TEMAS.

1. El templo griego.
2. La escultura griega del periodo clásico.
3. La arquitectura romana: características generales y tipologías.
4. La escultura romana: retrato y relieve histórico.
DIAPOSITIVAS

1- Partenón

2- Erecteión

3- Templo griego: tipos de planta

4- Esquema de órdenes griegos

5- Discóbolo OK

6- Auriga de Delfos OK

7- Doríforo OK

8- Procesión de las Panateneas OK

9- Hermes OK

10- Apoxiomeno OK

11- Panteón

12- Arco de Tito OK

13- Coliseo

14- Acueducto de Segovia

15- Teatro de Cartagena

16- Augusto de Prima porta OK

17- Columna trajana

18- Ara pacis

OK: vale la info pero hay que retocar y acortar!!

 1. El templo griego

INTRODUCCIÓN

Los edificios realizados por el arte griego son muy variados, pero el más representativo es el
templo. La religión griega celebraba sus ceremonias al aire libre y lo único imprescindible era
un altar. Pero cuando empezaron a esculpir estatuas de sus dioses tuvieron que cobijarlas
para protegerlas, y por ello se construyeron los templos. Éstos no fueron pensados para
albergar a los fieles, ya que los rituales seguían oficiándose en un altar situado a la entrada. El
templo era la morada de la divinidad, y por ello se valoró la envoltura arquitectónica externa,
emblema del esplendor y grandeza y de la polis. El lugar preferente de localización serán las
"acrópolis", la parte sagrada de las polis. La orientación de los templos seguía el curso solar,
de este a oeste. El material principal era la piedra caliza o el mármol. Los griegos tenían una
obsesión por la perfección técnica de sus obras, lo que se observará en el perfecto acabado de
sus muros, columnas y sillares, y en las correcciones ópticas. La proporción, el equilibrio y la
armonía es una constante de los templos griegos. En general se rehúye el monumentalismo
típico de otros pueblos orientales ajustándose mucho más a una medida humana
(antropocentrismo) de tal forma que se evite la sensación de insignificancia humana. La
arquitectura griega no abruma al observador con una excesiva monumentalidad. Número,
proporción y equilibrio serán ideales de belleza según la concepción racional griega. Fruto de
esa armonización y ordenación canónica será la aparición de los "órdenes clásicos" que son
aplicados de forma sucesiva. En este sentido, se empleó el "módulo", que venía determinado
nitidez. Estas mismas columnas se inclinan ligeramente en talud para conseguir también la
máxima verticalidad óptica.

Proporción, armonía, y equilibrio: órdenes.

A medida del hombre.

Concebido para ser visto desde fuera:

perímetro de columnas.

Decoración: elementos escultóricos, color.

Templos a las principales divinidades,

levantados tras la destrucción de los persas.

DESARROLLO

CONCLUSIÓN

1- Partenón

2- Erecteión
3- Templo griego: tipos de planta

4- Esquema de órdenes griegos

2. La escultura griega del periodo clásico.

DESARROLLO

 Discóbolo

El Discóbolo es obra de Mirón, realizado en el siglo V a.C. (460 - 450 a.C.), original en bronce y
conocido por copias romanas en mármol. Su gran mérito consistió en saber captar como nadie
el movimiento. El artista imprimió un gran dinamismo al cuerpo del Discóbolo, eligiendo el
momento en que el atleta sitúa el disco hacia atrás, paso previo e inmediato al lanzamiento.
Mirón dedicó especial atención al estudio de la tensión de las diversas formas geométricas que
configuran el cuerpo. La composición del Discóbolo está pensada a partir de triángulos y
curvas: la cabeza, las caderas y los pies forman una media circunferencia que se opone a la
otra media circunferencia que dibujan los brazos extendidos: el derecho, hacia atrás, para
coger impulso, y el izquierdo, apoyado sobre la rodilla derecha. También es apreciable una
línea dinámica en forma de zigzag que va del disco hasta la parte derecha de la espalda, de
ésta a la cadera, de la cadera a la rodilla y de la rodilla al pie levantado. El Discóbolo supuso un
avance decisivo en el estudio del movimiento, de la tensión muscular y de la integración de la
figura en el espacio, pero aún muestra algunas características del periodo arcaico: la cabeza
conserva reminiscencias de la inmovilidad del estilo anterior, la sonrisa se parece todavía a la
expresión característica de los kouroi y los cabellos semejan un casco de pequeños rizos
uniformes.

