1

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3
4
 Universidad autónom a
del estado de méxico
Facultad de arquitectura y diseño
PROYECTO DE EVALUACIÓN PROFESIONAL

ANÁLISIS DE LA IDENTIDAD VISUAL EN LA

INDUSTRIA MUSICAL DEL ROCK,
CASO DE ESTUDIO: GUNS N’ ROSES

PRESENTA PARA OBTENER EL TÍTULO DE LIC. EN DISEÑO GRÁFICO:

ELIZABETH MENESES DÍAZ

ASESOR: DR. EN C.S. MIGUEL ANGEL RUBIO TOLEDO

5
6
A mis padres, que me han apoyado cada segundo de mi vida y han
creído en mi incluso cuando yo misma he dejado de hacerlo.

A mis hermanos y amigos sinceros que me han acompañado en este

largo viaje siempre con la mejor actitud.

A mis maestros, que me han inspirado, motivado y guiado para

llegar hasta este punto.

A todos, GRACIAS.

7
8
ÍNDICE:

introducción 11

1.1 Qúe es la identidad visual 20

1.1.1 Definición
1.1.2 Historia
1.1.3 Criterios
1.1.4 Identidad y música
1.1.5 Productos de la identidad visual en la música
1.1.6 Música como generadora de identidad

2.1 Historia y antecedentes del 46

rock
2.1.1 La música
2.1.2 ¿Qué entendemos por rock?
2.1.3 Historia del rock
2.2 Subgéneros del rock
2.3 Estética del rock
2.3.1 Trabajo de diseño en el rock
2.4 Guns N’ Roses (GNR)
2.4.1 Historia de Guns N’ Roses
2.4.2 Impacto cultural de la banda

9
2.4.3 El público de GNR

3.1 La estética de Guns N’ Roses 78

3.2 Análisis semiótico de los signos de identidad visual de la

banda con base en la teoría de Charles Peirce
3.2.1 La identidad de Guns N’ Roses, un ícono
3.2.2 Contextualización
3.2.3 Análisis preiconográfico
3.2.4 Análisis iconográfico
3.2.5 Análisis de la identidad y sus elementos en conjunto
como un todo integral
3.3 Variantes y adaptabilidad de la identidad visual
3.4 El paso del tiempo en la identidad, cambios y evolución
3.5 Análisis de los principales productos visuales de la banda

conclusiones 123

bibliografía 126

10
INTRODUCCIÓN:

¿Qué sería de la vida sin aquello que hace que se encienda el

alma y nazcan las pasiones del hombre?. ¿Que sentido tendría
la existencia sin ese algo que obliga con gusto a permanecer
en la corporeidad?

La presente investigación nace de la imperiosa necesidad

personal de conjuntar dos de las disciplinas más apasionantes
del desarrollo humano, las artes gráficas y el estudio de lo
visual (en este caso específico el diseño gráfico), y el alimento
del alma, la música.

La relación entre sonido e imagen ha estado presente desde

el inicio de los tiempos en la vida del ser humano, ambos se
complementan mutuamente, incluso antes de la existencia de
la misma música, cuando eran un vago y prehistórico recurso
de comunicación.

Miles de años después, lo que comenzó con azarosos sonidos

sin estructura, se convirtió en todo un complejo arte. En la
década de los 50, la música vería nacer uno de los géneros
con mayor impacto sociocultural, el rock. Que permanece
siempre presente en la cultura colectiva a nivel mundial y aún
hace vibrar a miles de voces bajo el sentimiento de rebeldía y
energía desbocada.

11
A lo largo de estos capítulos se aborda desde una perspectiva
histórica y semántica, la relación entre las disciplinas ya
mencionadas a través de conceptos clave y teorías del lenguaje,
partiendo desde la generalidad para entender el quehacer de
ambas disciplinas, hasta puntualizar en las particularidades de
las mismas, así como del caso de estudio elegido. Señalando
la importancia de la participación del diseño en la industria de
la música, en específico del rock, y haciendo énfasis en como
la correcta aplicación de recursos gráficos puede resultar en
una imagen exitosa y memorable que marque generaciones y
trascienda la temporalidad sin importar modas o estilos.

Tal es el caso de estudio elegido, la banda de rock

estadounidense Guns N’ Roses, que se encuentra activa desde
1985 y que ha conseguido tener imagen tan consolidada y
reconocida a través de los años, que les ha permitido realizar
cambios drásticos en la misma con motivos particulares como
celebraciones internacionales o la visita de la banda a algún
país en específico.

En conclusión, el desglose de estos capítulos tiene como

objetivo ilustrar el importante papel que juega el diseño gráfico
en la construcción visual de un proyecto musical, y cuan
profundo, amplio y complejo puede ser el trabajo de diseño a
desarrollar en conjunto con la música.

12
Capítulo 1
identidad visual

“El diseño gráfico salvará al mundo

justo después del rock and roll”

- David Carson
(Diseñador gráfico, director de arte de la revista de rock “Ray Gun”)

13
1.1 ¿Qué es la identidad visual ?
1.1.1 Definición

Antes: esta investigación no puede empezar sin primero

entenderse que es el Diseño Gráfico, del latín “designare” es
dotar de un nombre o signo a algo, marcar, representar, indicar,
designar, diseñar.

Según Wucius Wong, uno de los autores más recurridos

cuando se buscan las bases de diseño, menciona en su libro
(Wong, 2011), que el diseño es un proceso de creación visual
que atiende a un propósito y cubre exigencias prácticas y al
mismo tiempo estéticas.

El diseño transmite un mensaje concreto a un receptor

específico con un fin particular, a diferencia del arte disciplina
con la que con frecuencia suele confundirse, cuyo propósito
es la representación estética de un ejercicio introspectivo, que
puede interpretarse de distintas maneras según el receptor.

El diseño es todo aquello que rodea al hombre, es perceptible

en cualquier situación cotidiana, ha estado siempre ahí, en
el empaque de cereal de todas las mañanas, en la marca de
la pasta de dientes, en las producciones cinematográficas y
televisivas, en las revistas, libros y periódicos que se acumulan
en los estantes de toda casa, en la suela de los zapatos que
dejan su marca al pisar un charco, en la música, en la tapa
de ese álbum favorito. Está ahí, tan presente, tan metido en la
vida del hombre que incluso a veces se olvida, se da por hecho
y se pasa por alto la reflexión de todo el proceso detrás de la
creación de cada uno de esos artículos de diseño.
Una de las labores más importantes del diseño sin duda es la

14
identidad visual, presente en la cotidianidad del hombre desde
la marca de cualquier producto, hasta la producción de la
imagen misma de alguna persona.

Para entender a que hace referencia la identidad visual, es

preciso hacer un análisis en forma de disección, separando
cada una de sus partes o al menos las que resultan más obvias,
así como conceptos clave que ayuden a comprender el todo
integral al que se le llama identidad visual.

La imagen:
Según el arte: Una imagen es una representación plástica,
pudiendo ser escultórica o pictórica de una persona o cosa
(Cabane, 1979)
Según la filosofía: Del lat. Imago. Es la similitud o signo de
las cosas que puede conservarse independientemente de las
cosas mismas.
Es producto de la imaginación, sensación y percepción vista
por parte de quien la recibe.

De acuerdo a Joan Costa (1993), una imagen mental es la

capacidad que posee toda persona de construir mentalmente
un objeto a través de aquellas características que resaltan en el
y que han quedado pregnadas en su mente.
Supone la aptitud natural del individuo para reconstruir en
otro momento, una representación mental de alguien o algo,
implicando en esta reconstrucción los valores de forma y papel.
Implica al mismo tiempo que el propio individuo receptor se
halla expuesto a los efectos psicológicos de esta imagen.

15
La pregnancia es un proceso mental que involucra distintos factores cognitivos,
los objetos visuales que permanecen más tiempo en la mente del espectador
gracias a sus cualidades tales como equilibrio y estabilidad así como simplicidad,
pues entre más simple sea la forma, más facil será de recordar.

Para Costa (1993), la pregnancia en la identidad visual es el objetivo ideal de

una marca, el diseñar una imagen gráfica que logre pregnancia requiere de un
complejo trabajo de síntesis visual y manejo de signos en su forma mas elemental.
Una identidad capaz de reunir distintos elementos que sean distinguibles y
perceptibles en una misma imagen, tiene asegurada la pregnancia y por lo tanto
el éxito.

“Tener una imagen mental supone un proceso que abarca desde la percepción
del dato significativo y su memorización hasta sucesivas percepciones y
asociaciones de ideas, y la configuración de un estereotipo, el cual rige
finalmente determinadas conductas.” (Costa, 1993, pág.21)

Costa (1993) incluso utiliza el siguiente esquema para hacer referencia al proceso
de la representación mental de una imagen y volverlo más comprensible.

1. Esquema del proceso de la imagen mental según Joan Costa (1993)

16
Después de el análisis de estos puntos de vista, se observan
obvias similitudes, que conllevan a una conjetura general y
empírica del concepto de la imagen, entonces podemos decir
que la imagen es la representación mental de un objeto percibido
a través de los sentidos, pudiendo esta ser visual, auditiva,
olfativa y sensitiva - gustativa, una aproximación intangible al
objeto que requiere de un proceso de observación, pregnancia,
distinción para poder concebir la representación mental final.

Lo visual:
Lo visual puede definirse como todo estimulo que llega al cerebro
a través del sentido de la vista, los ojos son los receptores de la
primera fase de la percepción visual.

“Los objetos del entorno emiten o reflejan luz, las lentes del
ojo proyectan imágenes de esos objetos sobre las retinas,
que transmiten el mensaje al cerebro.” “Ver significa
aprehender algunos rasgos salientes de los objetos”
(Arnheim, 1998, pág. 59)

Es decir, según las afirmaciones de Arnheim (1998), mediante la

percepción visual, el humano distingue características y rasgos
que definen al objeto y lo distinguen de los demás, es aquí, en
este proceso de observación en donde inicia la identidad visual.
Los rasgos salientes o mas destacables de un objeto son
determinantes de su identidad y le caracterizan y diferencian
de los demás. (Arnheim, 1998)

17
La Identidad:
Para este apartado, el concepto de identidad ya debe estar
formándose en la mente del lector, tal como las representaciones
mentales de las que se hablaron, aun así, con el fin de obtener
el concepto más claro y conciso posible, a continuación se
presentan algunas reflexiones más sobre la definición de
identidad.

Etimológicamente, la identidad procede del latín “idem” lo

mismo y del sufijo abstracto “idad” que indica cualidad de.
Para la filosofía, la identidad es un concepto complejo que ha
tratado de abordarse desde hace un par de siglos, con distintas
vertientes y enfoques, mantiene como objeto de estudio
principal al ente observado.

Audi (2004), sostiene que “la identidad de una persona no

consiste ni en la identidad de una substancia inmaterial, ni en
la identidad de una substancia material o «cuerpo animal», sino
que consiste en la «misma consciencia».” (Audi, 2004, pág.
526)

La identidad consiste en las condiciones y cualidades

perceptibles a través de los sentidos que hacen distinguible a
un ente de otro. El desarrollo de la identidad gráfica reside en
la capacidad de plasmar de manera visual las características y
atributos del objeto de manera que pueda ser reconocible en su
representación.

Un enfoque más orientado a la psique humana sugiere de

manera sintetizada, que la identidad es un conjunto de valores
y objetivos que estructuran y dan sentido a la vida del ente1.

1. Ente: del latín, ente es “ser por si mismo”, que es completamente independiente y
autosuficiente. Lo que es y existe o puede existir, es una concreción del ser.

18
“Puede definirse con una ecuación muy simple: es el propio ser
o el ente (lo que es o existe), mas su entidad (su esencia, forma
y valor), la identidad es, pues, la suma intrínseca del ser y su
forma.” (Costa, 1993, pag.16)

En su libro “Identidad corporativa”, Joan Costa define la

identidad como el sistema de signos visuales que tienen por
objeto distinguir, facilitar el reconocimiento y la recordación de
una empresa u organización de las demás.
Considerando los siguientes signos de identidad como los
pilares:

-Lingüística: El nombre, que es un elemento de designación

verbal y más tarde se convierte en una grafía exclusiva llamada
logotipo.

-Icónica: Es una marca gráfica, el distintivo figurativo que

distingue a la empresa u organización mediante un símbolo.

-Cromática: Se refiere al color que la empresa adopta como

distintivo.

Entonces, en consideración los aspectos mencionados con

anterioridad, se llega a la conclusión de que la identidad visual
son aquellos rasgos y características que percibimos a través
de la observación en un objeto (pudiendo ser una empresa,
organización o persona) y que lo distinguen y diferencian de
otro, aquellas características capaces de captar y contener su
esencia.

19
1.1.2 Historia de la identidad visual
Como se plantea desde la definición de los conceptos del
apartado anterior, la identidad visual surge desde la concepción
de una imagen mental, la distinción de los rasgos y características
del objeto observado son las que determinan la construcción
de la imagen representativa de este, para después del proceso
mental, poder pasarse al papel, en donde la identidad visual se
vuelve una representación gráfica tangible.

Históricamente, la identidad visual ha estado presente en la

vida del ser humano desde que este cobró consciencia de su
naturaleza social.

La necesidad del sentido de pertenencia, de identificación

y diferenciación que en un lenguaje primitivo solo podían
ser transmitidos a través de la imagen, dieron vida y fueron
formando las bases de lo que ahora es un estudio complejo
con su propia metodología y estrategia de comunicación, capaz
de transmitir los atributos y cualidades de aquello que se está
representando y plasmar su esencia de manera gráfica para
lograr que el receptor lo entienda y sepa a que se está haciendo
referencia sin la necesidad de explicaciones y palabras.

La identidad visual es, como se plantea con anterioridad, un

sistema comunicativo que se expresa a través de la visualidad,
por lo tanto es un código, un lenguaje que en lugar de palabras,
utiliza signos y símbolos permitiendo al emisor sintetizar sus
ideas en unos cuantos trazos, y dándole la posibilidad de
adaptar la construcción visual a la complejidad del mensaje.
Habiendo planteado el punto anterior, es conveniente rescatar
los siguientes conceptos que marcan el inicio de la comunicación
gráfica y por ende de la identidad visual.

20
Desde los inicios de la humanidad, la comunicación ha sido una
necesidad básica, y a fin de simplificar la tarea, el ser humano
ha llegado a convenciones específicas, dotando de significado
sonidos, imágenes e incluso expresiones corporales, surgiendo
así el lenguaje.
Existen distintas formas del lenguaje, cada una con su propio
sistema y convención de signos dependiendo del contexto en el
que se desarrolle, para efectos prácticos de esta investigación
se hace enfoque en uno de los sistemas de comunicación más
universales, el lenguaje visual.

El lenguaje: “Ellenguaje se ha definido como un conjunto de

expresiones simbólicas, un sistema organizado de signos, un
producto cultural que proporciona un código para la traducción
del pensamiento.
Así, el lenguaje es la condición de la cultura que contribuye a
crearla y permite que se pueda establecer una comunicación
entre todos los hombres, un método exclusivamente humano
de comunicar ideas, emociones y deseos por medio de un
sistema de símbolos.

El lenguaje es cultural, es una convención que hay que

aprender. Lo mismo que una lengua se aprende en una
comunidad lingüística, la lectura de las imágenes se aprende
en el contexto de una cultura. Hay una relación de intercambio
recíproco entre el lenguaje literario y el lenguaje artístico con la
cultura.” (Tamayo, 2002, s.p)

El lenguaje visual se ha hecho presente en la vida del hombre

desde la prehistoria, cuando aún no existía un código complejo
como el lenguaje oral o escrito, la mejor manera de comunicarse
era a través de lo visual, claro que tambien representaba un
reto comunicativo para logar que el código fuera interpretado
correctamente.

21
En el lenguaje visual, la interpretacion de imágenes siempre ha estado sujeta a
la percepcion de quien mira, pero en la disciplina del diseño gráfico, a diferencia
del arte, en donde la imagen puede ser dotada de distintos significados, se busca
la mayor objetividad posible para evitar la polisemia del mensaje, como en la
identidad visual en donde se busca rescatar carcateristicas especificas de lo que
se está representando con la finalidad de que sea entendido sin la necesidad de
usar otro lenguaje a parte del visual, como afirma (Conesa, 1998. pág. 171) “Al
usar un lenguaje icónico activamos, además, una serie de conocimientos que las
palabras evocan y no necesitan hacer explícitos”

El signo: Una de las palabras más frecuentadas en la disciplina del diseño gráfico,
objeto de estudio de muchas otras disciplinas e importantes filósofos como
Charles Peirce, considerado padre de la semiótica moderna, Peirce lo define de
la siguiente manera: “Un signo o representamen es una cosa que está en lugar
de otra para alguien, por algo en algún aspecto o disposición”. (Magariños, 1983,
pág.81)
Haciendo uso del siguiente esquema para explicarse.

Fig. 2 (Magariños, 1983, pag.81)

22
Así mismo, Peirce menciona que el signo se conforma de las siguientes
partes:
- Significante: Todo lo perceptible a través de los sentidos, como el color, la
forma,
textura, tamaño, Etc.
- Significado: El sentido que se le otorga al significante
- Referente: El sujeto en el contexto
Y lo acomoda de manera tríadica, dividiendo a su vez las partes del signo
para después clasificarlas como tipos de signos :

(Magariños, 1983, pag.86)

23
Haciendo especial énfasis en las clasificaciones del referente,
consideradas como los tipos más comunes de signos.

-ÍCONO: “Un icono es un Representamen cuya Cualidad

Representativa es una Primeridad de él como un Primero.
Esto es, una cualidad que tiene y hace que se adecue a ser un
representamen.
De este modo, cualquier cosa es adecuada para ser un Sustituto
de algo a lo que se parece.” (Peirce, 1903, pág. 46)
Es decir, un ícono es la representación abstraída de un objeto
por niveles de abstracción.

-SÍMBOLO: Es una representación profunda abstracta, “Un

Símbolo es una ley o regularidad del futuro indefinido. Su
Interpretante debe ser de la misma descripción, y así debe ser
también el Objeto inmediato completo, o significado. Pero una
ley gobierna necesariamente, o “es encarnada en”, individuos,
y prescribe algunas de sus cualidades.

