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mx • año XXV • número 2 • marzo – abril 2017 • sesenta pesos

CONCIERTOS
Elīna Garanča en México

ENTREVISTAS
Dhyana Arom
Jorge Cózatl
Ricardo López
Constantine Orbelian
Arturo Rodríguez Torres
Carlos Serrano
Diego Silva
Ramón Vargas

ENTREVISTAS EN LÍNEA
Markus Hinterhäuser
Grigory Soloviev

Ferruccio Furlanetto
“Don Carlo

cambió mi vida” ¾
pro opera
EN BREVE

por Charles H. Oppenheim

La Orquesta Filarmónica del Desierto

en Bellas Artes
Por vez primera desde su formación en 2014, la Orquesta
Filarmónica del Desierto, con sede en Saltillo, Coahuila, ofreció un
concierto el pasado 28 de enero en la sala principal del Palacio de
Bellas Artes, dirigida por su titular, el maestro Natanael Espinoza.
La orquesta interpretó la obertura de la ópera Rienzi de Richard
Wagner, Tangata de agosto de Máximo Diego Pujol y la Sinfonía
número 5 en Mi menor, op. 64 de Piotr Ilich Chaikovski.
La tercera generación del Estudio de Ópera de Bellas Artes
Foto: Ana Lourdes Herrera

Concierto del EOBA en memoria

de Rafael Tovar y de Teresa
El último recital de la tercera generación del Estudio de Ópera de
Bellas Artes (EOBA) se dedicó a la memoria del recién fallecido
titular de la Secretaría de Cultura, Rafael Tovar y de Teresa, quien
le dio un fuerte impulso a la agrupación creada apenas en 2014.
En el recital participaron las sopranos Rosario Aguilar, María
Caballero y Lorena Flores, las mezzosopranos Vanessa Jara e
Isabel Stüber, los tenores Enrique Guzmán y Ángel Macías,
el barítono Carlos López, el bajo-barítono Rodrigo Urrutia y
el bajo Carlos Santos, acompañados por los pianistas Edgar
Ibarra y Alain del Real. Los jóvenes solistas interpretaron
Iván López Reynoso debuta en Alemania arias y ensambles de las óperas Les huguenots de Meyerbeer,
El pasado 25 de enero el concertador guanajuatense Iván López Così fan tutte y Die Zauberflöte de Mozart, Roméo et Juliette de
Reynoso debutó en Alemania con la Staatstheater Braunschweig, Gounod, Il barbiere di Siviglia de Rossini, Thaïs de Massenet, Il
al dirigir una función de Rigoletto de Giuseppe Verdi. Después de trovatore y Attila de Verdi; Les pêcheurs de perles de Bizet y Der
esa función, fue nombrado Erste Kapellmeister (primer maestro de Rosenkavalier de R. Strauss.
capilla) de la compañía a partir del 1 de septiembre de este año.

La Cenerentola cumple 200 años

Una de las grandes obras del género bufo y sin duda una de las
Nuevo director de óperas de Gioachino Rossini favoritas del público es La cenicienta,
Solistas Ensamble estrenada el 25 de enero de 1817 en Roma. Ese mismo día, pero
A partir de 2017, la agrupación del 200 años después, el estudioso de Rossini y frecuente colaborador
INBA Solistas Ensamble contará de esta revista, Carlos Fuentes y Espinosa, dio una conferencia
con un nuevo director titular: para conmemorar ese aniversario en la Sala Adamo Boari del
Christian Gohmer, quien ofreció Palacio de Bellas Artes.
un programa de óperas de cámara,
cantatas escénicas y oratorios
que renovarán el repertorio de la
agrupación con obras del siglo
XX. Este año tocará el estreno de
Die Mutter (La madre), obra lírica
de Bertolt Brecht con música de
Hanns Eisler; el poema escénico
An Opera of Daniel de Edward Christian Gohmer, nuevo
director de Solistas
Lambert; y el madrigal escénico
Ensamble
The Unicorn, The Gorgon and
The Manticore de Gian Carlo Menotti. Además, la agrupación
continuará con su programa de zarzuelas y revista. Gohmer, que ha
sido director asistente de la Ópera de Bellas Artes, fue fundador del
grupo Tempus Fugit y del ensamble vocal Mester de Juglaría.

 pro ópera
 Nueva titular del INBA
La nueva secretaria de Cultura, María Cristina García Cepeda
(nombrada en sustitución de Rafael Tovar y de Teresa, quien
falleció el pasado 10 de diciembre), dio posesión como titular del
Instituto Nacional de Bellas Artes a Lidia Camacho Camacho.
La nueva directora del INBA es licenciada en Ciencias de la
Comunicación por la Universidad Anáhuac, así como maestra
en Historia del Arte y doctora en Ciencias Políticas y Sociales,
ambos posgrados cursados en la UNAM. Tiene una especialidad
de Alta Dirección de Entidades Públicas por el Instituto Nacional
de Administración Pública (INAP). De 2000 a 2007 Camacho
fue directora general de Radio Educación; directora general de la
Fonoteca Nacional de 2007 a 2009; directora general del Festival
Internacional Cervantino de 2009 a 2012; y nuevamente titular de
la Fonoteca de 2013 a 2017.

El pianista Carlos Alberto Pecero

Música de cámara en Bellas Artes

La programación 2017 de la Coordinación Nacional de Música y
Ópera comenzó con el ciclo “Música de cámara” los pasados 20 y
21 de enero con un programa belcantista titulado Amor, voce del María Cristina García Cepeda y Lidia Camacho
cielo, un homenaje a los compositores Vicenzo Bellini, Gaetano
Donizetti y Gioachino Rossini ofrecido por la mezzosoprano
Encarnación Vázquez, el tenor José Luis Ordóñez y el pianista Concierto sacro de Fundación Carlos Slim
Carlos Alberto Pecero. y Barroquísimo AC
Ante la asistencia de miembros de la familia Tovar y de Teresa,
Por otro lado, los días 27, 28 y 29 de enero se presentó un de la familia Slim y de representantes del Museo Soumaya Plaza
programa titulado Escenas de ópera francesa e italiana, que Carso y de la Fundación Carlos Slim, tuvo lugar el pasado 7 de
incluyó arias y duetos para mezzosoprano y barítono de Samson enero el Concierto de Reyes in memoriam de Rafael Tovar y de
et Dalila de Saint-Saëns, Pagliacci de Leoncavallo, La favorita Teresa, primer secretario de Cultura de México.
de Donizetti y Andrea Chénier de Giordano. También se presentó
un Homenaje a Cervantes, en el que la mezzosoprano María Barroquísimo AC, entidad que se dedica a la difusión de la música
Luisa Tamez interpretó el aria ‘Alza! Alza! Ne pensons…’ de Don barroca en México, participó en este concierto, abierto al público,
Quichotte de Massenet, y el barítono Arturo Barrera cantó las presentando dos obras sacras del siglo XVIII germano: la Misa
piezas ‘Chanson épique’, ‘Chanson à boire’ y ‘Chanson espagnole’ breve en Sol menor BWV 235 de Johann Sebastian Bach y el
de Maurice Ravel, todas inspiradas en Don Quijote. Nuevamente, Miserere en Do menor de Jan Dismas Zelenka, interpretadas por
acompañó a los solistas al piano el maestro Pecero. la orquesta Academia Barroca, cuyo director artístico es Rafael
Palacios, bajo la dirección en esta ocasión de Rubén Barrientos,
director de la Camerata Coral de la Universidad Veracruzana, con
Armando Mora, la participación de cuatro jóvenes solistas de este coro: la soprano
Indra Morales, la contralto Amanda Hernández, el tenor Diego
honoris causa Manrique y el bajo Gabriel Rodrigo Tamay Uc. o
El pasado 20 de diciembre en el
Casino Xalapeño, el baritenor
Armando Mora recibió la
Fe de erratas
Maestría Cultural Honoris Causa
“La Cenerentola rossiniana: un drama humano, en su
que le confirió la Universidad
bicentenario”, de Carlos Fuentes y Espinosa, debió ser
de Xalapa “por su excepcional
el título del artículo de la sección Aniversario publicado
trayectoria nacional e internacional
en la edición enero-febrero de Pro Ópera (página 36).
como cantante, director de ópera y
Lamentablemente, apareció como “rosiniana”. Ofrecemos
maestro de canto, y por su labor en
una disculpa al autor y a nuestros lectores por este error.
favor de la cultura vocal de nuestro
país”. ¡Enhorabuena! Armando Mora

pro ópera 
 tanto
a Elīna
CONCIERTOS

Queremos
por José Noé Mercado

tan bien ha interpretado en los últimos años; los personajes de una

naturaleza más ingenua e infantil, quizás.

Fotos: Ana Lourdes Herrera

Elīna Garanča dijo estar cansada de esos papeles pues ahora como
mujer también tiene otras necesidades expresivas a través de su
voz y de los roles que interpreta. Ahí también confesó que no todas
las grandes figuras son grandes en todos los repertorios y que,
considerando el panorama de la ópera actual, ella se siente muy
contenta de ser joven pero ya no tanto, pues 20 años respaldan
su trayectoria. “No me gustaría volver a empezar mi carrera hoy
en día”, dijo en un español mucho más que aceptable, ya que
la intérprete pasa un buen periodo de tiempo anual en Málaga,
Andalucía, en el sur de España.

La noche del miércoles 11 de enero la Sala Nezahualcóyotl del

Centro Cuultural Universitario lució, prácticamente, abarrotada
para ver a la letona, para presenciar su hechizo vocal. Y ahí
estuvo, en la primera parte del programa con ‘Das chas nastal’
de Orleanskaja deva (La doncella de Orleans) de Piotr Ilich
Chaikovski, y dos piezas que ya va colocando en voz, como parte
del nuevo repertorio: el aria de Santuzza ‘Voi lo sapete o mamma’
de Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni y ‘Mon coeur s’ouvre
Al final del triunfal concierto inaugural de Elīna Garanča en México a ta voix’ de Samson et Dalila de Camille Saint-Säens. El aria
‘O mon Fernand’ de La favorite de Gaetano Donizetti dio pie al
intermedio de un concierto que, pese a incluir obras del verismo
xisten en activo pocos cantantes que reúnen, por una y del romanticismo italiano, se caracterizó por su refinamiento y

E parte, el talento artístico mezclado con un potencial vocal

deslumbrante y, por otra, una imagen carismática que se
proyecta en los escenarios y también en los medios masivos de
clasicismo vocal.

Porque si bien la altura de la Ciudad de México fue un factor que

comunicación, todo lo cual logra un producto artístico que seduce jugó en contra de la afinación y de algún intento más extendido
y cautiva al público más exigente, tanto como al aficionado que del fraseo, como días más tarde la misma artista expresó, Elīna
recién se acerca al espectáculo lírico. Garanča dio muestras contundentes de su escuela y del despliegue
de cualidades. Ello se debe, en principio, a una esmaltada voz que
Así es la mezzosoprano letona Elīna Garanča (ella lo pronuncia maneja con maestría técnica y delicado gusto interpretativo, que no
Élina Garancha), una de las figuras estelares de la ópera grita al cantar, no empuja, no corre, como por cierto recomiendan
internacional en años recientes, que por primera vez y en total los carteles de emergencias. La emisión se aprecia natural, quizás
esplendor de su carrera visitó nuestro país para una gira de cuatro en estricto sentido fría, calculada, pero irreprochable y ejemplar.
presentaciones: Ciudad de México; León, Guanajuato; Torreón,
Coahuila; y Álamos, Sonora, en el marco del 33 Festival Alfonso Si todo ello hace de Garanča una referencia obligada en el
Ortiz Tirado. panorama operístico actual (no pocos la ven como la mejor
mezzosoprano del planeta en el presente), su canto, su idea
La expectación entre la comunidad operística mexicana era, como de canto, su filosofía vocal, se suma a una belleza escénica
pocas veces, alta, y no desmereció ya desde que Elīna Garanča deslumbrante. No por exótica o estrafalaria, sino justo por una
ofreciera una conferencia de prensa el día 9 de enero en la Sala imagen cuidada, que agrada e invita al deleite sutil, que se aleja del
Nezahualcóyotl, en vísperas del concierto que brindaría dos días aspaviento.
más tarde, presentada por la Orquesta Sinfónica de Minería y Pro
Ópera A. C. Luego del intermedio, la mezzosoprano siguió con lo que sin duda
podría entenderse también como una clase de canto, acompañada
Ahí, en ese primer contacto de la cantante con el público mexicano, en esta ocasión por el concertador estadounidense Constantine
fue sencillo entender que se trata de una personalidad refinada, Orbelian, al frente de la Orquesta Sinfónica de Minería, agrupación
elegante y, sobre todo, muy consciente de sus cualidades vocales, que intercaló a lo largo del programa piezas estrictamente
tanto como de la evolución de su instrumento. Sobre ello habló orquestales, como lo fueron la Obertura de Ruslán y Ludmila de
justamente, que se manifiesta en el cambio paulatino pero Mijaíl Glinka, la “Bacchanale” de Samson et Dalila, una “Danza”
innegable de repertorio que ha emprendido. Si bien no deja atrás de La vida breve de Manuel de Falla y el preludio de Carmen de
su pasado, sí quedarán a un lado los personajes travestidos que Georges Bizet.

 pro ópera
La mezzosoprano letona cantó con la Orquesta Sinfónica de
Minería, dirigida por Constantine Orbelian

Garanča ofreció la “Chanson bohème” de Carmen, además

de romanzas de zarzuelas como El barberillo de Lavapiés de
Francisco Asenjo Barbieri, El barquillero de Ruperto Chapí y El
niño judío de Pablo Luna. Los encores ‘O mio babbino caro’ de
Gianni Schicchi de Giacomo Puccini, ‘Carceleras’ de Las hijas del
Zebedeo de Ruperto Chapí y ‘Granada’ de Agustín Lara cerraron
una velada lírica dominada por la exquisitez, más que por la
intensidad.

La musicalidad, la intención rítmica, las inflexiones y los matices

de Garanča fueron sorprendentes y admirables, y terminó así de
abatir felizmente al público mexicano que, por cierto, la quería y la
adoraba desde antes del concierto y lo seguiría haciendo, hasta que
en Álamos Sonora le entregaría la Medalla Alfonso Ortiz Tirado
2017, presea por primera vez entregada a un artista extranjero.

El mérito de los organizadores —entre los que destacan Anuar

Charfén, presidente de Pro Ópera AC y Gerardo Suárez, presidente
de la Academia de Música del Palacio de Minería— no es menor.
Porque justo radicó en presentar al público a una estrella en pleno
fulgor. o

pro ópera 
CONCERTADORES

Constantine Orbelian
“La personalidad del artista
dicta cómo vas a dirigirlo”

Constantine Orbelian dirigió en el debut de Elīna Garanča en México

Fotos: Ana Lourdes Herrera
En 2004, el presidente Vladímir Putin lo premió con la orden
de “Artista Honorífico de Rusia”, siendo el primer no-ruso en
por Ingrid Haas recibir tal distinción. En 2010 dirigió parte de la música de la
inauguración de los Juegos Olímpicos en Sochi. En 2012 le fue
dada la medalla a la “Orden Rusa de la Amistad” que premia a

C
onstantine Orbelian es un director de orquesta y pianista
norteamericano de raíces ruso-armenias ya conocido en la gente que no es de nacionalidad rusa que hace algo por tender
nuestro país gracias a su participación en los conciertos puentes entre la cultura rusa y el resto del mundo.
de Renée Fleming (2008) y Elīna Garanča (2017),
cuando ambas divas hicieron su debut en México. Ha grabado más de 30 discos. Es conocida su gran colaboración
en varios conciertos, recitales y óperas al lado del barítono Dmitri
Nacido en San Francisco, California, de padres inmigrantes ruso- Hvorostovsky. Ha dirigido conciertos que se han televisado al
armenios, Orbelian hizo su debut como pianista solista a la edad mundo entero como el de “Renée Fleming y Dmitri Hvorostovsky:
de 11 años con la San Francisco Symphony Orchestra. Después de una Odisea en San Petersburgo” y el de “Anna Netrebko y
graduarse en Juilliard, siguió su carrera como pianista de concierto Dmitri Hvorostovsky: en vivo desde la Plaza Roja” (2013),
y tocó con las mejores orquestas de Estados Unidos y Europa. Su ambos disponibles en DVD. El primero es también el inicio de la
grabación del Concierto para Piano de Jachaturián bajo la batuta de colaboración de Orbelian con el cine ya que, además del concierto,
Neeme Järvi ganó el premio a “Mejor Grabación de Concierto del incluye escenas de los palacios más bellos de San Petersburgo,
Año” en Inglaterra. filmados de manera cinematográfica. Aunado a esto, el concertador
es fundador del Festival Internacional de Música de los Palacios de
Durante veinte años Orbelian ha sido una figura clave para la San Petersburgo.
música en Rusia, siendo el director musical de la Orquesta de
Cámara de Moscú (1991) y la Philharmonia de Rusia, además Durante su estancia en la Ciudad de México, pudimos platicar
de participar como director huésped con otras de las más con el maestro Orbelian acerca de todos sus proyectos y de cómo
prestigiosas orquestas rusas de la actualidad. Fue el primer director compagina tantas actividades en su prestigiosa y fructífera carrera
norteamericano en ser nombrado director de la Orquesta de Cámara como director.
de Moscú. Ha sido uno de los pioneros y grandes embajadores
de la colaboración de intercambio cultural entre Rusia y Estados Maestro, muchas gracias por esta entrevista para Pro
Unidos, haciendo varios conciertos con estrellas de la música rusa Ópera. Comencemos por platicar acerca de sus dos visitas
por toda Norteamérica y viceversa. a México, dirigiendo a Renée Fleming en su debut en Bellas

 pro ópera
Artes y a Elīna Garanča en la Sala Nezahualcóyotl. ¿Cómo ha toda su vida practicando sus instrumentos, tocando en orquestas,
sido colaborar con estas grandes cantantes y su experiencia escuchando a otros directores y claro que ellos tienen su idea de
en México hasta ahora? cómo deben ser las cosas. Es importante ser amigable, pero firme,
Debo decir que siempre ha sido un enorme placer el poder y hacer que te escuchen para que hagan lo que tú les pides de la
colaborar con artistas de la talla de Renée o Elīna en cualquier mejor manera posible.
parte del mundo. Fue particularmente especial participar en los dos
conciertos que mencionas porque para ambas fueron sus debuts en Cada vez que ensayo con una orquesta me acuerdo de la película
México. Recuerdo mucho que Renée estaba muy emocionada y el Ensayo de orquesta de Fellini. Hay muchas verdades en esa
evento fue algo excepcional. Tuvo mucho éxito en ese concierto película. Quiero que el trabajo con mis músicos sea siempre una
y ahora aquí estoy de nuevo, con Elīna Garanča, para dirigir su experiencia positiva.
debut en México. Me siento muy agradecido de que me den la
oportunidad de participar en estos conciertos tan especiales e Ahora pasemos a hablar sobre sus inicios. Usted ha tenido
importantes para ellas, para ustedes y para mí. un papel muy importante en las relaciones musicales entre
Rusia y Estados Unidos, ayudando a la colaboración entre
Me interesaba muchísimo dirigir a la Orquesta Sinfónica de ambos países para que los artistas rusos y norteamericanos
Minería y debo decir que ha respondido de maravilla, aún dado participen, en conjunto, en conciertos, galas y óperas.
el poco tiempo que hemos tenido para ensayar, y creo que el ¿Cómo surgió ese interés por construir un puente entre
concierto de ayer mostró el enorme progreso que logramos en tan ambas naciones a través de la música?
poco tiempo. Elīna se sintió muy bien cantando con la orquesta Creo que la vida te lleva a situaciones donde debes tomar la
y me dio mucho gusto ver que el público se emocionara con el decisión de hacer algo importante sobre donde te ha puesto tu
concierto. destino o voltear y no tomar el reto. En 1989 fui a dar un concierto

“Cada vez que

a la ahora ex-Unión Soviética y toqué 25
Usted ha dirigido a orquestas de varios conciertos como pianista solista con orquestas
países alrededor del mundo. ¿Cuál cree que y solo. Ya había estado ahí antes, como
son los puntos claves para poder trabajar ensayo con una turista, pero estaba con Columbia Artists en
Estados Unidos, hacía muchas giras y unos
con músicos de tantas nacionalidades
distintas y orquestas de países tan diversos?
orquesta 100 conciertos al año. En 1980 me gradué
Lo primero y más importante es llegar al ensayo me acuerdo de la de Juilliard y no paré de dar conciertos y
con ellos sabiendo exactamente lo que quieres recitales. En la ex-Unión Soviética, un director
lograr en cada pieza. Se trabaja distinto un película Ensayo me escuchó y me invitó a regresar en 1990;
concierto sinfónico que uno con cantantes de toqué en el Gran Salón del Conservatorio
ópera. En el repertorio sinfónico la orquesta te de orquesta de Moscú con la Orquesta de Cámara de la Unión
tiene que seguir y tú haces lo posible para que la
orquesta te entienda y haga lo que tú has querido
Fellini. Hay muchas Soviética.

interpretar de tal o cual pieza sinfónica. Con los verdades en esa Decidimos hacer una grabación del Concierto
número 1 de Shostakóvich, el Concierto en Fa
película”
cantantes debes saber perfectamente qué es lo
que el intérprete quiere hacer en tal o cual aria y Menor de Bach y el Concierto en La Mayor
hay que recordar que cada uno tiene su visión de No. 12 de Mozart con el trompetista Sergei
lo que quiere hacer. Aunque conozcamos un aria de ópera, todos Nakariakov, quien tenía 12 años en aquel momento. Un mes
la cantan de diferente manera; no hay una interpretación igual a después, el director de esa grabación, André Korzakov, murió a los
otra. Cada uno mete sutilezas y hace énfasis en cosas que hacen sus 42 años. Fue un shock para todos porque acababan de nombrarlo
versiones de las arias muy personales y únicas. La personalidad del director de la orquesta de cámara en el verano de 1990. La orquesta
artista dicta cómo vas a dirigirlo. me pidió que si quería yo quedarme com director principal; yo era
un pianista que sólo estaba de gira y no tenía planes de mudarme
Hay veces que es difícil lograr que la orquesta sea tan flexible. a Rusia. La situación del país no era muy buena y todo era un
Me gusta mucho trabajar con orquestas que se especializan en caos. Además, esa orquesta era un símbolo de la Unión Soviética,
ópera. Ellos ya están acostumbrados a los cambios sorpresivos de fundada en 1956 por Rudolf Barshai, el mismo año en que yo nací.
versiones de la misma aria por distintos cantantes. Saben hacer Pensé que podía haber una conexión cósmica o algo así.
fermatas, esperar a que el cantante respire, ayudarlos a mantener
las notas de larga duración; las orquestas sinfónicas no hacen eso Decidí aceptar y todo mundo me dijo que estaba loco, que en
de manera instantánea. Normalmente, en el repertorio sinfónico no Rusia estaba todo muy mal y que no les interesaba la música. Yo
tienes que fijarte en todo eso. Afortunadamente, tuve suerte con la les dije que eso no era cierto, que la gente estaba ávida de cultura,
orquesta de Minería porque escuchan muy bien lo que les sugería que yo quería quedarme a ayudar a los músicos. Empecé haciendo
y trabajaron conmigo como si fueran una orquesta operística. Fue giras con ellos y hablé con mis agentes de Estados Unidos para
una experiencia maravillosa trabajar con ellos. Siento que les gustó que nos consiguieran conciertos fuera de Rusia. Le cambié el
mucho el resultado final. nombre a la orquesta y le puse el que tenía originalmente: Orquesta
de Cámara de Moscú. Cuando se llamaban así en 1956 fue
Debes ser persistente y confiar mucho en tus músicos para poder cuando tuvieron su época de oro con Barshai. Hicieron muchas
hacer lo que quieres con cada pieza musical. Es hacer un voto grabaciones y conciertos, incluso en Carnegie Hall en Nueva
de confianza de ellos para ti y de ti para ellos. Es un fenómeno York, con el violinista David Oistrakh y el violonchelista Mstislav
psicológico muy interesante. No se trata de forzar o imponer. Hay Rostrópovich.
directores que son impositivos y se vuelven verdaderos dictadores,
y para mí no se trata de eso. Los músicos deben entender por qué De pronto, todo el mundo quería a la Orquesta de Cámara de
les pides lo que les pides. Siempre he creído que los músicos pasan Moscú, y así hicimos 150 conciertos al año fuera de Rusia y

pro ópera 
también en Rusia. Firmamos un contrato discográfico con la
marca CHANDOS, con la que yo ya había grabado como pianista;
hicimos seis discos con ellos y luego empezamos a grabar con
la marca DELOS. Fue entonces cuando empecé a colaborar con
cantantes de ópera.

