4. EL ARTE DEL RENACIMIENTO.

Los cambios que se fueron produciendo al inicio de la Edad Moderna se reflejaron también en la aparición
del ARTE RENACENTISTA, que sustituyó al Gótico. El nuevo estilo se inspiró en la Antigüedad, ya que los
artistas recuperaron los ideales de belleza y armonía clásicos.

Surgió en Italia y se distinguen dos ETAPAS:

→ El Quattrocento (siglo XV), etapa de descubrimiento y experimentación en la que Florencia fue el

foco más importante.
→ El Cinquecento (siglo XVI), etapa de madurez, cuyo principal centro fue Roma y momento en que el
estilo se extendió por el resto de Europa.

 ARTISTAS Y MECENAS

En el Renacimiento, los artistas dejaron de ser considerados simples artesanos y alcanzaron fama y
prestigio, abandonando el anonimato. En esa transformación tuvieron una gran relevancia los mecenas. Se
trataba de personajes acomodados y con inquietudes culturales y artísticas, que daban protección y apoyo
a los artistas mediante la financiación o el encargo de obras de arte; utilizando el arte como forma de
prestigio personal: en Florencia los grandes mecenas fueron los Médici; en Roma, los Papas.

Algunos grandes mecenas del Renacimiento fueron:

Lorenzo de Médicis, el Magnífico. Papa Julio II. Papa León X.

(Retrato de S. Botticelli) (Ambos son retratos de Miguel Ángel)

 ARQUITECTURA RENACENTISTA

La arquitectura presenta las siguientes CARACTERÍSTICAS:

→ Usó elementos de la arquitectura grecolatina como el arco de medio punto, la bóveda de cañón,
las columnas (con los órdenes clásicos -dórico, jónico, corintio…-), los entablamentos (elementos
horizontales sobre las columnas), las cúpulas, los techos con casetones (“casetón” es un término
arquitectónico que designa cada uno de los huecos geométricos –cuadrados, rectángulos,
octógonos- que se disponen de forma regular en un techo o en el interior de una bóveda), los
frontones triangulares en las fachadas, etc.

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 COLUMNAS: ÓRDENES GRIEGOS CLÁSICOS

JÓNICO
DÓRICO -Capitel decorado
con volutas.
-Capitel liso, sin
decoración.
-Columna sin basa.
CORINTIO
-Capitel decorado
con hojas de
acanto.

-Tanto la columna jónica como la dórica

tienen basa.

Arco de medio
Entablamento punto

Columnas
con capitel
corintio
Entrada a la Capilla
de los Pazzi en
Florencia.

Cúpula
Catedral de Florencia

Casetones
Catedral de Pisa

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 Frontón
triangular

Balaustrada

Entablamento

Iglesia de Santa María Novella (Florencia) Templete de San Pietro in Montorio (Roma)

→ Los edificios recuperaron las ideas de proporción, armonía y simetría como representación de la
belleza y del equilibrio. Los arquitectos buscan la sencillez, por eso no sobrecargaron sus obras con
elementos decorativos.

SIMETRÍA

ARMONÍA
EQUILIBRIO
BELLEZA

SIMETRÍA
PERFECTA

Tanto en el interior
de la iglesia de San
Lorenzo como en el
exterior de Sta. Mª
Novella, ambas en
Florencia, los
arquitectos
mantienen una
simetría y una
proporción
perfectas.

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 → Aumentó la importancia de la arquitectura civil debido al enriquecimiento de la burguesía. No solo
se construyeron palacios o ayuntamientos, sino también hospitales, bibliotecas, villas rurales,
teatros o plazas.

Palacio Medici-Riccardi (Florencia). Signoria de Florencia. Plaza del Capitolio (Roma).

Hospital de los Inocentes (Florencia). Teatro de la ciudad de Vicenza (Italia). [Teatro Olímpico]

Biblioteca Laurenciana (Florencia). Villa Capra, también conocida como La Rotonda (Vicenza).

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Los ARQUITECTOS y OBRAS más destacados fueron:

Cúpula de la catedral de Florencia

Brunelleschi Iglesia de San Lorenzo (Florencia)

Iglesia del Santo Espíritu (Florencia)

QUATTROCENTO

Fachada de la iglesia de Santa María

Alberti
Novella (Florencia)

Bramante Templete de San Pietro in Montorio

(Roma)

Miguel Ángel Cúpula de la catedral de San Pedro del

CINQUECENTO Vaticano (Roma)

Palladio Villa Capra o La Rotonda (Vicenza)

 ESCULTURA RENACENTISTA

La escultura también se inspiró en la Antigüedad clásica, de ella tomó el interés por la proporción, el
estudio anatómico y la representación de una belleza ideal. Este idealismo se aprecia en los rostros y en los
cuerpos perfectos.

