LA MÚSICA EN OTRAS DISCIPLINAS

FÍSICA Y MÚSICA (María)

“Desde que Pitágoras descubrió la escala musical, hace 26 siglos, la

música es física y la física es música”

Cuando pensamos en la música, especialmente si no sabemos mucho de

ella, tendemos a asociarla a un concepto abstracto relacionado con los sentimientos
y emociones que transmite, pero alejado de toda lógica, números o ecuaciones. Lo
cierto es que cuanto más estudias y profundizas en el tema te das cuenta de que
para que la música en sí sea posible, son necesarias una serie de relaciones
numéricas que hagan posible que exista en un mundo físico.
Es por esto que la física y la música han estado necesariamente unidas
desde la creación de ambas y hay diversas parcelas en las que convergen. Un
ejemplo de esta relación viene presentado por el físico Jean-Baptiste Joseph
Fourier, mediante un concepto aparentemente bastante alejado de la música: la
ecuación del calor. Gracias a esta ecuación, se hizo un descubrimiento que pudo
explicar una cualidad del sonido como el timbre, hasta entonces desconocida, que
tuvo consecuencias en todo el ámbito de desarrollo musical. Lo que hizo Fourier,
simplificando mucho, fue descomponer una vibración como la del sonido en una
serie de figuras sinusoidales, es decir, siguiendo la función seno. De esta manera,
obtuvo una gráfica con este aspecto:

Sin embargo, no fue Fourier el primero en darse cuenta de que el timbre

dependía de estas vibraciones, sino el físico francés Joseph Sauveur, quedando
demostrado en su obra “Traité de la Théorie de la Musique” de 1697. Con esto
quedó demostrado que el sonido es un movimiento ondulatorio que cambiaba en
función de la variación de las propiedades de la onda que lo produce.
Gran parte del conocimiento actual del movimiento ondulatorio proviene del
estudio acústico (otra prueba más de la relación física-música). Los antiguos
filósofos griegos, muchos de los cuales estaban interesados en la música, tenían la
hipótesis que había una conexión entre ondas y sonidos, y que las vibraciones, o
alteraciones, debían ser las responsables de los sonidos. Consideraban que la
música se fundamenta en una serie de proporciones, ya que su belleza reside en los
números que son la base para construir los intervalos. Gracias a estas hipótesis
Pitágoras descubrió lo que denominó como el fenómeno físico armónico que a su
vez dio lugar a un concepto fundamental en la música: el armónico. Este fenómeno
se vio demostrado cuando observó que hilos de distintas longitudes vibraban
producían sonidos distintos, y determinó la relación matemática entre las longitudes
de los hilos y los tonos que emitían al vibrar. De esta manera, descubrió los
intervalos que le resultaban “agradables” al oído humano, es decir, el tono, la
octava, la quinta y la cuarta. Este descubrimiento dio lugar a la creación de los
distintos sistemas de afinación que surgieron posteriormente.
Para entender cómo la música es un fenómeno físico es necesario entender
con precisión el concepto de onda. Una onda, según la física, es una “propagación
de energía (y no de masa) en el espacio debido a la perturbación de alguna de sus
propiedades físicas, como son la densidad, presión, campo eléctrico o campo
magnético. Algunas ondas, como las sonoras, no pueden transportarse en el vacío,
requieren de un medio físico, como el aire. Otras, como las ondas
electromagnéticas, pueden hacerlo perfecta y velozmente”.
Es preciso definir también lo que se denomina frecuencia de una onda. La
frecuencia es el número de veces en el cual una partícula de la onda completa lo
que se considera un ciclo completo en un segundo. Esto es más sencillo de ver
mediante un dibujo:

Lo que nos interesa de esta gráfica es la T (el periodo). El periodo es lo que

se define como el tiempo que transcurre desde que una partícula se encuentra en
un punto de la onda hasta que llega a un punto equivalente de dicha onda, es decir,
a un punto en el que tenga la misma dirección, mismo sentido, y misma posición en
el eje vertical que el primer punto. En un péndulo oscilante por ejemplo, el periodo
sería el tiempo que la masa, comenzando su trayectoria en el extremo izquierdo,
tarda en desplazarse hacia la derecha, para luego regresar hasta el punto inicial a la
izquierda, lo que se consideraría una oscilación. Pues bien, la frecuencia es el
número de veces que una partícula completa su periodo en un segundo. Esto se
calcula mediante la ecuación: frecuencia = 1/T, y la unidad más común que se utiliza
para medirla son los hercios (Hz).

1
 La frecuencia es lo que hace que las notas suenen como lo hacen y así se
puedan identificar. Por ejemplo, si cogemos un diapasón y lo golpeamos sonará la
nota La de 440 Hz. Hasta aquí es bastante intuitivo, ya que aparentemente solo se
produce un sonido, pero lo sorprendente, según lo que establece el teorema de
Fourier, es que esa frecuencia en cualquier instrumento musical es el resultado de la
suma de infinitas frecuencias que son múltiplos de la frecuencia fundamental (440
Hz). Esta serie de múltiplos son lo que conocemos como armónicos. Si tocamos, por
ejemplo, la tecla correspondiente al segundo La del piano, lo que suena realmente
es esto:

En función de la amplitud que tengan cada uno de estos armónicos, el timbre

del sonido variará y es lo que nos permitirá diferenciar que ese “La” ha sido emitido
por un piano y no por un un violín o una flauta.
Las ondas que produce el sonido se denominan ondas longitudinales, pero es
así solo cuando dichas ondas se desplazan por gases o líquidos, en sólidos es
distinto. En este tipo de ondas, las partículas alteradas por la onda se desplazan en
paralelo a la dirección a la onda que se propaga, es decir, siguiendo el siguiente
esquema:

Además, el sonido es una onda tridimensional ya que se propaga en tres

dimensiones, formando una esfera, como vemos en la imagen anterior.
Las ondas sonoras que provocan que los instrumentos musicales suenen son
un tipo específico llamado ondas estacionarias. Una onda estacionaria es aquella
formada por la superposición de dos ondas con características similares que se
propagan en sentidos opuestos dentro de un mismo medio. Las ondas estacionarias

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pueden tener los extremos cerrados o abiertos. Aquellas con los extremos cerrados
se forman en instrumentos de cuerda. Al variar la longitud de la cuerda o al pulsarla
sobre un mástil, lo que hacemos es variar la frecuencia de las ondas que se forman
en ella y así cambiamos el tono que se emite. Este tipo de ondas estacionarias

tienen este aspecto:

Por el contrario, las ondas que se forman en instrumentos de viento
generalmente son de extremos extremos y tienen el siguiente aspecto:

Finalmente, hay excepciones de instrumentos en los cuales sus ondas tienen

un extremo cerrado y otro abierto (semicerrados). Este es el caso de los clarinetes o
las flautas de pan. En estos instrumentos las ondas tienen este aspecto:

Un instrumento que supone un gran reto para la ingeniería es el órgano. El

órgano está compuesto por tubos con extremos abiertos, cerrados o semicerrados,
por lo que cada tubo debe ser calculado con precisión y teniendo en cuenta las
ondas que se formarán en su interior para que emita la nota deseada.
Afortunadamente, hay una serie de ecuaciones que nos permiten calcular la longitud
que tiene que tener cada tubo, a partir del número del armónico que queramos

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producir, la velocidad de propagación del sonido en el aire y la frecuencia de la onda
emitida.
Un elemento clave a tener en cuenta a la hora de construir un instrumento es
la resonancia. La resonancia es un fenómeno puramente físico que aparece cuando
una fuerza es aplicada de forma repetida sobre un sistema y tanto la frecuencia de
la fuerza como la de la frecuencia son iguales o similares. Gracias a la resonancia
son posibles la mayor parte de instrumentos musicales que conocemos hoy en día,
ya que el piano, el violín, el cello, la guitarra y otro muchos ejemplos se ayudan de
dicho fenómeno para hacer que las ondas emitidas por la vibración de sus cuerdas
reboten y se incrementen en la llamada “caja de resonancia”, produciendo así sus
sonidos característicos.
Gracias al estudio de la relación entre la física, las matemáticas y la música
se creó una nueva disciplina: la acústica. La acústica analiza las ondas que se
propagan a través de la materia, tanto sólida como líquida o gaseosa, por medio de
modelos y esquemas físicos y matemáticos. Esta disciplina ha sido fundamental en
el mundo de la música, siendo indispensable desde la construcción de instrumentos
hasta el diseño de salas o auditorios de conciertos, haciendo avances también en el
tipo de materiales que se usaban en la construcción de dichos edificios, estudiando
cuáles absorben o hacen rebotar las ondas sonoras. En la antigüedad se construían
salas con diferentes formas, hasta que se conseguía una con una buena sonoridad,
y posteriormente se trataba de copiar ese diseño en nuevas salas. Una prueba de la
preocupación que se tenía ya desde las civilizaciones clásicas por la acústica son
los anfiteatros Estos edificios tienen unas características favorables para propiciar
una buena proyección del sonido. Hoy en día, gracias a los conocimientos teóricos y
al desarrollo de la acústica, se pueden calcular las formas, dimensiones y
estructuras idóneas para una sonoridad óptima. Aún así, es frecuente que una vez
construida la sala aparezcan inconvenientes que no se tuvieron en cuenta en su
construcción ya que cada elemento que haya en la sala influye, ya sea
ornamentación, butacas, objetos o personas.
La acústica trata no sólo la lógica a seguir para que algo suene o resuene
mejor, sino también algunas preguntas clave en el desarrollo musical, como por
ejemplo ¿cuál es la diferencia entre ruido y sonido?¿en donde debemos establecer
los límites?
Teóricamente, el sonido y el ruido tienen una diferencia fundamental, el
orden. Un sonido está asociado a una cierta periodicidad, es decir, las vibraciones
que son emitidas en un sonido siguen una estructura que se repite en el tiempo
tantas veces como se prolongue el sonido. Con el ruido ocurre lo contrario, ya que
en este caso no hay ninguna estructura clara que se repita periódicamente. Por lo
tanto, es una señal aperiódica. Esta diferencia es muy clara en una gráfica, ya que
la gráfica del sonido tendría una apariencia ordenada y podríamos observar esa
periodicidad, mientras que en la del ruido solo veríamos una línea formando un
dibujo aleatorio.

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 Además de esta diferencia, físicos y músicos distinguen también estos dos
conceptos de formas distintas. Para un músico, el sonido tiene una altura de tono
determinada, es decir, podemos asociarle el nombre de una nota, aunque esta
tenga que estar desafinada para encajar con dicho sonido. Al ruido no podemos
situarlo en una escala musical. Para un físico, el sonido y el ruido se diferencian por
la cantidad de frecuencias que tienen cada uno. Un sonido tiene una frecuencia
fundamental y un número determinado de armónicos que hacen que podamos
situarlo en un pentagrama. El ruido se podría situar únicamente en una gráfica con
una sucesión de frecuencias aleatorias. Aunque aparentemente estas dos
explicaciones sean distintas, en realidad no son más que dos maneras de decir lo
mismo, pero empleando términos de distintas disciplinas, lo que justifica una vez
más la relación entre física y música.
Sin embargo, esta relación también ha planteado diversos problemas, y esto
se debe a que la teoría muchas veces no refleja exactamente lo que sucede en la
práctica, prueba de ello son los distintos sistemas de afinación que se han creado.
Partiendo de una octava se han creado diferentes sistemas para dividirla en
distintos lugares del mundo, y dan lugar a lo que conocemos como “escalas”. Estos
sistemas se basan en cómo percibimos los armónicos y las relaciones entre las
frecuencias de algunos de ellos. Las primeras escalas provienen de civilizaciones
muy antiguas, como la china o la armenia. Los primeros estudios conocimos fueron
hechos a manos de Pitágoras. Como ya he mencionado anteriormente, este estudió
cómo cambiaba el sonido de una cuerda cuando la dividía en partes iguales, lo que
produjo una serie de sonidos armónicos que formaban intervalos entre sí. Esto es lo
que se podría considerar la primera escala, sin embargo, si tratamos de dividir
matemáticamente una octava en partes iguales, estas partes no coincidirían con los
intervalos obtenidos anteriormente, lo que genera una incongruencia.
A partir de ese momento, se comenzaron a crear diversos sistemas para afinar los
instrumentos, como el sistema generativo de Pitágoras, el Temperamento
mesotónico de ¼ de coma o el temperamento igual, que reducen, aumentan o
aproximas frecuencias e intervalos para permitir que exista el concepto de escala.
Estas aproximaciones son imperceptibles para el oído humano pero sin embargo sí
son notorias en las ecuaciones y cuentas.
Por ejemplo en un piano, hay cuerdas que generan inarmonías, por lo que se afina
de tal manera que los armónicos suenan un poco por debajo del La (440 Hz) para
compensar esa inarmonización. Esto se conoce como “octavas dilatadas” y si nos

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acostumbramos a escuchar el piano, nos acostumbraremos también a dichas
octavas.
Con este ejemplo nos damos cuenta de que la relación entre música y física no es
perfecta pero sí necesaria y por lo tanto, en diversos casos una u otra disciplina
tiene que aproximarse o adaptarse a la otra para que dicha relación pueda
mantenerse. Por lo tanto, es imposible hablar de música sin referirse, directa o
indirectamente, a física, y viceversa.

BIBLIOGRAFÍA:

LA MÚSICA EN LA MEDICINA (Carlota)

- Posibles relaciones (introducción)

La música y la medicina conviven, desde tiempos inmemorables, nutriéndose

recíprocamente. De este modo podemos encontrar aplicaciones médicas en la labor
musical como puede ser el cuidado de las cuerdas vocales de un cantante o la
asistencia y tratamiento de una lesión en la muñeca de un pianista. Sin embargo, en
este apartado del trabajo que nos ocupa, se tratarán los usos de la música en
labores médicas centrándonos, como no podría ser de otro modo, en la
musicoterapia y los beneficios que esta brinda al paciente.

Es conveniente tener siempre presente que, no solo se ven favorecidos por la

música los pacientes hospitalizados o que están pasando por una enfermedad, sino
que todos nosotros empleamos la música como método para gestionar nuestras
emociones.

Por ese gran uso que hacemos de la música, en las siguientes líneas se facilitará
más información sobre su empleo, métodos y ocasiones en las que una melodía
puede hacernos cambiar de ánimo e incluso puede paliar el dolor.

