TECNOLÓGICO DE ESTUDIOS

SUPERIORES DE JOCOTITLÁN

Nombre del Tema:

TEMA DE INVESTIGACION

Alumnos:
OSVALDO HERNANDEZ CRUZ

Carrera: Ingeniería en Animación Digital y

Efectos Visuales

Grupo: IA-201
Semestre: 2 SEMESTRE

Maestro: Barragán Molina Alfredo

Introducción
En esta investigación hablaremos como es importante el cómo trabaja un
animador digital en el área de animación digital y efectos visuales, en el manejo de
como utilizan las computadoras y software de diseños especializados para dar
vida a sus creaciones ya que en puede variar en las áreas cómo funciona cada
uno, para convertirse en animador digital puede elegir varias rutas educativas ya
pueden comenzar en la programación básica para entender en campo y aprender
habilidades prácticas en este mundo de la animación.

Un elemento predominante en los entornos mediáticos electrónicos de la

actualidad es la comunicación visual en movimiento, conocida comúnmente como
animación. A nivel de producción de medios, la animación se crea al presentar
ante el espectador y a cierta velocidad, una serie de imágenes fijas que generan la
sensación visual de movimiento. Así, cuando se integra una animación dentro de
una aplicación multimedia, ésta se potencializa en términos de
atracción y dinamismo.

El papel del animador digital profesional es fundamental en la creación de

contenido visualmente atractivo y dinámico en diversas industrias, desde el
entretenimiento hasta la publicidad y la educación. Este rol implica combinar
habilidades artísticas con conocimientos técnicos para dar vida a personajes,
escenarios y efectos especiales a través de medios digitales. En primer lugar, el
animador digital profesional debe poseer una sólida comprensión de los principios
fundamentales de la animación como el timing, la anticipación, la sobresaturación,
entre otros.
El dominio de herramientas y software de animación es esencial para el éxito en
este rol. Esto puede incluir programas como Adobe After Effects, Autodesk Maya,
Blender, Cinema 4D y cualquier otra herramienta de diseño.

Planteamiento

Problema es cómo es el trabajo de un animador digital en el mundo de la

animación hacia como inician su preparación y dominio de herramientas y
software de animación es esencial para el éxito en este rol. Esto puede incluir
programas como Adobe After Effects, Autodesk Maya, Blender, Cinema 4D y
cualquier otra herramienta de diseño.

En primer lugar, el animador digital profesional debe poseer una sólida

comprensión de los principios fundamentales de la animación como el timing, la
anticipación, la sobresaturación, entre otros. Como los principios son esenciales
para crear movimientos creíbles y expresivos que cautiven al público.

Un animador digital profesional forma parte de los equipos de creativos y

creadores de contenidos. Si consideramos que las tendencias relacionadas con el
consumo de redes sociales y plataformas digitales han cambiado drásticamente,
apostar por estrategias disruptivas que aprovechen la tecnología es la mejor
opción.

El animador digital profesional también debe saber colaborar estrechamente con

otros profesionales como diseñadores de personajes, modeladores 3D, artistas de
efectos visuales y directores creativos. La comunicación efectiva y la capacidad
para recibir y aplicar retroalimentación son habilidades cruciales en este aspecto.

Además de crear animaciones para películas, programas de televisión y

videojuegos, también puede trabajar en proyectos publicitarios elaborando
comerciales animados que transmitan mensajes de manera impactante y
memorable. Del mismo modo, puede contribuir al mundo del arte y la educación,
desarrollando contenido interactivo y educativo que haga que el aprendizaje sea
más accesible y atractivo.

OBJETIVOS GENERALES Y ESPECIFICOS

OBJETIVOS GENERALES

Comprender que es la animación digital como el avance de producción

audiovisual.

Crear unos proyectos con animación 2D y 3D que genere promocionales de mejor

calidad, enfocados en el contenido y en el aspecto visual.

Desarrollar una empresa dedicada a la publicidad en la animación 3D

posicionando la cultura publicitaria en la región.

Implementar estrategias para mejorar la motivación de los estudiantes.

El estudiante conocerá las bases teóricas de las prácticas para la creación de un

proyecto de animación desde la perspectiva de la producción audiovisual.

OBJETIVOS ESPECIFICOS

Conocer los principales elementos que permiten realizar una animación digital.

Explicar el proceso de cómo se logra poner una imagen en movimiento.

Dar iniciativa para que los jóvenes exploren y realicen animaciones digitales con
su creatividad.

