Enrique Valdearcos Guerrero Historia del Arte
Iglú con árbol
Mario Merz. 1968
Museo del Louvre de Paris.
ANÁLISIS
La obra
Ahora explicando esta escultura podemos ver
que se trata de una estructura metálica de hierro,
vidrio y ramas de árbol. Merz utiliza la estructura del
iglú como una forma de mostrar la interacción
constante entre los espacios: el espacio interior de la
semiesfera como un espacio de abrigo e intimidad
individual y el espacio exterior como el mundo
donde se manifiestan todas las actividades sociales y
políticas del ser humano.
El significado del iglú dentro de la trayectoria
artística de Merz fue esencial, pues le permitió
expresar de modo sintético su pensamiento plástico.
Merz logró mostrar, a través de los materiales
utilizados, que su preocupación también residía en la
noción espacial. Con el tema del iglú, Merz permite
que el observador comprenda cuán importante es el
espacio exterior, en unas ocasiones, y, en otras, cuán
significativo resulta el espacio interior.
Estas estructuras arquetípicas poseen un marcado contenido metafórico alusivo al “vacío del
pensamiento técnico actual". Los iglús constituyen el hábitat nómada por excelencia y Merz iguala al
artista con los nómadas, siempre en movimiento como el arte que es transitorio y cambiante. La forma
hemiesférica del iglú hace referencia a las exigencias de una vida nómada, efímera, cuya construcción y
materiales dependen del clima, del lugar y de los pueblos, entre estos los esquimales.
Por otra parte, Mario Merz se caracterizó por la búsqueda de un arte arraigado a la tierra y
ejecutado a partir de materiales sencillos y orgánicos, materiales también mutables y con periodo de
caducidad, como en proceso de putrefacción, como si fueran materiales orgánicos de la basura.
Los iglús de Mario Merz: continente y contenido 100%
povera
Estamos ante espacios habitacionales construidos
con armaduras de metal segmentadas, cuyas estructuras
hemisféricas están cubiertas de redes, tierra, arcilla, cera,
cristal, palos o ramas. Es frecuente que estas semi-esferas
incorporen frases políticas o literarias hechas con tubos de
neón. La luz del neón como flujo visible a través de un
cuerpo cuestiona la condición física del objeto. Uno de
los ejemplos más representativos es el Iglú de Giap
(1968).
Enrique Valdearcos Guerrero Historia del Arte
La presentación del iglú no es siempre la misma. El esqueleto a veces es visible a través de un
enrejado de metal otras veces la armadura no se distingue siendo su superficie más compacta pues está
recubierta de tierra o de sacos de plástico. También utilizaba haces de leña, papeles de diario, frutos y
representaciones de animales (tigres, rinocerontes, ciervos, búfalos, etc).
Con frecuencia, los iglús responden al ambiente específico de sus exposiciones a través de la
incorporación de materiales propios del área y adaptando su escala al espacio. En el Iglú del Palacio de
las Alhajas (1982), que estuvo emplazado en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro de Madrid, se
incorporó un suelo de arena y de ramas secas de los plátanos y acacias del Paseo del Prado.
Mario Merz reaccionó contra las
tendencias artísticas dominantes de la
posguerra en favor de un arte de carácter
intencionadamente orgánico. Para él, tanto la
tradición artística como la social habían sido
destruidas, lo que conllevaba su enterramiento
y posterior reinicio. Hacia la consecución de
este objetivo canalizó su energía creativa como
demostró en los iglús en los que empleó
materiales cotidianos manteniendo su presencia
primaria.
COMENTARIO
El autor
Mario Merz es un pintor y escultor italiano que nació en Milán en 1925 y murió en Turín en
2003 y es una de las figuras más representativas del Arte Povera. Es famoso, sobre todo, por sus iglúes
formados con materiales diversos, que comenzó a confeccionar en 1968. Inició su carrera con una
pintura de carácter expresionista, dominado por colores violentos. Poco después comenzó a componer
objetos recogidos en la basura, como botellas, vasos, paraguas o televisiones, iluminados por tubos
fluorescentes que transformaban los colores de los materiales y resaltaban sus texturas más
inapreciables. En 1968 se adscribió al movimiento Povera y presentó su primer Iglú, con la palabra
luminosa Giap trazada en tubos luminosos de neón.
