BLOQUE 1

EXPRESION ARTISTICA
ALUMNO BYRON HERNANDEZ

Manifestaciones artísticas y sus clasificaciones.

Las artes son manifestaciones humanas que tienen diferentes características, las cuales nos sirven
para clasificarlas. Diversos autores han presentado clasificaciones según su finalidad, su medio de
expresión y su clase: nosotros nos enfocaremos en la clasificación por su finalidad, las artes en:
mayores y menores.

Las artes mayores o bellas artes, las artes originalmente solo contemplaban las manifestaciones
como: pintura, escultura, arquitectura y música, ya que en las distintas etapas de la historia del
hombre estas habilidades artísticas han perdurado con sus respectivas modificaciones. Sin embargo,
en la actualidad también se considera: al teatro, la literatura, el cine y la fotografía dentro de esa
clasificación.

Las bellas artes son las obras de la creación humana que, mediante la transformación de la materia,
la imaginación, imagen o el sonido, expresan una concepción estética, lograda con maestría y
depuración. Para que una pieza se considere como parte de las bellas artes debe ser valorada bajo
los cánones universales de calidad, originalidad, destreza y armonía. Además, a través de sus
actividades o expresiones artísticas, se les llama bellas artes por que trascienden o van más allá de la
simple utilidad de los objetos que crean.

Pintura: es el arte de representar sobre una superficie figuras reales o imaginarias, utilizando
puntos, imágenes, figuras y colores mediante diferentes técnicas, y puede emplear expresiones
figurativas abstractas, de acuerdo con el estilo referente del artista, la pintura se divide en: la pintura
de mural (con diversas técnicas como puede ser el fresco, temple y encáustica) y la de caballete (óleo,
acuarela, pastel, acrílico, entre otros).
Escultura: es el arte de crear formas expresivas que son extraídas de la piedra o del material que
se esté utilizado. Una de las características de la escultura es que tiene volumen, es decir es
tridimensional (presenta, largo, ancho y profundidad
Arquitectura: la arquitectura es el arte de proyectar, diseñar y construir espacios interiores y
exteriores fundamentales para su uso público o privado, con el fin de proteger a los seres humanos
de las inclemencias del tiempo y crear un ámbito relación entre ellos.

La arquitectura se puede ver reflejada en:

a) Edificios religioso: templos, iglesias, mezquitas, tumbas, etc.

b) Habitaciones: desde una cabaña hasta un palacio.

c) Lugares públicos: teatros, circos, bibliotecas, plazas, estadios, hospitales, escuelas

d) Obras públicas: puentes, acueductos, puertos, etc.

Grabado: es el resultado de un trabajo realizado sobre una lámina de metal, un trozo de piel o
una tabla, empleando instrumento que hacen huella en la superficie, ya sea hundiendo o dando
relieve. A estos objetos se les llama planchas que, una vez entintadas, sirven para trasladar las
imágenes al papel, tela u otro material por medio de la presión y de lo que se obtiene en la
estampa.

ELEMENTOS DEL FENÓMENO ARTÍSTICO

Toda aquello que llamamos Arte requiere un procedimiento, que forma parte del fenómeno artístico.

HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL

El contexto donde surge la obra de arte.

Las relaciones entre sociedad, espectador y artista determinan el contexto de una obra o de una
corriente artística en un momento histórico determinada. El contexto tiene relación directa con la
función del arte, ya que se comprende cierta producción artística a partir del contexto donde surge y
del proceso estético que conlleva su realización

La sociedad. Una sociedad puede ser el estímulo para una creación artística en varios aspectos. Sus
hechos históricos, sus valores y sus necesidades proporcionan los temas que el artista utiliza en sus
obras. La situación sociopolítica de una sociedad es también importante El poder en una sociedad es
reconocido de diferentes maneras. Existen sociedades en las que el poder es en manos de un grupo
religioso o de una persona que sustenta el doble poder: político y religioso, como es el caso del
antiguo Egipto, Mesopotamia, Creta, y en general las sociedades que tenían un gobierno teocrático,
pero también en aquellas donde el poder es de carácter civil, o en sociedades donde existe un
equilibrio entre dos fuerzas. En esta diversidad de sociedad, el arte se manifiesta de diferentes
maneras y puede tener diversas funciones que deberán analizarse para comprender los estímulos
que reciben los artistas.

Las distintas fuerzas o grupos que sustentan un poder, también tienen diferentes orientaciones
ideológicas y hacen más amplía la gama de posibilidades en cuanto al tema, la función y la
presentación de las obras de arte.

El momento histórico que vive una sociedad, y el grupo de poder en particular, es también
importante, pues un periodo de gloria, de decadencia o de restructuración impactara en forma
decisiva el arte de esa época, un claro ejemplo de esto es la pintura romántica del siglo XIX.

RITMO, ESPACIO Y VOLUMEN

Tipos de ritmo: consiste en la repetición de un elemento, como puede ser los signos colores, formas
o espacios, que se repite a intervalos regulares, periódicos o progresivos, generando efectos
dinámicos en la composición.

Existen diferentes tipos de ritmos:

Ritmo repetitivo: cuando un elemento se repite de forma regular y constante en el espacio.

Ritmo alternado: cuando dos o más elementos se alternan desarrollan un esquema constante.
Para la creación de este ritmo se pueden alternar formas diferentes o iguales con distinta posición,
color, tamaño o textura.
Ritmo progresivo: Cuando se produce un avance regular y progresivo en forma, tamaños,
grosor o color en los elementos. Si las formas crecen se denominan como ritmo creciente. Si la
progresión decrece en vez de crecer, toma en nombre de creciente

Ritmo convergente o divergente: En torno un núcleo central.

Convergente: Los elementos tienden hacia un punto central.

Divergente: Los elementos se extienden desde un centro abriéndose hacia afuera.

Métodos para dar la impresión de espacio: una forma es mediante la colocación de los
objetos en una obra, uno arriba del otro. Los objetos más cercanos al observador, en la realidad, se
nos presentan en la parte más baja de una superficie, y los más lejanos en las partes más altas. Otra
forma sería la de reducir el tamaño de los objetos que están más alejados. Podemos también
sobreponer las figuras. El empleo de color es una forma más para dar profundidad, porque podemos
utilizar colores fríos para los fondos y colores cálidos para los objetos o figuras que aparecen en
primer plano. Los colores fríos dan la sensación de lejanía.

La perspectiva Para representar cualquier espacio en perspectiva, los artistas utilizan una línea de
horizonte (LH) que se encuentra a la altura de los ojos del observador. En ella se pueden fijar uno o
dos puntos de fuga (PH), hacia los cuales las líneas del objeto se van a dirigir. Las líneas del objeto se
llaman líneas de fuga (LF) y determinan las medidas con las que se representan los objetos del frente

El volumen: es la forma sólida y tridimensional de un objeto; existen diferentes formas de

representarlo dentro de algunas artes visuales, como puede ser el dibujo, la pintura o el grabado.
Puede presentarse a través de la perspectiva. Cuando el volumen es ilusorio se representa por medio
de la perspectiva o por el “claroscuro”, es decir, a través de sombras con las que se pueda percibir su
forma.

El escorzo: es otro procedimiento utilizado en las artes, para representar objetos de bulto sobre
superficies planas. Consiste en reducir las dimensiones de una figura, de un objeto o de alguno de sus
mediante el efecto de la perspectiva, exagerando la vista frontal del objeto que apunta hacia el
espectador y reduciendo las dimensiones de la parte posterior.
 EL COLOR EN LA OBRA DE ARTE
El color. No se sabe con precisión como el ojo humano transforma los rayos luminosos en una
sensación de color en el cerebro. En el fondo del ojo existe una superficie con cava llamada retina,
que tienen millones de bastones y conos, células nerviosas especializadas, gracias a las cuales el ser
humano posee una visión coloreada. Los conos están en el centro de la retina y son sensibles a todos
los colores en condiciones normales de eliminación, pero no reaccionan cuando están es muy escasa.
En cambio, los bastones, que están situados en la periferia de la retina, se adaptan lentamente a la
vez muy débil, con una sensibilidad que va de cero con la luz roja a un máximo con la azul; la retina
se comunica con el cerebro por el nervio óptico, y es en propio cerebro donde surge la conciencia de
la sensación a color.

El círculo cromático.
Existe un círculo cromático que contiene todos los colores, tanto primarios como secundarios y
terciarios
Colores primarios: sólo son tres colores básicos, de ellos surgen todos los demás. Estos son el
rojo, azul y amarillo y están equidistantes en el círculo cromático. Son elementos esenciales para el
pintor y se llaman primarios porque hay que tenerlos para comenzar.