Dar identidad propia a los promocionales de la programación de cadena tres:

deportes, noticias, series y entretenimiento.
Identificar técnicas audiovisuales de animación digital aplicables al proceso de
producción de piezas de los departamentos donde se realiza.

Que el estudiante se familiarice y maneje las herramientas y recursos necesarios

para concebir y producir videojuegos desde su perspectiva conceptual hasta la
solución práctica.

PREGUNTAS

¿Por qué es importante el rol del animador digital?

El rol del animador digital profesional es fundamental en la creación de contenido

visualmente atractivo y dinámico en diversas industrias, desde el entretenimiento
hasta la publicidad y la educación.

¿Qué habilidades debe tener un animador digital?

Entre las habilidades que debe poseer un animador digital se encuentran: tener
una sólida comprensión de los principios fundamentales de la animación, dominar
las herramientas y softwares de animación, y saber colaborar estrechamente con
otros profesionales.

¿Qué herramientas suele utilizar un animador digital?

Existen diversas herramientas de mucha utilidad para un animador digital. Entre

los softwares de animación están Autodesk Maya, Blender, Adobe Animate,
Cinema 4D y Toon Boom Harmony. Por otro lado, entre los softwares de
composición y efectos visuales están Adobe After Effects y Nuke.

¿Cómo funciona la animación digital? Implica crear modelos tridimensionales y

darles vida mediante la manipulación de sus movimientos y acciones.

¿Cómo trabaja un animador digital? Crea dibujos o ilustraciones en movimiento

para películas, videojuegos, anuncios o aplicaciones móviles.
 JUSTIFICACION
A través de los años el hombre ha buscado, por medio de las imágenes y el
sonido, diferentes maneras de comunicar sus ideas. La animación es uno de los
medios que se ha desarrollado a partir de la experimentación, permitiendo al ser
humano recrear personajes, lugares y situaciones ficticias.
La animación como su nombre lo indica, es la que se construye a partir de generar
la ilusión de movimiento en dos ejes únicamente. Para el desarrollo de este tipo de
animación son tan variadas como complejas, pero gracias a las herramientas
digitales que se ofrece en el mercado actual dichas tareas son menos tediosas,
debido a que han surgido nuevos roles en el proceso creativo y se han
desarrollado herramientas novedosas que expanden las posibilidades de los
directores, diseñadores o artistas que pretenden realizar un proyecto de este tipo.
La animación digital nos permite realizar actividades a obtener y editar fotografías,
secuencias de audio y video mediante un equipo electrónico y software; crear
diseños digitales, producir animaciones en 2D y 3D, crear mundos virtuales
empleando guiones para presentar hechos de la vida real crear videojuegos
publicitarios utilizando motores gráficos.
Aunque existen actualmente una diversidad de programas de animación de 2D o
de 3D no todos tienen la capacidad para trabajar al mismo tiempo una mezcla de
estos dos estilos de animación, en los estudios de animación se trabaja con más
de un solo programa para obtener el resultado final.
Hay programas como Maya o Houdini, que son muy utilizados para modelado,
animación y edición en 3D; sin embargo, no se enfocan en el 2D.
Debido a esto se decidió hacer una investigación sobre el software que permita
hacer la unión de más de un estilo de animación en donde se encontró con el
programa de Blender.
Los estudiantes de animación digital se le enseña la utilización de diferentes
programas para animas en 2D y en 3D, los cuales son utilizados en empresas
nacionales e internacionales.
Los cuales en los primeros años se les disciplina con los principios de animación
con el fin que en las clases los estudiantes los utilicen al llegar a las materias 2D y
más adelante en las 3D, sin embargo, aunque se ha instruido como animar en los
dos estilos se explica en cada uno de los programas diferentes, no se dio la
oportunidad para experimentar la utilización de los dos estilos al mismo tiempo.
Se determinó que el programa Blender es adecuado para la unión de estas dos
técnicas.
Blender es la suite de creación de 3D es gratuita y de código abierto y es
compatible con la totalidad de la canalización 3D: modelado, montaje, animación,
simulación, renderizado, composición y seguimiento de movimiento, edición del
video y canalización de animación 2D. (foundation, 2004), este programa es una
combinación 2D con 3D, en el que no se necesita que el trabajo se pase por varios
programas de Adobe también la interfaz de animación 2D que es muy similar a los
otros programas de animación.
Por lo que a los nuevos estudiantes interesados se le facilitara la transición de
este programa a otros, ofreciendo también otras opciones que los alumnos puedan
probar como escultura, ilustración hibrida y renderizado.
Aunque Blendr felicite las herramientas para hacer diferentes tipos de animación
2D, escultura 3D y renderizado, los estudiantes aún están en la necesidad de una
guía completa para saber dónde iniciar si desean combinar ambas técnicas de
animación.

