2.1 La consolidación de la forma Sonata.
A manos de [Link] y de Händel, el aria da capo anticipa el principio de recapitulación o reexposición:
representar la primera sección de la obra al final.
El esquema A-B-A no siempre presentaba un conflicto dramático; los compositores clásicos partieron de
esta estructura tripartita reexpositiva, pero introduciendo un conflicto dramático en la sección interna.
Se expresaba como una ruptura del equilibrio que inmediatamente se tenía que restaurar mediante el
regreso a la sección inicial.
2.1.1 La articulación de la forma sonata.
Para que este principio de articulación de la forma sonata pudiera explotar el elemento dramático, era
necesaria la presencia del bitematismo ( Doménico Scarlatti )
La interacción del bitematismo y el principio de articulación interna de la forma sonata de estructura de
tres secciones dio lugar a la sonata bitemática: exposición, desarrollo y recapitulación.
La Sonata bitemática presentación-nudo-desenlace se presenta en términos musicales como exposición-
desarrollo-recapitulación.
La forma sonata proporciona estructura formal abstracta que establece unas pautas básicas para la
organización del discurso musical.
2.1.2 Principales contribuciones.
Al concepto de Forma Sonata, hay que mencionar la influencia que el modelo de obertura operística
italiana ejerce en el establecimiento de un plan formal abstracto que permitirá la composición de obras
instrumentales.
Ahora se habla de estructura de movimientos independientes que configurarán una obra instrumental.
Así pues, se produce la gestación al plan formal de la sonata clásica.
Finales del [Link], se había extendido la costumbre de incluir preludios instrumentales.
Nos referimos a la obertura operística, consolidades por los napolitanos durante el primero cuarto del
[Link].
Se diferenciaba de la modalidad francesa constituida por movimientos lentos de ritmo sincopados,
seguidos de movimientos rápidos.
Encontramos la referencia de la Sinfonia Avanti l'Opera, la cual designa los tres movimientos de la
sonata.
La popularidad de la ópera italiana favoreció que se ejecutaran estas oberturas operísticas como obras
de concierto y, más tarde, como sinfonías independientes.
Estas primeras sinfonías eran de estilo galante y constituidas por frases breves y regulares
Compositores: Sammartini, Jommelli y Baldassarre Galuppi.
La práctica de escribir sinfonías fue adoptada por los compositores de la escuela de Mannheim.
Christian Canabich, compositor salido de la escuela de Mannheim que introdujo importante
modificaciones.
La plantilla orquestal queda determinada y los intérpretes deben respetar las indicaciones de matices y
dinámica.
Desde el punto de vista formal, se fija la estructura de cuatro movimientos a partir de la adopción de
minué: allegro-andante-minuet-presto.
Bach aplica el principio de la estructura interna de la forma bitemática al primer movimiento de la
sinfonía ( allegro ).
La práctica de escribir sinfonías como obras independientes pronto fue adoptada por los compositores
vieneses: Georg Christoph Wagenseil, Florian Leopold Gassmann y Leopold Hofmann.
La interacción de Haydn y Mozart la que hizo posible el asentamiento de la estructura de la sinfonía con
los cuatro movimientos.
El plan de la sonata clásica quedaba consolidada de la siguiente manera:
a)primer movimiento (vivo o moderado): adopta la forma de la sonata desarrollada.
b)Segundo movimiento ( lento ): consta de estructura ternaria con un tema con variaciones.
c)Tercer movimiento ( tempo moderado) : consta de tres movimientos: minué-trío-minué.
d)Cuarto movimiento (rápido y ligero): final brillante en forma de rondó.
Las primeras sinfonías de Haydn y Mozart, seguían el modelo italiano de tres movimientos.
En algunas sinfonías, Haydn reemplaza el minué por el Scherzo.
Beethoven consolidaría definitivamente este cambio.
La sinfonía beethoviana servirá de modelo a las de la primera generación de compositores románticos y
sobre todo a Brahms.
2.1.3 La música instrumental en la Península Ibérica. Boccherini.
Gran parte de la música instrumental hispánica de la segunda mitad del siglo XVIII mantiene las formas y
géneros heredados del Barroco.
Las únicas vías de introducción del estilo clásico vienés en la península ibérica fueron la Corte Real y
alguna institución eclesiástica e la influencia de músicos italianos.
El estilo clásico penetró en la Peninsula a través de Haydn y Ignaz Joseph y se llevó a cabo
fundamentalmente a través de la producción sinfónicas y, en menos medida, camarística y de teclado.
El toledano Manuel Canales es uno de los primeros músicos hispánicos que compusieron cuartetos
intentando adoptar la forma sonata clásica, pero en sus obras hay una influencia más marcada de
Boccherini.
Carles Baguer compuso diecinueve sinfonías. Se ve una evidencia a la voluntad del compositor por
asumir el modelo de la sinfonía clásica vianesa.
El carácter de los temas es hydiniano y la orquestación es efectiva, pero no podemos considerar que
haya asimilado del todo el principio de articulación dramática interna de cada uno de los movimientos.
Las sinfonías se estructuran en cuatro movimientos y su orquestación incluye dos oboes, dos trompas y
cuerda.