Colores secundarios: se obtienen de la combinación de dos primarios, en partes iguales.

Colores terciarios: resultan de la mezcla de un color primario y un secundario.

Los colores también pueden ser:

■ Armónicos: o análogos, ocupan posiciones inmediatamente próximas en la rueda de color.

■ Contrastados: o complementarios, son los pares que se encuentran opuestos en la rueda de color.

■ Cálidos: van del rojo al amarillo.

■ Fríos: son las gradaciones del verde al violeta, pasando por los azules en la rueda

■ El fondo neutro: este soluciona un cuadro de forma sencilla y sin compromiso. Ejemplo, si
trabajas una gama cálida, se puede neutralizar un fondo frío poniendo cálido al color frío.

■ Fondo de realce: puede aumentar de forma agresiva la importancia del modelo. A partir de
colores complementarios, alternando con una gama monocromática.
 SOPORTES, MATERIALES Y ÚTILES

Montaje de tela: requieres engrapadora o martillo y clavos pequeñitos, pinzas para tensar o tus
manos, la tela y el bastidor. El tamaño de la tela debe ser mayor que el del bastidor, por lo menos
tres dedos por cada lado. El tensado de la tela siempre es del centro y en forma de cruz, primero de
un lado y después del opuesto, se dejan las esquinas de la tela sobre el canto del bastidor y se grapan.

Montaje de madera o cartón: si es sobre bastidor, no deben estar húmedos. Se engrapan o martillan
y se lijan los lados y la superficie.

Montaje de papel: se humedece el papel para que se empape el poro y se dilate, para luego ser sujeto
por los cuatro lados, el tensado no debe ser muy fuerte para no romper el papel.

PINTURA

■ ¿Qué es la pintura acrílica?

■ Diferencia entre medio acrílico y vinílico.

■ Principales técnicas acrílicas.

El acrílico brinda toda una variedad de posibilidades, ya que puede transformarse y secarse en tiempo
récord

Bloque 2
¿QUÉ ES EL FOLCLORE?

El folclore o también escrito como folklore es un conjunto de creencias, prácticas y costumbres de

una región en particular que se celebran para enaltecer la cultura y prevalecer las tradiciones que
generación en generación se han ido traspasando.

Dentro del folclore mexicano podemos destacar la música, los bailes, cantos y juegos, cuentos,
leyendas, artesanías, gastronomía y vestimenta
El folclore Sonorense.

Uno de los Estados de la República Mexicana. Sonora, que es diverso a los demás estados de la misma
república por su situación geográfica debido a la unión del desierto con el mar. Un espectáculo de la
naturaleza para la humanidad donde propios y extraños se enamora del esplendor sonorense. Otro
aspecto clave de la identidad de cada estado mexicano es la gastronomía. La cocina sonorense
combina la gastronomía norteña mexicana, con los exquisitos ingredientes.

Festividades, tradiciones sonorenses.

Las fiestas en Sonora, como en casi todo el país, tienen que ver con algún rasgo religioso. Sin embargo,
hay celebraciones culturales que ya son una tradición, y que como el resto de las fiestas, hacen de
Sonora un excelente destino para divertirse.

Desde 1984 se realiza, en el pueblo de Álamos, uno de los más grandes festivales del norte, en honor
al doctor Alfonso Ortiz Tirado. El pueblo mágico de Álamos se transforma en escenario del canto
operístico. El FAOT es además un foro internacional para las diversas manifestaciones artísticas y
culturales. El festival ha crecido tanto que sus actividades se realizan en plazas públicas, templos,
museos y teatros

Otras importantes celebraciones y fiestas en Hermosillo son: el Día de la Virgen de Guadalupe, que
tiene lugar durante el mes de diciembre; el Día de Muertos durante noviembre; y Semana Santa,
donde los indios yaquis y mayos bailan y realizan procesiones para recordar la pasión y muerte de
Jesús.

La música Sonorense.
Sonora es una fusión de sonidos y también adoptan distintos géneros representativos de estados
vecinos, tal es, el caso de la banda sinaloense o bien banda grupera. Considerada así, la música más
alegre para festejar, bailar o cantar.

Aunque si lo más representativo del Estado de Sonora es la banda o lo norteño; hay para todos los
gustos, por ejemplo la música de las orquestas, quienes ellos mismos se llaman grupos versátiles, ya
que, tienen como objetivo dar diversión a gran cantidad de personas.

La música norteña en Sonora conocida como los takatakas es otro de los géneros que amenizan en
reuniones familiares o de festejos sonorenses. En este género es indispensable el sonido del acordeón
y la guitarra.
MOVIMIENTOS CORPORALES EN LA DANZA

Seguro has asistido a fiestas familiares, funciones de danza y teatro, fiestas patronales y kermes.
¿Has notado el comportamiento y los movimientos de quienes participan en el grupo de bailarines?
Las posibilidades motoras que tienen de forma individual son muy diferentes, ya que cada uno puede
llevarlas a cabo de forma distinta. En cambio, bailar en grupo les permite expresar mejor sus
sentimientos, porque participan todos como si se tratara de un solo cuerpo.

LA CULTURA MEXICANA A TRAVÉS DEL TIEMPO

La cultura mexicana es resultado de una combinación de múltiples civilizaciones. No solo es heredera

de la cultura de los pueblos prehispánicos y de España, también ha recibido la influencia de Francia,
Estados Unidos de América, China y muchos países más.

Los españoles gobernaron casi tres siglos en nuestro país; durante todo ese tiempo su cultura se
mezcló con la prehispánica, dando origen a una cultura mestiza en la que conviven elementos
autóctonos con elementos importados de Europa. Pueden verse ejemplos de ello en el idioma, la
religión, la comida, música entre otros.

APRECIACIÓN TEATRAL

Cualidades del Actor.

El objetivo de esta actividad, aunque se utilicen recursos teatrales, no es adiestrar actores o

espectadores, aunque algunos de ellos se destaquen, en un futuro, quizás, por tal vocación o sean
críticos espectadores. La creatividad dramática en el aula es una herramienta más para impulsar y
desarrollar la libre expresión del alumno.
Este taller permite al alumno la elaboración de sí mismo, lo que le llevará a desarrollar su personalidad
y a auto firmarse frente a los demás. El teatro le ayudará también a comprender más el mundo en el
que vive, conociendo su estructura a través de los diferentes roles y personajes que desarrollan el
conflicto teatral. Ayudando al alumno a analizar, comprender, comunicar y crear formas simbólicas,
imprescindibles en su formación.
ACTUACIÓN

La relajación.

Relajación significa estar dispuesto y predispuesto energéticamente. La obtención de un adecuado

estado de relajación es mucho más difícil de conseguir de lo que se supone. Es muy habitual
que se aprendan métodos diversos en gimnasios, clases de expresión corporal o de yoga, pero en el
caso del actor su aprendizaje sólo es válido si se proyecta en las condiciones que impone la labor
sobre el escenario. Debe aprender a responder a los factores de tensión en la misma dinámica de la
escena y generar una variedad de estímulos para no verse sorprendido. En la práctica acaba siendo
un hábito técnico que le permite descubrir las tensiones innecesarias y propiciar las justas para el
personaje que llegue a presentar.

Existen dos clases de relajación: una llamada imaginativa, en la que la persona puede imaginarse ser
diferentes cosas, como una hoja de papel, una hoja de árbol, un montón de arena acariciada por el
viento, o imaginar que una luz o un color nos invade, o que somos moldeados por el viento, y muchas
cosas más que la imaginación puede hacer, puesto que es una facultad prodigiosa y multiforme; pero
también hay una relajación que consiste en ser nosotros mismos y tomar conciencia de nuestro
cuerpo como un todo o en cada una de sus partes, lo que nos permite entrar en una relación profunda
con nuestro propio cuerpo, que es el principal instrumento del actor

La concentración.

Captar la atención y el interés del público depende, en principio, de la forma como se presente el
actor ante él: en actitud relajada y concentrada. La concentración del actor hace posible la del
público. Aunque sólo fuera por este hecho, plenamente comprobable, la concentración ya debería
ocupar un lugar central en la técnica del actor. El actor necesita la concentración para sostener la
ficción del personaje con naturalidad y verosimilitud, para prestar atención al compañero y para
captar las reacciones del público. Todo eso, que tiene que ver con las condiciones específicas de su
trabajo, no puede abordarlo sin concentración
La memoria.

El actor y su memoria.
La mayoría de las personas imaginan que el aprendizaje de un guion demanda horas, días, e incluso
meses de práctica de memorización. Pero los actores raramente trabajan de esa forma; de hecho, a
menudo no hacen ningún intento consciente de memorizar línea alguna. Y rara vez consideran la
memorización como definición de lo que ellos hacen.