En otro caso existe el programa de Toon Boom Harmony, una herramienta para
trabajar animación en 2D, ofrece 3 tipos de versiones conforme a lo que dicta la
página web de Toon Boom, los cual las tres versiones del programa permiten al
usuario animar en 2D solo que por cada versión ofrece más materiales y funciones
para usar.

Otro programa seria el Clip Studio Paint que, a diferencia de Adobe, esta
herramienta se tiene tres versiones del programa establecido según su página
web Celsys.

Existen también programas para animar en 2D o ilustrar como Krita, OpenToonz,

TupiTube, SketchBook y entre otras; a pesar de ello, estos programas solo se
enfocan en la animación 2d y no da muchas herramientas que te pueden ofrecer
estos programas.
El Adobe te da la posibilidad de que estos programas están interconectados a la
vez separados, puedes comenzar haciendo una animación en Photoshop y el
mismo documento lo puede exportar a After Effects y se pueda editar libremente.

MARCO TEORICO
Mediante los puntos señalados con anterioridad se busca profundizar en los
fundamentos básicos y argumentos que permitan comprender y definir mejor los
temas a tratar.

Diseño de Personajes

Una parte fundamental en el proceso de creación de una obra animada es la

creación de personajes, ya que estos serán quienes guíen al espectador sobre la
trama de la historia. Si un producto no cuenta con buenos personajes es difícil que
el público se centre por completo en la trama. Realizar un buen diseño de
personajes no es una tarea sencilla.

Al empezar a diseñar un personaje hay que tener en cuenta muchas variables

alrededor de él, por ejemplo, el lugar en que habita, edad, su rol en la historia,
gustos, pasiones. Son muchos los factores a percatar para después seleccionar
los más destacables y mostrarlo en el diseño final.

Tampoco es recomendable llenar de muchos detalles al personaje, debido a que,

dependiendo del tipo de obra a realizar, se tendrá que animar, y en la situación en
que tenga que llevarlo al 3D se lo modela para finalmente animarlo.

Dejar al modelo con muchos accesorios o elementos dificulta la tarea de los

modeladores y animadores. Esto quiere decir que es importante tener una
planeación previa de la producción, que permita prever posibles escenarios de
salida, priorizando por el timing de producción o las expectativas de distribución el
desarrollo de los esquemas visuales.
Diseño de escenarios

Similar a como se trabaja en el diseño de personajes, la elaboración de

backgrounds tiene un proceso similar. Después de hacer todo lo correspondiente
se hacen diversos ejemplos de layouts para hacer un modelo en bloques en 3D
para mejorar la perspectiva del escenario. Así se ahorra tiempo en armar un
background completo.

Los estilos de animación

Desde de las primeras representaciones gráficas de los pueblos es posible

identificar la intención de sugerir movimiento a través de la ilustración de
secuencias. Este tipo de secuencias darían origen posteriormente a las historietas,
en donde las secuencias, acompañadas de texto, dan la impresión de continuidad
narrativa y de movimiento.

Existen muchos tipos de animación, de los que podemos encontrar partiendo

desde la animación tradicional, stop motion, rotoscopia, digital. Hoy en día la
animación digital es el modelo más utilizado y visto, desde para producciones de
entrenamiento, publicidad y hasta educativos.

Tradicional

Son las animaciones clásicas, ilustradas a mano, y en donde se tenía que tomar
captura de cada ilustración. Muchas de las obras de antaño fueron hechas de
forma tradicional principalmente las películas clásicas de Disney como: Blanca
nieves (1938), La Bella Durmiente (1959)

Rotoscopia

La animación por rotoscopia se la comprende como la animación en que se basa e

imita directamente de una referencia, el ejemplo más conocido mundialmente es el
largometraje de Blanca nieves de Disney que se estrenó el 1938

Stop Motion
Se lo conoce como animación hecha con fotogramas por fotogramas, usualmente
se utiliza puppets u objetos inanimados y se tomara captura de cada movimiento.

Digital

Conocida también como animación hecha por computadora, actualmente es el

método más utilizado en las industrias de animación debido que, a diferencia de la
animación tradicional, es más productivo y optimizado. De este método, lo más
conocidos son la animación 2D, animación 3D.