En consecuencia, un constituyente de un Símbolo puede ser un

Índice, y un constituyente puede ser un Icono.
Un hombre que camina con un niño levanta su brazo en el aire
y dice, “allí hay un globo”. El brazo que señala es una parte
esencial del símbolo, sin la cual éste no transmitiría ninguna
información. Pero si el niño pregunta, “¿qué es un globo?”, y
el hombre responde, “es algo parecido a una gran pompa de
jabón”, convierte a la imagen en una parte del símbolo.
De este modo, mientras que el objeto completo de un símbolo,
es decir, su significado, es de la naturaleza de una ley, debe
denotar algo individual y debe significar un carácter.” (Peirce,
1903, pág.55)

24
“Cada símbolo es, en su origen, o bien una imagen de la idea
significada, o bien una reminiscencia de algún acontecimiento,
persona o cosa individua- les, relacionados con su significado,
o bien una metáfora.” (Peirce, 1900, pág. 16)

-ÍNDICE: Un Índice o Sema es un Representamen cuyo carácter

Representativo consiste en que es un segundo individual. Si la
Segundidad es una relación existencial, el Índice es genuino. Si
la Segundidad es una referencia, el Índice es degenerado. Un
Índice genuino y su Objeto deben ser individuos existentes (ya
sean cosas o hechos), y su Interpretante inmediato debe ser del
mismo carácter.

Pero, ya que todo individuo debe tener caracteres, se sigue

que un Índice genuino puede contener una Primeridad, y de
este modo un Icono, como una parte constituyente de él. Todo
individuo es un Índice degenerado de sus propios caracteres.
(Peirce, 1903)

En otras palabras y de manera sintética, un índice, como su

nombre lo dice, indica algo, como por ejemplo el humo indica
que hay fuego.

Haciendo un análisis de la teoría de Peirce y en resumen, un

signo es una imagen, una representación de una cosa a través
de la construcción mental del otra, pero de acuerdo con Peirce,
esta imagen solo puede ser entendida cuando el sujeto que la
interpreta está inmerso y entiende el contexto. Los significantes
a los que Peirce hace mención son los que generan identidad
y crean el vinculo aprehensivo con el sujeto que recibe el
mensaje.

25
Es por eso que los mensajes visuales permean mejor en la
mente de quien los percibe, las características visuales de los
significantes (en especial cuando son concretas y exactas), son
más fáciles de recordar que un mensaje transmitido en cualquier
otro lenguaje, el código visual es un pilar de la comunicación
humana.

Para comprender mejor su postura, es conveniente plantear un

ejemplo. En una cultura occidental (referente), se observa a una
persona vestida totalmente de negro y llorando (significante), y
por ende se conjetura que está de luto (significado).

Para comprender mejor su postura, es conveniente analizar un

ejemplo: Un sujeto ajeno al contexto de la cultura occidental
(referente), observa a una persona vestida totalmente de negro
y llorando (significante), y por ende conjetura que pudiera
estar de luto (significado). Mientras que según el artículo “¿El
negro es el único color del luto?” publicado en la revista “Muy
Interesante Historia”, en países asiáticos como China, India
y Japón, el color que representa el luto es el blanco por ser
asociado con la palidez de la muerte.
Con este ejemplo se plantea la relevancia de tomar en
consideración el referente en el estudio del signo, pues el
contexto alrededor del mismo puede cambiar totalmente el
resultado de la interpretación.

Un ejemplo más adecuado al caso de estudio, la mano cornuda

o Maloik. Un signo símbolo (por ser una representación profunda
y abstracta de un intangible) muy utilizado dentro de la escena
del rock, identificando al genero con una simple imagen de una
mano doblando los dedos de en medio.

En la antigua Italia, esta seña se utilizaba con la creencia de

espantar la mala suerte y atraer buenas vibras, fue introducida
por Ronnie James Dio en el rock, ya que su abuela (nacionalidad

26
italiana) solía curarle el mal del ojo con el símbolo de los cuernos o mano cornuda, y posteriormente
el cantante hacia el “maloik” a su público durante sus conciertos, los fans lo adoptaron y con el
paso del tiempo se volvió un símbolo del rock y en la mayoría, si no es que en todos los conciertos
pertenecientes al genero el símbolo es utilizado como un generador de identidad.

Pero para quienes no tienen el referente de la cultura de la música rock, o no están en contexto
con los orígenes del símbolo, este puede representar algo negativo, como desde el contexto
religioso, que asocian la mano cornuda con seres malévolos, todo depende del referente.

Fig 1: Ronnie James Dio haciendo la

señal de maloik a su público durante
un concierto.
Fuente: [Link]
Año: 2016

27
Para que la construcción de una imagen sea capaz de generar identidad visual,
deben considerarse todas las partes del signo en su estructura, sin dejar de
lado el contexto del referente como lo plantean autores como Saussure, quien
genera una diada del signo únicamente con significante y significado.

Desde la perspectiva de la identidad visual y la comunicación gráfica, es claro

que no se puede diseñar sin tener en consideración los componentes de la
imagen y el signo, si se incurre en el error de ignorar alguna de estas partes,
en especial el referente, entonces el diseño no cumplirá con su función y el
mensaje que se busca transmitir no llegará con éxito al receptor, pues este no
será capaz de entenderlo o lo dotará de un significado erróneo.

Cabe mencionar en este apartado aquellos signos que Costa (1993) considera
son generadores de identidad visual, en este caso enfocándose en una marca.
Estos son: el logotipo, el símbolo y la gama cromática, los cuales coloca en una
escala de significación de la siguiente manera:

Costa, 1993, pag.43)

Haciendo notorio que los símbolos por si solos no son capaces de comunicar el
mensaje completo, se necesita de una estructura y composición visual estratégica,
de un conjunto de signos que en conjunto construyan la identidad visual.

28
1.1.3 CRITERIOS de la identidad visual
La identidad visual tiene una serie de criterios y labores
especificas para poder cumplir con el mensaje que desea
transmitir, ya sea que se esté desarrollando la identidad para
una organización o una persona, la identidad visual tiene
muchas vertientes.

Para el desarrollo de este apartado se abordará el tema desde

la perspectiva de la identidad de marca o identidad corporativa,
que finalmente desde el diseño gráfico son parte de la identidad
visual, pues se valen del lenguaje de los signos visuales que ya
se mencionaron con anterioridad.

Atendiendo al análisis de identidad de marca, se entiende que

el objetivo de la misma es vender, lograr que el consumidor
aprehenda la marca y encuentre se identifique con los valores
distintivos de la misma, Alina Wheeler (2013) puntualiza una
serie de criterios que son indispensables a considerar en el
proceso de desarrollo de un sistema de identidad de marca.

Define la identidad de marca como “aquel tangible que apela

a los sentidos, puedes verla, sentirla, escucharla e incluso
llevarla puesta, la identidad refuerza el reconocimiento y la
diferenciación de la marca, ver es creer, el diseño es esencial
en el proceso de creación de una marca, pues hace tangibles
las emociones y la esencia de la marca” (Wheeler, 2013, pág. 4)

“La marca transmite un mensaje que siempre debe conservar

como mantra, las mejores marcas hablan con voz distintiva, la
marca debe proyectar el mismo mensaje unificado, debe ser
memorable, identificable y centrado en el consumidor, esta es
la personalidad de la marca” (Wheeler, 2013, pág. 27)

29
Los criterios que Wheeler (2013) menciona deben tenerse en
cuenta en la creación de un sistema de identidad se pueden
resumir en las siguientes preguntas:

¿Quién eres?, ¿Quién necesita saberlo?, ¿Cómo van a

saberlo?, y ¿Por qué debería importarles?

Dar respuesta a estas preguntas completa la primera fase del

diseño de la identidad, si no se tienen claras desde un principio,
en especial la de autodefinición, la identidad no quedará solida
y lo más probable es que fracase, son parte del mensaje –
mantra que la identidad debe repetirse una y otra vez.

Así mismo es importante también hacer mención de los criterios

de funcionalidad de la marca, siendo sus funciones primarias
definidas por Wheeler (2013) de la siguiente manera:

-Reafirmación: “Comunica las mejores cualidades de la

marca y le recuerda al cliente que hizo la mejor elección”

-Compromiso / enganche: A través del lenguaje visual

genera que los consumidores se identifiquen con la marca.

A fin de satisfacer los criterios mencionados anteriormente,

es necesario abordar la estrategia de identidad desde dos
principales vertientes; el concepto y la imagen. Un buen diseño
de identidad no empieza desde los bocetos, sino desde una
idea cuidadosamente planteada.
En este entendido, el concepto tiene que ser totalmente claro y
bien definido, debe ser capaz de definir la marca y sus atributos,
así mismo la gráfica ha de representar de manera concisa a
través de herramientas visuales el mensaje de la marca, a
manera de que resulte atractivo para el consumidor.
Ambas vertientes son de igual relevancia en el desarrollo de la
identidad, si se le da prioridad a una sobre la otra, entonces la
estrategia de comunicación no será exitosa.

30
Por otro lado, la postura de Joan Costa (1993), es más amplia y atiende criterios
que no solo hacen referencia a la identidad como marca, sino que son aplicables
a la identidad visual en general.

Criterios según Costa:

-Etimológico: “Denota el origen de una cosa y se convierte en una característica que

diferencia un objeto de otro, asocia la marca a un propietario, al ser un distintivo
de propiedad, esta abarca por igual lo que el propietario es, hace y posee”. (Costa,
1993, pág. 31) Ayuda a la marca a salir del anonimato en un competitivo y saturado
sistema de comercialización que había estado indiferenciado hasta la revolución
industrial, en el que al mejor recurso para generar identidad y diferenciación es el
lenguaje visual.

-Conceptual: Este criterio construye las bases de la formación de la identidad visual,

se conjuntan el lenguaje visual y verbal / escrito, generando un metalenguaje,
ambos se vuelven correlaciónales, uno no funciona sin el otro, juntos crean
significación.

A partir de este nivel se pueden observar aspectos básicos de la identidad visual,

que Costa asegura se compone de: logotipo, símbolo y gama cromática.
El concepto de símbolo ya fue abordado en apartados anteriores, y el de gama
cromática no tiene más complicación que entender que es la gama de colores que
identifican al objeto. Por otra parte, la definición de logotipo no ha sido abordada
hasta el momento y es un poco más compleja;

-Según la filosofía: Del griego <<palabra>> o <<discurso>>. “En el estoicismo,

logos es el orden divino, mientras que en el neoplatonismo son las fuerzas
reguladoras intangibles que se presentan en el mundo sensible.”
Ambos conceptos hacen referencia a Dios, a la divinidad y lo sublime, a una parte
intelectual del alma. (Audi, 2004, pag. 632)

31
Puede que a simple vista esta perspectiva del concepto no tenga mucha relación
con la identidad visual, pero si se analiza más a fondo se pueden encontrar
similitudes y deducciones como la siguiente:

El ser divino en la identidad visual sería el fundamento, aquella esencia que se

está representando, el mensaje y la personalidad que como menciona Wheeler
(2013), se debe conservar en todo momento y alrededor del cual gira toda la
estrategia de identidad, de la misma manera que las leyes del hombre giran en
torno a las de Dios tal como dice Heráclito.

Por lo tanto en esta esencial parte de la identidad visual debe concentrarse el

poder y fuerza de la misma, debe ser capaz de reflejar el mensaje adecuado.

Desde la perspectiva de la mercadotecnia acotando a Serraf (2000), el logo es

una forma gráfica reconocida que representa un concepto a través de líneas y
colores, es un signo visual que identifica a la marca y resume su imagen, un
trabajo gráfico directamente ligado al contexto cultural.

Desde esta perspectiva es notorio que la postura de Serraf (2000) en la

mercadotecnia, a diferencia de Costa (1993), únicamente percibe esta parte de la
identidad desde lo visual, destacando los significantes y aquello que es tangible
o perceptible a los sentidos, ignorando que detrás de esa concepción grafica a la
que define como una forma compuesta por colores y líneas, existe un fundamento,
conceptualización y discurso que direccionarán el mensaje que la identidad debe
transmitir.
Por lo tanto, la perspectiva más adecuada sería la de Costa, que puntualiza la
importante correlación entre concepto y visualidad.

Cabe también puntualizar el concepto de marca, que se ha hecho presente en

este apartado de la investigación y está directamente relacionado con la identidad
visual.

32
La marca es un signo distintivo que caracteriza y distingue un bien o servicio en
el mercado de los demás, la marca evoca y resume cualidades precisas, inspira
confianza y se extiende como garantía, las cualidades que debe tener una marca
y están directamente encomendadas a la identidad visual son:

-Perceptibilidad: Debe ser visible, con alto poder estético

-Homogeneidad: Transmitir siempre el mismo mensaje, ser constante

-Distinción: Poseer originalidad y ventaja sobre otras marcas.

-Evocación: Reforzar la percepción de las características que se desea promover

-Personalidad: Poseer signos propios que creen un símbolo vivo

-Memorización: Debe permear en la memoria del público, fácil de recordar y debe

evitar la polisemia.

-Valor de asociación: Entrar con facilidad en una estratégia con otras imágenes
desarrolladas por la firma.

(Serraf, 2000)

-Formal / morfológico: Costa menciona en este criterio que la marca es un

supersigno, o sea la combinación simultanea de tres modos distintos de expresión,
y para entenderlo hay que dividirlo en partes, el modo semántico (lo que dice),
estético (cómo lo dice) y psicológico (lo que evoca).
La identidad visual debe hacer uso de distintas estrategias para que cada una de
las partes del supersigno esté en armonía.

-Creativo: La marca surge de una idea en específico, esta idea evoca o sugiere
cosas concretas, reales o fantasiosas, provoca o sugiere valores funcionales o
psicológicos, provoca o pretende provocar un efecto en el receptor, es expresable
en una o varias palabras, es visualizable. Todos estos elementos están presentes
en la esencia de la marca y por lo tanto de la identidad.

33
-Estratégico:Es la organización de la marca, como se
mencionaba anteriormente, la estrategia que sigue para
mantener siempre el mismo mensaje en cada uno de los
elementos que la conforman.

-Económico: No hay mucho que explicar en este punto, es el

valor añadido de la marca, su capitalización y monetización.

-Legal: En el ámbito legal, la marca puede ser entendida

como la conjunción de signos perceptibles por los sentidos
(generalmente signos visuales), que son capaces de distinguir
o diferenciar un producto o servicio de otro similar o de la misma
especie en el mercado.

-Funcional: La identidad visual al igual que cumplir con una

función estética debe cumplir con las siguientes funciones
básicas: hacer conocer, reconocer y recordar a la empresa, a
la marca y a los productos o servicios que esta misma ofrece.

-Sociológico: La marca es un elemento público socializado, la

identidad visual debe adaptarse al contexto para que el mensaje
sea comprendido.

34
1.1.4 identidad visual Y música
Para abordar este apartado, y tratar de concebir la relación
entre identidad visual y música, es preciso estudiar el origen
de esta relación desde la generalidad de la misma; sonido e
imagen.

La imagen, como ya se abordó en apartados anteriores, es una

concepción mental a través de la cual se percibe la realidad, una
parte de la comunicación humana en donde los significantes
(los estímulos del exterior), cobran significado. Entendemos de
manera instintiva que un sonido siempre es emitido por alguien o
algo, y es ahí cuando se forma la imagen de manera automática,
ese algo o alguien tiene una forma, alguna característica física
que lo distingue más allá de lo sonoro, se liga entonces un
sonido preciso a una forma en particular.

Es por esto que no puede separarse el sonido de la imagen, al

ser el sonido un estimulo percibido, automáticamente se forma
una imagen mental para quien haya sido el receptor.

“En la imagen lo visual y lo sonoro reparten mutuamente sus

valencias, se comunican sus acentos. A la voz no le falta más
que el rostro. La imagen hace resonar en ella una sonoridad
del mutismo (la cual, cuando es música, hace por su parte
refractarse en ella una visualidad de lo invisible). ” (Nancy,
2006, pág 9)

En la música pasa lo mismo, sonido e imagen siempre han

estado acompañados, la relación entre ambos es inevitable y
objeto de estudio de pensadores como Nietzche y Shopenhauer.

35
Este ultimo encuentra en su libro “Metafísica de lo bello y estética” la unión entre
sonido e imagen de la siguiente manera:

“Podría admitirse, aun que un espíritu puramente musical quizá no lo necesite,

que el lenguaje de los sonidos, aun que se basta a si mismo y no necesita de
ninguna ayuda, debe ir acompañado de palabras y aún de una acción plástica,
para que nuestro intelecto intuitivo y reflexivo, que no puede estar ocioso nunca,
se ocupe de una manera análoga, de modo que no se despide de la música su
atención y que los sonidos dicen a nuestro sentimiento vaya acompañado de una
imagen intuitiva, que sea como un esquema, o como un ejemplo que se pone a un
concepto general: y esto reforzará el efecto de la música.” (Schopenhauer, 2009,
pág. 445)

Siguiendo la reflexión de Schopenhauer, podemos entender entonces que a pesar

de que la música por si misma comunique y transmita un mensaje, la unión entre
sonido e imagen es inevitable, además de que la imagen sirve como apoyo en el
proceso comunicativo de la música y le ayuda a reforzar su mensaje y plasmar su
concepto y belleza de manera visual.

Nietzsche profundiza más en una perspectiva filosófica sobre música e imagen,

validando la postura de Schopenhauer en la que plantea que la imagen refuerza
y complementa el mensaje que la música transmite.

El campo entero de los sonidos consonantes y vocales debe ser incluido bajo
la simbólica del gesto – las consonantes y las vocales, sin el tono fundamental
necesario no son más que posiciones del órgano del lenguaje, en suma, gestos;
en el momento en que oímos la palabra que brota de los labios del hombre, nos
imaginamos la raíz de esta palabra. Este fenómeno alcanza en el desarrollo de la
música una expresión simbólica cada vez más adecuada, y paralelamente a este
proceso histórico se desarrolla el esfuerzo de la lírica para expresar la música en
imágenes: doble fenómeno, que se da también en el lenguaje.

La música puede crear imágenes que luego serán meros esquemas, ¿Pero
como podría la imagen, la representación engendrar imágenes ?, A parte de la
cuestión de que esta estuviera en estado de engendrar el concepto o idea poética.
(Nietzsche, 1871, pág.3)

36
Con la postura que Nietzsche defiende, se puede llegar entonces a la conclusión
de que siempre surge primero el sonido y después la imagen, no puede ser a la
inversa, pues se parte del concepto y la poética de la música para engendrar una
imagen.

Sin embargo, en este punto se encuentra discrepancia con Nietzsche, pues ¿no
es aquel que produce el sonido, una imagen misma?, por ejemplo, en una tarde
lluviosa se avista caer un rayo y segundos después llega el sonido, entonces en
este caso sería a la inversa, la imagen va primero que el sonido.

Al observar a un músico prepararse antes de comenzar a tocar su instrumento, se

forma una imagen del mismo y posteriormente viene el sonido, la imagen comien-
za a formar ahora una representación sonora.
Quizá entonces la postura de Nietzsche no pueda ser universal, o quizá entonces
se dirija más hacia el concepto de la música, en donde concuerdo en que primero
surge la idea poética, posteriormente la música y después la imagen como re-
curso complementario para plasmar esa esencia poética que contiene la música.

