Antony Bravo Bravo

Grupo Colegio Mexiquense

Licenciatura en Arquitectura

Arq. Corinne Martín Arrieta

 INTRODUCCIÒN

La línea es el elemento que, realizado a través del trazo o dibujo , logra la identificación
de las formas. El dibujo tiene un lenguaje propio y puede sugerir
quietud, serenidad, dinamismo o emoción según sea continuo o discontinuo . El
Modelado y el volumen - El modelado es la representación del volumen y la tercera
dimensión. Para crear el volumen se subraya la forma, la corporeidad de los objetos o
figuras, mediante el dibujo para obtener gradaciones de luz y sombra, consiguiendo el
mismo efecto después con la aplicación del color .
- Pero también hay escuelas y pintores que no necesitan del dibujo para conseguir el
modelado, graduando directamente los tonos claros u oscuros con el color . La
Perspectiva.
- El primer sistema de valoración del espacio, utilizado ya en el mundo egipcio, es la
perspectiva caballera, que representa a mayor tamaño las figuras situadas en primer
lugar , aunque, por otra parte, impera a veces un sentido jerárquico, por lo que las figuras
representadas a mayor tamaño son las que tienen un mayor significado político o
religioso. - Podemos hablar de pintura plana, sin volumen ni perspectiva, a partir del Arte
Paleocristiano y, sobre todo, durante el Románico, donde las formas se representan
según un tamaño simbólico . - La perspectiva lineal se consigue mediante líneas que
alargan ilusoriamente la superficie plana hasta un espacio interno, siendo estas líneas el
medio para disponer las figuras con relación al fondo. A partir del Renacimiento Alberti
formula teóricamente la perspectiva central, que logra definitivamente la recuperación de
la tercera dimensión, mediante la representación de un único «punto de fuga» hacia el
que convergen todas las líneas, sobre las que se sitúan las figuras, colocándose en
diferentes planos paralelos al fondo .
- El escorzo es un recurso propio de la representación de la perspectiva, con él se
representa el volumen colocando las figuras perpendiculares u oblicuas al
fondo, perpendiculares al plano sobre el que se pinta. - La superación definitiva de la
perspectiva lineal se inicia con Leonardo da Vinci, que utiliza por primera vez la técnica
del esfumato, considerando fundamental la representación del espacio aéreo que hay
entre las figuras . La perspectiva aérea es la forma más real de representar la tercera
dimensión en una pintura, se trata de representar la atmósfera que hay entre las figuras
difuminando los tonos cromáticos y las siluetas en relación con las diferentes distancias
que cada figura o elemento del cuadro ocupa sobre el plano, no representando con la
misma intensidad las figuras de los primeros planos y las del fondo, la línea y el modelado
se diluyen . - En la pintura la luz es también un elemento fingido, hay que
representarla, frente a la escultura o la Arquitectura, donde es real.

- En pintura hablamos de colores primarios, que son los tres colores fundamentales, el
amarillo, el rojo y el azul, y de colores secundarios, que se consiguen mezclando dos
primarios, son el anaranjado , el violeta y el verde . - También debemos distinguir entre
la gama cálida de colores, que son el amarillo, el naranja, el rojo, etc., y que tienen la
propiedad de expandir la luz, dando la sensación de avanzar hacia el espectador, por lo
que se suelen utilizar en los primeros planos para acentuar la perspectiva, y la gama
fría, el violeta, el azul, el verde, etc., que absorben la luz, dando la sensación de alejarse
de quien los observa, por lo que se utilizan, generalmente, en los últimos planos en
perspectiva . - Además de estas características hay que tener en cuenta y
comentar, cuando analizamos un cuadro, cómo se aplica el color, la pincelada , si ésta
es uniforme, espesa, nerviosa, etc. . La Composición.
- La composición basada en la luz consiste en que mediante la luz, iluminando por igual
todas las partes del cuadro o destacando fuertemente algunas figuras, se organiza la
distribución de las figuras en la pintura . LAS TÉCNICAS EN LA PINTURA.

- La vidriera se trabaja igual que el mosaico, sobre un dibujo previo se diseñan los cortes
de los vidrios, que luego se pigmentan a altas temperaturas, para al final recomponer el
mosaico uniendo los vidrios con plomo ya en el ventanal. Pintura Exenta.

