que esta es una arquitectura
definidora del espacio interior. La imagen entonces es totalmente simbólica y por tanto es la expresión
de una alegoría estética hierática y antinaturalista.

La época iconoclasta destruye las imágenes, ya que se considera que llevan a la iconolatría.

La época posticonoclástica conlleva a una serie de cambios:

Preferencia por las representaciones de la iglesia triunfal, resultado de un seguimiento de la doctrina
religiosa conservando las representaciones arquitectónicas, ya que el edificio (iglesia/monasterio) ofrece
al fiel la historia de la salvación.
De esta manera, en las cúpulas de las iglesias se encuentra el Pantocrator. Es un busto de cristo
enmarcado por la almendra mística. La imágen es jerárquica, solemne y triunfal, representando la
omnipotencia divina.
En el ábside de las basílicas bizantinas encontramos una representación de la virgen madre: Theotokos.
En los muros y pilares de iglesias y monasterios encontramos representaciones que relacionan las
esferas terrenales con las esferas celestiales como patriarcas del antiguo testamento, profetas, apóstoles,
martires y santos.

ARTE CELTA-IRLANDÉS:
En el siglo 5 se da en Irlanda y después en el reino anglosajón de Northumbria, la introducción del
cristianismo por medio de la predicación de monjes provenientes de Italia y del Imperio Bizantino y será
la predicación de San Patricio, el que será el Santo de Irlanda.
En el siglo 7 d.n.e. se fundan los monasterios de vida cenobítica. Significa que los monjes viven aislados
en cabanas particulares que se hacen ellos mismos. Solo se reúnen en prácticas litúrgicas y solo tienen
en común la iglesia. Estos primeros monasterios pasarán con el tiempo a ser los monasterios que ahora
conocemos, regidos por abades.

En el arte encontramos que se desarrolla un arte cuya síntesis de la abstracción, estilización y

zoomorfismo de la tradición celta y de los estilos decorativos germánicos bárbaros mezclados con el
humanismo mediterraneo. De esta manera se crea una plástica que influye en todo el occidente europeo.
Encontraremos evangeliarios ilustrados con miniaturas. Estos contienen la palabra de Dios y són
necesarios para hacer el culto.

En estos códex (libros) encontramos una mezcla de estilos. Por un lado encontramos espirales de
trompetas celtas de énfasis decorativos. También encontramos retratos de evangelistas que son una
adaptación del arte figurativo mediterraneo. Por tanto, en estos libros hay una grán riqueza ornamental,
tanto en las letras como en los dibujos. Todos los libros reciben el nombre de las comunidades
monásticas donde se crean.

A partir del 700 estos evangeliarios llegan a Northumbria y desde ahí se esparcen por todo el continente.

Con el Libro de Kells se incorpora el nuevo repertorio iconográfico que muestra a la madre de cristo, el
prendimiento de Cristo, etc. En estas imágenes encontramos una fuerte influencia de la alfarería que se
ve en los elementos figurativos, y la figura humana se geometriza cada vez más con una ornamentación
no figurativa hecha de orlas de entrelazos, con un resultado plano.

En la zona sur de la actual inglaterra encontramos una relación con los modelos clásicos e Italia a partir
de la fundación de los Monasterios benedictinos, además muestran una influencia del mediterraneo.
(Códex Aureus de Canterbury. S VIII d.n.e.)
METAL
Encontramos una ornamentación germánica abstracta no figurativa. Las técnicas que se utilizan són el
esmalte en negro y rojo, la incisión y el repujado, y el nielado de plata sobre oro. Encontramos muchas
piezas litúrgicas (ej: tapa de arqueta), cálices, cruces, fíbulas, hebillas y broches, todos con la misma
estructura de ornamentación. También hay recipientes con las mismas pautas (elementos/animales
geometrizados) y armas y escudos.

Imperio carolingio.