- Usos de la música históricamente en los cuidados médicos

En el transcurso de la historia la relación entre la música y la sociedad ha

evolucionado, al igual que ha evolucionado la conexión existente entre música y
enfermedad.

. LA MÚSICA EN LA ANTIGÜEDAD

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Antes de conocerse la eficacia de la música y melodías en la salud de manera
empírica, esta se empleaba de manera mágica, religiosa y creencial. No se usaba
solitariamente, sino que a la vez que se aplicaban los fármacos y se llevaban a cabo
intervenciones quirúrgicas, se recitaban conjuros que se basaban en ensalmos1 con
una base musical o, al menos, rítmica.

Con el nacimiento del Juramento Hipocrático en el siglo IV aC y su establecimiento

en la sociedad de la época, los médicos seguidores de este texto, llamados médicos
hipocráticos comenzaron a rechazar el uso de ensalmos y cantos en la práctica
médica. A pesar de que este conjunto de recitales se asociaba a una medicina
anterior, obsoleta e inútil, se puede encontrar libros componentes del mencionado
Juramento Hipocrático que adoptan e incluso apoyan el uso de música en la
medicina.

. LA MÚSICA EN LA EDAD MEDIA

Los datos nos trasladan del siglo IV aC a los siglos V-VI dC, puesto que en la
literatura de la Edad Media se puede observar cómo se recogió toda la sabiduría
referente a la música y sus efectos en la salud. Durante los diez siglos posteriores,
la música se trató como rama de las matemáticas y la filosofía, dotándose así de
una cierta relevancia que la ayudaría en su labor médica. Hasta el siglo XV la
música se recomendó por parte de los médicos para el tratamiento y prevención de
patologías relacionadas con el ánimo. Su aplicación se recogía en el libro “Regimen
Sanitatis Salernitanum”, texto que recogía normas de higiene y alimentación,
además de otras prácticas terapéuticas como la que nos ocupa, llamada
actualmente musicoterapia.

. LA MÚSICA EN LA EDAD MODERNA

A finales del modernismo (siglo XVIII) se crea otra corriente, esta relaciona la
expresión musical y la medicina de un modo más mecanicista con respecto al
anterior, que se basaba mayoritariamente en el humoralismo2. Esta nueva
percepción habla de cuestiones más mecánicas o químicas, argumentando que la
mecánica de la música y los movimientos vibratorios de los sonidos actúan sobre
todo el cuerpo a través de las membranas nerviosas, lo que resulta en un cambio en
la enfermedad y su funcionamiento.

Como curiosidad, España se ve influenciada principalmente por la obra de Francisco

Xavier Cid, que recogía casos y testimonios sobre el tarantulismo y su tratamiento
gracias a la música. Se conocía con el término tarantulismo a una enfermedad
originaria de Italia causada por la picadura de tarántula (viuda negra). Esta afección

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causaba síntomas físicos comunes de una picadura de araña y síntomas psíquicos
como trastornos del comportamiento.

En la práctica clínica se llegó a la conclusión de que el tratamiento de los síntomas

psíquicos de los pacientes debía basarse en la escucha del género musical
Tarantela. El proceso que se continuaba y que curaba esta patología era tratado
como un fenómeno de sugestión que hacía bailar a los enfermos al ritmo de la
música y les originaba la idea de que los problemas psicológicos que había causado
el tarantulismo estaban ya sanados. En conclusión, la música actuaba como efecto
placebo, al crear la convicción de que los síntomas se habían sanado, estos
verdaderamente cesaban.

. LA MÚSICA EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA

Se puede decir con seguridad que, en la actualidad, todas los usos que se hacían
de recursos musicales en la medicina, se llevan a cabo sobre un fundamento teórico
y comprobado. De este modo nace la MUSICOTERAPIA.

. ¿QUÉ ES LA MUSICOTERAPIA?

Esta disciplina se basa en el uso de la música con fines terapéuticos en pacientes.

El objetivo es el de mejorar la salud mental y el bienestar general. Es realizada por
médicos en hospitales, es decir, no se trata de una pseudociencia, sino que se
encuentra integrada en los conocimientos médicos.

. ORIGEN DE LA MUSICOTERAPIA?

Como ya se ha contado, el uso de la música en la medicina tiene su origen en la

antigüedad; sin embargo, esta terapia específica surge en la Primera Guerra
Mundial. Fue en Estados Unidos donde se contrataron músicos para que acudieran
a hospitales a modo de entretenimiento y animación pero, al verse los buenos
resultados y mejoras en los soldados que se encontraban hospitalizados o que
habían sido intervenidos, esta práctica se continuó y se volvió un esencial en la
Segunda Guerra Mundial.

Pocos años más tarde, en el 1950, surge la National Association for Musical
Therapy, asociación que promueve e impulsa los estudios en la denominada
Musicoterapia en universidades de EEUU. Poco tiempo después, países como
Reino Unido, Italia o Argentina adoptan esta formación en sus facultades.

. ¿CÓMO FUNCIONA?

Todo músico conoce que la música se compone gracias a un ritmo, una melodía,
una armonía o una tonalidad que crean una atmósfera y pieza con unas

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características determinadas. No obstante, no todo músico conoce que estos rasgos
son esenciales a la hora de llevar a cabo una sesión de musicoterapia.

Comenzando por el principio, la musicoterapia se crea con un objetivo concreto,

objetivo que en palabras de la Federación Española de Asociaciones de
Musicoterapia (FEAMT) es el siguiente: «Esta terapia tiene como fin desarrollar
potenciales y/o restablecer funciones del individuo para que éste pueda emprender
una mejor integración intrapersonal e interpersonal, y en consecuencia alcanzar una
mejor calidad de vida, a través de la prevención, la rehabilitación o el tratamiento».

Este tratamiento se basa en la experiencia sensorial y emocional de la música y sus

diferentes géneros en un individuo. Precisamente por esta razón, es capital una
buena elección del género con el que se va a trabajar en función del paciente
necesitado, sus gustos o su patología.

Diversos estudios realizados principalmente en Canadá por Mona Lisa Chanda y

Daniel Levitin, fueron publicados en un informe bajo el nombre de The
Neurochemistry of Music. Las conclusiones a las que llegaron los investigadores
fueron las desarrolladas a continuación:

. Las cuatro áreas médicas en las que la música es útil para paliar el dolor y reducir
el sufrimiento son: Recompensa, motivación y placer (ayuda a TCAs); estrés
(reduce la ansiedad); inmunidad (fortalece el sistema inmune) y afiliación social
(facilita la formación de lazos afectivos y cooperación).

. Las áreas médicas seleccionadas no son elegidas al azar, sino que cada una de
ellas conecta con un determinado sistema neuroquímico que es quien realmente
segrega las hormonas beneficiosas. En cada caso y respectivamente esas
hormonas son: dopamina, cortisol, serotonina y oxitocina.

Por ejemplo, se conoce que la escucha de música relajante reduce la presencia de

cortisol (hormona generada por el estrés), no solo en pacientes con patologías, sino
que en todas las personas. Otra curiosidad nos la brinda un estudio que concluyó
que los pacientes que escuchan la música que les gusta previo a una operación
quirúrgica seria, mostraron menos niveles de ansiedad frente a los que se les
dosifica Valium4.

Una utilidad menos conocida de la música clásica en concreto es su uso para la

disminución del insomnio. Su estudio se realizó en la Universidad de Toronto donde
se concluyó que, al escuchar este tipo de música antes de dormir, los patrones
rítmicos que la componen favorecen un estado meditativo en el sujeto, creándose
así ondas cerebrales más lentas. La creación de este tipo de ondas resulta en la
conciliación del sueño más temprana.

. BENEFICIOS DE LA MUSICOTERAPIA

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En este caso, se puede emplear el ejemplo que enfrenta la música frente al Valium
para clarificar lo siguiente: la musicoterapia podría llegar a emplearse como sustituta
de muchos fármacos empleados masivamente en la sociedad actual. El número de
recetas de fármacos antidepresivos o relajantes como el Valium para tratar
afecciones como la ansiedad o la depresión se ve incrementado día a día. Estos
medicamentos, como cualquier otra medicina, causan efectos secundarios
indeseados en el paciente. A través del estudio de este nuevo tratamiento que
emplea la música para curar, podría frenar este incremento en las recetas de
antidepresivos y demás fármacos, evitando sus efectos secundarios y reduciendo el
dinero que las familias deben desembolsar en la salud, en este caso, la salud
mental.

. FORMAS DE APLICAR LA MUSICOTERAPIA

Otro aspecto con respecto a la musicoterapia es la variedad de formas que tiene su

aplicación. Estas alteraciones dependen de cuan interactiva sea su aplicación. No
solo tiene que limitarse a escuchar música; puede consistir también en componer,
tocar, cantar o bailar.

Para el desarrollo del tratamiento de musicoterapia se organizan diversas

actividades (valorando el grado de interacción necesario con la música) con el fin de
mejorar la dolencia del paciente, siempre teniendo en cuenta las características del
mismo. En el caso de la necesidad de tratar una enfermedad como el estrés,
ansiedad o depresión son útiles las siguientes actividades:

● Estimulación física y psíquica mediante actividades a cielo abierto, con

juegos musicales, iniciación a tocar instrumentos y otros pasatiempos que
conducen a la asociación de un sentimiento positivo con la naturaleza: juegos
de "música y movimiento" (particularmente indicados para niños).
● Segmentación por tipo de música: música en tonalidades mayores (Do mayor
o Sol mayor) para la estimulación de las endorfinas, que sirva como estímulo
catártico hacia la profundidad emocional; música melancólica; música popular
de la zona que provoque buenos recuerdos,... En resumen, música que
estimule la fluidez de sentimientos.

. PACIENTES BENEFICIADOS POR LA MUSICOTERAPIA

Todos y cada uno de nosotros hemos acudido a la música en momentos de bajón o,

por el contrario, en momentos de euforia; ¿no? Esto deja una base clara, no existe
un tipo de paciente concreto ni con una enfermedad definida para poderse
beneficiar de la utilidad de esta técnica, ya que acudimos a este recurso cuando lo
necesitamos y lo consumimos bajo autoprescripción.

Una vez dicho esto, se ven más favorecidos particularmente niños que sufren de
TDAH o autismo. En este último caso, el niño que lo padece logra adentrarse en la

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música lo que produce un efecto de calma. De manera más general, la música
puede acompañarlos y favorecer su desarrollo como personas, de modo que
progresan afectiva, social, emocional e intelectualmente.

Los niños con TDAH muestran dificultad para la concentración y, por ende, para el
aprendizaje. Por ello, la música clásica les es de gran ayuda, ayudando al
establecimiento de conexiones neuronales que facilitan la atención y concentración,
al igual que los estados de relajación

Por otro lado, aquellos que padecen afecciones como estrés o ansiedad relajarían
sus músculos a la vez que su presión arterial si la escucha de música clásica se
volviese algo más habitual, simplemente media hora diaria sería suficiente para
poder apreciar cambios claros.

En el caso de los enfermos con patologías como el Párkinson o el Alzhéimer se

puede observar cómo la música despierta conexiones neuronales necesarias para la
estimulación de la memoria de manera que se pueda estabilizar la enfermedad.

. ¿UN POSIBLE FUTURO?

Si el análisis se hace atentamente, se puede ir más allá de una simple sesión de

baile o de la audición de música relajante para la reducción de los niveles de
cortisol. El inicio en el estudio de un instrumento podría ser de gran ayuda para que
los niveles hormonales se vean regulados de manera constante. De esta manera, se
ve beneficiado el enfermo y se le encuentra una utilidad diferente y suficiente para
tocar un instrumento musical.

. OTRA PERSPECTIVA

Mientras que, cuando surge el tema de la música y la medicina, nuestra mente se

sitúa en técnicas como la musicoterapia; se puede pensar en el uso que los médicos
mismos hacen de la música mientras que realizan su trabajo.

Un ejemplo para comprenderlo mejor lo encontramos en la película “El doctor”. En

esta vemos una escena en la que se está llevando a cabo una operación al mismo
tiempo que suena en el quirófano música de los años 80, fiestera. El cirujano
comenta con sus compañeros que esto le sirve para relajar la tensión y realizar su
trabajo mejor; sin embargo, algunos de sus compañeros opinan que lo que puede
suceder es que se distraiga y cometa una negligencia en cualquier momento.

Estudios revelan que la escucha de música durante una intervención no tiene

porqué resultar en un mejor resultado. No obstante, también sacan la conclusión de
que la música tiene un efecto analgésico que disminuye el estrés.

Ensalmo1: Conjunto de oraciones y prácticas curativas que los curanderos realizan

para sanar a los enfermos.

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Humoralismo2: Doctrina médica según la cual las enfermedades consistirían
fundamentalmente en un desorden de los humores (sangre, bilis negra, bilis amarilla
y flema).

Tarantela3: Grupo de danzas folclóricas originarias del sur de Italia. Se caracteriza

por un ritmo rápido y alegre, generalmente en el tiempo, acompañado de
panderetas.

Valium4: También conocido como diazepam, medicamento que tiene efectos

tranquilizantes, sedantes, relajantes musculares y anticonvulsionantes.

BIBLIOGRAFÍA:

- ¿Música en los quirófanos? Los beneficios de una 'playlist' para cirujanos y

pacientes ([Link])

- La música es medicina: sobre sus comprobadas propiedades medicinales

([Link])
- Medicina y Música a través del tiempo (Universidad de Navarra).

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LITERATURA Y TEATRO EN MÚSICA - Saúl Priede

Índice
-Introducción
-Lenguaje literario y música
-Relaciones musicales literarias
-Teatro
-Conclusión, opinión personal

Introducción
El estudio de las relaciones entre música y literatura ha ido adquiriendo diversas
formas. De forma general, puede decirse que se centra en las similitudes,
paralelismos, divergencias y mutua influencia que puede encontrarse entre ambas.
Se trata de dos expresiones artísticas nacidas de forma conjunta, relación que se ha
mantenido a lo largo del tiempo de distintas maneras.