- En la pintura al temple se utiliza como aglutinantes de los colores el agua y otras

sustancias como la clara de huevo, goma y cola. - En la pintura al óleo los colores se
disuelven en aceites, de linaza o nuez, mezclados con esencia de trementina y
resinas. La pintura al óleo al principio se aplicó sobre tabla, pero ya en pleno
Renacimiento se generalizó el uso del lienzo. Son colores sintéticos, de gran intensidad
cromática y resistentes a los agentes externos.

- En la acuarela los colores se disuelven en agua, a la que se añade goma para fijar el
color sobre el papel sobre el que se aplica . - El gouache es igual que la anterior, pero
más espeso y opaco al utilizar el color blanco, no empleado en la acuarela, aplicándose
también sobre papel . - El pastel se consigue aglutinando los colores con talco y
goma. Normalmente se forman lápices, con los que se pinta directamente sobre el
papel, soporte básico también de esta técnica .
LEONARDO DA VINCI
 MIGUEL ANGUEL
Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista.
Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del
Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística
dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la
concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las
convenciones ordinarias.

Miguel Ángel Buonarroti, en italiano

Michelangelo, nació en el año 1475 en
Caprese, Italia, y murió en Roma en el año
1564. Fue un arquitecto, escultor y pintor
italiano renacentista. Se le considera la gran
figura del Renacimiento Italiano.
Los artistas de su misma época le atribuye el
vigor físico, la intensidad emocional y el
entusiasmo creativo.
Su vida transcurrió entre Florencia y Roma,
ciudades donde dejó sus obras. Aprendió
pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura
en el jardín de los Médicis. Comenzó haciendo
copias de frescos de Giotto o de Masaccio con
los que definió su estilo.

En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo llevó a la

fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Su obra maestra, de su juventud
fue, La Piedad de San Pedro, que era una escultura de gran [Link] cabo
de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre
ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la
belleza perfecta. En 1505, el papa Julio II lo llamó a Roma para que
esculpiera su [Link] Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo
terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos.
Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, Miguel
Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba un escultor, pero se
convirtió en su creación más sublime. En los episodios del Génesis, se
representa belleza física y energía dinámica.
En 1516 regresó a Florencia para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, al
final no se realizó. Pero le proyectó la Biblioteca Laurenciana, la capilla
Medicea o Sacristía Nueva y realizó la escalera de acceso a la biblioteca.
 REMBRANDT

Rembrandt Harmenszoon van

Rijn, nació el 15 de julio de 1606 en
Leiden, Países Bajos. Fue un pintor y
grabador neerlandés.
La historia del arte le considera uno de
los mayores maestros barroco de la
pintura y el grabado, siendo con
seguridad el artista más importante de
la historia de los países bajos.
Rembrandt tenía un profundo
conocimiento de la iconografía clásica,
y en sus pinturas y grabados solía
interpretarla libremente para ajustarla
a su propia experiencia. Así, en la
representación de una escena bíblica
Rembrandt solía combinar su propio
conocimiento del texto con su particular concepto de la composición clásica y algunas
observaciones anecdóticas de la población judía de Ámsterdam.
 JOANNES VERMEER
(Delft, Países Bajos, 1632-id., 1675) Pintor holandés. La documentación con la que se cuenta en
la actualidad parece demostrar que Vermeer no fue un pintor famoso en su tiempo, pese a lo
cual en nuestros días se le considera la gran figura del siglo XVII holandés, después de
Rembrandt. Probablemente, lo que más gusta de su arte es lo inusual de la temática, la fuerza de
la composición y el empleo de pocos colores, claros y brillantes.

Salvo una visita a La Haya en 1672 para actuar como testigo en un pleito, pasó toda su vida en
Delft, donde perteneció al gremio de pintores, que dirigió en dos ocasiones. Se cree, sin
embargo, que nunca se dedicó profesionalmente a la pintura, sino que regentó el hostal
heredado de su padre y el negocio de marchante de
arte legado igualmente por su progenitor.

En 1653 casó con Caterina Bolnes, perteneciente a

una acomodada familia católica, que le dio once
hijos. La necesidad de mantener a una familia tan
numerosa le impidió gozar de suficiente desahogo
económico, tal como demuestra el hecho de que, un
año después de su fallecimiento, la viuda solicitara
ser declarada insolvente.

Sus obras, realizadas probablemente por el puro

placer de pintar, representan escenas de la vida
cotidiana, por lo general interiores con una o dos
figuras y algunos objetos, plasmados con pinceladas
densas y pastosas y con una iluminación que realza
el efecto de intimidad y otorga a la escena cierto halo
de misterio. Muy pocas de sus creaciones se apartan
de esta línea general (algunas escenas religiosas y
mitológicas), que es con diferencia la más valorada del artista.