La animación digital es la creación de la ilusión de movimiento, al visionar una

sucesión de imágenes fijas generadas por computadora. Antes de la llegada de
las computadoras, la animación se realizaba filmando secuencias dibujadas o
pintadas manualmente sobre plástico o papel, denominados celuloides.

Al principio, las computadoras se utilizaron para controlar los movimientos de la

obra artística y simular la cámara.

La Animación Digital en la Industria Actualmente

Hoy en día la animación digital ha visto un gran avance, no solo en lo que respecta
a los modelos anteriormente mencionados, también hace referencia a los efectos
especiales y al CGI, donde es utilizada de forma constante en películas
especialmente en las de género de acción.

un ejemplo de los más conocidos son las películas de Avengers de Marvel

Studios. Igualmente, las obras animadas han obtenido un aumento de difusión,
aprovechando el auge de las plataformas de streaming3 este tipo de producciones
ha logrado llevar al alcance de mucha audiencia, debido a la comodidad que
ofrece este servicio que entre los más conocidos se puede encontrar a: Netflix,
Disney+, HboMax y Amazon Prime.

Animación 2D

Animación realizada en un solo plano donde usualmente es hecha por frame a

frame o también conocida como unas secuencias de imágenes que simulan un
movimiento, sin embargo, no presenta profundidad, este método es usado para
dibujos animados y animes, conocida también como animación japonesa.

El anime, en años recientes ha ganado mayor popularidad y reconocimiento

internacional debido a las plataformas digitales, estos poseen su propia
clasificación de Target por audiencia, temática y estilo.

Por audiencia, el anime, inicialmente, tenía el enfoque familiar como los primeros
dibujos animados occidentales de tal manera que tenemos los siguientes targets
en base a las edades:

Kodomo: son dibujos creados para el entretenimiento de los más pequeños, los
dibujos son muy sensibles en sus trazos y las tramas son de fácil comprensión por
los niños.

● Shonen: creados especialmente para niños ya en edades cercanas a la

adolescencia, siendo ello manifiesto en los rasgos de los personajes, quienes
aparentan ser adolescentes, los temas a tratar giran entorno de la competición y el
ego.

● Shojo: este tipo también se dirige a adolescentes, pero del público femenino, ya
que los mismos tratan sobre temas de amor, amistad y familiaridad, muchos los
consideran las novelas del anime.

● Seinen: Anime de contenido violento, acción y sexual explícito, el público es el

sector adulto, en especial los hombres maduros.

● Josei: Dirigido a las mujeres adultas, cuya trama gira entorno a las relaciones de
parejas y laborales, son catalogadas por muchos como las novelas para adultos.

Animación 3D

Este tipo de animación permite mostrar imágenes en espacios tridimensionales

mediante el uso de software avanzado. El animador realiza la anatomía crea la
anatomía de los personajes de modo muy simplificado, debido a que de este modo
es más fácil animarlos. Una vez que el modelado es completado cada uno de los
fotogramas es renderizado.
Implementación del 2D Y 3D en un estilo de animación

Estudios de Animación como Disney y Pixar que han mejorado progresivamente

estilo gráfico, llevando a realizar texturas casi realistas con una gran atención al
detalle, no obstante, obras cinematográficas que han destacado últimamente son
las del estudio de Sony Pictures Animation, debido a que en sus últimas entregas
ha ejecutado una mezcla de animación 2D con 3D, como fue lo que ocurrió con su
película de Spiderman, Into de Spider-Verse que se estrenó en los cines en el
2018.

“Spider-Man: Into the Spider-Verse” crea nuevos lineamientos para la animación,

sobre todo para aquella que se inspira en un material de origen identificable. El
primer aspecto especial de la película es su grandiosa capacidad de crear una
atmósfera que se sienta como que vas viendo una historia de un cómic
desarrollarse. Es aquello que nos imaginábamos cuando leíamos un cómic,
plasmado en pantalla grande.

Guías Técnicas Académicas

Siempre que se necesite utilizar alguna herramienta o programa nuevo es

recomendable buscar información e instrucciones que indiquen al usuario novato
la manera más óptima de emplear el producto. Un modelo de guía que aporte
ayuda en ese ámbito es la guía técnica que refiere a “Un documento que
proporciona información básica o instrucción relacionada con la 6 Efectos visuales
21 realización de una habilidad o tarea especializada.”