El secreto de la memoria de los actores está en la actuación misma. Un actor aprende fácilmente
líneas de un guion concentrándose no en las palabras de éste, sino en el significado de las mismas,
es decir, las motivaciones momento a momento del personaje, así como en las dimensiones físicas y
emocionales de su actuación.

HERRAMIENTAS DE TRABAJO DEL ACTOR Y LA ACTRIZ

La Voz.

Por medio de la voz el actor debe ser capaz de matizar acciones y poseer la capacidad de motivar y
transmitir diferentes emociones por medio de esta. Es usada comúnmente para pronunciar los
parlamentos del guion de la obra, pero también se emplea para imitar y producir sonidos que le
otorguen una atmósfera peculiar a la acción.

La voz del actor es uno de los sonidos indispensables o básicos en una representación, debido a que
se encuentra en una interacción constante con el desarrollo del drama; sin ella, la obra resultaría
incomprensible.

El cuerpo del actor.

La corporalidad de un actor, en su plano más esencial, no está en sus dimensiones ni atribuciones

físicas, sino en la realidad sutil donde materializa, a través del cuerpo, una sensación, una idea, el
crujir de la imaginación. El actor desarrolla su trabajo con el cuerpo, siendo su principal herramienta,
y para esto, debe conocer los mecanismos secretos que lo rigen, activarlos a voluntad y dominar
todas sus posibilidades de movimiento.

La memoria como herramienta.

La memoria se describe como la capacidad o poder mental que permite retener y recordar, mediante
procesos asociativos inconscientes, sensaciones, impresiones, ideas y conceptos previamente
experimentados, así como toda la información que se ha aprendido conscientemente. Somos quienes
somos gracias a lo que aprendemos y recordamos

El gesto.

Es el instrumento de expresión usado por el actor y la actriz, para interpretar personajes y

transmitir sus emociones sobre la escena. En teatro ningún movimiento debe ser mecanizado, todo
movimiento es un gesto justificado. Justificar y dar un sentido dramático al movimiento, abordar la
expresión del actor, partiendo del movimiento para descubrir su dimensión dramática y emocional
es parte fundamental del hacer escénico

TÉCNICAS DE ACTUACIÓN

Objetivos de la técnica de actuación:

1. Desarrollo de la organización espacial y movimientos en un espacio determinado.

2. Capacidad de improvisación y respuesta inmediata a situaciones inesperadas.

3. Creación de un personaje dentro de un contexto espacial y temporal determinado.

4. Desarrollo de la capacidad de interrelación personal en un contexto ficticio.

5. Desarrollo de la creatividad en el uso de objetos, vestuario, maquillaje, etc., con la utilización

de unos materiales mínimos.

Juegos y dinámicas escénicas.

Podemos decir que el teatro, en tanto que interpretación de una situación ficticia, es un juego. De
un modo informal e individual, cuando un niño juega está interpretando. Mueve sus muñecos y les
hace realizar acciones y decir frases. Establece un diálogo inventado en el momento, improvisado,
con los juguetes y otros objetos.

Improvisación.
La improvisación es un valioso recurso en la actuación, que estimula la creatividad de los actores,
tanto en las habilidades del pensamiento, como las expresiones corporales. Está al comienzo de
toda creación y es aplicable a todo lo que se hace, ya que toda acción puede realizarse como un
trabajo penoso, como un oficio o como un arte. La improvisación es un trabajo pactado entre una o
varias personas, con la peculiaridad de dejar que los sentimientos fluyan por el alma, olvidándonos
de la parte racional durante el tiempo que dure el ejercicio. Además, es un recurso que nos ayuda a
desarrollar nuestra capacidad interpretativa.

Bloque 3
LAS MANIFESTACIONES DEL HOMBRE Y SUS NECESIDADES
DE PLASMARLOS
Las pinturas en cuevas son de las primeras manifestaciones artísticas en la prehistoria, cabe destacar
que los animales eran lo más escogidos por los artistas. Los de mayor popularidad eran: bisontes,
caballos, ciervos y jabalíes. Es sorprendente que los hacían varios detalles como, en grupo o aislados,
corriendo o estáticos, heridos o sanos. Todo esto con el fin de representar lo más parecido a la
realidad que el hombre primitivo observaba

Imaginemos al mundo sin música.

De entrada, no habría instrumentos musicales, sería un mundo casi mudo; ninguna de las grandes
obras de todos los tiempos se hubieran escrito… los nombres de los autores estarían en el anonimato,
jamás les hubiéramos conocido; en consecuencia, la historia de la humanidad seria drásticamente
más corta, millones de páginas sin escribir haciendo referencia de vida, obra y anécdotas jamás
contadas.

Caminaríamos por las calles con una mentalidad totalmente diferente a la que vivimos, las épocas de
brillantes modas y tendencias no tendrían sentido, pues el hombre utiliza la música como cronología
de acontecimientos, un método de aprendizaje coartado. No existirían lugares de reunión para el
placer y disfrute de partituras ejecutables… ¿Existiría el ballet? No, no sabríamos lo que es bailar.

Los autos no tendrían equipos de reproducción, sólo escucharíamos motores y claxon; la industria de
aparatos electrónicos reproductores de música nunca se hubiera desarrollado, la radio sería sólo
palabra hablada. Sin recintos de baile, no tendrían a donde ir millones de personas un fin de semana
con sus amigos. No habría conciertos, ni serenatas, ni estudios musicales de grabación, ¿Pueden tan
sólo imaginar cómo sería una película sin el soundtrack creando ambientes? No sabríamos lo que es
un videoclip musical; ¿Cómo expresaríamos sentimientos como el amor o el rechazo si sólo pudiera
hacerse directo, con palabras? La televisión tendría un contexto completamente diferente, lo mismo
sería Internet.

El origen de las obras musicales y la canción.

Se puede decir que el musical nació el 12 de septiembre de 1866, el día en el que en Estados Unidos
se pone en escena por primera vez una ópera (The Black Crook), que surge de la unión entre una
compañía de danza y baile europea con una compañía de teatro. Esta colaboración surge del hecho
de que la primera se encontraba sin un recinto donde actuar mientras que la segunda estaba
montando una producción que resultaba ser mucho más cara de lo esperado. Superadas las
dificultades económicas y de organización el 12 de septiembre se estrenaba la pieza en el Niblo’s
Garden de Nueva York.

Las canciones y los juglares.

Una canción es un conjunto de palabras (letra) que se entonan (cantan) en forma individual o en
grupo, en general con el acompañamiento uno o más instrumentos musicales. Si es la misma persona
quien compone la letra y a su vez la canta se le llama cantautor.

Los juglares eran músicos ambulantes que no sólo tocaban instrumentos y cantaban canciones, sino
que además realizaban todo tipo de actividades para divertir al pueblo (chistes, magia, acrobacias)
Eran de clase baja y no eran compositores, ya que se limitaban a copiar y plagiar las canciones de los
trovadores.

Desde el principio fueron muy criticados tanto por la nobleza como por la iglesia, ya que en sus
canciones utilizaban un lenguaje vulgar. No actuaban en castillos ni palacios, sino que lo hacían en las
plazas de los pueblos.

SOLISTAS, DUETOS, TRÍOS, GRUPOS MUSICALES (NORTEÑO, MODERNO, ENTRE

OTROS

AGRUPACIONES MUSICALES (RONDALLAS, ESTUDIANTINAS, COROS, ENTRE OTROS

El origen de la interpretación musical en la antigüedad y los solistas.

Es difícil precisar con exactitud el origen de la música y enmarcarlo en una época precisa de la historia.
Sin embargo, se conoce que desde la Prehistoria los hombres usaron diferentes objetos para emitir
sonidos. Pero, como el objetivo de esta actividad era comunicarse entre sí o simplemente replicar los
sonidos que escuchaban en la naturaleza, no se puede hablar de música en el sentido más estricto
del término.

El origen de la música, entendida como la creación de sonidos complejos, tuvo que esperar un poco
más. Muchos investigadores coinciden en que el término “música” deriva del vocablo griego “musa”,
las famosas deidades de la mitología griega y romana, que tenían la capacidad de inspirar a los
hombres dedicados a las artes

El origen de la música escrita (utilizando los primeros símbolos) resale alrededor del siglo VI de la era
cristiana. Sin embargo, estos símbolos eran muy limitados y no permitían cubrir adecuadamente
todas las extensiones musicales y la complejidad armónica

¿QUÉ ES UNA CANCIÓN?