Por el rigor de la perspectiva y los reflejos se ha llegado a sugerir que pudo servirse de una cámara
oscura para producir sus obras. Creaciones muy destacadas son también los dos únicos paisajes
de su mano que se conocen, en particular la Vista de Delft, obra que supera las realizaciones de los
mejores paisajistas de la época.
 CLAUDE MONET
Claude Monet es un pintor francés conocido por su aportación en el movimiento
artístico denominado Impresionismo. Nacido en París, el 14 de noviembre de 1840,
pasa su infancia en Normandía, en la ciudad de El Havre, donde se instala junto a su
familia con tan sólo cinco años. Poco a poco, el joven Monet logra desarrollar su
pasión, empezando por la caricatura y, en 1859, estudiando pintura en la Academia
Suiza de París, con el apoyo de su padre. Su marcha a Argelia al servicio militar en
1861 interrumpe sus estudios, sin embargo, continúa experimentando diferentes
efectos artísticos. A su vuelta a París en 1862 tras una enfermedad que contrae
(pleuresía), conoce al pintor suizo Charles Gleyre y trabaja junto a Alfred Sisley,
Auguste Renoir y Frédéric Bazille, que se
convertirán en buenos amigos.
Durante la segunda mitad de la década de
1860, Monet pinta un estilo que recuerda al
de Edouard Manet. A medida que amplía su
estilo, Claude Monet se enfrentará
a dificultades económicas, ya que ningún
Salón quiere exponer sus lienzos, a pesar
del éxito de La Femme en robe verte, que
representa a Camille Doncieux, la mujer
que se convertirá en su esposa en 1870.
Posteriormente, Monet viaja a Londres
durante la Guerra franco-prusiana y
conoce al comerciante Paul Durand-Ruel,
quien le comprará sus lienzos y contribuirá
a la difusión de las obras de los
impresionistas.
Una parte del futuro grupo de impresionistas se une en 1872 en Argenteuil —formada
por Monet, Manet y Renoir—, y el primer lienzo que surgirá de este movimiento artístico
será Impresión, sol naciente, y que, de hecho, dará su nombre al movimiento. Esta
pintura se presentará al público en la primera exposición impresionista en 1874. Este
será el año que marcará el apogeo del Impresionismo y definirá a Claude Monet como
uno de los creadores del movimiento. A pesar de la crítica satírica, los impresionistas
presentarán seis exposiciones hasta 1882. Las continuas compras de Durant-Ruel le
permitirán a Claude Monet vivir dignamente sin necesidad de participar en los Salones
[Link] 1883, se traslada definitivamente a Giverny con su amiga Alice Hoschedé,
los seis hijos que ella tuvo con Ernest Hoschedé y sus dos hijos propios; su último hijo
no llegará a conocer a su madre, muerta en el parto en 1879. Giverny se convertirá en
un verdadero remanso de paz para Monet. A pesar de los numerosos viajes que realizará
para inspirarse con los diferentes paisajes franceses, finalmente será en 1890 cuando
decidirá comprar la casa en la que vivía en Giverny, y cuyos jardines le inspirarán para
crear obras tan famosas hoy en día como la serie de los Nenúfares. El 5 de diciembre de
1926, Monet fallece en su casa de Giverny rodeado por su familia. Tras su fallecimiento,
se creará la fundación de Monet para conservar el patrimonio de Giverny y abrirlo al
pú[Link] Giverny es ideal para descubrir el entorno que ha sido una gran fuente de
inspiración para el pintor, y contemplar las pinturas de Claude Monet y otros grandes
artistas impresionistas en el Museo de los Impresionismos.
 VICENT VAN GOGH
Vincent van Gogh, por quien el color era el símbolo principal de expresión, nació el 30
de marzo de 1853 en Groot-Zundert de Holanda. El hijo de un pastor, criado en una
atmósfera religiosa y refinada, Vincent era muy emocional y no tenía confianza en sí
mismo. Entre 1860 y 1880, cuando decidió finalmente ser artista, Van Gogh había
tenido dos amores inadecuados y infelices y había trabajado sin éxito como empleado
en una librería, vendedor de arte, y predicador en Le Borinage (una región aburrida de
minera en Bélgica), donde fue despedido por “exceso de celo.”Se quedó en Bélgica a
estudiar el arte, dedicado para dar felicidad creando belleza.