ARTE CAROLINGIO
Los francos invaden la Galia, por lo que forma parte de Francia. La idea es reconstruir el imperio
romano, se crean los estados pontificios. En este momento vemos una fuerte espiritualidad religiosa, y
los reyes francos (carolingios) toman como modelo a los reyes del antiguo testamento (David y Salomón).
Así se crea un programa ideológico de reunificación imperial y resurgimiento del imperio romano, con
una síntesis cultural entre el mundo mediterraneo y la tradición local bárbara. De esta manera aparece el
arte carolingio, que para algunos historiadores es el inicio del arte medieval. Este arte carolingio será la
expresión de un nuevo imperio cristiano personificado por Carlomagno (768-814 d.n.e.). Carlomagno
reivindica la figura de Constantino y la herencia del imperio romano, con lo que se produce el
renacimiento carolingio, con la coronación imperial de Carlomagno el 800 dne en el imperio cristiano,
como brazo armado de la iglesia.

Las artes suntuarias son las formas plásticas más importantes que nos permiten conocer el mundo
material. La forma más importante es el Códice (Codex). El Códice es un objeto de lujo, entre tapas de
metal precioso de marfil y pedrería (piedras semipreciosas), de colores oro y púrpuras. Los intelectuales
de la época buscan en los monasterios obras escritas romanas, que copian literalmente y distribuyen a
otros monasterios, se copian los textos, las letras y las ilustraciones. Este es el renacimiento carolingio.
Los libros sirven para diversas cosas:
- Las comedias de terencio se usan para el uso gramatical del latín.
- El libro de Areatea se usa para el estudio de la astronomía.
- Libros como el evangeliario de la coronación se entierran con carlomagno (F.S. VIII d.n.e.).

Encontramos evangeliarios (trozos de la biblia usados para las liturgias) como el evangeliario de Fleury.
Las representaciones son hieráticas y simbólicas. También hay un cierto naturalismo e interés por el
paisaje. Aparece también la perspectiva jerárquica y la influencia del arte celta.

METAL
Lo conocemos por los tesoros de las iglesias. Encontramos formas influidas por las épocas de invasiones
(formas germánicas) aunque al final del siglo 8 se suman las influencias insulares, es decir, de gran
bretaña e irlanda, y las norte-italianas.

Las características són que están hechas en oro, plata, bronce dorado, con perlas, piedras preciosas y
iviri encastado con uso del esmalte y con la técnica de repujado, cincelado y fundido. La voluntad de
recuperar la antigüedad romana lleva a nuevas piezas (torno de Dagoberti, 850 d.n.e.). Se hacen una
serie de obras y se crean altares de oro también (para iglesias) con una figuración en relieve y dinámica.

ARTE ROMÁNICO
El arte románico se da desde la caída del imperio carolingio, cuando aparece el feudalismo. En esta
época se dan las incursiones vikingas. Al mismo tiempo los musulmanes ocupaban la península ibérica
con el proceso de la reconquista. Aparecen los movimientos islámicos rigoristas en el siglo 12. A la vez el
imperio bizantino se ve invadido por pueblos del norte, con presión de Rusia.

Este arte es la expresión cultural del régimen feudal y su ámbito físico es la Europa occidental. Es un
sistema de vida agrario con economía de subsistencia y trueque que refleja las condiciones de vida de la
época. El rasgo común de todos los reinos es que todos tienen un mismo sentido religioso que domina la
vida cultural e intelectual de la época, siendo la iglesia una autoridad para la cristiandad occidental, y
tiene un fuerte poder y prestigio del papado, ya que el rey es simplemente un noble muy poderoso pero
incapaz de someter a la aristocracia.

Por lo tanto la iglesia monopoliza la cultura ya que todos los aspectos de la existencia están en relación
inmediata con la fe. Se da una primacía de la fe sobre la técnica y la ciencia con una concepción
metafísica religiosa ya que todo lo humano está relacionado con lo divino. La arquitectura religiosa será
el centro de producción artística románica donde se subordinan todo el resto de artes, ya que la iglesia
es la seña de identidad de la comunidad. La plástica románica es esencialmente religiosa. Se promueve
por la iglesia con intención adoctrinadora para una población principalmente analfabeta con símbolos y
alegorías visuales y especiales.

