DIRECCION DE ACTORES

Para los buenos actores, el peor pecado que puede cometer un director es
estar satisfecho con menos de lo mejor que pueden ofrecer.
La dirección siempre necesita estar clara, breve y realizable, y a la par
necesitan libertad para explorar las ideas de la dirección. El actor quiere
sentirse presionado, crecer y aprender.
Y la más grande alabanza que un actor puede darle a un director es “Aprendí
mucho trabajando con él” “Me ha hecho saber cosas que no sabía que podía”.

Dirección por resultado y arreglos rápidos.

Se recomienda no decir “puedes bajar el tono” “puedes hacerlo con más
energía” ya que no son indicaciones específicas.
Si a la intención del del director es ayudar a un actor a evocar un estado
particular es mejor intentar un arreglo o un ajuste imaginativo, por ejemplo, un
ajuste puede ser “como si…”
Por ejemplo, si quieres una atmósfera fría en una cena familiar, puede pedir a
los actores que hagan la escena “como si… la primera persona que cometa un
error de decoro en la mesa fuera condenada a prisión”.
Otro error muy común es dar al actor la frase como quieres que diga, con la
inflexión o tono.

lo que se recomienda es dar al actor el significado de la línea de diálogo, no la

inflexión.
El trabajo del actor es entender y saber comunicar la intención del personaje.
Si el director no es capaz de poner en palabras el significado del tono que
busca, quizás no sabe lo que busca.
Otro error que se comete, que yo no lo diría error, es el hecho de comunicar al
actor que sentimiento debería estar sintiendo el personaje o el estado de
ánimo.
Más que nada es que cuando un actor intenta tener un sentimiento a veces se
nota y un actor pillado es grave, y además lo cierto es que no podemos elegir
nuestros sentimientos. No podemos decidir como sentirnos (cuestionable)
Lo que necesitan los actores es tener todos los sentimientos accesibles para
poder trabajar.
Si el director clasifica a los personajes en termino de las emociones que
deberían sentir en ciertos momentos, lo que puede pasar es que se pierda la
oportunidad de hacer surgir genuinamente el evento emocional, ya que la vida
emocional del personaje va mucho más allá de la idea preconcebida del
director, que lo que hace es limitarse por encontrar su resultado concreto.
Es importante tomar en cuenta que la naturaleza de las reacciones está en el
hecho de que nos toman por sorpresa, independientemente de la sutileza con
la que intentamos controlarlas.
Para un actor las transiciones del personaje son la parte más complicada de
actuar. Entonces, cuando las transiciones están forzadas, anticipadas tienen un
resultado plano, y solo cuando son espontáneas como la vida misma se ven
reales.
Hay que tener en cuenta que en una película los personajes no saben lo que
les va a pasar, por lo que no saben lo que van a decir o hacer cuando les
ocurren las cosas. Entonces, los actores sí saben lo que les va a pasar,
entonces se recomienda que no se les pida un resultado a los actores y más
bien se les ayude a potenciar el hecho de vivir el instante.

Es importante siempre que el actor tenga claro su objetivo y la intención. ¿Qué

es el objetivo? Es lo que un personaje quiere de otro personaje. Ahora la
intención es lo que el personaje hace para conseguirlo. Es importante que lo
primero que se discuta con el actor sea el objetivo y la intención del personaje
para que así el actor tenga más claro la mirada que tiene el director del
personaje, y así poder crear y proponer un personaje, tomando en cuenta la
mirada del director.

Es vital que el actor y el director entiendan lo que el personaje quiere/necesita

en vez de determinar indicaciones intelectuales que busquen un resultado, así
evitamos trabajo mecanizado.

El trabajo del actor es vivir la vida del personaje, más que mostrar su vida
interna.
El actor y el director tienen que desmontar sus ideas sobre el personaje en una
serie de tareas realizables. Y esto implica un entendimiento profundo del
comportamiento humano y requiere mucho tiempo.