Una canción es una composición musical para la voz humana (comúnmente acompañada por otros
instrumentos musicales) y con letra. Típicamente es para un solo vocalista, aunque puede también
ser para un dueto, trío, o para más voces (música coral). Las palabras de las canciones son
tradicionalmente de versificación poética, aunque pueden ser versos religiosos de libre prosa. Las
canciones pueden ser ampliamente divididas de muchas maneras distintas, dependiendo del criterio
usado. Una división es entre “canciones artísticas”, “canciones de música popular”, y “canto
folclórico”. Otros métodos comunes de clasificación son de propósito (sacro vs. laico), por estilo
(baile, balada, Lieder, etc.) o por tiempo de origen (Renacimiento, contemporáneo.

Los distintos ritmos y sus interpretaciones.

El ritmo, en general, es la repetición ordenada de elementos que produce la sensación de

movimiento, controlado o medido, sonoro o visual. Se considera que el ritmo significa flujo, fluencia,
curso; es decir, algo dinámico. El ritmo es una característica básica de todas las artes, especialmente
de la música, la poesía y la danza. También puede detectarse en los fenómenos naturales Se define
como una sucesión de líneas, masas, formas, espacios, colores u otros elementos que se repiten o se
alternan.

La balada es una forma de expresar el canto cortesano del final de la Edad Media en Europa, que
aparece en el siglo XIV. La poesía es disociada de la música, pero la musicalidad es creada en la
escritura misma del poema. En efecto, la balada tiene la particularidad de repetir un mismo verso,
estribillo, al final de cada tres estrofas. Está constituida por octosílabas y las rimas están cruzadas.
La ranchera es un género musical popular y folclórico de la música mexicana, ampliamente ligada a
los mariachis, pero interpretada con cualquier formato (cantador-guitarrista, dueto, terceto,
cuarteto, conjunto norteño, banda, entre otros).

El bolero es un género musical de origen cubano, muy popular en todos los países
hispanoamericanos. El género es identificable por algunos elementos rítmicos y nuevas formas de
composición, que aparecieron en el quehacer musical en la isla de Cuba, durante el siglo XIX. Aunque
comparte el nombre con el bolero español, que es una danza que surgió en siglo XVIII y se ejecuta en
compás ternario de 3/4, el género cubano desarrolló una célula rítmica y melodía diferente, en
compás de 4/4.

El pop es un género de música popular, que tuvo su origen a finales de los años 1950 como una
derivación del Rock and Roll, en combinación con otros géneros musicales, que estaban de moda en
aquel momento. Los términos música pop y música popular se usan a menudo de manera indistinta,
aunque el segundo tiene un sentido más amplio al dar cabida a otros géneros distintos del pop que
se consideren populares.

La cumbia entre los instrumentos más habituales de las bandas de cumbia tradicional, se encuentran
los tambores, las gaitas colombianas, la flauta de millo, el maracón y el guache. Las diversas
adaptaciones del género pueden incluir violines, acordeones, flautas traversas y teclados.

El rock es un término amplio que agrupa a una variedad de géneros musicales. Su forma originaria,
conocida como Rock and Roll, surgió mayormente de la combinación de dos géneros anteriores como
eran el rhythm and blues y el country. La música rock también se nutrió fuertemente del blues y el
folk, e incorporó influencias del jazz, la música clásica y otras fuentes. El rock se ha centrado en la
guitarra eléctrica, normalmente como parte de un grupo de rock con cantante, bajo, batería y,
algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y el piano.
LOS INSTRUMENTOS DE CUERDA O ORTÓFONOS SON INSTRUMENTOS MUSICALES.

Instrumentos de viento:

Los instrumentos de viento o aerófonos son una familia de instrumentos musicales, que producen el
sonido por la vibración del viento y de la masa de aire en su interior, sin necesidad de cuerdas o
membranas porque solo requiere del uso del viento. Los instrumentos de viento son aquellos que
contienen un volumen gaseoso (generalmente aire) capaz de producir sonido al ser éste
convenientemente expulsado. Los instrumentos de viento se pueden clasificar en dos categorías.
Estas categorías se dividen atendiendo a cómo se produce el timbre:

■ Instrumentos de metal. El timbre suele ser fuerte, brillante y con sonido metálico. El sonido en
estos instrumentos, se produce por la vibración de los labios en una boquilla metálica en forma de
copa, que produce la frecuencia acústica.

■ Instrumentos de madera. El timbre de estos instrumentos es más suave y melodioso, que el de los
metales. El sonido se produce al soplar sobre un agujero (embocadura de bisel) o haciendo vibrar una
caña de lengüeta doble o simple.

HISTORIA DE LA GUITARRA

La guitarra se desarrolló a partir de la cítara, tanto estructural como etimológicamente.

Frecuentemente se sostiene que los árabes fueron los que introdujeron la guitarra a España con las
invasiones de los Moros. Sin embargo, no existe ninguna documentación específica y existen muchas
dudas con respecto a esta postura. No existen indicios entre los instrumentos árabes de uno igual o
similar a la guitarra en construcción y forma, aunque los antiguos egipcios conocían una guitarra con
lados suaves y curvos. Existe también evidencias, y este es un claro ejemplo, de una guitarra con lados
suaves y curvos, varetas y un mástil largo provisto de varios trastes, encontrada en un bajorrelieve
de los Hititas en la colina de Euyuk (año 1000 a.C.) en Cappadocia, Siria (esta región hoy en día se
conoce como Asia Menor). A menos que otros monumentos de menor antigüedad salgan a la luz con
evidencias de guitarras con suaves curvaturas y soportes de madera en la tapa armónica, se puede
sustentar que el instrumento, que requería de cierto grado de destreza en su construcción, murió en
Egipto y Asia antes de la aparición de la Grecia Clásica
La palabra guitarra puede ser una modificación de la palabra griega k i q a r a (kithara). La diferencia
en la construcción de la guitarra y la cíthara no es tan sustancial como podría parecer a primera vista.
Los dos pertenecen a la familia de instrumentos de cuerda pulsada que se distinguen por una caja
de resonancia con fondo plano.
 EL PODER DE LA MÚSICA PARA CAMBIAR EL ESTADO ANÍMICO

Los efectos beneficiosos de la música, sobre la salud mental se han sabido por miles de años. Los
filósofos antiguos desde Platón hasta Confucio, y los descendientes de Israel cantaban las alabanzas
musicales y las usaban para calmar la tensión.

Ciertas clases de música hacen que casi todos se sientan peor, incluso cuando alguien dice que lo
disfruta; en un estudio de 144 adultos y adolescentes que escuchaban 4 tipos distintos de música, la
música “grunge” inducía a aumentos significativos en la hostilidad, tristeza, tensión y fatiga entre
todo el grupo, incluso en los adolescentes que decían que les gustaba. En otro estudio, estudiantes
de la universidad reportaron que la música pop, rock, la música vieja y la clásica les ayudaban a
sentirse más felices y más optimistas, amigables, relajados y tranquilos.

EL CUERPO HUMANO COMO INSTRUMENTO MUSICAL

Esta modalidad para hacer ritmo, música y movimiento nos da la posibilidad de aprender a coordinar
mejor nuestro cuerpo, a fortalecer nuestra atención, estimular la creatividad y divertirnos, tanto si
lo hacemos solos, como en grupo.

Puedes utilizar los chasquidos con una mano, con ambas o alternando una y la otra. Las palmas
pueden tener variaciones tímbricas dependiendo de cómo las ubiques y de cómo las golpees: por
ejemplo, extendidas suena más brillante y si las ahuecas, el sonido sale más opaco. ¡Prueba! Otra de
las propuestas es percutir con los dedos de una mano en la palma contraria; con ello conseguimos
diferentes matices sonoros. Golpeando en las rodillas, en los muslos o, simplemente, pisando y/o
zapateando con nuestros pies -alternando punta-tacón-, podremos introducir más sonidos que
dinamizarán nuestra interpretación musical.

La voz, acorde mayor y menor.

Se llama Acorde al conjunto de 3 o más notas que suenan simultáneamente. Al igual que ocurría en
el caso de los intervalos, existen combinaciones de 3 notas que, tocadas simultáneamente, producen
una sensación de armonía, reposo y estabilidad. Son los denominados Acordes Consonantes, que sólo
pueden ser de dos tipos: el Acorde Mayor y el Acorde menor. Los demás, son Disonantes
El canto, una necesidad imprescindible del ser humano.