En esta época, lo bello sólo es válido como representación de la verdadera belleza de dios. Las formas
visibles son concebidas como símbolo de un mundo espiritual trascendente. Las fuentes iconográficas
serán de origen paleocristiano, bizantino y carolingio. Los lugares de producción artística serán los
monasterios. Los monasterios pasan a ser escuelas de artes y oficios, lugares donde se hace
experimentación tecnológica, donde surgen nuevas técnicas y se escriben tratados técnicos, como por
ejemplo decoloribus et artibus romanorum (s. 10 del monje Eraclio) o el tratado de diversis actidus
(1100-1120 por el monje theophilus presbyter). La miniatura románica será la principal fuente
iconográfica, ya que el Codex solo se hace copiando y llevándose a otros monasterios, siendo la fuente de
cultura.

Diferencias entre 1 y 2:

1. Es un relieve romano. - En este momento se representa

- Es un emperador en una más a la las figuras que a lo que
ceremonia de sacrificio de un toro. significan.
- Es tridimensional.
- Se representa al emperador Marco 2. Es un relieve románico.
Aurelio, es un retrato. - Es Dios con los símbolos del
- Es naturalista. evangelismo.
- La representación del animal es - Es una representación planista, es
naturalista. decir, es más plano, ya lo
- La ropa está muy detallada, se habíamos visto en el arte celta-
representa con pliegues. irlandés.
 - En este caso no es un retrato, si no que está, además es mucho más
una figura convencional. esquemático.
- Es esquemático. - Es simbolismo, se representa la
- La figura del toro está girada, por idea de dios.
lo que se adapta al marco en el

ARTES SUNTUARIAS ROMÁNICAS

Las artes suntuarias siempre son lujosas, y en este caso todavía más, tanto por el coste de los materiales,
como marfil, oro y plata, como por la minuciosidad de la ejecución de las obras. Hay un gran desarrollo
de los bronces, los esmaltes, la talla del marfil y el trabajo textil y el trabajo en oro y plata, un ejemplo es
el frontal de la catedral de Basilea.

Encontramos motivos ornamentales que se relacionan con la estructura maciza y sólida de la

arquitectura. Las estructuras y decoraciones que encontraremos imitaran las estructuras
arquitectónicas.

La temática figurativa responde a un ideal abstracto. Son formas no naturalistas, son simbólicas
(simbolizan el poder de Dios). Las figuras són estilizadas y rígidas. Hay un tratamiento planista y
bidimensional de la forma ornamental (ej: tapiz de la creación de Gerona).

Tenemos una estética centrada en la luz, que es tamizada y de color, y en el brillo que reflejan los objetos
suntuarios. Estos son valores que se vinculan simbólicamente con la idea de Dios. Estos elementos
también se vinculan con los nobles que hacen donaciones a Dios. Encontramos trabajo en bronce, latón
dorado y en plata. Sobre todo són objetos litúrgicos. Los trabajos en metal también los encontramos en
las grandes puertas de acceso a badias o iglesias.

Se utilizan las técnicas de cincelado, filigrana y esmalte. El esmalte suele ponerse sobre cobre. El trabajo
en marfíl, al igual que el resto de trabajos, se inspira sobre todo en las miniaturas. En todas las figuras se
usan esquematismos y convencionalismos que ayudan y tienden a la expresividad.

Placa con el Viaje a Emmaus y Noli Me Tangere: Es el momento en el que Cristo no permite que una
mujer le tiente. Muestra cuerpos alargados con ojos y manos que se hacen más grandes. El espacio real
no se representa, debido a que no tiene interés. También se ve la perspectiva jerárquica.

En marfíl tenemos imaginería religiosa (Cristo de Fernando I), y multitud de relieves. También
encontramos báculos, olifantes, peines litúrgicos. También encontramos juegos de mesa (ej: piezas de
ajedrez), sobre todo siculus de ormandos. También encontramos arquetas (baúles).