En cuanto a la identidad visual:

En un sistema estratégico de comunicación en el que se busca transmitir siem-
pre un mismo mensaje, aplica perfectamente la postura de Nietzsche, siempre
surge primero la música, desde que se engendra la concepción musical nace un
concepto, el artista generalmente se rige siempre por un mismo estilo, utiliza la
música como medio de expresión, genera un mensaje y lo transmite a través de
una melodía. Entonces, entra el papel de la imagen, desde la identidad visual se
generan estrategias para que cada uno de los medios de comunicación del músi-
co transmitan el mismo mensaje y reflejen su concepto, desde su aspecto físico,
que es por excelencia la primera imagen formada en la mente del receptor, hasta
cada uno de los productos que podemos observar hoy en día y que se abordaran
en el apartado siguiente.

37
1.1.5 Productos de la identidad visual en
la industria musical
De acuerdo a lo que se ha abordado sobre la identidad visual,
se entiende que esta es una estrategia de comunicación visual
que busca transmitir siempre el mismo mensaje o valores en
cada medio, esto también ocurre en la industria musical, en un
mundo tan globalizado y un sistema económico capitalista, los
músicos se transforman en marcas, que también cuentan con
un sistema de comunicación estructurado y se apoyan de re-
cursos gráficos para complementar y reforzar el mensaje que
transmiten con su sonido.

-Signos distintivos:

Cuando la música comienza a comercializarse se vuelve una

marca, con un púbico especifico y distintas “estrategias de
venta”, y toda marca necesita de un signo distintivo que por el
cual la identifiquen.

`Durante la década de los 60´s la escena musical del rock

“explotó”, surgió una gran cantidad de exponentes, la
mayoría en conjuntos musicales o bandas, y se dieron cuenta
que ante un mundo globalizado y la competencia de sus
contemporáneos necesitaban algo más allá de su sonido que
pudiera caracterizarlos y diferenciarlos de los demás, aquí
surgen los signos distintivos, los logotipos, diseños que se han
convertido en emblemas e iconos de la cultura musical, siendo
de los primeros por ejemplo The Beatles,The Rolling Stones,
The Who y Led Zeppelin.

38
Retomando uno de los primeros logos en surgir, se plantea como ejemplo el caso de los Rolling
Stones, su icónico logo fue creado por el diseñador ingés John Pasche (quien se ha desarrollado
de manera profesional ampliamente en el mundo de la música), siendo aun estudiante tuvo la
oportunidad de diseñar un cartel para la banda cuando esta estaba en sus inicios, al vocalista
Mick Jagger le gustó su trabajo y en 1971 le pidió que hiciera el diseño de lo que se convertiría
en uno de los logotipos más famosos de la música rock.

Basandose en la diosa hindú de la destrucción, Kali, que en muchas ocasiones se la representa

sacando la lengua nacieron los sugerente labios de The Rolling Stones.

Fig 2. Diosa Hindú Kali. Fig 3. Logo clásico de

Fuente: [Link] “The Rolling Stones”
Año: 2017 Fuente: [Link]
Año: 2012

39
- Portadas:
De la necesidad de darle un rostro al sonido, y con la finalidad
de generar una estrategia de comunicación que asegurara el
incremento en la venta de los álbumes del momento, surge en
la primera mitad del siglo XX, uno de los recursos visuales con
mayor peso y reconocimiento en la industria de la música, la
portada de álbum. Un espacio de formato cuadrado que con
el paso de los años y con el trabajo de grandes diseñadores
y artistas, daría lugar a icónicas piezas gráficas de gran valor
cultural, uniendo las disciplinas de las artes gráficas y la música.

“Como contexto histórico general, es importante señalar que las

grabaciones comerciales producidas en las primeras décadas
del siglo XX no incluían una portada decorada ya que la idea
prevalente de aquel entonces es que lo único que vendía era la
propia música.

Los primeros experimentos realizados por Alex Steinweiss

para Columbia Records generaron un aumento signicativo en
las ventas de discos en 1939-1940 y una década después la
mayoría de registros sonoros mostraban una carátula, pues
las discográ cas se dieron cuenta de la existencia de una
correlación entre las ventas de discos de 33 rpm y 45 rpm y
las portadas con una ilustración llamativa. Desde entonces, la
representación visual se convirtió en un elemento indispensable
del embalaje que acompaña a una grabación sonora.” (Pérez
Sánchez, 2015)

40
Aproximadamente a los 23 años de edad, Alex Steinweiss realizó su primer trabajo
de diseño con la portada de “Smash Song Hits by Rodgers and Hart” y cambió
la historia del diseño y la música para siempre, dio vida a la primera portada de
album musical, y a partir de ahí tanto disqueras como artistas se dieron cuenta de
la importancia de la imagen en la música y la idea de ilustrar una portada terminó
convirtiendose en una necesidad para cualquier produccion musical que tenga
como fin comercializarse.

Fig 4. portada de “Smash Song Hits by Rodgers and

Hart” hecha por Alex Steinweiss
Fuente: [Link]
Año: 2020

41
Características de la identidad visual en el
género musical del rock

Como se menciona con anterioridad, en el estudio de los signos,

lo que genera identidad es el significante, sus características,
en este caso visuales, son las que diferencian un objeto de otro
y generan un vínculo de identificación con el intérprete.

El género rock tiene distintas características tanto sonoras como

visuales muy marcadas, que lo diferencian completamente de
cualquier otro género musical, en cuanto al sonido, es un género
fuerte y enérgico, voces rasposas y potentes, guitarras rápidas
con distorsión, y una base rítmica veloz y grave, a su vez estas
características sonoras son apreciables también de manera
visual, desde las formas, tipografía y cromática de sus signos
distintivos hasta las características físicas de sus exponentes,
incluso se ha llegado a un estereotipo, en el que la estética del
rock se ha vuelto un paradigma de ropa negra, estoperoles,
cabello largo y alocado, camisetas rotas con estampados de
calaveras, chaquetas de cuero y enormes botas negras con
una actitud rebelde y anárquica.

Así mismo es importante mencionar que imagen y sonido han

ido cambiando juntos a lo largo de los años, y que también
existen diferencias dependiendo del subgénero de rock que se
esté abordando, estos cambios y diferencias son apreciables
desde el origen del rock en la época de los años 50, con una
imagen clásica al estilo de Marlon Brando y James Dean
quienes popularizaron la chamarra de piel, pasando por la
estrafalaria y psicodélica era hippie en los 60 y 70, para más
tarde dar paso a la locura y euforia de la década del 80 y más
tarde el despreocupado estilo del grunge del 90, hasta llegar a
la actualidad.

42
Entre la década del 70 y 80, nace el subgénero objeto de estudio de esta investigación, el Hard
rock, un género caracterizado musicalmente por ritmos rápidos y explosivos, enérgicos riffs, y
ostentosos solos de guitarra, con exponentes como Led Zeppelin, AC/DC, Bon Jovi, Motley Crüe,
Def Lepard y Guns N’ Roses, siendo estos últimos parte de los más característicos, llegando a
las primeras posiciones de las listas de hits de la época, marcando a toda una generación, y
contribuyendo con su música e imagen a la creación del estereotipo mencionado anteriormente
y a la adopción identitaria de su imagen debido a su popularidad.

Fig 5. Guns N’ Roses (1987) Fuente: [Link] Año: 2018

Riff: El termino riff es una jerga musical del anglicismo que aparece aproximadamente en la década de 1920,
usado principalmente por músicos de los géneros rock, blues y jazz, el termino se refiere a una línea melódica
de uno o dos compases generalmente para guitarra.

43
1.1.6 La música rock como generadora de
identidad
Todo genero musical tiene características que lo distingue de
los demás, estas características simbólicas son generadoras
de identidad, el ser humano, es una criatura de carácter social,
busca por naturaleza entablar relaciones con aquellos que lo
rodean y su contexto, así mismo tiene necesidad de pertenencia
e identificación con individuos de características similares,
esto dio pie a que con el paso de los años se fueran formando
distintas “tribus urbanas”.

Y fue precisamente la música rock de donde surge todo, después

de superar los estragos de la segunda guerra mundial. Cuando
Estados Unidos y el mundo habían olvidado la gran depresión
y los problemas económicos, surgió un estilo de vida, que sin
entrar en detalles (pues se abordará un poco de la historia del
género en un capitulo posterior), marcaría generaciones y se
convertiría en parte de la cultura popular desde sus inicios a
finales de la década de los 50 hasta la actualidad.

Taylor ( 2010), afirma que: “La cultura... en su sentido etnográfico,

es ese todo complejo que comprende conocimientos, creencias,
arte, moral, derecho, costumbres y cualesquiera otras
capacidades y hábitos adquiridos por el hombre en tanto que
sea miembro de la sociedad.” (Taylor, 2010, pág.1)

La música entonces forma parte de la cultura del hombre

no únicamente desde lo sonoro, también con su imagen,
costumbres y todas aquellas peculiaridades que se derivan de
esta expresión artística.

44
La estética y estilos del rock han cambiado con el paso de los años. Desde su surgimiento,
prácticamente cada década de la segunda mitad del siglo XX surgía un movimiento nuevo
derivado del rock, iniciando con el peculiar Rock n’ Roll, que nace en la posguerra y da paso a
una era de rebelión a través del estilo y el sonido de esta generación, con Elvis Presley como
personaje más característico de la corriente.

Paytress (2016), afirma: “En Julio de 1953, un camionero adolescente de Memphis, Tenesse,
timido e inadaptado, irrumpió en las oficinas de Sun Records y murmuró “Mi música no se parece
a ninguna otra”. Al cabo de dos años el solitario chico de la calle se había convertido en un
fenómeno internacional, un referente de la embriaguez sónica y la encarnación del rechazo al
compromiso que seis décadas después, sigue definiendo los parámetros externos de la música
rock. Se llamaba Elvis Presley y se convirtió en “el rey del rock” y todo un icono del siglo XX.”
(Paytress, 2016, pág. 22)

Fig 6. Portada del box set de 18 singles Fig 7. The Beatles en Liverpool
de Elvis Presley “The King” (2007) Fuente :[Link]
Fuente: [Link] Año: 2019
Año: 2007

45
Las décadas consecuentes estuvieron caracterizadas por la psicodelia del
movimiento hippie, surgieron nuevas corrientes y sonidos que no se parecían a
nada hecho antes, con aparecen figuras que marcan un antes y después en la
historia de la música como es el caso de The Beatles, el cuarteto de Liverpool
que llegó a ser en palabras del mismo John Lennon, “más populares que Jesús”.

Después de este controversial comentario y principalmente entre las comunidades

más puritanas de los Estados Unidos. Los discos de los Beatles fueron prohibidos
en la radio y quemados públicamente, las conferencias de prensa fueron
canceladas y grupos más radicales hicieron amenazas, el rock ya empezaba a
ganarse connotaciones de rebeldía, anarquía, y ateísmo.

Avanzando un poco más en la línea de tiempo de la historia del rock, a finales de

la década de los 60 nace el Hard Rock, objeto de estudio de esta investigación,
este subgénero del rock marca el inicio de una etapa mas dura, oscura, explosiva
e incluso peligrosa en la música rock.

Paytress (2016) afirma: Los aspectos más duros y más heavies de la psicodelia
se plantearon a finales de los sesenta, y a partir de 1969 el hard rock se empezó
a consolidar como uno de los subgéneros más populares del rock, para despues
transformarse y dar paso al heavy metal como otro de los subgéneros con mayor
influencia en el rock.

Exponentes como Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple como precursores
del genero, optaron por un estilo robusto y agresivo frente a la fantasía de la
psicodelia. Con letras controversiales y estruendoso sonido, el hard rock, fueron
creando un estilo que mas allá de lo sonoro, haciendo surgir una imagen concreta
alrededor de los distintos exponentes.

Con el avance de la década, fueron surgiendo mas exponentes del género, todos
con el mismo estilo pero con características que los hacían diferenciarse unos de
los otros, desde el aspecto meramente musical hasta su producción física.

46
Grupos como Aerosmith, AC/DC, Bon Jovi, GUNS N’ ROSES, Mötley Crüe, Judas Priest y Skid
Row, lideraron la escena del hard rock en la década de los 80, y con ellos y su imagen se consolida
el estereotipo del “rockero”, miles de jóvenes alrededor del mundo adoptan su estética y utilizan
la música e imagen de estos exponentes como factor de identidad propia. Encuentran en la
música rock un medio de expresión en donde alguien más grita en una melodía lo que muchos no
se atreven a decir, brindándole a amplias generaciones el placer de la rebeldía mientras agitan
el cabello y doblan los dedos para hacer el maloik.

Fig 8. Led Zeppelin IV (1971)

Fuente: [Link]
Año: 2016

47
48
Capítulo 2
industria musical del rock

“Este fuego está ardiendo y está fuera de

control. No es un problema que puedas
detener, ¡Es Rock n’ Roll! “
– “Garden of Eden” Guns N’ Roses

49
2.1 Historia y antecedentes del rock
2.1.1 La música:
Antes de abordar las particularidades de este capítulo, como lo sería la definición
de música rock, es necesario comprender o acercarse primero al entendimiento
general de que es la música, un arte complejo capaz de enervar los sentidos y
provocar sensaciones que sobrepasan los limites de lo auditivo. La música es
imposible de encasillarse en un concepto concreto, pues su definición oscila
entre lo filosófico, el razonamiento lógico matemático, lo artístico, lo social, en fin,
distintas posiciones en las que al final de un análisis es posible encontrar ciertas
similitudes que ayudan en el proceso reflexivo de tratar de generar un concepto
propio.

Según Guevara Sanin (2010, pág.5), una definición muy aceptada y concreta
podría resumirse de la siguiente manera: “La música es el arte de combinar
sonidos agradablemente al oído según las leyes que lo rigen”, siendo estas leyes
marcadas por elementos como la melodía, armonía y ritmo, que en una sucesión
lógica de sonidos y silencios logran formar el lenguaje divino llamado música. Así
mismo Guevara Sanin (2010) define al sonido como la sensación producida en el
oído por la puesta en vibración de cuerpos sonoros.

“Como lenguaje divino la música puede expresar en sonidos las emociones que
en cualquier idioma quedan cortas las palabras.” (Guevara Sanin, 2010, pág.4)

Claude Debussy, virtuoso compositor y pianista de finales del siglo XIX y principios
del XX, afirmaba que la música es “Un total de fuerzas dispersas expresadas en
un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su
obra, un medio propagaor y un sistema receptor”

Es decir, la música es un lenguaje universal, que no necesita de palabras para

transmitir su mensaje. Claro que como en otros lenguajes, como el verbal o el
visual, las características y convencionalismos del mismo dependen del contexto,

50
por ejemplo en la música, cada género musical tiene un mensaje diferente que proyectar,
distinguible a través de sus características sonoras e incluso visuales.

Otro ejemplo es tambien como cambia la musica según la cultura de la que provenga, cada
cultura genera su propia música, con connotaciones especificas que les ayudan a generar
identidad colectiva, como por ejemplo la música blues es característica de las comunidades
afroamericanas del sur de Estados Unidos en las primeras décadas del siglo XX, ese genero se
caracteriza por composiciones sonoras “tristes y melancolicas” tal como su nombre lo dice, en
sus letras se aprecia que las canciones hablan sobre el trabajo, la esclavitud, el amor e incluso
algunas oraciones religiosas.
Usado como medio de expresion y a manera de protesta, este género identitario de la poblacion
afro sureña toma fuerza y para la primera mitad del siglo se convierte en referencia, inspiracion
y precursor del género rock. (Massieu, 2017)

Fig 9. BB King, uno de los principales exponentes del género Blues.

Fuente: [Link]
Año: 2018

51
2.1.2 ¿Qué podemos entender por rock ?:
“El rock es un afrodisiaco que huele a rancio, a esa basura no le doy más de 5 años de
vida” – Frank Sinatra

Este ruidoso y adictivo afrodisiaco es un género musical nacido en la posguerra

como símbolo de rebeldía y oposición social, así como medio de expresión y
elemento de identificación popular entre la población joven que sacude la melena
al ritmo de un poderoso riff.

Con características sonoras y visuales muy marcadas (explicadas en un apartado

posterior), se busca una aproximación a la definición del rock.

Una definición o aproximación musical es una fusión de rhythm‘n‘blues con música

folk y country.
Según la RAE, el rock es: m. Género musical de ritmo muy marcado, derivado de
una mezcla de diversos estilos del folclore estadounidense, y popularizado desde
la década de 1950. U. t. c. adj. Música rock. La era rock. m. Cada uno de los
diversos estilos musicales derivados del rock and roll. U. t. c. adj.

“La música rock es el latido del mundo. El sonido nacido en las ciudades modernas
de Estados Unidos ha cruzado fronteras físicas y culturales para convertirse en un
lenguaje universal.

Hoy en día, el rock sigue bebiendo de las fuentes mas diversas y reinventándose,
desde su surgimiento en los años 60 hasta la actualidad, la música rock ha
demostrado su fuerza y adaptación ampliando su público de forma imparable,
el rock se ha hecho un predominante espacio en la cultura popular” (Paytress,
2016)

El rock es un movimiento musical, social y cultural caracterizado por la rebeldía

y agresividad o dureza, voz de generaciones, se ha vuelto parte de la cultura
colectiva desde el siglo XX y promete quedarse muchas décadas más.

52
[Link] Breve historia del género rock
Tras la segunda guerra mundial la sociedad norteamericana seguía dividida por el racismo, la
música de la población blanca comenzaba a parecer aburrida ahora que conocían la calma y
sosiego de la posguerra y la abundancia económica.

Mientras que el pueblo negro trabajaba sin descanso y anhelaba los privilegios de los blancos,
y fue en la música en donde encontraron un medio de escape a sus emociones reprimidas.
Desde principios del siglo XX, principalmente en las comunidades afroamericanas del sur de los
Estados Unidos, el Blues fue voz para aquellas comunidades, expresaba su inconformidad con
los abusos y omisión de derechos.

Pero no fue hasta la segunda mitad del siglo que sus letras tristes y poderosos riffs, así como sus
innovadoras técnicas vocales e instrumentales (como doblar y estirar las cuerdas de la guitarra
en el mástil o utilizar objetos metálicos como los tubos slide o los capos para dar sonidos más
profundos), llamaron la atención del público en general, más allá de las barreras raciales.

Fig 10. Chuck Berry haciendo el icónico “duck walk”

mientras interpretaba Johnny B. Goode, que después
sería imitado por el guitarrista de AC/DC, Angus Young.
Fuente: [Link] Año: 2017

53
“Las discográficas (propiedad de los blancos) eran conscientes que una nueva
música estaba siendo creada por los negros, e intentaron explotarla. Los blancos
tenían el dinero, pero los negros estaban haciendo la música más emocionante.”
(Crespo Terán, 2011, pág.6)

De éste género nacería entonces el rock, las letras van evolucionando “El músico
de blues cantaba acerca de la vida en la plantación, en la cárcel, en la calle, en el
ghetto. Los rockeros negros continuaban esa tradición, excepto que ellos definían
sus historias en un ambiente moderno que se conectaba con las experiencias
de la juventud blanca de los Estados Unidos.”, y la música va volviéndose más
enérgica y menos melancólica, empieza a destacar la guitarra como instrumento
principal y el dominio de la misma se vuelve característico del género rock.