¿Recuerda cuál fue la primera grabación que hizo con un

cantante de ópera?
Sí, por supuesto. Fue un disco con la contralto polaca Ewa Podleś.
Hice un concierto con ella y me enamoré de su voz. ¡Es realmente
única! Grabamos un recital de puras arias de Händel: arias de
Orlando y Rinaldo.

¿Cómo sintió este cambio de dirigir sólo orquesta a

ensamblarse con cantantes?
Fue maravilloso el cambio y fui afortunado de que todos estos
maravillosos cantantes acudieron a mí para hacer conciertos y “Elīna se sintió muy bien cantando con la orquesta y me dio mucho
grabaciones. La primera ópera que grabé fue Aleko de Rajmáninov gusto ver que el público se emocionó con el concierto”
con el barítono Vassily Gerello y la soprano Olga Guryakova,
también para DELOS. Luego conocí a Dmitri Hvorostovsky, más
o menos a finales de los años 90, cuando la marca PHILIPS cerró Parece que es experto en darles sus primeras oportunidades
y dejó a varios artistas sin compañía disquera. Dmitri, Galina a varios cantantes...
Gorchakova, Olga Borodina y todos estos grandes cantantes Sí. Ahora acabamos de grabar el primer disco de la mezzosoprano
estaban en busca de quién los grabara. Jamie Barton. En octubre haremos el segundo con orquesta y
estamos planeando el repertorio. A Ildar Abdrazakov también le
Cuando le dije a Dmitri si quería grabar algo conmigo y le dimos grabé su primer CD, de arias rusas, como solista. Con la soprano
carta blanca para que grabara lo que quisiera, empezamos nuestra Dinara Alieva estamos planeando grabar La traviata y también
colaboración. Nuestro primer disco juntos fue aquel donde cantó tengo planes de hacer una grabación con Matthew Polenzani.
canciones napolitanas en 2001, luego grabamos romances rusos,
arias de “Héroes y Villanos” y luego todos los demás. El año ¿Cómo surgió su colaboración con la Kaunas City
pasado grabamos Simon Boccanegra completo, y terminamos ya Symphony?
de grabar Rigoletto con él, Nadine Sierra y Francesco Demuro; En 2009 dejé la Orquesta de Cámara de Moscú y me convertí en
saldrá a la venta este año. Hicimos muchas canciones rusas director de otra orquesta en Moscú por un año. Estaba demasiado
populares, canciones de la Segunda Guerra Mundial… He grabado tiempo en esa ciudad y quiería salir más, así que me fui a Kaunas,
22 discos con Dmitri. Estoy muy contento de haber grabado todo Lituania, a hacer un concierto con Dmitri Hvorostovsky en una
este material con él y me emocionan mucho nuestros próximos arena de 15,000 personas donde juegan, generalmente, básquetbol.
discos. Pensé que llegaría a tener que trabajar mucho con la orquesta y,
para mi sorpresa, los músicos estaban muy bien preparados. Me
Siento tanta emoción de haber podido salvar la historia de la hice muy amigo del director residente de la orquesta y, tres meses
música rusa con todos estos magníficos cantantes. Todo el material después, me invitaron a hacer otro concierto.
que hemos grabado es digno de conservarse por muchísimos años.
Como sabes, la industria discográfica está muerta, así que hay que Les conté que Larry Brownlee estaba interesado en grabar un disco
agradecer que se pudieron hacer estos discos. de puras arias de Rossini y quería ver si ellos aceptaban participar
en la grabación. Lo hicimos y luego me dijeron que su director
Ahora que soy el director de la orquesta de Kaunas en Lituania, musical se iba a retirar y me ofrecieron ser su sucesor. Acepté de
tenemos varios proyectos de grabación con ellos. Otros cantantes inmediato porque me fascinó la ciudad, el teatro donde tocan y el
no-rusos también se han unido y colaborado con nosotros para estudio donde graban. Hice 10 grabaciones con ellos en tres años.
grabar discos de arias: Sondra Radvanovsky, Lawrence Brownlee,
John Osborn y muchos más. Con este último vamos a hacer un Teníamos un magnífico tenor armenio llamado Gegham Grigoryan,
disco de duetos con él y su esposa Lynette Tapia. quien murió el año pasado, desafortunadamente. Vivía en Lituania,
así que tomé todas sus grabaciones de la radio Lituana y voy a
Usted también tiene experiencia como productor de discos... editar una antología de cinco discos de “Lo mejor de Gegham
Sí. Yo tenía mi propia compañía de discos llamada Russian Discs Grigoryan”. Quiero que haya un legado de todas estas grandes
en 1991. En ese entonces también pude producir discos, no sólo voces.
grabarlos. Uno de los primeros discos que produje fue El bosque
de las Amazonas de Heitor Villa-Lobos. El propietario de las Entiendo que ahora también tiene otro trabajo en Armenia
partituras era un señor llamado Alfred Heller. Me contactó y también....
quería que se hiciera la grabación, así que fue a Moscú. Hay tres Sí. Ahora soy director musical de la Ópera Nacional de Armenia.
canciones en la pieza de Villa-Lobos y me dijo que era muy amigo Cuando Grigoryan murió, el presidente de Armenia habló conmigo
del agente de una joven soprano norteamericana. Le pregunté por y me ofreció el puesto en junio 2016. En septiembre empecé a
el nombre de la soprano y me contestó: está apenas empezando trabajar ahí para irme acostumbrando a todo, conocer a la gente,
pero tiene mucho futuro, se llama Renée Fleming. Así que puedo ir planeando todo. Creo que me quedaré en Armenia de febrero
decir que hice la primera grabación de Renée con mi compañía a mayo. Cuento con 55 cantantes armenios maravillosos en
discográfica. Luego esa grabación la reeditamos en DELOS. la compañía y estoy muy entusiasmado de trabajar con ellos.

10 pro ópera
Tendremos nuestro primer concurso internacional de canto en
Ereván. Es del 5 al 15 de junio; será algo sin precedentes.

Me parece fantástico que no sólo enfoque su talento a dirigir

sino que esté en tantas diferentes ramas que ayudan a la
música.
Mientras todo funcione bien en todo lo que hago, estoy satisfecho.

Esto prueba que no es de los directores que se especializan

en una sola cosa.
Quiero especializarme en ser útil y bueno. [Ríe.] Estoy ávido de
ayudar a todos estos grandes artistas y de hacer cosas positivas por
el mundo de la música. Cuando los oyes, sientes esta necesidad de
que todo el planeta los escuche y los conozca.

También ha participado en conciertos al aire libre y

ceremonias olímpicas que llegan a miles de millones de
personas. ¿Cree que, en verdad, estos conciertos atraen a
más gente a la ópera?
¡Por supuesto que sí! Los conciertos multitudinarios que hicimos
con Dmitri han sido muy emotivos. Hicimos uno el 9 de mayo
de 2015 en un parque en Moscú y pusieron monitores para que
no sólo lo vieran las 275,000 personas que estaban en el parque,
sino también la gente que pasaba en las calles aledañas. ¡Fue
impresionante!

Recuerdo también el que cantaron Anna Netrebko y Dmitri en la

Plaza Roja: decenas de millones de personas vieron ese concierto
en vivo alrededor del mundo, a través de los diferentes medios
televisivos, radiofónicos, redes sociales, etcétera. “Me interesaba muchísimo dirigir a la Orquesta Sinfónica de Minería y
debo decir que ha respondido de maravilla”
Son eventos maravillosos y recuerdo mucho la atmósfera tan
bella que se dio. Anna y Dmitri estuvieron gloriosos. Es la mejor ¿Cómo ve el futuro de la música clásica?
interpretación que he escuchado de la última escena de Eugene Si piensas en la música clásica en Estados Unidos, mira lo que
Onegin. Fue involvidable haberlos dirigido en ese concierto. Al está pasando en las casas de ópera que tienen. No es ópera para las
final, con el anochecer y viendo la iglesia de San Basilio, toda la masas, se necesita dinero para mantener teatros así pero me gusta
gente cantó con ellos Noches en Moscú. que están haciendo todo lo posible para que sea más accesible para
los jóvenes o la gente que no tiene muchos recursos.
Me consta que este tipo de conciertos atrae a la gente que tenía
miedo de acercarse a la ópera. La ven tan accesible en los medios En Rusia hay óperas para niños desde hace mucho porque hay
de comunicación y oyen a estas grandes voces y, de inmediato, se mucho público para todo: ópera, conciertos, ballet. Hay que darles
enganchan. Quiero que vengan públicos nuevos y traerlos a ver la a los padres una alternativa para poder introducir a sus hijos a la
ópera en vivo. Los 3 Tenores empezaron con todo esto y creo que música clásica y que la siguiente generación tome la estafeta de
fue una magnífica idea. continuar con ella. Necesitamos que no sólo los lleven al cine a ver
películas animadas. Hay que instruirlos para que, desde pequeños,
Además de dar grandes cantantes al mundo, ¿qué vayan a óperas, conciertos y ballets. Así los niños querrán también
importancia ha tenido Armenia para la ópera? llevar a sus papás.
Bueno, el año que viene se cumplen 150 años de la ópera en
Armenia. El compositor más famoso de ópera que le hemos La gente joven, hoy en día, escucha más música clásica porque
dado al mundo es Tigran Chukhacheán. Su obra más famosa es más accesible para ellos a través del internet. Lástima que no
—y la primera de Armenia— es Arsaces II (1868) y fue escrita quieran pagar por ella y prefieran las descargas gratis, pero creo
originalmente en Italia. El estudió allá y hay la creencia de que, que la música clásica está más a la mano ahora para todos. Puedes
incluso, conoció a Verdi y tomó clases con él. Nadie lo ha probado escucharla o ver conciertos en tu teléfono o en tu computadora.
pero se especula sobre ello. ¡Eso me parece increíble y positivo!

Arsaces II cumple 150 años de su estreno así que la presentaremos, ¿Extraña tocar el piano?
en su versión original, en la Ópera de Ereván. Durante el periodo Sí, mucho. Sigo tocando pero ya no practico a nivel de un solista
soviético, le cambiaron muchas cosas al libreto y ahora la estamos que ensaya ocho horas diarias. Pero me gusta dónde me encuentro
restaurando a su versión original para producirla y presentarla. ahora mismo en mi carrera.
Además, hay muchas óperas armenias que nunca se han puesto en
escena y que merecen ser escuchadas. El mundo cree que nuestra ¡Muchas gracias por la entrevista, maestro! Lo esperamos de
música se limita a la Danza de los sables de Aram Jachaturián, regreso en México.
pero hay mucho más. Gracias a tí y espero volver pronto. o

pro ópera 11
COROS

Jorge
Cózatl
Hacia un
movimiento
coral
mexicano “La música se genera o se produce a partir de una
por María Teresa Hernández colaboración”

C
uando la marejada de voces que integran un coro se sexteto vocal femenino especializado en música contemporánea,
abre camino hasta unos oídos inexpertos, pareciera que del cual es director artístico— y COR-ATL, un colosal intento por
pertenecer a un ensamble musical es una salida fácil. explorar y registrar la actividad coral de México.
El malentendido obedece a una lógica simple: uno
podría pensar que una voz enmascara a la otra, que los errores de El mexicano, cuyos trabajos de composición y arreglo han tenido
afinación se esconden bajo las faldas de los sonidos perfectos y que eco en Estados Unidos y Europa, habló con Pro Ópera sobre su
cantar en grupo evita situar a los intérpretes en una situación de percepción acerca de la industria musical actual y lo que lo ha
vulnerabilidad. llevado a centrar parte de su carrera en la formación, dirección y
apoyo a coros y ensambles.
Falso. Un solista puede elegir entre una voz aterciopelada o una
brillante, pero un ensamble no responde a intereses y capacidades En ocasiones daría la impresión de que la mayoría de los
individuales. En un coro se responde a una necesidad colectiva y cantantes quieren ser solistas y no tienen ningún interés por
en consecuencia no debe existir una doble afinación ni estructuras integrarse a un coro. Por eso, resulta muy interesante que te
musicales distintas. En un coro hay que conciliar y ceder. desenvuelvas en agrupaciones donde el canto se trabaja en
grupo.
Mientras algunos sólo se deslumbran ante los solistas, Jorge Sí, el trabajo coral es la resultante de un trabajo colectivo.
Cózatl se entusiasma ante la belleza de la colectividad. Para él, esa Desgraciadamente, la carencia de la colectividad en México no
marejada de voces que se entretejen frente a una misma partitura sólo se ve reflejada en la música, sino que en general no somos
responde a los principios más esenciales de la música: producir a un país colectivo y no tenemos esa cultura y formación. Sin
partir de una colaboración. embargo, es evidente que a través de este proceso con respecto al
trabajo coral se va entendiendo la música de otra manera. Ahora
Jorge lo sabe porque canta, porque invita a que otros canten hay diferentes tipos de ensambles corales, que van desde un
para él y porque a veces sólo le basta escuchar a otros cantar. pequeñísimo grupo de cámara hasta un coro operístico o sinfónico,
Es barítono, director, compositor y productor. Estudió Canto que evidentemente necesita voces líricas —voces más grandes—
en la Escuela Nacional de Música y además de trabajar como que no podrían funcionar con voces de cantantes vocacionales.
cantante ha fundado grupos como Concierto Latinoamericano
—ensamble concentrado en un repertorio histórico— y los Niños Los escenarios son totalmente diferentes y estamos hablando de
Cantores de Tepotzotlán. También ha sido director coral en óperas agrupaciones y escenarios totalmente distantes entre sí, sobre
que se estrenan a nivel mundial, ha participado en simposios todo por la resultante que estamos buscando. No puedes tener la
universitarios y ha impulsado proyectos como Túumben Paax —un misma sonoridad con un grupo de gente que lo hace muy bien, de

12 pro ópera
corazón y de manera vocacional pero sin un entrenamiento vocal No digo que sea mejor o peor, sino que la circunstancia es
necesariamente apto para estar frente a un escenario que proyecte diferente porque hay un doble reto y un cantante es instrumento e
a una orquesta, en comparación con un repertorio más ligero, que intérprete al mismo tiempo. Un músico puede lidiar con algunas
pueda sonar con diferentes matices y dinámicas, como por ejemplo preguntas, por ejemplo: ¿Realmente soy músico? ¿Estaré en el
un repertorio de cámara. camino correcto? ¿Estaré bien haciendo esto? ¿Puedo tocar el
saxofón alto? ¿Puedo tocar el piano con cierta técnica o nivel? Sin
Eres cantante, director y profesor. ¿Cómo percibes la embargo, al ser tenor o barítono, no puedes cambiar de tesitura así
formación entre los jóvenes cantantes desde todos esos puntos como así y decir: “Ahora soy bajo en vez de soprano”. Uno tiene
de vista tan distintos? que entender su instrumento, consentirlo, tratarlo y trabajar con él.
Eso es muy interesante. La visión de la mayoría de los
conservatorios en el mundo, no nada más en México, es que ¿Qué es lo más bello de formar parte de un coro?
cuando pones un pie en una escuela de canto es porque te dedicarás Son muchas cosas. Hay muchos aspectos sociales dentro de una
a ser solista. La realidad es que con el paso del tiempo se va actividad coral; no nada más es un asunto musical. Evidentemente,
formando un embudo cada vez más pequeño y quienes logran ser a la hora de cantar en colectividad y en un ensamble hay muchas
solistas son sólo un porcentaje de los que empiezan a estudiar. más herramientas en términos de armonía y de elementos
musicales, en comparación con los que posee un solista. Al formar
Entonces, cuando tenemos una producción operística en la que parte de un coro, uno tiene que escuchar más. Para generar un
hay un coro y sólo tres, cuatro o cinco cantantes principales, ensamble hay que lograr un balance, hay que cuidar la afinación.
evidentemente habrá quienes quieran ser solistas. Para eso
estudiaron, pero tendrán que demostrarlo a través de una audición ¿Por qué?
y una selección. Tendrán que ser el mejor protagonista o cantante Nosotros podemos escuchar a diferentes solistas sin darnos cuenta
para ese rol y obviamente no todos podrán de lo que hay en el centro de su afinación. Por
ejemplo, hay quienes afinan una coma abajo y
conseguirlo. Participar en el coro podría
parecer un castigo, pero no es así. Hay que
“Al formar parte de eso hace que la voz se oiga un poco más tersa
tener en cuenta que la música se genera o se un coro, y hay quienes afinan una coma más arriba para
produce a partir de una colaboración. que la voz se escuche muy brillante. De pronto
uno tiene que no nos damos cuenta —o no percibimos— que
la afinación incide en eso, pero si en un coro
¿A qué te refieres?
El músico como tal —sea cantante de coro,
escuchar más. juntamos al que afina arriba con el que afina
solista o instrumentista— debe entender que Para generar un abajo, podemos generar una doble afinación.
ser solista no necesariamente es lo esencial. Para evitarlo tenemos que empatar la afinación
Lo esencial es la música y hay momentos en ensamble y hacer un ensamble en el que se logre ceder
un poco más. Tenemos que escuchar más
que hasta un solista puede convertirse en algo
secundario, por ejemplo, con alguna frase en
hay que lograr un a nivel musical. Y aunque muchos podrían
la que la orquesta sea lo principal. No se trata balance, hablar de ceder, yo hablaría más bien de un
de ser solista, sino de formar parte de una convencimiento de la estructura musical. Eso
resultante que se llama música. hay que cuidar la nos va generando muchísimas más herramientas

¿Por qué pareciera que eso sucede con más

afinación” en términos auditivos, de ensamble, y en
términos de entendimiento musical en colectivo.
frecuencia entre cantantes que entre músicos? Es decir, un
violinista está dispuesto formar parte de un grupo en medio Tu carrera inició como cantante. ¿Por qué te llamó la atención
de la orquesta, pero un cantante sí trata de destacar un poco diversificarte?
más. En mi caso, el canto siempre fue algo que me llamó la atención y
La esencia de eso lo adjudico a que un cantante es instrumento e de lo que estoy enamorado. Sigo cantando y desde chico estuve
intérprete al mismo tiempo. Es decir, un instrumentalista puede en diferentes ensambles que iban de los niños cantores de la
decir que tiene un piano que no le gusta y lo puede cambiar de Escuela Nacional de Música hasta diferentes coros vocacionales
marca o puede culpar al instrumento de que por sí mismo no tiene y profesionales. Sin embargo, más allá de eso, me parece muy
la calidad suficiente para llevar a cabo una interpretación. atractiva la concepción de la música que no nada más se queda
a nivel lineal y melódico. Es decir, cuando un cantante está
Sin embargo, uno como cantante tiene el instrumento integrado interpretando algo, debe generar una serie de pensamientos o
a sí mismo, por lo que no puede evadir esa responsabilidad. Uno líneas de pensamiento que sólo van hacia su interpretación. En
es instrumento, uno es intérprete, es todo al mismo tiempo. En cambio, un director ve la música de una manera estructural y eso
el caso del músico —ya sea pianista, violinista o cualquier otro a mí en lo personal me llama mucho la atención: generar una
instrumentista— sabe que cierta digitación se relaciona a una conceptualización mucho más estructural de la música y no nada
teoría. Por ejemplo, con la técnica adecuada, se puede palpar cierto más de una manera lineal. Eso es otro mundo, es como ver la
mecanismo para saber qué nota se debe a afinar. Sin embargo, para música a todo color.
un cantante todo es subjetivo. ¿Dónde se afina un Sol, un Do, un
Re? Cuando diriges música puedes abarcar diferentes épocas.
¿Algún periodo te gusta más que otros?
Claro, tienes razón. Me considero un melómano y mi gusto no es privativo. No
Todo está mucho más comprometido en ese sentido y a la hora de me limito a la música antigua o contemporánea. De hecho, en
comprometerse hay una mayor exposición de parte del cantante. diciembre estuve dirigiendo música contemporánea, pero también

pro ópera 13
 uno de los únicos que hace solamente música vocal contemporánea
en México. En los últimos dos años, el grupo ha tenido cuatro
directores: Samuel Pascoe, Arturo Valenzuela, Jorge Córdoba y
yo. El grupo ha estrenado muchísimas obras, ha comisionado otras
tantas y ha sido galardonado a nivel internacional.

El año pasado tuvimos la oportunidad de hacer una gira en

Estados Unidos. Estuvimos en la Universidad de Indiana y en el
consulado de Nueva York en un concierto maravilloso. Túumben
es un proyecto valiosísimo no sólo por la calidad del grupo como
tal, sino porque es uno de los pocos que se interesan en la música
contemporánea. No nada más hace una propuesta de calidad sino
que genera muchas posibilidades de comisión de obra y de seguir
escribiendo. Aún hay obras en el tintero que no se han estrenado
y que quedan por hacer. Está constituido por dos sopranos, dos
mezzosopranos y dos contraltos. No todas las obras las hacen a seis
voces. Hay veces que se hacen a tres, cuatro o cinco. Pueden ser
menos, pero siempre con una dirección contemporánea.

Hoy que la situación es tan complicada en México, con recortes

a la cultura y demás, ¿qué queda por hacer a quienes nos
interesan áreas como la música y la ópera para contrarrestar
ese malestar generalizado que hay?
Creo que no es necesario contrarrestar el malestar. Está ahí y me
parece muy válido, así que más allá de eso me parece que hay que
seguir trabajando en lo que nos convoca. ¿De qué manera? Con
iniciativa privada. A lo mejor me crucifican por decir esto, pero
México ha tenido un gobierno paternalista y me parece que eso nos
ha malacostumbrado, porque si llegamos a instituciones que nos
“Un cantante es instrumento e intérprete al mismo tiempo” abrieron las puertas y de pronto ya no existe ese presupuesto, se
nos cierra el mundo. Me parece que hay otras maneras de hacerlo,
como se hace en otros lugares del mundo, donde la iniciativa
tengo otro grupo que se llama Concierto Latinoamericano, en el privada invierte en la cultura.
que nos dedicamos a la música antigua. Sin embargo, también
he dirigido ópera y he estado en diferentes repertorios. No me Por último, me gustaría que me hablaras de COR-ATL.
considero una persona que se vaya sólo por un estilo específico. Es una organización que iniciamos en 2011 y tiene la finalidad de
Hay que ser muy respetuosos con cada una de las corrientes documentar la actividad coral mexicana en todos sus niveles, lo
estilísticas y de la manera en que se concibe la música. que lo convierte un proyecto muy ambicioso. No es necesariamente
una productora o una organizadora de festivales, pero sí hace todo
Evidentemente, la forma en que se conciben los instrumentos y los eso.
conceptos musicales eran otros cuando vivía Schönberg o Schütz.
No es igual lo que tenía en la cabeza Verdi a lo que hizo Britten. Hemos generado foros para coros infantiles y encuentros, e
Son contextos históricos y sociales diferentes, con problemas y hicimos una colección que integra 34 coros de 13 estados de
características etnográficas distintas. Es una cuestión de estudio. la República. Para ello, grabamos por todo el país y pusimos a
disposición del público una paleta de colores de lo que hay en
¿Cómo se logra? México, de los mejores y los que quizá no lo son. Sin embargo,
Hay formas de estudiarlo. En el caso de los cantantes, en la forma es lo que hay y me parece importante para registrarlo. Todo inició
de emitir antes de esas grandes orquestas de la música romántica. tratando de documentar el movimiento coral mexicano y la primera
Antes de echarles encima una orquesta de cien músicos, los noticia es que no existe; apenas se está generando. Hay mucha
instrumentos sonaban diferente, tenían cuerdas de tripa y los actividad pero no un movimiento como tal. Poco a poco se está
arcos eran distintos. Eso en el caso de los violines, pero antes de generando y empieza a haber una línea, una serie de festivales
esa familia estuvieron las violas. Antes no era necesario cantar que se empiezan a poner de acuerdo para no hacerlos en el mismo
con la voz tan impostada con tanta potencia porque la producción momento y aprovecharlos.
de sonido no era tan grande. Poco a poco los espacios fueron
creciendo y evidentemente tuvo que cambiar la forma de emisión. De eso hablo cuando se trata de vincular ideas. No nada más
Eso genera muchas diferencias en la interpretación. importa que haya muchísimos coros y mientras más, mejor. Eso
no genera un movimiento. Eso genera actividad, pero para poder
Me gustaría que me contaras de Túumben Paax. generar y documentar un movimiento hay que saber qué es lo que
Surgió hace diez años, está constituido por seis mujeres y es hay, de tal manera que empezamos con esta producción con cinco
un grupo que inició y continúa bajo la dirección general de discos, con coros de cámara, de universidades e infantiles. Ahora
Lucía Olmos. Ella es la soprano principal del grupo. Éste se ha estamos con otro gran proyecto de las ediciones de música coral
mantenido de manera independiente y ha sido —si no el único— sí mexicana que se pondrá a la venta y será electrónico. o

14 pro ópera
CARA A CARA

Dhyana Arom
y El castillo de Barbazul
por José Noé Mercado

L
a Casa del Lago de Chapultepec fue escenario para que
el pasado 16 de diciembre se presentara la ópera El
castillo de Barbazul del compositor Béla Bartók, en una
producción singular de la compañía Ópera Anónima
fundada por la directora de teatro Daniela Serrano y por la joven
soprano Dhyana Arom.