 Auriga de Delfos

El Auriga de Delfos pertenece a un grupo realizado en los años posteriores a las Guerras
Médicas (h. 475 a.C.) La estatua, en bronce, debía de formar parte de un grupo constituido por
el carro, cuatro caballos (de los cuales se conserva algún fragmento) y tal vez otros personajes.
El auriga aparece erguido, en posición casi inmóvil. La mitad superior del chitón está más
cuidada que la inferior como se observa en la sucesión de pliegues que demuestran dinamismo
y alternan los ritmos verticales y horizontales, mientras que la mitad inferior está trabajada
con menor detalle, posiblemente porque en el conjunto escultórico estaría oculta por propio
carro. El rostro es poco expresivo y los ojos, insertos, son de esmalte y piedras de color negro.
El cabello también se trata con naturalismo con un peinado que se ajusta perfectamente a la
forma esférica y sencilla del cráneo y una diadema que realza la belleza del rostro. Al ladear la
cabeza y proyectar el brazo hacia delante rompe la simetría tradicional y la frontalidad. La
sensación amable y serena del rostro lo libera de la rigidez y el estatismo del periodo arcaico y
lo acercan hacia el pleno clasicismo.

 Doríforo

El Doríforo fue realizado por Polícleto en el siglo V a.C. (440 - 430 a.C.), estilo griego clásico,
original en bronce, copias de mármol, 2,12 m. Representa a un joven desnudo, de pie, con la
lanza en el hombro izquierdo y en actitud de marcha. La cabeza, levemente ladeada hacia la
derecha, muestra un rostro sereno, cuidadosamente trabajado. Los brazos aparecen
despegados del cuerpo. La mano derecha permanece abierta mientras el brazo izquierdo se
dobla y cierra la mano para coger la lanza. Acaba de apoyar el pie derecho y se dispone a
levantar el izquierdo, que apenas roza ya el suelo. La actitud de esta estatua se rige por el
equilibrio entre miembros tensos y miembros distendidos. Este equilibrio compensado entre
las diferentes partes de la figura es conocido como contraposto, es decir, la contraposición
entre una parte tensa y otra relajada que otorga un equilibrio dinámico a la figura. Es la
imagen idealizada de un atleta desnudo que camina con la lanza sobre el hombro.