Actualmente, gracias al avance tecnológico es más sencillo encontrar cualquier

modelo de guía, lo que brinda la facilidad de tener al alcance respuestas en todo
momento. En internet se puede encontrar diversas guías en modo de videos
tutoriales, manuales, pdf y de e-books7 donde pueden ser visualizados en
diferentes modelos de plataformas como celulares, tabletas y laptops.

Programas Versátiles de Animación

Existen muchos programas de animación, algunos enfocados en el 2D como

Adobe Animate o Toon Boom Harmony entre otros. También existen programas
que se concentran exclusivamente en el 3D en el caso de Maya y Houdini, todas
estas herramientas son muy utilizadas en su ámbito laboral. Así mismo, existen
programas se orientan únicamente a un solo método de animación. No obstante,
herramientas que, aunque se enfoquen en una técnica ofrecen un pequeño
apartado donde te permiten trabajar con otro método.

MARCO METODOLOGICO

La metodología será cualitativa, ya que lo primordial en la investigación es obtener

información profunda y específica.

Se analizarán los promocionales de acuerdo con 3 ámbitos: creatividad, edición y

paquetería gráfica para comprender la situación actual y generar un nuevo
concepto.

BREVE HISTORIA DE LA ANIMACIÓN

Antes de comenzar con el caso de estudio, es importante conocer los aspectos

esenciales de la animación digital: su historia y su contexto actual, para entender
su importancia y ayudar a dar una mejor comprensión del tema. La animación
digital es una técnica utilizada para dar movimiento a imágenes inanimadas. Esta
animación puede ser realizada tanto en formato 2D como en 3D. En algunas
ocasiones el propósito de la animación es la computación en sí misma, como
también la creación de películas o incluso videojuegos.

El término animación surgió en 1661 con la invención de la Linterna Mágica,

creada por el Monje alemán Athanasius Kircher, dicho instrumento usaba
exactamente la misma tecnología que la cámara oscura, la cual recibía imagines
del exterior haciéndolas visibles en el interior de la misma, invirtiendo este proceso
y proyectando las imágenes hacia el exterior.

En 1736 el científico alemán Pieter Van Musschembroek logró proyectar por

primera vez, una simulación de una imagen en movimiento. Más de medio siglo
después Joshep Plateau inventó el fenaquistiscopio, este aparato consistía en
varios esquemas o dibujos que representaban a un mismo objeto en posiciones
diferentes, distribuidos por una placa circular lisa.

Cuando dicha placa se giraba frente a un espejo, se creaba la ilusión de una

imagen en movimiento. Tiempo después tras un estudio Plateau se dio cuenta que
la cantidad de imágenes para lograr una animación realista era de dieciséis. 7
Entre 1892 y 1900, Emile Raymond creó un aparato con la capacidad de proyectar
dibujos animados, llamado el teatro óptico. Este objeto era capaz de proyectar
dibujos animados móviles, las imágenes que se proyectarían estaban colocadas
sobre una banda flexible con algunas perforaciones que mostraban alrededor más
de 15 imágenes por segundo frente a un complejo sistema de iluminación, el cual
estaba basado en la linterna mágica. A partir del siglo XX, se fue mejorando la
calidad de la imagen, se optimizaron las técnicas de dibujo y así fue como
surgieron nuevos dibujos animados, ya no se trataba de pequeños cortos, si no
que se presentaban historias completas de larga duración como: Tom y Jerry, El
Correcaminos y el Coyote, entre otros, claros ejemplos de dibujos animados que
sin duda quedaron en la memoria colectiva de varias generaciones.

Con la invención del ordenador se originó un nuevo concepto en animación

digital. En 1995 se creó la primera película diseñada íntegramente por
computadora: Toy Story, dicho largometraje dejó precedentes, y gracias a él,
comenzó una nueva era para el cine y la animación.

Hoy en día, se ha desarrollado por completo la idea de la animación digital,

podemos ver que la mayoría de los materiales audiovisuales, presentan elementos
con animación digital, no solo la industria de los dibujos animados, sino también el
del cine, los videojuegos y la televisión.

SITUACIÓN DE LA ANIMACIÓN DIGITAL EN MÉXICO

La animación en México está en auge, las empresas saben que las tendencias y
las tecnologías, van cambiando y evolucionando, es por eso que su interés ha ido
aumentando progresivamente en las casas productoras que ofrecen servicios de
post producción. La contratación de este tipo de servicios está ligada a obtener
productos integrales, es decir, no solo deben ser atractivos visualmente, sino que
también, se busca que promuevan y den a conocer los beneficios de un servicio o
producto de una forma creativa, con el fin de ser más competitivos en los tiempos
actuales.