Luigi Boccherini: compositor italiano más importante de música de cámara de su tiempo, figura capital
de la música española de la segunda mitad del [Link]. Aplicó el plan de la sonata clásica de manera
ejemplar a formaciones de cámara
Se dedicó sobretodo a la composición de obras para formaciones instrumentales reducidas: tríos,
cuartetos y quintetos de cuerda, música de cámara para clavicémbalo, guitarra o instrumentos de viento
y cuerda.
Boccherini es el mérito de haber consagrado el quinteto como formación instrumental clásica, junto con
el trío o el cuarteto.
Obras más célebres del compositor: La musica notturna delle strade di Madrid.
Hay que destacar su contribución al repertorio orquestal con un considerable número de sinfonías,
conciertos, divertimenti y serenatas.
Una figura destacada de la música para tecla de este periodo fue el catalán Antoni Soler.
Entró en contacto con el ambiente musical de la Corte Real de Madrid. Allí conoció la obra Domenico
Scarlatti y Boccherini. El lenguaje musical se adscribe al estilo galante y adopta, los modelos preclásicos
que persistieron a lo largo de la segunda mitad del [Link] y evolucionaron independientemente de las
formas instrumentales del estilo clásico vienés.
La producción instrumental de Soler incluye un considerable número de quintetos y conciertos.
Otras aportaciones:
Josep Duran,dos óperas, Antigono y Temistocle, se adscriben todavía a la estética italianizante del
Preclasicismo y se estructuran en los tres movimientos rápido-lento-rápido.
Anselm Viola, autor de un concierto para fagot y orquesta.
[Link] género operístico en la segunda mitad del siglo XVIII
En el ámbito de la música vocal, Italia aún conservaría supermacía durante casi todo este siglo.
Venecia y Nápoles eran los principales centros de producción operística.
Era la época dorada de los castrati y de las divas, capces de seducir a un público totalmente entregado a
las habilidades técnicas vocales de sus ídolos.
3.4 Otras modalidades operísticas.
La tragédie lyrique va perdiendo adeptos, en favor de una nueva modalidad que había recibido impulso a
partir del incidente que propició la famosa querelle des Bpuffons.
Rousseau se había atrevido a escribir la letra y la música de una comedia breve: Le devin du village.
Esta obra pasa a la historia porque asentó las bases de una nueva forma de ópera ligera que se hará
paradigma del género teatral popular francés ópera-comique.
Pierre Alexandre Monsigny y André Grétry, fueron algunos de los mejores compositores de ópera-
comique.
En Inglaterra, la tradición operística händeliana no tuvo ningún continuador.
Se intentó consolidar una nueva forma de espectáculo, la ballad opera, una comedia satírica con
elementos costumbristas que incluía melodías de carácter popular y parodias de tonadas procedentes de
óperas italianas.
1728 con el estreno de The Beggar's Opera ( John Gay, en colaboración con Johann Pepusch.
En el área germánica, recibió un gran impulso el Singspiel, alternaba números musicales con diálogo
hablado. El primer compositor importante de Sinspiel fue Johann Adam Hiller, pero será Mozart quien
propicionará las obras maestras del género.
En la península Ibérica, la zarzuela barroca progresivamente se dejó de cultivar.
La zarzuela se hizo cada vez más italianizante, para acabar siendo eclipsada por la misma ópera italiana.
Como respuesta a la necesidad de no encontrar una fórmula operística autóctona: la tonadilla escénica:
intermedios intercalados entre los tres actos de una obra teatral.
Los argumentos giraban entorno la vida cotidiana y eran ambientados en escenarios humildes.
Después de vivir un periodo de esplendor, la tonadilla desapareció con la invasión francesa de 1808.
La tonadilla, había impulsado un movimiento que defendía la tradición musical hispánica contra la
invasión de la música italiana y que propuso la recuperación de la zarzuela.
Surgió una nueva modalidad de zarzuela que lo único que tenía que ver con la del barroco es la
utilizaciñon de la lengua vernácula y la alternancia de números musicales.
Autores: Ramón de la Cruz.
1768, escribió en colaboración con el compositor Rodríguez de hita.
Las segadoras de Vallecas
Los Zagales del Genil.
A partir de este momento, se introducen temas de carácter popular.
La zarzuela reformada a manos de Ramón de la Cruz se hace un género dramático con argumentos
basados en la vida de las clases sociales más humildes y que incluían tonadas populares y bailes
tradicionales.
[Link] Clasicismo al Romanticismo.
La culminación del Clasicismo se logró en Viena a manos de Haydn y Mozart en el último cuarto del
[Link].
La capital austriaca la que se asimiló las innovaciones sinfónicas llevadas a cabo por la escuela de
Mannheim y adoptó los procedimientos de las producciones operísticas procedentes de Italia.
Haydn y Mozart asumen rápidamente todas estas novedades y entre los dos consolidan la forma sonata.
Estos compositores proporcionan los fundamentos de una nueva era que surgirá con fuerza con la
aparición de la sensibilidad romántica, la cual estallará con la figura de Beethoven.
Superó mediante una de las más grandes revoluciones musicales producidas en la historia de la música,
abriendo el camino a toda una generació de compositores románticos.