 Procesión de las Panateneas

El friso de la Panateneas rodea los cuatro lados de la cella y representa la procesión que se
celebraba cada cuatro años para llevar a la Acrópolis una vestimenta nueva (peplos) para
Atenea. Es una escena real, aunque de carácter religioso, lo que supone una novedad radical
en la decoración del templo griego. Su autor es Fidias en el siglo V a.C. (440 a.c.), el estilo
griego clásico, y el material mármol. El friso de las Panateneas tenía 160 m de longitud, 1,06 m
de altura y aproximadamente 5 cm. de fondo. Los bloques de mármol estaban ligeramente
inclinados hacia delante y el relieve de la zona alta es más profundo que el del resto de la
superficie. El friso representa una procesión que se origina con una cabalgata que encabezan
los carros. Precediendo a ésta, y tanto en el flanco norte como en el sur, se inicia el cortejo a
pie, compuesto por los ancianos portadores de ramas, los músicos, los portadores de hidrias
(vasijas de agua), los conductores de ganado y los animales que serán sacrificados (ovejas,
terneros, etc.), doncellas atenienses ataviadas con bellísimos peplos (túnicas) y los héroes de
las diez tribus de Atenas. Todos participarán de la ofrenda del peplo ante la cella de Atenea.
Las principales divinidades olímpicas contemplan relajadamente la escena. Destaca la
representación de los dioses Poseidón, Apolo y Artemisa conversando entre ellos durante la
celebración. Los dioses están realizados a una escala superior que el resto de figuras del friso.
Los vestidos de las doncellas se ajustan delicadamente a los cuerpos y muestran una caída
admirable. Las figuras se reúnen en solemne procesión sin que ésta se desordene en ningún
momento. Esto no quiere decir que el friso caiga en la monotonía; para evitarlo, Fidias colocó
estratégicamente escenas cotidianas y anecdóticas (un joven atándose la sandalia, caballos
encabritados, etc.) A pesar de la gran cantidad y variedad de figuras representadas (360
personas, 220 animales y 10 carros), Fidias y sus colaboradores fueron capaces de
individualizarlas, ya fuera a través de las actitudes, las distinciones físicas o el tratamiento de la
ropa; pero no recurrieron a los gestos demasiado marcados, sino que mantuvieron siempre la
expresión serena, propia del periodo clásico. Aunque existen evidentes diferencias estilísticas,
el friso de la Panateneas es del más puro estilo clásico. Los historiadores atribuyen las
diferencias de ejecución al hecho de que, por la magnitud de la obra, Fidias necesitó la ayuda
de los miembros de su taller.

 Hermes

El Hermes con el niño Dioniso es de la primera mitad del siglo IV a.C. (340? a.C.), estilo griego
clásico, talla mármol, 2,13 m. Destaca por la calidad del modelado, la flexibilidad de las figuras
y la delicadeza de las superficies; características todas ellas de la técnica de su autor. La famosa
curva praxiteliana, que huye de la línea vertical y estática y dan ligereza a las figuras, hace que
el cuerpo de Hermes se desplace del eje vertical y forme una seductora S invertida que le
proporciona un sutil equilibrio entre el movimiento y el reposo. La elevación de la cadera de
Hermes, consecuencia directa de la ondulación del torso, y la elegancia con que están
definidos los músculos hacen que la escultura pierda tensión y gane sensualidad. La sinuosidad
de su figura destaca aún más por el contraste que se establece con la verticalidad del pequeño
Dioniso y la de la túnica que muestra una caída natural, semejante a la real. En una referencia
al futuro del pequeño dios como divinidad del vino, su atento hermanastro, que lo sostiene
con su brazo izquierdo, le da un grano de uva con la mano de su brazo derecho, que no se
conserva. El soporte del grupo escultórico, innecesario si hubiera sido ejecutado en bronce,
representa el tronco de un árbol cubierto con la túnica. A pesar de estar muy alejado del estilo
helenístico, ha sido considerado el precursor de los cambios que dieron lugar a su lenguaje;
por primera vez los dioses y los héroes mostraban emociones y sentimientos.

10- Apoxiomeno

Una de las esculturas más famosas de Lisipo, originalmente en bronce, es el llamado

Apoxiomeno (siglo IV a.C.), atleta quitándose el polvo y el aceite de su brazo con un
instrumento llamado rascador. La postura recuerda el contraposto de las obras de Policleto,
pero aquí no hay alternancia entre partes relajadas y partes tensas del cuerpo, ya que el joven
ha sido captado en una acción casi anecdótica. El avance de ambos brazos supone que uno
quede tapado por el otro, sugiere que la obra tiene otros puntos de vista, además del
estrictamente frontal, pues de no ser así no podría captarse su tridimensionalidad.
3. La arquitectura romana: características generales y tipologías.