La mayor demanda está en el área publicitaria de comerciales, en segundo lugar,

los programas de televisión de imagen, paquetes gráficos, y ahora el cine, que se
empezó a popularizar un poco gracias al intermedio digital, el proceso que permite
hacer las animaciones sin tanta complejidad.

La nueva tecnología se ha convertido en un instrumento fundamental para el

desarrollo de las animaciones, es el compañero de batalla del creador digital. El
medio tradicional, la televisión, ha ido perdiendo peso y cada vez se abren nuevos
espacios para la expresión, como el cine, donde se pueden realizar sorprendentes
producciones sin presupuestos tan grandes, o como la web, donde se pueden
subir todo tipo de animaciones digitales casi al mismo momento de haber
concluido su realización. Cada vez hay más casas productoras mexicanas que le
apuestan a la animación digital y a la post producción, saben que el futuro está en
dichas áreas, debido al crecimiento ininterrumpido de las tecnologías de la
comunicación que permiten difundir velozmente todo tipo de contenidos con la 9
mayor calidad.

Los últimos años fueron testigos de un gran crecimiento en la producción de cine

animado nacional. Los estudios especializados en este campo del Séptimo Arte
nacional comenzaron a florecer, los más destacados de los últimos años son
Anima Estudios, Animex, Kaxan Estudios y el complejo Chapala Media Park.
Conceptos como Una película de huevos, La leyenda de la Nahuala, Don Gato, El
gran milagro y El secreto del medallón de jade, quienes lograron capturar la
atención del público y salir bien paradas frente a la crítica.

La animación nacional ha logrado hacer eco en el extranjero, desde los estudios

europeos hasta los pasillos de Pixar, los rumores de que en México se hacen
películas animadas de calidad crecen día con día.
ETAPAS DEL PROCESO DE PRODUCCIÓN

Todo producto audiovisual, por muy sencillo que parezca necesita un proceso de
producción, en la pantalla se ve el resultado final, pero generalmente se
desconocen las tres etapas que lo conforman, las cuales son: preproducción,
producción y post producción.

Preproducción

Es la etapa previa a la realización, donde se planean todos los aspectos de la

producción, la organización puede ser la diferencia entre el éxito y el fracaso. En
esta fase, se conjuntan todos los elementos que integrarán la producción y
realización de un programa; esto se lleva a cabo en varias reuniones o juntas, los
involucrados en esta área organizan y coordinan los elementos que intervendrán
en la producción, Según Ruge los puntos a considerar son los siguientes:

• Juntas con el director.

• Diseño de presupuesto.

• Creación del plan de producción.

• Contratación del personal de producción.

• Creación del storyboard o storyline, según el caso.

• Contratación de los servicios de comida.

• Lectura del libreto con actores y equipo de producción.

• Renta de vehículos, utilería o del equipo necesario.

• Renta o compra del sistema de comunicaciones walkie-talkie.

• Solicitud de permisos a las instituciones públicas, parques o instancias privadas.

• Casting a locutores, actores y talento artístico.

• Contratación de servicios de producción.

• Scouting o búsqueda de locaciones.

• Apartado de equipo de edición y salas de post-producción.

• Reservación de hoteles en caso necesario.

• Juntas y reuniones antes de la producción.

• Realizar ensayos.

• Realizar y entregar mapas de la localización del lugar de grabación.

• Entregar libretos autorizados y llamados a todos los implicados en el programa

(producción, técnicos, talento artístico, servicios a producción).

En la preproducción se verifica que nada, falte en la producción. Es probable que

esta lista parezca exagerada y demasiado meticulosa, sin embargo, más vale
prevenir que lamentar.

Producción

En esta etapa se lleva a cabo la realización del programa o producto audiovisual,

puede ejecutarse dentro de un foro o en exteriores, se sigue paso a paso la
planeación que se realizó en la preproducción. Es de vital importancia seguir al pie
de la letra el breakdown (lista de elementos necesarios en una producción) si éste
no tiene ningún problema, tampoco lo tendrá la producción.

Pueden llegar a presentarse imprevistos, pero con una preproducción bien hecha
se garantizan excelentes resultados en la producción. Según Ruge (1983) los
puntos a considerar son los siguientes:

• Seguir el desarrollo del breakdown.