El canto es la emisión controlada de sonidos del aparato fonador humano (voz), siguiendo una
composición musical. El canto también ocupa un lugar importantísimo dentro de la música

La laringe, comúnmente llamada garganta, fue el primer instrumento musical del que hizo uso la
humanidad. Las antiguas culturas habían descubierto este instrumento y creían que el canto y la
música habían sido creados por los dioses. El arte del canto fue desarrollado por todos los pueblos.
El canto es muy especial para todos.

En Babilonia había grandes agrupaciones de cantores disciplinados desde el punto de vista musical.
La música era voluptuosa, artículo de lujo para fiestas, poco digna para sacerdotes y rezos.

Música clásica: en el canto entrenado en la disciplina clásica - ópera, oratorio, Lied, etc. - las voces se
clasifican de acuerdo con su extensión y color, básicamente según su registro o tesitura.

Voces Masculinas:

■ Bajo: es el registro con las notas más graves que puede producir una voz masculina por su grosor,
la nota más baja que ha podido dar una voz fue de E2 (Mi 2) y el registro como bajo va hasta el C4
(Do 4). El registro del Bajo es de más de dos octavas.

■ Barítono: es la voz intermedia en el registro de los varones, va desde G2 (Sol 2) a A4 (La 4) y hay
algunos que pueden llegar a B4 (Si 4). Su

■ Tenor: es el registro más agudo que un hombre puede producir, va desde C3 (Do 3) en adelante ya
que un tenor utilizando falsete puede llegar a notas muy altas hasta la 6ª octava.

Voces Femeninas:

■ Contralto: es la más baja de las voces femeninas, igualando el registro de un tenor desde el C3 (Do
3) hasta C5 (Do 5) sin falsete.

■ Mezzosoprano: igual que el barítono en voces masculinas, es el registro medio pero en voces
femeninas y va de A3 (La 3) a F5 (Fa 5).

■ Soprano: ésta es la tesitura más alta en la voz humana su nota más baja es C4 (Do 4) en adelante
ya que hay sopranos que pueden llegar a notas muy altas con o sin falsete pero su límite normal es
C6 (Do 6).
Los cantos gregorianos. El nombre de canto gregoriano proviene del papa Gregorio I (590-604),
quien introdujo importantes modificaciones

en la música eclesiástica, utilizada hasta ese momento para la liturgia del rito romano. Además de
dichas modificaciones, fue autor de numerosas obras y melodías, como la Regula pastoralis, el Libri
quattuor dialogorum o diversas homilías. La música en la liturgia cristiana existente hasta entonces,
tenía su origen en las sinagogas judías, por lo que fue, al principio, exclusivamente vocal, sin la
utilización de instrumentos musicales y con predominio de la lengua helenística; para ello, un cantor
solista, generalmente el sacerdote, dirigía los rezos, que eran contestados por los asistentes a la
celebración mediante la utilización de sencillos motivos.

Poco a poco, en Occidente fue evolucionando, y se produjeron tres cambios importantes:

1. Apareció a finales del siglo VII un pequeño grupo de cantores elegidos que asumió el papel
del solista, la “schola”.

2. La utilización del latín como lengua principal obligó a traducir los salmos utilizados hasta
entonces a prosa latina.

3. La Iglesia Romana empezó a considerar como excesivo el empleo de los himnos en las
funciones litúrgicas, y se buscó más el carácter improvisador de los cánticos, de forma que fuesen
más la expresión libre de los sentimientos de los celebrantes.

Es en este marco donde encaja el Canto Gregoriano, como fuente de inspiración para la música
eclesiástica occidental, sobre todo en ciertas partes de la celebración eucarística, como el Introito, el
Ofertorio y la Comunión.

LA REFORMA CAROLINGIA.

Entre los años 680 y 730, con los primeros carolingios, se produjo la refundición del repertorio
romano existente en lo que desde entonces pasó a conocerse como Canto Gregoriano, en centros
como Corbie, Metz o Sankt Gallen, y ello permitió su rápida divulgación por el norte de Europa. Los
ritos anteriores eran, básicamente, el céltico, el ambrosiano, el galicano y el mozárabe o visigótico;
todos ellos, enfrentados al rito romano tradicional, fueron desapareciendo paulatinamente tras la
aparición de la liturgia Gregoriana, aceptada definitivamente a finales del siglo X. Pipino el Breve,
padre de Carlomagno, fue consagrado como rey de los francos por el papa Esteban II, quien se
encontró con que en el reino se practicaba un rito distinto del romano, el galicano.
APOGEO DEL CANTO GREGORIANO.

Este primer esquema iba a experimentar importantes modificaciones en los siglos posteriores, que
se centran, básicamente, en cuatro puntos: la introducción del pautado hacia 1050, la diferencia
entre las modalidades de ejecución, la generalización del canto a varias voces, con la aparición de la
polifonía, y la imposición del compás regular.
En primer lugar, durante el siglo XI quedaron establecidas las reglas que iban a determinar la notación
musical de una forma homogénea, y los neumas se convertirían con el tiempo en lo que hoy son notas
musicales, mediante la indicación del tono y la duración de cada sonido; para ello, se anotaban en un
tetragrama, antecedente del pentagrama actual. La ejecución pasó a ser de dos tipos: silábico,
cuando cada sílaba del texto se corresponde con una única nota, o melis mático, cuando cada sílaba
es entonada por más de una nota musical.

La polifonía marcó un hito importante. Hasta el siglo IX, el canto era exclusivamente monódico, es
decir, con una sola melodía. Mediante la polifonía, se combinan sonidos y melodías distintas y
simultáneas para cada nota musical. Un sencillo ejemplo de ello es el canto conjunto de hombres y
mujeres, que combina voces agudas con graves. Finalmente, el compás permitió mantener un
equilibrio entre distintas voces superpuestas, pues introducía un elemento de medida, imponiendo
un ritmo más o menos preciso.

El declive y la situación actual. Dichas innovaciones condujeron al Canto Gregoriano hacia una
situación de crisis que se vio agravada con el Renacimiento, mucho más inclinado a recuperar las
tradiciones de la antigüedad clásica. Tras el Concilio de Trento, la Santa Sede decidió reformar todo
el canto litúrgico, encomendando inicialmente tal misión a Giovanni Palestrina y Aníbal Zoilo en 1577,
pero en los siglos posteriores fueron desapareciendo poco a poco los rasgos principales: eliminación
de las melodías en los manuscritos, supresión de los signos y desaparición del viejo repertorio.
 ACTIVIDADES
Realiza de tarea una pequeña investigación, responde a lo siguiente:
¿Quiénes son los muralistas mexicanos más reconocidos? Escribe sus
nombres. Escribe el título y localización de 3 murales de diferentes
muralistas:

CLEMENTE OROZCO, UNO DE LOS TRES GRANDES DEL

MURALISMO

Las personas que lo conocieron

cuentan que era alguien retraído y
tímido, aspectos que le atribuyen a
la pérdida de su mano izquierda en
un accidente de pólvora cuando él
era joven. Por: Nilda Olvera/
En 1916 en la librería “Biblos” de la
Ciudad de México se llevó a cabo
una exposición individual de un
joven pintor llamado José Clemente
Orozco, la cual al ser poco
comprendida por la novedad de su
arte no fue muy aclamada por el
público, pocos imaginaron que
dicho artista se convertiría unos años más adelante en uno de los muralistas más importantes
y representativos del México del siglo XX.
Orozco nació el 23 de noviembre de 1883 en Zapotlán el Grande, hoy conocido como Ciudad
Guzmán, un poblado del estado de Colima, luego de que el artista cumplió dos años sus
padres se mudaron a Guadalajara y posteriormente se establecieron en la capital mexicana.
Físicamente fue un hombre de piel morena clara, de cejas tupidas, con un bigote y de
apariencia seria que le daba la imagen a la gente que siempre estaba con el ceño fruncido
el cual se hallaba detrás de unos anteojos.
Las personas que lo conocieron cuentan que era alguien retraído y tímido, aspectos que le
atribuyen a la pérdida de su mano izquierda en un accidente de pólvora cuando él era joven.
Sus primeros acercamientos a la pintura fueron cuando éste era pequeño debido a que se
la pasaba observando los trabajos que realizó en ese entonces el ilustrador y caricaturista
José Guadalupe Posada para la imprenta en la que él laboraba.
Se inscribió a clases de dibujo en la Academia San Carlos, debido a que el artista tenía
talento para esta actividad, tiempo después su familia lo impulsó para que se dedicara a ser
Ingeniero Agrónomo, labor que decidió rechazar porque sintió que ésta no era para él.
El muralismo es un movimiento pictórico iniciado en la década de los 20 en el que se reflejó
la realidad y en el que impregnó imágenes de los acontecimientos dados en la Revolución
Mexicana, periodo de lucha armada que se dio entre 1910 a 1917 en contra el ex presidente
de la República Porfirio Díaz. Cabe señalar que la mayoría de los murales fueron encargados
por el ex titular de la Secretaría de Educación Pública (SEP) y ex rector de la Universidad
Nacional Autónoma de México (UNAM) José Vasconcelos durante el periodo presidencial de
Alvaro Obregón.
En aquella época los muralistas con mayor importancia e influencia eran Diego Rivera, David
Alfaro Siqueiros y Clemente Orozco. Quien entre sus trabajos más destacados fueron en el
Antiguo colegio de San Ildefonso, en el que pintó “La Trinidad” en la que observa a tres
hombres, dos hincados y uno de pie sosteniendo un arma, los que están apoyados en el piso
dan el efecto de hallarse asustados, mientras el que empuña lo que parece ser una escopeta
se prepara para dar un golpe militar.
También se puede apreciar “La Trinchera” en la dan la figura en la que los individuos se
refugian del enemigo en plena batalla, “La destrucción del viejo orden” en la que dos
campesinos voltean de reojo a sus espaldas observando la destrucción de lo que puede
relacionar con el antiguo sistema político, “Cortés y la Malinche” en la que el español y la
indigena se localizan sentados, ambos desnudos por encima de otro cuerpo, por mencionar
algunos. Asimismo, laboró en Bellas Artes con el “Katharsis”, en el que críticos señalan que
el autor representa en la pintura un mundo mecanizado, envilecido y caótico. En la
Universidad de Guadalajara se sitúa “El pueblo y sus falsos líderes” en la que se nota un
fondo en llamas y dos bandos los líderes de lado izquierdo que andaban con libros y armas
punzocortantes y de la parte derecha los pobladores, con una fisonomía de desnutrición y
con prendas que apenas les cubren.
Cuando Orozco se instauró en Estados Unidos realizó obras con temas de deshumanización,
la esclavitud y la ciencia, esto se puede observar en el mural “Prometeo” ubicado en el Fray
Hall del Pomona College, en Claremont y en el que los visitantes se pueden percatar que el
protagonista sostiene con gran esfuerzo algo que se le va caer o que trata de buscar la salida
a ese espacio que le acosa.
Su larga trayectoria le generó que recibiera el Premio Nacional de Bellas Artes, en sus
últimos días de su vida se dedicó a la pintura de caballete y a los muros de la antigua iglesia
de Jesús Nazareno.
El siete de septiembre de 1949 Clemento murió en la Ciudad de México, al siguiente día de
su deceso su cuerpo permaneció unas horas en el vestíbulo del Palacio de Bellas Artes para
luego trasladarlo al Panteón Civil de Dolores.
 DAVID ALFARO SIQUEIROS
Nació el 29 de
diciembre de 1896.
Su lugar de origen es
disputado entre
Chihuahua y la
Ciudad de México.
Sus padres fueron
Teresa Siqueiros y el
abogado Cipriano
Alfaro. Siqueiros
estudió en la Escuela
Nacional
Preparatoria. Al
mismo tiempo y por
las noches, acudía a
la Academia de San
Carlos. Aquí participó en una huelga estudiantil que demandaba la destitución del director y
el cambio en el método de enseñanza. Como resultado, surgió la academia al aire libre en
Santa Anita.
Era la época de la Revolución Mexicana y Siqueiros, junto con otros colegas, decidió unirse
al Ejército Constitucional de Carranza en contra de Victoriano Huerta. Siqueiros viajó a lo
largo y ancho del país. En ese momento se dio cuenta de las desigualdades sociales e
injusticias que sufría la mayoría de la población.
Una vez que ganó Carranza, Siqueiros se trasladó a la Ciudad de México. Aquí conoció a
Diego Rivera con quien después viajó por Italia. Ahí estudiaron juntos el arte renacentista.
En 1922, Siqueiros regresó a la Ciudad de México para trabajar como muralista. En este sitio
recibió el gran apoyo de José Vasconcelos. Los dos, junto con Rivera y Orozco, compartían
el ideal de educar a las masas a través del arte público.
Debido a su inclinación por ideales marxistas y por su constante crítica -escrita y pictográfica-
al gobierno, Siqueiros fue encarcelado en repetidas ocasiones. De hecho, permaneció cuatro
años en Lecumberri, acusado de “disolución social”. Sin embargo, ni estando preso dejó de
pintar. Además, también fue acusado de participar en un atentado contra León Trostky por
lo que tuvo que exiliarse en Chile.
El 6 de enero de 1974 murió David Alfaro Siqueiros, uno de los muralistas mexicanos que
marcaron el siglo XX.
Obras representativas
• Entierro de un trabajador (1923). Está en el hueco del Colegio Chico.
Nueva
Democracia (1944-
1945). Se encuentra en el Palacio de Bellas
Artes.
• Del porfirismo a la Revolución (1957-1966). Está en el Castillo de
Chapultepec.

Diego Rivera
Diego María de la
Concepción Juan
Nepomuceno Estanislao
de la Rivera y Barrientos
Acosta y Rodríguez,
mejor conocido como
Diego Rivera, nació el 8
de diciembre de 1886 en
la Ciudad de Guanajuato.
Sus padres fueron María
Barrientos y Diego
Rivera Acosta.

La vida artística de Diego

Rivera inició formalmente
en 1896. En ese año
ingresó a la Academia de San Carlos. Ahí conoció al gran paisajista José María Velasco.
Nueve años después, recibió una beca de parte del entonces Secretario de Educación, Justo
Sierra.

La fortuna le sonreía a Rivera debido a su talento. Este último le llevó a viajar por Europa y
otros lugares. Tuvo la oportunidad de relacionarse con intelectuales como Alfonso Reyes,
Ramón María del Valle-Inclán y Pablo Picasso.
Años después, Rivera regresó a México y participó en las campañas propuestas por José
Vasconcelos. En ese momento conoció a José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros,
Rufino Tamayo y al artista francés Jean Charlot. En 1922, además de casarse con
Guadalupe Marín, se anexó al Partido Comunista Mexicano. Después de divorciarse de
Marín, se casó con la pintora Frida Kahlo en 1929. En ese mismo año, fue expulsado del
Partido Comunista.
A diferencia de Siqueiros, Rivera simpatizaba con
Trotsky por lo cual, le dio asilo político al político ruso en 1937.
Kahlo y Rivera lo recibieron en la Casa Azul.
Rivera murió el 24 de noviembre de 1957 en la Ciudad de México (Coyoacán).
Obra representativa
• Frescos (1922) en la Secretaría de Educación Pública.
• El Hombre en una Encrucijada (1934). Esta obra se encuentra en el Palacio de Bellas
Artes.
• Sueño de una Tarde Dominical en la Alameda Central (1947). Este mural se ubica en
el Museo Mural Diego Rivera.
Cortesía
Mural El Hombre en una Encrucijada
José Clemente Orozco
Considerado como el “Goya mexicano” -debido al clima cálido de sus obras-. Orozco nació
en 1883 en Zapotlán, Jalisco. Su padre fue Ireneo Orozco y su madre María Rosa Flores.

ACTIVIDAD 2
SD1-B1

Relaciona las imágenes con las descripciones anteriormente leídas, deberás escribir
la manifestación artística en la línea inferior.
1. Arquitectura
2. Grabado
3. Pintura
4. Escultura
 ■ Realiza un dibujo en el que emplees algún tipo de perspectiva, volumen y escorzo.

PERSPECTIVA EJEMPLO
VOLUMEN EJEMPLO

ESCORZO EJEMPLO
■ A partir del esquema presentado a continuación, pinta cada una de las partes mencionadas y posteriormente
sigue las instrucciones de tu docente para completarlo.
La aguada es una forma de trabajar materiales con base de agua, como son las tintas, gouache,
acuarelas, temples y acrílicos sobre papel. Lo esencial en esta técnica es que se trabaje con mucha
agua en el pincel —de ahí el término aguada— para que los materiales que utilicemos actúen de
forma espontánea sobre el papel
La aguada es un procedimiento que consiste en dibujar y pintar con un color diluído en agua; el
pigmento empleado es por lo general tinta china.

Dependiendo de la cantidad de agua que se agregue a la tinta, se obtienen transparencias, que son la
característica esencial de esta técnica.

Con un lápiz muy fino trazar suavemente un boceto; luego, mezclar la tinta con agua, para obtener el
tono deseado. Con el pincel mojado en la aguada pintar todo el dibujo.