La particularidad principal, además de que el título pertenece a

un repertorio infrecuente en nuestro entorno lírico, deriva de su
producción independiente y de su financiamiento, que en este caso
fue el esquema de la plataforma Fondeadora, en el que la gente
interesada en el proyecto puede aportar y a la vez recibir beneficios
diversos.

Para conocer con mayor detalle este proyecto, que ahora busca
presentarse en otros foros de la república mexicana, la soprano Escena de El castillo de Barbazul en la Casa del Lago, con Enrique
Dhyana Arom, encargada también de interpretar el rol de Judith, Ángeles y Dhyana Arom
conversó en exclusiva para los lectores de Pro Ópera. Fotos: Luis Amaro

Dhyana, ¿de dónde surge el proyecto de El castillo de Ópera Anónima fue fundada por Daniela Serrano, directora de
Barbazul? teatro, y por mí como una compañía de ópera independiente.
Surge de una inquietud por crear un proyecto operístico con una Nuestra finalidad es hacer proyectos operísticos que tengan sentido
propuesta contemporánea y que diera al plano actoral la misma en nuestra sociedad actual, incorporen elementos que pocas
importancia que tienen la música y el libreto. veces o nunca se usan en producciones operísticas, brindando
así al espectador experiencias más ricas y completas en las
Además, siempre he creído que las obras te buscan. El castillo funciones. Que estos elementos también pongan a prueba y exijan
de Barbazul y Bartók se me fueron presentando aquí y allá. Me actoralmente hablando a todo el elenco y músicos dentro de la
encontraba con tal grabación o con tal producción y la obra fue producción.
entonces llamando mi atención. Fue cuando comencé a analizarla,
a escucharla con detenimiento. Pude percatarme que Bartók y Por ejemplo, en El castillo de Barbazul contamos con una
Béla Balázs, su libretista, presentaban una visión sumamente percusionista y actriz, Ashari Martínez, que se encargaba de hacer
interesante, cruda y profunda sobre las relaciones humanas, el el sonido de cada cámara y del Castillo mismo. Ella era el Castillo
amor romántico y sus múltiples fantasmas, como la soledad. de Barbazul, era su alma. Además, los cantantes tuvimos el reto de
estar moviendo durante el desarrollo de la ópera dos estructuras de
Extrañamente, es una obra poco representada y cuando se más de dos metros de altura y que pesaban aproximadamente 40
representa suele ser una puesta estática; parece que no sucede kilos. También, ofrecer una opción operística fuera de las “obras de
mucho. Mi opinión es que esto es así debido a que todo es interior repertorio”, como se les llaman, es importante para nosotras y es lo
en ella, sucede en el inconsciente, haciéndole así justicia a la teoría que tenemos en mente al pensar en un nuevo proyecto.
del psicoanálisis que Sigmund Freud desarrollaba a la par que
la obra era escrita, y esto en todos sentidos la hace sumamente Uno que tiene como característica su naturaleza
compleja. Es por eso que fue la obra perfecta para aliviar esa independiente de los esquemas de presentación operística
inquietud y decidí aventurarme a descubrirla e interpretarla. tradicionales en México. Ustedes recurrieron a Fondeadora
y alcanzaron el 102 por ciento de lo solicitado. Platícame
Como inicio, creo que debería haberte preguntado sobre de ese esquema, de la meta conseguida y de cuáles son las
Ópera Anónima. ¿Puedes contarme quiénes fundan e integran posibilidades y limitaciones de esa forma de financiar un
este grupo y cuál es su finalidad? proyecto...

pro ópera 15
 ¿Por qué Barbazul, por qué Béla Bartók, que no es el
repertorio que suele presentarse en México? ¿Qué puedes
decirnos de esta obra, de su simbolismo y de tu interpretación
de Judith?
Es música maravillosa que casi cae en el olvido, como muchas
otras obras que lo tienen todo para ser representadas de forma
más habitual en las salas de conciertos y teatros. Puede resultar
una obra difícil debido al idioma y precisamente a su simbolismo
y profundidad, tanto para el público como para la dirección
“Ofrecer una opción operística fuera de las ‘obras de repertorio’,
de escena; por el análisis de la historia y personajes. Se puede
como se les llaman, es importante para nosotras” convertir en un naufragio o que el espectador se siente a verla y
al escucharla no pase nada, ni cambie nada en él, o peor, que se
aburra. Pero eso no debe suceder. Siempre el espectador debe salir
Yo había sido testigo que varios de mis conocidos en redes sociales diferente a como entró a la función, de otra forma es una pérdida
subían campañas de apoyo a otras causas a través de Fondeadora. de tiempo y dinero. Esta obra tiene esa chispa de cambiar vidas y
Según tenemos entendido, antes de El castillo de Barbazul no afectar al público.
había habido otra campaña para apoyar una producción operística
en la plataforma. Decidimos entonces subir nuestro proyecto y fue Siendo la única obra operística de Bartók, me atrajo que haya
una gran enseñanza. En ese sitio la gente podía informarse de qué decidido tomar esta obra teatral con tal tema de Balázs, modificarla
se trataba nuestro trabajo, qué haríamos con el dinero y si después de forma mínima (de ahí que busquemos en este proyecto hacer
deseaban apoyarnos, elegir la recompensa dependiendo del monto algo sumamente actoral y regresarlo a sus raíces) y así construir
que eligieran darnos. su obra. La forma en que se retrata el amor romántico tiene una
crudeza increíble. En la ópera en general hay múltiples finales
Las posibilidades son enormes, pero depende mucho de los trágicos, pero siempre embelleciendo y casi glorificando el morir
círculos más cercanos de la gente involucrada en el proyecto, pues por amor o matando a quien traiciona a este sentimiento. Es
es difícil recibir aportaciones de personas totalmente desconocidas, curioso que generalmente es el personaje femenino quien se ve en
aunque sí tuvimos uno o dos fondeadores de este tipo. También esta situación.
depende mucho del empeño del equipo, pues es un trabajo de
tiempo completo. De publicar en redes sociales, hacer contenido En su obra, Bartók nos muestra lo que sucede después de “y
para estas e invitar a la gente a sumarse. Las limitaciones son que fueron felices por siempre”. Los personajes ya sortearon todos los
la ópera está rezagada también en esta forma de financiar e incluso obstáculos por estar juntos, pero no sus propios demonios; de ahí
en formas de promocionarse, y eso pesa bastante. Hay muchas la inquietud de Judith por conocer todos los secretos, abrir todas
propuestas de teatro o musicales, pero la gente muestra cierto las puertas del alma de Barbazul y la inquietud del duque Barbazul
desinterés por la ópera… tal vez por los estereotipos que aún la por buscar la inalcanzable redención a través del amor, la cual
siguen dañando. También, y como todo negocio, que es un volado. nunca llega. Los dos simplemente se van vaciando mutuamente.
Puede resultar que la campaña se haga prácticamente viral o que no Judith muchas veces es representada como una mujer histérica
suceda nada. y Barbazul en estereotipos del tipo malo de la historia, y no es
eso. Son seres humanos sumamente lastimados, luchando contra
¿Por qué la gente debería apoyar un proyecto operístico? ¿Y, su soledad; encontrándose, amándose, pero no entendiéndose. Al
en específico, por qué las propuestas de Ópera Anónima? final, destruyéndose. Son arrastrados al abismo que es el Castillo
Porque generalmente un proyecto operístico independiente de Barbazul, el cual es la representación de su propia alma.
profesional nace de querer brindar un mensaje nuevo a las obras.
Sabemos que la situación es muy difícil y ya con el hecho de Él es presentado de una forma más positiva que en la versión
aventarse a semejante aventura se me hace razón suficiente, en lo de Perrault en sus cuentos de Mamá Ganso, pero aun así es
personal. Si agregamos que además la ópera es un arte completo y un personaje que desde su nacimiento en la ficción ha sido
muy complejo, con música que trasciende siglos, hay más razones. un feminicida, y en esta obra lo sigue siendo. Judith es la
Además, apoyar en plataformas como Fondeadora empieza desde personificación del valor y la conciencia. Es de los personajes
el monto que la persona interesada quiera y de forma muy sencilla. femeninos más valientes. Nunca da un paso atrás incluso
viendo los aspectos más oscuros de quien ama. Ella continúa
A las propuestas de Ópera Anónima porque preparamos, y atiende un llamado casi divino por salvarlo. Su nombre lleva
analizamos, presentamos y vivimos las obras como si fuera una implícita la historia bíblica de la mujer que asesinó al general de
cuestión de vida o muerte. Porque la música y el espectador se Nabucodonosor: Holofernes por la liberación de su pueblo, pero
merecen cada gota de sangre y sudor, cada lágrima y más que nada, lamentablemente la batalla con Barbazul es una batalla perdida en
todo el respeto de presentar algo de calidad y cercano al público en el plano físico.
todos los aspectos.
Por otro lado, Barbazul no puede tener un acercamiento
Antes que nada buscamos que nuestros montajes sean auténticos y sentimental o físico con nadie si no es a través de la muerte.
logren ocupar su lugar en el universo. Si no tuviera sentido hacer Firmemente creo que, en ese final tan misterioso y sujeto a tantos
cierta producción, si no aportara nada nuevo o estuviera vacía, debates, Judith es asesinada por el duque... pero hay un cambio en
mejor buscaríamos hacer otras cosas. Creemos en los mensajes de él. La oscuridad que lo rodea después es eterna. La roca que era él
los proyectos escogidos. De sus compositores y lo que buscaban es ahora polvo.
plasmar. Así es más fácil que inclusive el nuevo público se acerque
y empiece a creer también en este maravilloso arte. ¿Qué es lo que desean hacer con esta producción, luego

16 pro ópera
de presentarla en la Casa del Lago, en Chapultepec? ¿Qué
requieren de posibles presentadores en otros sitios? ¿Qué tan
costoso es llevar su producción a otros foros en el país?
Nos interesa presentarla en otros teatros de la Ciudad de México
y de la República. Nuestra meta es hacerla con orquesta. Al ser un
montaje muy sencillo, requerimos sólo de las dos estructuras que
mencioné anteriormente, que se pueden transportar fácilmente.
Adoptamos la importancia que Balázs le daba a la iluminación en
las presentaciones de su obra teatral del castillo, pero no usamos
nada sofisticado o fuera de lo común. Sumándole la poca cantidad
de personajes, resulta un proyecto muy económico.

¿Puedes platicarme de las participaciones profesionales

más relevantes que has tenido hasta el momento y cómo
se integran a tu repertorio los papeles de Judith y, ahora
también, Cio-Cio-San que acabas de cantar en San Miguel de
Allende?
Recuerdo con mucho cariño mi debut profesional hace ya cuatro
años con La isla deshabitada de Haydn con la Orquesta de Cámara
de Bellas Artes. Fue una gran experiencia compartir escenario
con Diana Bracho en 2015 en Master Class. También participé
en una temporada con la compañía de danza Inside the Body en
el Teatro de la Ciudad en 2106, donde realizábamos cosas muy
experimentales con el canto, el cuerpo y el movimiento.

Soy afortunada de haber trabajado con disciplinas hermanas a

la nuestra y empaparme y aprender de su forma de trabajar y de
tomar el escenario. Entre otras participaciones, también recuerdo
en 2015 una Tosca con la Orquesta de la Universidad Autónoma
de Chihuahua, lo cual fue mi primer acercamiento a Floria Tosca.
Ahora, las experiencias con Judith, que es un personaje del que
estoy enamorada. Tosca y Judith fueron una excelente preparación
para Cio-Cio San.

Cuéntame más acerca de esa Madama Butterfly de la que

fuiste protagonista…
En febrero presentamos esta maravillosa obra en San Miguel de
Allende. También fue mi primer acercamiento completo con este
personaje, pero vuelvo a reiterar que las obras te buscan. Butterfly
me estuvo buscando y preparándome para su llegada. En 2015
también realicé un cortometraje donde interpreté a una cantante
“Nuestra finalidad es hacer proyectos operísticos que tengan
que está brindando la última función de su vida, ya que al terminar sentido en nuestra sociedad actual”
Madama Butterfly, ella muere. En la vida real esto le sucedió
a la soprano Florencia Fabris en un Requiem de Verdi y en ella
está basada la cinta. Después tuve varias invitaciones de trabajo la gente que integra los elencos y equipos, sus ganas de trabajar.
donde se requerían fragmentos de la obra. Ya cuando me llegó la En este tipo de proyectos me he encontrado con las personas más
invitación formal a hacerla completa en este proyecto y acepté, maravillosas o donde el cantante, actor o músico revela realmente
tomé varios meses informándome del mundo oriental, ya que no quién es. Si es sólo eso, un empleado, o un artista con la inquietud
me gustaría realizar algo que estuviera fuera de ese contexto o no de decir y hacer algo más con su instrumento a pesar de la
fuera coherente. situación del país y del mundo. Creo que es importante empezar a
crear otras fuentes de trabajo e ir abriendo camino en este aspecto.
A veces los libretos no ayudan a que las historias puedan ser Tenemos que unirnos y organizarnos más como gremio.
creíbles o son tan ajenos a nosotros que, en ambos casos, hay que
trabajar el triple en su preparación. Musicalmente es sumamente De momento, estuve enfocada en la presentación de mi primera
difícil, ya que Butterfly está casi siempre en escena y hay que Butterfly, que ha sido algo importante y de mucha preparación, así
manejar colores muy específicos en la voz, empezando por hacer como de continuar el viaje por el Castillo de Barbazul. Cuando
notable el avance de la edad y madurez en el personaje del primer el ciclo de Barbazul llegue a su fin buscaremos otro proyecto.
acto al segundo. Lamentablemente no puede ser simultáneo por la falta de capital
humano y de recursos. Reitero que me interesa buscar óperas
¿Qué otros proyectos tienes contemplados, tanto con Ópera raramente presentadas para hacer con Ópera Anónima y puede ser
Anónima como de manera personal? que nos centremos en repertorio contemporáneo. Como intérprete,
Siempre estoy en búsqueda de realizar o unirme a proyectos siempre busco salir de mi zona de comodidad, experimentar. Como
artísticos independientes. Para mí, son los más valiosos que hay en cantante, tener una preparación física y musical óptima para cada
nuestro medio. El resultado de estos es conocer el corazón puro de obra por enfrentar. o

pro ópera 17
BAJO LA LUPA

Ramón Vargas
“Para un artista es necesaria
la pluralidad cultural”
por Ximena Sepúlveda

E
xisten tantos cantantes de ópera mexicanos emociones nos vuelve únicos. Cuando una voz talentosa de México
triunfando en el mundo. ¿A qué se puede atribuir obtiene una buena técnica vocal, preparación musical y logra
este éxito? conjuntar estos elementos en la interpretación, el resultado es
México es una cantera de voces y de talento. Decir que notable.
México es un productor de cantantes es una exageración. Ser
cantante es mucho más que tener una buena voz. Sería tanto como Los mexicanos somos fiesteros, alegres, parranderos y bohemios.
decir que alguien que tiene un excelente piano de concierto en su En nuestras reuniones familiares no falta quien con su guitarra
casa es por eso un gran pianista. ponga a cantar a toda la familia. Tampoco falta el tío declamador
que recita los poemas que gustaban a nuestros abuelos o
Apenas estamos recogiendo los primeros frutos del trabajo que se padres: todos a llorar y después todos a cantar. En las fiestas de
está haciendo desde hace varios años en nuestro país. Casi todos cumpleaños somos desentonados pero cantadores y no tenemos
los cantantes mexicanos que actualmente estamos triunfando ningún empacho en interpretar a gritos desafinados Las mañanitas
en el extranjero hemos terminado nuestra formación fuera de y las canciones que nos pongan. Saltan fuera las excepciones,
México; en los estudios de ópera de Estados Unidos o Europa, normalmente tenores, que gracias a nuestro gran acervo musical
con maestros particulares o en teatros de provincia directamente. popular somos los que más repertorio tenemos. Estoy convencido
Esto significa que las escuelas de canto en México no están de que hay más voces masculinas por este motivo. Creo que esta
todavía capacitadas para que los artistas egresados obtengan éxito parte extrovertida de nuestra personalidad, al final de cuentas,
(trabajo) a nivel internacional sin pasar por otras instituciones influye en nuestro modo de cantar y sobre todo de interpretar.
fuera del país.
Por otra parte, es importante mencionar que desde hace mucho
La Sociedad Internacional de Valores de Arte Mexicano (SIVAM) hemos tenido a cantantes femeninas cantando en los grandes
y el Estudio de la Ópera de Bellas Artes (EOBA), que yo fundé teatros, desde Ángela Peralta (“El ruiseñor mexicano”) hasta
cuando fui director artístico de la Ópera de Bellas Artes, están María Katzarava, pasando por Oralia Domínguez, Gilda Cruz
dando buenos resultados. El barítono Juan Carlos Heredia fue Romo, Rosario Andrade y Rebeca Olvera, pero ninguna de
uno de los ganadores de Operalia el año pasado y se ha formado ellas hasta ahora —espero que las carreras de Rebeca y María
100% en México. Hasta el momento en que ganó el concurso sigan creciendo— han estado al nivel de los primeros tenores
era miembro del EOBA. Se han estado haciendo muchos internacionales. En las últimas décadas, las mujeres en México y
esfuerzos para que las nuevas generaciones de cantantes estén en el mundo están tomando papeles preponderantes en la cultura y
más preparadas. Ojalá que Juan Carlos no sea un caso aislado y la política. Creo que esto ha contribuido a que vengan más voces
sigamos ofreciendo cantantes ya formados a México y al mundo femeninas mexicanas, y seguramente vendrán más.
entero.
Eres uno de los pocos tenores que ha logrado mantener
Esto no significa que yo piense que los jóvenes no tengan que ir la frescura en su voz, con el paso de los años. ¿Cuál es tu
al extranjero. Por el contrario, estoy convencido de que para un secreto?
artista es necesaria la pluralidad cultural, pero no es lo mismo salir Creo que lo más importante es tener una técnica vocal sólida.
de México para enriquecerte como artista, que ir para aprender La técnica te ayudará a controlar el instrumento vocal para que
a cantar; son dos cosas diferentes. La mayoría de los cantantes sea dócil a las necesidades interpretativas del artista. Cuando un
siguen saliendo de Europa, de Rusia, de los países ex comunistas y cantante no tiene el dominio de su técnica tiene que adaptar la
de Estados Unidos. Cuando nosotros producimos uno, ellos ya han interpretación a sus posibilidades vocales y no al contrario.
producido cien. Las razones no son porque allá haya más talento,
sino porque tienen tradición e infraestructuras que les permiten Creo que un segundo elemento, no menos importante, aparte
desarrollarse mejor. Además, sobre todo en Europa, hay muchos de tener una buena técnica, es aprender a reconocer tus límites.
teatros de varios niveles que dan lugar a los cantantes para que Aceptar tus propias características vocales es muy importante
encuentren su espacio. Sólo en Alemania, que es más o menos de porque de alguna manera te pone límites. Hago una comparación
la superficie del estado de Chihuahua, hay casi 90 teatros activos. con los coches: hay autos de velocidad y hay limusinas. Si la voz
y personalidad de un cantante tienen características como los de
Creo que lo que hace especiales a los artistas mexicanos, aparte un coche Ferrari, debería de interpretar obras que vayan con esas
de la calidad de sus voces, es el modo como interpretamos. La características; es decir: obras que requieran fuerza y potencia. Si,
espontaneidad y la forma en que podemos expresar nuestras en cambio, la voz es como una limusina, no debería pretender ser

18 pro ópera
 “Con el tiempo,
los agudos
empiezan
a fatigar,
y con el paso
de los años
mantener
un repertorio
agudo
se vuelve
siempre
más difícil”
Fotos: Ana Lourdes Herrera

un Ferrari, y viceversa. Yo soy como un Bentley, me gustan las el cantante deja de ser joven? Necesita adaptarse a los roles de su
frases largas e ir con potencia y suavidad hacia las grandes líneas edad y pasar poco a poco a aquellos para figuras más maduras.
del bel canto. He cantado y canto todavía algunos roles para voces Esto no siempre sucede, como le pasó a Kraus, pero él tuvo la
líricas de fuerza, como Don Carlo, Il trovatore, Luisa Miller, I due suerte que en en su época se escuchaba “por los oídos” y no “por
Foscari y otras, pero siempre trato de respetar mis características. los ojos” como actualmente es la tendencia.
No pretendo ser lo que no soy. Claro que las obras de Donizetti,
Bellini y Mozart me van como anillo al dedo. Me explico mejor: hasta hace apenas unas pocas décadas, a los
fans de la ópera les podía bastar escuchar a su cantante favorito o a
¿Cuándo debe un tenor empezar a cambiar su repertorio? algún otro con una voz maravillosa para salir felices y agradecidos
No creo que que se deba cambiar de repertorio si no es necesario. de una función de ópera. No importaba si el cantante era guapo o
Se dice que las voces con el paso del tiempo van cambiando en si la soprano pesaba 120 kilos. Entonces, “se veía por los oídos”.
color y potencia, pero no siempre es así. Por ejemplo, las voces de Ahora, la tendencia es de “escuchar por los ojos”: basta con que
Tito Schipa y Alfredo Kraus nunca cambiaron. Hay que considerar sean atractivos para que se les considere buenos cantantes sin
que, con el tiempo, los agudos empiezan a fatigar, y con el paso importar sus cualidades interpretativas, vocales o técnicas. Esta
de los años mantener un repertorio agudo se vuelve siempre más tendencia nace principalmente de la mercadotecnia de las casas
difícil. Por otra parte, a la mayoría de la gente le gusta los agudos; discográficas y de algunos teatros, sobre todo norteamericanos,
es más, hay quien va al teatro para escuchar sólo eso. Por eso, para que buscan crear “estrellas” a cualquier precio. Todos buscan
un cantante que ha basado su carrera en los agudos, se encontrará encontrar a cantantes como Anna Netrebko, Elīna Garanča, Angela
con el problema de hacer entender a sus seguidores que los agudos Gheorghiu o Jonas Kauffman, que además de ser excelentes
son parte de la interpretación, y no la interpretación misma. cantantes son muy guapos. Estos son garbanzos de a libra y no se
dan en maceta. La mercadotecnia influye de manera drástica en el
Por otra parte, normalmente los roles agudos de tenor están escritos gusto del público y crea enorme confusión en el discernimiento del
para figuras de jóvenes enamorados. ¿Qué pasa entonces cuando público y la crítica.

pro ópera 19
 Austria es un país musical y artístico. Aquí los artistas son vistos
con otros ojos, les merecen mucho respeto. Suiza me negó el
pasaporte después de tener mi residencia ahí por casi 14 años,
alegando que no formaba parte de la comunidad, visto que estaba
frecuentemente ausente. A pesar de que demostré tener muchos
amigos y que me sentía parte de la comunidad, no aceptaron.
Ya hasta habíamos hecho un cóctel en al Palacio Municipal de
“El Estudio de la Ópera de Bellas Artes (EOBA), que yo fundé Lucerna, presidido por el mismo presidente municipal, pero no
cuando fui director artístico de la Ópera de Bellas Artes, está hubo modo. Así que me vine a Austria, en donde a los seis meses
dando buenos resultados” de vivir aquí me ofrecieron el pasaporte de manera honoraria.