• Entregar llamado de actores y personal.

• Revisar la utilería.

• Revisar el vestuario.

• Revisar la escenografía.

• Coordinar locaciones.
• Coordinar servicios a producción.

• Grabar el tema musical (música original).

• Grabar el programa.

• Grabar tomas de ubicación.

• Solucionar imprevistos.

Post Producción

Es el proceso de operación y de arte que se realiza para armar o editar todos los
elementos que conforman un programa de televisión.

Esta etapa es decisiva, aquí se utilizan programas especializados para mejorar la

calidad de los productos audiovisuales. Se llevan a cabo procesos de edición,
corrección de color, efectos especiales, animación digital 2D y 3D y mezcla de
audio. Una vez reunido todo el material que conforma el programa, se procede al
acabado final, es decir, a unir cada toma dentro de una secuencia lógica narrativa,
ajustándolas a un tiempo, agregando títulos, créditos, gráficas, efectos especiales,
sonidos, música, incidentales, de manera que el resultado sea un acabado
definitivo, un programa listo para transmitir.

Puede haberse dado una excelente preproducción y una buena producción, pero
si la post producción no está bien empleada, las etapas anteriores habrán sido en
balde, ya que deben estar bien integradas las tres fases para resultados óptimos.
Según Ruge los puntos a considerar son los siguientes:

• Calificación del material grabado.

• Lista de créditos.

• Edición.

• Incluir efectos digitales.

• Incluir títulos y créditos al video.

• Grabación de locutor en off contra imagen o en frío.

• Grabación de incidentales.

• Musicalización.

• Regrabación de audio para mezclar todos los sonidos.

• Etiquetar el video casete con los datos del programa.

• Realizar las copias necesarias.

• Enviar a control de calidad.

• Entregar al master para su transmisión.

ANIMACIÓN EN LA POST PRODUCCIÓN

Cada vez son más los usos que tiene la animación digital, son técnicas que ya
están muy presentes en nuestras vidas y que podemos verlas en películas,
videojuegos y comerciales. Con estos nuevos recursos digitales, es más sencillo
vender una idea, publicitar un producto o servicio de una manera profesional y
hasta capacitar al personal de una empresa mediante un video animado. En la
post producción se usan principalmente dos tipos de animación, las cuales son las
encargadas de mejorar exponencialmente los productos audiovisuales.

Cada vez más los gráficos creados son en 3D, aunque los gráficos en 2D todavía
se siguen usando ampliamente para conexiones lentas y aplicaciones en tiempo
real que necesitan renderizar rápido. Algunas veces el objetivo de la animación es
la computación en sí misma, otra puede ser otro medio, como una película. Los
diseños se elaboran con la ayuda de programas de diseño, modelado y por último
renderizado.

2D o Segunda dimensión

En este tipo de animación, los personajes y los escenarios solo poseen altura y
anchura; la sensación de profundidad puede lograrse con el manejo de la
perspectiva, la sombra y el color. La animación 2D se crea fotograma a fotograma
y requiere de mucho tiempo y paciencia. Los programas más comunes son: Anime
Studio, Adobe After Effects, Adobe Flash Professional y Motion.
Por medio de estos softwares, se pueden crear animaciones de larga duración, ya
que incluyen herramientas fáciles de usar y llenas de fluidez, haciendo el trabajo
de la animación una tarea más sencilla de lo que parece. Los dibujos digitales
pueden importarse o pueden desarrollar dibujos propios con herramientas
intuitivas de trazo y pintura basadas en vectores.

3D o Tercera dimensión

Se realiza por medio de gráficos en computadoras, tiene la capacidad de simular

volumen, los valores son interpretados para formar polígonos mediante algoritmos
que permiten la creación de modelos 3D. Posterior a la creación del modelo, se
pueden aplicar texturas predeterminadas y también se pueden crear las propias,
existe la posibilidad de manipular propiedades como el brillo, reflexión, color y
rugosidad para lograr más realismo.

Una vez texturizado, se procede a iluminar y para esto se pueden simular luces de
muchas formas y colores, que interactuarán con el objeto principal de la escena.
Como último paso, se realiza un proceso llamado renderización, el cual genera
una imagen 2D desde un modelo 3D, es decir, en el proceso de renderización, la
computadora interpreta la escena tridimensional y la plasma en una imagen
bidimensional.