En la más remota antigüedad la tradición era transmitida de forma oral ya que aún
no existía la manera de perpetuarla de forma escrita. Esta transmisión popular
realizada por juglares y similares era a menudo acompañada de música. De ahí
proviene la palabra lírica que surge del término lira, que era el instrumento que
acompañaba en la Edad Media el recitado de poemas.

Este uso de la música nació como una especie de truco nemotécnico ya que
permitía la memorización más sencilla del relato del juglar. Estos primeros
trovadores y juglares fueron los responsables del nacimiento de la literatura. Lo
interesante es que también lo fueron de la música popular.

Lenguaje literario y música

Las letras de las canciones populares, tanto tradicionales como contemporáneas,
presentan muchos de los recursos habituales del lenguaje literario, como los
siguientes:
● La rima desempeña un papel fundamental. La letra de las canciones se
suele ajustar a la música para crear ritmo.
● El uso de recursos estilísticos (símil, metáfora, anáfora, paralelismo…)
es abundante porque potencia la expresividad de las canciones.

Existen 3 estudios sobre la combinación de las dos artes en la música vocal,

particularmente en la ópera, el Lied o la mélodie française de finales del siglo XIX.
También se ha estudiado el papel de la música en ciertas novelas o el impacto de
corrientes u obras literarias sobre la producción musical. Como ejemplos de trabajos
sobre esta correspondencia de las artes, podemos citar la obra de Jean-Jacques
Nattiez sobre la presencia de la música en la prosa proustiana, de Joycelynne
Loncke sobre la importancia de la música en la poesía de Baudelaire, o, en el

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sentido contrario, la de Teófilo Sanz sobre la influencia de la poesía francesa en la
sintaxis musical de Maurice Ravel. Asimismo, críticos como Leonard Meyer o Enrico
Fubini han realizado investigaciones sobre la semanticidad de la música cuando no
está asociada a un texto.

En la Antigüedad, las manifestaciones literarias de tipo oral y popular iban

acompañadas de melodía. En los cantos religiosos como el gregoriano, se
diferencian tres tipos diferentes en base al número de notas que tiene cada sílaba;
silábico (una sola nota por sílaba), neumático (dos o tres notas en cada sílaba) y
melismático (más de tres notas en cada sílaba).

Ejemplo de canto silábico.

A lo largo del tiempo la música ha recurrido con frecuencia a la palabra.

Muchos autores cultos han imitado en sus composiciones poéticas la letra de las
canciones populares, como las de los campesinos que cantaban durante las
tareas agrícolas. Así lo hizo Lope de Vega, en el siglo XVII, en este Cantar de siega:

Blanca me era yo mas no quiso el sol que fuese blanco el

fuego en mi [Link] edad al amanecer
cuando entré en la siega; diome el sol
y ya soy [Link] solía yo ser era lustrosa azucena; diome el sol y ya
antes que a segar viniese; soy morena.

Relaciones musicales literarias

La música ha creado a lo largo de la historia obras que han tomado su inspiración
de temas y motivos literarios.
La ópera es el género que más se ha nutrido de la literatura, inspirándose en obras
o personajes literarios. Para ello, el autor del libreto (el texto que se canta con
acompañamiento de la orquesta) adapta el texto literario al formato operístico, como
vemos en este fragmento del libreto de la ópera Don Juan (Mozart), de Lorenzo da
Ponte, basada en el mito literario:

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Don Juan. El corazón llevo firme en mi pecho: no tengo miedo. ¡Iré!
Estatua del Comendador. ¡Dame la mano en prenda!
Don Juan. (Le tiende la mano). ¡Hela aquí! ¡Ay de mí!

Por otro lado, la música es un tema recurrente en algunas obras literarias

contemporáneas, lo que refleja la importancia de esta manifestación artística en la
vida cotidiana de la sociedad actual.
Además, novelas, poemas y ensayos han inspirado a compositores a lo largo de la
historia en sus obras; destacando por ejemplo al escritor inglés, William
Shakespeare, ( 1564- 1616) ha sido a través del tiempo uno de los autores que más
ha influido en las obras musicales clásicas. Desde el siglo XVII, en 1692, Henry
Purcell se inspiró con total libertad en el texto de la comedia Una noche de verano
para componer The fairy Queen o La Reina de las Hadas, a la que siguió en 1712,
La Tempestad, una de las obras que más versiones ha tenido en la música, junto a
Otello y Romeo y Julieta. Su obra inspiró a muchos otros grandes compositores
como Rossini, Mendelssohn, Verdi…

Por tanto no debemos olvidar los poemas sinfónicos, ya que se tratan de obras que
toman como referente un texto literario o un hecho histórico el cual pretenden
evocar, plasmar, expresar o describir. Aunque puede parecer que fuese música
programática, esta última es siempre instrumental, mientras que un poema sinfónico
puede incluir lecturas o textos. Este género también es conocido como “poema
tonal” y en sus inicios era confundido con las oberturas, pero este último concepto
se fue reservando en los siglos XIX y XX a piezas introductorias que antecedían a
las óperas.

En la actualidad, la mayor parte de la música que se escribe va acompañada de una

letra. Los sentimientos que el autor busca transmitir con la letra se potencian gracias
a su acompañamiento musical, por ello, la música de una canción presentará
características diferentes en base a lo que la letra exprese, como la tonalidad,
carácter, tempo…

15
Teatro
Hay un género literario que, por su naturaleza de espectáculo, ha recurrido con
frecuencia a la música: el teatro. Dado que el texto teatral está concebido para ser
representado, muchas piezas han incluido fragmentos musicales que dotan de gran
expresividad al espectáculo.
Desde la antigua Grecia la música ha ido indisolublemente ligada a la escena, se
usaba la música para reforzar la acción, para unir diferentes escenas o para
entretener al público durante los descansos.
Existen por tanto distintos tipos de géneros teatrales musicales en base a lo que
representan y al uso que hacen de la
música, siendo estos los más
reconocidos:

Ópera - Representación teatral en cuyo

desarrollo van cantando los distintos
personajes. La acción dramática se
mezcla con la intervención de la
orquesta, la danza, la palabra, los
decorados y demás elementos. Según
su estilo y contenido, se distingue entre
ópera seria, bufa, idílica romántica o legendaria entre otros subgéneros. Para
encontrar el origen de la ópera tenemos que viajar hasta la Italia de finales del siglo
XVI, cuando el músico Emilio Cavalieri y el libretista Laura Guidiccioni estrenaron las
primeras piezas de este género.

Zarzuela - Obra dramática y musical, en la que se alterna la declamación y el canto.

Como género genuinamente español, tiene sus orígenes en la musicalización de
distintos misterios y dramas. Su creador fue Calderón de la Barca, con su pieza El
jardín de Falerina, estrenada en 1648. Otros en cambio atribuyen la paternidad de la
zarzuela a Lope de Vega con La selva sin amor de 1629. Un dato curioso: el hecho
de que muchas piezas se representasen en la casa de recreo que la familia real
tenía en los montes de El Pardo (Madrid) acabó por conferirle el nombre actual de
La Zarzuela.

Opereta - Es de hecho una especie de ópera, de asuntos frívolos y carácter alegre,

en el que predomina la sátira. Nace y se desarrolla a lo largo del siglo XIX, primero
en París y después en Viena. De trama inverosímil y disparatada, consta de
diálogos hablados, entre los que se intercalan historietas (couplés) y bailes como el
rigodón o el cancán.

Musical - Este subgénero dramático de la comedia combina música, baile y breves

escenas teatrales o sketches humorísticos o satíricos. Mezcla elementos dramáticos

16
del burlesque, el vaudeville, la extravaganza y la comedia musical, pero se distingue
por su simpleza dramática. Además, no hay un hilo argumental.

Conclusión
Podemos decir, que tanto la literatura como el teatro utilizarán como coartada a la
música y viceversa; necesitarán y se nutrirán del otro, siguiendo las características
estéticas y culturales de cada época hasta el día de hoy. Personalmente considero
que esto seguirá siendo así en el futuro, y que se complementarán y evocarán de
una u otra forma. El teatro musical y sus óperas, la literatura y sus canciones
populares en verso, las obras musicales basadas en novelas… son ejemplos de
estas retroalimentaciones que hacen el arte aún más bello.

Bibliografía:
Escuela virtual de música
Wikipedia
DialNet-literatura y música
Blog de CPA
Etc

17
MÚSICA Y MATEMÁTICAS - Moisés Poó
Ámbitos de relación entre las doctrinas matemática y musical

18
Introducción

Desde la Antigüedad, el ser humano ha tratado de entender la música desde

una perspectiva matemática. Desde los primeros intentos de Pitágoras de identificar
los distintos intervalos de la escala con proporciones entre números enteros hasta
los últimos avances en composición a manos de algoritmos, las matemáticas y la
música han estado estrechamente relacionadas. No en vano, en la obra República,
del famoso filósofo Platón, se señala que dos de los pilares en los que se debe
apoyar la educación de un buen gobernante deben ser la música y las matemáticas.
Incluso en la mitología griega, la diosa de las matemáticas, Urania, y el Dios de la
música, Apolo, se relacionan entre sí. Más adelante, en la Edad Moderna, ya
plenamente difundido el racionalismo por toda Europa, pensadores como Gioseffo
Zarlino (que sienta los cimientos de conceptos actualmente tan importantes como la
división de la escala en doce intervalos) estudiaron matemáticamente como
solventar algunos problemas como la afinación de los instrumentos, y fue el primero
que intentó explicar la prohibición de quintas y octavas paralelas en el contrapunto.
Hoy en día, tan importante es la relación entre matemáticas y música que existen
carreras de doble grado de ambas, en España en la ESMUC, Cataluña.

Ámbitos de relación

Como hemos visto, generaciones enteras de filósofos y teóricos han

defendido la necesaria compenetración entre música y matemáticas, así qué, cómo
y en qué ámbitos se relacionan ambas?

Ritmo

El ritmo es quizás donde se aprecia más claramente la influencia matemática

en la música, y donde estas matemáticas son más simples. Todo el ritmo,
independientemente de sus distinciones, se basa en la subdivisión de valores en
otros más pequeños e iguales entre ellos. Para ello, nos ayudamos de una de las

19
herramientas más esenciales de las matemáticas: la división. No solamente en
cuanto al ritmo entendido como tal, sino la propia estructura de la mayoría de
composiciones, los compases y las frases musicales, no sería posible sin las
matemáticas.

Tanto en el ritmo binario como en el ternario, las distintas figuras y sus valores se basan en divisiones
exactas de otros valores mayores

Armonía y matemáticas

Nuestra audición tiene un rasgo distintivo: identificamos de igual manera un

sonido y aquel que suena al doble de frecuencia. ¿Cómo se explica esto? Para
empezar, el sonido consiste de ondas acústicas producidas por medio de la
diferencia en las presiones del aire, percibidas por el oído y transmitidas al cerebro.
Estas ondas se miden en hertzios, es decir, vibraciones por segundo. No
profundizaremos más en este tema, que es más de física, pero hay un aspecto que
es fundamentalmente de matemáticas. El intervalo entre dos notas, como una 8ªJ o
una 2ªm no es más que la relación entre sus distintas frecuencias. Cuando se
analizan dichas frecuencias entre ellas, encontramos que las proporciones
matemáticas entre los intervalos más “agradables” o consonantes son más
sencillas:

Proporción entre las frecuencias de algunos sonidos y el intervalo formado

20
 Por ejemplo, si afinamos un instrumento a 440 hertzios (es decir, al la4 le
asignamos dicha frecuencia) al tocar un sonido con el doble de frecuencia (880
hertzios) sonará la misma nota pero en una octava superior. De igual manera, si
queremos obtener su quinta justa, multiplicaremos su frecuencia (440) por 3/2, por
lo que será de 660 hertzios. Hay que remarcar que estas proporciones no son las
exactas, sino aproximaciones de la siguiente progresión matemática:

Ya que entre una nota y su octava (doble de frecuencia) existen doce

sonidos, y la distancia entre cada uno de ellos debe ser igual, hallamos fácilmente
12
que se trata de una progresión geométrica de razón 2, ya que al multiplicar una
frecuencia por dicha raíz 12 veces, el número de notas en una escala, obtenemos el
doble de dicha frecuencia. Por lo tanto, para obtener la frecuencia de cualquier nota

12
𝑥
conocida, recurrimos a la siguiente fórmula: 440 × 2 , en la que 440 es la
frecuencia del la4, generalmente 440 o 442, y x la distancia en semitonos, ya sea
positiva o negativa, de la nota a averiguar su frecuencia.

Matemáticas y composición

A pesar de que la composición tiene (o por lo menos ha tenido hasta el

advenimiento de las modernas inteligencias artificiales) un indudable componente
humano, existen numerosos modelos de composición apoyados en las
matemáticas. Más allá de corrientes como el dodecafonismo, en el cual no se puede
repetir un sonido hasta que se hayan repetido los demás, estableciendo por tanto
una serie determinada muchas veces aleatoriamente, y del serialismo, que aplica el
anterior proceso a (casi) todas las cualidades del sonido, surge la música
estocástica. Este género, que generalmente se considera iniciado a partir de 1954
con la obra Metástasis de Iannis Xenakis. Este compositor griego empleó sus
conocimientos de matemáticas y los aplicó a la música, creando dicho estilo. En la
música estocástica se emplean leyes matemáticas, especialmente del cálculo de
probabilidades, y de la informática para crear una serie de sonidos, que analizados
individualmente no llevan a ningún sitio, es decir, es indeterminada en los detalles,
pero el conjunto tiende a una meta definida, al igual que los grandes procesos
probabilísticos.

21
Al igual que las temperaturas históricas de la Tierra o el comportamiento del mercado, a pesar de las variaciones
locales las composiciones de la música estocástica tienden hacia un lugar, determinado por las matemáticas.

La primera y más importante obra de Iannis; Metástasis - Iannis Xenakis - Metastasis

Finalmente, una de las aplicaciones cada vez más empleadas de las

matemáticas en la música es la composición, no el empleo de métodos que ayudan
al compositor a “elegir” entre distintas opciones, sino mediante la creación de un
algoritmo que sea capaz de crear de principio a fin una obra musical. Los últimos
modelos de inteligencia artificial no se limitan a “combinar” fragmentos de obras de
compositores humanos, sino que gracias a un aprendizaje continuado son capaces
de generar por ellas mismas melodías y armonías totalmente originales. Un ejemplo
de esto es la canción “Daddy’s Car”, compuesta por un algoritmo artificial al que se
le ha pedido una obra en el estilo de los Beatles.