“El hombre que es comúnmente acreditado por inventar el término “rock’n’roll”

es un discjockey blanco de Cleveland, Alan Freed, quien en 1951 empezó un
programa de radio, “Moondog Rock’n’Roll Party”, que transmitía música negra
para una audiencia de adolescentes blancos.” (Crespo Terán, 2011, pág.6)

En menos de la mitad de la década de los años 50, el rock se habia convertido

en un estilo de vida y modelo a seguir de la juventud rebelde, sonaban canciones
clásicas como “Johnny B. Goode” de Chuck Berry, y comenzaban a destacar
personajes como Elvis Presley, poseedor de una talentosa voz que rompió con los
estereotipos raciales de la época, quienes lo escuchaban por primera vez antes
de ver su imagen solian pensar que era un cantante negro.

“Era un intérprete único, sin maestros ni ataduras, su sexualizado alarde de

individualismo dejó la superficie calma de la posguerra expuesta al resplandor
embriagador de la subversión. Y si los guardianes de la fortaleza moral lo
acusaron de depravado, aquello no hizo más que enardecer a los seguidores
adolescentes de Presley, que celebraban sus primeros himnos a la sexualidad
(Hound Dog), el estilo (Blue Suede Shoes) y la soledad perversa (Heartbreak
Hotel) como manifiestos de una forma de vida radicalmente distinta.” (Paytress,
2016, pág. 22)

54
Después del nacimiento del rock, cada
década posterior del siglo XX estuvo
marcada por nuevos estílos y subgéneros,
siempre conservando las características
distinguibles del rock.
La década de los años 60 estuvo maracada
por importantes cambios y movimientos
sociales y culturales, esta vez la psicodelia
y el amor y paz se apoderan del sonido
de la época con exponentes como The
Beatles, Jimi Hendrix, Cream, The Rolling
Stones, Janis Joplin, The Doors y Bob
Fig 11. Elvis Presley, “El Rey”, pionero de la música rock,
Dylan, quienes sirvieron como himnos al Fuente: [Link] Año: 2022
movimiento hippie.

Fig 12. Poster de concierto de Jimi Hendrix en Amsterdam Fig13. Poster del festival de música de Woodstock en 1969
Fuente: [Link] Año: 1969 Fuente: [Link] Año: 2019

55
Ya en los 70, aún seguían presentes restos de la psicodelia de los años 60, el mundo seguía
atravesando gran cantidad de cambios socioculturales, y esta vez, volvía a enfrentar una crisis
social y humanitaria con la dolorosa guerra de Vietnam, una vez más, el amor y paz era el
estandarte que se erguía entre los movimientos sociales como los hippies, y por supuesto, en la
música, la escena musical del rock de la década de los 70 está liderada por exponentes como:
Led Zeppelin, John Lennon, Paul McCartney, Black Sabbath, Deep Purple, David Bowie, Queen,
The Ramones, Sex Pistols, AC/DC, Pink Floyd, Kiss y los Bee Gees.

Paytress (2016) comenta: “No empezó bien. La desaparición de los Beatles en marzo de 1970,
seguida de la muerte de tres grandes iconos de la contracultura – Jimi Hendrix, Janis Joplin y
Jim Morrison – fue un golpe para el papel del rock como actor clave en toda revolución social
de gran alcance. Pero su poder como fuerza económica seguía creciendo, con las actuaciones
desplazándose de las salas de concierto a los grandes estadios, y las ventas de los álbumes por
las nubes. A demás se empezó a tomar más en serio, y el rock progresivo dominó los primeros
años de la década: álbumes conceptuales, avances técnicos, mayor preocupación por la calidad
musical y conciertos cada vez más elaborados.” (Paytress, 2016, pág. 116)

Fig 14. Angus Young, guitarrista de AC/DC

haciendo el “Duck walk”
Fuente: [Link]
Año: 2015

56
Cabe hacer un paréntesis en esta década para mencionar que es en esta parte de la línea
del tiempo del rock, en donde surge el género particular de la banda caso de estudio de esta
investigación, Guns N’ Roses. El Hard Rock, una variante más dura de la psicodelia de la década
anterior, nace a manos de la virtuosa banda Led Zeppelin, sus cuatro integrantes pasaron a la
historia como padres del Hard Rock y pioneros del Heavy Metal.

La banda es formada por uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, Jimmy Page,
quien tenia orígenes en la banda de The Yardbirds a la que se había unido en 1966, que para
finales de 1968 ya se había convertido en Led Zeppelin.

Paytress (2016), afirma sobre Zeppelin: “Un dinámico grupo de rock que combinaba el blues duro
de Page con el blues blanco del vocalista Robert Plant y la sala de máquinas más potente del
sector, entre los álbumes de 1969 y 1971, marcaron una era, el grupo desterró toda psicodelia
residual y creó un gigante del rock and roll que combina virtuosismo instrumental con una dura
accesibilidad cargada de riffs.” (Paytress, 2016, pág. 124)

Fig 15. Led Zeppelin en concierto (de izquierda a derecha:

Robert Plant, John Paul Jones y Jimmy Page)
Fuente: [Link] Año: 2021

57
Ya sin rastros de la psicodelia característica de las décadas del 60 y 70, llegan con fuerza los
explosivos años 80, esta década también es importante en la línea del tiempo de esta investigación,
pues es aquí se da la formación de la banda Guns N’ Roses.

El avance tecnológico para esta época era brutalmente veloz y se reflejaba en los sonidos que
marcaban la década, los sintetizadores dominaban la escena musical.

Para este punto de la historia, el rock ya se había convertido en cultura de masas, capaz de movilizar
a descomunales cantidades de personas y convertirse en la voz de generaciones enteras, y para
confirmarlo y recordarnos su gloria, estaban eventos como el famosísimo concierto Live Aid en
1985, que utilizó el poder de convocatoria de la música para contribuir a una noble causa que era
ayudar a combatir la hambruna en África, el conciertó fue el 13 de Julio de 1985 simultáneamente
en el estadio de Wembley en Londres y el JFK en Filadelfia, tuvo duración de 16 hrs, reunió a
69 artistas, se transmitió en directo y tuvo una audiencia mundial de aproximadamente 1500
millones de personas, recaudando 140 millones de dólares. Sin duda una prueba contundente de
que la música puede unir y mover a las masas.

Fig 16. Fotografía tomada en el estadio Wembley, en ella se aprecian varios de los exponentes
del concierto Live Aid y su organizador, Bob Geldof (a la derecha, camisa de mezclilla)

Fuente:[Link] Año: 2018

58
El año de 1987 es una fecha importante para esta década y la
presente investigación, pues es cuando Guns’ N Roses salta a
la fama con su álbum debut Appetite for destruction, sin duda,
los años 80 fueron decisivos en su carrera musical, definieron
su estilo y marcaron a toda una generación de jóvenes rebeldes
con su explosivo Hard Rock inspirado en los gigantes como Led
Zeppelin y Aerosmith.

El revitalizante rock de los Guns y otros exponentes como Bon

Jovi, AC/DC y Deff Lepard, hacía contrapeso al éxito del pop
del momento liderado por Michael Jackson y Madona en un
punto de la historia en el que la música estaba controlada por
los sintetizadores.
Es importante destacar también que esta década fue el auge
de los videos musicales con la llegada de MTV Music Television
en 1981.

Los años 90 fueron toda una revolución en el rock, se creó

un nuevo género que cambió los peinados alocados y llenos
de fijador por un estilo más despreocupado y desaliñado, el
grunge, y lo mismo pasó con la música, el sonido digital de la
década anterior quedó desterrado y había sido cambiado por un
sonido más crudo, puro y visceral, tal como se puede apreciar
en “Smells Like Teen Spirit” de la imperdible banda Nirvana.

“Fue una década musicalmente intensa, tras los brillos de los

ochenta, dictado tanto por personal técnico de estudio como
por los músicos, los noventa presenciaron un resurgimiento de
la confianza y los artistas tomaron de nuevo las riendas.”
(Paytress, 2016, pág. 252)

Exponentes como: Nirvana, Pearl Jam, Oasis, Radiohead,

Beck y The Verve, se abrían a un nuevo estilo musical en
el rock, ya sea direccionados a la crudeza del grunge o a la
experimentación del rock alternativo.

59
Para esta década Guns N’ Roses ya eran artistas de talla internacional, llenaban estadios y
causaban polémicas en donde sea que se pararan, en 1991 su disco doble “Use Your Ilusion”
ve la luz y los lleva a un éxito no imaginado, pero después de exitosas giras en torno al álbum la
tensión aumenta entre sus integrantes y la primera separación es inminente.

Fig 17. Eddie Vedder , vocalista de Pearl Jam durante el concierto de MTV Unplugged en 1992
Fuente: [Link] Año: 2020

Con el fin de siglo llegan grandes transformaciones tecnológicas que por supuesto influenciaron
la música, nacen nuevos géneros muy alejados, e incluso se llega a creer que el rock guitarrero
de antaño podría desaparecer, pero afortunadamente, exponentes como: The Strokes, The White
Stripes, Coldplay, Muse, Gorillas, The Killers y Arctic Monkeys, llegan a reivindicar la escena
musical del rock, con sonidos innovadores pero rescatando la esencia del sonido del rock.

60
Siguiendo a González Guzmán (2004) “El rock nació como una expresión de vanguardia que, tras
medio siglo de historia, ha generado un sinnúmero de valores, tradiciones y prácticas culturales,
y con ello ha configurado una matriz de singulares identidades socioculturales, lo que a su vez,
le ha valido la definición de contracultura” (González Guzmán, 2004, pág 1)
Y es por lo anterior que el rock nunca dejará de existir, pues no es solo un género musical
definido por enérgicas guitarras y marcados ritmos de batería. Desde su nacimiento, el rock se
ha convertido en un estilo de vida que rompe las barreras geográficas, sociales, demográficas y
culturales.

El público del rock

El rock, ha sido refugio para millones de jóvenes en el mundo, que a través de las décadas se
han consolidado como fans del género, el púbico del rock no tiene una generación definitiva de
seguidores, pues permanece tan vigente hoy en día como en sus inicios, captando público de
todas las edades y contextos culturales.
“La música siempre ha estado más directamente vinculada a la experiencia de crecer. Esto ya
era cierto cuando, a principios de siglo, las primeras modas de la danza inundaron las ciudades
estadounidenses. El jazz, en particular, tenía un enorme atractivo como música de baile para la
generación más joven de ese período. Pero en el caso del jazz, lo que los jóvenes experimentaron
sobre todo fue el deleite de ser ya adultos, de la participación equitativa e independiente en los
placeres adultos, producidos por y para adultos.
En contraste, el rock n’roll fue un producto directo de la fusión de la autoconciencia de los
adolescentes y la música popular, ya que se desarrolló a raíz del descubrimiento de su poder
adquisitivo en el mercado discográfico después de la guerra.” (Wicke, 1987, pág. 34).

Fig 18. Fotografía del público argentino en el concierto de

ACDC en el River Plate, Argentina 2009.
Fuente: [Link] Año: 2012

61
2.2 Subgéneros del rock de fin de siglo
Como se abordó anteriormente en el apartado sobre la historia del rock, el paso de
las décadas desde la segunda mitad del siglo XX trajo consigo distintos generos
derivados del rock, cada uno con características sonoras y visuales distintivas.

A continuación, se presenta un listado con los más populares y destacados

subgéneros del rock de finales del siglo XX, así como los de mayor importancia
para efectos de esta investigación:

-Hard Rock: El gigante del rock, probablemente el subgénero con más influencia en
la producción musical del rock posterior a su aparición en 1970 con los virtuosos
Led Zeppelin, este es el subgénero con mayor relevancia en esta investigación,
pues es en el que se desenvuelve la banda caso de estudio Guns N’ Roses, este
subgénero marca su estilo musical y visual desde sus inicios hasta la actualidad.

Caracterizado por: canciones comúnmente en una tonalidad mayor, con un uso

maestro de las tonalidades menores, uso frecuente de la escala pentatónica como
en su género predecesor el Blues, solos de guitarra protagónicos y complejos y
acelerados ritmos de batería que van desde 100 a 150 golpes por minuto.
El Hard Rock sigue y seguirá sonando por un largo largo tiempo.

-Heavy Metal: Subgénero que nace a la par del Hard Rock, hay quienes le atribuyen
su creación así como la del Hard rock a Led Zeppelin, pero también está la versión
de que fue Black Sabbath quien vio nacer el género al dotar a su música de ese
característico sonio pesado y brumoso de la guitarra de Tony Loomi “Tras un
accidente con una prensa en una fábrica en la que trabajaba, que le costó la
punta de sus dedos corazón y anular de la mano derecha, adaptó unas prótesis
de goma en sus dedos y bajó la afinación de su instrumento, con el fin de que las
cuerdas quedaran menos tensas y, por consiguiente, menos duras al tocar para
evitar el dolor. Como resultado, su afinación en C# dio la tonalidad característica
del heavy metal” (Mclever, 2008)

62
Este subgénero también es relevante en esta investigación, pues en constantes
ocasiones Guns N’ Roses (GNR) es considerada una banda de heavy metal, o al
menos oscilante entre el Hard y el Heavy, cuestión también influyente en su estilo.

- Metal: Después del heavy metal de los setenta con Led Zeppelin, Black Sabbath,
y Deep Purple, en la década de los ochenta, el género del metal florece teniendo
como influencia a los exponentes anteriores, los ochentas, década de importantes
cambios sociales y tecnológicos, ofrece el clima perfecto para el crecimiento de
este genero.

“El metal se despojó de todo vestigio de blues e incorporó un sonido más dinámico
inspirado en el punk, prestando atención a una puesta en escena más propia del
glam rock. Se recortó el nombre de “Heavy metal” por un “metal” más directo, aun
que durante la época el estilo generó un número desconcertante de subgéneros”
(Paytress, 2016)

Paytress destaca como los 5 mejores del metal a:

-Motorhead: Ace of Spades (1980)

-Iron Maiden: The Number of the Beast (1982)

-Def Leppard: Pyromania (1983)

-Bon Jovi: Slippery When Wet (1986)

-Guns N’ Roses: Appetite for Destruction (1987)

-Glam Metal: Si bien la escena musical del metal en la década de los ochentas no
estaba centrada en la imagen y la estética más que en la composición musical,
numerosos de sus exponentes se hicieron destacar por su excesiva y estrambótica
vestimenta e indumentaria. El fenómeno alcanzó popularidad con exponentes
como Bon Jovi, Mötley Crüe, Rat, Kiss y W.A.S.P

63
2.3 La estética del rock
2.3.1 Características sonoras del género rock:

El rock se caracteriza por el empleo de melodías y ritmos

complejos, con una instrumentación bastante fija (básicaente
guitarra eléctrica, bajo eléctrico, teclado y batería) y con un ritmo
enérgico subrayado por la potencia del bajo y la batería, todo
ello a menudo ligado a una actitud antiautoritaria y provocativa;
ha desarrollado multitud de variantes y ha dado paso a nuevos
estilos, como el pop, el punk o el heavy.

2.3.2 El trabajo de diseño en la escena del rock:

Tal como se abordó en el capitulo anterior, en el apartado de

“productos de diseño en la industria musical”, música e imagen
han estado siempre de la mano, el trabajo gráfico siempre ha
sido un apoyo en la producción musical, un recurso que refuerza
el discurso de la música y la vuelve más atractiva más allá del
ámbito sonoro.
El Rock, ha sido uno de los géneros que más ha aportado a la
historia una basta colección de trabajos gráficos de increíble
calidad e importancia en la cultura colectiva, y uno de los trabajos
de diseño más representativos y explotados en el género son
con toda certeza las carátulas de los álbumes.
Por supuesto que existen otros importantes trabajos de diseño
en el ámbito, tal como videos musicales, posters, fotografías y
demás, pero con la finalidad de poner un ejemplo concreto, en
este apartado, la investigación se ciñe al producto específico de
las carátulas de rock.

Calderón (2018) menciona en el artículo de la revista Rolling

Stone “Coalición de artes: cuando lo visual y lo sonoro se
encuentran”: “El éxito de un material discográfico depende de

64
muchos aspectos más allá de la música, uno de ellos es la portada, su diseño puede llegar a
tener tal popularidad que su impacto se mantienen en la memoria colectiva a través de los años.
Debido a la relevancia de las portadas de los LPs, el artista gráfico debe rescatar la esencia de
un músico para plasmarla en una carátula. Es así como ambos se unen para crear un diseño que
resulta irrepetible y memorable.” (Calderón, 2018, s.p)

En este artículo de la revista digital Rolling Stone Latinoamérica se presenta una breve recopilación
de los trabajos gráficos más representativos de la historia del rock, el listado se compone de la
siguiente manera:

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band The

Beatles (1967) Peter Blake y Ann Haworth.
En Marzo de 1967, El cuarteto de Liverpool
estaba listo para lanzar su nuevo álbum, la
idea era expresar su evolución musical, y
para simbolizarlo decidieron representar
su propio funeral, metaforizando la muerte
del sonido inicial de The Beatles, Michael
Cooper realizó la sesión fotográfica, y el
diseño fue obra de Peter Blake con ayuda
de su esposa Jann Haworth, en la portada
se reúnen numerosas personalidades como
Edgar Allan Poe, Marilyn Monroe, James
Dean, Karl Marx y Bob Dylan, Sgt. Pepper’s
Lonely Hearts Club Band revolucionó la
industria de los discos, pues fue el primer
material de estudio en presentar letras
impresas en su empaque. Fig 19. Portada del álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
Fuente: [Link] “Cualición de artes, cuando lo
visual y lo sonoro se encuentran” Año: 2018

65
 Sticky Fingers The Rolling Stones (1971)
Andy Warhol

En 1969 Mick Jagger pidió a Warhol que

creara una carátula para su nuevo L.P, la
portada resultante fue tan controversial que
llegó a censurarse en algunos países. Sticky
Fingers fue el primer álbum en contener el
mítico logo que identifica a la banda, el cual
fue realizado por el diseñador John Pasche.