Políticamente muy comprometido, el activismo de Merz le llevó a la cárcel durante la Segunda
Guerra Mundial sufriendo condena por antifascista. Su interés por el arte surgió durante este
encarcelamiento en 1945, momento en el que comenzó a dibujar regularmente formas en espiral sin
levantar la pluma de la página. Sus primeros dibujos anticipaban una línea evolutiva marcada por la
denuncia social y la investigación personal de nuevos lenguajes estéticos.
El año 1968 representa un hito importante en la trayectoria creativa del italiano, pues adoptó por
primera vez un motivo característico de su producción: el iglú.
Arte Povera
Esta escultura de Mario Merz pertenece al Arte Povera. Los precursores de este arte son Alberto
Burri y Lucio Fontana. En el año 1967 Merz estableció relación con Pistoletto, Kounellis, Luciano
Fabro, Giovanni Anselmo, Giuseppe Penone y Gilberto Zorio, constituyendo un movimiento artístico
articulado por el crítico y curador Germano Celant quien lo bautizó como Arte Povera, un arte pobre en
materiales pero rico en significados.
Enrique Valdearcos Guerrero Historia del Arte
El término Arte Povera, en italiano "arte pobre", es una tendencia dada a conocer a finales de los
sesenta, cuyos creadores utilizan materiales considerados 'pobres', de muy fácil obtención: como
madera, hojas o rocas, placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o también materiales
de desecho y, por lo tanto, carentes de valor.
El arte povera surgió en Italia en 1967, a partir de dos exposiciones que se realizaron en Turín, en
las que participaron varios artistas de esta modalidad. Recibió esta denominación de parte del crítico
Germano Celant, ya que se utilizaban materiales considerados ‘pobres’, de muy fácil obtención, como
madera, hojas o rocas, vajilla, placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, como también
materiales de desecho y, por lo tanto, carentes de valor.
El objetivo de Celant consistía en relanzar de nuevo a Europa frente al poder del arte americano
que, en los años sesenta, se había impuesto de manera indiscutible. Según el crítico italiano, el término
Arte Povera tenía un carácter de “antidefinición» y debía situarse siempre en relación al contexto
sociopolítico de la etapa 1966-1968.
Era un arte intimista y personal muy ligado al movimiento hippie y underground de los años 60
italianos, ya que estaban en contra de las nuevas tecnologías y la modernidad excesiva. Sus obras partían
de una acción, como modelar, estrujar, doblar, etc. Se basaba en una transformación natural del material,
o bien del propio material, que con un pequeño movimiento o acción se transformaba, como por ejemplo
el fuego o el hielo.
El artista povera asumía una nueva actitud, donde tomaba posesión de una realidad que es el
verdadero sentido de su ser. Proponía un modo de vida inventivo y antidogmático.
Celant definía al nuevo artista como un artista-alquimista, ya que se sentía atraído por las
posibilidades físicas, químicas y biológicas de los elementos. No expresaba juicios sobre su entorno. Era
considerado por el artista como una extensión del cuerpo y el alma del mismo conectándose
directamente con el entorno, la naturaleza y todo lo que lo rodeaba, entrando en armonía.
Aunque en un momento inicial, se hablaba del movimiento Povera como algo específicamente
italiano, más tarde se advirtió que otros artistas europeos, como Joseph Beuys o algunos de los
representantes del Land Art y del Body Art, tenían puntos de contacto con la ideología del Arte Pobre en
Italia.
Tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del
material y la observación de sus cualidades específicas. El Arte Povera prefiere el contacto directo con
los materiales sin significación cultural alguna, materiales que no importa su procedencia, ni uso, que
sean reutilizados o transformados por el artista. Sus obras parten de una acción, como modelar, estrujar,
doblar… una transformación natural del material. Es un arte pobre en materiales pero rico en
significados.
Utilizan elementos naturales como la tierra, la vegetación y los minerales como una
aproximación anti moderna a las artes, es una crítica a la tecnología y la industrialización. El empleo de
elementos naturales como la tierra, la vegetación y los minerales es abordado por los artistas povera
como una aproximación antimoderna a las artes, crítica con la tecnología y la industrialización. Bajo la
consigna de lograr una relación arte-vida, el objetivo fue crear una estética anti-elitista por medio de
materiales propios de la vida cotidiana y del mundo orgánico. Estos creadores reaccionaron frente al
pop art de la sociedad de consumo y al op art.
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