Daddy's Car: a song composed with Artificial Intelligence - in the style of the B…

22
Bibliografía

[Link]
df
[Link]
[Link]
[Link]
[Link]
telligence-created-sound-like-beatles/
[Link]
[Link]

23
 LA MÚSICA Y LA PSICOLOGÍA (Adriana Sáinz)

Para empezar a hablar de los temas que se van a tratar a lo largo de este fragmento
del trabajo musicológico, comenzaremos dando las definiciones de cada uno de los temas
tratados en este apartado.

En primer lugar, la psicología es la ciencia que estudia los procesos afectivos,

conductuales y cognitivos que se gestan en la mente y que inciden en el comportamiento de
los seres humanos y de los animales.

Por otra parte, la música es el arte que consiste en dotar a los sonidos y los silencios
de una cierta organización. El resultado de este orden resulta lógico, coherente y agradable
al oído.

La psicología musical sólo pertenece a la musicología

en un sentido teórico se ocupa de los efectos
producidos por la música y por la obra de arte musical
sobre el hombre. Considera a la música en su
estructura individual como una imagen unitaria, y
también tiene en cuenta la disposición del oyente.

A lo largo del trabajo musicológico se tratarán varios

temas en cuanto a su relación y su aplicación.

La relación entre psicología y música comenzó debido al estrecho entrelazamiento

entre la psicología como disciplina científica y la consideración de los hechos musicales.
Los primeros estudios, en el 950 aproximadamente, se referían a la percepción acústica y a
la capacidad de los individuos de distinguir la altura de los sonidos, evaluando así que había
personas dotadas de "oído absoluto" capaz de reconocer las tonalidades; en este sentido,
fueron los trabajos del húngaro Géza Révész, verdadero descubridor de las relaciones entre
la psicología de la música.

La psicología de la música se considera tanto una rama de la musicología como una

forma de estudios de psicología complementarios. Examina el efecto de la música en las
personas, tanto a nivel individual como social. Ahora estudiada formalmente en varias
universidades, la psicología de la música se ha convertido en una rama fascinante de la
ciencia, aún relativamente nueva en sus pruebas e impacto.

Según la definición que dio Gjerdingen en el año 2002, la psicología de la música es

una especialización de la psicología que tiene como objeto las respuestas de la mente a los
estímulos musicales, a las modalidades en que las elabora, controla las prestaciones y las
evalúa.

La comprensión de una pieza musical, en general, activa una compleja red de

capacidades cognitivas que invierten habilidades como la memorización, la atención o el
análisis de estructuras. El estudio de los procesos cognitivos aplicados al ámbito musical es

24
el fruto de una larga gestación que hunde sus raíces en las primeras experimentaciones de
la psicología científica.

En cuanto al desarrollo musical, muchas investigaciones de psicomusicología han

investigado a qué edad y cómo se desarrolla en el niño la capacidad de comprender la
música: ya hacia los 8 meses, el niño, completando el desarrollo auditivo, produce
espontáneamente balbuceos de canciones, llamados “babbling song”, se divierte haciéndolo
y repite tales vocalizaciones con una cierta frecuencia, así como vocaliza simples sílabas.
No solo eso, sino que ya a los cuatro meses puede mover los ojos en sentido vertical
adecuadamente al escuchar un sonido alto o bajo.

Naturalmente, las respuestas del niño en los primeros 3 años son motoras o vocales:
consigue reconocer breves melodías y a los 3 años sabe cantar pistas musicales con una
extensión tonal de una tercera menor descendente (por ejemplo, sol-mi) que corresponde al
sonido de una sirena o de los cánticos; luego discrimina las estructuras rítmicas y las
reproduce con el latido de las manos ya a los cinco años.

A partir de los 7 años, las habilidades musicales se desarrollan aún más, logrando
discriminar diferentes intervalos melódicos, distinguiendo notas individuales de acordes.
Todo esto sucede tanto por mayores capacidades cognitivas como por un proceso de
"aprendizaje tonal", según el cual a partir de los 6 años nuestro oído se vuelve sensible a
los sonidos que escucha.

Por último, hacia los 12 años, completa el desarrollo musical, volviéndose así capaz
de percibir las modulaciones entre los tonos, o las armonizaciones disociativas, de
reconocer el ritmo de una melodía y empieza a aparecer el juicio estético de la música.

En cuanto a la relación que tienen la música y las emociones, se han escrito una
inmensidad de artículos y libros dedicados a este tema, incluso se han elaborado teorías
que hoy se consideran totalmente válidas. Por ejemplo, se sabe que los intervalos entre las
notas son responsables de reacciones bastante reproducibles entre individuos diferentes;
las composiciones para semitonos generan tensión, mientras que un intervalo de quinto
(do-sol) es tan perfecto y agradable que resulta el equivalente musical de un círculo en las
artes figurativas.

La gran pregunta que se hacen muchos psicólogos es: ¿Por qué la música puede
afectar tan profundamente a nuestras emociones? A menudo se considera la música como
el "lenguaje de las emociones": su capacidad de evocar y expresar emociones constituye su
característica fundamental y primaria. La música expresa emociones que los oyentes
perciben, reconocen, o son emocionalmente tocados. Además, varios estudios han sugerido
que la razón más común por la que se escucha la música es para poder influir en las
emociones, para modificarlas, para liberarlas, para sintonizar con su estado emocional, para
alegrarse o consolarse, o para reducir el estrés.

Un estudio realizado en 2003 por Adrian North North, de la Universidad de Leicester,

Inglaterra, demostró que los clientes de un restaurante de lujo eligen los platos más caros
del menú si en la sala se difunde música sofisticada y clásica. Según North, esto sucede
porque los clientes, escuchando música clásica, se perciben como personas más refinadas;

25
así para permanecer en sintonía con esta su imagen de sí mismos, delante de la carta de
los vinos no reparaban en gastos. Se trata de un mecanismo llamado efecto Château Lafite
y, aunque inconscientemente, confirma lo mucho que somos capaces de darnos cuenta del
valor emocional de la música y del tipo de influencia que tiene sobre nuestras sensaciones.

También cabe destacar este tema, el de la música en los establecimientos en los

cuales entramos a realizar algún tipo de gasto. En una tienda de ropa o de calzado dirigido
a los jóvenes y lo primero y lo que más llama la atención es la música a todo volumen que
invade hasta el menor rincón del local, una música generalmente rítmica y muy de moda
que resulta muy estridente y no podemos evitar preguntarnos por qué ese tipo de música es
común a todas esas tiendas.

Pues bien, este tipo de música no es cosa del azar,

se debe a varias razones. En primer lugar, este tipo de
música nos estimula a comprar porque limita nuestro
autocontrol, con lo que terminaremos comprando de forma
más compulsiva en un local que tenga este tipo de música
que en otro donde nos sintamos relajados y podamos
recorrerlo con calma y sin sentirnos estresados.

Por otra parte, la música tan alta sobrecarga nuestros sentidos, lo que hace que
meditemos menos nuestras decisiones. De ese modo, no tenemos tanto tiempo para
sopesar si realizamos una compra o no, con lo cual es más sencillo que salgamos de la
tienda cargados de bolsas y que, al llegar a casa, nos preguntemos por qué hemos
comprado tantas cosas.

Dado que los jóvenes son más impulsivos que las personas mayores, el escuchar la
música de estas tiendas hace que la cantidad de productos que compran sea mucho más
alta que si no existiera dicha música.
Además, las tiendas de ropa necesitan hacer que la compra sea una experiencia lo
más placentera posible para la clientela joven. Convirtiendo las tiendas de ropa casi en una
discoteca, consiguen que los clientes además de comprar pasen un rato divertido, con lo
cual asocien la compra a un momento placentero y divertido, logrando así una clientela
asidua y fiel.

El estudio de la psicología de la música intenta determinar qué efectos mentales y

físicos tiene la música en los humanos, y si ciertas condiciones psicológicas pueden ser
alteradas o creadas por la aplicación de algunas formas de música.

La psicología de la música es un campo amplio, que combina elementos de la

ciencia de la música tradicional con estudios de psicología aplicada, antropología cultural y
el estudio de la cognición, entre otras disciplinas. Algunas de las áreas estudiadas
actualmente involucran los efectos de rituales musicales como conciertos, razones
psicológicas de preferencias musicales y el estudio de la interpretación musical. Cada una
de estas áreas puede informar un poco a los investigadores sobre los efectos de la música
en las personas y dar pistas sobre la importancia de la música para el cerebro.

26
 Varias universidades prominentes ahora ofrecen especialización en el campo de la
psicología de la música. Además, han surgido sociedades prominentes que emplean tanto
musicólogos como psicólogos en todo el mundo, estudiando los efectos de la música
regional en las culturas locales.
Aunque es un campo relativamente nuevo, la psicología de la música estudia una de
las prácticas culturales más antiguas conocidas. La idea de que el cerebro humano
reacciona específicamente a la tonalidad, los patrones rítmicos y las prácticas musicales
aprendidas es un concepto fascinante digno de exploración científica. Utilizando la
tecnología moderna de mapeo cerebral y técnicas de investigación sofisticadas, es posible
identificar y controlar los efectos de la música en el cerebro, lo que lleva a posibles
beneficios para las personas con problemas mentales e incluso algunos físicos. Solo el
tiempo dirá cuán valiosa será la investigación, pero parece probable que gane interés y
adherentes a medida que se convierta en un campo de estudio más prominente.

Según numerosos estudios, publicados trimestralmente por la revista del Instituto de

Enseñanza y Aprendizaje (IDEA) de la Universidad San Francisco de Quito, la música tiene
efectos muy positivos para la mente, porque favorece el aprendizaje. La psicología de la
música puede aplicársela uno mismo para mejorar el estado emocional. La mente cambia
después de haber escuchado música,y esto puede llegar a ser una buena herramienta para
mejorar el estado de ánimo, siempre y cuando se escuche la música correcta en cada
estado de ánimo.

La psicología de la música nos advierte que cuando estamos tristes, la mente quiere
más dosis de pesimismo, te pide música acorde a cómo te sientes. No activamos la razón y
nos dejamos llevar por lo que nos pide el cuerpo. Si vas a la contra y lo que haces es
ponerte la música que consideras que te pueda ayudar, romperás con estos patrones poco
saludables. Si estás decaído y triste, no tenemos que machacarnos más, no debemos ser
masoquistas y deberíamos escoger en cada momento lo que nos puede ayudar a mejorar
las emociones. En cambio, si estoy contento, de manera natural nos saldrá escuchar
música movida, animada y positiva. Aquí el subconsciente ya nos lleva a hacerlo sin
necesidad de tener que activar la razón.

Lo que nos provocará esta escucha, será que podamos mantener, incluso aumentar
la alegría y motivación que tenemos. También puede suceder, que, al sentirnos bien,
nuestra razón nos diga que al estar contentos no pasará nada si escuchamos canciones
tristes.

El cerebro responde de forma automática, cuando las ondas de la música penetran

en nuestros oídos, instantáneamente este responde dependiendo del sonido. Si es movido
todos hemos experimentado esa sensación de necesidad de mover el cuerpo, de adaptar
los movimientos al ritmo que oímos. Nos activamos y aumenta el ánimo.

Igual pasa con la música relajante, clásica. Entra en nuestros oídos y el cerebro
experimenta paz, relajación, sedación, desactivación, siempre y cuando seamos capaces de
centrarnos exclusivamente en lo que estamos escuchando.

27
 Diferentes estudios realizados sobre la psicología de la música nos dicen que las
personas que habían escuchado música diariamente disminuyen la ansiedad, en
comparación con los que no escuchaban música.

Los latidos del corazón se sincronizan al ritmo de la música, está demostrado que
con unas ondas rápidas el corazón se acelera y ante un ritmo lento, el corazón disminuye
sus latidos.

Si las malas experiencias que hayamos tenido están superadas, no harán daño, se
podrá escuchar este tipo de canciones como una lección aprendida, como un canto a lo que
sucedió. Si se hace con moderación y aceptación no siempre tiene por qué ser negativo.

Y no sólo la música produce efectos muy positivos en las personas, los expertos
indican que, si cantamos en grupo, también nos podremos beneficiar de los buenos efectos
de la música a nivel emocional.

La psicología de la música teóricamente es el estudio de la fuerza emocional que

ejerce la música en el comportamiento de las personas en cualquier etapa de la vida. Este
tipo de psicología se inicia a principios del siglo XX.

La psicología de la música tiene dos enfoques diferentes, en primer lugar, el enfoque

cofisiológico, ya que la acción de oír es el resultado de una excitación producida por las
ondas sobre el sistema auditivo. La música permite el equilibrio dinámico entre las
capacidades de los hemisferios izquierdo y derecho del cerebro. En segundo lugar,
encontramos el enfoque psicobiológico, ya que el desarrollo de las capacidades musicales
depende del número de conexiones neuronales, creadas por la estimulación. Cada individuo
debe modelar su Sistema Referencial, imprescindible para el aprendizaje.

La Inteligencia emocional es un conjunto de habilidades como el control de la

simbología, la perseverancia, la empatía, entre otras. que constituye un vínculo entre
sentimientos, carácter e impulsos morales. La música, si es adecuada, nos lleva a una
rearmonización de los sentimientos y el estado de ánimo. Además, nos ayuda a un dominio
del cuerpo, a la organización de las relaciones espaciales. El tono y volumen de la voz,
delata el momento en que nos encontramos y qué tipo de persona somos. Desde que
nacemos estamos expuestos a la música, comenzando por la voz de los padres. El tono
expresivo que utilizan ayuda a que el niño mantenga la atención, siendo la voz de la madre
la preferida debido a que su agudeza señala felicidad y afecto. Es importante educar tanto
la expresión de la voz como el canto. Este, en concreto, es uno de los medios de expresión
más completo y máximo.