Te voy a contar una anécdota: durante las celebraciones

Desde luego que este fenómeno siempre ha existido, pero nunca mozartianas en Salzburgo en el 2016 yo canté Idomeneo. Alquilé
fue tan preponderante como en nuestro tiempo. Todos apreciamos una casa 17 kilómetros afuera de la ciudad. Una vez, después
que la ópera en los últimos decenios se haya vuelto más teatral. de una función, fui a cenar y terminé muy tarde. De regreso
Pero no caigamos en la trampa de querer volverla más teatro que estaba todo vacío. Con toda probabilidad iba yo más rápido de la
música y canto. Tenemos que encontrar un término medio para que velocidad permitida, vi un auto adelante y con cambios de luces
haya equilibrio entre lo que vemos y lo que escuchamos. le hacía ver que se hiciera a un lado porque lo iba a rebasar. ¡Era
un policía! Me detuvo y vino hacia mí el agente, muy molesto, y
¿Cuál es la sala de ópera con mejor audiencia para los me pidió mis documentos... Yo veía la situación muy difícil. Al
cantantes y cuál la peor? menos una buena multa y hasta el retiro de mi licencia de manejo
No existe una sala mejor o peor para los cantantes. Existen por algún tiempo iba a dar como resultado mi osadía. Después de
cantantes que son más o menos apreciados en los teatros. Pero revisar mis documentos me dijo: “Maestro, estuve en su ensayo
esta pregunta es interesante, porque cada país o teatro tiene a sus general de Idomeneo y ¡le felicito!” Me regreso el alma al cuerpo y
benjamines. Algunos cantantes que son apreciados en un país, tal agregó: “Creo que viene usted un poco más rápido de la velocidad
vez en otros son apenas conocidos. La soprano Barbara Hendricks permitida. No sé si pedirle un autógrafo o ponerle una multa.” Le
era muy famosa en Francia. Hace años la veía programada en todos dije que podía hacer las dos cosas, pero que preferiría darle sólo el
lados. Sin embargo en Italia, por ejemplo, casi nadie la conocía. El autógrafo... Reímos y me acompañó a casa. Bueno, tuve suerte de
gran tenor Enrico Caruso era napolitano, y cuando cantó L’elisir que me haya tocado un policía al que le gustaba la ópera... Es una
d’amore en Nápoles después de su enorme éxito en Nueva York historia particular que, creo, sólo pudo suceder en Austria.
fue abucheado por el público. El favorito de los napolitanos
en aquel entonces era el español Hipólito Lázaro. Para Caruso, ¿Cómo hace un cantante joven para saber si va a tener éxito
entonces, cantar en su tierra fue un desastre, pero no para su colega en la ópera?
hispano. Nadie puede saber si va a tener éxito en la ópera o en alguna otra
forma de arte. Lo que se necesita es tomar decisiones y perseguir
Los cantantes de ópera deben viajar constantemente por los sueños con ahínco y entrega. Esta profesión se escoge por
todo el mundo y a veces actuar en escenarios incómodos pasión. Nadie puede asegurar que algún día el joven estudiante
o enfrentar climas no muy favorables o quizás un público de canto va a pisar un escenario como cantante profesional, tanto
poco versado en ópera. ¿Cómo se deben encarar estas menos si va a ser una estrella. Si alguien estudia canto buscando
circunstancias? la fama, va a lograr sólo frustraciones. Lo mejor es prepararse.
Estos son gajes del oficio. Nuestra profesión es difícil y Creo que para lograr el éxito sirven varias cosas, pero de esas, son
demandante. A la gente que va al teatro no le importa saber si imprescindibles al menos tres: capacidades, oportunidades y un
el clima me afecta, si me duele la cabeza, si tengo alergias o poquito de suerte. En ese orden.
problemas familiares. Por otra parte, al público no le debe de
importar: es nuestra obligación dar el máximo siempre. Generalmente los cantantes firman contratos con mucha
anterioridad, pero a veces ellos no se encuentran ya en su
Si un director de orquesta decide cambiar el tempo de un mejor momento para interpretar la ópera programada.
aria en el último momento, sin advertírtelo anteriormente... ¿Puede la compañía de ópera cancelar sus contratos, o qué
¿Le haces saber que esto te incomoda, o no le das sucede en estas circunstancias?
importancia y sigues cantando como si nada hubiera En esos casos el teatro tiene la autoridad para protestar al artista.
pasado? Esto lo he visto en muy pocas ocasiones. Pero no siempre se
Si esto sucediera mientras canto trataría de tomar el tempo que me cancelan contratos porque el cantante no se encuentra en su mejor
es cómodo. Si no lo hace, no me quedaría de otra sino adaptarme, momento. Puede ser que haya cambiado repertorio, o tal vez al
pero luego le hablaría sobre mis necesidades para lo que falta de final se da cuenta que no le va bien la ópera que ya firmó, eso suele
la función o para las próximas. Si eso no funciona, o si es muy pasar. A mí me sucedió con la ópera Carmen; la cancelé dos veces
testarudo, es muy mal concertador. Algunos directores son las dos porque al final no me quedaba bien o al menos no como yo hubiera
cosas. querido. Pienso que si a un artista no siente o no le queda bien una
obra, es mejor que renuncie. Es importante notar que a veces las
Tengo entendido que vives en Austria, lugar preferido de obras que vas a interpretar son caprichosas, algunas que te deberían
los cantantes. ¿Qué tratamiento especial otorga este país a de quedar no te quedan y otras que en apariencia, no son de tu
los cantantes líricos? repertorio, por el contrario, te van muy bien. No hay una regla. o

20 pro ópera
ESCENA

Arturo
Rodríguez
Torres
“Una voz no puede
detener una bala”
por Charles H. Oppenheim

Sobre los retos de la producción Ha sido todo un reto porque los planes de estudios de la mayoría
de las escuelas de música tienen deficiencias importantes y en
independiente de ópera en México muchos casos no están actualizados. Además, existen pocos
maestros de canto con la formación y experiencia suficientes para

E
n el ámbito operístico no abundan artistas que se guiar a las nuevas generaciones. Las políticas de contratación para
desempeñen en áreas tan diferentes como el canto, la educación superior priorizan la contratación de docentes con el
la producción, la dirección de escena, la docencia y grado de doctor y con una edad máxima de 30 o 35 años, lo cual
la gestión cultural. En el caso de Arturo Rodríguez imposibilita la contratación de cantantes retirados, que son los que
Torres, que en este 2017 cumple 20 años desde su debut como realmente conocen el oficio y el repertorio, porque hicieron una
cantante con la Ópera de Bellas Artes (donde ha participado en 12 carrera en vez de dedicarse a estudiar posgrados. Es un criterio que
producciones), su labor artística y académica ha sido polifacética, a mi juicio garantiza que se contraten intérpretes mediocres con
pues además de cantar se ha dedicado también a la producción y altos grados académicos.
gestión de eventos artísticos en más de la mitad de los estados de la
República. Sin embargo, la enseñanza institucionalizada es de una gran ayuda
para una formación integral porque también existen docentes y
Maestro en música por la UNAM, lleva también 20 años como escuelas de mucha calidad. Los recursos con los que cuentan este
docente en la Escuela Nacional de Música, la Universidad tipo de instituciones a veces son valiosos, pues otorgan becas y
Autónoma de Coahuila (UAdeC) y otras universidades. En los ofrecen programas de intercambio y clases de idiomas.
últimos 10 años se ha desempeñado como productor independiente
a través de la Compañía Ópera de México y la Ópera de Coahuila. Mi experiencia como docente ha sido grata. Puedo decir que no
conozco otro maestro de canto que haya tenido un mayor número
En estas dos décadas ha cantado como solista, producido y de egresados que yo. Varios de ellos han cantado conmigo roles
dirigido más de 40 obras, y desde abril de 2016 dirige el flamante principales completos en diferentes producciones y han participado
Taller de Ópera de la UAdeC. Sólo en 2016 participó en siete y ganado concursos. Los alumnos son como los dedos de la
producciones operísticas en cinco estados. Conoce como pocos el mano: cada uno es diferente. Unos cantan mejor que otros, pero
medio operístico de México, pues se ha desempeñado en él como eso sólo es una habilidad: lo importante es que se logren como
intérprete, docente, pianista acompañante, investigador, director de profesionistas y personas de calidad humana y artística.
escena, productor y ha sido conferencista, así como ensayista (es
autor de la sección ocasional Docencia de esta revista). Ante la escasez de producciones ópera escenificadas con
orquesta —debido a los severos recortes presupuestales que
¿En estos 20 años como docente universitario, cómo ha ha sufrido el sector cultural en los últimos años—, se están
evolucionado la enseñanza en la formación del cantante de presentando cada vez menos óperas y las producciones suelen
ópera? ser “minimalistas”, muchas de ellas adaptadas para niños.

pro ópera 21
¿Qué opinas sobre esta tendencia de presentar versiones de convenios que le son imposibles a un empresario independiente por
ópera editadas? la naturaleza de la inversión privada y porque debe pagar todo la
Creo que hacer espectáculos de calidad para los niños es un empresa.
reto enorme para todos los involucrados. Hay cuestionamientos
estéticos y artísticos pertinentes sobre las adaptaciones, Por si fuera poco, es una realidad que en muchas ocasiones las
reducciones y versiones de las grandes obras maestras, ya que, instituciones de cultura se interesan más por espectáculos del
de entrada, muchas veces se recorta sin ton ni son, sin analizar a gusto masivo; es decir, por productos culturales más actuales
fondo las características del público al que se pretenden dirigir. y del agrado de las mayorías, debido a que existe un prejuicio
generalizado entre muchos gestores culturales y directivos que no
Algo muy similar ocurre con las versiones a piano que se conocen la ópera, que por ser en otro idioma y haber sido creada
hacen para formar “nuevos públicos” en los estados, en donde en otros siglos consideran que constituye una expresión artística
de entrada se asume que el público que no conoce la ópera se caduca, aburrida o elitista.
enamorará de ella aunque le presenten una producción mediocre.
Olvidan que los niños en la actualidad están acostumbrados a Ese es el primer reto: convencer a las autoridades de cultura que
ver superproducciones en el cine, televisión, internet y en sus programen ópera, porque es una expresión artística con un alto
consolas de videojuegos, de modo que una producción de ópera valor estético, y cambiar el paradigma para que los productores
o de cualquier espectáculo escénico en vivo sin una escenografía independientes puedan tener oportunidades de participar. No
y producción de calidad tenderá a distraer y aburrir con facilidad siempre los mejores productos artísticos se crean en los institutos
a niños y adultos por igual, sea que conozcan previamente el de cultura. Los artistas independientes que no laboran para
género o que sea la primera vez que asisten a una dependencias gubernamentales son una gran
función. “Una propuesta mayoría en este país, comparado con el grueso
total de la población de artistas y creativos. Sólo
Muchas de las personas que realizan adaptaciones musical, escénica, como dato, el INEGI identificó en un censo que
o reducciones de las obras cometen el error de
pensar que los niños o el público adulto que
escenográfica realizó recientemente que somos más de 120,000
músicos y cantantes en México. La pregunta,
no conoce la ópera son incapaces de juzgar la y conceptual de entonces, es: ¿cómo crear propuestas para que
calidad integral del evento. Algunos piensan que su labor sea conocida, pueda difundirse su
la voz de los cantantes suplirá las deficiencias mala calidad, lejos producto artístico y se generen fuentes de trabajo
del espectáculo, pero una propuesta musical, suficientes para todos?
escénica, escenográfica y conceptual de mala
de crear
calidad, lejos de crear nuevos públicos, en mi nuevos públicos, ¿Cuáles son las condiciones que se ofrecen a
opinión los ahuyenta, ya que se presenta el género los productores independientes?
como un espectáculo pobre, anticuado y aburrido. en mi opinión los Las instituciones de cultura alquilan los teatros
Nunca se debe perder de vista que la ópera como a los productores independientes, quienes
género fue creada como un espectáculo escénico: ahuyenta, normalmente deben pagar la renta del local
por cinco horas para montaje escenográfico y
para verse y escucharse; no sólo para escucharse. ya que se presenta función. Si el director del recinto es conocido y
¿Qué tan fácil es producir ópera de forma el género como un tiene ganas de apoyar, a lo mejor cede algunas
independiente en nuestro país? horas de montaje más al productor, pero
Si la obra la contrata una dependencia estatal o espectáculo normalmente solicita pago de tiempo extra para
federal es más sencillo, porque tienen los recursos los técnicos.
e infraestructura para hacerlo. Pero si se desea
pobre, anticuado y
presentar una obra como productor independiente
o desde la iniciativa privada es muy complicado y
aburrido” El productor independiente tiene que “producir”
todo: diseño y elaboración de materiales,
arriesgado, y se puede perder mucho dinero, tiempo y esfuerzo. contratación de artistas (músicos, cantantes solistas y coristas,
bailarines, actores) así como todo el diseño gráfico, la publicidad
De entrada, actualmente hay una lucha ideológica con las y la venta de boletos. Normalmente, la mayor facilidad que se
autoridades culturales para que se reconozca el valor de programar obtiene es un descuento en la renta del teatro o que se cobre un
ópera en las diferentes comunidades y se convenzan de que es porcentaje de las entradas de la taquilla que puede variar entre
importante asignar un mínimo de apoyo, recursos y facilidades el 30% y 50% de los ingresos totales, que se reparten entre el
para poder realizar este tipo de espectáculos. productor y el teatro, lo cual es una cantidad muy grande si se
considera que la ópera no es un espectáculo masivo.
Es una labor muy difícil porque de entrada se discrimina y
ningunea tremendamente al intérprete, creativo y productor En la mayoría de los estados y municipios del país no se ha hecho
independiente y se prefiere hacer convenios con las dependencias una verdadera labor de formación de públicos y, por lo mismo, es
de cultura municipales, estatales o federales que, además de ofrecer muy arriesgado pretender fondear los espectáculos con las entradas
un mayor prestigio artístico, tienen de entrada apoyos económicos de la venta de boletos de taquilla, porque si se representan más de
del gobierno con los que no cuentan las empresas culturales dos o tres funciones de una ópera nadie puede asegurar que asista
privadas y, por lo mismo, pueden aportar recursos y generar el público y se vendan los boletos.

22 pro ópera
Lamentablemente, vivimos en una nación secuestrada por el
narcotráfico, la inseguridad y las eternas crisis presupuestales,
donde muy pocos tienen el valor de presentar espectáculos con un
gran esfuerzo, corriendo riesgos altísimos, con el temor constante
de que haya otro evento que compita con una función, como un
partido de futbol, o algún incidente violento en la localidad, o
cualquier otra eventualidad que espante al público, deje el teatro
vacío y mande a los productores a bancarrota.

Se dice que la música en general y la ópera en particular

pueden ser utilizadas como agentes de cambio social. ¿Qué
opinas al respecto?
La ópera en Juárez, Chihuahua, murió, a pesar del enorme esfuerzo
de su director concertador y de escena titulares, quienes se
esforzaron admirablemente por mantenerla viva en una comunidad
sin un público que pudiera asistir, por temor al terror que se vivía
en sus calles y sin las condiciones mínimas para albergar este tipo
de expresiones artísticas. Era imposible que el género sobreviviera
en Juárez, una ciudad internacionalmente conocida por sus
problemas con el narcotráfico, la impunidad de miles de asesinatos
de mujeres y su tremendo nivel de violencia e inseguridad.

La ópera es un entretenimiento sofisticado que ha luchado

por sobrevivir a través de los siglos, un arte que cumple una
función social importante y que puede ayudar en cierta medida a
sensibilizar a su auditorio, pero nada más.

Las Bellas Artes no

se pueden insertar, “Existe un prejuicio generalizado entre muchos
ni tratar de utilizarse
como medicina para gestores culturales y directivos que no conocen la ópera,
los males que aquejan
a comunidades tan
que por ser en otro idioma y haber sido creada en
devastadas como la otros siglos consideran que constituye una expresión
citada. Ni la ópera, ni
ninguna de las artes, artística caduca, aburrida o elitista”
merecen ser utilizadas
para un fin distinto del que se crearon y no pueden resolver
problemáticas ajenas a ellas, porque tiene sus propios problemas y Una de nuestras metas es educar, sensibilizar a la comunidad
retos. al arte lírico, por medio de la presentación de óperas de forma
independiente en todo el país. Eso ha implicado un enorme
Una voz no puede detener una bala, pero sí puede denunciar y esfuerzo, talento y buena voluntad de todo el equipo de trabajo.
enunciar de manera clara y contundente que algo se debe poder A partir de este año varios directores y productores extranjeros
hacer para cambiar esta realidad compleja, diversa y conflictiva se han contagiado de este espíritu y se han interesado en nuestra
que se vive en la actualidad en las artes escénicas en vivo. labor, por lo que nos han apoyado y contratado. Ya tenemos cinco
producciones seguras para 2017.
¿En qué áreas de la producción artística te has desempeñado?
He estado en todas las áreas y niveles de la producción operística, Actualmente tengo un excelente trabajo que me proporciona los
desde la conceptualización de un montaje escenográfico, haciendo recursos económicos suficientes para vivir dignamente: una plaza
bosquejos a lápiz para dirigir la puesta en escena, hasta la gestión como catedrático titular de tiempo completo con perfil Prodep
de los recursos, incluyendo la planeación de logística. Sobre todo en la Universidad Autónoma de Coahuila. Así que, en mi caso,
me he especializado en hacer propuestas creativas y prácticas que más que una meta o un negocio, producir ópera es un gusto, un
puedan insertarse y desarrollarse en la realidad actual de tiempos y pasatiempo y una pasión: una labor altamente altruista en donde a
recursos en que se programan y ejecutan este tipo de eventos. veces se gana y muchas veces se invierte mucho dinero, tiempo y
esfuerzo.
¿Cuál es tu objetivo al producir ópera y cuáles son tus metas?
Difundir y promover el género. He fundado una empresa cultural O sea, por amor al arte…
independiente que considero mi aportación a la profesión: En efecto, producimos por vocación y amor al género. Hay a
Compañía Ópera de México (COM), con un grupo de jóvenes y quienes les gusta invertir su dinero en viajar o comprar autos
talentosos artistas que me han ayudado a difundir dignamente el caros. Mi pasión es producir ópera, crear espectáculos, contar
género por más de la mitad de los estados de la República. Nuestro historias y, sobre todo, escuchar cantar a mis compañeros y poder
objetivo general es crear una alternativa de calidad en producción ofrecerles un foro donde desarrollar su potencial como cantantes y
operística para las diferentes comunidades del país. que puedan realizarse obras completas. o

pro ópera 23
ANIVERSARIO

La Escuela de Laudería cumple 30 años

E
n la tradición de la escuela de Antonio Stradivari (1644-1737),
el más célebre constructor de instrumentos de cuerda de la
historia de la música, este 2017 cumple 30 años la única escuela
de laudería de México y del continente americano, y una de las quince
escuelas de nivel superior del mundo en este campo.

Aunque la enseñanza profesional de la laudería en México es joven

en comparación con las escuelas europeas, que cuentan con más de
un siglo de tradición, paulatinamente gana reconocimiento a nivel
internacional. La escuela pertenece al Instituto Nacional de Bellas
Artes (INBA) y ofrece formación técnico-manual profesional en la
construcción de instrumentos de arco.
Lufthi Becker Anz en un
Antecedentes concierto en la Escuela de Laudería
El maestro Luthfi Becker Anz, de origen francés, realizó en junio de
1985 un curso de laudería en el Conservatorio Nacional de Música,
Los alumnos aprenden a

t
donde se observó la necesidad de brindar a los jóvenes mexicanos una
licenciatura en Laudería, la cual estaría enfocada a la formación de tallar la madera para la
profesionistas de la construcción y restauración de instrumentos de construcción de violines
cuerda frotada.

La licenciatura (que se cursa en 10 semestres) adquirió su

reconocimiento oficial por la Secretaría de Educación Pública el 20 de Actualmente la Escuela de
julio de 1987, siendo fundador y director el propio maestro Becker. El Laudería recibe entre 20 y 30
prerrequisito básico es contar con bachillerato o preparatoria y saber solicitudes de ingreso al año,
ejecutar algún instrumento de cuerda frotada. pero no puede aceptar más de seis u ocho alumnos, debido a que la
atención es personalizada.
Antes de que se estableciera esta escuela en Querétaro, hubo un par de
intentos que sentaron las bases para consolidar el proyecto: el primero El fundador
en 1954, luego en 1987 y, desde 1992 la escuela reside en Querétaro. “El viaje se remonta a 1984, cuando el INBA buscaba en Europa a
una persona que impartiera un curso de restauración o reparación
La idea de crear una escuela de laudería en México tuvo su origen hace de instrumentos para sus orquestas, como parte de una iniciativa
63 años, cuando el laudero italiano Luigi Lanaro promovió el primer que propuso el sindicato”, recordó en una reciente entrevista Luthfi
bosquejo de la Escuela Nacional de Laudería en 1954, pero el proyecto Becker Anz, el laudero francés que hace tres décadas llegó a México
se abandonó durante casi dos décadas. y planeó lo que hoy conocemos como la Escuela de Laudería.

Después, en 1985, el gobierno mexicano invitó al laudero francés “Me encontraron en Francia, y fue con el apoyo del gobierno francés
Becker a impartir cursos de capacitación a jóvenes en la reparación de y del INBA que vine a impartir ese curso de un mes. Sin embargo,
instrumentos de cuerda y ante el interés mostrado por ellos, el INBA enseñar cómo reparar instrumentos con problemas diversos en tan
estableció una licenciatura en 1987. poco tiempo es ilusorio. Por ello surgió la idea de fundar una escuela
de laudería en México”.
Se empezó con la construcción del violín y la restauración de
instrumentos antiguos, aunque las primeras generaciones eran de sólo Para Becker Anz, el proyecto implicó dejar su país natal e iniciar un
tres o cuatro alumnos en la Ciudad de México. En 1992 se hizo una viaje a tierras desconocidas. “Al principio no me encantó la idea,
convocatoria para descentralizar las dependencias y ese mismo año el porque yo tenía mis actividades en Francia. Sin embargo, en 1985,
estado de Querétaro obtuvo la sede de la escuela. después del terremoto, el entonces subdirector general de Educación
e Investigación Artísticas del INBA, Jaime Labastida, me invitó, a
En otros países se forman lauderos a un nivel técnico, mientras que el pesar de las dificultades, a preparar lo que hoy es esta escuela.
INBA ofrece una licenciatura de cinco años, que los alumnos cursan
de tiempo completo, con materias prácticas y teóricas. Los alumnos “Fue un año el que trabajé en la planificación de la escuela, desde
tienen materias como solfeo e historia de la música, y hasta ciencias: 1986 hasta su inauguración en octubre de 1987. Para mí, entonces,
matemáticas, física, acústica y anatomía de la madera. fue complejo, pues tenía que acoplar mis ideas, las de un extranjero,
a las posibilidades y realidades de México, por lo que con el tiempo
Al término de su preparación académica, los alumnos deben haber el proyecto se ha modificado y perfeccionado.
construido siete instrumentos —cuatro violines, dos violas y un
violonchelo o contrabajo—, mediante un plan de tallado semestral. Con “Aunque llegué con 50 años de edad a México, y desde entonces
esta preparación, al término de la licenciatura los alumnos deben ser ya pasaron 30 más, esta etapa ha sido la más importante de mi vida,
capaces de terminar un violín en 120 horas, unas tres o cuatro semanas porque pude ser útil no solamente para mí, sino para este país que se
de trabajo. ha convertido en mío”, finalizó. o

El campo laboral de los lauderos es alentador. Desde trabajar con

La Escuela de Laudería del INBA se encuentra en Hidalgo
un laudero profesional, montar su propio taller de restauración o
20, Centro Histórico, Querétaro, Qro.
construcción, hacer estancias internacionales en una orquesta, hasta
Teléfono: (442) 212 22 99; e-mail: el@[Link]
trabajo en museos e investigación de instrumentos.

24 pro ópera
PERFILES

Ricardo López
La carrera de un barítono verdiano
por Hugo Roca Joglar

L
a voz de Ricardo López, en los albores de su carrera,
era muy dura; el canto le salía rígido, pesado, como si
cargara piedras y moverse le costara trabajo. Parecía
que su tesitura baritonal tendía hacia las estáticas
oscuridades de los bajos.

Lo becó SIVAM —institución dedicada al desarrollo de voces— y

bajo la guía de César Ulloa surgió en su sonido la capacidad del
agudo. Entonces su canto descubrió una dimensión inexplorada:
la elasticidad, y ahí, jugando a estirarse, descubrió tonalidades
claras y brillantes con las que podía colorear la música con suaves
movimientos flexibles y rápidos. Aprendió repertorio ligero para
barítono en italiano (Figaro en Il barbiere di Siviglia de Rossini)
y francés (El marido en Les mamelles de Tirésias de Poulenc y el
soldado Valentín en Faust de Gounod).

Y Ricardo cantaba con tal bravura y agilidad, ejecutando

peligrosos giros circenses, que la identidad de su voz volvió a ser
cuestionada: ¿No estaremos ante un tenor encubierto? No, no lo
era; las ambigüedades de su sonido, dentro de las definiciones
vocales operísticas, indicaban que se trataba de un típico caso de
“barítono verdiano”, cuya característica principal es la madurez
tardía.