Se puede repasar las Líneas del dibujo con plumilla o con el mismo pincel, para darle más fuerza.
 Veladura
En pintura la veladura consiste en capas muy delgadas de pintura, de forma que se transparente
la capa inferior, así el color que se ve es el resultado suavizado de la mezcla del color inferior más el
de la veladura. Para realizar una veladura es necesario que la capa inferior esté perfectamente seca.
Dicha capa inferior puede ser de óleo o de acrílico, pero nunca debe hacerse al contrario, es decir, no
debe pintarse acrílico sobre óleo. En la antigüedad se utilizaba frecuentemente una base de temple
sobre la que, una vez seca, se iban añadiendo las sucesivas veladuras de color al óleo. La
transparencia y la profundidad, conseguidas de este modo, dan una calidad inimitable a las obras
pintadas enteramente siguiendo esas técnicas.

Para adelgazar la pintura se deben usar medios sintéticos, especialmente concebidos para este
uso. No conviene usar aceite de linaza porque resbala el color y se puede mezclar en otras zonas.

El óleo trabajado a base de veladuras es la técnica de pintar que más se utilizó en el

Renacimiento. También fue frecuentemente utilizada por artistas posteriores. Rembrandt, por ejemplo,
finalizaba sus cuadros con numerosas veladuras de color transparente sobre la base seca.

Esgrafiado

Esgrafiado es una técnica ornamental arquitectónica utilizada para la decoración en el enlucido y

revestimiento de muros, tanto en el exterior como en el interior de edificios. El término, de origen
italiano (esgrafiare), se aplica tanto a la acción artesana como al producto resultante. En materia de
albañilería, puede considerarse como una variedad o tipo de grabado realizado sobre una superficie
estofada, a partir de dos capas o colores superpuestos que permiten revelar formas o dibujos al retirar
o rallar la capa exterior. En los revestimientos de fachadas y decoración de algunos interiores suelen
utilizarse plantillas con motivos geométricos seriados. En la península ibérica, este oficio, de algún
modo heredero del arte decorativo parietal, tuvo su origen en el trabajo artesano de los alarifes
mudéjares, que dejaron diferentes ejemplos en Andalucía, Aragón, Castilla, Cataluña, Levante y
Portugal.

El esgrafiado, además de su aplicación arquitectónica, se ha documentado en restos

arqueológicos de distinta antigüedad en su aplicación sobre objetos de cerámica y, en la Edad Media,
sobre manuscritos en las ilustraciones en oro.
Degradado
Ejemplo de un degradado lineal de azul a rojo. A lo largo de la línea blanca, el porcentaje de azul va
variando del 100% al 0%, de forma inversamente proporcional al porcentaje de rojo. En diseño gráfico,
un degradado es un rango de colores ordenados linealmente con la intención de dar visualmente una
transición suave y progresiva entre dos o más colores.1La mayoría de programas informáticos de
retoque fotográfico permiten realizar de forma sencilla degradados con los que rellenar formas y
contornos.

En el software informático, los degradados se constituyen mediante una progresión de colores que
operan en el espacio de color (RGB o CMYK habitualmente) desde el primero hasta el segundo, en
los que se va reduciendo progresivamente el porcentaje del primer color y se va aumentando
proporcionalmente en la misma medida el porcentaje del segundo color.

También es posible generar degradados en el canal alfa, lo que permite una transición de un color
sólido cualquiera a una transparencia.

LA ACUARELA

La acuarela es una técnica pictórica que se realiza sobre papel y utiliza colores que se disuelven al
agua. Su pintura se obtiene por aglutinación de pigmentos secos mezclados con goma arábiga.

Se considera que las primeras acuarelas tienen origen en Egipto y China y están estrechamente
relacionadas con la invención del papel donde aplicaban pinturas a base de agua. A pesar de su
temprano origen, durante la historia del arte la acuarela no fue muy protagonista, se utilizaba
principalmente para los bocetos previos a las pinturas al óleo y para retratar paisajes y botánica. Pero
ya a partir del siglo XIX comenzó a tomar fuerza.

Hoy, la acuarela es una gran técnica utilizada no sólo por artistas, ilustradores y diseñadores, sino que
también es ideal para aficionados con ganas de desarrollar su creatividad, ya sea para relajarse o para
explorar nuevas maneras de expresarse.
¿CÓMO EMPEZAR EN EL MUNDO DE LA ACUARELA?

Una de las virtudes de la acuarela es que es una técnica limpia, no necesitas espacios muy grandes y
ventilados, ni muchos implementos. Además, es fácilmente transportable para tus viajes y paseos,
sobre todo hoy en día que existen muchos formatos portátiles de acuarela. Lo que necesitas para
comenzar:

- Acuarelas
- Papel
- Agua
- Pincel

1 | La clave de una buena acuarela, ¿cómo elegirla?

Existen muchas marcas y muchos formatos: Las
acuarelas pueden venir en tubos o en pastillas. Su
fórmula es la misma, la única diferencia es que una
viene en estado sólido (pastillas) y la otra en estado
líquido (tubos).

Aquí depende de tu gusto y de las necesidades que vayas teniendo. En tubo podrás encontrar más
variedad de colores por lo tanto podrás tener mayor libertad a la hora de elegir tu gama. Las pastillas,
en cambio, generalmente vienen en sets que traen colores básicos, a excepción de los nuevos sets de
acuarelas Van Gogh que vienen con diferentes
gamas de colores como “Rosas y Violetas”, “Tonos
Naturales”, “Colores Vibrantes” etc.

Las distintas calidades de acuarelas las podrás ver

en las variadas marcas y sus precios son muy
diversos. Siempre puedes comenzar con una
marca más “estudio” si no quieres invertir mucho
al principio, pero puedes ir de a poco acercándote
a las marcas más profesionales y tú misma(o)
podrás notar la diferencia.

OLEO
Origen de la pintura al óleo
La pintura al óleo es una técnica en la que sus pinturas se forman mezclando los pigmentos que
aportan el color con una base de aceite (de ahí el nombre). Esta base de aceite permite ofrecer un
acabado brillante que hace que los colores resalten, perduren y llamen la atención.

Antes de que se extendiera su uso, se utilizaba la pintura al temple o témpera sobre sarcófagos, tablas
o directamente en las pareces de templos y edificios en la llamada pintura al fresco. Esta pintura
utilizaba la yema de los huevos en emulsión para unir los pigmentos con el agua. Pero la pintura al
óleo tiene la peculiaridad de que tarda más en secar lo que permite corregir lo que se va pintando
sobre la marcha y ofrece unos colores más vivos y llamativos una vez terminada. Su uso se extiende
en el siglo XV y se hacen muy conocidos los pintores de Flandes (Países Bajos).
Funcionamiento de la pintura al óleo
Las pinturas al óleo se componen de unos pigmentos, que son los que tienen el color propiamente
dicho, junto con un medio oleoso para crear una pasta que fluya sobre el soporte que se esté utilizando
para pintar. El soporte puede ser una madera, la pared, una tela o casi cualquier elemento si se ha
preparado para ello. Para hacer que la pintura sea más fluida se utiliza más aceite (de linaza,
normalmente) aportando más brillo a la pintura o disolvente (aguarrás o agua de trementina) para que
seque antes y que será el mismo material que necesitaremos para limpiar los pinceles y paleta.

Las pinturas se mezclan en una paleta antes de aplicarlos en el soporte o se pueden aplicar
directamente y mezclarlos sobre la superficie del cuadro aprovechando que tardan en secar. Esto se
denomina pintura alla prima. Otra técnica es la de pintar una primera capa de color y luego ir dando
capas semitransparentes por encima esperando a que seque cada una (pintura con veladuras). Todas
estas técnicas podrás ir viéndolas a lo largo del curso completo de óleo.

Historia de los pigmentos

En la antigüedad, se obtenían los pigmentos de diversos elementos naturales (principalmente
minerales) más o menos difíciles de conseguir lo que hacía que algunos colores pudieran ser muy
caros y solo se utilizaran en contadas ocasiones. Por ejemplo, el color azul se obtenía del lapislázuli
que es una piedra semipreciosa bastante cara y difícil de conseguir. De esta forma, la mayoría de
cuadros no tenían el color azul sino que utilizaban tonos ocres, rojizos y marrones. Aquellos que podían
permitirse usarlo nunca lo mezclaban sino que lo mostraban en mantos, túnicas u otros tejidos para
demostrar su poderío y sus obras pasaban a considerarse dignas de mención.

Obras flamencas con uso del color azul de forma localizada

y sin mezclar

Cada pintor fabricaba sus propias pinturas y conseguir un color especial que nadie más tuviera era
también un signo de maestría y diferenciación. Así, surgieron colores como el marrón momia cuyo
pigmento se obtenía realmente pulverizando momias egipcias auténticas. No sé si realmente en el
resultado final se notaría la diferencia pero tiene su pedigrí lo de usar polvo de momia en tus cuadros…
;).