La historia de esta relación viene desde hace varios siglos, desde la antigüedad se ha
especulado sobre la música y el sonido. Los primeros experimentos se acreditan a
Pitágoras en el siglo VI a.C. Sus experimentos ayudaron a incluir la música en el programa
científico de la educación. Sin embargo, sus seguidores dejaron de creer en el método
experimental e intentaron explicar la música a través de términos matemáticos. Después,
Aristóxeno afirmó que la música no debe ser concebida únicamente como relaciones
matemáticas, si no que, al ser perceptiva y cognitiva en la naturaleza, había que estudiarla
como una ciencia experimental. Esto adelantaba ya parte de la psicología moderna.

28
LOS 7 BENEFICIOS PSICOLÓGICOS QUE TIENE LA MÚSICA
Escuchar música entretiene, pero es que además puede ser muy saludable para tu
bienestar emocional.

1. Menos estrés en tu vida

Es sabido que la música ayuda a reducir o controlar el estrés de las personas.
Escuchar música tiene una respuesta al estrés humano, exactamente en el sistema
nervioso autónomo. Las personas que escuchan música tienden a recuperarse más
rápidamente del estrés.

2. Se reducen los síntomas de la depresión

La música reduce los síntomas de la depresión y de la ansiedad en personas que
tienen enfermedades neurológicas como la demencia o el Parkinson, entre otros. Es una
terapia segura para complementar con los tratamientos médicos.

3. Mejora tu estado de ánimo

La mejor música para mejorar el estado de ánimo es la música clásica y la
meditación, mientras que la música heavy y la techno, tienen efectos contrarios.
Además, la música puede hacerte más feliz.

4. Se mejora el rendimiento mental

Tener música de fondo mientras estás haciendo otra actividad te ayudará a tener un
mejor rendimiento cognitivo (sobre todo en adultos mayores). La música más animada
ayuda a que las personas tengan una velocidad de procesamiento más rápida, la música
optimista o más triste genera beneficios en la memoria.

5. Se controla mejor el dolor

La música puede ser muy útil en el tratamiento del dolor. Las personas con
fibromialgia que escuchan música durante una hora al día reducen de manera significativa
el dolor.
Los pacientes que escuchan música antes, durante o incluso después de la cirugía
experimentan menos dolor y ansiedad que aquellos que no escuchan música.

6. Se duerme mejor
El insomnio es un problema grave que afecta a millones de personas en todo el
mundo, de cualquier edad. Hay muchas formas de tratar este problema, pero hay
investigaciones que muestran cómo escuchar música clásica relajante es un método
seguro, eficaz y asequible para dormir mejor por las noches.

7. Aumenta la motivación
Si escuchas música aumentará tu motivación para hacer más y mejor. La música
acelerada ayuda a que las personas se esfuercen más en las tareas que tienen pendientes.
Si quieres seguir una rutina de ejercicios ponte música movida que te aporte buena energía.

29
Como conclusión, podemos observar claramente como la música y la psicología están
íntimamente relacionadas. La música además de ser un entretenimiento nos puede ayudar
en nuestra vida diaria, por ejemplo, mejorando nuestros estados de ánimo o aumentando
nuestra productividad. Este tema tratado, me ha parecido realmente interesante, ya que no
era consciente de todas las cosas que pueden cambiar con el simple hecho de escuchar la
música adecuada.

BIBLIOGRAFÍA:

7 beneficios psicológicos de la música - Bekia Psicología ([Link])

¿Qué es la psicología musical? - Spiegato
Definicion de Psicologia Organizacional | Psicología ([Link])
Definición de música - Qué es, Significado y Concepto ([Link])
Para el Aula | Universidad San Francisco de Quito ([Link])
La psicología de la música - La Mente es Maravillosa
MÚSICA y PSICOLOGÍA: ¿cómo nos influye? - Investigaciones y ejemplos
([Link])
Psicología de la música - Wikipedia, la enciclopedia libre
¿Qué es la psicología musical? - Spiegato
La música y el desarrollo cerebral infantil ([Link])
Cómo nos influye la música en las tiendas de ropa ([Link])
MÚSICA y PSICOLOGÍA: ¿cómo nos influye? - Investigaciones y ejemplos
([Link])

30
 MÚSICA Y FILOSOFÍA
(Lucía Oruña Marcilla)

INTRODUCCIÓN: ¿por qué somos música?

(una concepción de carácter filosófico sobre la música)

Desde que tenemos uso de razón, somos música. Sí, música, porque una
canción brota de nuestra mano, permanece junto a ella y, hasta nuestro
final, no la libera. Ese final, cuando nuestra melodía se disuelve en el
aire y, de ahí, jamás se desvanece, dejando nuestra esencia en el lugar
que hemos llegado a llamar hogar. Porque somos cada acorde y cada
nota que ha transitado por nosotros, los que, en el fondo, somos un
pequeño fragmento melódico, que nos fusionamos con otros muchos,
llegando a formar parte de algo tan ingenuo e inédito como es la vida.
Tenemos una conexión especial con este arte, que a su vez es ciencia,
que jamás con otro fenómeno podremos experimentar .

Nuestra historia no se narra con hechos, sino con una banda sonora, repleta de temas
principales. Unos plagados de alegría. Otros, sin embargo, se esconden entre los recuerdos de
días brumosos. Ya nuestros lejanos y prehistóricos antepasados, en esos tiempos donde nada
era mentira porque no existía ni siquiera la premisa verdad , manifestaban sus primeras
inquietudes a través de ella: reían, amaban, odiaban… y todo a través de música. Era la vía
de contacto entre lo racional y emocional. No hacía falta que esos sonidos les recordase a
alguien, les recordaban a ellos mismos: a todo lo que escondían y no sabían espetar.

Se ha llegado a reconocer este fenómeno como “el movimiento de las esferas” o “el
mismísimo amor buscando palabras”, pero, si algo puede confirmarse, es que posee un papel
intrínseco en nuestras vidas. Todos, con menor o mayor intensidad, amamos la música. Es por
ello que ha sido un medio universal para observar nuestra evolución a lo largo de la difusa
historia. Junto a la filosofía, la madre de todas las ciencias, donde es mucho más importante
la pregunta que la propia respuesta, la música ha pretendido buscar siempre la realidad, la
realidad de cada uno de nosotras, y por ello es algo tan ligado a nuestro ser. La vida es lo que
somos en esencia y, la música, en efecto, colabora a colorearla de memorias permanentes que,
algún día, sean capaces de decirnos quiénes somos, cuál es nuestro fin y hacia dónde vamos.

Una vez, el genio de Bonn, el ilustre Ludwing van Beethoven, declaró que “la música es una
revelación mayor que toda la sabiduría y la filosofía” , pero, desde un punto de vista más
generalizado y menos superlativo, la filosofía y el cómo percibimos nuestro mundo influye en
esta genialidad de la música, haciéndonos contactar con mundos donde no pueden acceder ni

31
las palabras ni los conceptos. Desde esta idea, la música y filosofía se complementan pero,
¿de qué manera?

1. MÚSICA Y FILOSOFÍA

Como he señalado anteriormente, se reconoce que la música ha sido pilar fundamental para
descubrir aspectos novedosos e innovadores sobre el ser humano, aquello que estudia la
filosofía, puesto que el pensamiento y el conocimiento son nuestros factores distintivos como
seres humanos..
La relación entre la filosofía y la música es innegable, debido a que ésta transporta al hombre
a un camino o movimiento concreto, le facilita la interpretación de un hecho con sentimientos
e ideologías diferentes y, el simple hecho de interpretar, pensar, es ya filosofar.

A pesar de ser dos campos de conocimiento directamente ligados, el origen de estos no se da

simultáneamente. La música, a la que le asignamos la definición de “Arte de combinar los
sonidos en una secuencia temporal atendiendo a las leyes de la armonía, la melodía y el
ritmo, o de producirlos con instrumentos musicales” , aunque para cada persona tiene un
significado diferente, tiene un origen estimado en la prehistoria, en nuestros principios, y se
lo vincula con los ritos de apareamiento y con el trabajo colectivo. La danza y el canto
parecen haber estado desde el principio asociados al modo en que el ser humano comprende
el mundo. Fue la primera manifestación del hombre, el lenguaje con el que se comunicaba
con el mundo, que desembocó más tarde en el lenguaje hablado, por el cual nos relacionamos
con las personas. Sin embargo, la filosofía surge en Miletos, una importante ciudad comercial
de Jonia, la Grecia “asiática”, allá hacia el siglo VI a.C. Aunque el ser humano desde su
aparición en la tierra pretende aprender a pensar (filosofar), no fue hasta este momento
cuando se reconoció esto como un campo de conocimiento. Cierto es que la denominada
“filosofía de la música”, estudio de "cuestiones fundamentales sobre la naturaleza de la
música y nuestra experiencia de ella, brota en la misma civilización en el mismo período de
tiempo que la filosofía en sí, ya que la civilización griega es denominada como la
emprendedora de todas las artes, además de que la aparición de esta se encuentra relacionado
con el pensamiento lógico racional, el cual fue introducido por los griegos.

A partir de ahí, todos los considerados filósofos hasta el día de hoy, han hablado sobre música
en sus teorías, y en la importancia de esta para realizarnos como lo que somos y pretendemos
ser.

32
 2. LA MÚSICA EN LAS DISTINTAS RAMAS DE LA FILOSOFÍA.

Dentro de lo que los brillantes pensadores griegos llamaron filosofía, existen una serie de
ramas o subdivisiones, las cuales se centran cada una en un carácter más concreto del
conocimiento, y lo desarrolla haciéndolo distinguirse de los otros grupos. Al ver que la
música se encuentra directamente asociada a sus principales ramas, comprobamos de nuevo
que la música y la filosofía caminan de la mano.

La Música en la Metafísica
“La música es un ejercicio de metafísica inconsciente, en la cual el espíritu no sabe que hace
filosofía”.
- Schopenhauer, filósofo alemán

La metafísica es la rama de la filosofía la cual estudia todo aquello que esté vinculado con el
universo y con la realidad del ser humano. Esta sección procura llegar al conocimiento del
origen de todas las cosas que se encuentran a nuestro alrededor, la finalidad para la que
surgieron, y su naturaleza y esencia. Esta rama se divide a su vez en dos: teología (Dios) y
ontología (existencia y esencia de las cosas).

Desde que la filosofía está presente en la vida del ser humano, han circulado teorías de todo
tipo sobre el origen de la música y su esencia (la metafísica de la música). Desde teorías
teológicas, como en la antigua grecia y la edad media, que se pensaba que la música era de
origen divino y que era Dios quien se la enviaba hasta otras más actuales de carácter
ontológico que afirman que la música surgió en la prehistoria por imitación como medio de
comunicación entre nosotros

La Música en la Ética
La Ética es la reflexión del ser humano sobre la dimensión humana de la moral. Sirve para
determinar qué acción es moralmente correcta, atendiendo siempre a la moralidad existente
de cada época. También estudia la existencia de una moralidad universal, que ayude a
consensuar la felicidad de la sociedad y la resolución de conflictos.

Ya no solo ha sido importante la ética a lo largo de la historia de la música (a la hora de

componer, ¿qué era moralmente correcto? ¿qué normas y valores estaban vigentes en aquella
sociedad?), sino que, actualmente, La música es una herramienta excelente para introducir el
punto emocional en la enseñanza de la ética. Ésta contribuye a que los sujetos coordinen los
sentimientos que tienen respecto de diferentes situaciones, y resalta la importancia de las
emociones en la salud.

La música en la Lógica

33
Rama tanto de la matemáticas como de la filosofía, se encarga del estudio de la forma de
pensar que posee el hombre. Esta rama tiene como rasgo innato el hecho de que permite
determinar si un argumento es válido o no.

La inteligencia musical y la lógica van de la mano ya que, nuestras habilidades y facultades,

tanto artísticas como matemáticas, habitan en nuestro cerebro, y de este modo se unen entre
ellas, lo que mejora nuestra percepción cerebral y permite que contemos con mejores medios
para pensar, crear y resolver cualquier cuestión.

Para distinguir y crear músicas y melodías, participan las las percepciones que se sitúan en el
hemisferio derecho de nuestro cerebro, lo que hace que existan personas con mayor facilidad
para interpretar una melodía o aprender a tocar un instrumento, aunque en todos los casos el
aprendizaje y dominio depende del trabajo, práctica y esfuerzo.

La Música en la Estética
La estética tiene como objeto el vasto dominio de lo bello, es la filosofía del arte, la filosofía
de las bellas artes.
-Hegel

Esta parte de la Filosofía se centra en el concepto de belleza y arte (lo que es considerado la
música), es decir, no solo explica lo que es hermoso y lo que no lo es, sino que también
analiza los sentimientos que tiene una persona al contemplar una obra de arte, o cualquier
otra cosa vinculada con el mundo de la esté[Link] la rama relacionada con el mundo
sensorial (los sentidos). La estética es una rama nueva surgida en la época del Barroco, no
surge desde los comienzo se la filosofía.

La estética musical en la historia de esta es de gran importancia. Estudia y descifra los

elementos que integran la composición y ejecución de la música, del análisis musical de cada
composición, así como de los instrumentos. También, se ocupa del estudio de todo lo bello
que enuncia la música, lo que es determinado distinto en cada contexto histórico-geográfico y
sociocultural. Por lo tanto, la estética musical es la que nos hace distinguir los diversos
periodos musicales. La estética es la aportación filosófica más importante en la historia de la
música.

3. LA FILOSOFÍA EN LA HISTORIA DE LA MÚSICA

Como señalamos en el punto anterior, la estética, rama de la filosofía, ha sido clave para
definir los diversos cambios, concepciones y estilos de música a los largo de la historia,
pudiéndose dividir así en los periodos principales de ésta.

Filosofía de la música en la Antigua Grecia

34
En la Antigua Grecia, al ser la etapa en la que se comenzó a relacionar la música con
filosofía, sus teorías sobre el pensamiento musical fueron clave para el provenir musical en
nuestra historia. Estas historias eran: la teoría del ethos y la armonía de las esferas.

Ambas teorías se originan en la escuela

pitagórica, siglo VI AC. Los pitagóricos
defendían que, todo aquello considerado
existente, está regido por proporciones
matemáticas (lógica), desde la actividad de los
astros hasta el alma humana. La música, cuyos
intervalos contestan a proporciones matemáticas
simples, otorgan el modelo para comprender el
universo y al ser humano.