Los programas más comunes son: Cinema 4d, Blender, Maya Todos estos son
softwares especializados en la simulación, renderización, composición y
animación, brindan un conjunto completo de funciones para lograr los más altos
resultados, también proporcionan herramientas para la creación de textos y
personajes complejos, junto con un aumento en la productividad para las tareas de
modelado, texturización y creación de sombras.

IMAGEN CORPORATIVA DE UNA TELEVISORA

Las estaciones de televisión nacionales e internacionales tienen una imagen

corporativa definida, por medio de ésta, el televidente identifica el canal y asocia
qué tipo de programas son los que forman su barra de programación. La identidad
visual corporativa, como rama específica de la comunicación visual aplicada es la
expresión visual intencionada de carácter simbólico que de la empresa quiere
hacerse. Debe entenderse como parte de una identidad mucho más global, una
herramienta más de la que se vale la entidad en cuestión para formar su imagen
corporativa.

Es necesario coordinar la integración de todos los elementos para transmitir de

manera eficaz el mensaje que se quiere dar y la identidad que se pretende
proyectar. Los principios básicos que rigen la identidad visual corporativa se basan
en su capacidad de representación respecto a la entidad, que tiende a la
simplicidad, a la fácil retención y a la pregnancia.

Su carácter es universal en cuanto a que contempla diferentes tipos de

destinatarios, valores culturales y es permanente a lo largo del tiempo. Contar con
una identidad visual, no solo cumple la función identificadora, sino que también es
diferenciadora con respecto a las demás televisoras.

Una de las tareas principales, es establecer los elementos y las normas de uso,
que se emplearán en los distintos soportes que la conforman, es decir, cada área
de la televisora debe contar con los mismos parámetros, para que la identidad se
reproduzca de manera fiel y homogénea.

La elaboración de la identidad visual corporativa se plantea como la resolución a

un problema de comunicación, debe medirse con criterios referentes a la eficacia,
a la consecución de objetivos propuestos y no amparase bajo la exclusividad de
razonamientos estéticos, del gusto o de modas pasajeras. Suele identificarse con
el logotipo, que si bien es pieza protagonista debe ser entendido como un vehículo
más para la construcción de identidad.

Vivimos en un entorno rodeado de logotipos, éstos tienen una difusión muy amplia
y frecuentemente los reconocemos muy rápido. La naturaleza del medio televisivo,
permite que los logos sean más dinámicos, se pueden integrar con más elementos
gráficos, transiciones, efectos especiales y fondos animados para hacerlos más
atractivos al televidente.
En el grafismo televisivo que constituye la identidad de canal son de especial
importancia los elementos de continuidad, es decir, todos aquellos elementos que
contribuyen a formar parte de la identidad visual de canal, no sólo para
promocionarla sino para enlazar los diferentes momentos de la emisión.

CONCLUSION

Después del presente análisis se puede concluir que hay una clara evolución en
los promocionales de una cadena de tres, hay una mejoría en los tres ámbitos en
los que se enfocó.

Han manifestado que una de las causas por las cuales ha aumentado su rating es
por la buena realización de los promocionales, por dejar un mensaje claro a través
de la creatividad.

El software permite trabajar directamente en escena con los dos métodos de

animación en un mismo archivo, permitiendo un mejor manejo de tiempo y
recursos, al momento de partir de un blocking de puesta en escena a modelado y
animación 2D y 3D.

Blender nos permitió la facilidad de trabajar con los dos métodos de animación en
el mismo archivo, dándonos un mejor manejo del tiempo y de los recursos
empleados. El programa nos brindó diversas herramientas y funciones utilices que
nos facilitó de la animación mixta como son: la herramienta de Grease Pencil y el
Edit Mode resulto útil al tener que mover un vector en específico.

La animación digital es un recurso por el que cada vez más empresas están
apostando y esto se debe a la amplia variedad de opciones que le ofrece a la hora
de crear contenido. No solo es el recurso perfecto para vender productos o
servicios sino también para contar historias que movilicen a los consumidores y los
inspire.
Sobre todo, considerando la velocidad con la que la tecnología avanza, la
animación será cada vez más realista y creara experiencias inmersitas que
captaran la atención de los usuarios en unos pocos segundos, una característica
cada vez más necesaria dentro de las estrategias de marketing digital.

Por último, su sistema de renderizado también es muy sencillo de manejar, ya que

todos los aspectos de renderizado se encuentran en una pestaña en concreto, con
las opciones disponibles sobre el formato que se desee obtener de cualquiera de
sus dos motores de render.

REFERENCIAS