11- Panteón

12- Arco de Tito

El arco de Tito en Roma (80-85 d.C.), de un solo vano, daba entrada al foro republicano por el
este y se edificó para conmemorar las campañas del emperador en Palestina y la destrucción y
saqueo del famoso templo de Salomón en Jerusalén. La composición es claramente simétrica y
busca la armonía: tres bandas horizontales están equilibradas con tres verticales. El arco de
mármol (de medio punto) da paso a una profunda bóveda. Sobre un plinto, los pilares quedan
a la vista y se decoran con columnas de orden compuesto y nichos cuadrados. Encima del
entablamento el texto epigráfico informa del motivo, que no consiste en la ceremonia de un
triunfo como es el papel originario de los arcos de triunfo, sino un monumento dedicado a las
hazañas del emperador una vez fallecido. El programa iconográfico aparece en paneles
escultóricos con temas como "la entrada de Tito en Jerusalén en el 70 d.C.", "entrada triunfal
del emperador en Roma" y "desfile de los soldados con el botín" y "ascensión de Tito al cielo
sobre un águila". El gran realismo visual que muestra era aún mayor debido a que los relieves
estaban policromados. La talla es profunda y con expresivos efectos de luz y de sombra,
logrados con una consumada técnica. En cuanto a los planos de profundidad se llegan a marcar
hasta cuatro, con lo que el efecto de perspectiva es excepcional, y transmite eficazmente el
aire de procesión festiva y levemente tumultuaria que la ocasión debió revestir.

La columna

13- Coliseo

14- Acueducto de Segovia

15- Teatro de Cartagena

4. La escultura romana: retrato y relieve histórico.

INTRODUCCIÓN:

La escultura romana está vinculada a dos tradiciones: la griega y la etrusca. La griega es

consecuencia del saqueo de obras griegas y, posteriormente, de llevarse a Roma los escultores
helenos como contratados o esclavos. La tradición etrusca influirá en su mayor realismo y el
tema fúnebre, que dará pie al retrato funerario, muy habitual en Roma.

El tema predilecto será la figura humana, con la intención no de representar a un ser

idealizado, sino al ciudadano romano, con un carácter marcadamente realista.
El contraste con el idealismo griego se completa con la preferencia por las figuras vestidas
acorde a su rango, normalmente policromadas. Especial interés tendrá el desarrollo del
retrato femenino, que seguirá las pautas del masculino, pero acentuando su sentido
ornamental. Los materiales serán primordialmente el bronce y la piedra, normalmente
policromadas, y se presentan muy pulimentadas. La escultura se realizará con una gran
perfección técnica, mostrando un gran detallismo, precisión del modelado y capacidad
perspectiva. Uno de sus objetivos será el deseo de dejar constancia de los hechos personales y
de la propia historia de la ciudad, con un claro carácter conmemorativo y propagandístico. La
escultura romana tiene dos géneros fundamentales: el retrato y el relieve.

DESARROLLO:

 Augusto de Prima porta

Esta estatua de Augusto se realizó en el siglo I a.C. (año 19) por encargo del Senado de Roma,
de autor desconocido. Se encontró en las excavaciones realizadas en 1863 en Prima Porta.
Inaugura el retrato y estilo romano imperial de pie, y se aleja de los modelos griegos por su
fidelidad fisionómica. El retrato de Augusto, aunque lo ensalza, representa claramente a la
persona del emperador. Viste una túnica, sobre la cual exhibe una coraza musculada con
relieves, y un paludamentum que rodea su cadera y que sostiene con el brazo izquierdo.
Levanta el brazo derecho en señal de autoridad mientras arenga a las legiones. En la mano
izquierda sostiene el bastón consular.

Esta obra pensada para ser colocada contra la pared, concentrando todo el énfasis en el plano
frontal. Los pies descalzos del emperador obedecen a la representación tradicional en el
mundo clásico de los dioses y mortales deificados.