La teoría del ethos (en griego «carácter», de donde más tarde, etimológicamente surge “ética)
fue desarrollada por Damón de Atenas (padre de la museología, siglo V AC) y propagada
después por Platón; asegura que la música puede transformar el carisma, carácter y
temperamento de los seres humanos, y que, por lo tanto, debe ser la base de la educación y de
la sociedad social. De acuerdo con Damón y Platón, cada estilo musical incita un
comportamiento diferente, por lo tanto algunos estilos deben ser sostenidos y otros
prohibidos. En cuanto a la armonía de las esferas, consistía en la creencia en que los astros,
en su movimiento a través del espacio, producen sonidos que se combinan para formar
música («armonía»). Según los seguidores de Pitágoras, los intervalos que se formaban entre
las esferas eran los mismos que utiliza la música hecha por los humanos, por lo que el
estudio de la música era un camino para el conocimiento del universo. Tanto esta creencia
como la del ethos se ha trasladado a la épocas posteriores, desembocando en otras ideas
determinantes de cada una de ellas.

Para ellos, la música era considerada como un verdadero regalo de sus dioses (concepción
metafísica del origen de la música). La invención de instrumentos concretos se apropia a
ciertas deidades. En la mitología griega, de gran importancia en esta cultura, las musas
personificaban los distintos elementos de la música, y se contaba que entretenían y divertían a
las deidades en el Olimpo con sus cantos, melodías y bailes. Célebres figuras mitológicas
fueron asociadas también relacionadas con la música, como Dionisio, el dios del vino, Apolo,
el dios de la música entre otras muchas cosas, representante de la armonía cósmica de las
esferas y Orfeo, reconocido como un gran cantante, además de por su virtud tocando la lira.

Filosofía de la música en la Edad Media

Sin embargo, en la Edad Media, la Iglesia era la poseedora del conocimiento. Es por ello que,
la música, en su mayoría, era de carácter religioso. Esto influiría en la percepción que se tenía
de esta.

35
 La concepción ética de la música en esta edad oscura era
la de la “elevación del espíritu”. El clero comprendía
que la música poseía esa dimensión ética que influía en
cada persona y su proceder, y por ello sólo debía
utilizarse en beneficencia de la religión, para así elevar
al espíritu y que todos se “comportasen” conforme a las
normas de la iglesia. La música por tanto no era un
medio para expresar sentimientos, sino un factor
objetivo y simbolista, para representar verdades y
sencillez. Se sigue aceptando que, el orden del universo,
era representado en la tierra por las proporciones musicales, aunque ahora visto como una
creación del propio Dios, puesto que era el creador de la tierra y el universo. Boecio, filósofo
y mártir italiano, nacido en Roma, compuso un tratado de música De institutione música,
que contiene una exposición detallada de la armonía griega. Este tratado influye a gran parte
del pensamiento filosófico [Link] a la música en tres géneros distintos: La música
mundana, lo que Pitágoras llamaba la armonía de las esferas, que esla música que no
podemos percibir porque somos imperfectos, puesto que esta es la música verdadera, y las
demás solo son reflejo de ella; La música humana, que es la unión armoniosa del alma con el
cuerpo y se comprende a través de acto de la introspección, todo aquel que se sumerge en sí
mismo la entiende y La música instrumental, que el hecho de producirla manualmente, a
través de los instrumentos, no tiene valor alguno.

Además, Boecio aborda de nuevo la misma idea que Platón y Aristóteles: La superioridad de
lo teórico sobre lo práctico. Del trabajo intelectual sobre el manual. Por este pensamiento de
carácter filosófico, estaba la música instrumental tan infravalorada. “cualquiera que llega
al fondo de sí mismo, sabe lo que es la música”

Filosofía de la música en el Renacimiento

El Renacimiento musical plantea diferentes

cuestiones respecto a sus vertientes literarias o
artísticas . La idea de “renacimiento” se basa en el
intento de “renacer” en el esplendor de las
civilizaciones antiguas (Grecia y Roma) pero en una
época más moderna, para así magnificar de nuevo
esos pensamientos que les ayudaron a llegar hasta
allí. Por todo esto, empiezan a realizarse escrutinios
estudios sobre la ciencia, el arte, la filosofía y literatura de la estas civilizaciones, para
retomar el contacto con ellas, ignorando la Edad Media, que al estar tan centrada en el
cristianismo y todo el conocimiento en las bibliotecas de los monasterios, no les habían
permitido avanzar.

36
Sin embargo, en la música, la situación es diferente. Al no existir un hilo directo hacia la
música práctica de la edad antigua, se tomará otra senda distinta para su renacer. Algunos
eruditos, como es el caso de Vincenzo Galilei, intentarán descifrar los escasos restos
conocidos de notación musical, pero sin é[Link] varios intentos de recuperar conceptos
sobre la música antigua, se crea una visión distinta de la música, relacionada con la creación
artística , ligado directamente a la corriente filosófica del antropocentrismo renacentista, en la
que el hombre era la medida y el centro de todas las cosas, debiendo de recibir atención moral
por encima de todas las cosas.

Junto con el nuevo estilo en cuanto a ideología y estética, ambos factores importantes de la
filosofía, nacen nuevas concepciones de la música, como que es un lenguaje, que su fin es el
placer (la idea hedonista de San Agustín ya se había expandido) y que es un arte. Es decir, la
música ya no es un medio para llegar hacia el ser supremo, puesto que ahora el ser supremo
centro del universo es el ser humano, y es el que disfruta la música como un placer
verdadero, los cuales otorgan salud al cuerpo y serenidad al alma, y dirigen a la felicidad,
según la escuela Epicúrea (escuela filosófica fundada en Atenas en la época Helenística).

Filosofía de la música en el Barroco

En el Barroco, la música influye éticamente en el

carácter y alma del hombre. Por ello, el estilo
barroco se afianza sobre dos ideas: la teoría de los
afectos, una reformulación de la antigua teoría del
ethos y la visión de la obra musical como discurso,
sujeto a una retórica específica. La retórica musical
está directamente relacionada con los afectos, pues
su único objetivo es describir y provocar los afectos de una manera útil. René Descartes, uno
de los filósofos más influyentes d etoda la historia, realizó varias disertaciones respecto a la
música y su poder de provocar sentimiento en nosotros, analizando los elementos de la
música ( el ritmo, la melodía, la armonía y los matices) y asegura que las reacciones que
surgen ante estos estímulos es natural , teniendo siempre en cuenta su posición posición
Racionalista y la creencia en lo innato.

Filosofía de la música en el Clasicismo

Mientras tanto, el Clasicismo musical coincide

con el periodo de Ilustración o Siglo de las
Luces, por lo tanto, porta un rico sentido
filosófico. Los pensadores ilustrados, se
preguntaban acerca del mundo que los rodeaba
a través del uso de la razón, que era
considerada la luz que llegaría a iluminar el
conocimiento, y que podía terminar con la
ignorancia. La música en éste momento es un lenguaje universal más rico que el verbal, y es

37
el arte que llama a todas las pasiones. La idea de que la música debe divertir, seducir y
complacer cada vez cobra más popularidad, constituyendo un nuevo concepto hedonista.

Una nueva asociación era la de la música con la naturaleza. El músico, filósofo y

enciclopedista J.J Rousseau , la música es el arte que imita a la naturaleza por excelencia,
afirmando que, la melodía era lo único verdaderamente natural, mientras que el
acompañamiento eran invenciones artificiales del hombre. De este modo, la música se
concibe como algo esencial y a su vez, un medio de entretenimiento, ya lejos de esa conexión
con el más allá y universo que se utilizaba anteriormente.

Filosofía de la música en el Romanticismo

En el siglo XIX, el Romanticismo nació como movimiento

literario de jóvenes escritores en Alemania, desarrollando una
nueva ideología que contaba con antecedentes como el
movimiento Sturm und Drang y esa evocación a lo sublime. En
principio se trataba de una filosofía vital que defendía los ideales
revolucionarios de la época, rechazando el racionalismo de la
Ilustración. Las principales características tanto de la música
como de la filosofía de este periodo era el individualismo, el
sentimentalismo y la inclinación por lo atípico, junto con una
exaltación de lo popular y nacional. La cita de Chopin de “La
vida es una inmensa disonancia” define claramente el carácter
del intelectual romántico. Solitario, inmerso en sus pensamientos, desacorde al mundo,
buscando su reforma a través del manifiesto de las injusticias.

La música se convierte así en la más sagrada de las artes y los compositores en figuras
centrales de la actividad musical. Frente a la idea platónica de la música como acompañante
de la poesía, que había dominado el pensamiento musical del Racionalismo, surge ahora la
idea de la música como expresión de todo aquello que no se puede decir con palabras (lo
inefable), la falta de contenido conceptual, a la que aludía Kant como un posible “defecto” de
la música, se considera ahora su mayor virtud: la música se convierte así en la más sublime de
las artes, en especial la música instrumental absoluta.

El idealismo ilustrado alemán, que había alcanzado su máxima en Kant, se extiende a través
del idealismo romántico, representado principalmente por Arthur Schopenhauer. Al ser
idealista, se ampara Platón y su concepción dualista, con la desigualdad entre un mundo de
las ideas, que sería el mundo real, y un mundo sensorial, que es solo un mal reflejo de aquel.

En el pensamiento romántico, dictado por el idealismo, se produce un cambio importante

hacia mediados de siglo: el idealismo romántico da paso al materialismo y al positivismo. En
la música, este cambio se refleja en el desarrollo del formalismo musical, que tiene su origen
en las ideas del crítico musical Eduard Hanslick, autor del primer texto de estética musical
(Sobre lo bello en música)

38
Para él, carecen de sentido la categorización de las artes que proponían los ilustrados y los
románticos: cada arte tiene sus propia manera de manifestarse y no es comparable con el
resto.

Uno de los desencuentros más grandes entre música y

filosofía. El primer protagonista del enfrentamiento era
el obstinado Richard Wagner ,considerado el músico
filósofo, pues le daba gran importancia a esta en su
vida, llegando a ser alumno del gran Arthur
Schopenhauer, de cuyos pensamientos inspiró algunas
óperas. Escuchar una ópera de Wagner, de un modo u
otro, es escuchar filosofía, pues plasma su ideología en
cada una de sus obras. El otro sujeto es el filósofo
Friedrich Nietzsche. Mantuvieron una gran relación de
amista (comenzada por la adoración de las ideas de
Schopenhauer) en la cual el filósofo admiraba fuertemente el trabajo del ilustre compositor ,
ya que el pensamiento de éste situaba también la música en un lugar central y diferenciado
del resto de las artes, como uno de los aspectos centrales de la historia de la humanidad. Su
amistad concluyó seis años después, ya que, al no estar de acuerdo el filósofo ante una idea
del músico, este comenzó a ridiculizarle. Como fruto de la venganza, Nietzsche escribió un
libro, “Escritos sobre Wagner”, donde critica su obra y persona.

A partir del romanticismo, las siguientes corrientes compositivas siguen cada una su propia
filosofía (siendo muy diferente, por ejemplo, la concepción de Debussy a la de Schonberg).
En la aparición de otros estilos más actuales como el Jazz o el rock, que nos acercan más a la
actualidad, la popularización de poner letra a las canciones comunican de una manera más
directa los pensamientos del autor.

4. CONCLUSIÓN Y VALORACIÓN

Como conclusión, podemos obtener que, la filosofía, a pesar de ser la rama del conocimiento
detestada académicamente por tratar “cuestiones profundas inexistentes en nuestra vida
cotidiana”, junto a la música, han colaborado al desarrollo del ser humano y, sin ninguna de
ellas, llegaríamos a ser lo que somos. Si nos damos cuenta, desde pequeños nos pretenden
enseñar a pensar y percibir los medios que nos regala el mundo con nuestro propio criterio.
Tan evidente es la conjunción entre música y filosofía, al ser muy complejos los conceptos
filosóficos para los pequeños, se comienza a hacer por música.

La concepción de la música y nuestra forma de pensar a lo largo de los tiempos nos han
ayudado a entender que, nosotros mismo, somos nuestro principio y nuestro final, y por ello,
junto con nuestras ideas y melodías, seremos un más allá, por todo lo que fuimos antes de
comenzar a ser.

39
5. BIBLIOGRAFÍA
- Filosofía en la Red - “Conexión entre la música y la filosofía”
- Openmind BBVA - “Cuando la música se convierte en un ejercicio casi filosófico”
- Monografías - “Historia de la música en la filosofía”
- Francisco Callejo - “Historia de la música y pensamiento”
- Filosofí[Link] - “Filosofía de la Música”
- Mundo estudiante - “Las principales ramas de la filosofía”

40
41
CIENCIA DEL ARTE Y MÚSICA -Mario de Celis García

LA MÚSICA EN RELACIÓN CON LA

CIENCIA DEL ARTE

42
Índice:

Introducción

La música como arte

La música como ciencia

Conclusión

Introducción:
¿Qué relación tiene la ciencia del arte con la música?

La música es el arte que nos ha permitido plasmar diferentes conceptos y expresiones

a través del sonido. Este lenguaje universal consigue interactuar con todos los
individuos de diferentes formas y que estos los reciban y traduzcan en distintas
emociones.

Al hablar de música siempre surge la misma duda: ¿la música es ciencia, arte o una
mezcla de las dos?

La música, al igual que otras formas de expresión artística, se considera parte de la

cultura, por lo que es imposible clasificarla como una ciencia exacta o simplemente
como una expresión artística.

La música como arte:

La música como arte está tan ligada con el mundo que la rodea que nunca puede
llegar a ser entendida ignorando las condiciones estéticas, sociales y artísticas de las

43
sociedades en las que apareció. Para estudiar en qué circunstancias apareció la
música y que convicciones estilísticas y con qué técnicas se interpretaba en cada
cultura nace la praxis interpretativa. Esta rama de la musicología ha estudiado qué la
música como arte ha sido valorada por todas las culturas, desde los primeros pueblos
hasta la sociedad de hoy en día.

Hay mitologías en las que la creación del mundo se realiza a partir del sonido; otros
piensan que la música es el medio de comunicarse con los dioses.

Esta situación no varía cuando aparecen pueblos más cultos, y así los griegos la
valoraron hasta tal punto que establecen el origen de la música “semidivino”.