ARTE GÓTICO
S 13.14.15. En toda Europa menos en Italia, que está con el renacimiento ya en el siglo 15. El Siglo 13 es
una época de expansión en Europa, con un crecimiento demográfico y una renovación en la agricultura,
supone además la retrocapitalización del comercio, con el crecimiento de las ciudades y la fundación de
nuevas urbes. Además es la época de las cruzadas. En la península ibérica los reinos cristianos avanzan
rápidamente al sur y el mundo germánico se expande hacia el este. En esta época el poder real que
durante el feudalismo que había decrecido se fortalece. El lugar donde más se consolida la monarquía es
en Francia, y ello ligado a la abadía de Saint Dennis y los inicios del gótico.

Los estados empiezan a institucionalizarse, en la ciudad gana terreno el comercio y surge la burguesía,
que controla los gobiernos municipales. En la ciudad se dan grandes realizaciones arquitectónicas como
símbolo de su prosperidad, las religiosas, como catedrales y civiles como ayuntamientos.

Las ciudades son el elemento clave para la consolidación del poder real, puesto que están al margen del
poder feudal y dan soporte a la monarquía. Ahí aparecen las escuelas catedralicias, que con el tiempo
serán el origen de las universidades. Són centro intelectuales que rompen el monopolio cultural de los
monasterios. Normalmente están vinculadas a las catedrales. La catedral gótica supone que el edificio
religioso tiene una nueva simbología puesto que se da la cristianización de la filosofía clásica griega.
El siglo 14 supone una época de crisis demográfica que implica un freno al impulso económico e
intelectual debido a las crisis políticas, como la guerra de los 100 años, que conlleva crisis alimentarias y
la crisis de la peste negra.

También en el siglo 14 hay crisis religiosas, ya que se da el cisma de occidente, que supone que entre
1368 y 1416 la iglesia católica tiene dos papas, uno en Roma y otro en Avignon. La iglesia sigue siendo el
actor más importante en los ámbitos cultural y artístico, la religión sigue siendo el fundamento de la
sociedad y es la época del aumento de los peregrinajes. En el siglo 13 aparecen nuevos órdenes
monásticos que predican el evangelio en las ciudades.

Aparecen los dominicanos, que se dedican a la predicación y a la lucha contra la elegía. Los franciscanos
tienen un ideal de pobreza que les lleva a pedir en las calles para sobrevivir, critican la riqueza y el lujo,
para ellos la naturaleza es una manifestación de dios. Todo esto nos lleva a un nuevo humanismo, a una
religiosidad más íntima y personal donde la muerte es solo un tránsito.

Nos hallamos ante una nueva idea de templo cristiano, que es la catedral gótica con un nuevo lenguaje,
fruto del uso de arco apuntado, la bóveda de crucería al lado de la otra formando la cubierta de una nave
longitudinal, arcos votantes y contrafuertes de paredes finas (surge un cambio de proporciones), con un
aumento de la altura. La verticalidad del edificio en altura resuelve tensiones dinámicas de la
arquitectura románica, que se sujeta a base de pilares. Se permite el uso de los vitrales (ya que las
paredes ya no son de carga) y están realizados con pequeñas piezas de vidrio de colores que se montan
sobre una estructura metálica, en general de plomo. La luz tamizada pasa a ser un componente
fundamental del templo porque tenemos un elemento inmaterial fundamental, se entiende como un
reflejo de la luz divina. Se crea un ambiente con escenas, las alturas y los ventanales dan al edificio
ascensional, a ello le ayudarán los pilares, está fasciculado (tiene fascículos) que se juntan y se dividen
en diferentes arcos apuntados (tracerías). Los cristales, pináculos y los frontones (triángulo puerta) dan
sentido de ascensión.

Artes plásticas

Humanización de las figuras. Si bien anteriormente encontrábamos figuras románicas y bizantinas

hieráticas, ahora encontramos tendencia al naturalismo, estatuas dignas de las entradas de las
catedrales románicas. Concepto antropocéntrico, acercamiento; hay retrato con expresiones faciales. Al
mismo tiempo, siendo este un momento fin de la Edad Media, hay interés por proporciones romanas y
por la gestualidad. También encontraremos una introducción progresiva de ciertos elementos, por
ejemplo, los efectos espaciales. También encontramos el trabajo con claroscuros. Las figuras tienen un
claro oscuro pero también un modelado corpóreo (tienen peso los materiales). Al mismo tiempo, se define
de manera precisa diversos detalles y composiciones narrativas (con la burguesía, mejora para que la
burguesía lo compre o algo así).