Poco a poco, con una lentitud que puso a prueba tanto su pasión
como su paciencia, consiguió hacer realidad un principio tan
básico como “apoyar” el canto. Siempre había sabido que debía
apoyar: lo daba por descontado… pero era un apoyo abstracto,
que imaginaba; cuando en verdad sintió el apoyo dentro de él,
en la parte baja del vientre, su canto se proyectó sólido y seguro,
libre de dolores, lleno de precisión y contundencia. Entonces ya no A más de un lustro de su debut en Bellas Artes, Ricardo López se
hubo dudas: su sonido baritonal, rápido y suelto, más cercano al perfila ya como un barítono verdiano
agua que al metal, tendía naturalmente hacia Verdi… y se dedicó
—entusiasta, determinado— a estudiarlo y entenderlo. parte del segundo elenco). Entonces descubrió uno de los grandes
peligros de cantar ópera en México: “Las oportunidades son tan
Durante esta etapa temprana de perfeccionamiento participó en pocas que, cuando alguna te llega, estás tan desesperado que la
el Concurso Nacional de Canto Carlo Morelli (2008). Interpretó tomas a cualquier precio, incluso aunque ponga tu voz en riesgo”.
dos arias: ‘Pieta, rispetto, amore…’ del rey Macbeth en la ópera
homónima de Verdi, que escribió cuando era, en sus propias Ávido de escenario, Ricardo aceptó, en 2011, el rol de Alfio, cuyas
palabras, demasiado joven para entender bien a Shakespeare, y exigencias requieren de una voz de mucho mayor volumen que
el aria del diamante (‘Scintille diamant’) que canta el diabólico la suya. Pudo haberse lastimado, pero la idea de protagonizar una
Dapertutto en Les contes d’Hoffmann de Jacques Offenbach. ópera completa le exaltaba los nervios con un entusiasmo casi
frenético. Abordó el rol con minuciosidad exagerada. Se aprendió
Ricardo aún no dominaba la técnica y cantó guiado por el la partitura y la montó a su voz. Estudió por separado los sonidos
instinto: osado y desafiante. Ganó el concurso. Su desinhibición de cada personaje y trazó las diversas variaciones —tanto de
y dramatismo dejó a todos —público y jurado— sorprendidos. expresión como de lenguaje— que sufren a lo largo de la historia.
Triunfó en el certamen de canto más importante de México, pero Y para su Alfio construyó un exhaustivo mapa mental para saber
eso no significó trabajo fácil o inmediato (para que debutara en con precisión en dónde colocar el sonido, cuándo tomar aire, cómo
Bellas Artes con un rol importante pasó un año… y fue como anclar mejor la voz y los momentos adecuados para relajarla.

26 pro ópera
Luego, una vez resuelta la música, leyó el relato original
Cavalleria rusticana de Giovanni Verga y cuestionó cada una
de las motivaciones de los personajes, sobre todo las del brusco
caballerango que debía representar. Lo intrigaban las ideas de
justicia y venganza de la historia… Cómo el asesinar en una pelea
con navajas al amante de su esposa fue —tanto para Alfio como
para el resto del pueblo— un acto entendible y natural, incluso
caballeroso: de una rústica caballerosidad. Y en esa dirección
—hacia una personalidad enraizada en principios toscos y salvajes,
aunque profundamente honorables— Ricardo llevó a su personaje.
Su voz era demasiado joven, demasiado pequeña, demasiado
inexperta. Sin embargo, por cada una de sus deficiencias vocales
y técnicas ofreció entrega, pasión e inteligencia. Su Alfio,
psicológicamente, estuvo lleno de matices. Y esas funciones que
podrían haber sido desastrosas se convirtieron en un fuerte impulso
para su carrera.

En 2012 conoció a la maestra Dunja Vejzovic y ella hizo que

sonaran reales —con plenitud y contundencia— los extraordinarios
sonidos que hasta entonces en su voz lucían débiles, deslavados,
incipientes y escondidos. Y Dunja también transformó la forma
en la que el cerebro de Ricardo funcionaba; lo azuzó con ideas
sobre riesgo y aventura: “Audiciona en Europa; si en México eres
un cantante sin trabajo constante, ¿qué más te da?, ¿qué puedes
perder?”

Ricardo recorrió Alemania y al poco tiempo consiguió su

primer protagónico europeo: ¡Rigoletto!, y durante el montaje
entró en contacto con un mundo operístico que hasta entonces
desconocía: el de los directores de escena. En México —como en
Italia— reinan los cantantes. En Europa, Ricardo encontró que el
cantante sigue sin chistar las órdenes del director de escena por
más excéntricas que éstas sean (cantar bajo la lluvia, haciendo
malabares o desnudo en medio de una orgia…). Y bajo esta cultura
actoral extrema su Rigoletto avanzó a través de nuevas lecturas
sobre la violencia en el corazón del bufón; lecturas que expresaron
En 2008 ganó el primer lugar del Concurso Morelli
esa violencia de maneras sutiles y nostálgicas, no rabiosas y
viscerales… más cercana a la culpa que a la venganza.
Luna (Il trovatore), Amonasro (Aida), Germont (La traviata),
Regresó a México y ganó el tercer lugar del Concurso Dandini (La Cenerentola)… y en cuatro años (2013-2016) ya había
Iberoamericano de Canto Irma González (en 2013), un concurso interpretado 20 roles en escena.
para cantantes maduros que no se gana con arias sueltas; exige
dominio de idiomas, estilos y una variedad de repertorio: lied, Hoy, Verdi se ha reafirmado como el ideal de Ricardo; su canto
zarzuela, chanson, canción mexicana y óperas barroca, clásica, luce en todo su esplendor con Verdi. En dimensiones verdianas su
romántica, vanguardista y contemporánea. voz fluye sólida, segura y llena de colores. Y cantando Verdi, en
2016 Ricardo ganó el primer lugar en el primer Concurso Linus
A pesar de los premios y a pesar de la experiencia alemana, Lerner en el Festival de Ópera de San Luis Potosí (que incluyó un
las producciones nacionales de ópera siguieron ignorándolo… concierto de fin de año en Tucson, Arizona, el rol de Germont en
Ricardo había ingresado al horrible vacío del cantante solvente La traviata con Ópera de Natal en Brasil, además de ganarse un
que ha superado su condición de joven promesa, pero aún no es contrato para ser representado por Berger Artists Management de
una estrella. Y las casas de ópera mexicanas contratan a cantantes Estados Unidos).
que empiezan y no cobran o a famosos que les llenen funciones.
Ricardo quedó en medio, sin escenario, cargando la frustración Durante la primera mitad de 2017 su agenda está llena: audiciones
de una voz torrencial condenada a envejecer en silencio, lejos del europeas (Alemania, España y Francia) y montar cuatro nuevos
público. Verdis: Giovanna d’Arco (Giacomo), Luisa Miller (Miller), Il
corsaro (Pasha Seid) y Falstaff (Ford).
Ante las pocas posibilidades, buscó alternativas: becas del Fonca,
dirigir coros (ensamble vocal Col Canto) y organizar conciertos… Su carrera comienza a despegar y, sobre el futuro, Ricardo tiene
Sin embargo, los papeles le fueron llegando. Cantó Zurga (les el panorama claro: Verdi, ver crecer a su hijo de seis años y más
pêcheurs de perles), Escamillo (Carmen), Enrico (Lucia di Verdi… tal vez mejorar sus redes sociales y ¿por qué no?, quizá
Lammermoor), Marcello (La bohéme), Scarpia (Tosca), Barbazul Chaikovski (Tomsky en La dama de picas), Korngold (Frank-Fritz
(El castillo de Barbazul), Malatesta (Don Pasquale), Conte di de Die tote Stadt) y Wagner (Wolfram de Tannhäuser). o

pro ópera 27
 Ópera en los estados
homogeneidad, un sonido compacto y e inquietante emergió de la
sección de cuerdas de la orquesta. Al frente de la misma su director
y afamado clavecinista Sébastien d’Hérin mostró virtuosismo
en sus partes solistas de su instrumento y su dirección fue segura.
En el concierto para dos violines en Re menor, BMV 1043, afloró
el virtuosismo de Florian Deuter, primer violín, y de Monica
Waismann en un dialogo intenso y sentimental entre ambos
intérpretes.

Completó el programa la cantata Ich habe genug, BWV 82a,

para soprano y flauta, en su carácter de estreno en México, donde
participó la soprano Caroline Mutel, quién impregnó cada aria de
sentimentalismo y un canto cristalino, reluciente y transparente.
Para esta cantata, así como para el concierto 5 de Brandeburgo, se
tuvo como invitada a la flautista mexicana María Diez Canedo,
experta en la ejecución de la flauta barroca, quien aportó su valía
a este concierto. A mi entender éste es quizás uno de los eventos
más emotivos que se hayan presentado en este escenario que a sus
escasos seis años de existencia tendría ya mucho que decir.
por Alberto Rosas

Elīna Garanča en León

El Teatro del Bicentenario inició su temporada artística 2017
con un concierto de gala inolvidable de la mezzosoprano Elīna
Garanča, quien sedujo al público con su bella voz, canto elegante
e inteligencia musical, así como con un programa equilibrado y
representativo de su arte.

Lo anterior no fue sorpresa, porque la cantante letona es

considerada una de las estrellas más cotizadas del mundo de la
Caroline Mutel cantó con Le Nouveaux Caractères ópera. Se ha presentado en los teatros más prestigiosos como el
Foto: Arturo Lavín Metropolitan Opera House de Nueva York, la Scala de Milán y la
Staatsoper de Viena, entre otros; y ha compartido escenario con los
Les Nouveaux Caractères en León grandes intérpretes líricos y directores de la actualidad. También,
Como memorable y muy grato se puede calificar el concierto desde 2005, se convirtió en artista exclusiva del distinguido sello
ofrecido por la agrupación francesa Les Nouveaux Caractères en discográfico Deutsche Grammophon.
el Teatro del Bicentenario de León como parte de su programación
de eventos internacionales y en coproducción del Festival Así que el Teatro del Bicentenario no pudo empezar el año de
Internacional Cervantino. mejor manera que con un concierto de una intérprete de tal nivel.
Además, los asistentes tuvieron el privilegio de escuchar a Garanča
El concierto dedicado en su totalidad a obras de Johann Sebastian en plena forma vocal, en un momento de transición hacia papeles
Bach se tituló “Conciertos de Brandeburgo” porque incluyó dos de más dramáticos. El recital del sábado formó parte de una gira de la
los más conocidos como son: el concierto número 3 en Sol mayor, mezzosoprano por México. Su debut en nuestro país fue el 11 de
BWV 1048, así como el concierto número 5 en Re mayor, BWV enero, en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario
1050. La música de Bach tiene el efecto de tocar las fibras más de la UNAM, en la Ciudad de México. Después se presentó en
sensibles y profundas del espectador, y más cuando se tiene un León y tendría dos conciertos más en enero: el día 17, en el Teatro
grupo especializado en la interpretación de estilo antiguo. Dichas Isauro Martínez, de Torreón; y el día 20 en el Festival FAOT, en
ejecuciones fueron alegres, dinámicas, lucidas y conmovedoras. Álamos.

Les Nouveaux Caractères que proviene de la ciudad de Lyon, Para los cuatro conciertos en México, la cantante de 40 años
Francia, llegó hasta su homónima mexicana León, ofreciendo diseñó un mismo programa, dividido en dos partes. La primera,
un sonido barroco muy bien trabajado y de colorida textura a conformada por arias de Chaikovski, Mascagni, Saint-Saëns y
su ejecución con la que llenó el recinto. Claridad en el sonido, Donizetti, música cercana a ella; y la segunda, por romanzas de

28 pro ópera
 Elīna Garanča, en gira por México, cantó en el Teatro Bicentenario
Foto: Arturo Lavín

zarzuelas y fragmentos de la ópera Carmen, obras de origen e Para cerrar la primera parte del concierto, la galardonada cantante
inspiración española y gitana. exhibió un dominio perfecto del bel canto en ‘O mon Fernand…
Mon ârret’, de La favorite de Donizetti. En la cabaletta de esta
Asimismo, en este tour, Elīna Garanča está acompañada de la aria, la coloratura se escuchó precisa y los agudos, seguros, como
Orquesta Sinfónica de Minería, una de las agrupaciones más en los primeros años de su carrera.
destacadas en nuestro país, y cuenta con la dirección artística del
americano Constantine Orbelian, reconocido por su labor en La música española distinguió la segunda parte del programa
el intercambio cultural entre Rusia y Estados Unidos. Después con la Danza número 1 de La vida breve de Manuel de Falla;
de una lectura vigorosa de la Obertura de Ruslán y Liudmila, tres canciones de las zarzuelas El barberillo de Lavapiés, El
de Mijaíl Glinka, la diva continuó la velada con ‘Da, chas barquillero y El niño judío; así como el Preludio del Acto I,
nastal!...’, de La doncella de Orleans, de Chaikovski. En esta Habanera y la ‘Chanson bohème’ de Carmen de Bizet. En las
aria, la mezzosoprano, vestida con una blusa negra y una falda primeras canciones, la mezzosoprano, ahora ataviada con un
azul, no sólo lució un legato perfecto y centro consistente, sino vestido rojo, reveló una sobresaliente dicción en español y
que conmovió al público con su entrega al drama de Juana de conocimiento del estilo ligero y romántico de la zarzuela; mientras
Arco y a la música romántica del compositor ruso, llena de que en las arias demostró por qué es la Carmen de referencia del
lirismo y melancolía. siglo XXI. Debido a que no se encontraba en una representación
escénica, quizá su actuación resultó un poco mesurada y fría.
Luego, la Vocalista del 2010 por la revista Musical America Incluso cantó sentada, en el podium del director, una parte de la
ofreció una muestra de su nuevo repertorio, con la famosa ‘Chanson bohème’, en la que suele esperarse que la cantante baile
aria ‘Voi lo sapete, o mamma…’, de Cavalleria rusticana de un poco. No obstante, musicalmente estuvo perfecta.
Mascagni. Como la traicionada Santuzza, asombró por sus
agudos potentes, manejo excelente de las dinámicas y registro Por su parte, Orbelian extrajo de la orquesta un sonido brillante
amplio de su voz. Sin caer en los excesos propios del estilo y potente, además de que tuvo un cuidadoso manejo de los
verista, como el grito o el sollozo, su interpretación resultó matices, si bien en ciertos pasajes, principalmente en piano,
elegante y apasionada. alcanzó a opacar a la cantante. Como piezas de propina, Garanča
y la Sinfónica interpretaron la romanza ‘Carceleras’, de la
Tras una brillante y enérgica ‘Bacchanale’, de Samson et Dalila zarzuela Las hijas del Zebedeo de Chapí, la canción ‘Granada’
del francés Camille Saint-Saëns, Garanča cantó el aria más de Agustín Lara y ‘O mio babbino caro’, aria de Gianni Schicchi
conocida de esta ópera: ‘Mon coeur s’ouvre à ta voix…’, otro de Puccini, cantada generalmente por sopranos. Al final, los
ejemplo de sus nuevos intereses musicales. En un tempo lento, asistentes quedaron cautivados por el canto fino y la bella voz de la
la mezzosoprano cautivó por su fraseo elegante, timbre bello y mezzosoprano, quien sólo agradeció al público con besos al aire y
línea de canto impecable. En suma, fue una enamorada y dulce sonrisas. o
Dalila. por Luis Alberto Lerma Carmona

pro ópera 29
TALLERES

Carlos Serrano
“¿Cuándo es el momento ideal
para empezar a cantar?”
por María Teresa Hernández

Lo que aún le queda es tiempo para dedicarse a la música. Es un

barítono que practica su canto tanto como puede y con el resto de
su tiempo se dedica a dirigir el Taller de Ópera de Sinaloa (TOS)
en Culiacán, que empezó a operar en 2011 y tiene prestigio a
nivel internacional. Desde el taller se imparten cursos a jóvenes
que desean hacer una carrera en el mundo de la ópera y todos los
miércoles muestran su talento ante el público que asiste al Teatro
Socorro Astol.

El maestro Serrano no nació en México —sino en Vieques, Puerto

Rico—, pero ha hecho su vida aquí. Está casado con una mexicana
—la mezzosoprano María Luisa Tamez— y además de dirigir el
taller hace ópera, zarzuela, conciertos y recitales. Pro Ópera habló
con él sobre su trabajo en Sinaloa y su percepción de los jóvenes
cantantes de México.

Cuéntame sobre el taller. ¿Cómo impulsan las carreras de los

estudiantes y cómo han sido estos años de funcionamiento?
La escuela está dedicada a entrenar cantantes de ópera. Todos los
años hay audiciones y asisten cientos de personas porque se supone
que es una de las mejores del mundo. Yo estudié en el Instituto de
Música Curtis, en Filadelfia, y me sorprendía mucho la cantidad
de talento que hay en este país, sobre todo entre los cantantes de
ópera. De hecho, muchos de los que son aceptados en la Academy
of Vocal Arts (AVA), donde también estudié y luego fui maestro,
son mexicanos. Todo empezó por lo siguiente: cuando estás en un
conservatorio, no siempre hay una escuela que te ayude a subir el
próximo escalón. Una persona con la que estudié en Filadelfia me
decía que necesitábamos una escuela con ciertas características y
me decía que debíamos hacer una institución donde nosotros les
“Mi propósito es que el taller cubra todo el país” diéramos a los estudiantes ese escalón. Yo pensaba lo mismo.

Un día vine a Sinaloa para ser juez en el concurso de Enrique

E
s un miércoles por la mañana y el maestro Carlos Serrano
está preocupado. Bueno, no preocupado, pero en su cabeza Patrón de Rueda y en el Instituto Sinaloense de Cultura me
sólo hay una cosa: un piano. “Es un piano Yamaha, grandote propusieron justamente lo que yo estaba tratando de hacer. Dije
y bellísimo”, me dice con su voz dulce y pausada al otro lado del que sí, hablé con mi esposa y ella —María Luisa Tamez— también
teléfono desde su casa en Sinaloa. dijo que era algo que tenía que hacer. Con el tiempo hemos visto
los frutos. Ya llevamos seis generaciones y más de 100 alumnos.
El maestro rescató el piano en medio de una construcción. Estaba
lleno de polvo, dice con cierta tristeza, y él lo salvó, pero ahora El taller impulsa el talento de cantantes del norte de México, pero
está a punto de volverlo a perder. “Vienen en unos 15 minutos por ¿también reciben cantantes otras partes?
él y estoy muy concentrado en eso. Hay que quitarle las patas y Mi propósito es que el taller cubra todo el país. Los estudiantes son
bueno, ya sabes tú todo lo que implica mover un piano. Ay, cómo de diferentes estados. Todos los años hacemos convocatoria y el
me va a hacer falta.” único requisito es que los estudiantes tienen que audicionar. Fuera
de ahí, sólo tenemos algunas reglas de aceptación; por ejemplo, el
Gracias a ese piano, me dice, empezó a dar clases en Sinaloa. grado de desarrollo de su voz y su musicalidad.
Gracias a él podía asesorar a sus estudiantes en clase sin tener que
cancelar ninguna lección. Y ahora el piano se va. ¿La formación contempla solistas y ensambles?

30 pro ópera
 Repertorio del Taller de Ópera de Sinaloa
Desde su creación hace seis años, se han presentado las siguientes óperas:
• Bastien und Bastienne,
de Wolfgang A. Mozart
• Carmen,
de Georges Bizet
• Die Zauberflöte,
de Wolfgang A. Mozart
• El gato con botas,
de Xavier Montsalvatge
• Falstaff, de Giuseppe Verdi
• Gianni Schicchi,
de Giacomo Puccini
• L’elisir d’amore,
de Gaetano Donizetti
• La serva padrona,
de Giovanni Battista Pergolesi
• La traviata, de Giuseppe Verdi Alumnos de la primera generación del TOS

No, todos son solistas. Eso ha sido un tema. Sí cooperamos me decía que no entendía por qué los cantantes se quejan tanto.
porque hay que tener buena relación, pero todos son solistas. Cada Ahora trabaja en películas y Broadway. Entonces, ¿quién decide
miércoles hacemos conciertos y me encanta ver a toda la gente que cuándo es el momento ideal para empezar a cantar?
asiste todas las semanas.
¿Cuál suele ser la edad de los estudiantes del taller?
¿Los conciertos son abiertos al público? Los alumnos pueden entrar al taller de cualquier edad. Vienen,
Sí, y son gratis. Pueden venir niños también. A veces llegan en audicionan y con base en eso escogemos. Como te decía, no tiene
autobuses y vienen estudiantes. A veces se acercan los niños a los que ver con política, con la ciudad a la que pertenecen ni con nada
maestros y empiezan a decirles que quieren ser cantantes. más.

¿Cuánto tiempo pasa entre el ingreso de un nuevo estudiante Una vez que salen de la escuela y terminan su formación, ¿cuál es
hasta su primera presentación en público? el reto para posicionarse en el medio?
Diez días. Entran y en el siguiente concierto ya participan. Y hay En realidad nunca terminas tu formación. Eso no es posible. Mi
otra cosa: en Culiacán montamos algo en español y en italiano. esposa toma clases. Yo tomo clases y para el próximo Rigoletto
Pronto haremos un proyecto similar. Cantarán en italiano y los que haré tendré que ir a Filadelfia para ver a mi coach. La carrera
diálogos serán en español. de un cantante es como la de un abogado o como un médico:
nunca paras de estudiar. Entonces, aceptamos a los estudiantes de
¿Qué me puedes contar sobre los maestros? cualquier edad. Sin embargo, no me gusta que se queden más de
El taller tiene cuatro miembros. El tenor David Rodríguez es dos años, porque ¿de qué sirve tener un título? Eso no quiere decir
maestro de técnica vocal, la directora de escena es Marcela Beltrán, nada. Siempre hay que seguir practicando.
los coaches y pianistas actuales son Zlativa Valkova y Aldo
Tercero, la coordinadora es la soprano Liliana Salazar y yo, que soy Por supuesto, en realidad me refería al reto de empezar a trabajar
director artístico. Todos cooperamos y para todo nos ponemos de cuando se es muy joven y ya hay toda una industria con otros
acuerdo. Por ejemplo, este lunes pasado tuvimos reunión y había cantantes muy bien posicionados.
algunos estudiantes pero los demás estaban de viaje. Tratamos de La clave es que uno nunca debe pensar que es joven. Yo empecé
impulsarlos. Si están con nosotros, pero nos dicen que les ofrecen a trabajar en mis primeros papeles en mis veintes. Recuerdo que
un papel en otra parte, los apoyamos si sus presentaciones no cuando canté Carmen fue una noche muy romántica: había nieve y
interfieren con las producciones nuestras. no había huellas sobre ella. Cuando terminé, me senté en un banco
y pensé: no puedo creer que acabo de cantar Carmen. Entonces se
Pero entonces los estudiantes que ingresan al taller ¿ya tienen me acercó un coach que siempre me decía que me pusiera las pilas,
cierta formación? como dicen ustedes, y me dijo: “You are ready”. Fue una cosa
A veces, pero, por ejemplo, el otro día el director de orquesta como de película.
me dijo que tenía que escuchar a un bajo que sólo tenía 17 años.
Eso era curioso porque un bajo debe tener al menos 20, por el ¿Cómo concilias tu trabajo como cantante con el que tienes en el
cambio de voz. Tomó clases y luego decidimos que no era bajo taller, en la formación de jóvenes?
sino barítono. Pero más allá de eso, lo ves en el escenario y es Yo empecé a enseñar hace unos 15 años, pero nunca he dejado de
impresionante. Va más rápido de lo que yo he visto a cualquiera. cantar. Es algo que tengo que hacer. Practico todos los días. Por
Entonces, todo depende. Una vez conocí a un bajo de 58 años ejemplo, hace poco me ofrecieron un papel que ya conozco y que
y tras sólo año y medio de estudiar lo contrataron para hacer ya hice pero que tengo que volver a estudiar. Si no ocupo mi día en
producciones. Dejó el trabajo que tenía para dedicarse a cantar y todo eso, no puedo dormir bien. o

pro ópera 31
MEXICANOS EN EL MUNDO

Diego Silva enseña la voz

en el Met

Vittorio Grigolo (Roméo), Elliot Madore (Mercutio) y Diego Silva (Tybalt) en su debut en el Met
Foto: Ken Howard

por José Noé Mercado

l cambio de año de 2016 a 2017 no pudo ser mejor para el como artista al no tener ya nada fijo; no tienes nada y estás de free-

E tenor Diego Silva. El 31 de diciembre pasado fue la fecha

de su debut en el Metropolitan Opera House de Nueva
York, en una nueva producción de Roméo et Juliette de
Charles Gounod, en la que el cantante mexicano interpretó el rol de
Tybalt, con el tenor Vittorio Grigolo y la soprano Diana Damrau en
lance. Esa ha sido una etapa interesante porque dejé de tener lo que
tenía antes, como eran las clases o los coachings diarios. Al dejar la
escuela tú tienes que manejar tus tiempos, tus métodos de estudio y
también pagar por todas tus clases, los coachings que tomas y eso
ya realmente es otra cosa”, asegura el tenor.
los papeles protagónicos.
Pero Silva no ve esa etapa con malos ojos. Por el contrario: “Es
Ese debut que llena de satisfacción y orgullo a Silva es sorpresivo, muy padre porque ya se me han abierto muchas puertas desde hace
pero no inesperado. Llega diez años después de que se impusiera un par de años. Cambié de agencia a una que es considerada, por
en el Concurso Nacional de Canto Carlo Morelli con el primer mucho, la mejor para cantantes de ópera y para instrumentistas
lugar, el Premio Instrumenta y el Premio del Público Pro Ópera clásicos del mundo. Se han abierto puertas, pero claro que nunca se
en 2007, a lo que siguieron sus estudios en el Curtis Institute of termina de trabajar. Es una etapa también de espera, de paciencia
Music y el Vocal of Academy of Arts (AVA) de Filadelfia, su debut para que se den algunas oportunidades, para tomarlas si decides
en México como Rodolfo en La bohème en Mérida y su debut en que es el momento correcto o si no lo es. Ha sido bonito, aunque
el Palacio de Bellas Artes como Tamino en Die Zauberflöte en también difícil al estar tanto tiempo alejado de la familia”, confiesa
2014 y, desde luego, participaciones como tenor belcantista y lírico el cantante.
en numerosos teatros de menor envergadura, principalmente en
Canadá, Estados Unidos y algunos países de Europa y Asia. Diego, en México obtuviste cierto reconocimiento al ganar el
Carlo Morelli y entonces partiste hacia Filadelfia. ¿Qué fue lo
Recientemente ha cantado el Duque de Rigoletto en Lucerna y que te aportaron Curtis y el AVA en tu proceso de formación
Alfredo de La traviata en Lucerna, Biel y Des Moines; Faust en profesional?
Macao; Leicester de Maria Stuarda en Edmonton; y Percy en Anna Pues realmente cuando salí de México cantaba con el corazón;
Bolena en concierto en Moscú, entre otros. cantaba sin ningún filtro técnico, por así decirlo, y es lo que les
impresiona a los extranjeros de nosotros los mexicanos. O sea,
“En 2014, en mayo, terminé mis estudios en Filadelfia”, relata nosotros cantamos y lo damos todo sin realmente tener mucha
Diego Silva en entrevista exclusiva para los lectores de Pro Ópera. técnica vocal, y algo que me dio estudiar en Estados Unidos fue
“Luego, después de eso, vino un shock inmediato que se tiene que lo que yo estaba haciendo, mi técnica vocal, incluso mi técnica

32 pro ópera
emocional, me lo pusieron en cero. Entonces aprendí nuevamente
a cantar. Es un proceso que no considero que haya terminado, pero
en esos años sí me ayudaron mucho en el sentido también de lo que
la música te exige. Aprendí mucho de eso y de estar preparado para
cualquier situación en un trabajo internacional.