Dioses como Hermes, Atenea, Dionisos y Apolo están relacionados con el arte de la
música, como inventores de instrumentos o simplemente como tañedores. La
iconografía es la rama de la musicología que estudia la aparición de estos
instrumentos y su transformación a lo largo de los años y nos ha permitido conocer
de qué manera se ejecutaban en épocas pasadas.

● En la antigua Grecia y Esparta, la música tenía gran influencia en el teatro, en

los juegos olímpicos y en las fiestas.

● Roma adquirió gran parte del saber de la música griega y la transmitió a la

edad media europea, aunque en esta época la música no es solamente
valorada como arte, sino que también se le da el rango de auténtica ciencia.

● Durante el Renacimiento la importancia del arte de la música la comparten

todos los humanistas, la iglesia y los intelectuales de entonces.

● En el barroco se le dio un gran impulso a la música gracias a la ópera

introducida por Lully en Francia y por Claudio Monteverdi en Italia y España,
a la zarzuela española por Boccherini y a otros géneros musicales.

● A partir de la Revolución Francesa la clase media y la burguesa comienzan a

participar en la vida musical, que hasta entonces era un arte más o menos
unido a la aristocracia y a la religión. La burguesía en este periodo suele ser la
que más atención le presta a la música y más se compromete con ésta puesto
que empiezan a alquilar o construir salas de conciertos y a organizar
conciertos públicos o privados que atraen a una gran parte de la población
interesada por este arte.

44
● Durante el Romanticismo la música se convierte en el arte por excelencia. La
música romántica siempre buscaba alcanzar la mayor libertad expresiva. Este
anhelo a veces se veía aprisionado en las fronteras de los géneros clásicos
(sinfonía, concierto, sonata) y terminó por dar origen a un nuevo género: El
poema sinfónico. La orquesta crece enormemente en tamaño, sonoridad y
número de instrumentos, sobre todo en cuanto a los instrumentos de viento.
Además, los músicos no son sólo músicos, sino auténticos virtuosos, que
improvisan y tocan cada vez obras más complejas.

El instrumento más importante del romanticismo es el piano, ya que es un

instrumento capaz de expresar las cualidades que los románticos buscaban:
brillantez e intimidad. Es tal la importancia que tiene el piano, que algunos
músicos se dedicarán únicamente a él, como es el caso de Chopin.

Fréderic Chopin fue un compositor de Polonia, considerado como uno de los

grandes iconos del Romanticismo. Sus obras tienen un carácter libre, no
siguen los esquemas clásicos. Compuso casi únicamente piezas para piano,
como los nocturnos (obras de carácter íntimo y sentimental), preludios,
polonesas y mazurkas ensalzando el espíritu polaco, entre otras. Sus obras
tienen cualidades románticas como lo sentimental, lo íntimo, lo guerrero…
Fue el creador de una nueva corriente de estudios de técnica para piano.

Además, en este periodo la ópera (que surgió en el Barroco) toma un papel

indispensable en el entretenimiento musical del público popular. La ópera
italiana dominaba todos los escenarios europeos, excepto en Francia.

La vida urbana permitió desarrollar los grandes espectáculos y la burguesía

financió la construcción de grandes teatros y salas de conciertos que fueron
construidos en toda Europa durante el siglo XIX. La ópera tomó tal
importancia en el Romanticismo que hasta hubo compositores especializados
en este género, cosa que antes no había pasado.

El gran compositor de la ópera italiana y de toda Europa por excelencia es

Giussepe Verdi. Sus temas están en conexión con los sentimientos e intereses
del pueblo italiano, relacionados con la Unificación de Italia (que antes estaba
dividida en diferentes estados). Predomina la voz humana, tanto solistas como
coro.

● Y ya en la sociedad contemporánea el arte musical ha tomado sin duda la

primacía sobre todas las artes, dado que en realidad todo el mundo la cultiva a
un nivel u otro; incluso otras artes de enorme importancia (como el cine)
tienen que recurrir necesariamente a su ayuda.

45
Sin embargo, a lo largo de la historia la música también ha sido percibida más como
una ciencia que como arte.

La música como ciencia:

La música ya fue considerada una ciencia por Pitágoras (siglo VI a.C.), que inició la
investigación del fundamento matemático de las relaciones entre los sonidos.
Además, creó la teoría de la armonía de las esferas la cual es una antigua teoría de
origen pitagórico, basada en la idea de que el universo está gobernado según
proporciones numéricas armoniosas y que el movimiento de los cuerpos celestes
según la representación geocéntrica del universo el Sol, la Luna y los planetas se rige
según proporciones musicales; las distancias entre planetas corresponderían, según
esta teoría, a los intervalos musicales. Más tarde, el astrónomo y matemático
Johannes Kepler, uno de los científicos más reconocidos del siglo XVI y considerado
uno de los fundadores de la ciencia moderna,
relacionó las órbitas de los planetas del Sistema
Solar con la música. En concreto, determinó que los
movimientos de los astros desarrollan proporciones
armónicas, que pueden traducirse en tonos y
octavas.

Además, Pitágoras hizo famoso el monocordio,

instrumento que utilizó para identificar y definir los
intervalos
musicales y en la enseñanza de la teoría
pitagórica de la relación entre los números y la
música; entre otras cosas demostró que la
frecuencia del sonido es inversamente
proporcional a la longitud de la cuerda.

Siendo el número el fundamento de la música,

así como de todos los fenómenos físicos, esto
daba a la música categoría a la vez científica y
metafísica.

● Entre los escritores cristianos que afirmaron que la música está constituida
por leyes matemáticas, destacó San Agustin, y apoyaba que el número rige el
mundo de los sonidos.

● Al entrar en la edad media, el desarrollo de la música y el arte se redujo

enormemente. Sin embargo, un tratadista español llamado Boecio (siglos V-VI
d.C) que constituyó la suma autoridad para todos los tratadistas de la música
transmitió las doctrinas pitagóricas a la ciencia medieval.

46
 ● En el Renacimiento las relaciones entre las matemáticas y la música fueron
investigadas y ajustadas.

● En el siglo XV el ilustre teórico musical español Bartolomé Ramos de Pareja

consigue establecer las proporciones matemáticas de los modos mayor y
menor y establece así las bases para las modernas concepciones armónicas.

● El español Salinas en el siglo XVI afirmó que sólo puede considerarse como
música aquella que se somete a los dictados de la razón, y que ésta es, así
mismo, supremo juez para juzgar de la belleza de la música.

● Descartes en el siglo XVII dice que la belleza de la música queda supeditada a

las proporciones matemáticas.

Por su parte, casi todos los grandes matemáticos han participado en la concepción de
la música como ciencia.

¿Esta filosofía puede llegar a hacernos reflexionar y cuestionarnos sobre la creación

espontánea o intuitiva, pasando a la producción automática, hasta llegar a la
supresión del compositor?

Conclusión:
Se podría decir que la música se puede englobar tanto en el campo del arte como en
el de la ciencia, porque a diferencia de las demás artes, posee varias características de
ambos campos, y esto hace de la música el arte más variado de todas ellas.

Bibliografía:

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%20considerada%20una,la%20vez%20científica%20y%20metafísica.

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47
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0tomó%20el%20monocordio,la%20cuerda%20que%20se%20percutía.

[Link]
-monocordio

[Link]
ne%20del,dialéctica%20entre%20ambos%20conceptos%20respectivamente.

Sociología (Pablo González)

Desde el principio de los tiempos la música ha estado presente en nuestra vida,

formando así parte de nosotros. Esta ha tenido un papel importante en la formación
de la identidad individual y colectiva, pues a través de la música las personas han
podido expresar su personalidad y estilo pudiendo estrechar lazos con personas que
comparten sus intereses y gustos musicales.

Durante la Edad Media, la música era una parte integral de la sociedad y se utilizaba
para una amplia gama de fines, ocupando un lugar central en la vida de la gente. Se
utilizaba en misas, actos religiosos y para la adoración personal. Un tipo de música
que formaba parte de la tradición musical eran los cantos gregorianos y las melodías
medievales, que se transmitían de generación en generación. Además de la música
religiosa, la música de cámara y los madrigales eran muy populares en la corte y se
utilizaban para entretener a la nobleza. Los compositores y músicos eran apreciados
y respetados, y muchos de ellos eran empleados por la corte y las familias nobles.

La música también jugaba un papel importante en la educación, y se enseñaba en las

escuelas y universidades. La Edad Media también vio el surgimiento de formas
populares de música, como las canciones de trovadores y ministriles. Estas canciones
eran populares entre la gente común y se transmitían de manera oral de forma que
también se utilizaba en ferias y festivales, donde la gente podía reunirse para
disfrutar de la música…

Los juglares y trovadores eran los músicos por excelencia, recorrían las cortes
feudales de Europa cantando y tocando sus instrumentos. Respecto al primer
mencionado, estos eran personajes de origen popular, cantantes y acróbatas que
relataban batallas. Alguna vez podían haber sido miembros antiguos del clero,
quienes presentaban sus composiciones a los analfabetos, aunque normalmente solo
interpretaban las composiciones musicales ya que no solían tener formación previa

48
ni capacidad para componer por sí mismos. Estos también usaban otras formas de
entretenimiento, como la magia, la sátira…

Los trovadores eran, en cambio, personas

cultas (generalmente nobles) que componían
su propia poesía en su lengua natal, teniendo
una gran influencia e importancia en España
y Francia.

A través de la mano del cristianismo esta

música evolucionó gracias a los cantos e
himnos litúrgicos, además del desarrollo de
la escritura musical, que marcó un antes y un
después en la
música occidental.
Los encargados de copiar las partituras a mano para su
distribución eran los copistas, que reproducían y
organizaban la música de forma que pudiera ser
interpretada, presentándola lo mejor posible. El copista
había de conocer la práctica de notación de cada
instrumento, además de las variaciones de estilo de
escritura y composición, teniendo así un manejo en la
forma, solfeo, registros, armonía y contrapunto que hacía
de este oficio único y complejo.

En la Edad Moderna, la sociedad experimentó un gran cambio y evolución. Se

convirtió en una industria y una forma de entretenimiento en sí misma y los músicos
y compositores comenzaron a tener un papel más importante. Un factor a tener en
cuenta fue la creación y fundación de Academias, donde se reunían a intelectuales
que discutían sobre los clásicos y su influencia en las artes de la época. Ya en esta era
los ministriles tuvieron un mayor protagonismo y se les designaban a
instrumentistas de viento al servicio de cortes o iglesias, que tenían un
funcionamiento autónomo y servían en las fiestas de carácter religioso o profano.
También se encontraba al maestro de ministriles, que debía enseñar y formar a los
aprendices, aparte de coordinar y dirigir la actuación de estos.

La importancia que adquirió la

música durante los siglos XVI y XVII
hizo crecer las compañías de estos
músicos, incrementando su actividad
profesional tanto dentro de las
ciudades como fuera de ellas, llegando
a establecerse entre las capillas

49
eclesiásticas una especie de rivalidad por la asistencia a las festividades. Para muchos
músicos, estos servicios se convirtieron en su fuente de ingresos y asimismo
ayudaron a los intercambios musicales entre distintas capillas.

La música clásica apareció más tarde, sobre los siglos XVIII y XIX y vio nacer la
ópera, el oratorio, la sonata, el concierto y la sinfonía. En la sociedad de la música
clásica, los compositores eran apreciados y respetados, mientras que sus obras se
presentaban en teatros, óperas y salas de conciertos. A su vez, se usaba en eventos
sociales y políticos, considerándose un símbolo de la cultura, por lo que se estableció
como un arte elevado que se enseñaba en escuelas y universidades.

A lo largo de los años ha ido tomando forma en lo que a medio de expresión se

refiere y consiguió ser una manera de reflejar la sociedad de la cultura de la época.
En la sociedad actual, la música clásica sigue siendo una parte importante de la
cultura y un medio de expresión que es apreciada por muchas personas en todo el
mundo, teniendo un gran impacto en la sociedad.

Otro factor que incrementó la expansión de la música fue la creación de la imprenta,

que permitió la transmisión de muchas más partituras a un menor precio que las
hechas a mano, lo cual ayudó a los estilos musicales a esparcirse hacia otras ciudades
y países. Anteriormente, la música de un compositor sin la existencia de la imprenta
era solo conocida en la ciudad en la que vivía y los pueblos cercanos, pues los únicos
capaces de pagar las copias hechas a mano de la música eran los aristócratas.
Ottaviano Petrucci fue el pionero de la imprenta de la música moderna, capaz de
monopolizar durante 20 años esta actividad en la ciudad de Venecia a lo largo del
siglo XVI. Esto influyó naturalmente en la vida de los artistas y compositores, pues
personas como Mozart empezaron a buscar oportunidades para vender sus
espectáculos.

El proceso que se seguía para la ésta actividad era delicado y extenso, realizando
incisiones con las líneas, notas y texto directamente en una plancha de forma inversa,
es decir, se debía calcar la partitura de forma que se viera como si estuviera reflejado
en un espejo. Más tarde, se llenaban de tinta y prensaban junto a un papel. Sin
embargo, hay un problema sin solución a los que se afrontaban las editoriales: las
notas confusas. Dado este motivo, se debía predecir qué quiso transmitir al papel el
compositor de la obra, dando lugar a errores en distintas partituras, y errores en la
interpretación a ojos del compositor.

Por último, la sociedad musical en la edad contemporánea se ha visto influenciada

por muchos factores, entre ellos: la tecnología y cambios culturales. La música se ha
vuelto más accesible y disponible para todo el público que dispone de la tecnología
gracias a la invención de la grabación y la transmisión a través de medios como la
radio, el internet…

Además, ha experimentado una gran variedad de géneros y estilos, desde la música

clásica hasta la música electrónica, permitiendo así la salida laboral de músicos que

50
deciden explorar nuevas formas de expresión artística, planteando cambios radicales
en la armonía, el ritmo y la melodía sobre lo que era la música anteriormente. Estos
nuevos géneros musicales, ya sean rap, rock, música electrónica etc. han permitido
que se formen unos gustos musicales distintos a los pasados, aun manteniendo en la
cultura la música clásica, que se diferencia en todo a los nuevos estilos existentes.

Sin entrar en debates sobre lo que sí se debería considerar música y lo que no, sí se
debe reconocer la creatividad de distintos artistas que han dado a conocer su música
gracias a las posibilidades de hoy en día de difundir sus letras o melodías por las
redes, aprovechando las oportunidades que la tecnología les ha aportado y
aprovechando su talento para vivir de él.