El delfín de Venus con Cupido encima resuelve el problema de la sustentación de la estatua de

mármol, que no existía en la obra original de bronce. La copia estaba policromada como
revelan los restos de colores. El emperador Augusto aparece representado como jefe del
ejército en el momento de la arenga al ejército. En el original no iba descalzo como una
divinidad, sino con el calzado de jefe del ejército; la copia descalza, por tanto, debió de ser
realizada después de su muerte y su divinización, seguramente lucía una corona de la victoria
que mostraba a las tropas. La corona, la coraza y el paludamentum eran las insignias del poder
imperial. Era la primera vez que se adornaba la coraza con relieves.

El Augusto de Prima Porta se inspira en el Doríforo de Polícleto: sus expresiones son parecidas
y ambos se apoyan en la pierna derecha y doblan la izquierda (contraposto), Presenta cambios
adaptados a los nuevos gustos. El emperador aparece vestido, pues no podía mostrarse
desnudo como un atleta; pese a ello, el torso del Doríforo servirá de modelo para la coraza
imperial. Augusto tiene la cabeza más erguida para mirar hacia delante y a lo lejos dominando
con el gesto y la mirada el espacio frente a él, tal como corresponde al emperador; mantiene el
brazo derecho levantado en posición de mando mientras arenga a las tropas; y muestra la
pierna izquierda más atrasada que el modelo de Polícleto. De esta forma, el Doríforo se
transforma en Augusto; el modelo griego se romaniza. Hoy esta escultura se exhibe en el
Braccio Nuovo de los Museos Vaticanos, en Roma.

 Columna trajana

cronología siglo I, foro, Roma.

La Columna Trajana es obra de Apolodoro de Damasco, realizada entre 107-113 en mármol,
estilo romano imperial. Es el relieve historiado más importante del arte romano. Narra las dos
victorias militares de Trajano y sus tropas contra los dacios. Su valor reside en sus dimensiones
fuera de lo común, y especialmente, en la originalidad que supuso desarrollar una cinta
historiada alrededor del fuste de una columna. Apolodoro de Damasco acompañó al
emperador Trajano en muchas de sus expediciones militares. La columna propiamente dicha
consta de una base simple (tallada en forma de corona de laurel), un fuste cilíndrico formado
por doce tambores de mármol y un capitel dórico. Encima de éste se hallaba una estatua de
bronce del emperador, que desapareció durante la Edad Media. En 1587, el papa Sixto V puso
sobre ella la actual estatua de San Pedro. El gran atractivo de esta obra reside en el fuste, que
presenta una cinta helicoidal de 200 m de longitud llena de bajorrelieves (155 escenas y más
de 2500 figuras). Se trata del relieve más extenso esculpido en la Antigüedad, y es una obra
imponente porque consigue que el interés no decaiga en ningún momento. La lectura es
ascendente: en la mitad inferior se narra la primera guerra dacia y en la mitad superior la
segunda. La figura de una Victoria que graba en un escudo las gestas de Trajano separa el
relato de ambas guerras. La narración empieza con el paso del ejército romano por el Danubio
sobre un puente de barcas, y finaliza con la deportación de los prisioneros dacios. Las escenas
se suceden sin interrupción, excepto en algunas zonas donde el cambio viene señalado por
algún elemento paisajístico o arquitectónico. Para facilitar la visibilidad, la altura de las franjas
del relieve va a aumentando a medida que se aleja del suelo, de manera que la imagen más
cercana mide 0,89 m y la más alejada 1,25 m. El autor puso más atención a los aspectos
geográficos, logísticos y políticos que a los de la lucha propiamente dicha. Todos los
acontecimientos están ilustrados minuciosamente, incluso son apreciables los accidentes del
terreno, El realismo con que los rostros están tratados permite reconocer a algunos de los
protagonistas, como es el caso del propio Trajano que aparece unas 70 ocasiones. A través de
las figuras superpuestas, los escorzos y los movimientos contorsionados se crean efectos de
profundidad. Las funciones de la Columna Trajana eran tres: conmemorar la conquista de la
Dacia (actual Rumanía), importante victoria militar de Trajano; guardar en una cámara
mortuoria, situada en el lado norte del basamento, las cenizas del emperador; y señalar hasta
dónde había llegado el monte desplazado por la construcción del foro.