¿Cómo se ha ido encaminando tu voz? Entiendo que el

repertorio que te conviene es el repertorio lírico que es
básicamente el que has abordado...
Básicamente lo que he estado intentando hacer es, sí, cantar
repertorio de tenor lírico, pero también he estado tratando de volver
al bel canto cuantas veces pueda. O sea, volver a lo que es Bellini,
por ejemplo, o Donizetti. Hace poco canté Leicester en Maria
Stuarda en Canadá. O Alfredo en La traviata, un rol que muchos
consideran para un tenor lírico joven, ¿no? Pero yo lo considero
un rol bastante pesado, y muy difícil de cantar porque te exige
mucha intensidad en el registro grave; y bueno, el rol no es muy
agudo que digamos: lo que está escrito en la cabaletta es un Si
bemol. Pero precisamente por eso, después de cantar Verdi se me
hace muy importante volver otra vez a cantar Donizetti. Mantener
esa agilidad hacia los agudos, la línea vocal. He tratado de ser
cuidadoso en lo que he estado cantando y también, como te decía,
es cuestión de las oportunidades que se van dando, y decidir sí o
no; si estoy listo o no estoy listo.

Hace un par de años canté Faust en Macao, y pues también es un

rol que te exige muchos graves, pero también muchos agudos y te
pide mucha energía. Entonces, estoy en un proceso de aplicar todo
lo que he aprendido, de ir sacando herramientas: todo para ser un
mejor cantante, un mejor artista.

Ahora que mencionas el Faust que cantaste en Macao, había

leído que ibas a debutar en París cantando ese rol. De hecho, vi “Tybalt fue un papel perfecto para hacer mi debut en el Met
una entrevista publicada al respecto. Pero no lo hiciste. ¿Hubo porque no lleva el peso de toda la ópera”
algo de confusión, entonces, o qué sucedió en ese tema? Foto: Ana Lourdes Herrera
Bueno, la información que se dio en los periódicos fue falsa. Yo
lo que fui a hacer en la Ópera de París fue cubrir el rol de Faust;
fui como cover por seis funciones. Fue una experiencia muy padre Es una señal de que estoy haciendo lo correcto. Una señal de
porque el tenor Piotr Beczala llegó muy poco antes de que fuera que todo mi trabajo y perseverancia en lo que es mi voz como
la premier, y entonces a mí me tocaron todos los ensayos con la instrumento y mi persona como artista, mi cuerpo como una
orquesta, los ensayos escénicos e incluso el ensayo general. Dirigió herramienta, como actor, me dicen que estoy haciendo las cosas
Michel Plasson que, como sabes, es uno de los concertadores más bien, que siga adelante, que siga trabajando.
importantes del repertorio francés.
Creo que nunca se llega a la meta. O sea, al llegar a un teatro
Así llegas a esta experiencia de debutar en el Met de Nueva York, como el Met pues sí me da mucha emoción y es algo que se dio
en el rol de Tybalt. ¿Puedes hablarme de ello? muy bien, y espero que vaya a haber muchas más oportunidades
Pues, bueno, estudié en Filadelfia, que está muy cerca de Nueva después de ésta. Pero no me hace sentir que ya llegué, no me hace
York y de todos los coaches del Met. Cuando hice Operalia en sentir que estoy en el Met porque soy el mejor del mundo. No,
Verona (donde fui finalista, en 2013), me escuchó el administrador al contrario; me hace sentir que estoy ahí porque trabajo fuerte,
artístico del Met, Jonathan Friend, y desde entonces empezó el trabajo duro y estoy haciendo las cosas correctamente y tengo que
interés. Después de eso, él fue juez en un concurso en donde gané seguir por ese camino de tratar de encontrar de alguna forma la
el primer lugar, que se llama Giargiari Competition, también en perfección vocal, ¿no? Eso sería mi objetivo final.
2013. Entonces comenzamos a hablar, él comenzó a guiarme, a
decirme las cosas que sentía. Él fue a veme en Manon y en mi Y en todo este tiempo, Diego, ¿cuál ha sido tu relación con
debut en Faust también. Así empezó el interés y me invitaron a México? Has venido una que otra vez, según recuerdo. Pero
audicionar al Met. Después de hacer audición dos veces, me dieron nada más…
la oportunidad de participar en este nuevo proyecto, en esta nueva Sí, me gustaría cantar más en mi país. Espero que se den las
producción de Romeo y Julieta. oportunidades. Ahora canto mucho en el extranjero y muy poco en
México.
¿Qué puedes decirme de ese Tybalt y sus retos escénico-vocales?
Algo que me gusta mucho es que, siendo una casa de ópera tan Después del Met tengo algunos conciertos en Los Ángeles,
importante como el Met, el nivel de estrés en un teatro así es muy después otro en el sur de Francia. En abril y junio haré Alfredo
grande. Entonces, a mí me pareció un papel perfecto para hacer mi en La traviata con la Ópera de Lucerna, Suiza, y en agosto tengo
debut ahí porque no llevo el peso de toda la ópera, y sin embargo es una función en Melbourne, Australia, como Nicias en Thaïs.
un rol que me permite también cantar; o sea, es un rol que no es tan Básicamente es lo que tengo en puerta.
pequeñito en el que nada más cantas una línea y ya, ¿no? Es un rol
que realmente enseña tu voz. ¿Dónde estás radicando?
Vengo a México cuando tengo vacaciones, una o dos semanas, así
En ese sentido, ¿qué significa para ti llegar a un teatro tan que se puede decir que radico en México porque siempre termino
importante y de la relevancia del Met? regresando. Pero en sí, más bien estoy viviendo en la maleta. o

pro ópera 33
MEXICO EN EL MUNDO
por José Noé Mercado

E l tenor Javier Camarena se despidió del

papel del Conde Almaviva de Il barbiere di
Siviglia de Gioachini Rossini, los pasados 9, 13
y 18 de enero en el Metropolitan Opera House
de Nueva York. Camarena dejó así uno de sus
roles emblemáticos, que interpretara con éxito
en lugares como Londres, San Francisco, Zúrich
E l tenor Arturo Chacón debutó en el Teatro Liceo de
Barcelona el pasado 17 de enero con el rol protagónico
de la ópera Werther de Jules Massenet, al sustituir por
y desde luego México, entre otros lares, en lo enfermedad al tenor Josep Bros. En la función del 19 de
que se perfila como el inicio de una transición enero, Chacón nuevamente entró al quite, al tiempo que
vocal paulatina del tenor hacia roles más líricos, deseó en sus redes sociales pronta mejoría para su colega.
como el ya debutado Arturo de I puritani de El tenor tiene entre su agenda para 2017 actuaciones
Vincenzo Bellini, o el del Duque de Mantua como Rodolfo en La bohème en San Francisco; Alfredo en
de Rigoletto de Giuseppe Verdi, que debutará La traviata en Roma y Valencia; y el Duque de Mantua en
próximamente en el Liceo de Barcelona. Rigoletto.

E l barítono Alfredo
Daza debutó el
rol de Stankar en
la ópera Stiffelio de
Giuseppe Verdi, en una
presentación celebrada
en la Konzerthaus de
Berlín el 1 de febrero,
en la que el papel de
Foto: Jonathan Muró

Lina estuvo a cargo de

la soprano mexicana
María Katzarava.
Entre la agenda de
Daza a cumplir en los
próximos meses con la
Staasoper de Berlín se encuentra el papel de Marcello en La bohème;
de Sharpless en Madama Butterfly; Der Einäugige en Die Frau ohne
Schatten de Richard Straus; Germont en La traviata y el papel del
L a soprano María Katzarava
tiene contemplado en su agenda
2017, además de su debut como
Marqués de Posa en Don Carlo. En el St. Galler Festpiele, Daza Lina en Stiffelio de Verdi en Berlín,
debutará el rol de Hermann en la ópera Loreley de Alfredo Catalani, presentaciones en Tosca en abril, con
entre junio y julio; y en la Ópera de Los Ángeles debutará un nuevo la Ópera de Tours, Francia; y Rosalinde
rol: el de Zurga en Les pêcheurs de perles de Bizet, entre septiembre en Die Fledermaus en diciembre, en la
y octubre. Fondazione Petruzelli, en Bari, Italia.

34 pro ópera
E l tenor Diego Silva
debutó con el
Metropolitan Opera de
Nueva York en el papel

Foto: Ana Lourdes Herrera

de Tybalt, el pasado
31 de diciembre de
2016, en una nueva
producción de Roméo
et Juliette de Charles
Gounod, que llevó al
tenor Vittorio Grigolo
y a la soprano Diana
Damrau en la pareja protagónica. Además de la
función de estreno, Silva se presentó en las funciones
celebradas los días 4, 7, 10, 14, 17, 21, 25 y 28 de
enero, de la misma forma en que lo hará 3, 8, 11, 15
y 18 de marzo. La agenda del tenor para este 2017
incluye su participación en el rol de Alfredo en La
traviata, en una producción del Teatro de Lucerna,
Suiza, los próximos 2, 9 y 29 de abril, además del 1, 3,
7 y 10 de mayo. El 26 de agosto, Diego se presentará
en el papel de Nicias, en la ópera Thaïs de Jules
Massenet, con la Orquesta Sinfónica de Melbourne,
en Australia.

R olando Villazón inició 2017 en su faceta de

director escénico, al montar La rondine de
Puccini, en una producción que se presentó los días
12, 15, 18 y 25 de enero, así como 2, 5 y 10 de
febrero y 5, 11, 18 y 24 de marzo, en la Graz Oper,
en Austria. El 1 de febrero, Villazón se presentó en
un concierto mozartiano, en Salzburgo, mientras
que los días 28 de febrero, 3, 6, 9 y 13 de marzo, el
tenor interpretó el rol de Ulisse en la ópera Il ritorno
d’Ulisse in patria de Claudio Monteverdi, en el Teatro
de Champs-Élysées en París. El 31 de marzo y el 2
de abril, Villazón interpretó el mismo rol, pero con la
Ópera de Dijon. Nuevamente como director, Villazón
se encargó de poner en escena Don Pasquale de
Donizetti, en una producción presentada por la
Düsseldorf Deutsche Opera am Rhein, en Alemania,
los días 29 de abril, 3, 6, 10, 13, 19, 21, 26 y 28
de mayo, así como el 3 de junio. El 7 de mayo,
Villazón participará en la 50 Gala de Aniversario del
Metropolitan de Nueva York.

pro ópera 35
PORTADA
“Lo que debes hacer
como cantante
es conmover
a los que
te escuchan”

Foto: Igor Saharov

Ferruccio Furlanetto
“Don Carlo cambió mi vida”
por Ingrid Haas

A
sus 67 años, el bajo italiano Ferruccio Furlanetto ha Boito y Méphistophélès en Faust de Gounod, Leporello en Don
tenido una gran carrera internacional cantando en los Giovanni, Don Basilio en Il barbiere di Siviglia, Thomas Beckett
mejores teatros de ópera del mundo, dirigido por los en Assassinio nella cattedrale de Pizzetti y otros roles verdianos
mejores directores de orquesta de los últimos 40 años. para bajo, como Zaccaria en Nabucco, Don Ruy Gomez de Silva en
Posee una voz imponente con una técnica impecable, gran presencia Ernani, Jacopo Fiesco en Simon Boccanegra, Giovanni di Procida
escénica y honestidad artística al abordar sus papeles. en I vespri siciliani y el rol titular de Attila.

Furlanetto es un referente como bajo en el mundo de la ópera y uno Recientemente tuvimos la oportunidad de platicar con este egregio
de los mejores intérpretes del rol de Filippo II en Don Carlo de bajo italiano, en exclusiva para Pro Ópera, en uno de sus días de
Verdi y del rol titular de Boris Godunov, siendo el primer cantante descanso entre funciones de Simon Boccanegra en el Metropolitan
no ruso en cantar ese rol en el Teatro Bolshoi y el único italiano en Opera de Nueva York. Furlanetto es un hombre que impresiona tanto
hacerlo también en San Petersburgo en el Teatro Mariinsky. en escena como fuera de ella; platicando con su característica voz de
bajo, siempre fascinante al hablar de su trabajo, nos compartió varios
Cuenta con un repertorio muy variado que va desde óperas de puntos de vista, no sólo sobre su carrera, sino de su preocupación
Mozart, pasando por Rossini, Gounod, Massenet, Boito y Verdi por el estado de la ópera actualmente.
hasta llegar a Mussorgsky. Sus roles más destacados, además de los
mencionados, son el protagonista de Le nozze di Figaro, el papel ¿Cómo se siente cantando el papel de Fiesco en el Met con esta
principal de Don Quichotte, Mefistofele de la ópera homónima de producción y al lado de Plácido Domingo?

36 pro ópera
 Attila en San Francisco
Foto: Cory Weaver

Creo que uno de los problemas de la ópera actual es que falta la

figura de un director artístico verdadero y preparado en los teatros
de ópera. En Italia, cuando yo empecé mi carrera profesional, se
les pedía, por ley, a todos los directores artísticos de los teatros de
ópera que tuvieran conocimiento claro de ella, con fama reconocida
dentro del campo de la música. Debía ser un personaje que tuviese
experiencia en el campo de las artes, fuese ésta como cantante,
El cardenal Brogni en La Juive, con Neil Shicoff y Soile Isokoski escenógrafo, regista o director de orquesta.
Foto: Ken Howard
Esto ha desaparecido completamente; ahora han fusionado la figura
Llevo 42 años de carrera y es siempre un gusto trabajar con colegas del director artístico con el del intendente administrativo y lo han
como Plácido. Ambos somos muy profesionales y sumamente convertido en un director general. Es, generalmente, una persona
perfeccionistas. Me siento muy afortunado de participar en esta muy hábil para encontrar patrocinios pero que no tiene la capacidad
producción que, además, es muy hermosa. para tomar las decisiones artísticas de cada ópera, del repertorio,
etcétera. Esto fue el comienzo de los problemas que estamos
Es muy sabido que usted está totalmente en contra de las puestas teniendo actualmente en la ópera, porque estos intendentes han
en escena modernas o vanguardistas. ¿Qué opinión tiene de decidido escoger a cineastas, por ejemplo, para que dirijan ópera. El
este fenómeno que ya lleva más de 10 años en los escenarios cine es un arte respetable, pero es un planeta completamente distinto
operísticos? a la ópera. Sólo hubo dos grandes directores de cine que pudieron
La mayoría de las puestas en escena horrendas y sin sentido vienen hacer ópera de manera fantástica: Luchino Visconti y Franco
de la escuela alemana. Para mí, ese llamado Regietheater es un Zeffirelli. Los demás han probado pero no lo han logrado.
pretexto para ocultar la ignorancia de los directores: hay quienes
no conocen la música, ni el texto de lo que se canta, ni saben de las ¿Se debe tener una sensibilidad específica para dirigir una ópera?
necesidades vocales del cantante y no les importa la posición en que Deben tener cierta sensibilidad también pero no es lo único; se debe
un cantante debe proyectar su voz: te hacen cantar de espaldas al tener una cultura musical, de teatro, conocer historia del arte, saber
público o en poses que no favorecen la impostación. Están matando sobre la época en que se lleva a cabo la ópera que presentas y el
la ópera con esas ideas. entorno histórico en el que se creó. Por ejemplo: adoro hacer Filippo
II en Don Carlo. Es un rol con el que me divierto encontrando los
Los cantantes estamos, en ocasiones, a merced de directores de colores y las características específicas para darle a este personaje
escena inexpertos y eso sólo pasa en una profesión como la nuestra extraordinario la interpretación que se merece. El Don Carlo que he
actualmente. Hay muy pocos buenos registas que entiendan de hecho aquí en el Met y en Londres, dirigido por Nicholas Hytner, es
ópera. Sólo hay dos directores de escena alemanes que respeto bellísmo.
muchísimo hoy en día: Peter Stein y Willy Decker.
En Viena había una hermosa puesta en escena de esta ópera de Pier
El pretexto que ponen para estas puestas en escenas novedosas y Luigi Pizzi hace algunos años. Hicieron una nueva producción, a
“modernas” es que así acercarán a públicos jóvenes. ¿Lo ve usted cargo de Daniele Abbado, hijo de Claudio, con quien ya había hecho
así? yo un extraordinario Nabucco en Turín. Lamentablemente, su visión
La ópera se ha hecho siempre de una manera específica, con la de Don Carlo no me gustó nada. ¡Cómo pones a Filippo II (Felipe
escenografía y los vestuarios de época que pide el compositor y el II, rey español del siglo XVI) vestido de Napoleón Bonaparte! ¿Por
libretista en el texto escrito; la gente, a través de los siglos, se ha qué haces eso? ¿De qué sirve? No ayuda a explicar nada y sólo
acercado a la ópera desde siempre por las voces y por lo que éstas confunde al público.
aportan al fundirse con la música. Recordemos cuánta gente iba a
ver a Caruso para escucharlo cantar. No iban a ver a quien dirigía la El escenario eran unas puertas que se abrían y cerraban sin lógica, el
escena: iban a presenciar esa voz portentosa. vestuario era todo de la época napoleónica, en fin. Creo que la única
escena que se salvaba era la del dúo entre Filippo II y el Inquisidor.
Cuando yo empecé mi carrera había directores de escena Después de esta experiencia, he rechazado hacer una puesta de
maravillosos: Jean-Pierre Ponnelle, Giorgio Strehler, Franco este estilo en Múnich y otra en Suiza. No me gusta que ridiculicen
Zeffirelli, Piero Faggioni, una lista de gente genial y que nunca tuvo la figura de Filippo II. Este tipo de registas nuevos aparentan ser
la intención de volverse protagonista. Estaban al servicio de la obra transgresivos para así ocultar su ignorancia; ofenden lo que está
que dirigían. escrito, al compositor y al público que paga boletos carísimos. Y no

pro ópera 37
 Don Quichotte en San Diego
Foto: Ken Howard

¿Se considerá 100% tradicional?

No. Creo que, en producciones completamente tradicionales, como
las de los últimos años de Zeffirelli, no me siento tampoco del todo
satisfecho. Me encuentro muy bien en puestas en que la dirección
escénica está basada en los detalles, en la investigación, algo así
como me pasó al trabajar con Nicholas Hytner en el Don Carlo que le
mencioné. Los vestuarios son como deben de ser, la escenografía no
es ostentosa pero sirve a cada escena perfectamente; hay un trabajo
profundo en todos los sentidos y se construye perfectamente el
personaje con ayuda de la ambientación y de Hytner.

En 2004 hice en Roma una producción de Don Carlo que era una
reproducción fidedigna de la puesta que hizo Visconti en la que había
cantado la Callas. La escenografía eran puros telones que estaban tan
bien hechos que parecían paredes, rejas y edificios que, en realidad,
estaban solamente pintados sobre telas. ¡Impresionante! Me sentía en
un set cinematográfico de Cinecittà.

Participó en la producción de Luca Ronconi de Il viaggio a Reims de

Rossini. Una puesta “no tradicional”...
Claro, era todo menos tradicional, pero Ronconi era un genio. En
este caso creó una puesta increíble que ya es referente para todos.
Hice su producción de Don Giovanni en Salzburgo; era “moderno”,
extraño, fino, interesante. Lo único que no supo resolver bien fueron
las escenas después de la parte del cementerio. Todo lo anterior a esa
Boris Godunov en Palermo escena fue una maravilla. Ronconi era muy capaz, no digo que no.
Foto: Franco Lannino Pero todas las producciones que siguieron a la suya de Don Giovanni
en Salzburgo han dejado mucho que desear.
les importa que los abuchen porque ellos dicen que lo que importa es
que se hable de ellos, sea mal o bien. Otro de sus papeles más exitosos ha sido el de Don Quichotte de
Massenet. ¿Qué nos puede decir de esta ópera y lo que significa
¿Cree que hay una manera de combatir a estos directores que para usted?
destrozan las óperas con sus ideas ilógicas? ¡Adoro cantar Don Quichotte! Hace tres años hice una producción de
Lo importante para combatir a estos registas “vanguardistas” es que esta ópera en el Teatro Mariinsky; se grabó el CD y próximamente
se diga abiertamente que no gustan, que se sepa el descontento del saldrá en DVD y se podrá ver la puesta en escena. La dirección de
público. Nosotros los cantantes estamos en medio de esta locura. escena de esta producción fue de Yannis Kokkos; yo se lo recomendé
a Valery Gergiev porque había trabajado anteriormente con él en
Aclaro: no estoy en contra de versiones o visiones no tradicionales Milán en otra ópera que me fascina: Assassinio nella cattedrale
de las óperas. No quiero llamarles “modernas”; prefiero decirles (Asesinato en la catedral). Kokkos es tradicional y es, además de
“no tradicionales”. El mejor ejemplo de un director que supo hacer gran director de escena, muy buen escenógrafo (como Jean-Pierre
magníficas puestas no tradicionales de ópera fue Patrice Chéreau. Ponnelle). Lo contrataron de inmediato e hizo una puesta abstracta
Hice con él un Don Giovanni en Salzburgo que fue genial; respetaba pero mi Don Quijote estaba vestido de manera tradicional, como lo
la música y el texto sin ser tradicional en su concepto escénico. conocemos.
Respetaba mucho a los cantantes y ésa fue para mí la prueba de que
es posible hacer puestas no tradicionales sin faltarle el respeto a la Ha sido usted uno de los grandes intérpretes de Leporello y del rol
obra o a los cantantes. titular de Don Giovanni. ¿Cuántas veces ha cantado esta ópera?