Las obras de este período temprano en Holanda son pinturas de género muy
iluminadas y de tonos sombríos de las que la más
famosa es Los comedores de papas (1885). En ese
año Van Gogh fue a Antwerp donde descubrió las
obras de Rubens y compró muchos grabados
japoneses.
En 1886 fue a París para unirse con su hermano
Theo, el director de la Galería de Goupil. En París,
Van Gogh estudió con Cormon, conoció
inevitablemente a Pissarro, Monet, y Gauguin, y
empezó a dar más luz a su paleta muy oscura y pintar
en las brochadas cortas de los impresionistas. Su
temperamento nervioso le hizo un compañero difícil y
las discusiones que duraron toda la noche, en
combinación con pintando todo el día, afectaron a su
salud.

Decidió ir al sur de Arles donde tuvo la esperanza de abrir una escuela de arte con sus
amigos. Gauguin hizo el viaje a Arles pero el resultado fue un desastre. En el fin de
1888, después de un incidente, Gauguin tuvo que salir de Arles. Van Gogh le persiguió
con una cuchilla y fue parado por Gauguin, pero se cortó una parte de su propia oreja.
La vida de Van Gogh empezó a alternar entre los ataques de locura y la lucidez. Van
Gogh fue enviado al manicomio en Saint-Rémy para su tratamiento.

En mayo de 1890, sentía mucho mejor y fue a vivir en Auvers-su-Oise bajo el ojo atento
de Doctor Gachet. Murio dos meses después cuando se disparó a sí mismo “por el bien
de todo.” Durante su carrera breve vendió solamente una pintura.

Las obras más finas de Van Gogh fueron producidas en menos de tres años por una
técnica que crecía más y más apasionada en la brochada, en color simbólico e intenso,
en tensión superficial, y en el movimiento y la vibración de forma y línea. La fusión
inimitable de forma y contenido de Van Gogh es poderosa, dramática, rítmica,
imaginativa y emocional.
El artista estaba absorto completamente en el esfuerzo para explicar su lucha contra su
locura o en la comprensión de la esencia espiritual de hombre y naturaleza.
 SALVADOR DALÌ
Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una
familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a
los pájaros. « Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser
Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me
acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí». Puesto que la persecución sería incesante y
el objetivo no habría de alcanzarse nunca, y dado que en ningún recodo de su biografía
estaba previsto que hallara el equilibrio y la paz, Dalí decidió ser excesivo en
todo, interpretar numerosos personajes y sublimar su angustia en una pluralidad de
delirios humorísticos y sórdidos.
Instalado en la Residencia de Estudiantes, se hace
amigo del gran poeta granadino Federico García Lorca
y del futuro cineasta surrealista Luis Buñuel, de quien
sin embargo se distanciará irreversiblemente en
1930. En la Academia de Bellas Artes a la que está
adscrito se producen manifestaciones en contra de un
profesor, y antes de que dé comienzo el discurso oficial
y se desate la violenta polémica, Salvador abandona la
sala.
En 1927 Dalí viaja por primera vez a París, pero es al
año siguiente cuando se establece en la capital
francesa. Se relaciona con Pablo Picasso y Joan Miró
y, con la ayuda de este último, se une al grupo surrealista que lidera el poeta André
Breton. Pero Breton terminará expulsándolo del movimiento algunos años después, en
una memorable sesión de enjuiciamiento a la que Dalí compareció cubierto con una
manta y con un termómetro en la boca, aparentando ficticiamente estar aquejado de
fiebre y convirtiendo así el opresivo juicio en una ridícula farsa. La triple acusación a la
que tuvo entonces que enfrentarse Dalí fue coquetear con los fascismos, hacer gala de
un catolicismo delirante y sentir una pasión desmedida e irrefrenable por el dinero.

Salvador Dalí se enamoró de Gala en el verano de 1929 y con ella gozó por primera
vez de las mieles del erotismo. Es la época en que pinta Adecuación del
deseo, Placeres iluminados y El gran masturbador, pintura esta última que fue atacada
y desgarrada por el fanático grupo puritano los Camelots du Roy.