Otra cosa que el director debe evitar es juzgar a los personajes, ya que un
juicio negativo sobre un personaje puede condicionar al actor e impedir que el
actor le de vida al personaje más humana. se recomienda siempre evitar juicios
negativos.
Los personajes, como las personas, llegan a saber cómo son por las
necesidades que tienen, las cosas que les pasa y las decisiones que toman.
Siempre digo, me hace quien soy hoy todas las decisiones que he tomado y
también las que no. Lo que hablo, digo, actúo me hace ser quien soy, me da
las características.
El personaje va a tener buenas y malas cosas como todo ser humano. El actor
y director se aproximan al personaje creando y poniéndole en situaciones,
permitiéndole tener necesidades y tomar decisiones, pero nunca juzgándole.
Por ejemplo, no voy a decir mi personaje es vago por eso actúa así, si no
entendiéndole. Seguramente va a tomar esa decisión porque va a preferir
disfrutar de estar en cama que salir.
Se recomienda que el director se acerque a cada personaje como si el fuera a
interpretarlo, permitiéndose creer en la realidad de cada personaje.
Nada hace más que una actuación parezca amateur que la falta de escucha e
implicación con los demás actores de la escena. Uno de los ejercicios que
siempre planteo en las clases de actuación es el de escucha, y cuando hablo
de escucha es el de escuchar con todos mis sentidos, incluso con mi tacto, con
mi gusto. Si son capaces de afectarse el uno al otro de manera genuina en el
momento. O por el contrario si solo se dicen las líneas del diálogo el uno al otro
de manera mecánica.
En conclusión, si quieren ahorrar tiempo en el set, lo cual es importantísimo
porque generalmente siempre se esta en contra reloj, es esencial que llegues
al rodaje habiendo trabajado los personajes y el guion de dentro hacia afuera y
que aprendas a dirigir en términos realizables.

ADJETIVOS (evitar)
¿qué es un adjetivo? Describen la impresión de otra persona sobre el
personaje. La esencia de una persona no es la descripción que tienen otras de
ellas. Por eso, para crear una caracterización viva y creíble, el actor necesita
un entendimiento profundo de las experiencias vividas de ese personaje en un
lenguaje que no sea descriptivo, si no de la experiencia ( su historia).
Los adjetivos son subjetivos y por lo tanto no son la mejor herramienta para
comunicarle al actor. Se piensa que no es lo más conveniente utilizar adjetivos
para describir la actuación de un personaje. Por ejemplo, decirle “No así, hazlo
más sexy”.
Es importante que los actores accedan a una experiencia primaria, a lo que me
refiero es una experiencia con los 5 sentidos.
Por ejemplo: cuando estamos presenciando un terremoto escuchamos
específicamente los sonidos del cristal, las alarmas de los coches, la cama que
se mueve de bajo de nuestros cuerpos, ojos que se tensan para distinguir
formas y siluetas, puede incluso que sintamos sudor o como la tierra se mueve
debajo de nuestros pies.
Entonces, se recomienda no fiarse de los adjetivos y adverbios.
La buena dirección genera comportamiento en el actor por lo que es activa y
dinámica, en vez de ser estática. Es sensorial es vez de ser intelectual. Es
objetiva y específica en vez de ser subjetiva y general.
¿Entonces qué se recomienda? 5 herramientas muy útiles que se pueden usar
para dar forma a las actuaciones de los actores:
Verbos, hechos, imágenes, eventos y tareas físicas.
Funcionan porque son activos (verbos), objetivos (hechos), sensoriales
(imágenes), dinámicos (eventos), kinésicos (tareas físicas).
Y concluimos, aunque suene contradictorio con todo lo que les he comentado,
no quiere decir que la dirección por resultado no funciona, porque algunas
veces si funciona, pero cuando funciona a veces puede que lo haga solo una
vez.

5 HERRAMIENTAS MUY ÚTILES

1. VERBOS (APLICAR)
Los verbos funcionan porque hablan más alto que las palabras.
Los verbos describen lo que alguien está haciendo, por lo que son activos.
Y los mejores verbos para utilizar son los verbos de acción. Un verbo de acción
es un verbo transitivo, un verbo de acción tiene implicaciones emocionales y
físicas.
Por ejemplo:
Convencer, suplicar, quejarse, castigar…etc.
Por ejemplo: si digo esta persona está a la defensiva ¿qué verbos están
presentes cuando estoy a la defensiva? ¿porqué estoy a la defensiva?
¿Por qué me quiero proteger? ¿defender? ¿quejarse? ¿avisar?
Entonces cuando estoy a la defensiva es porque algo que no le gusta se le
viene encima, ya se información que no quiere afrontar, por lo que intenta
desviar la atención de la información que les viene. Hay diferentes maneras de
hacerlo, por ejemplo, quizá se queje porque se ha elegido de forma injusta.
Por supuesto que cuando lleguemos al análisis del guion estaremos mejor
situados para escoger las mejores opciones.
Lo mejor de utilizar un verbo es que centra la atención del actor en su
compañero de escena y esto permite al actor influenciar/afectar al otro y así
crear eventos emocionales en la escena.