38 pro ópera
 Silva en Ernani en el Met Fiesco en Simon Boccanegra, con Dmitri Hvorostovsky
Foto: Marty Sohl Foto: Marety Sohl

Han sido tantas que ya perdí la cuenta. Pero curiosamente sólo he que “naciera” el personaje dentro de mí. Trabajar con él fue estupendo.
cantado Leporello en dos producciones: en Salzburgo, dirigido por ¡Era un genio! Gracias a esas funciones seguí en el camino mozartiano
Von Karajan, y aquí en el Met en 1990, dirigido por James Levine en durante 25 años.
una producción de Zeffirelli. Canté ambas con Samuel Ramey y en la
puesta del Met nos intercambiábamos los roles en algunas funciones Con Jean-Pierre hice Sparafucile en la película de Rigoletto y
y yo hacía Giovanni y él Leporello. ¡Fue muy divertido! En la que se Guglielmo en la película de Così fan tutte. Éste último es un rol que
transmitió por televisión fui Leporello. sólo he cantado para ese filme y para un disco con Sir Colin Davis,
nunca en escena. Guglielmo me parece el personaje menos interesante
Después de 10 años de hacer yo de Don Giovanni, Von Karajan de Così; por eso decidí mejor hacer Don Alfonso: es un personaje
me pidió que hiciera Leporello y yo me sorprendí mucho de que mucho más atractivo para mí. Posteriormente lo grabé con Levine
me seleccionara para cantarlo. Pero si él te proponía hacer un y con un elenco idóneo: Te Kanawa, Murray, Blochwitz, Hampson,
determinado papel era por algo. El regista era Michael Hampe. Era MacLaughlin y yo. Recuerdo tanto esas grabaciones en la Musikverein
bueno, pero recuerdo que me sirvieron mucho mis años de Don Saal de Viena...
Giovanni para poder construir el personaje de Leporello. Así que
hice el Leporello que a mí me hubiese gustado tener cuando yo hacía ¿Qué otra producción de Jean-Pierre Ponnelle recuerda con cariño?
de Don Giovanni. Karajan me dio mucha libertad para hacer lo que La primera y única vez que he cantado Manon de Massenet fue su
quisiera con el personaje. producción en el Met de Nueva York. Recuerdo con muchísimo cariño
sus producciones de Il barbiere di Siviglia y L’italiana in Algeri que
Después de que Karajan murió, volví a cantar el rol de Don Giovanni hice en Viena y en el Met también. Su versión de L’italiana es la mejor
dirigido por Riccardo Muti, pero fue gracias a ese Leporello en que ha habido: divertida, hilarante, inteligente, maravillosa, perfecta.
Salzburgo que se me abrieron muchas puertas en otros teatros. He Nadie podrá hacerla tan perfecta como él.
cantado esa ópera con Ponnelle, Strehler y Zeffirelli, pero el de la
producción de Chéreau es el que más me ha gustado. En todos los Ponnelle fue quien me hizo entender que podía ser un cantante
demás había una u otra cosa que no me satisfacía del todo. actor y me guió tanto para llegar a serlo, a profundizar más en mi
interpretación del personaje, que me ha dejado una preparación muy
Otro rol mozartiano que hizo mucho durante varios años fue el sólida. Fui de los afortunados a los que les tocó trabajar con él muchas
protagonista de Le nozze di Figaro... veces. Tuve la fortuna de colaborar cuatro años con Von Karajan,
La primera vez que lo canté fue en París en 1984 en el Théâtre de con Giulini hice un increíble Requiem de Verdi, y colaboré con Solti,
Champs- Élysées, dirigido por Daniel Barenboim y con la puesta Bernstein… todos estos grandísimos directores. Presencié el inició
de Ponnelle. Fue parte del Festival Mozart que hacían en ese teatro. de la generación de directores que les siguieron, como Abbado, Muti,
Después canté en ese mismo lugar Don Giovanni y Don Alfonso de Barenboim: hice mi debut en la Scala cantando Banquo con Muti en la
Così fan tutte, pero Figaro es un rol que siempre he amado. producción de Macbeth de Giorgio Strehler. Otra puesta extraordinaria
que quedará en la memoria de todos los que la vieron.
Cuando me invitaron a hacerlo por primera vez, lo hice lo mejor que
pude porque uno no nace siendo Figaro. [Ríe.] Fui muy afortunado ¿Ha cantado con frecuencia a Banquo después de hacerlo en su
de que mi primer Fígaro fuese dirigido por Ponnelle; él me ayudó a debut en la Scala?

pro ópera 39
 mucho hacer la ópera en sí. Nosotros amamos nuestra profesión y
sufrimos si les hacen cosas así a las obras que cantamos.

Haber trabajado con Ponnelle, Strehler, Chéreau y todos aquellos

grandes directores te hace más crítico y ves cómo estas nuevas
generaciones de registas no están lo suficientemente preparados.
A algunos hasta ni les gusta la ópera. Encontrarme trabajando
con gente así en la madurez de mi carrera puede ser bastante
desmotivante, porque ya sabe uno lo magnífica que puede ser una
colaboración con un gran director de escena.

Pasemos a hablar de un magnífico rol que le ha dado mucho

éxito a nivel internacional en años recientes: Boris Godunov. ¿Qué
nos puede decir de su “viaje de introspección” en la mente y el
alma de Boris?
Lo que más tiene Boris es que su vida fue en realidad como una
novela. En realidad nunca se supo si él mató al zarevitch o no, pues
no hay pruebas. Me gusta pensar, a mí, que Boris fue víctima de
un complot maquinado por Shuiski y otros boyardos. Boris es un
personaje de una grandeza extraordinaria; es un padre afectuoso,
preocupado por el futuro de sus hijos. Teme por sus hijos dada la
Filippo II en Don Carlo en Covent Garden situación política rusa.
Foto: Catherine Ashmore
Tuve la fortuna de hacerlo por primera vez en Roma, dirigido
Sí. Años después canté Banquo en Viena en una puesta horrenda escénicamente por Faggioni. Esta misma producción la llevamos
de un director alemán donde todo se llevaba a cabo en un búnker al Mariinsky a finales de julio de este año con Gergiev. La “Escena
de cemento que, se supone, era de Saddam Hussein. Macbeth y yo de la Coronación”, como la escenifica Faggioni, es muy emotiva.
entrábamos vestidos de soldados de la operación “Tormenta del Trabaja mucho con los detalles. Recuerdo que, cuando hice mi
desierto” con todo y paracaídas. No había brujas; eran unos entes primer Boris con él, en la escena de la muerte de Boris estábamos
amorfos inexplicables… los dos tirados en el suelo creando el momento.

Pero mi peor pesadilla de puestas en escena horribles fue en París ¿Hizo la versión de Boris Godunov que incluye “el acto polaco”?
en 2009: el Macbeth dirigido por Dmitri Tcherniakov. Yo no sabía Sí, hicimos la versión de cuatro horas con la escena del bosque de
quién era ni tampoco conocía al director concertador, que era pésimo Kromy al final. Yo prefiero hacer la versión más corta y que no
también. Creo que ha sido una de las experiencias más horribles de incluye ese acto. Musicalmente es un acto bellísimo pero se detiene
toda mi carrera. Llegué débil a los ensayos después de 10 días de mucho la acción y distrae del conflicto verdadero que es el de Boris.
estar en cama y, después de ver lo que me esperaba de la puesta, No hay nada de melodrana, todo en esta trama se siente real.
estuve hasta con depresión. Cuando me presenté a los ensayos,
Tcherniakov me dio el DVD de su Eugene Onegin que hizo en París He cantado la versión de 1869, la versión original de Mussorgsky,
y me dijo: “Así me gusta trabajar. Ah, y por cierto... ¡no me gusta y cuando la canté en el Bolshoi hice la versión de Rimski-Kórsakov
Macbeth!” Yo me dije a mí mismo: ¿y qué carambas está haciendo (reorganizada y reorquestada, de 1896). Honestamente, encuentro
aquí entonces? más fascinante la primera versión de la partitura. Me hace falta el
monólogo de la estancia, que es muy bello para el intérprete; es una
Pero él no tiene la culpa, sino quienes lo contrataron. Tuvo sus cosa que hago por mi placer personal. Me da una gran satisfacción
momentos de genialidad durante la puesta, pero creo que quien me y la disfruto mucho. Cuando vives el sufrimiento de tu personaje, el
colmó la paciencia fue el director de orquesta. Ése sí hizo y deshizo público también lo siente y eso es lo que debes hacer como cantante:
la partitura sin que nadie le dijera nada. El coro estaba amplificado conmover a los que te escuchan.
en el primer concertante grande cuando descubren el cadáver de
Banquo. ¡Él lo pidió! El balance acústico se perdió. Desde entonces Cuando se preparaba para encarnar este personaje, hizo una
elaboré una lista negra de directores con los que nunca más quiero visita a Rusia para estar en los lugares donde Boris estuvo y
volver a colaborar. Hay muchos directores de orquesta de fama que empaparse de todo su mundo.
no les importa lo que pasa en el escenario; sólo ponen atención en Sí. Adentrarse en el mundo ruso, en el alma rusa, es una experiencia
que se luzca la orquesta. Si las cosas salen mal, no es su culpa, según única. Cuando estás en San Petersburgo, en Moscú, y conoces todo
ellos. lo que ese pueblo ha pasado durante su historia, tienen una cultura
fabulosa, una sensibilidad a flor de piel, y eso se refleja en su
A veces me pongo a pensar lo afortunados que fueron mis colegas música, en sus óperas, en sus canciones.
del pasado: Cesare Siepi, Nicolai Ghiaurov, Boris Christoff. Cuando
les ofrecían cantar Don Carlo era seguro que sería una puesta A principios de 1993 comencé a hacer recitales de repertorio con
tradicional y no tuvieron el riesgo de que un día tuviesen que cantar canciones rusas; en ese entonces me acompañó al piano Alexis
‘Ella giammai m’amó’ en calzoncillos. [Ríe.] Hoy en día tenemos Weissenberg. Hasta la fecha sigo haciendo estos recitales, y ahora
constantemente este miedo de que nos toque hacer cosas ridículas me acompaña un chico ucraniano. Canto canciones de Rachmaninov
o ilógicas. Por eso debemos de informarnos bien sobre quién es el en la primera parte; y en la segunda, canciones de Mussorgsky.
director de escena antes, y ver videos de sus trabajos anteriores para Termino con el ciclo “Canciones y danzas de la muerte”. ¡Es un
no caer en la trampa. repertorio que adoro cantar; extraordinario!

¿Cree que hay miedo de parte de varios cantantes de perder su El repertorio ruso para bajo es muy rico y fascinante...
trabajo si se niegan a participar en estas puestas en escena? Yo lo llamaría un universo aparte. Todos los grandes compositores
Bueno, generalmente los colegas que aceptan participar en ellas son rusos han escrito grandes roles para bajo en sus óperas y canciones
jóvenes. No tienen la posibilidad de decir “no”. Si alguna vez uno o hermosas para esta tesitura. Mi primera incursión en el repertorio
varios de los grandes cantantes aparecen en una producción de este ruso fue cuando canté en un concierto la tercera canción del demonio
tipo es porque ignoraban cómo sería la puesta o porque les interesa de la ópera homónima de Antón Rubinstein.

40 pro ópera
 3:00 PM aparece este hombre pequeño, con una cabeza enorme, su
rostro tan característico y me saluda en italiano. Me dijo que tenía
que ensayar con Ruggero Raimondi el Requiem de Verdi así que me
audicionaría al regreso de su ensayo.

Esperé horas y, por fin, a las 9:00 de la noche, me escuchó. Estaba

muy nervioso, no había comido y me audicionó en el escenario del
Grosses Festspielhaus. Me preguntó qué traía preparado y le dije que
el aria de Filippo II de Don Carlo. Se lo canté y al final me dijo que
mi voz le parecía muy interesante pero que la interpretación no era
la que él quería. Me preguntó si tenía una grabadora para escuchar
unos cassettes de su versión de Don Carlo. Me los dio y dijo:
“Escúchalos y nos vemos mañana al mediodia”.

Me fui caminando apresurado al hotel, escuché todo y me presenté

puntual al día siguiente en su estudio. Él me acompañó al piano y
me dio una lección de 45 minutos sobre cómo cantar ‘Ella giammai
El príncipe Gremin en Eugenio Oneguin en Covent Garden m’amo’. Al final de la sesión me llenó de halagos y me comentó
Foto: Bill Cooper que, aunque en los próximos tres años haría solamente repertorio
alemán, me recordaría para proyectos futuros.
Creo que para un verdadero bajo es un paso que debes dar, tarde
o temprano en tu carrera: tienes que cantar papeles rusos. Si eres Tres años después me llamó para hacer la Misa de Coronación de
un cantante-actor, estos roles te darán mucho; lo que te ofrece el Mozart en el Vaticano, luego me ofreció hacer Leporello y en 1986,
repertorio ruso es una fuente de placer musical ilimitado. mientras estaba cantando con él el Te Deum de Bruckner y la Misa
de Coronación de Mozart, me dijo Von Karajan que José Van Dam
Son papeles que, aun cantando sólo un aria en toda la ópera, (quien estaba programado para hacer Filippo II en Don Carlo) ya no
como pasa con el Príncipe Gremin en Eugenio Oneguin, se ganan podía cantarlo y que entrara yo en su lugar. No hice un solo ensayo y
al público. sabía que lo iban a filmar para televisión, así que había cámaras por
Exacto. Yo siempre he dicho que con esa aria haces que el teatro todos lados.
se emocione y que te den una gran ovación. Aunque es corta su
participación en la ópera, cuando me piden cantar a Gremin, siempre Un cuarto de hora antes de que empezara la primera función, Von
acepto. Lo he cantado en Salzburgo, en Viena, en Londres; es Karajan me llamó a su oficina y me dijo solamente: “No me voltees
fascinante porque es un personaje casi comprimario, pero canta su a ver tanto en las entradas porque hay cámaras de televisión y el
estupenda aria y muestra una humildad y una elegancia que se ganan aria... ¡pues cántala como la hiciste hace tres años!” Esa función
al público de inmediato. Además, a través de su aria nos explica qué está en DVD; el resto del elenco eran José Carreras, Fiamma Izzo
pasó en esos dos años que Onegin no supo nada de Tatiana. D’Amico, Agnes Baltsa y Piero Cappuccilli, dirigiendo Von Karajan,
por supuesto. Ese Don Carlo cambió mi vida por completo; me
Yo creo que, al final de cuentas, Tatiana sí se enamora de Gremin, de saqué la lotería con esa oportunidad. A partir de ahí vinieron todas
su nobleza, de la seguridad que le da, y del gran amor que le muestra las demás cosas maravillosas en mi carrera.
durante el aria porque eso es lo que es ese momento: una declaración
de Gremin acerca de cuánto ama a su esposa. Además, creo que Con una trayectoria llena de éxitos, ¿qué consejos podría darle a
Tatiana no es tonta y sabe que Onegin es un tipo un poco miserable. los jóvenes cantantes que inician su camino en la ópera?
[Ríe.] Viendo la situación de la ópera actualmente, no me gustaría ser
un cantante joven de hoy en día. Primero: porque ya no hay en
Acerca de sus roles verdianos, ¿cómo los considera dentro de su el mundo de la lírica personajes de la talla de Von Karajan, Solti,
repertorio? Porque ha cantado usted casi todos los papeles para Abbado y todos los que ya he mencionado. Segundo, por el
bajo de Verdi. problema de la falta de directores de escena buenos. Pienso que a los
Para mí, Verdi ha hecho papeles magníficos para barítono, pues ésa cantantes jóvenes de ahora no se les permite crecer como artistas de
era su tesitura consentida. Para el bajo ha hecho roles estupendos manera justa.
como Oberto, Zaccaria, Pagano, Banquo, Fiesco, Filippo II, Procida
o Attila; pero el resto son un poco híbridos. En su primer periodo Por otro lado, les aconsejaría que trabajaran mucho en su técnica
como compositor, Verdi escribió arias para bajo, pero las cabalettas y que fueran muy cuidadosos en su elección de repertorio. Hay
están escritas en tesitura más baritonal. Esto sucede hasta Attila. muchos casos de voces bellísimas que se arruinan haciendo de todo
Luego, en su madurez como compositor, nacieron personajes como y después de tres o cuatro años están acabados. Es muy cruel probar
Fiesco o Filippo II, que están escritos para un bajo puro. Si me tengo el éxito sólo unos años para luego no poder seguir cantando. Escasea
que quedar con uno de sus roles para bajo sería Filippo II, sin lugar gente que sepa guiarlos, representantes que los cuiden y no los
a dudas. exploten, que sepan de música y que hagan que su carrera dure.

Cuéntenos su historia con Filippo II. En eso yo tuve mucha suerte porque tuve, al principio de mi carrera,
Tengo 36 años de cantarlo; la primera vez fue en Kassel, Alemania, a Michel Glotz. Fue productor discográfico de Von Karajan por
donde el director artístico era Giancarlo del Monaco. Hizo una años; era un personaje extraordinario. Él me supo guiar muy bien
nueva producción de Don Carlo y conoce la ópera nota por nota; es para poder llegar a la madurez con mi voz en excelente forma. o
un gran profesional. Trabajé con él esa vez, cuando hice Fiesco en el
Madrid y cuando canté mi único Mefistofele de Boito; una puesta en
escena fantástica.
“Por el problema de la falta de directores
Del Monaco fue quien le habló a Jean-Pierre Ponnelle sobre mí
y gracias a él entramos en contacto. Lo recuerdo tanto que en de escena buenos, pienso que a los
1981, viajando rumbo a Kassel, tuve que desviarme un poco e ir a
Salzburgo para hacer mi audición con Von Karajan. Fue en agosto,
cantantes jóvenes de ahora no se les
como al mediodía. Vocalicé y pasé a las oficinas del maestro. A las permite crecer como artistas”

pro ópera 41
NOSTALGIA

Antonio Cotogni
Un vistazo al pasado
por Carlos Fuentes y Espinosa

A
lo largo de siglos y siglos, cada generación de seres humanos ha vivido, en su juventud, la
incomprensión y el escándalo de los predecesores por sus nuevas formas, y, en su etapa final,
la incomprensión y el desdén, cuando no el desconocimiento, de los noveles. Y cada una está
convencida de su supremacía, lo que impulsa sus realizaciones, idealmente.

Es un proceso inveterado y un comportamiento revelador de la psicología de nuestra especie, de la

sociedad en su conjunto, y es responsable de significativos cambios estilísticos, del nacimiento de períodos
artísticos, de interpretaciones, tratamientos y concepciones de realidades, en pocas palabras, del caminar
del Hombre a través de una renovación general.

Y precisamente, la falta de esta distancia generacional supondría un estancamiento fatal en el buscado

progreso. Las más altas manifestaciones humanas de la creación son especialmente afectadas —podría
decirse favorablemente— por estas revoluciones cíclicas que las encauzan y aprovechan en novedosas
posibilidades.

En un análisis de las condiciones actuales de nuestro mundo, ¿qué influjo ejerce el contraste con
normas pasadas?, ¿la llamada “brecha generacional” se manifiesta como siempre o realmente vivimos
una decadencia? Indudablemente, nuestro momento es único en muchos aspectos y nuestra manera de
enfrentarlo es igualmente única.

Sin embargo, puede afirmarse que cuando los ideales esenciales presentes en cada época dejan de ser el
Antonio “Toto” Cotogni (1813-1918) fundamento primordial del arte, cuando el desarrollo intelectual sufre un aletargamiento entorpecedor,
cuando los procesos intelectuales se encuentran en suspensión, cuando la aspiración —si acaso la hay— es
el amaestramiento anodino, ¿qué puede esperarse de la producción de las capacidades humanas?

Los sucesos de nuestro tiempo responden con contundencia la dolorosa pregunta, por más polémica que se
genere y con ella, se tenga la distracción del meollo del tema a atender: el empobrecimiento brutal general
en sensibilidades, en capacidades artesanales, en producción artística de las nuevas generaciones.

Tantos y tan poderosos factores provocan el statu quo actual en un opaco y agobiante maremágnum
(soslayemos el asunto político sistémico y veamos cuánto tiempo ha pululado el minimalismo) que se
diluyen ante nuestros ojos y devienen en más peligrosos, por tanto.

La provocada evanescencia de la creatividad, de la mesura y hasta del “buen gusto” con su inherente
condición relativísima son consecuencias inmediatas que golpean la actividad humana inclementemente.

En el sublime arte del canto, como en el resto de las prácticas de las musas, es vital la amplitud de miras,
el conocimiento. Los públicos y los artistas jóvenes que provienen de nuevas sociedades, paradójicamente,
tienen a la mano el legado de la producción de épocas enteras, por un lado, y el espasmo de la ignorancia
insospechada, lo que el gran Ovidio declarara ya con su Ignoti nulla cupido (lo desconocido no se desea),
por otro.

El interés en difundir entre “la nueva ola” los logros y los errores del pasado se presenta, pues,
vehementemente imprescindible, en particular en cuanto a cantantes, voces y cantos se trate, así sea para
espabilar o para ocasionar una reacción, que mucho mejorará el entumecimiento actual. ¡Qué vivencia
simpática es la de contemplar la reacción de un joven que presencia el sonido vocal de una cantante en un
disco de acetato!

No digamos ya el desconcierto primario que se apodera de él cuando conoce un bajo o una soprano de
hace un siglo y sus cualidades vocales que los sorprende desprevenidos. Naturalmente, su respingo no
obedece exclusivamente al tipo desconocido de sonido que las grabaciones antiguas le causa, sino la
Cotogni por Bergamasco propia voz, ante la que no tiene juicio ni parámetro. “¡Qué vocerrón tiene, no suena humano!”

32 pro ópera
En cierta ocasión, un anciano director de orquesta que, como debutante
pianista, acompañó en un concierto al extraordinario tenor Beniamino
Gigli, en sus últimos años, me narró que en ese momento de su carrera
el cantante expresaba su convicción en haber podido estudiar más si
hubiese sido posible. Gigli, que era considerado el primer tenor de
su propia generación y uno de los más grandes de todos los tiempos,
alababa con humildad, principalmente, la guía recibida por su maestro,
el barítono romano Antonio “Toto” Cotogni (1831-1919), cuya
mención es hoy apenas una alusión bibliográfica para la mayoría, a
pesar de que en su tiempo fue catalogado como “el soberano de los
barítonos” y cuya herencia lo sobrevivió muchos años.

Cotogni, de origen humilde, mostró desde la temprana edad

capacidades sobresalientes en aprendizaje y habilidad. Visitando a un
primo en el Hospicio de San Michele, escuchó cantar el coro, lo que
le causó una impresión inmensa. Consiguió que lo aceptaran y recibió
clases del conocido maestro Scardovelli. Su voz blanca de soprano se
robusteció y se volvió de contralto, hasta la muda. Este hospicio sería
un bastión republicano en la lucha italiana, con Giuseppe Garibaldi y
otros, y Cotogni se enlistó en sus fuerzas, aunque después relataría con
especial contundencia que “jamás asesinó a alguien”.

Estudió teoría musical en Santa Maria Maggiore con el maestro

Fontemaggi y decidió tomar clases rigurosamente ya con Achille Faldi,
que, aspecto elocuente, era unas semanas menor que Cotogni, para
entonces barítono, donde día tras día avanzaría en la técnica vocal de
manera excepcional. El propio Faldi recordaría en su vejez a Cotogni
diciendo: “Qué voz, qué voz, aún la siento en el alma, agradable,
extensa, homogénea, cálida, que una vez que uno la escucha, no puede
olvidarla jamás”, elogiando su inteligencia notable y añadiendo la
anécdota de cuando su alumno, después de sus estudios, fresco, emitía
un La natural agudo como tal cosa, por lo que lo reconvendría.

Junto con el legendario castrado Domenico Mustafá, “Toto” cantó

cierto oratorio en el templo de Santa Maria in Vallicella y la respuesta
de la audiencia se desbordó inusitadamente. El empresario Gori,
presente, le ofreció su primer contrato, pero tímido por naturaleza, se
mostró reluctante ante la propuesta. Faldi y Mustafá lo convencieron
y así cantó el Belcore, de L’elisir d’amore de Donizetti. Fulguraba una
nueva estrella gigante en la bóveda celeste del canto.

Las ciudades italianas se disputaban sus actuaciones y los públicos lo

veneraban. Pronto el furor era general en toda Europa. Invitado regular
del Covent Garden de Londres de 1867 a 1889, en la Rusia imperial
cantó en 26 temporadas consecutivas. Giuseppe Verdi presenció una
función de Cotogni y lo hizo cantar el Marqués de Posa en el estreno
italiano de Don Carlo.

Críticos y prensa lo alaban. Lo que es más, los compositores lo

estimaban, y el maestro se consagró. Su presencia escénica encantaba,
pero sobre todo la pureza de su canto, su timbre poderoso, la
hermosura vocal y su enorme expresividad. Toscanini se admiraba
de la línea de canto del barítono, cuyos cambios de resonadores no
se vislumbraban siquiera. Su repertorio era un catálogo erudito de
obras de Cimarosa, Mozart, Mercadante, Pacini, Ricci, Meyerbeer,
Bizet, Ponchielli, Puccini, Masagni, y aun Wagner y Weber, entre
muchos más. Sumó cientos de interpretaciones del Figaro rossiniano
(cuya cavatina celebérrima concluye como la escribió el maestro o,
más tarde, con un arreglo que evita la disonancia tradicional) y en su
Otello, cantaba el Iago, originalmente para tenor.

Imaginemos un público predispuesto desfavorablemente ante un debut

de Cotogni por la simpatía al barítono desplazado. Después de un
recibimiento agresivo, “Toto” cantó y la turba enardecida lo vitoreó
más intensamente de lo que planeaba maltratarlo. Simplemente una
velada musical en una residencia privada promovía que a las puertas
se acumulara una muchedumbre tan copiosa que se bloqueaban calles
enteras. Colegas y directores se deshacían en loores y profesaban
amistad para el italiano.

pro ópera 33
 Casi medio siglo después de su comienzo como cantante, el sexagenario Cotogni, cubierto de gloria, se
retiró de los escenarios encarnando Don Pasquale, en lugar de su Malatesta acostumbrado, al lado de su
más joven y distinguido sucesor y alumno, Mattia Batistini.