Antes de llegar a París, el artista había realizado su primera exposición en las Galerías
Dalmau de Barcelona, en 1925, y su obra había transitado por el cubismo y las
corrientes realistas, como en Muchacha en la ventana o su primera Cesta de
pan . Cuando Dalí se incorporó al grupo surrealista, el movimiento atravesaba
momentos de fuertes contradicciones internas. La vitalidad y extravagancia de aquella
joven promesa española resultó decisiva para la renovación y proyección del grupo, del
que también por su parte absorbió energías que resultaron en la etapa más apreciada
de su obra. En teoría, sus mejores cuadros fueron el fruto de la aplicación del llamado
«método paranoico-crítico», que Dalí definió como un sistema espontáneo de
conocimiento irracional «basado en la asociación interpretativo-crítica de los
fenómenos delirantes».

Probablemente para Dalí eran menos relevantes su teorizaciones que el tono

provocador e irónico con que las exponía. El gran masturbador es en este sentido una
obra paradigmática de este periodo. Una magnífica ilustración del método es el cuadro
titulado Mercado de esclavos con el busto evanescente de Voltaire , en el que el rostro
del filósofo está constituido por dos figuras que, simultáneamente, forman parte del
grupo humano del segundo término.

Unos pocos años en el grupo bastaron para que Dalí se convirtiese en la gran figura del
surrealismo y su obra alcanzase una considerable resonancia internacional. En 1934
viaja con su ya inseparable Gala a Estados Unidos, donde desembarca y se presenta
ante los periodistas con un enorme pan cocido por el cocinero del trasatlántico que les
ha transportado. Dos años después se desata la atroz guerra civil en España y una de
las primeras muestras de la probidad de los militares insurrectos es el infame asesinato
de su amigo Federico García Lorca, crimen que conmocionó a la opinión pública
mundial. El padre del psicoanálisis había dado pábulo a la nueva indagación del
inconsciente con su libro La interpretación de los sueños , pero nunca se había tomado
demasiado en serio a sus jóvenes admiradores de París.

« Aquel joven español, con sus espléndidos ojos de fanático e innegable dominio
técnico, me movió a reconsiderar mi opinión». Por su parte, el artista realizó
asombrosos y alucinantes retratos del «santo patrón» de los surrealistas.

Instalado otra vez en Nueva York en 1939, Dalí acepta un encargo para decorar unos
escaparates comerciales. El tema que elige es el del Día y la Noche, el primero
evocado por un maniquí que se mete en una bañera peluda y la segunda por medio de
brasas y paños negros extendidos, pero la dirección modifica el decorado sin consultar
al autor. Dalí, iracundo, vuelca la bañera de astracán llena de agua y la lanza contra los
cristales del escaparate produciendo un gran estrépito y un notable destrozo. Pese a
que la opinión pública norteamericana le aplaude el vigor con que ha sabido defender
la propiedad intelectual, es juzgado por los tribunales y condenado a pagar los
desperfectos.
Tampoco consigue concluir su siguiente proyecto para decorar un pabellón de la Feria
Internacional de Nueva York, el cual debía llevar el significativo título de Sueño de
Venus. Al mismo tiempo, el pintor producía una enorme cantidad de objetos
decorativos carentes de la fuerza transgresora de sus primeras obras surrealistas.
 PABLO PICASSO
Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a
Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los
que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes
acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats. Entre 1901 y 1904, Pablo Picasso
alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entraba en la
etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la
primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse
en un estudio en las riberas del Sena. En esta obra cumbre confluyeron numerosas
influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y
elementos tomados de El Greco y Cézanne.
Bajo la constante influencia de este último, y en
compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo
Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la
herencia plástica vigente desde el
Renacimiento, especialmente en el ámbito de la
representación pictórica del volumen.

Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una

primera fase denominada analítica . La admisión en el
exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan
Gris desembocó en la etapa sintética de dicho
estilo, marcado por una gama cromática más rica y la
multiplicidad matérica y referencial. Entre 1915 y mediados de la década de
1920, Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva
etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo
de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». El estallido de la Guerra
Civil española, preludio de la Segunda Guerra Mundial, lo empujó a una mayor
concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más universalmente
admiradas, el mural de gran tamaño Guernica .
Tres años más tarde, Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde
incorporó la cerámica a sus soportes predilectos. En la década de 1950 realizó
numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo
de homenaje. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la
vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el
creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.
 CONCLUSIÓN PERSONAL

Mi conclusión seria que a lo largo de la historia ha ido evolucionando el arte y a la vez

ido dejado marca en la época que se creo con un significado específico para ir
perfeccionándolo en cada época.