Artes suntuarias
Hay un aumento de riqueza (No solo tiene la iglesia a través de donaciones de aristócratas), se da un
gusto social por los objetos lujosos, con el objetivo de embellecer las iglesias pero también las
residencias personales, y al mismo tiempo para adorno personal, tiene dos vertientes, la religiosa y otra
la profana, que son igual de importantes,

Religiosa
En un periodo de mayor prosperidad encontramos una mayor producción pero ahora desde el concepto
de que toda realidad material participa de las cualidades divinas, la belleza material nos acerca al
conocimiento de Dios, nos encontramos que los materiales más utilizados son la plata sobre dorado,
ejemplo: Cáliz con tapa. Estas piezas se embellecen con aplicación de esmaltes que desde principios del
siglo XIV, son translúcidos y encontraremos formas variadas, entonces los pies "Partes que sujetan las
piezas" son poligonales, globulares y en otros casos son piezas mixtilíneas donde se mezcla lo poligonal
con lo globular. Al mismo tiempo encontraremos lo que se llama Pedículo ("Fuste") que marca una
verticalidad que bebe de la vertiente de la arquitectura, esta vara suele estar frenada por un nudo, este
suele tener formas geométricas y arquitectónicas. También encontramos que estas piezas suelen tener
en la parte superior una caja poligonal (es donde se guarda la hostia consagrada) estas están
reproduciendo los modelos arquitectónicos. Estas piezas se pueden leer como pequeños edificios de
influencia arquitectónica. Al mismo tiempo, encontramos el uso de medallones con diferentes
decoraciones, leemos blasones, elementos florales, santos, todo con relieves historiados. Todo esto con la
consideración de piezas que hemos visto, cáliz, altar, incensario. Arqueta relicario,Cruces, píxides y
custodias (que es donde se mete la píxide).

Profanas
Muestran el prestigio de las moradas y de las aristocracias y los principales cargos eclesiásticos (obispo
y cardenal). Siguen siendo "religiosas". Són piezas de devoción privada, vajillas (plata, plata dorada y
esmalte translúcido dorado). Aguanamanos. Plato. Salero. Las dagas de la aristocracia cuelgan de ricos
cinturones con hebillas ostentosas de bronce dorado, y también llevan espadas en unas vainas
extraordinariamente decoradas, los mantos de la nobleza se sujetan mediante broches. anillo
(segmentado en 8 celdas cónicas que tiene rubíes y zafiros). También encontramos estuches para
espejos, piezas de ajedrez, lámparas y candelabros.

Cerámica bajo medieval:

No encontramos ningún tipo de innovación técnica (Península Ibérica) en producciones herederas del
pasado musulmán. Los focos más importantes están en Valencia, Cataluña y Teruel.

En Valencia, encontramos producciones de verde y manganeso (por el tipo de materiales), colores verde,
negro y blanco, y son producciones que continúan la anterior producción islámica. Se emplea la técnica
de reflejo dorado, exportada a toda Europa. Se trata de piezas cerámicas de lujo de compleja ejecución
donde se utiliza cobre y plata para definir los motivos de su ornamentación.

En cuanto a la producción de cerámica azul, se da a finales del siglo XIV y durante el siglo XV. El azul se
consigue a partir del cobalto. Tazas o jarrones son producciones paralelas a las anteriores pero más
económicas. En ocasiones encontramos cerámica con una decoración compartimentada
geométricamente, muy cargada y llena de elementos no naturalistas, con formas zoomorfas de pájaros,
ciervos, conejos, dragones, y encontramos constantemente elementos heráldicos.

En Cataluña, tanto en verde y manganeso como en cerámica azul, las producciones son más toscas, con
pinceladas sueltas que se difuminan durante el proceso de cocción (es más rudimentario). Los motivos
parten de la plástica románica, algunos con tratamientos propios de capiteles y orfebrería, adaptándose
al marco en muchas ocasiones con una orla alrededor y el motivo central de gran tamaño con extraños
animales.