Puntos claves de los verbos

 Utiliza un verbo en vez de una emoción:
En la vida misma, no podemos elegir como sentirnos, pero si podemos decidir
qué hacer, y esto es lo que hace el verbo. Los verbos de acción describen una
transición emocional; cuando alguien hace algo a otra persona, algo sucede,
por lo tanto, los verbos de acción crean un evento emocional.
Lo que hacemos afecta a nuestros sentimientos y puede crear sentimiento.
 Utiliza el verbo en vez de una actitud
Me refiero que en lugar de pedir al actor que lo haga de manera sexy
(adjetivo) le puedo decir que “ligue” (verbo) con el otro personaje.
En vez de pedir que lo haga más enfadado (adjetivo) puedes pedirle que
acuse/castigue/aplastar al otro personaje.
El verbo te obliga a interactuar, a implicarte con el otro actor.
Existe un cambio de concentración en el actor cuando le das un adjetivo a
cuando le das un verbo. El verbo anima al actor a escuchar e implicarse.
 Utiliza un verbo en vez de pedir “mas suave” “baja la intensidad” “con
más energía”.
Ya que cada verbo que se utiliza d un nivel diferente de intensidad al
diálogo. Por ejemplo, castigar puede ser el más intenso y quejarse el
menos intenso.
Castigar- me retó- me habló- quejarse.
Por ejemplo: persuadir en lugar de exigir puede ser otra manera de bajar
la intensidad.

 Utiliza un verbo en vez de describir “como es una persona” “como le veo

al personaje”
Si me atasco discutiendo sobre la manera de ser de un personaje
olvidan por completo lo contradictoria que es el alma humana.
Lo que hace a un personaje complejo es que hace cosas diferentes en
tiempos diferentes. Un personaje puede encantar, desafiar, sollozar,
demandar, y seducir. No todo al mismo tiempo pero si en una rápida
sucesión.

 Utiliza un verbo en vez de un juicio

En vez de denunciar a un personaje como manipulador, aporta ideas
sobre el comportamiento específico de una persona manipuladora.
 ¿qué hace una persona manipuladora? Adula, suplica, incita, castiga…

 Utiliza un verbo en vez de dar la entonación de un diálogo

Si lo haces déjale claro al actor cuál es la intención del discurso.
Siempre y cuando sea solo para dar a entender lo que diálogo quiere
decir, la intención, no para que el actor imite.
La intención al comentarles acerca de los verbos es que aprendamos
como directores a dar indicaciones más específicas y fáciles de seguir al
actor, de hacernos entender de forma más fácil.
Trabajo en clase
 Analizar escenas de películas/series y descifrar verbos.
 Ejercicio en clase, les damos escenas a los estudiantes.
 Con la misma escena probar con diferentes verbos para probar
energía e intensidad utilizando verbos.

2. HECHOS
Hay dos tipos de hechos sobre los personajes que son útiles a directores y
actores. ¿Cuáles creen que son?
Hechos que están en el guion (hechos del pasado del personaje)
Hechos pasados del personaje que no están en el guion ¿a qué me refiero con
eso? Estos hechos son elecciones imaginadas sobre el pasado del personaje.
En el trabajo con el acto es importante resaltar los hechos pasados de los
personajes que sí están en el guion y también las elecciones imaginativas que
se toman para construir personajes complejos con un rico universo personal.
 Utiliza hechos en lugar de explicaciones psicológicas
A veces es más certero utilizar hechos en lugar de explicaciones psicológicas,
por ejemplo, si digo:
Está muy unida a su madre ¿porqué digo eso? Por el hecho de que todos los
días durante la luna de miel le escribe una carta.
 Utiliza hechos en lugar de discutir “el personaje es así o no es así”
Los hechos son un arma potente de análisis de guion. Lo bueno de los hechos
es que incluso no hay discusiones sobre ellos. Si tienes una discusión sobre el
guion con un actor, vayan y revisen juntos los hechos de la escena, y así la
discusión será más provechosa.
 Usa hecho en lugar de juicios
Por ejemplo, en vez de decir que el personaje es una zorra, invéntate una
historia sobre el pasado del personaje. Por ejemplo, que echó pintura al auto
de su novio. En vez de decir que el personaje es un buen tipo, di que siempre
escucha después de hacer una pregunta o que te mira directamente a los ojos,
que son afirmaciones del comportamiento que mucha gente encuentra amable
y agradable.
Por ejemplo, en vez de decir que el personaje es un machista ¿qué hecho
dirían?
En lugar de decir que el personaje es trabajador ¿qué hecho dirían?
En lugar de decir que el personaje es cuidadoso ¿Qué hecho dirían?
En lugar de decir que el personaje es malo ¿Qué hecho dirían?
En lugar de decir que el personaje es valiente ¿Qué hecho dirían?
En lugar de decir que el personaje es malcriado ¿Qué hecho dirían?
En lugar de decir que el personaje es tímido ¿Qué hecho dirían?
Y así podríamos seguir.