Fig 20. Portada del álbum Sticky Fingers

Fuente: [Link] “Cualición de artes,
cuando lo visual y lo sonoro se encuentran” Año: 2018

Think Thank Blur (2003) Bansky

Fiel a su estilo Street art, Bansky representa
en esta portada la s consecuencias de la
guerra, desigualdad social y prejuicios
impuestos por la sociedad moderna, a
pesar de no ser un artista comercial, Bansky
decidió trabajar con Blur por ser admirador
de la banda, en 2007 la pieza original fue
vendida en casi 2 millones de pesos.
Fig 21. Portada del álbum Think that blur
Fuente: [Link] “Cualición de artes,
cuando lo visual y lo sonoro se encuentran” Año: 2018

66
The Number of the Best Iron Maiden (1982)
Derek Riggs

El personaje Eddie the Head, diseñado

por Riggs ha protagonizado cada una de
las carátulas de los discos publicados por
la banda, desde sus inicios hasta 1992, la
controversia de la portada de este álbum,
hizo que la banda ganara mala reputación
entre la sociedad conservadora de Estados
Unidos y el Reino Unido, tachando a la
banda de satánica e inmoral, organizando
incluso quemas públicas del catálogo del
grupo. Eddie the Head se ha convertido
con el paso de los años en símbolo del
Fig 22. Portada del álbum Number of the beast
heavy metal, expresando en sus trazos el
Fuente: [Link] “Cualición de artes,
estilo feroz, provocativo y rebelde de este cuando lo visual y lo sonoro se encuentran” Año: 2018
género musical.

The Dark Side of the Moon Pink Floyd (1973)

Storm Thorgerson y Aubrey Powell

En 1967, ambos artistas fundaron un

colectivo de diseño y fotografía llamado
Hipgnosis, responsable de crear algunas
de las portadas de discos más memorables
del rock como Houses of the Holly (1973)
de Led Zeppelin, y Dirty Deeds Donde Dirt
Cheap (1976) de AC/DC.
El arcoíris generado por la luz atravesando
el prisma es una metáfora a Floyd y sus
primeras presentaciones cuando el grupo
Fig 23. Portada del álbum Dark side of the moon
aun no era famoso y utilizaba una gran Fuente: [Link] “Cualición de artes,
cantidad de luces en sus shows. cuando lo visual y lo sonoro se encuentran” Año: 2018

67
 Goo Sonic Youth (1990)
Raymond Pettibon

Basada en una fotografía tomada en 1966,

muestra a David Smith y Maureen Hindley,
una de las parejas de asesinos seriales más
odiadas de Inglaterra, en la parte donde se
observa texto puede leerse un fragmento
de la historia de dos amantes que huyen
para llevar a cabo un crimen. El álbum es
uno de los más recordados en la carrera de
la banda y marcó un parte aguas para el
género punk en aquella época.

Fig 24. Portada del álbum Goo

Fuente: [Link] “Cualición de artes,
cuando lo visual y lo sonoro se encuentran” Año: 2018

Unknown Pleasures Joy Division (1979)

Peter Saville

El grupo le dio a Peter Saville una imagen

incluida en la Enciclopedia de Astronomía
de Cambridge para que inspirara el diseño
de la carátula, contenía una visualización
en blanco y negro de la primera vez que
se registraba la frecuencia de una señal de
pulsar. Al observar la imagen y ver la similitud
que tenia con unos picos montañosos,
Saville supo de inmediato que el diseño
seria el definitivo. “es la infinita posibilidad
Fig 25. Portada del álbum Unknown Pleasures de interpretar este diseño lo que lo hace tan
Fuente: [Link] “Cualición de artes, poderoso”, contó en un documental Data
cuando lo visual y lo sonoro se encuentran” Año: 2018
Visualization Reinterpreteded: The story of
Joy Division’s Unknown Pleasures.

68
Ok Computer Radiohead (1997) Stanley Donwood
Una de las relaciones más fieles entre un
diseñador y una banda, el artista ha sudo el
más fiel admirador de la banda, por lo que es
el responsable de cada una de las carátulas del
grupo desde 1993.
Esta portada es un collage hecho por
computadora por el vocalista Thom Yorke y una
ilustración del artista inglés Stanley Donwood.

*** Fueron omitidos de esta lista un par de

trabajos que por sus características musicales Fig 26. Portada del álbum Ok Computer
no podrían considerarse como rock, y en su Fuente: [Link] “Cualición de artes,
lugar es conveniente mencionar 2 importantes cuando lo visual y lo sonoro se encuentran” Año: 2018
ejemplos.

London Calling The Clash (1979) Ray Lowry

La noche del 21 de septiembre de 1979, The
Clash daban un concierto en el Palladium
de Nueva York. En un repentino momento el
bajista Paul Simonon destrozó su bajo contra la
tarima del escenario y allí quedó hecho añicos,
y Pennie Smith capturó el momento preciso en
una atinada fotografía Aquella foto, cercana al
punk pero ligada también a los primeros tiempos
del rock and roll por su fuerza, fue la que los otros
tres componentes del grupo (Joe Strummer, Mick
Jones y Topper Headon) eligieron sin dudarlo
como carátula de su nuevo álbum, más tarde
Ray Lowry encargado de diseñar la portada,
decidió rendirle homenaje al álbum debut de
Elvis Presley, o más bien al genio desconocido
Fig 27. Portada del álbum London Calling
que creó el diseño del primer disco de rock and Fuente: [Link] Año: 2012
roll de Presley.

69
Appetite For Destruction Guns N’ Roses (1987)
Primera portada por: Robert Williams, segunda portada: Billy White Jr.

Por supuesto que no podía faltar en este apartado la polémica portada del álbum
debut de GNR, Appetite For Destruction, prueba contundente de la importancia de
la imagen en la producción musical y como afecta la misma en el éxito y ventas
de los álbumes.

Este álbum tuvo dos versiones, pues fue censurado después de que la carátiula
original, diseño del artista Norteamericano Robert Williams causara gran revielo
en el público aun conservador de finales de los años 80, en la portada podía ob-
servrse la escena de una violación, es la caricatura de un robot futurista, un de-
monio voraz y una mujer aparentemente violada con sus vestiduras desgarradas
y ropa interior a la mitad de las pantorrillas.

“Tal era parte del espíritu que los Guns intentaban reflejar: la idea del peligro a
la vuelta de la esquina, algo que a su vez mostrara todo el ambiente callejero y
sucio que por aquellos días reinaba en Los Ángeles. Una portada tan potente y
sugerente como el sonido que sale disparado con los acordes que abren el disco.”
(Aguirre & Andrews, 2017, s.p)

Pero su disquera, Geffen Records tuvo que enfrentar los problemas ocasionados
por la crudeza de la imagen, la polémica era tal que el álbum incluso fue vetado
de algunos establecimientos y puntos de venta, incluso MTV puso restricciones a
la banda por ese contenido, entonces la portada tuvo que ser retirada.

En su lugar quedó el icónico diseño de Billy White Jr en donde se aprecia la cruz

con decorado céltico y las calaveras representando a los cinco músicos, suelen
decir versiones no oficiales que el diseño original fue idea del vocalista Axl Rose.
(Aguirre & Andrews, 2017)

70
Fig 28. Primera portada del álbum Appetite for destruction.
Fuente: [Link] Año: 2017

71
Fig 29. Portada final del álbum Appetite for destruction.
Fuente: [Link] Año: 2017

72
2.4 Guns N’ Roses

2.4.1 Historia de Guns N’ Roses


Corría el año de 1985 cuando 5 problemáticos jóvenes norteamericanos

decidieron unirse para hacer música, el explosivo resultado fue un álbum debut
en 1987 con más de 32 millones de copias vendidas en todo el mundo (“Appetite
for destruction” se convirtió en el álbum debut más vendido de la historia) y tan
solo un año después, en 1988 ya se encontraban en la cima de Billboard en
Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, Irlanda, Nueva Zelanda, Australia, Alemania
y Holanda.

Pero el camino no fue fácil, la historia de “la banda más peligrosa del mundo”
estuvo llena de baches y tropiezos.

Todo comienza con un joven de Lafayette Indiana, identificado como el delincuente

juvenil local, su nombre era William Bruce Bailey, a quien más tarde se le conocería
por Axl Rose, problemático y destructivo, y con un alto coeficiente intelectual
(en muchas ocasiones causante de sus constantes problemas y altercados con
la autoridad), encuentra en la música una manera de sacar la rebeldía que le
consumía por dentro.

Uno de sus mejores amigos de la secundaria, Jeff Isbel, mejor conocido como
Izzy Stradlin, terminó la escuela y se mudó a Los Angeles, poco tiempo después
y harto del Lafayette, Rose decide hacer lo mismo.

Al otro lado del mundo, Saúl Hudson, a quien sin duda cualquiera identifica por
Slash, hijo de una familia interracial de Inglaterra fortuitamente también se muda a
Los Angeles para que la carrera de su Madre Ola Hudson, quien era diseñadora de
moda pudiera prosperar (y así fue, llegando incluso a diseñar para David Bowie),
lo que dio a Slash una libertad total, permitiéndole no volver a casa por semanas
y poder dedicar su tiempo a tocar con sus primeros grupos de rock.

73
Estando en el colegio en Los Ángeles (L.A) a la edad de 13 años, Slash conoce a quien sería
el futuro baterista de GNR, Steven Adler, a raíz de una caída en patineta de este ultimo, Slash
se acerca para saber si se encontraba bien y surge la amistad, esa misma tarde como comenta
Salsh en su autobiografía, Adler le muestra algunos acordes en su vieja guitarra y despierta el
amor de Slash por este instrumento.

Duff Mckagan, bajista originario de Seattle probó suerte y diversos instrumentos como la batería
y la guitarra con al menos 31 bandas diferentes hasta que se mudó a Los Ángeles (L.A) y decidió
contestar un anuncio que Slash colocó en el periódico.
Izzy Stradlin vio por ahí una caricatura de Steven Tyler (vocalista de Aerosmith) que Slash había
dibujado y entonces se hicieron amigos, Rose llega a L.A y busca a Izzy, su único amigo en la
ciudad, el resto queda en la historia y los brumosos recuerdos borrados por el whiskey.

Fig 30. Guns N’ Roses, Junio de 1985

Fuente: [Link] Año: 2017

74
La década de los ochenta, considerada como el despertar de
américa, fue una época rebelde de libertad, libertinaje, locura
y excesos, y no había mejor lugar para dar rienda suelta a la
locura y a la música que en Los Ángeles.
“Como la escena musical de Los Ángeles de mediados de los
ochenta era tan volátil, y puesto a que los recuerdos de Guns
son borrosos, nadie puede identificar cuando fue que se formó
el grupo. Tocaron, se pelearon, se drogaron, jugaron con la idea
de formar bandas con nombres como Heads of Amazon y AIDS.
Finalmente se decidieron por Guns N’ Roses, combinando los
nombres de dos bandas en las que habían estado involucrados
algunos miembros: “L.A Guns” y “Hollywood Rose”. Fragmento
extraído de la revista Rolling Stone edición especial para
coleccionistas GNR 2016.

2.4.2 Impacto cultural y social de la banda.

Durante la época dorada de la banda, es decir, entre 1987
y 1993, el impacto que generaron entre el publico joven fue
demencial, eran escandalosos y siempre estaban envueltos
en alguna polémica que los ponía en el foco de atención del
espectáculo.

Pensar en cualquier ciudad por la que hayan pasado de gira

seguramente traerá recuerdos de alguna anécdota que en su
momento les puso en el centro de atención, distintos altercados
que incluso terminaron con intervención policiaca e incluso
distintas demandas, en definitiva los Guns eran la banda más
peligrosa del mundo.

Como ejemplo puede recordarse el caso Snt Louis, quizá uno

los disturbios más grandes ocurridos alguna vez asociados
a una banda. En 1991, cuando eran una de las bandas más
grandes sobre el planeta, GNR se encontraban encabezando
una gira que hizo una para en la ciudad de San Luis, en el
estado de Missouri.

75
Durante el show, Axl notó que había un fotógrafo en el público,
debido a que la banda había contratado a un fotógrafo exclusivo,
el cantante llamó a seguridad para que se encargaran del sujeto.
La seguridad, sin embargo, no actuó de manera inmediata por
lo que Rose decidió encargarse del asunto personalmente.
Después de golpear al fotógrafo, Rose salió de entre el público
para volver a subir al escenario diciendo:
Thanks to the lame ass security, I’m going home (gracias a la
patética seguridad, me voy a casa).

O la historia que todo buen fan del rock conoce, el incidente

de Montreal, cuando GNR se encontraban de gira junto con
Metallica, una de las giras más grandes de principios de los
noventas.

Esa ocasión fue bastante tensa por un algunas razones.

Lo primero es que James Hetfield, el vocalista de Metallica,
sufrió graves quemaduras debido a un accidente con fuegos
artificiales en el escenario, lo cual forzó a Metallica a dejar el
escenario antes de lo planeado.

Guns N’ Roses tenían la tarea salir al escenario a dar su set para

reanimar a la audiencia, sin embargo, la banda salió hasta dos
horas después del accidente de Hetfield. Previamente, Slash
había advertido en el Montreal Gazette que Axl Rose tenía un
agujero en sus cuerdas vocales y, de hecho, Rose se tomo un
tiempo para tratar sus problemas en la garganta.

Por si eso fuera poco, el lugar tenía numerosos problemas de

sonido, por lo cual ni Axl Rose ni Duff McKagan (quien hacía
los coros) podían escucharse a sí mismos. Menos de una hora
después, la banda decidió detener su set. Esto no le gustó nada
a la audiencia.

76
Lo que siguió fue toda una revuelta de la multitud que hizo toda clase de actos vandálicos que
resultaron en millones de dólares en daños y la acción de la policía local para reprender a las
más de 2 mil personas que estaban protestando.

Afortunadamente no hubo muertos y solo se reportó a aproximadamente una docena de heridos.

Después de dicho incidente, la banda no se presentó en Montreal hasta 2010.

Estos incidentes y numerosos más, le formaron una reputación la banda, e influyeron directamente
en su público y las relaciones de los mismos, el impacto sociocultural fue tremendo, los GNR
eran considerados por muchos como la personificación del sexo, drogas y rock & roll, mientras
los jóvenes adoptaban la actitud rebelde ( en todo aspecto, desde la actitud hasta el peinado y la
forma de vestirse), los padres preocupados, especialmente los más conservadores, protestaban
para que sus discos fueran vetados de los centros comerciales por ser considerados como
vulgares e incluso blasfemos, se contraponían a sus hijos prohibiéndoles todo aquello que tuviera
que ver con la banda, cuestión que incluso se ha llegado a mencionar que fue causa de varios
suicidios.

Fig 31. Axl Rose en el altercado de Rocket queen

Fuente: [Link]/ Año: 2017

77
[Link] El público de Guns N´Roses
Guns N’ Roses, tanto su música como su imagen, siempre se ha tratado de diversión, locura,
espontaneidad, rebeldía y explosividad, es por lo mismo que en las décadas de los 80 y 90,
la mayoría de su público fueran jóvenes que se identificaban con el mensaje y la actitud de la
banda, con el paso de los años, el público original maduró junto con la banda y se volvieron fans
consagrados, pero su música sigue capturando jóvenes alrededor del mundo que aún se sienten
identificados con la euforia de cantar “welcome to the jungle” a todo pulmón.
“Los Guns si tocan realmente “para los chicos”. Los grupos de metal basan sus imágenes en una
vida de fantasía que no tiene nada que ver con la realidad cotidiana de los adolescentes.
Los chicos pueden idolatrar o envidiar a David Lee Roth, pero no tienen mucho en común con
el. Los Guns N’ Roses son lo suficientemente jóvenes para recordar lo que era tener 17: Slash y
Steven tienen 23, Duff, el único miembro de la banda que está casado tiene 24, Axl e Izzy tienen
26. Axl sigue obsesionado con las contraindicaciones de la adolescencia: la ira descentrada, las
dudas generalizadas, la inseguridad, la bravuconería y el miedo, las canciones de los Guns no
ocultan el hecho de que ellos están confundidos y arruinados. “Ya se que somos así, dice Axl,
pero estamos tratando de ser diferentes”.” (Tannenbaum, 2016, pág.10)

Fig 32. Fotografías de fans en el concierto de México en Noviembre de 2016

Fuente: [Link] Año: 2016

78
El público de los Guns y la razón de su éxito están directamente
relacionados, ambos son causa de aquella rebeldía, explosividad
y anarquismo que imprimían en sus canciones, se volvieron
exitosos porque su público se identificaba con su música, y
puede observarse en las cifras de ventas de su famoso álbum
debut, el Appetite For Destruction, el álbum debut más vendido
de todos los tiempos.

Pero, ¿ por qué el público (joven en su mayoría, cuando la banda

despegaba), conectaba con melodías estruendosas y letras
muchas veces consideradas agresivas, retadoras y hostiles?.
Según diversas encuestas realizadas entre la población juvenil
de Estados Unidos en los años 80’s, casi uno de cada 7
adolescentes americanos mencionaron que habían intentado
suicidarse.

Más de la mitad de las chicas encuestadas dijeron que les resulta

difícil lidiar con el estrés, y un tercio dijo que muchas veces se
sienten tristes y desesperadas, como menciona Tannenbaum,
“I want to hold your hand”, no puede tener demasiado sentido
para esas chicas. “Si los Guns van más allá de lo que cantaban
los Stones, es porque los tiempos son más duros; son un grupo
brutal para tiempos brutales, a diferencia de los Stones, no
mantienen una distancia irónica entre ellos y sus canciones.”
(Tannenbaum, 2016, pág.12)

Guns N’ Roses tenía un público bien definido desde 1987 hasta

mediados de los 90’s, igual que su música, todos jóvenes y
rebeldes.
Actualmente la situación es un poco diferente y no hace falta
más que un poco de observación y empirismo para determinar
como se compone su público, basta con ir a uno de sus macro
conciertos, en este caso, durante su última gira mundial, “Not In
This Lifetime Tour”, la banda visitó en dos ocasiones la Ciudad
de México en el año 2016 y una vez Monterrey en 2017.

79
Durante los conciertos masivos de aproximadamente 65,000
asistentes de 2016 en Abril (19 y 20, Foro Sol) y el de Noviembre
(29 y 30, Palacio de los deportes), mediante la observación
de campo, se pudo apreciar el paso del tiempo, en la banda,
en su performance y sus integrantes así como en su público,
los cambios existentes son drásticos en comparación con los
conciertos ofrecidos durante su época dorada.

El publico ahora es más variado, pasó de ser una multitud de

jóvenes furiosos y rebeldes que destruían estadios, a estar
compuesto por un amplio abanico de edades, claro que los fans
de toda la vida siguen presentes, aquellos jóvenes rebeldes se
han convertido ahora en personas de más de 40 años, y como
el rock es un estilo de vida que se hereda, también hay un gran
numero de jóvenes de aproximadamente 15 a 27 años (público
dominante, principalmente en la zona de pista), e incluso, en
menor numero se encuentran pequeños fans, infantes de varias
edades, en promedio de 8 a 10 años, que disfrutan de esta
música y asisten acompañados por sus padres, generalmente
los viejos fans de los años 80.