Los escultores, al igual que los pintores, pretendieron reflejar fielmente la realidad. Para conseguirlo
introdujeron una innovación revolucionaria: la PERSPECTIVA, con la que dieron profundidad y volumen a
las escenas. En concreto, en el caso de la escultura, la perspectiva se alcanzó en el RELIEVE PICTÓRICO, un
relieve en el que se representan varios niveles de profundidad.

El interés por la representación del CUERPO HUMANO se reflejó en la representación de DESNUDOS (un
tema que en la Edad Media se había abandonado).

Como aumentó la producción de retratos para cubrir la demanda creciente por parte de la nobleza, el clero
y la alta burguesía, cobró importancia el RETRATO ECUESTRE realizado al modo de las esculturas ecuestres
de los emperadores romanos.

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En cuanto a los materiales utilizados para esculpir sus obras, los artistas utilizaron con frecuencia -como en
Grecia y Roma- el mármol y el bronce.

Los ESCULTORES y OBRAS más destacados fueron:

David (de bronce)

Donatello
Condottiero Gattamelata

QUATTROCENTO
Puertas del baptisterio de la
Ghiberti catedral de Florencia

David (de mármol)

Miguel Ángel Piedad

CINQUECENTO

Moisés

David (Donatello) Condottiero Gattamelata (Donatello) Puertas baptisterio. Cat. Florencia (Ghiberti)

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 David (Miguel Ángel) Piedad (Miguel Ángel) Moisés (Miguel Ángel)

 PINTURA RENACENTISTA

La pintura renacentista igualmente tomó modelo de la Antigüedad clásica, y sus CARACTERÍSTICAS más
destacadas fueron:

→ Inventaron la PERSPECTIVA, una técnica que permitía representar en una superficie plana (el
cuadro) la profundidad. Entre los procedimientos para captar la perspectiva usaron la perspectiva
lineal o geométrica, que consistía en disponer los elementos del cuadro respetando unas líneas
imaginarias que convergían en un punto (punto de fuga) al fondo, reduciendo el tamaño de
personas y objetos a medida que se alejaban del espectador.
En el Cinquecento también usaron la perspectiva aérea o atmosférica (sfumato), llamada así
porque trataron de “pintar el aire”. Leonardo fue el primero en utilizar esta técnica y para ello
desdibujó los contornos de las figuras y difuminó el fondo de las escenas para que pareciese más
lejano.

“La Escuela de Atenas” (Rafael). Prspectiva lineal. “La Gioconda” (Leonardo). Sfumato.

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 → ARMONÍA, EQUILIBRIO Y PROPORCIÓN. Los artistas dispusieron los elementos que componían una
escena con el fin de que el conjunto resultase armonioso y equilibrado, utilizando frecuentemente
la composición triangular o piramidal.

“Virgen del jilguero” (Rafael) “Santa Ana, la Virgen y el Niño” (Leonardo) “La Gioconda” (Leonardo).

→ TEMÁTICA VARIADA. Además de temas religiosos, realizaron retratos, temas mitológicos,

desnudos…
→ TÉCNICAS VARIADAS. No solo pintaron al fresco (sobre pared) o al temple (sobre madera) también
se generalizó la pintura al óleo (técnica usada ya por los pintores flamencos), que consistía en
disolver los colores en aceite.

Los PINTORES y OBRAS más destacados fueron:

El nacimiento de Venus

QUATTROCENTO Botticelli
La primavera

La Gioconda
Leonardo da Vinci
La última cena

Miguel Ángel Capilla Sixtina

CINQUECENTO

La escuela de Atenas

Rafael
Madonnas

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Otros pintores importantes del siglo XVI fueron los que constituyen la llamada escuela de Venecia. Entre
ellos destacaron Tintoretto y Tiziano.

QUATTROCENTO

“El nacimiento de Venus” (Botticelli) “La primavera” (Botticelli)

CINQUECENTO

“La Gioconda” (Leonardo) “La última cena” (Leonardo)

Capilla Sixtina (Miguel Ángel). Detalle de la creación de Adán. Capilla Sixtina (Miguel Ángel). Detalle del Juicio Final.
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“La Escuela de Atenas” (Rafael) “La Virgen de la silla” (Rafael)

“El lavatorio” (Tintoretto) “Danae recibiendo la lluvia de oro” (Tiziano)

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