 Ara pacis

Autor desconocido, encargo del Senado romano, cronología siglo I a.C., estilo romano imperial.

El Ara Pacis es un altar para sacrificios que luce unos magníficos relieves que conmemoran la
paz y la prosperidad alcanzados por Roma en tiempos de Augusto. Sus relieves están
considerados como el ejemplo más importante de la escultura romana aplicada a la
arquitectura; a pesar de ser una obra romana, se cree que fueron pensados y ejecutados por
artistas griegos. El Ara Pacis es un edificio religioso. Levantado sobre un podio, se accede
mediante una rampa escalonada o a través de una puerta situada en el lado opuesto. Está
circundado por un muro, adornado por dentro con la representación de una verja de
empalizada y abundantes guirnaldas. En los flancos pequeños frisos inspirados en sacrificios.
Los registros de la parte exterior están decorados con relieves: el inferior, con volutas de
acanto pobladas por una fauna variada, y el superior, con figuras humanas. Una cenefa
intermedia los separa. El friso exterior superior muestra la procesión del año 13 a.C. en honor
de la Pax Augusta. En el lado sur, los sacerdotes encabezan la comitiva, seguidos de los
animales que serán sacrificados y un hombre con un hacha en la mano; tras ellos, el general
Agripa, el emperador Augusto y los restantes miembros de la familia imperial. En el lado norte,
desfilan el Senado y las mujeres y los niños de la corte de Augusto. Dos figuras femeninas
integradas en la procesión simbolizan Roma y la Paz.

A ambos lados de la puerta principal hay dos relieves: en uno, Marte observa la loba capitolina
amamantando a Rómulo y Remo; en el otro, Eneas (mítico fundador de la ciudad que más
tarde se convertiría en Roma) realiza un sacrificio, asistido por dos jóvenes, en presencia de los
penates de Troya. A su vez, en los flancos de la otra entrada aparece el relieve de Tellus, la
diosa de la tierra, flanqueada por dos ninfas acuáticas y acompañadas de sus hijos; y el otro
relieve se encuentra representada la diosa Roma. La sensación de profundidad se consigue
agrandando las figuras u objetos más próximos al observador y dándoles mayor volumen. Con
esta técnica se establecen distinciones jerárquicas al situar en primer término a los personajes
principales y en segundo a los de menor relevancia; las figuras están, pues, dispuestas varios
planos de profundidad. El movimiento se expresa por la gran variedad de posiciones que
adoptan los individuos. El trato singularizado de los participantes es evidente en
caracterizaciones como la de los sacerdotes (que llevan cascos) o como la del niño que se
agarra tímidamente a los ropajes de Agripa reclamando ser cogido en brazos.

El Ara Pacis, el altar de la paz, se construyó, a propuesta del Senado, para celebrar el retorno
victorioso de Augusto tras pacificar Hispania y la Galia, y para glorificar la grandeza y
prosperidad de Roma. En las dos procesiones laterales se representa la inauguración del altar.
Augusto, artífice de la paz en el Imperio romano durante su mandato, es plasmado a partir de
un claro paralelismo entre su grandeza y la de personajes decisivos en la historia mítica de
Roma, como Eneas o Rómulo y Remo. Por la solemnidad y la dignidad de los participantes en la
procesión, los cuerpos que se vislumbran bajo sus ropajes y el logrado sentido de avance
rítmico de los personajes, estos frisos constituyen la réplica romana del friso de las
panateneas. Pero, a diferencia de lo que ocurre en el Partenón, en que los individuos no
pueden identificarse ni puede precisarse su tiempo histórico, en el Ara Pacis se han logrado
retratos reconocibles y la misma procesión puede fecharse con exactitud (4 de julio del año 13
a.C.). Una singularidad del arte romano, que lo distingue del griego, es su voluntad histórica,
siempre al servicio de la glorificación de su presente y de su pasado.

CONLCUSIÓN