Todos con características distinguibles, la ropa negra o de

colores obscuros, por supuesto, las camisetas de los Guns no
pueden faltar, es común ver largas melenas, y alguno que otro
accesorio propio de Axl Rose o de Slash, así se ve un concierto
de Guns N’ Roses en el siglo XXI.

80
CAPÍTULO 3:
ANÁLISIS DE LA IDENTIDAD
VISUAL DE GUNS N’ ROSES
“Por favor entiéndeme, estoy atravesando las
ruinas de todos mis sueños torcidos. Pero esta
investigación barata simplemente no puede
sofocar todos mis gritos”.

– “Coma” Guns N’ Roses

81
3.1 La estética de Guns N’ Roses

El mismo Slash dijo en una entrevista para la Rolling Stone “Nuestra actitud
encarna aquello de lo que se trata el rock & roll, al menos lo que yo pienso que
qué se trata el rock, que es todo lo que importa. ¿Viste que algunas bandas salen
y todo está completamente mal, pero de todos modos hacen un buen show?.
Nosotros somos así”
“Si solo vieras los tatuajes de los miembros de la banda podrías comparar
Guns N’ Roses con Poison, Ratt, Faster Pussycat, Mötley Crüe y cualquier otro
entre decenas de grupos de heavy metal casi idénticos que la industria viene
impulsando. Los Guns hacen las mismas payasadas girando en torno al alcohol y
esas cosas. Pero los Guns no hacen heavy metal, hacen un estilo de Hard Rock
violento, son una escopeta corta musical, con gran poder de fuego pero también
con una dirección errática.” (Tannenbaum, 2016, pág.10)

Las comparaciones entre Guns N’ Roses y otras bandas de la época dejan claro
que existen muchas similitudes en sonido e imagen, principalmente en los inicios
de Guns N’ Roses con el álbum “Appetite for Destruction”, sin embargo, conforme
la banda fue evolucionando, lograron encontrar un estilo y actitud que los
diferenciaba del resto, y ese valor diferenciador es lo que los mantiene vigentes
hoy en día a diferencia de muchas bandas mencionadas con anterioridad como
Motley Crüe o Cinderella, Guns N’ Roses evolucionó y encontró la manera de
hacer que su música e imagen se mantuviera con fuerza en los años 90, cuando
el grunge dominaba la escena musical.

3.2 Análisis semiótico de los signos de identidad visual

de la banda con base en la teoría de Charles Peirce.
Con la finalidad de hacer un análisis preciso desde la perspectiva de la semiótica,
en este apartado se fragmenta la identidad visual de GNR para analizar cada una
de sus partes por separado y posteriormente hacer un análisis integral de cómo
funciona el sistema en conjunto.

82
3.2.1 La identidad visual de GNR, un ícono.
Es importante antes de comenzar un análisis semiótico, reconocer el tipo de signo
que se está estudiando, según Peirce, la división fundamental de los signos se
hace de la siguiente manera:

-Ícono: Es el signo que se relaciona con su objeto por razones de semejanza, es

una representación abstraída de un objeto por niveles de abstracción. “Al explicar
qué son los signos icónicos Peirce afirma que son aquellos que “tienen una cierta
semejanza innata con el objeto al que se refieren.” O más concretamente aún:
una cosa cualquiera ... es ícono de algo, en la medida en que es semejante a esa
cosa y es usada como signo de la misma.” (Zecchetto, 2002, pág. 164)

-Símbolo: es y se establece por una convención social, como sucede con los
signos lingüísticos de un idioma.
-Índice: señala e indica en forma di- recta el objeto al cual se refiere, por ejemplo
las calles mojadas son un signo índice de que ha llovido.

Atendiendo a los criterios de Peirce mencionados anteriormente, podemos llegar

a conjeturar que la identidad visual de Guns N’ Roses es un signo ícono, pues
en el puede observarse con cierto nivel de abstracción, la representación de la
realidad, literalmente de pistolas y rosas.

Pero más allá de la obvia representación literal, el paso del tiempo, la fama de
la banda y el mismo público, han conferido al la identidad de Guns N’ Roses
la distinción de considerarse (junto con algunos otros grandes exponentes del
género), un ícono del rock, el logo representa un género musical duro, con fuerza
y poder, tal como las pistolas, pero que también tiene su lado amable y sentimental
con baladas conmovedoras, tal como las rosas.
La identidad de Guns N’ Roses es una abstracción de la realidad de la banda y el
género rock representada de manera gráfica, es una analogía. Zecchetto (2002),
mencionando a Roland Barthes afirma que la analogía es: “Una operación lógica
por la cual se aplica el contenido de un fenómeno particular a otro, con el fin de
mostrar las relaciones de correspondencia proporcional que mantienen ambos.
Según lo anterior, Barthes opina que en la imagen icónica se establece realmente
una analogía con el objeto designado.

83
Si por definición la analogía establece un tipo de relación entre dos cosas basada
en la proporcionalidad, es válido aplicar el concepto a las imágenes, ya que en
ellas la analogía se manifiesta en la proporcionalidad icónica.” (Zecchetto, 2002,
pág. 329)

3.2.2 Contextualización

Existen distintas historias en torno a la creación del principal elemento de identidad

visual de la banda, su logotipo. No existe como tal una versión definitiva ni una
fuente de información totalmente confiable, por lo anterior, después de hacer una
investigación dentro de grupos de fanáticos y algunos artículos culturales en la
web, podemos rescatar las 2 versiones más aceptadas:

1) El logotipo clásico fue diseñado por el mismo Slash, quien lo dibujó con la idea
de unir a las 2 bandas predecesoras de Guns N’ Roses; Hollywood Rose y L.A
Guns.

2) Bill White fue el diseñador del logotipo, o al menos eso ha afirmado en varias
ocasiones Axl Rose, quien contradice rotundamente la versión sobre el diseño de
Slash, mencionando incluso el significado de los colores utilizados en el mismo;
El rojo representa la pasión; el amarillo, la rebelión; verde, la supremacía; negro,
el poder y plata la energía, características que se pueden apreciar en su música
e incluso sus personalidades.

Como sea que haya sido la historia del logo, es evidente que el diseño del
mismo fue totalmente atinado. Durante su auge en entre finales de los ochentas
y principios de los noventas, era común ver el logo de la banda en un sinfín de
lugares y artículos, desde carteles y espectaculares hasta las camisetas con las
que se identificaban los adolescentes para sentirse rebeldes.

84
3.2.3 Análisis pre iconográfico

Tras una descomposición puntual de los elementos que conforman la identidad visual, a
continuación se presenta un análisis pre iconográfico de dichos elementos, desde la postura de
Peirce, se analizan los elementos significantes.
Y como se trata de una identidad visual, es pertinente también retomar a Joan Costa, atendiendo
a los criterios que menciona en su libro “Identidad Corporativa”, se puede dividir a los signos que
conforman una identidad visual en tres principales vertientes: Logotipo (nombre de la marca,
monosémico), Símbolo (gráfico, representativo y polisémico), y cromatismo (no significante por
si solo.
La simétrica imagen clásica de Guns N’ Roses, nacida en los años 80 está compuesta por:

A) LOGOTIPO (El nombre):

Creado a partir de la fusión de las bandas anteriores de los miembros, L.A Guns y Hollywood
Rose, se ubica dentro de la envolvente circular del logo adoptando la forma del mismo, se divide
en dos partes, en la superior puede leerse “GUNS N” y en al inferior “ROSES”, con la intención
de mostrar el origen de la banda a partir de dos bandas separadas y diferentes. La tipografía,
muy parecida a “Bodoni Poster Compressed” de Adobe, es una serif moderna, en color negro y
siempre en caja alta.

El trazo es angular, pero los bordes se mantienen redondeados, con astas delgadas y ligaduras
finas, remates rectos sin mucho protagonismo y tipos condensados.

85
“Tipografía Romana moderna; Se presentan en serio lineal
o filiforme y una gran diferencia entre los trazos gruesos y
finos. Al igual que las romanas antiguas, derivan de los textos
esculpidos en piedra, en las construcciones y monumentos
romanos. (Ejemplos: Bodoni / Modern / Didot )” (Pepe , 2008,
pág. 34)

Su versatilidad, flexibilidad y facilidad de reproducción también

abre un abanico de posibilidades para la creación de puntos
de contacto de la marca, pudiendo encontrarla en un sinfín
de productos diferentes, adaptarla a cualquier medio de
comunicación, análogo o digital, etc. (Características que serán
analizadas en un apartado posterior desde una dimensión
pragmática del signo)

B)SÍMBOLO:

En el caso de Guns N’ Roses, logotipo y símbolo están

integrados pero también funcionan perfectamente por separado
debido la claridad y la poca posibilidad del mensaje, así como el
posicionamiento de la “marca” a través de los años.

Este símbolo es una composición integral de distintos elementos

icónicos, analizándolo como un solo elemento pueden hacerse
las siguientes observaciones:

Es una composición de simetría axial especular, si se trazara

una línea vertical que dividiera la composición, se encontrarían
los mismos elementos del segmento de la izquierda reflejados
a la misma distancia en el segmento de la derecha.
Las formas apreciadas en la composición son orgánicas y
sinuosas, resaltan formas redondeadas (la envolvente por
obviedad).

86
Haciendo un análisis más particular, es importante descomponer el signo en los distintos elementos
gráficos que componen el todo integral, pues cada uno de ellos posee diversos significantes,
significados e historia, que merecen ser analizados por separado:

Fig 33. Diagrama del logo de Guns N’ Roses

Fuente: [Link] Año: 2016

87
1)Los revólveres:
L.A Guns, banda formada por Tracii Guns a principios de los
ochentas, integró a Axl Rose después de que su vocalista tuviera
que ir a prisión por un tiempo, al regreso del mismo, Axl salió de
la banda y formó Hollywood Rose con Izzy Stradlin, más tarde
estas se fusionarían para crear lo que sería un primitivo Guns
N Roses.
Se asume son revólveres calibre 22, arma de fuego corta y
semiautomática originaria de Estados Unidos creada en el siglo
XIX.

Ambas armas en simetría están entrelazadas por la empuñadura,

los cañones se mantienen en posición horizontal y apuntan
hacia el exterior de la envolvente, la punta sobrepasa por una
distancia casi imperceptible o milimétrica la envolvente.
Las armas son envueltas por el tallo de las rosas que se enreda
sinuosamente desde el gatillo de las mismas hasta casi la punta.

2)Las rosas:
Hollywood Rose se formó con Axl, Izzy y Slash y sirvió como
cuna musical a los mismos, siendo que después se transformó
en Guns N’ Roses.

Las rosas también dispuestas en simetría axial, comparten el

mismo tallo desde el punto central de la composición, formando
junto con sus verdes hojas una especie de cruz al centro. El
verde y sinuoso tallo se enreda desde el gatillo y a lo largo
del cañon de los revólveres para descender en la unión de la
envolvente interior y exterior del signo con las rosas, flores de
apariencia madura con los pétalos abiertos y de un vibrante color
rojo, desprenden una gota que parece ser sangre (elemento
analizado por separado posteriormente) y están coronadas por

88
algunas casi imperceptibles gotas de agua.

Las rosas están acompañadas cada una por dos verdes hojas
a su vez colocadas con simetría a los lados de cada una de
ellas y en dirección decadente, su horizonte está inclinadas
ligeramente formando una diagonal, las puntas de las hojas
señalan hacia abajo y las que se encuentran en la parte externa
de la envolvente sobrepasan al igual que los revólveres, los
bordes de la misma.

3) La gota de sangre:
Con frecuencia un elemento pasados por alto, pero
imprescindibles en la imagen. Es el elemento más pequeño de
la composición. Al igual que el resto, existe simetría en este
elemento, las gotas de sangre escurren de ambas rosas, se
encuentran en la parte exterior de las flores, tocando la envolvente
exterior, son redondeadas, limpias y nada ostentosas, tienen
algunos reflejos que les dotan de volumen y apariencia líquida.

4) La bala:
Envolvente del logo, una bala vista desde una perspectiva
diferente, incluso suele pasar inadvertida y considerarse un
envolvente casi azaroso. La bala es apreciable desde una vista
cenital de la base de la misma y contiene en su interior todos los
elementos ya vistos, integrándose al discurso y la composición
general de la imagen y dotando al logo de mayor capacidad de
adaptabilidad y reproducción.

Es el elemento de mayor tamaño en la composición, este

envolvente es la parte llamada “fulminante” de una bala calibre
22

89
La bala divide el envolvente en dos partes, distinguible principalmente por el cromatismo de
ambas secciones, la parte exterior del envolvente, el círculo más grande, está representado de
color amarillo con algunas luces y sombras con la intención de hacerlo parecer metal dorado
como las balas, el color no es plano, tiene textura a penas perceptible, como de metal que ha
sido tallado contra algo.

Así mismo, este primer envolvente tiene contornos marcados por la diferencia de saturación y
luminosidad del color, que le dotan de la sensación de tridimensionalidad.

El envolvente interior busca desafiar la cuatricromía de manera más evidente que el del exterior,
tratando de recrear el color plateado haciendo uso de grises, blancos y negros, con el mismo
tratamiento de sombras, luces y texturas utilizado en la parte exterior del envolvente, con la
diferencia de que en la parte interior el efecto es mucho más marcado.

Fig 34. Esquema explicativo de las partes de una bala.

Fuente: [Link] Año: 2017

90
C) El código cromático:

El código cromático representa el único elemento del lenguaje

visual que de acuerdo con Costa (1993), en la identidad visual
no significa ni genera identidad por si mismo. “La gama
cromática ha de considerarse un elemento complementario en la
identificación visual; del mismo modo que el color es dependiente
de la forma (en una fotografía en blanco y negro reconocemos
los objetos aun con la ausencia del color). Considerar el color
per se, en identidad visual es una abstracción.

El color es un atributo de la forma ligado psicológicamente

a los modelos culturales o valores de una colectividad. De
todos modos, el color introduce una carga emocional, estética,
connotativa a la identidad y una notable fuerza señalética.”
(Costa, 1993, pág. 44)

Aquella carga connotativa que menciona Costa pertenece

entonces al análisis iconográfico en el que se revisarán los
significados.

No obstante, es importante destacar que sin el color, o con un

mal empleo del código cromático, la identidad visual no tendría
el mismo impacto, es por eso importante rescatar cada valor
cromático que se encuentra dentro de la composición así como
sus propiedades y características, para que en el apartado
posterior puedan ser analizados según sus connotaciones
culturales y psicológicas.

Se presentan en un listado a continuación el orden del color que

más presencia tiene en la composición hasta el que menos se
ocupa.

91
-Amarillo:

Puro, con matices anaranjados y grisáceos por zonas (para generar textura y volumen), saturado,
claro y brillante.

-Gris / Plateado:
mezcla de grises, blancos y negros, saturado de negro en partes específicas de la composición
para generar volumen y apariencia metálica. Este color está presente tanto en la parte interior de
la envolvente como en los revólveres.

-Rojo:
Un rojo vibrante y saturado, de una tonalidad oscura parecida a la sangre es apreciable únicamente
en las rosas y las gotas que escurren de ellas, es un rojo con mucha presencia.

-Verde:
Este color aparece en los tallos de las rosas que se enredan a lo lago de los revólveres y en las
hojas de las mismas, un verde luminoso, con más presencia de amarillo que de azul, es un verde
fresco y natural, se satura y acerca a tonalidades más oscuras únicamente en las espinas.

-Negro:
Este espectro de color está presente en la tipografía del logotipo, en la empuñadura de los
revólveres y forma una separación entre las dos secciones de la envolvente dando la sensación
de profundidad, está presente también en los elementos plateados como en la parte interior de
la envolvente ayudando a generar volumen y apariencia metálica, así como en los detalles de los
revólveres con el mismo efecto.
También está presente en las rosas separando los pétalos, generando sombras y volumen.

El análisis de los elementos anteriores desde su parte significante es esencial para poder proceder
a un análisis de los significados de cada uno y posteriormente de cómo funcionan en conjunto.

92
3.2.4 Análisis iconográfico
El logo representa a la banda de una manera literal a través de sus simbolismos. Se distinguen
las rosas y el característico revolver. Por otra parte, la carga simbólica va un poco más allá de la
obviedad de los elementos que conforman el logotipo.

Al igual que se desmenuzaron todos los elementos que conforman la identidad visual para ser
analizados desde su significante, es necesario fragmentar de nuevo la identidad y separar cada
elemento icónico para ser analizado desde el significado del mismo.

Con base en la teoría de Perice, en este apartado se analiza el significado de cada elemento a
demás del contexto sociocultural en el que se insertan, completando entonces con el apartado
anterior el sistema triádico de Objeto, Representamen (los significantes) e Interpretante (el
significado).

Dividiendo los elementos con base en los signos de identidad visual estudiados por Costa, se
presentan de la siguiente manera:

A) Logotipo:
Como se mencionó anteriormente, el logotipo de Guns N’ Roses está compuesto por tipografía
serif moderna y delgada en caja alta y generalmente en color negro. Esta tipografía dota al lo-
gotipo de contraste y dualidad, pudiendo observarse en sus trazos gruesos y finos, representa
también fuerza, autoridad y firmeza.

Es la tipografía perfecta para el logotipo considerando el mensaje que la banda buscaba transmi-
tir dese un inicio, la dualidad, rebeldes, agresivos, violentos y explosivos, pero también sensibles
y apasionados, el mismo mensaje que se representa con el elemento simbólico de la identidad
visual y las partes icónicas que lo componen, las armas y las rosas. Es lo mismo con la tipografía,
la representación gráfica de una dualidad.

93
B) Símbolo:

1) Los revólveres:
Además del obvio significado de las pistolas, los estilizados
revólveres (presuntamente calibre 22), representan la fuerza,
violencia, peligro y explosividad tanto en el sonido de la banda
como en su imagen e incluso en los mismos integrantes, no
es sorprendente que la imagen de la banda haya tomado
connotaciones negativas entre la población más conservadora
de los ochenta, asignándoles el nombre de “la banda más
peligrosa del mundo”

Según el diccionario de símbolos de Chavalier, el arma es el

oponente del monstruo, que a su vez se convierte en monstruo.
Forjada para luchar contra el enemigo, puede ser desviada de
su objetivo y servir para dominar al amigo, o simplemente al
otro.

Así mismo las fortificaciones pueden servir de parachoques

contra un ataque y de punto de partida para una ofensiva. La
ambigüedad del arma reside en simbolizar al mismo tiempo el
instrumento de la justicia y el de la opresión, la defensa y la
conquista. En toda hipótesis, el arma materializa la voluntad
dirigida hacia un objetivo.