Los pigmentos sintéticos permitieron que las pinturas tengan hoy en día el mismo precio
independientemente de su color y nos ayudan al común de los mortales a poder tener cualquier color
sin irnos a cazar momias ni piedras preciosas.
Evolución del estilo en la pintura
La pintura al óleo ha ido evolucionando a lo largo de los siglos en distintos estilos y corrientes pictóricas.
Si la pintura al óleo surge en el siglo XV, el primer estilo sería el arte medieval con distintas escuelas,
como la ya mencionada flamenca. Arte Moderno y Arte Contemporáneo, con diversos estilos y
corrientes como el impresionismo, el realismo o el modernismo.

El siguiente vídeo es un ejemplo de cómo ha evolucionado el estilo de la pintura a lo largo de los años.
Dedica tan solo los últimos 50 segundos a la pintura contemporánea pero se puede observar como el
sigo XX supuso un cambio radical en el estilo y la forma de pintar. Ya se había perfeccionado la técnica
y parecía necesario inventar algo nuevo.
 Historia del grabado
La historia del grabado se ha desarrollado de forma paralela a la del resto de manifestaciones artísticas,
con antecedentes que se remontan hasta la prehistoria, si bien su auge se dio en las edades moderna
y contemporánea. El grabado (del griego γράφω, «esculpir, rayar») es un medio de expresión artístico
mediante la reproducción mecánica de dibujos o composiciones de carácter estético o comunicativo,
utilizando diversas técnicas que permiten la creación de una estampa en una hoja de papel presionada
a mano o a máquina contra una matriz entintada. Se suele englobar dentro de las artes gráficas, que
a su vez se suelen incluir en las artes decorativas o aplicadas.

Como técnica, el grabado en relieve se emplea en numerosos procedimientos artísticos —

especialmente en las artes aplicadas—, como la glíptica, el esmalte, la orfebrería, la numismática y la
medallística, pero generalmente se suele considerar el grabado como una forma de impresión de
imágenes con tinta en un soporte de papel.1 La base del grabado es el dibujo, por lo que muestra de
forma idónea las capacidades de un artista en ese arte. Por otro lado, como medio de difusión de
carácter popular, el grabado ha sido a menudo vehículo de transmisión de ideas políticas y sociales, o
bien simplemente poéticas y estéticas, y ha ayudado en gran medida a la difusión de la obra de los
artistas.2 También ha coadyuvado a la difusión gráfica de conocimientos científicos, mediante la
elaboración de grabados anatómicos, topológicos, arqueológicos, zoológicos, botánicos o similares.3

Por etimología, «grabado» es tanto el arte de trazar composiciones por incisión en la superficie de un
material como el resultado de ese arte, es decir, la impresión en una hoja de esa incisión, también
llamada «estampa».4 En el proceso de producción de un grabado pueden intervenir varias personas,
generalmente un artista que realiza la composición y un artesano que elabora el proceso técnico,
aunque en ocasiones pueden coincidir. Generalmente, el dibujante firma en el ángulo inferior izquierdo
con la fórmula delin. (de delineavit, «dibujó») y el grabador en el derecho con sculps. (de sculpsit,
«grabó»).5 Cabe diferenciar entre composiciones realizadas por artistas para ser grabadas, llamadas
«grabados originales», y la reproducción de cuadros de artistas famosos elaboradas por otros
grabadores, denominadas «reproducciones».3

Si bien existen diversos procedimientos cercanos al grabado empleados desde la prehistoria, se suele
considerar la xilografía (grabado en madera) como el método más antiguo, con exponentes que se
encuentran ya en el siglo ix en el arte chino. En Europa se difundió a partir de la Edad Media, no solo
en grabados sino también en tejidos y naipes. La plancha más antigua que se conserva procede de
Dijon (Francia), datada en torno a 1370, mientras que el primer grabado xilográfico que se conserva
es un San Cristóbal de 1423 custodiado en la John Rylands Library de Mánchester. Hacia 1430
apareció la calcografía (grabado en cobre), técnica de la que la primera obra fechada que se conserva
es de 1446. En el siglo xv el grabado se generalizó y popularizó en toda Europa, ya que su reproducción
seriada permitía un coste económico accesible a mucha mayor población que la pintura, reservada a
menudo a la burguesía, clero y aristocracia. En los siglos xvi y xvii el método más utilizado fue el
aguafuerte, mientras que en el siglo xviii apareció la litografía. En Japón se desarrolló en el siglo xvii
la serigrafía, que llegó a Europa en el siglo xix.6

Existen diversos procedimientos de grabado, con los que se elabora una estampa obtenida mediante
una plancha o matriz. Entre ellos cabe distinguir tres técnicas principales, según si son en relieve
(xilografía), en hueco (calcografía) o en plano (litografía).7

Xilografía: grabado en madera (generalmente cerezo o boj), realizado sobre un boceto calcado sobre
la plancha de madera y tallado con cuchillo, gubia, formón o buril, vaciando de madera los blancos y
dejando en relieve los negros; a continuación, se entinta con un rodillo y se estampa, bien a mano o
bien con el tórculo.
Calcografía: grabado sobre cobre realizado en hueco, en diversas técnicas: aguafuerte, técnica de
grabado consistente en tratar las partes de la plancha de metal no protegidas por un barniz con «agua
fuerte» (ácido nítrico diluido en agua); aguatinta, técnica proveniente de una plancha de metal cubierta
con resina, que una vez calentada se adhiere a la superficie de la plancha, dibujando posteriormente
sobre esta superficie con un tipo de tinta especial, llamada aguatinta; grabado a buril, se realiza sobre
plancha de cobre, con un buril, con el que se perfila el dibujo, rellenando los surcos con tinta; grabado
a punta seca, en esta técnica la plancha se trabaja directamente con una punta de acero, diamante o
rubí, sin recurrir a barnices ni ácidos, con lo que se obtienen unas líneas ásperas llamadas «rebabas»,
diferentes según la presión y el ángulo de incisión, que a diferencia del buril no corta el metal, sino que
lo araña; grabado a media tinta (mezzotinta), se trabaja la plancha con un rascador de varias puntas
(rocker o berceau), obteniendo un graneado uniforme por entrecruzamiento de líneas, con lo que se
distinguen tonos claros y oscuros.
Litografía: es un grabado sobre piedra caliza, que se hace tratando la superficie con un lápiz de materia
grasa para delimitar el dibujo y realizando el grabado según dos procedimientos: bañando con ácido,
para corroer la parte no engrasada y dejar el dibujo en relieve; o aplicando dos clases de tinta acuosa
y grasa, fijándose la primera en el fondo y cubriendo la segunda las líneas dibujadas a lápiz. Fue
inventado por Aloys Senefelder en 1796.
También cabe señalar el linograbado, una técnica de grabado en
relieve similar a la xilografía, pero utilizando linóleo en vez de madera;
y la serigrafía, una técnica por la cual se obtienen impresiones
filtrando los colores por una trama de seda —o, actualmente, nailon—
, recubriendo con cola las partes que no deben filtrarse para
impermeabilizarlas. Existen otras técnicas menos utilizadas, como el
grabado electrolítico, el grabado leucográfico, el pirograbado, la
monotipia y la cromolitografía, mientras que ya en época
contemporánea han surgido métodos de impresión como el ófset, la
flexografía, el huecograbado y la impresión digital.8

La historia de las estampas no es, como mucha gente parece pensar,

la de una forma de arte menor, sino la de un poderosísimo método de
comunicación entre los hombres y la de sus efectos sobre el
pensamiento y la civilización de la Europa occidental.
Representa con un dibujo, los cuatro ejemplos faltantes del folclore mexicano.

BAILE

CANTO

VESTIMENTA
JUEGOS
Busca en libros, revistas o internet imágenes que representen las festividades de Sonora, que
anteriormente se mencionaron.
Si falta alguna festividad, tradiciones de Sonora que conozcas puedes agregarla.

Danza del venado

Danza de Matachines
Danza de Pascotas
Danza de los Coyotes
Danza de Pascola
Festividad de la Purísima concepción
Festividad de la virgen de Guadalupe
Festividad de San francisco de Asís
Fiesta del Valle del Yaqui
Festival internacional de guitarra de Sonora
Fiesta de San Juan Bautista
Festividad titular del poblado Pitiquito
ExpoGan
Día de la Marina
Celebración de Fin de año
Ceremonia del Vi’iquita o Fiesta del Cucú
Capirotada Sononorense
Champurrado sonorense