Esta edad ha dado paso a un nuevo estilo, a una nueva vida, a una nueva forma de
expresión para todo el mundo y no solo para el que conocía sobre música
académicamente hablando. Sin embargo, no todo son ventajas como el
aceleramiento de la producción musical o la mayor calidad de sonido, sino que
también existen desventajas: como la piratería de ésta, lo que ha hecho que dificulte
la subsistencia de los músicos si solo se dedican a ello. También se encuentra algún
otro inconveniente, como la ecualización de la voz, que modifica ésta para que sea
más brillante o más entonada, lo cual premia a aquellas personas que no tienen una
buena voz y por lo tanto “deshonra” a aquellos que sí poseen un talento.

En conclusión, la sociedad sin música sería completamente distinta, privada de

emociones y actividades como el baile, el canto… El ser humano ha sido y será
plenamente entretenido, maravillado e incluso ayudado debido a ésta. Gracias a la
tecnología la sociedad en la música ha sufrido un gran avance cargado de beneficios
tanto musicales como profesionales. La aparición de la escritura musical y más tarde
la imprenta ha sido sin duda un gran paso hacia la producción, distribución y
expansión de esta forma de expresión que encuentra emociones que sin ella no
descubriríamos.

Bibliografía:
[Link]

[Link]

[Link]
edad-y-por-ende-de-una-tienda-de-instrumentos-musicales/

[Link]

[Link]
/

[Link]
storia/

51
 ETNOGRAFÍA Y MÚSICA: Las tradiciones musicales en el País Vasco

Adrián Fernández

La etnografía es una disciplina antropológica que estudia las culturas y sociedades de

los grupos humanos a nivel empírico y descriptivo. En España, la etnografía ha
estudiado diversos aspectos de la cultura popular y tradicional, incluyendo la música.

La música clásica ha servido de base para que hoy cada pueblo tenga su propia
cultura musical, manteniendo así vivas las tradiciones más antiguas, en la mayoría de
los casos transmitidas de boca en boca, generación tras generación. Esto es vigente
en todas las culturas conocidas en el mundo. Desde la más avanzada hasta la más
remota utilizan la música como hilo conductor cultural y transmisión de información
a través del tiempo, ya sea sobre labores de labranza, antiguos concilios, festividades,
veneración de la naturaleza o catástrofes entre infinidad de motivos.

52
Un claro ejemplo de la preservación y trasmisión de la música tradicional y su
continua evolución es la cultura del pueblo vasco. A continuación, se expondrán
algunas de las tradiciones más interesantes de la cultura musical vasca.

La coral vasca

Desde finales del s. XIX y comienzos del s. XX el desarrollo del movimiento coral
vasco posibilitó el reconocimiento de un bagaje cultural, acompañado de la
recopilación y difusión de unos materiales tradicionales que corrían el riesgo de
quedar en el olvido. También acercó esta cultura al pueblo a través del canto coral.
Con el incipiente nacionalismo, los coros vascos proyectaron ese ideal de pueblo
vasco unido a través del canto.

Con posterioridad, estudios y evidencias fueron avalando que las tradiciones corales
no eran prácticas predominantes y exclusivas del pueblo vasco. El único vínculo
existente entre la práctica coral vasca, desarrollada desde la segunda mitad del s.
XIX, hasta la actualidad y los tradicionales cantos colectivos, era más bien de
intereses ideológicos. Es un poco paradójico atribuir las tradiciones corales al mundo
rural cuando en realidad, habían surgido y se habían desarrollado en entorno
urbano.

Cabe destacar un hecho que etnográficamente resulta muy interesante, ya que

después de las primeras décadas del s. XX, en plena decadencia de eventos culturales
como la ópera vasca, el movimiento coral adquiere gran importancia en comparación
con eventos culturales de igual tradición. Una de las causas es la estrecha
colaboración con los partidos políticos sobre todo PNV, mientras otros coros como
los fueristas o socialistas desaparecen por completo en estas primeras décadas. Por
otro lado, también está el apoyo eclesiástico, interesados en el mantenimiento de
coros parroquiales que sirven de surtidores de voces.

Todo este auge coral fue aprovechado por los compositores vascos, componiendo
piezas para coral con un éxito casi asegurado siempre que compusieran al nivel y
calidad de los coros. Los compositores nacionalistas o no, crearon así un repertorio
coral muy amplio y de calidad. Algo parecido ocurría en otros países europeos como
Alemania, Inglaterra, Holanda, Bélgica Francia… donde las corales estaban
relacionadas directamente con movimientos nacionalistas.

En España, el momento de mayor auge del movimiento coral vasco coincidía con
otros etnonacionalistas como los de Galicia o Cataluña y otros asociados a la
problemática obrera como Asturias o Catilla y León. Parece obvio que en ningún
lugar el movimiento coral surgió ni se desarrolló espontáneamente ni como una
derivación de las tradiciones corales, más bien podría ser asociada a movimientos
ideólogos determinados, todo ello no niega la existencia de unas tradiciones corales
vascas, ni por supuesto niega todas las repercusiones beneficiosas de la expansión

53
coral en el País Vasco, como son: una previa recuperación, recopilación y posterior
reutilización de materiales tradicionales en la composición coral, así como la eficacia
de los coros en cierta socialización de la música.

Como consecuencia de esas asociaciones, en la actualidad, se ha llegado al punto de

que los propios encargados de gestionar el movimiento coral vasco ven como
perjudicial referirse a esa supuesta gran tradición coral, ya que lo consideran como
algo contraproducente que sólo invita al estancamiento. En este sentido, estos
últimos años, sobre todo a partir de la década de los 80 y a raíz de la conformación
progresiva de la Federación de Coros de Euskalerria, se ha operado un cambio de
retóricas que tratan de proyectar nuevas imágenes y nuevas narrativas. Pero esto
pertenece ya al último período de, aproximadamente, los 20 años precedentes, por lo
que hay que recordar etapas anteriores que, sin duda, convergen y dan sentido a esa
última.

Las bilbainadas

Es un género musical popular propio de Bizkaia, con letra que expresan vivencias
populares de Bilbao y sus pueblos limítrofes, en versos sencillos entonados en
cuadrilla o en familia. Sus orígenes surgen del nacimiento de la Villa de Bilbao o el
Botxo, palabra que se utiliza para referirse a Bilbao. Son canciones alegres y jocosas,
guardando ciertos parecidos a las canciones de ciego o romances de ciego. Ya en el s.
XIX y XX la bilbainada se verá influenciada por el ritmo de habanera, dos por cuatro,
también utilizado en “zortziko txikia”, muy popular en Europa a principios del s.
XIX.

A principios del s. XIX empiezan a crearse los primeros grupos clásicos de

bilbainadas, normalmente compuesto por cinco miembros e instrumentación con
guitarra, acordeón y pandereta. Algunos de esos grupos son Los cinco Bilbaínos, Los
Chimbos, Los Botxeros, Los Chimberos, Los Ruiseñores del Norte o los Txikis, y han
llevado las bilbainadas en actuaciones por el mundo entero con temas como “Desde
Santurce a Bilbao”, “Bilbao y sus pueblos”, “Bizkaia es un bello jardín”, “Los pintores
de Vitoria” o “Sietecallera”.

En 1989 la radio bilbaína Nervión convoca un concurso para revitalizar este género,
quedando ganadora “Ay Bilbao, botxo botxito” en ese primer certamen. Este
certamen sigue vigente y se realiza anualmente.

Gotzone Sainz de Navarrete es una de las letristas de las bilbainadas que ha ganados
varios certámenes con temas como “Soy del mismo Bilbao”, y narra en primera
persona cómo componía estos versos para que más tarde se adaptara la música.
Algunas de sus letras fueron interpretadas por Los Cinco Bilbainos. Sin música

54
previa ella iba componiendo los versos pensando en cosas típicas del día a día de
Bilbao, calles, tradiciones, etc. Una vez escrita la letra, se la mandaba a otra persona
para que compusiera la música. Algunas de sus canciones fueron: “La calle del
perro” o “Un inglés vino a Bilbao”.

Hoy otros grupos como Bilbao Mapamundi, Beti Aurrea o Azul Bilbaino toman el
relevo generacional de esta tradición.

Los bertsolaris

Son versos cantados en los que no solo se tiene en cuenta qué se dice, sino cómo se
dice, ya que siempre se tiene que respetar tanto la melodía como la rima, así como el
tema prefijado.

Es considerado todo un arte ya que los bertsolaris aúnan poesía, chanza y actualidad
en pocas estrofas. Lo hacen de manera improvisada y cantando a capella. Una vez
elegida la métrica y la melodía, el bertsolari crea el último verso entre rimas, y estas
palabras que contiene la rima de un verso han de ser distintas. Si una misma palabra
(con la misma forma y significado) se coloca en dos palabras con rima, se dice que el
bertsolari ha hecho poto y es penalizado en caso de concurso.

Aunque se tiene constancia de que en la Edad Media ya se hacían bertsos, el origen

concreto se data a comienzos del s. XIX cuando los primeros bertsolaris se
desafiaban cantando en rima. A estos desafíos en los que participaban nombres
ilustres de este arte hablado como Beñat Mardo o Fernando Amezkarreta acudían
numerosos vecinos que se deleitaban con la capacidad que tenían para la rima y la
improvisación.

En Azpeitia en 1799, Fernando Amezketarra cinceló dos bertsos en la memoria de los

aficionados que asistieron a una de sus actuaciones. Dos años más tarde en Villabona
se reunieron unas 4.000 personas para presenciar en batalla dialéctica a Zabala y
Txabalategi. El alcalde situó dos escenarios uno en frente del otro y el ganador se
llevaría 5 onzas de oro. Finalmente, el empate se impuso en la batalla dialéctica.

Siendo el bertsolarismo un fenómeno directamente vinculado a la sociedad, es

ineludible pensar que las guerras carlistas (1833-1839, 1872-1876) tuvieron algún
que otro efecto en los bertsolaris. La sociedad vasca, al igual que los bertsolaris,
estaba dividida. Las reivindicaciones crecieron y el tiempo para la diversión
disminuyó. Sin embargo, los bertsos escritos obtendrán un papel fundamental para
la divulgación de reivindicaciones. Repartir copias escritas de un mismo bertso era
más fácil que repetir un mismo bertso de plaza en plaza. Por tanto, los bertsos
escritos cobrarán importancia que se restará a las pujas dialécticas.

55
Los bertsolaris de aquel entonces no sabían escribir y necesitaban la ayuda de
parientes, amigos o conocidos para reflejar sobre el papel los bertsos guardados en la
memoria (y ello daría pie a los vendedores de bertsos).

En 1934 se organizó el primer campeonato de bertsolarismo, siendo Jose Manuel

Lujanbio Txirrita el bertsolari paradigmático de la época. Después llegó la guerra
civil española y se impuso el silencio hasta que en 1945, Iñaki Eizmendi Basarri y
Manuel Olaizola Uztapide fueron quienes garantizaron la conservación de este arte,
también los Enbeita en Bizkaia. Euskaltzaindia, la academia de la lengua vasca,
retomó la competición en 1960. Jose Manuel Iztueta Lazkao Txiki y Fernando Aire
Xalbador fueron dos de los bertsolaris míticos de la época.

A partir de 1977, los festivales aumentaron exageradamente. Se abren al público los

primeros alumnos de las escuelas de bertsolaris: Sarasua, Euzkitze entre otras. El
bertso salta a la televisión, a la radio y a la prensa escrita y el público de los
bertsolaris alcanzará niveles insospechados. El bertso llegó a convertirse en
estrategia publicitaria. Del mismo modo que siglo a siglo, el bertso descubre cómo
adaptarse al progreso: tramas en bertso, bertsos con música... Los temas y los
bertsolaris se van sofisticando: de los 47 bertsolaris que participaron en el
campeonato de 1997, 26 eran universitarios, se puede decir que el bertsolarismo baja
del caserío a la ciudad.

Gracias a Xabier Amuriza, partiendo de la base teórica sugerida por Manuel

Lekuona, el mito del bertsolari se redactará en pasos concretos: el libro Hitzaren
Kirol Nazionala (un método para aprender a hacer bertsos) o el Hiztegi Errimatua
(un sistema de rimas) por lo que se acercó a todo el mundo la posibilidad de ser
bertsolari.

La creación masiva de bertso-eskolas o escuelas de bertsolaris se centra en la década

de los 80. Entre las nuevas promesas aparecieron Arantzazu Loidi o Kristina
Mardaras para dar voz a las mujeres, acallada durante tantos siglos.

Los campeonatos tras la Guerra Civil los organizó la Real Academia de la Lengua
Vasca, pero en 1985 surgieron ciertas desavenencias entre los bertsolaris y la
organización. Después de largas negociaciones, en 1986 se creará la Euskal Herriko
Bertsolarien Elkartea (Asociación de Bertsolaris del País Vasco), más tarde Euskal
Herriko Bertsozale Elkartea (Asociación de Amigos del Bertsolarismo), para que ese
mismo año se ocupe de la organización del campeonato.

En 1991 se creó Xenpelar Dokumentazio Zentroa (el Centro de Documentación

Xenpelar) para la recopilación de toda información relacionada con la producción
tradicional de bertsos y años más tarde se impulsará la creación de la empresa Lanku
para la promoción y difusión del bertsolarismo.

Los bertsolaris de las plazas serán cada vez más jóvenes, a favor de un bertsolarismo
más joven y urbano: Unai Iturriaga, Igor Elortza, Maialen Lujanbio... De aquí en

56
adelante, la historia del bertsolarismo es la vida actual y cotidiana y se puede
encontrar en cualquier plaza, teatro, sala, radio, página web, periódico, etc.

En resumen, se puede ver cómo la música impregna desde la raíz hasta lo más alto
las culturas desde la antigüedad hasta la actualidad, y ha servido de hilo conductor
durante generaciones para mantener vivas tradiciones, eventos, hechos históricos,
etc. También para dar voz a movimientos sociales, protestas, noticias de actualidad…

Bibliografía

[Link]
adicion-y-cultura

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[Link]

[Link]

[Link]

[Link]

Testimonio de Gotzone Sainz de Navarrete.

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