Tal como menciona Rob Tannenbaum en la revista Rolling Stone,

“Los Guns no hacen heavy metal, hacen un estilo de Hard Rock
violento, son una escopeta corta musical, con gran poder de
fuego pero también con una dirección errática.” (Tannenbaum,
2016, pág. 10)

94
2) Las rosas:
Un par de rosas de color rojo intenso, pudiendo ser denominado
como “rojo sangre”, suavizan y contrastan con sus trazos
sinuosos y orgánicos la agresividad de los revólveres al
enredarse en ellos, y representan la parte sensible de la banda.

1. Notable por su belleza, su forma y su perfume, la rosa es

la flor simbólica más empleada en Occidente. Corresponde en
conjunto a lo que es el loto en Asia, estando la una y la otra muy
próximas al símbolo de la rueda.

El aspecto más general de este simbolismo floral es el de la

manifestación, salida de las aguas primordiales, por encima de
las cuales se eleva y se abre.

2. La rosa, por su relación con la sangre derramada, parece a

menudo ser el símbolo de un renacimiento místico.

3. Según Cirlot (1992), “la rosa es, esencialmente, un símbolo

de finalidad, de logro ab­soluto y de perfección. Por esto puede
tener todas las identificaciones, que coinciden con dicho
significado, como centro místico” (Cirlot, 1992 pág. 390)

4. La rosa se ha convertido en un símbolo del amor y más aún

del don del amor, del amor puro.

En conjunción con los revolveres, incluso si se ignoraran los

demás elementos de la identidad, estos ultimos dos engloban
perfectamente la esencia de Guns N’ Roses, el peligro, fuerza y
explosividad de las armas, la belleza, naturalidad, misticismo y
pasión de las rosas, no podría existir mejor combinación gráfica
para expresar esta contrastante dualidad.

95
Un elemento casi imperceptible, pero de gran importancia es el rocío apreciable en
los pétalos y las hojas de las rosas, pues este también está cargado de significado
y su aparición en la identidad visual no es causa del mero azar.

3) El rocío:
Según el diccionario de Chevalier (1992), Rocío. l. El simbolismo del rocío está
generalmente próximo al de la lluvia, aunque su influencia es de orden más sutil.
Expresión de la bendición celestial, es esencialmente la gracia vivificante. «El
agua que surge del corazón, escribe Calixto Il Xantho- poulos, llena por completo
al hombre interior del rocío divino.» El rocío de perla de la noble divinidad, de que
habla Angelus Silesius, tiene el mismo sentido, pero evoca la sangre redentora
de Cristo.

Ahora bien, la sangre que en la iconografia medieval gotea de la lanza del centurión
y de la que cada gota produce a veces la eclosión de una flor de rosa, es también
el rocío celestial, símbolo de redención y de revivificación.

El rocío en Guns N’ Roses representa la frescura de la banda, de su música, de

su vivificante juventud, ligado tambien al elemento de la sangre derramada que
se analiza a continuación.

La gota de sangre: Las pequeñas gotas de sangre son pasadas por alto con
facilidad (pero de gran importancia en la composición en su totalidad al efecto),
estas añaden al logo un tinte de peligro, dolor o amenaza o las tres cosas.

Según Chevalier (1992), La sangre corresponde también al calor vital y corporal,

opuesto a la luz, que corresponde al aliento y al espíritu. En la misma perspectiva,
la sangre. principio corporal, es el principio de las pasiones.
Este pequeño elemento también se menciona más adelante en el análisis
cromático del color rojo en la composición de la identidad visual.

96
4) La bala:
El perfecto envolvente para un logo que habla sobre pistolas
y rosas, una bala, pero vista desde una perspectiva diferente,
incluso suele pasar desapercibida y considerarse un envolvente
casi azaroso. La bala es apreciable desde una vista cenital de la
base de la misma y contiene en su interior todos los elementos
ya vistos, se integra de manera perfecta al discurso de la imagen
y dota al logo de la capacidad de adaptabilidad.

C) Código cromático:

-Amarillo:
CHEVALIER (1992): 1. Intenso, violento, agudo hasta la
estridencia o bien amplio y cegador como una colada de metal
en fusión, el amarillo es el más caliente, expansivo y ardiente
de los colores; dificil de entender, desborda siempre los marcos
donde se lo quiere ceñir.

HELLER (2008): El color más contradictorio, optimismo y celos,

el color de la diversión, el entendimiento y de la traición, el
marido del oro y amarillo del azufre.
Es el color del optimismo, pero también del enojo, la mentira y
la envidia, es el color de la iluminación y el entendimiento, pero
también de los despreciables y los traidores.

97
Tal como mencionan ambos autores, Guns N’ Roses posee muchas características
del amarillo, tanto su música hasta sus integrantes, violentos, estridentes,
ardientes y contradictorios, durante su época dorada, Guns N’ Roses siempre
estuvo en el foco de la atención, así como el amarillo, no pasaban inadvertidos,
su agresiva música sacudía y energizaba a las generaciones más jóvenes y con
frecuencia irritaba a los adultos.

El color amarillo presente en su identidad visual sin duda es una decisión bastante
acertada que refleja buena parte de la personalidad de la banda más peligrosa
del mundo.

-Gris / Plateado:
CHEVALIER (1992): 1 El color gris, hecho en partes iguales de negro y de blanco,
designaría en la simbólica cristiana, según F. Portal (PORS, 305), la resurrección
de los muertos. 3. En la genética de los colores, el gris es al parecer el primero
que se percibe y permanece para el hombre, en el centro de su esfera cromática.
El recién nacido vive en el gris.

HELLER (2008):

Plata: El color de la velocidad, el dinero y la luna.

Se asocia sobre todo al color noble, la mayoría de las personas asocia
espontáneamente la plata al oro.
Es un color de velocidad y dinamismo, recuerda a na flecha o una locomotora a
alta velocidad

Gris: El color sin fuerza, a la mitad entre el blanco y el negro, ensuciando al

primero y restándole fuerza al segundo, un color conformista que busca siempre la
adaptación. En conjunto con el amarillo, el gris representa inseguridad y simboliza
la falta de sentimientos.

98
 Este color es bastante difícil de analizar,
pues está entre el gris y el plateado, y su
representación en la identidad visual por lo
tanto se vuelve más compleja, acorde con
la historia y cualidades de GNR, su música,
estilo e integrantes, vale la pena retomar el
concepto de la velocidad y el dinamismo, el
logo en su totalidad es una bala, un proyectil
que viaja a una velocidad increíblemente
rápida, y así era el estilo de vida y excesos
del rock para Guns N’ Roses, se podía incluso
llegar a leer en una muy usada camiseta
del guitarrista Slash, la leyenda “live fast,
die young”, que en español significa “Vive
rápido, muere joven”.

Fig 35. fotografía de la banda en 1987 en la que se puede

apreciar la leyenda “Vive rápido, muere joven” en la camiseta
de Slash (Primero de derecha a izq.)

Fuente: [Link]
Año: 2021

-Rojo:
CHEVALIER (1992): Color de fuego y de sangre, el rojo es para muchos pueblos el primero de
los colores, por ser el que está ligado más fundamentalmente a la vida.
l. El rojo nocturno, es el color del alma, de la libido y del corazón. Es el color de la ciencia, el del
conocimiento esotérico.
Este rojo oscuro encierra también una significación funeraria: Pues tal es en efecto la ambivalencia
de este rojo profundo de la sangre, color recóndito que es la condición de la vida. Cuando se
derrama significa la muerte.

99
HELLER (2008):
Color de todas las pasiones- del amor al odio, color de los reyes
y el comunismo, de la alegría y el peligro.

El simbolismo del rojo está determinado por dos experiencias

elementales: el fuego es rojo, también la sangre, fuego y sangre
tienen en todas las culturas, un significado existencial.

El efecto psicológico y simbólico de la sangre hace del rojo el

color dominante en todos los sentimientos vitalmente positivos,
el rojo es el más vigoroso de los colores es el color de la fuerza
y de la vida.

Guns N’ Roses es, o al menos fue en sus años tempranos,

el peligro encarnado, su música violenta y los problemas que
acarreaban a donde quiera que se parasen, desbordaban
fuerza, sus canciones te golpeaban, sacudían y apasionaban,
es imposible escucharlos sin al menos agitar la cabeza, así de
vigorosos como el rojo.

-Verde:
CHEVALIER (1992): Equidistante del azul celeste y del rojo
infernal, ambos absolutos e inaccesibles, el verde, valor medio,
mediatriz entre el calor y el frío, lo alto y lo bajo, es un color
tranquilizador, refrescante, humano. envolvente, calmante,
refrescante, tonificante.

HELLER (2008): El color de la fertilidad, de la esperanza y de la

burguesía, verde sagrado y verde venenoso, el color intermedio.
Símbolo de vida y de todo lo que crece, lo verde se opone a ser
marchito, árido, mortecino.

100
Este color no podía existir por si solo en la identidad visual
pues pertenece al elemento de las rosas, pero su significado
para la misma es de gran importancia, pues tiene gran peso y
protagonismo dentro de la composición, y tomando en cuenta
la postura de ambos autores, podría retomarse entonces la idea
de la vida, la juventud y lo refrescante, pues justo así era la
música de Guns N’ Roses, una propuesta nueva, refrescante,
llena de vida y electrizante para lo que se estaba haciendo en
la industria musical durante la década de los 80.

-Negro:
CHEVALIER (1992):

Contracolor del blanco, el negro es su igual en valor absoluto.

Como el blanco, puede situarse en las dos extremidades de la
gama cromática, en cuanto límite de los colores cálidos y de
los fríos; según su matiz o brillo, se convierte entonces en la
ausencia o en la suma de los colores, en su negación o en su
síntesis.

l. Simbólicamente es más frecuentemente entendido en su

aspecto frío, negativo. Contracolor de todo color, está asociado
a las tinieblas primordiales, a la indiferencia original.

HELLER (2008):

El color del poder, de la violencia y la muerte, el color favorito

de los diseñadores y de la juventud, el color de la negación y
de la elegancia.
El acorde negro con amarillo es uno de los más negativos,
está cargado de muchos significados negativos, negro con
rojo es el mal derivado de la pasión, negro y amarillo es el mal
premeditado.

101
Todas las señales de advertencia son negras y amarillas
Es difícil imaginar una banda de rock o cualquiera de sus subgéneros, que no
tenga la presencia (por más mínima que sea) en su identidad visual, el negro,
es por default, el color del rock, de lo pesado, lo duro, lo fuerte, lo obscuro y lo
violento, adjetivos que también pueden encontrarse con frecuencia si se busca
una descripción del género rock.

Queda incluso por demás la relación de este color con Guns N’ Roses, pues
la banda y su música ya engloban con obviedad todas las características
mencionadas anteriormente.

3.2.5 Análisis de la identidad y sus elementos como un todo integral:

Tal como menciona Aristóteles en su teoría de la sinergia, “El todo es más que la
suma de sus partes”. Cada elemento que forma parte de la identidad es esencial,
pues representa una parte de la esencia, carácter y estilo de Guns N’ Roses, y
aun que por si solos estos elementos icónicos están cargados de significado, si
se aislaran del resto, perderían su valor, funcionan y transmiten el mensaje de la
banda únicamente si se encuentran juntos dentro del mismo sistema.

Así mismo, si el sistema perdiera uno de estos elementos, aun que conservara
todos los demás, también perdería totalmente su significado y el discurso
cambiaría completamente, pues cada uno de los elementos dispuestos en el
sistema representan la dualidad de la esencia de Guns N’ Roses.

A manera de conclusión de este apartado, es preciso destacar algunos puntos

resaltantes de los análisis anteriores:

• La esencia de Guns N’ Roses está dividida, es contrastante y se

contrapone a sí misma, los elementos icónicos dispuestos en la identidad
representan perfectamente la dicotomía entre la dureza y agresividad de la
música e imagen de la banda y su lado más sensible reflejado en baladas como
“Sweet child o’ mine” o “so fine”.

102
• El proceder de la banda es notorio y la hace distinguirse de otras
agrupaciones musicales alrededor del mundo, las armas calibre 22 fueron
diseñadas en Estados Unidos, no podían usar cualquier otro tipo de arma de
fuego, aquella era la ideal y les generaba un mayor vinculo de identidad con el
público estadounidense. Desde sus raíces como L.A Guns y Hollywood Roses,
su identidad siempre estuvo muy marcada por la cultura rock estadounidense de
los años 80, sería difícil caer en la confusión de que la banda es procedente de
alguna otra nacionalidad.

• La identidad con mayor aceptación y más impacto desde el nacimiento de

la banda fue la imagen original, después de tantos cambios, volver a sus raíces
era la mejor opción. Su imagen se consolidó tanto en el mundo de la música y
el rock, una de las imágenes y bandas más reconocibles a nivel mundial, incluso
es reconocida por la revista Rolling Stone como una de las mejores 50 bandas
de todos los tiempos, considerando su impacto e influencia sociocultural incluso
sobre otras bandas. (Tovar, 2021)

• La identidad necesita de todos sus elementos icónicos para funcionar,

estos solo pueden ser remplazados haciendo un correcto uso de figuras retóricas
y únicamente cuando la imagen está bien posicionada como una marca lo
suficientemente reconocida como para que la sustitución de elementos con figuras
retóricas pueda ser entendible según el contexto en el que se esté aplicando.

• Cada elemento, hasta el más pequeño, como la gota de sangre o el rocío,

es de gran importancia para la identidad, la ausencia de los mismos cambia
completamente el discurso. Es por esto que cada elemento que forme parte de
un sistema de identidad debe ser minuciosamente planeado para cumplir con un
objetivo de comunicación específico.

103
3.3 Variantes y adaptabilidad de la identidad visual

Con el paso del tiempo toda marca se enfrenta al momento

de tener que hacer adaptaciones en su identidad gráfica, los
rediseños pueden ser permanentes o temporales, o adaptarse
y usarse para ocasiones únicas.

En el caso de GN’R, han sido visibles distintos cambios en la

identidad, generados en cada época de transformación de la
banda, su identidad ha ido evolucionando y cambiando, y a pe-
sar de todo, al final se retomó el logo original y a la fecha se
sigue manteniendo, en el apartado 3.4 se explica más a detalle
esta transformación cronológica.

Pero los distintos cambios y etapas de la identidad de la banda

no han sido determinados únicamente por el paso de los años,
el logo original de la bala ha sido adaptado en numerosas oca-
siones al contexto social y cultural, estos cambios fueron apre-
ciables principalmente durante la gira “Not in this Lifetime Tour”
iniciada en 2016 y concluida en 2018.

Durante este periodo, la identidad fue adaptada a la cultura del

país, región o evento que la banda visitara, la flexibilidad del
diseño del mismo volvió sencilla la tarea.

A continuación se muestran algunos ejemplos de los cambios

realizados:

104
1) México:
Uno de los primeros países visitados después del anuncio de la
reunión de la banda fue México, siendo el 19 de Abril de 2016
la primera fecha anunciada, comenzó a circular en las distintas
redes oficiales de la banda la siguiente imagen, en la que se
ajusta el logotipo para poder colocar el texto de la fecha y el
lugar dentro de la envolvente, y la parte plateada del símbolo
(envolvente), es remplazada por la bandera de México.

Fig 36. Primera modificación hecha al

logo clásico de GNR para el concierto
del 19 y 20 de Abril de 2016 en el Foro
Sol en Ciudad de México.

Fuente: [Link]
Año: 2016

105
Meses después, para el concierto del 29 y 30 de Noviembre del mismo año, y con una produc-
ción grafica más compleja, la identidad es adaptada de nuevo, esta vez de la siguiente manera,
en la que se observa la representación simbólica de las culturas prehispánicas, con la adaptación
del evolvente transformándolo en una especie de calendario similar al azteca, estas adaptacio-
nes, al ser presentadas por primera vez en los conciertos de noviembre de 2016 en C.D.M.X,
generaron un impacto muy positivo entre el público, afianzando el lazo de identidad entre los fans
de la comunidad mexicana y la banda.

Fig 37. Segunda modificación hecha al logo clásico de GNR para el concierto del 29 y 30 de Noviembre de
2016 en el Palacio de los deportes en Ciudad de México.
Fuente: [Link] Año: 2016

106
3) Ejemplos varios:

Así como en México que el logo se adaptó con Según el lugar en donde se presentan:
la finalidad de reforzar más la identidad, durante
la gira mundial de la banda, las adaptaciones
se veían constantemente, lo más frecuente
era encontrar cambios en la envolvente o en
el elemento de los revólveres, sustituyéndolos
por armas características del lugar, como las
catanas en Japón, o pocas veces se sustituían
las clásicas rosas por alguna flor endémica del
lugar, como en la primera visita de la banda a
Hawái, en la que las rosas se cambiaron por
Hibiscos.

Además de modificar la identidad según la

región geográfica en la que se encontraran, las
fechas también son importantes, y pueden verse
modificaciones para las festividades mundiales
más importantes (pero principalmente las
celebradas en Estados Unidos), como Navidad,
Año Nuevo, Acción de Gracias, Saint Patrick’s
Day, y día de las madres.

A continuación se muestran algunos ejemplos

lanzados en el periodo comprendido entre Abril
de 2016 y marzo de 2019.
Fig 38. Segunda modificación hecha al logo clásico de GNR
para el tour en japón del 2017
Es importante mencionar que toda la producción Fuente: [Link] Año: 2017
visual mostrada a continuación, es parte del
trabajo de la agencia de branding y publicidad
multidisciplinaria “Creative Works London”,
encargados de realizar todo el material visual
ocupado por la banda desde la reintegración de
la misma en 2016

107
 Según el lugar en donde
se presentan:

Esta modificación fue de las

primeras en realizarse durante
la gira del “Not in this lifetime
tour”, en el gráfico se fusiona
la identidad del festival de ese
Coachella 2016 junto con la
de la banda.

Fig 39. Modificacion a la identidad de

Guns N’ Roses para el festival Coachella
en Indio California en 2016.
Fuente: [Link] Año: 2016

Fusión de la identidad clásica

del festival junto con la de
la banda aprovechando el
envolvente circular.

Fig 40. Modificación hecha para el festival

Rock in Rio en Brasil en 2017.
Fuente: [Link] Año: 2017

108
Fig 41. Modificación hecha para la gira en
Estados Unidos en 2017
Fuente: [Link] Año: 2017

Esta modificación fue

realizada para la primera
fecha en la historia de la
banda en visitar Hawaii,
se desarrollan elementos
visuales representativos
del lugar que sustituyen los
símbolos del la identidad
clásica como los revólveres y
las rosas.

Fig 42. Imagen hecha para el concierto

en Hawaii en 2017
Fuente: [Link] Año: 2017

109
 Según días festivos:

Esta modificación surge en

las festividades de 2017, en
esta edición de navidad se
sustituye el envolvente de
la bala con una corona de
adviento, los revólveres con
bastones de caramelo y las
rosas con nochebuenas.