 Indagar en los hechos que te llevan a sitios interesantes

Por ejemplo, cuando decides que el diálogo “ya te lo he dicho” ¿qué quiere
decir? Primero que ya han discutido del tema anteriormente” entonces esto me
lleva a tener más curiosidad sobre lo que hablaron antes.
Esto me va a ayudar a entender más al personaje, a entender sus razones para
actuar, y no juzgarlo.
Es importante conseguir que el actor no juzgue al personaje si no que sienta lo
que el personaje siente. Ya el trabajo del público en tal caso es juzgar.
Y los hechos imaginarios de la historia pasada del personaje que los llaman
ajustes y arreglos sirven para añadir capas o giros a la vida interna del
personaje. Se puede parafrasear como un ¿Y si…? Le paso esto a la
persona… y si el personaje cuando era pequeño hizo esto… etc.

3. IMÁGENES
Si quieres transmitir al público una imagen de soledad, decirle al actor estás
solo capaz no va a funcionar tanto como si le pones al personaje en una
situación (una serie de hechos) que produzcan el comportamiento que quieres
retratar.
El tipo de imágenes que implican a un actor son:
1. Imágenes del texto, es decir, imágenes creadas por las palabras de
guion.
2. Imágenes que el actor trae al guion y que se convierten en imágenes del
submundo del guion.
A continuación, describo algunas de las maneras de utilizar imágenes que
salen del submundo del personaje para que lleguen a los recursos emocionales
del actor:
 Usa imágenes en lugar de pedir emociones:
La memoria emocional es un poderoso evocador de emociones y de subtexto.
La memoria del limón con sal que te comiste en el bus escolar puede que te
traiga recuerdos de la infancia, o el pan recién horneado puede que te traiga
recuerdos de tu abuela, el verso de una canción te puede llevar de vuelta a
esos años de secundaria o de los primeros amores.
Las imágenes pueden evocar el comportamiento de un actor y dejar disponible
sus emociones.
Por ejemplo:
Si quieres transmitir al público una imagen de soledad ¿qué imagen puedo
utilizar con el actor?
La imagen de cuando me castigaban de niño y me cerraban la puerta con
seguro y yo veía como se cerraba la puerta y más que ver escuchaba como se
lanzaba la puerta (el portazo) y se escuchaba el seguro.
O la imagen de cuando tenía 4 años y mi mamá se iba al trabajo y la veía por la
ventana como desaparecía.
 Usa imágenes en lugar de explicaciones
Digamos que estas dirigiendo una película sobre un personaje que, en su
pasado, a la edad de 4 años su madre se encontraba hospitalizada y se le dejó
al niño al cuidado de una familiar nada agradable durante seis meses.
Puede que quieras explicarle al actor como se sentía el personaje en términos
de psicología, el abandono de su madre, etc. En lugar de hacer
psicoanalizando las emociones del personaje, se recomienda invocar en el
actor crear una imagen, un recuerdo en imagen.
El día que su padre se despidió y le hizo que le de la mano a su tío y su padre
se alejaba.
O el halo/ resplandor en su rostro en su último intento por sonreír.
Tales imágenes viven con la gente (los personajes) el resto de sus vidas. El
describir al detalle imágenes asociadas con eventos importantes en la vida de
los personajes ayuda a describir la psique de un personaje de manera mucho
más eficaz que listando los efectos psicológicos producidos por dichos eventos.
Acceder esas imágenes es una de las herramientas más importantes de un
actor.
Los directores que son capaces de comunicarse con los actores al nivel de
estas imágenes pueden conseguir que los actores hagan cualquier cosa.
  Usa imágenes como ajustes imaginativos
Una manera de utilizar un ajuste cuando lo que quieres es el que actor
interprete a su personaje con más alegría, se recomienda trabajar utilizando el
¿Y si…? O Como si…
Por ejemplo:
Como si todo lo que te dijera el otro personaje te lo tomaras como buenas
noticias
Por ejemplo:
En una escena de amor puedes decirles a los actores que se lo tomen como
si… estuvieran cerrando negocios, como si estuvieran…
O también se puede optar por hablar con cada actor por separado y pedirles
ajustes “como si el otro personaje… tuviera mal aliento” como si le otro
personaje fuera… Adam Levine, como si el otro personaje tuviera el cierra
abajo, etc.
Como si sus labios fueran mi helado favorito, en vez de decirle bésale con
pasión.
Como si no he comido nada y me dan mi comida favorita o postre.

Tareas en clase:
Ejercicio en clase:
Pasan adelante voluntarios para actores y voluntarios para directores. Les
damos escenas a los estudiantes.
Creamos las imágenes y los ajustes imaginarios.

4. EVENTOS
Cada escena tiene un suceso central. Los sucesos y eventos son lo que
cuentan la historia.
Los eventos nos cuentan de que va la película.