Anton Rubinstein tuvo entonces la atinada idea de invitar al barítono al Conservatorio de San Petersburgo
a impartir clases, otorgando a Cotogni una nueva carrera, la de maestro de canto. Ya Battistini y Jean De
Reszke habían pedido asesoría vocal a Cotogni, que los había guiado a puertos felices, mas en cátedra de
canto “Toto” reveló ser un profundo expositor del más alto nivel. Cuando se mudó a Roma, fue maestro en
la tan prestigiosa Accademia di Santa Cecilia.

Su larga vida alcanzó la era del registro gramofónico. En la primera década del siglo XX cantó a dúo
con el tenor Francesco Marconi ‘I mullatieri’ de Francesco Masini (un par de grabaciones atribuidas
no han podido verificarse). No obstante, la grabación no carece de un
toque de burla cruel para nosotros, pues en tanto que se advierten sus
grandes cualidades vocales, la escuela completa de su canto, la famosa
homogeneidad de su línea, unos agudos impresionantes y una messa di voce
increíble, se lo hace a través de la opacidad de rudimentarios procesos de
registro y es en el estado en que se encontraba la voz de un varón cercano
a los ochenta años de edad, además, casi siempre con la voz del tenor
sincrónica.

En todo caso, su legado se extendió a las nuevas semillas que dominarían

el panorama operístico en los años venideros de manera notable en lo
que se denominó “la era dorada”. Varios documentos recuerdan que
frecuentemente en una misma obra, el elenco lo conformaba en gran parte
los alumnos de “Toto”. Muchos de tales alumnos se encontraban en el
apogeo de sus carreras, de sus condiciones vocales, cuando emergió el
disco, de manera que podemos y debemos oírlos, conocerlos y aprender:

Entre los bajos, grabaron Umberto De Lelio (1890-1946); Virgilio Lazzaro

(1887-1953), cuya carrera abarcó más de 40 años; Vladimir Kastorsky
(1870-1948); Giuseppe Quinzi Tapergi (1881-1931); y el bajo-barítono
Augusto Beuf (1887-1969), último alumno de don Antonio.
Alumnos de Cotogni (al centro) en Santa Cecilia. Arriba a la derecha,
Beniamino Gigli (ca. 1911)
Entre los barítonos podemos escuchar al imponente Carlo Galeffi (1884-
1961), celebrado como modelo verdiano, al gran Mariano Stabile, quien
casi septuagenario cuando cantó un maravilloso Prosdocimo en el rescate de Il turco in
Italia; Mario Basiola (1892-1965), uno de los más grandes de su generación; a Giuseppe De
Luca (1876-1950), contemporáneo y rival de Titta Ruffo y Riccardo Stracciari; a Dinh Gilly
(1877-1940), que fuera maestro después; Millo Pico, a quien México conoció como Figaro en
1912; a Ugo Donarelli (1890-¿1950?), de canto elegante; a Luigi Rossi Morelli (1887-1940),
especializado en personajes wagnerianos; a Nazzareno Bertinelli (1898-¿1960?), comparado
con Lawrence Tibbett; a Domenico Viglione Borghese (1877-1957), cuyas gesticulaciones
como malvado eran celebradas, pero eran disonantes con su canto elegante y dúctil; y Nicolai
Shevelev (1864-1929). Es más, se sabe que aun el primer barítono de la historia en su paso por
la academia, Titta Ruffo (1877-1953) tomó lecciones con Cotogni; y aparentemente sin grabar,
Aristide Franceschetti, ¡el maestro de la emérita contralto mexicana Francisca “Fanny” Anitúa!

La soprano italiana Carmen Melis (1885 -1968), quien pasó por nuestra patria y entre cuyas
pupilas estuvo Renata Tebaldi, también fue su alumna, al igual que los tenores Guido Ciccolini
(1883-1963), que atrajo la atención de Thomas Edison para sus registros y que se salvara
de abordar el trasatlántico Titanic; Aristodemo Giorgini (1879-1937), que hacía gala de
cantar “abierto” con frases largas sin respirar; Julián Biel Gómez (1869-1948), “el de la voz
apasionada”; Franco Tumminello (1880-¿1942?); Alfredo Cecchi (1875-¿?), y que fue a su vez
maestro también, por ejemplo, del barítono Alfredo Orda; Ellison Van Hoose (1868-1936);
incluso un caso de curioso interés, el de Enzo (Lorenzo) Fusco, cantor folclórico y guitarrista;
Giacomo Lauri Volpi (1892-1979), notabilísimo cantante que con ochenta años grabó discos,
impresionando a Plácido Domingo, y que junto con el repetidor musical, Luigi Rossi, escribió y
difundió el pensamiento en diversos documentos (arreglos y soluciones en las partituras, muchas
corregidas por los propios compositores) de su maestro.

Cotogni buscaba y desarrollaba un trabajo elaboradísimo en las voces, timbres inmensos,

siempre naturales, siempre elegantes, siempre expresivos, que resonaron en teatros enalteciendo
la música que creaban. “L’ignorantino”, como Verdi y el empresario Mariani llamaban a Cotogni
afectivamente, por su sencillez, frecuentemente ayudaba monetariamente a quien lo necesitaba.
Portada de Il Teatro Illustrato, de Edoardo De esa forma, vivía de su labor como maestro y con lo necesario. Cuando murió, en 1918, sus
Sonzogno, publicado de 1880 a 1892 alumnos y amigos debieron aportar el dinero para su lápida. o

34 pro ópera
RELATO

La mala Pascua
por Hugo Roca Joglar

Se cumplieron 71 años de la muerte de Pietro Mascagni. Este relato

ofrece un acercamiento a la vida de los personajes que protagonizan
su popular ópera Cavalleria rusticana.

N
ací y crecí en una aldea siciliana que vendiendo machos del pueblo de Sortino). Ella
abandoné cuando cumplí 13 años a era guapísima y vanidosa; en misa ponía los
causa de un asesinato. El domingo de dedos contra su vestido blanco a la altura del
Pascua de 1879, poco después del alba, Alfio vientre para que lucieran sus joyas. Turiddu aún
el carretero y Turiddu Macca, el hijo de Doña la amaba y por las noches, acodado en la barra
Lucía, se encontraron en las nopaleras con sus de la cantina, le cantaba a la distancia cuanta
respectivas comitivas. Pelearon a cuchilladas. “siciliana” sobre desamores se sabía. Y tenía
Turiddu le pinchó la ingle y abrió una herida sexo con cualquier mujer que se le cruzara por
en el brazo. Alfio, agachado a causa del dolor, la plaza. Así desahogaba su desdén y tristeza.
con el codo casi tocando el suelo, le aventó un Pero Lola era una caprichosa cachonda; al ya no
puñado de tierra a los ojos. Saltó sobre Turiddu sentirse deseada, lo quiso de vuelta: le abrió la
y le cortó la garganta. ventana de su cuarto para que entrara cuando su
esposo se iba.
Yo desobedecí a mamá (viuda) y me escapé de
madrugada para asistir a la pelea. Escondido En la ópera, Turiddu y la Lola existen a
en lo alto de una colina cercana, vi desde través de un canto que no tiene belleza, sino
que llegaron las bandas hasta que se llevaron atrevimiento y bravura; desde ese mundo
el cadáver cubierto por una manta blanca. sonoro de violencia vocal estremecieron mis
Dos semanas después, un policía de profuso nervios con el dolor y la angustia de su trágico
mostacho negro me interrogó con suaves romance. Lo único que no me gustó de la ópera
modales. Le sorprendió el detalle del puñado Turiddu y Santuzza fue el papel principal que se le da a Santuzza,
de tierra. En el pueblo había corrido el rumor la hija del rico Colás. Ella en la aldea era un ser
de que la batalla había sido honorable. soso y repulsivo. Mustia, fea, mocha e hipócrita.
Ojerosa y enlutada. Mientras con Lola en la cabeza los pubescentes
A mamá le preocupó que alguien se resintiera conmigo por haber nos masturbábamos, a Santuzza le aventábamos piedras.
manchado la reputación de Alfio y nos establecimos en una aldea a
las afueras de Venecia. Ahí viví cinco años y cuando cumplí 18 (en Una vez vi que le pegaba el culo a Turiddu en las fiestas de
1885) viajé a Milán para estudiar en la Escuela de Letras. Estaba Semana Santa y luego, según se chismorreó en el mercado,
de moda el verismo. Crudas historias rurales contadas por fríos le lloriqueó a la mamá de él, Doña Lucía, que su hijo le había
observadores ávidos de retratar a seres humanos en su desnudez quitado el honor. Después se presentó ante Alfio para amarrar
de pobreza y brutalidad. Me llevé la sorpresa de mi vida cuando los cuchillos: “¡Mientras estás fuera, tu mujer te adorna la casa!”
descubrí que ese policía en realidad había sido Giovanni Verga, un Todas estas cosas (mi infancia, el relato de Verga, la ópera de voces
escritor verista que en el primer relato (“Cavalleria rusticana”) de salvajes, los recuerdos de esta gente apasionada…) yo ya las había
su libro La vida de los campos (1880) narra ese asesinato en mi olvidado hasta que hace una semana recibí la carta de una mujer
pueblo siciliano. desconocida (dice haber sido amiga de mi difunta madre) que me
avisa de la muerte de Doña Lucía, la mamá de Turiddu.
Tiempo después, en 1890, Pietro Mascagni utilizó la historia para
escribir una ópera. Acudí a una de las presentaciones milanesas. Desde que recibí esta carta, en el corazón me han sucedido cosas
Mientras el relato me había producido la impresión de que leía extrañas. La imagen de Santuzza me atormenta. Cierro los ojos y la
algo ajeno, la música, en cambio, me regresó con violencia a mi veo avanzando de rodillas desde la iglesia hasta casa de Turiddu. Él
infancia, a un episodio en concreto: mi idolatría por Turiddu. Él sale, la pone de pie jalándole de los cabellos y grita: “Santa, Dios
era mi héroe. Usaba un gorro rojo de cazador con la borla colgando mío, ¡si no me dejas de molestar te voy a matar como la perra que
y encendía cerillos con la parte de atrás de sus pantalones. Yo eres!”
revoloteaba a su alrededor como una mosca. Le pedía más historias
de cuando fue soldado y que me diera a fumar de su pipa adornada Ahora voy en camino para asistir a los funerales de Doña Lucía.
con el grabado de un rey a caballo. Es la última tarde de 1899. Han pasado 20 años desde el asesinato.
Esa mañana, cuando se llevaron el cadáver de Turiddu, bajé desde
Turiddu había sido novio de Lola pero cuando regresó de la la colina y recogí su cuchillo ensangrentado del piso. Lo llevo en la
guerra la encontró casada con Alfio (quien había hecho fortuna bolsa izquierda de mi chamarra. o

pro ópera 45
DISCOS
Por Ingrid Haas
En la temporada 2017-2018 de la Ópera de París, Garanča
formará parte del elenco de Don Carlos, haciendo su tan
esperado debut en el papel de la Princesa Eboli. En este disco
nos da un avance de lo que será su interpretación con el aria
‘Nel giardin del bello’; Jennifer O’Loughlin la acompaña
cantando el rol de Tebaldo, armonizando con Garanča. El
tercer rol que viene en un futuro cercano es el de Dalila en
Samson et Dalila de Saint-Saëns. En esta grabación escogió
el aria ‘Samson, recherchant ma présence... Amour, viens
aider ma faiblesse’. Escuchamos en esta aria el sonoro registro
grave de Garanča y esa impecable y hermosa línea de canto
que siempre ha caracterizado su canto.

La única pieza en este disco que no es de ópera francesa o

italiana es el aria de Marina ‘Skučno Marine... Kak tomitel’no
i vyalo’ de Boris Godunov, un papel que creemos sentará de
maravilla a Garanča en escena, aunque es corto pero permite
el lucimiento de su voz, como lo constatamos escuchándola
cantar esta aria.

De Adriana Lecouvreur canta también ‘Ecco, respiro appena...

Io son l’umile ancella’, aria para la soprano que interpreta
a Adriana, pero que en este caso Garanča decidió grabar
por el gusto de cantarla. Dada la riqueza de su timbre y su
depurada técnica, no se le escucha forzada, ni la tesitura le
queda incómoda. La zona más aguda del aria luce igual que
cuando se encuentra en su registro central. El final del aria

Elīna Garanča
es de una brillantez impecable, terminando con un crescendo
impresionante.
Revive
Orquesta de la Comunitat Valenciana; Roberto Abbado Una de las escenas de gran dramatismo que interpreta es el
Deutsche Grammophone CD aria ‘Venge-moi d’une supréme offense!... Neme refuse pas’ de
Hérodiade en la ópera homónima de Massenet. El temperamento
Al empezar a escuchar el nuevo disco de la mezzosoprano letona intenso de Garanča se siente en la primera parte del aria y
Elīna Garanča uno nota de inmediato que aquella hermosa voz su manejo de los contrastes emocionales de Hérodiade están
lírica ha madurado y crecido de tal manera que ahora ya puede magistralmente reflejados en su manera de cantar el aria. Pasa
entrar a un repertorio más dramático. Así pues, a escasos meses de después a un aria más evocativa y llena de añoranza: ‘Connais-tu
haber debutado el rol de Santuzza en Cavalleria rusticana en París, le pays’ de Mignon de Ambroise Thomas. Imprime en su canto la
la oímos interpretar, con gran dramatismo, el aria ‘Voi lo sapete, o vulnerabilidad y ternura de Mignon, además de lograr un fraseo
mamma’. Sus notas graves son redondas; su registro central, rico y hermoso.
más oscuro; y sus agudos brillan. Esta evolución en su repertorio
la lleva a cantar de manera magnífica el aria ‘Acerba voluttà, dolce Otra aria de carácter más ligero es ‘Rataplan, rataplan’, cantada
tortura... O vagabonda stella d’Oriente’ de la Princesa de Bouillon por Preziosilla en La forza del destino. Hay que admirar aquí la
en Adriana Lecouvreur. No sólo escuchamos el desarrollo vocal dicción clara de Garanča y el carácter bélico con que interpreta este
de Garanča sino también una afinidad muy palpable con estas arias canto de guerra. Sigue la preciosa aria de Laura de La gioconda
de mujeres fuertes con gran intensidad dramática. Atrás quedaron ‘Ho il cuor gonfio di lagrime... Stella del marinar!’ Aquí, de nuevo,
los años de cantar Cherubino, Sesto, Octavian o Dorabella; escuchamos la riqueza del amplio registro que tiene la cantante.
ahora viene la etapa de los personajes femeninos con una gran
complejidad de emociones. El rol de Charlotte en Werther ha dado a Garanča mucho éxito
alrededor del mundo y aquí escuchamos por qué. Su aria ‘Va!
Varios de los roles que canta en este disco están ya o estarán en Laisse couler mes larmes’ muestra el completo entendimiento que
su repertorio futuro. Además de Santuzza, Garanča ya anunció la mezzosoprano letona tiene del personaje. Dos arias de óperas
que incorporará los papeles de Dido en Les troyens y la Princesa poco conocidas cierran el recital: el aria de Musette ‘E destin,
Eboli en Don Carlo. De la primera ópera escuchamos su emotiva debbo andarmene... Marcello mio’ de La bohème de Leoncavallo
interpretación del aria ‘Ah! Je vais mourir... Adieu, fière cité’, el y el aria de Anne ‘Reine! je serai reine’ de Henry VIII de Saint-
adiós de Dido a su pueblo. Su manejo del francés es muy claro y Saëns; ambas de carácter reflexivo, exigiendo de la intérprete un
hay una introspección muy palpable de Garanča con las palabras cuidadoso manejo del texto y de las emociones que se expresan en
que canta. Toda la nobleza y desesperación de la Reina de Cartago ellas. La musicalidad de Garanča y su manejo tan puro de la línea
se transparentan en la voz de la mezzo letona. de canto hacen resaltar la belleza de estas dos piezas.

46 pro
46 ópera
pro ópera
Mención especial merece la gran labor del director
Roberto Abbado al frente de la Orquestra de la Comunitat
Valenciana, acompañando a Garanča con elegancia,
conocimiento del estilo de cada aria y fraseando con la
cantante, realzando la intensidad dramática o carácter
evocativo de las arias. Maravillosa introducción para lo
que nos depara el nuevo repertorio de una de las voces de
mezzosoprano más importantes de nuestros días.

Anna Netrebko
Verismo
Anna Netrebko (soprano), Yusif Eyvasov (tenor)
Orchestra Dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia:
Antonio Pappano
Deutsche Grammophone CD

La voz de Anna Netrebko siempre ha destacado por ser

única: su color oscuro, su emisión cubierta, sobreagudos
seguros y gran volumen son algunas de las características
que la podrían describir mejor. Comenzó cantando
repertorio mozartiano y bel canto, donde había veces
que su voz no se sentía del todo cómoda o que tenía que
adelgazar su timbre para lograr cumplir con las exigencias
de las partituras. Es ahora, cuando ha decidido dar el paso hacia fuerte. Eyvazov cumple bien con los sobreagudos que tiene que
un repertorio más pesado y adecuado para su voz, donde el dar en la parte de Calaf. Ha mejorado en emisión de voz.
instrumento de la Netrebko se encuentra como pez en el agua.
El papel de Nedda es otro que le quedará muy bien a Netrebko, si
Es por ello que decide grabar este nuevo álbum donde nos decide incluirlo en su repertorio en un futuro. Canta bellamente el
da una muestra de lo bien que le queda el repertorio verista, aria ‘Qual fiamma... Stridono lassù’, trinando de manera hermosa,
interpretando arias de óperas de Cilea, Giordano, Puccini, Catalani, con buenos agudos y sobreagudos. En ‘Ebben? Ne andrò lontana’
Boito, Leoncavallo y Ponchielli. Escuchar a Netrebko abrir este de La Wally de Catalani, Netrebko imprime gran emotividad al
recital con ‘Io son l’umile ancella’ nos prepara para lo que será, aria y controla perfectamente su línea de canto. Grande también
próximamente, su debut en Adriana Lecouvreur. Su control del es su interpretación del aria ‘L’altra notte in fondo al mare’ de
fiato, fraseo y emisión más depurada se notan en las primeras Mefistofele de Boito. En esta pieza hay que destacar no sólo cómo
notas, y después la voz florece para dar una intensa interpretación la canta la soprano rusa, sino también la sonoridad tan hermosa
del aria. que le da a la orquestación la batuta de Antonio Pappano.

Sus piani son exquisitos, su dicción ya es más clara y la cascada de Un papel que esperemos que Netrebko aborde algún día es el rol
sonido que emana de su boca en los momentos más dramáticos de titular de La gioconda de Ponchielli. Escuchamos lo bien que
la segunda aria que canta, ‘La mamma morta’ de Andrea Chénier, le sienta el dramatismo de este personaje en el aria ‘Suicidio!
prueban que la decisión de cambio de repertorio ha sido muy In questi fieri momenti’, donde se siente el tamaño de su voz
acertada. El relato de Maddalena va en un crescendo emocional y la manera de adentrarse en los sentimientos de la cantante
perfectamente bien llevado por Netrebko. vagabunda. Ha depurado tanto su técnica y su manera de cantar
que nunca la escuchamos forzada o engolando notas, como solía
Canta ‘Un bel di vedremo’ de Madama Butterfly con hermosa línea sucederle, a veces, en el bel canto. Aquí, vocal y emocionalmente,
de canto y dando la fragilidad apropiada a Cio-cio-san; de igual está libre.
manera canta las arias de Liú ‘Signore, ascolta!’ y ‘Tu che di gel
sei cinta’ de Turandot, con filados hermosos y piani cristalinos. Netrebko cantará próximamente en el Metropolitan Opera House
La gran sorpresa de este disco es que, de esta misma ópera, canta de Nueva York el rol titular de Tosca. Aquí escuchamos su ‘Vissi
el aria del personaje principal ‘In questa reggia’, acompañada por d’arte’, interpretado con buen gusto y más como una plegaria
su marido el tenor Yusif Eyvasov como Calaf. Lo maravilloso de que como un momento de diva. Otra heroína pucciniana que ha
su forma de interpretar esta difícil aria es que Netrebko opta por cantado ya en dicha casa de ópera es Manon Lescaut. Con esta
cantarla y no gritarla, como lo suelen hacer otras sopranos. Nunca ópera cierra el disco, cantando el aria ‘In quelle trine morbide’ y
se escucha forzada la emisión de la voz y va llevando el relato el acto IV completo acompañada, una vez más, por el tenor Yusif
sobre la Princesa Lou-ling con buen gusto. No escuchamos a una Eyvazov como Des Grieux. Recientemente cantaron y grabaron
Turandot histérica y resentida, sino una princesa joven dolida y esta ópera completa en el Festival de Salzburgo y aquí podemos

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pro ópera 47
notar cómo están compenetrados musical y
emocionalmente con sus roles. Eyvazov se
escucha mucho mejor, ha pulido su técnica y Des
Grieux le queda muy bien. Se acopla muy bien
con el dramatismo de Netrebko y su escena final
es electrizante.

El trabajo que hace Antonio Pappano al frente del

Coro y la Orchestra dell’Accademia Nazionale di
Santa Cecilia es magnífico. La textura orquestal
en cada pieza es prístina, elegante y se nota que
el director frasea con sus cantantes. No se excede
en los forte y entiende el estilo de cada aria a la
prefección. Recomiendo este disco de lo que es
y será un futuro repertorio muy exitoso la gran
soprano Anna Netrebko.

Roberto Alagna
Malèna
Canciones sicilianas y napolitanas
Deutsche Grammophone CD

Este nuevo disco del tenor Roberto Alagna es

más que un proyecto discográfico para él. Como
lo dice en sus notas en el CD, es un trabajo
personal y familiar ya que está dedicado a su hija
Malèna y a su “renacimiento” como persona al ser
padre y abuelo en un mismo año. Su hija Ornela le dio su primer musicalidad. ‘Core ‘ngrato’, por ejemplo, la interpreta acompañado
nieto. Así que Alagna decidió grabar canciones que le recuerdan a solamente por una guitarra y le da un aire de serenata privada.
su familia y darle esta herencia musical a su pequeña hija.
Una de las canciones menos conocidas y más bellas es ‘Come
Yvan Cassar hizo los arreglos de las canciones y dirige la facette Mametta’, en ritmo de tarantella. Seis canciones son de
banda que acompaña a Alagna; ésta es su cuarta colaboración Frederico Alagna y una de David (su otro hermano). Del primero
discográfica. Retrata perfectamente el estilo y sabor de cada una de son ‘Etna’, de estilo más moderno en cuanto a la instrumentación,
las canciones, que son casi todas napolitanas o sicilianas. Incluye: pero manteniendo lo siciliano; ‘Amuri Feritu’, de carácter más
‘Malèna’ (compuesta por Alagna y su hermano Frederico), ‘Se para romántico y evocativo; ‘Napolitanella’, también en ritmo de
‘e Napule’, ‘Marecchiare’, ‘Core ‘ngrato’, ‘Torna a Surriento’, ‘O tarantella, que Alagna canta con la picardía necesaria y mucha
sole mio’, ‘Funiculì, funiculà’, ‘I’ te vurria vasà’ e ‘I te volgio bene musicalidad; ‘Sicilianedda’ (otra tarantella de carácter festivo
assaje’. Algunas de ellas muy conocidas y otras no tan comunes en con ciertos acordes que recuerdan el aria ‘Largo al factotum’
los discos de este tipo de canciones. de Il barbiere di Siviglia de Rossini y ‘Tu si da mia’ (canción
melancólica donde Alagna luce su línea de canto). David compuso
Alagna conoce muy bien el estilo de cada canción y pronuncia la última canción del disco: ‘Libertà’ (en estilo moderno, como de
perfectamente los dialectos napolitano y siciliano. Su apasionada banda sonora de película italiana).
forma de cantar lo hace ideal para esta música y aprovecha
sus raíces operísticas para imprimirle algunas notas agudas y Una de las canciones más evocativas que canta Alagna es ‘Scetate’
sobreagudas que vuelven aún más intensas estas canciones. Las (solamente acompañado del piano y algunos instrumentos de
sicilianas no tienen el carácter “clásico” de las napolitanas, son cuerda). El cantante franco-siciliano sabe adaptar muy bien su voz
más “populares”, pero eso no quita su belleza. Se nota esta división para el estilo de cada canción. ‘Funiculì, funiculà’ cuenta con un
en la orquestación escogida para cada una de las piezas. arreglo moderno, sin perder el estilo, pero dándole un poco más de
frescura a la interpretación, menos operística y más popular.
La manera que tiene Alagna de cantar las canciones napolitanas
recuerda mucho a la de Giuseppe Di Stefano, quien imprimía Muy recomendable, este disco tan íntimo y personal del tenor
gran pasión a su interpretación, además de sacrificar un poco la Roberto Alagna que dará alegría, no solo a su hija Malèna, sino
pureza de su canto para dar la intensidad requerida. Estas piezas también a las miles de personas que lo escucharemos por mucho
son cantadas por Alagna con voz plena, dicción clara, buen gusto y tiempo. o

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