Fig 43. Cambios en la identidad con

motivos navideños
Fuente: [Link] Año: 2017

Para el cambio de año, se

retoma parte de la estructura
de la esfera de la ceremonia
de Año Nuevo en Nueva York
y se utiliza como parte del
envolvente.

Fig 44. Imagen hecha para Año Nuevo

Fuente: [Link]
Año: 2018

110
Fig 45. Modificación hecha para el día de
acción de gracias 2017
Fuente: [Link]
Año: 2017

En esta versión puede

observarse un mockup más
completo con una mayor
contextualización y sin
conservar ninguno de los
elementos de la identidad
clásica como en los ejemplos
anteriores que se conserva la
tipografía o al menos uno de
los elementos, pero haciendo
referencia con una analogía
entendible a través de la
disposición de los elementos
simbólicos de la imágen, como
las salchicas representando
los revólveres y las fresas las
rosas.
Fig 46. Modificación hecha para el día de
las madres 2018.
Fuente: [Link] Año: 2018

111
 ocasiones especiales:

Tributo de homenaje al
equipo de soccer brasileño
“Chapecoense”, despues del
accidente aéreo de 2016.

Se fusiona a través de
transparencia y escala de
grises la identidad de Guns N’
Roses y el equipo.

Fig 47. Imagen Tributo al equipo

“Chapecoense”
Fuente: [Link] Año: 2016

Fig 48. Colaboración con Harley Davidson

Fuente: [Link]
Año: 2016

112
Es importante concluir esta sección haciendo mención que en
los ejemplos expuestos anteriormente se sigue conservando la
identidad y esencia de Guns N’ Roses, sin embargo, al ser una
marca, independientemente de ser una banda con toda una
historia detrás, persigue un objetivo comercial.

Para satisfacer este objetivo y al mismo tiempo reforzar el

vínculo de identidad con su público, la imagen de la banda ha
pasado por varias modificaciones a lo largo de su gira mundial
“not in this lifetime tour”, adaptándose y empatizando con el
contexto sociocultural del lugar en donde se presente la banda
o con acontecimientos específicos como festividades durante
año, colaboraciones, entre otros.

Esta estrategia de marketing y posicionamiento es comunmente

aplicada por grandes marcas de distintos giros, que tienen que
adaptar su producto y su sistema de comunicación para poder
sobrevivir en determinados contextos sociales. Tal como el
caso de McDonalds, que tiene un menú diferente en cada país
en el que se encuentra presente sin perder la esencia de ser
un restaurante de comida rápida que vende hamburguesas y
papas fritas.

Bajo la misma idea de la adaptabilidad de la marca, y como parte

de una atinada estratégia de marketing, los elementos icónicos
que forman parte de la identidad se remplazan haciendo uso
de figuras retóricas, principalmente de la analogía, cambiando
las rosas y las pistolas por elementos gráficos que compartan
características visuales y se adapten en forma y tamaño.
Por ejemplo cambiar los revólveres por bastones de caramelo en
navidad, ambos son figuras delgadas y largas, y la disposición
de los mismos en la composición está perfectamente lograda
para seguir conservando la esencia de la identidad, logrando
que la ya reconocida imagen de Guns N’ Roses llegue a un
nivel de conexión más cercano con el contexto y por ende con
los fans.

113
3.4 El paso del tiempo en la identidad,
cambios, y evolución.

Con el paso del tiempo la banda ha pasado por diferentes etapas, cada una de ellas
con cambios en su estilo musical y visual. Por ende su identidad también se ha
transformado y ha pasado por distintas adecuaciones logradas específicamente
para cada momento y escenario por el cual atravesó la trayectoria de Guns N’
Roses, siempre conservando la esencia original de la banda. Siendo la adecuación
del 2008 la más notoria y radical, en la que se aleja de las clásicas armas y rosas
para dar paso a un nuevo álbum.

A continuación se presenta una línea del tiempo con la evolución de la identidad

de la banda.

114
a) 1985:

Primer y rudimentario logo de la banda, se cree fue diseñado por el guitarrista

Slash para ser usado en sus primeras presentaciones en Los Ángeles, cuando
necesitaban hacer flyers o pancartas.

b) 1987:
Se formalizó el logo y se añade la bala como envolvente, se conservan los
elementos principales y originales, que son las armas y las rosas sangrantes, se
dice que la formalización de la imagen estuvo encargada al artista Bill White.
De esta fecha a la actualidad, el logo de Guns N’ Roses ha permanecido estable,
aún así, se han realizado distintas adaptaciones de la identidad para momentos
específicos como el lanzamiento de un álbum o el anuncio de alguna gira o evento,
tal como se analizó en el apartado anterior.

c) 1993:
Para la segunda etapa de la banda en la década de los noventa, se cambia
radicalmente el estilo musical y visual, en lo musical se busca mas formalidad
y se añade el piano, un instrumento que no se consideraba tuviera cabida en el
género rock.

Visualmente, puede verse a un Guns N’ Roses mucho más maduro, esta vez sus
integrantes han dejado atrás la era glam que los caracterizó en la década de los
80, se despidieron del delineador, el estampado animal print y aquellos vestuarios
exageradamente llamativos.

En cuanto a su identidad gráfica, nace la imagen de la calavera con el icónico

sombrero de copa de Slash, se conservan una vez más los elementos originales
de las armas y las rosas.

Esta nueva imagen surge para acompañar el lanzamiento de la canción “you

could be mine”, que forma parte del soundtrack principal de la película Terminator,
en la que se hace referencia en varias ocasiones a la banda.

115
d) 2001:
En este año la banda con los miembros originales ya estaba separada, el
vocalista, único miembro original convoca una nueva alineación y nace un Guns
N’ Roses totalmente diferente, con un concepto basado en la critica socialista y la
cultura china, alejado de los elementos estéticos tanto sonoros como gráficos que
caracterizaban a la banda de los ochentas y noventas.

La clásica imagen de las pistolas y las rosas desaparecía para da paso a una
composición mucho más sencilla con una estrella como elemento principal, es
importante también destacar que en esta etapa tampoco se conserva la tipografía
original y es remplazada por una que va más con el concepto del nuevo álbum en
progreso.

e) 2008:
Después de años de espera, el álbum Chinese Democracy por fin ve la luz y
necesita de una imagen que lo identifique, es entonces cuando surge la identidad
de creada para el album Chinese, reforzando el concepto musical del mismo.

f) 2016 :
Este año sin duda marca un punto de gran importancia en la historia de Guns
N’ Roses, después de más de dos décadas de separación, la banda por fin
vuelve a reunirse, dando por terminada la era del Chinese Democracy, Guns N’
Roses vuelve a sus inicios, y retoman su identidad original de 1987, haciendo
adaptaciones para encajar en la era digital y comenzar con el pie derecho su gira
mundial.

Los cambios son a penas perceptibles, el logo análogo de 1987 sigue conservando
los mismos elementos icónicos que lo distinguen e identifican, lo único que cambia
es la técnica, ahora es digital, lo que ha permitido añadir detalles peculiares a la
composición.

116
Cada elemento parece estar desarrollado por separado con la
finalidad de dotarle de mayor sensación de tridimensionalidad
así como mayor cuidado de detalles y texturas, incluso podría
existir la posibilidad de que cada uno de estos elementos
icónicos fuera creado independientemente en algún software
de representación 3D.

Si se observa con cuidado también se distinguen diferencias en

los tallos, esta vez tienen un aspecto más realista y con mayor
volumen, el color verde se ha obscurecido un poco, las sombras
se procuran más e incluso han desaparecido algunas espinas.

También son observables algunos pequeños cambios en las

rosas, esta vez las gotas de rocío que se posaban sobre los
pétalos y en algunas hojas, han disminuido considerablemente
hasta el punto de casi desaparecer, las gotas de sangre que
escurren de las rosas han perdido aquellas luces que les
dotaban de tridimensionalidad o realismo, y las rosas en si
también han cambiado ligeramente su morfología, esta vez hay
más parecido entre ellas, si no se observa con atención incluso
podría decirse que son idénticas.

Actualmente esta es la identidad que se utiliza en todos

los medios de comunicación oficiales de la banda, en las
presentaciones durante los conciertos y en ocasiones en la
mercancía oficial.

Es destacable como aún con todos los cambios y etapas de la

banda, después del paso de los años y de las adecuaciones
a la identidad, algunas más destacables y reconocibles como
el logo del cráneo, así como adecuaciones menos aceptadas
por la comunidad de fans como la imagen de la era Chinese
Democracy, se decide retomar el diseño original de la identidad

117
visual que acompañó a Guns N’ Roses mientras su popularidad subía como la
espuma en la década de los 80, su buen diseño volvió al logo como uno de los
más famosos de la historia visual del rock, lo hizo memorable, increíblemente
popular y sobre todo atemporal, si bien se hicieron pequeñas adaptaciones a la
identidad visual, estas fueron casi imperceptibles y con el principal propósito de
adaptarla a la era digital, pero la esencia, e iconismo de la identidad sigue ahí,
y seguramente, en un futuro, incluso cuando la misma banda no exista más, su
imagen persistirá, como la representación gráfica de la esencia de la última gran
banda de rock.

3.5 Análisis de los principales productos

visuales de la banda:
La cantidad de material visual que podría analizarse en esta sección es demasiado
amplia, por lo que únicamente se hará la recopilación de aquella herencia gráfica
de mayor importancia, la más popular y con más impacto que Guns N’ Roses ha
dejado a la historia de la música.

1)Las portadas de álbum:

Guns N’ Roses cuenta con un amplio material discográfico desde sus brumosos
inicios hasta la ultima producción oficial en 2001, durante este periodo, el cover
art de sus álbumes ha ido evolucionando junto con el propio estilo musical de
la banda, se puede observar en un principio a un Guns N’ Roses más rebelde y
explosivo, con algunos tintes de glam, metal y punk, y con el paso del tiempo se
puede ver una imagen un poco más madura, con portadas más alejadas de la
polémica y más centradas en el contenido artístico.

Es de esta manera como nacen dos de las potadas más importantes y populares
de la banda; las de su álbum debut Appetite for Destruccion y la del álbum gemelo
Use Your Illusion I y II.

118
a) Appetite for Destruction (AFD):
Como ya fue mencionado con anterioridad en distintos apartados
de esta investigación, la portada de este álbum causó una
tremenda polémica entre el publico de finales de los 80, AFD ve
la luz en 1987 y el arte que acompaña su primera portada está
a cargo del artista Robert Williams, en esta primera cubierta se
presenta una presunta escena de violación, en la que aparece
un violento robot, una mujer con las vestiduras desgarradas
y la ropa interior en sus tobillos, y una especie de monstruo
alienígena que flota sobre la escena.

No existe una versión concreta de cual era la intención de la

banda o el artista al crear esta portada, se dice que lo que
la portada intentaba representar era el sucio y nada seguro
ambiente en las calles de Los Ángeles en esa época, como
diciendo que el peligro se encontraba a la vuelta de la esquina,
por supuesto que la violencia que Guns N’ Roses quería
reflejar a demás de con su música de manera visual, estaba
explícitamente reflejada en esa portada, a demás se cree que
el icónico personaje del robot es el famoso personaje que
“asediaba” a los Guns, Mr. Brownstone de la canción con el
mismo nombre que forma parte de álbum, y que en realidad era
la representación simbólica de las adicciones de los miembros
a distintas substancias narcóticas.

En cuanto a los elementos icónicos del ser extraterrestre y la

mujer abusada no ha sido posible encontrar información de
una fuente confiable, pero es claro que son parte esencial del
violento discurso.

Por supuesto que a las tiendas distribuidoras de discos, MTV y

el público conservador de la década, la idea de una portada así
no les resultó para nada agradable, por lo que fue censurada, y
la disquera Geffen Records fue obligada a pedir a la banda que

119
cambiara el cover art de su álbum debut, es este
momento cuando nace la clásica portada de la
cruz celta con los cráneos de los 5 integrantes,
esta vez la portada fue mucho mejor recibida,
aun que no dejaba de causar desagrado entre
los más quisquillosos.

Un excelente diseño en el que la cantidad de

elementos se reducían mientras se seguía
conservando la esencia de la banda y de aquella,
su primera producción musical discográfica, esta
vez a manos del artista del tatuaje Bill White,
quien se cree también fue responsable de la
identidad visual de la banda.

Así mismo, esta ultima portada, la de la cruz celta,

también ha recibido algunas modificaciones
con el tiempo, se han generado versiones
alternativas (tal como se aprecia con el logo en
el apartado anterior), dependiendo de la ocasión,
por navidad o halloween aquí un ejemplo:
Fig 49. Modificación de la cruz clásica de appetite for des-
trucction para su adaptación textil.

Fuente: Imagen encontrada en facebook

Año: 2018

120
b) Use Your Illusion I y II:

Este álbum doble nacido en 1993, representa la evolución de Guns N’ Roses,

desde su estilo musical, hasta de los propios integrantes, pueden verse más
maduros y una clara prueba de esto es como sin abandonar sus orígenes de hard
rock, incursionan más en los sonidos del blues y la música clásica, incorporando
a sus composiciones instrumentos como el piano y distintas piezas consideradas
como baladas.
En cuanto a su imagen, esta vez no hay alienígenas ni robots violadores, para la
portada de este álbum se elige un pequeño fragmento de la obra “La escuela de
Atenas” de Rafael, se pasa por un proceso de transformación gráfica a cargo del
pintor y diseñador estadounidense Mark Kostabi.

El proceso de transformación consiste en lo que parece la posterizacion de la

imagen y el cambio cromático, manteniendo el fondo monocromático, el Use Your
Illusion I con tonalidades de amarillo y el Use Your Illusion II con tonalidades
de Azul y conservando al personaje principal de la escena, un niño escriba,
monocromático en escala de grises.

Fig 50. Closeup de la obra de

Rafael “La escuela de Ate-
nas”.
Fuente:[Link]
com/
Año: 2016

121
Fig 51. Primera portada del disco doble “Use Your Ilusion” 1991
Fuente: [Link]
Año: 2019

122
Fig 52. Segunda portada del disco doble “Use Your Ilusion” 1991
Fuente: [Link]
Año: 2019

123
2) El video que marcó un antes y después en la producción
audiovisual del rock, November Rain:

November Rain se hizo destacar de todas las demás canciones

de Guns N’ Roses desde su aparición en el álbum Use Your
Illusion I, esta canción compuesta por el vocalista Axl Rose desde
1983 es considerada por importantes críticos y editoriales como
una de las baladas más hermosas del rock, y es que engloba una
complejidad instrumental que la hace única totalmente diferente
al explosivo y agresivo sonido característico de Guns N’ Roses,
otro aspecto además que la vuelve destacable es su notoria
larga duración, que en un principio le costó popularidad, pues
8:58 minutos de duración son para nada comerciales, pero por
otra parte, la misma extensión de la canción abrió la posibilidad
a la creación de un video musical de larga duración en 1992,
con una increíble producción audiovisual semejante a la de un
largometraje cinematográfico, en 9:17 minutos, November Rain
cuenta una fatídica historia romántica capaz de erizarle la piel
a más de uno.

La producción de este videoclip tuvo un costo aproximado de

1,5 millones de dólares, colocándolo como el noveno video más
caro de la historia, y estuvo a cargo del director Andrew “Andy
Morahan”, el concepto del video está basado en la historia corta
“Without you” de Del. James, November Rain se ubicó en el
puesto 5 de las 1000 mejores canciones de todos los tiempos
según la revista Q Music y en el puesto 6 de las mejores
canciones que incluyen a los mejores solos de guitarra de la
historia e involucró el trabajo de un vasto equipo de productores
visuales.

124
Solamente el video y toda su carga semiótica da para generar un extenso análisis del mismo,
pero en este apartado, para efectos de practicidad, solo es mencionado un fragmento de su
historia y superficialmente se puede interpretar gracias a los distintos signos visuales y auditivos,
una historia de amor inspirada en la vida misma de Axl Rose, quien inspiró a su vez la historia de
Del James, en el que se habla de una traición amorosa en la que dos amigos están enamorados
de la misma mujer y ella decide estar con uno mientras está enamorada del otro, al final todo
termina en tragedia y ambos amigos pierden a su gran amor, representado con la misteriosa
muerte de la novia en el video.

125
126
CONCLUSIONES GENERALES:

La identidad visual, como área de desarrollo del diseñador

gráfico, consiste tal como lo menciona Costa, en la creación
de un sistema de signos que sean capaces de representar
gráficamente de manera concisa y lo más objetiva posible, la
esencia de aquello a lo que se le está asignando una identidad
visual, ya sea una marca, una persona, una banda de rock…

Y siguiendo entonces con la clara idea del sistema de signos,

y atendiendo pues a los estudios y teorías desarrollados por
Charles Peirce, se obtiene una mejor comprensión de cómo
funciona todo el proceso identitario, como es que los elementos
gráficos que componen un sistema de identidad son capaces
de generar identidad a través de sus características visuales,
el significado que el receptor les asigna según su percepción
y posteriormente la contextualización de los mismos y su
interacción con el receptor así como su entorno social, cultural,
geográfico, etc.

Puede llegarse a la conclusión entonces de que una identidad

visual es exitosa, cuando logra capturar las características
distinguibles de quien se está representando y generar un
vinculo, una conexión de identificación entre aquel mismo a
quien se representa así como al receptor de este último.

Y la afirmación anterior es ampliamente observable en el mundo

de la música, cuando la identidad visual es acertada, a demás
de concretar de manera gráfica los valores que distinguen al
artista, también hace un vínculo con el público del mismo, cuando

127
un fan se siente identificado, el trabajo gráfico de la identidad
visual de una banda puede ser usado como estandarte, portado
aquí y allá en camisetas, tatuajes y posters, así como un sinfín
de objetos con la reproducción del sistema.

Una identidad visual que logra generar tal nivel de conexión

e identificación, se vuelve atemporal, en el caso del rock
por ejemplo, todo el sistema se vuelve un icono del género,
especialmente observable en las grandes bandas de todos los
tiempos, su identidad visual ya no solo los representa a ellos
mismos, sino que ahora representa todo un género, identidades
bien logradas como la del caso de estudio, Guns N’ Roses, Led
Zeppelin, The Rolling Stones, Ac/Dc, entre otras, a demás de
representar a los miembros y estilo musical de cada una de
las bandas, se han vuelto iconos mismos de toda una cultura y
movimiento social nacido hace ya más de 60 años.

El poder del impacto visual es así de grande, en el caso de la

música y del rock en si, es capaz de marcar generaciones y
convertirse en la bandera de aquellos que se sienten conectados
e identificados con aquella sensación de rebeldía, anarquía,
energía y poder que produce la sonoridad del género musical
así como aquellas memorables imágenes que con el paso de
los años fueron generando una cultura colectiva de la identidad
del rock.

128
129
Bibliografía
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